블루스

Blues
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블루스
문체적 기원
문화적 기원1860년대,[2] 미국 딥사우스
파생 형식
서브장르
서브장르
퓨전 장르
퓨전 장르
지역 장면
지역 장면
기타 토픽
시리즈의 일부
아프리카계 미국인
African America
역사
기간
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인구.
미국의 주
미국의 도시
유적지
인구수
디아스포라
편견
인종 차별
고정관념과 미디어 묘사

블루스는 1860년대[2] 미국 남부에서 흑인 노동곡과 영혼의 뿌리에서 유래한 음악 장르이자[3] 음악 형식이다.블루스는 영혼, 작업곡, 야유회, 외침, 구호, 그리고 운율이 있는 단순한 서사 발라드를 통합했다.재즈, 리듬 앤 블루스, 로큰롤에서 흔히 볼 수 있는 블루스 형태는 콜 앤 리스폰스 패턴, 블루스 스케일 및 특정 코드 진행으로 특징지어지며, 그 중 12개의 바 블루스가 가장 흔하다.블루 노트(또는 "걱정스러운 음")는 보통 음이 3분의 1, 5분의 1, 또는 7분의 1로 평탄한 음이다.블루스 셔플이나 워킹 베이스는 무아지경 같은 리듬을 보강하고 그루브라고 알려진 반복적인 효과를 형성합니다.

장르로서의 블루스는 가사, 베이스라인, 기악으로도 특징지어진다.초기의 전통적인 블루스 구절들은 한 줄에 4번 반복되었다.가장 일반적인 현재의 구조가 표준이 된 것은 20세기 첫 수십 년뿐이었다. 즉, AAB 패턴은 4개의 첫 소절에 걸쳐 노래되고 다음 4개의 소절에 걸쳐 반복되며 마지막 소절에 걸쳐 더 긴 마무리 소절이었다.초기 블루스는 종종 느슨한 이야기의 형태를 취했고, 종종 흑인들에 의해 경험된 인종 차별과 다른 도전들에 관한 것이었다.

통화와 응답 형식, 블루 노트 사용 등 많은 요소들은 아프리카의 음악으로 거슬러 올라갈 수 있다.블루스의 기원은 또한 아프리카계 미국인 공동체의 종교 음악인 영혼과도 밀접한 관련이 있다.블루스의 첫 출현은 종종 노예제도의 종식과 후에 주크 관절의 발달로 거슬러 올라간다.그것은 옛 노예들이 새롭게 얻은 자유와 관련이 있다.연대기 작가들은 20세기 초에 블루스 음악에 대해 보고하기 시작했다.블루스 악보가 처음 출판된 것은 1908년이었다.블루스는 무반주 성악과 노예들의 구전으로부터 다양한 스타일과 하위 장르로 발전해 왔다.블루스 하위 장르에는 델타 블루스와 피에몬트 블루스와 같은 컨트리 블루스와 시카고 블루스와 웨스트 코스트 블루스와 같은 어반 블루스 스타일이 포함됩니다.제2차 세계 대전은 어쿠스틱에서 일렉트릭 블루스로의 전환과 블루스 음악의 진보적인 개방을 특징지었는데, 특히 백인 청취자들이었다.1960년대와 1970년대에, 블루스 록이라고 불리는 하이브리드 형태가 개발되었고, 블루스 스타일에 록 음악을 섞었다.

어원학

블루스라는 용어는 우울함과 슬픔을 뜻하는 블루 데빌에서 유래했을지도 모른다. 이러한 의미에서 이 용어의 초기 사용은 조지 콜먼의 단막 희극 블루 데빌(1798년.[4]블루 데빌이라는 말도 1600년대 영국에서 "심한 알코올 [5]금단 현상을 동반할 수 있는 강렬한 시각적 환각"을 지칭하는 용법에서 유래한 것일 수 있다.시간이 흐르면서 악마에 대한 언급을 잃었고, 그것은 동요하거나 [5]우울한 상태를 의미하게 되었다.미국에서 1800년대까지 블루스라는 용어는 음주와 관련이 있었는데,[5] 이는 일요일에 술을 팔지 못하도록 하는 블루법에서 살아남은 의미이다.흑인 음악에서 이 문구를 사용한 것은 더 오래된 것일 수 있지만, 하트 완드의 "댈러스 블루스"가 저작권이 있는 최초의 블루스 [6][7]곡이 된 1912년부터 출판된 것으로 증명되었다.

가사에서 그 구절은 종종 [8]우울한 기분을 묘사하기 위해 사용된다.

1827년, 존 제임스 오듀본이 아내에게 "블루스를 [9]앓고 있다"고 편지를 쓴 것은 슬픈 심리상태의 의미였다.

"블루스"라는 문구는 당시 25세였던 샬롯 포튼이 1862년 12월 14일 일기에 쓴 것이다.그녀는 펜실베니아 출신의 자유로운 흑인 여성으로 사우스 캐롤라이나에서 학교 교사로 일하며 노예와 자유인을 가르쳤고, 외로움과 연민을 느껴 "블루스로 집에 왔다"고 썼다.그녀는 우울증을 극복했고 후에 노예들 사이에서 인기를 끌었던 "불쌍한 장미"와 같은 많은 노래들을 주목했다.비록 그녀가 들은 노래의 방식을 설명할 수 없다는 것을 인정했지만, 포텐은 이 노래들이 "충만한 마음과 불안한 정신 없이는 부를 수 없다"고 썼는데, 이는 수많은 블루스 [10]노래들을 자극해 왔다.

가사

미국의 블루스 가수 마 레이니(1886년-1939년), '블루스의 어머니'

초기의 전통적인 블루스 구절의 가사는 종종 한 줄에 네 번 반복되어 이루어졌을 것이다.가장 일반적인 현재의 구조가 표준이 된 것은 20세기의 첫 번째 소절에 걸쳐 노래되는 "AAB" 패턴, 다음 네 번째 소절에 걸쳐 노래되는 그 반복, 그리고 [11]마지막 소절에 걸쳐 더 긴 마무리 소절에 이르기까지입니다.처음 발표된 블루스 노래 중 두 곡인 "달라스 블루스"와 "세인트 루이스 블루스"는 AAB 서정 구조를 가진 12마디 블루스였다.W.C. Handy는 세 [12]번 반복되는 선의 단조로움을 피하기 위해 이 관습을 채택했다고 썼다.이 대사들은 종종 멜로디보다는 리듬감 있는 토크에 가까운 패턴에 따라 불려진다.

초기 블루스는 종종 느슨한 이야기의 형태를 취했다.흑인 가수들은 "잃어버린 사랑, 경찰들의 잔인함, 백인들의 손에 의한 억압, 그리고 힘든 시기 [13]등 가혹한 현실의 세계에서 개인적인 고민"이라고 목소리를 높였다.이 우울함은 이그보가 우울한 음악과 [14][15]노예가 되었을 때의 삶에 대한 전망으로 아메리카의 농장 전체에 걸쳐 가지고 있던 평판 때문에 블루스의 이그보 기원을 암시하게 되었다.

그 가사는 종종 아프리카계 미국인 사회에서 겪은 문제들을 다루고 있다.예를 들어 블라인드 레몬 제퍼슨의 "Rising High Water Blues"(1927년)는 1927년 미시시피 대홍수에 대해 다음과 같이 말하고 있다.

역류하는 남쪽 사람들은 시간을 낼 수 없다.
내가 말했지, 역류가 불어나면, 남쪽 사람들은 시간을 낼 수 없다고.
그리고 멤피스 여자애한테 연락이 안 돼

비록 블루스가 비참함과 억압과 연관되긴 했지만, 가사는 유머러스하고 [16]발랄할 수도 있다.

레베카, 레베카, 네 큰 다리 치워
레베카, 레베카, 네 큰 다리 치워
아기를 보내는 건지도 모르지만 [17]걱정돼 죽도록 걱정이에요

Hokum blues는 희극적인 서정적인 내용과 떠들썩하고 익살스러운 공연 [18]스타일 모두를 축하했다.탬파 레드와 조지아 톰의 "It's Tight Like That"(1928년)[19]은 누군가와 "친밀하다"는 이중적인 의미와 함께 좀 더 거친 육체적 친근감을 가진 교활한 말장난이다.성적으로 노골적인 가사가 있는 블루스 노래는 더티 블루스로 알려져 있었다.전후 블루스에서는 서정적인 내용이 조금 더 단순해졌는데, 블루스는 인간관계나 성적 고민에 초점을 맞추는 경향이 있었다.경제 불황, 농업, 악마, 도박, 마술, 홍수, 가뭄과 같이 전쟁 전 블루스에서 자주 등장했던 서정적인 주제는 전후 블루스에서 [20]덜 흔했다.

작가 에드 모랄레스는 로버트 존슨의 "크로스 로드 블루스"를 "크로스 로드를 담당하는 오리샤 엘레구아에 대한 얇은 언급"[21]으로 언급하면서 요루바 신화가 초기 블루스에 한몫했다고 주장했다.하지만 기독교의 영향은 훨씬 [22]더 뚜렷했다.찰리 패튼과 스킵 제임스와 같은 많은 블루스 아티스트들의 레퍼토리는 종교적인 노래나 [23]영혼들을 포함했다.게리[24] 데이비스 목사와 블라인드 윌리[25] 존슨은 가사가 분명히 영혼의 소유이긴 하지만 종종 그들의 음악으로 인해 블루스 음악가로 분류되는 예술가들의 예이다.

형태

블루스 형태는 코드들의 반복적인 진행이 아프리카와 아프리카계 미국인 음악에서 흔히 볼 수 있는 통화와 응답 체계를 반영하는 순환적인 음악 형태입니다.20세기 블루스의 첫 수십 년 동안 음악은 특정한 코드 [26]진행의 관점에서 명확하게 정의되지 않았다.베시 스미스와 같은 초기 연주자들의 인기와 함께, 12마디 블루스의 사용은 1920년대와 30년대에 [27]음악 산업 전반으로 확산되었다.8마디 형식과 같은 다른 코드 진행은 여전히 블루스로 여겨진다; 예를 들어 "How Long Blues", "Trouble in Mind", 그리고 빅 빌 브룬지의 "Key to the Highway" 등이 있다.레이 찰스의 기악곡 "Sweet 16 Bars"와 허비 핸콕의 "Watermelon Man"과 같은 16마디 블루스도 있다.월터 빈슨이 쓴 "Siting on the World"의 9마디 진행과 같이 독특한 수의 막대가 사용되기도 한다.

12바 스킴으로 재생되는 코드: C의 블루스 코드:
I I 또는 IV I I7
IV IV I I7
V V 또는 IV I I 또는 V
C C C C
F F C C
G G C C

블루스 작곡의 기본 12마디 서정 틀은 4/4박자 서명으로 12마디의 표준 조화 수열로 반영됩니다.12바 블루스와 관련된 블루스 코드는 일반적으로 12바 스킴으로 연주되는 3개의 다른 코드 세트입니다.그것들은 진행 정도를 나타내는 로마 숫자로 표시된다.예를 들어, C 키의 블루스는 C가 강세 코드(I), F가 서브 우위(IV)이다.

마지막 화음은 지배적인(V) 반전이며, 다음 진행의 시작점으로의 전환을 나타냅니다.가사는 보통 10번째 소절의 마지막 박자나 11번째 소절의 첫 박자로 끝나며, 마지막 두 소절은 연주자에게 휴식시간으로 주어집니다; 이 두 소절의 조화는 매우 복잡할 수 있으며, 때로는 코드 측면에서 분석이 불가능한 단일 음표로 구성되기도 합니다.

대부분의 경우, 이러한 화음의 일부 또는 전부가 하모닉 7번째 형식으로 연주됩니다.하모닉 제7음계의 사용은 블루스의 특징이며 일반적으로 블루스 [28]세븐이라고 불립니다.블루스 세븐 코드는 기본 음에 대해 7:4 비율로 주파수를 가진 음을 조화 화음에 추가합니다.7:4의 비율로, 그것은 전통적인 서양의 디아토닉 [29]척도의 어떤 간격에도 가깝지 않다.편의상 또는 필연적으로 그것은 종종 작은 7번째 음정 또는 지배적인 7번째 현에 의해 근사된다.

마이너 펜타톤 음계; 플레이(도움말·정보)

멜로디에서 블루스는 관련된 장음계의 [30]평탄한 셋째, 다섯째, 일곱째를 사용함으로써 구별된다.

블루스 셔플이나 워킹 베이스는 무아지경의 리듬과 콜 앤 리스폰스(call-and-response)를 강화하여 그루브라고 하는 반복적인 효과를 형성합니다.아프리카계 미국인 기원이래 블루스의 특징인 셔플은 스윙 음악에서 [31]중심적인 역할을 했다.1940년대 [32]중반에 시작된 R&B 파동의 가장 명확한 특징이었던 가장 단순한 셔플은 기타의 베이스 현에 세 음의 리프가 있었다.베이스와 드럼으로 이 리프를 연주했을 때, 그루브의 「느낌」이 생겨났다.셔플 리듬은 종종 "dow, da dow, da daw, da" 또는 "dump, da dump, da dump, da da"[33]로 발음된다: 그것은 고르지 않은, 즉 "swung" 8번째 음으로 구성된다.기타에서 이것은 단순한 스테디 베이스로 연주할 수도 있고, 코드 5번째에서 6번째까지의 단계적인 4분의 1 음의 움직임을 추가할 수도 있다.

역사

오리진스

주요 기사:블루스의 기원

블루스 악보의 원저, 뉴 올리언스 음악가 안토니오 마조에 의해 1908년 최초의 출판된 작문는 '블루스로 알려지게 될 음악의 형태로 블루스를 갖고 있는 것이 조건을 연결하는 것으로 알려져"로 칭하는 출판되"나는 블루스도 이뻐요."을지도 모른다.'"[34]하트 반트의"Dallas Blues" 1에 발표되었다.912; W.C. 핸디의 "멤피스 블루스"는 같은 해에 그 뒤를 이었다.흑인 가수의 첫 녹음은 1920년 마미 스미스가 페리 브래드포드의 "크레이지 블루스"를 부른 것이다.하지만 블루스의 기원은 아마 [35]1890년경인 수십 년 전이었다.이 음악은 부분적으로 학계를 [36]포함한 미국 사회의 인종 차별과 그 [37]당시 흑인 농촌의 낮은 문맹률 때문에 문서화되어 있지 않다.

남부 텍사스와 남부지방의 블루스 음악에 대한 보고서는 20세기 초에 작성되었다.찰스 피바디는 미시시피 클락스데일에서 블루스 음악의 출현을 언급했고 게이트 토마스는 1901-1902년 경 텍사스 남부에서 비슷한 노래를 불렀다고 보고했다.이러한 관찰은 1902년 뉴올리언스에서 블루스 음악을 처음 들었다고 말한 젤리 롤 모튼, 같은 해 미주리에서 블루스를 처음 들은 마 레이니, 그리고 W.C.의 기억과 거의 일치한다. 핸디는 1903년 미시시피주 투트와일러에서 블루스를 처음 들었다.이 분야의 첫 번째 광범위한 연구는 하워드 W에 의해 수행되었다. 1905년부터 [38]1908년까지 미시시피주 라파예트 카운티와 조지아주 뉴턴 카운티에서 민요 선집을 낸 오둠.폴 올리버에 의해 프로토 블루스라고 불리는 블루스 음악의 첫 번째 비상업적 레코딩은 20세기 초에 연구 목적으로 오둠에 의해 만들어졌다.그들은 지금 [39]길을 잃었다.

앨라배마 섬터빌에서 음악학자 존 로맥스(왼쪽)가 뮤지션 '아저씨' 리치 브라운과 악수하고 있다.

1924년 로렌스 겔러트에 의해 여전히 이용 가능한 다른 녹음들이 만들어졌다.후에, 의회 도서관 미국 민요 기록 보관소장이 된 로버트 W. 고든에 의해 여러 개의 녹음이 만들어졌다.고든의 도서관 후계자는 존 로맥스였다.1930년대에 로맥스와 그의 아들 앨런은 필드홀러와 [40]벨소리와 같은 다양한 프로토 블루스 스타일을 증명하는 많은 비상업적인 블루스 녹음을 만들었다.1920년 이전에 존재했던 블루스 음악의 기록은 리드[41] 벨리와 헨리 [42]토마스 같은 아티스트들의 음반에서도 찾아볼 수 있다.이러한 모든 선원은 12,[43][44] 8 또는 16-bar와 구별되는 많은 다른 구조의 존재를 보여준다.블루스의 출현에 대한 사회적, 경제적 이유는 완전히 [45]알려져 있지 않다.블루스의 첫 출현은 보통 1863년 [36]해방법 이후, 1860년대와 1890년대 [2]사이, 해방 후 그리고 후에 흑인들이 하루의 힘든 [46]일을 마치고 음악을 듣거나 춤을 추거나 도박을 하러 갔던 장소로서 주크 조인트의 설립과 일치하는 시기이다.이 시기는 노예제에서 소작, 소규모 농업 생산, 그리고 미국 남부의 철도 확장에 해당한다.몇몇 학자들은 1900년대 초반 블루스 음악의 발전을 그룹 공연에서 개인화된 공연으로 특징짓는다.그들은 블루스의 발달이 노예들의 새롭게 [47]획득된 자유와 연관되어 있다고 주장한다.

로렌스 레빈에 따르면, "개인을 향한 국가 이데올로기의 강조, 부커 T. 워싱턴의 가르침의 인기, 그리고 블루스의 부상 사이에는 직접적인 관계가 있었다."Levine은 "심리적으로, 사회적으로, 그리고 경제적으로, 아프리카계 미국인들은 노예제 시절에는 불가능했을 방식으로 교양되었고, 그들의 세속적인 음악이 [47]그들의 종교 음악만큼 이것을 반영하는 것은 놀랄 일이 아니다"라고 말했다.

모든 블루스 음악에는 몇 가지 공통적인 특징이 있는데, 그 장르가 개별 [48]연주자들의 특이성에서 그 형태를 취했기 때문이다.하지만, 현대 블루스가 만들어지기 훨씬 전에 존재했던 몇 가지 특징들이 있다.호출과 응답의 외침은 블루스 같은 음악의 초기 형태였다; 그것들은 "기능적인 표현...무반주나 화음이 없고 특정한 음악 구조의 형식에 얽매이지 않는 스타일이다.[49]이 프리블루스의 형태는 노예 링의 외침과 야유에서 들렸고, "감정적인 [50]내용이 담긴 단순한 솔로 노래"로 확장되었다.

블루스는 서아프리카와 시골 흑인들로부터 수입된 노예들의 무반주 성악과 구전으로부터 미국 전역에 걸쳐 다양한 스타일과 하위 장르로 발전해 왔다.비록 블루스가 유럽의 조화 구조와 목소리와 [51][52]기타의 상호작용으로 변형된 아프리카의 콜 앤 리스폰스 전통에 기초한 음악 스타일이라고 볼 수 있지만, 블루스는 그 자체로 서아프리카 그리트의 [53][54]멜로디 스타일과 유사하지 않다.또한 블루스의 4박자 구조가 원주민의 전통인 파워와우 [55]드럼에서 유래했다는 설도 있다.

블루스의 [56]단일 직계 조상으로 특정 아프리카 음악의 형태는 식별될 수 없다.그러나 콜 앤 리스폰스 형식은 아프리카의 음악으로 거슬러 올라갈 수 있습니다.블루스 음은 블루스 음보다 먼저 사용되고 아프리카 기원을 가진 것으로 1898년에 작곡된 영국인 작곡가 새뮤얼 콜리지 테일러의 "흑인의 사랑 노래"에 의해 증명되었습니다.이 곡은 파란색의 세번째 음과 일곱번째 [57]음을 포함하고 있다.

디들리 활과 밴조는 아프리카 연주 기법을 초기 블루스 악기 [58]어휘로 옮기는 데 도움을 준 아프리카 유래 악기이다.밴조는 서아프리카 음악에서 직수입된 것 같다.그것은 이그보 같은[59] 다른 아프리카인들이 연주했던 악기와 비슷하다.[60]그러나 컨트리 블루스가 기록되기 시작한 1920년대에 블루스 음악에서 밴조의 사용은 매우 미미했고 파파 찰리 잭슨과 후에 거스 [61]캐논과 같은 개인에게만 국한되었다.

블루스 음악 또한 "에티오피아적 공기", 음유시인 쇼, 그리고 기악과 조화 [62]반주를 포함한 흑인 영가들의 요소를 채택했다.블루스가 "아프리카 음악의 독창적인 멜로디 패턴"[63]을 더 잘 보존했지만, 그 스타일은 거의 동시에 발전한 래그타임과도 밀접한 관련이 있었다.

현대 컨트리 음악뿐만 아니라 현재 블루스로 여겨지는 음악 형태와 스타일은 19세기 동안 미국 남부의 같은 지역에서 생겨났다.녹음된 블루스와 컨트리 음악은 1920년대 음반업계가 흑인의 음악을, 백인의 음악을 각각 판매하기 위해 "레이스 음악"과 "힐빌리 음악"이라는 마케팅 카테고리를 만들었을 때 찾아볼 수 있다.당시 '블루'와 '컨트리'는 연주자의 민족성을 제외하고는 명확한 음악적 구분이 없었고, 그마저도 음반사에 [64][65]의해 잘못 기록되기도 했다.

음악학자들은 이제 블루스를 서아프리카에서 유래된 것으로 생각되는 특정한 코드 구조와 서정 형식으로 좁게 정의하려고 시도할 수 있지만, 관객들은 원래 훨씬 더 일반적인 방법으로 음악을 들었다: 그것은 단순히 남부 시골, 특히 미시시피 삼각주의 음악이었다.흑인과 백인 뮤지션들은 같은 레퍼토리를 공유했고 스스로를 블루스 뮤지션이라기보다는 '노래꾼'으로 생각했다.블루스의 개념은 1920년대 시골에서 도시 지역으로의 흑인 이주와 음반 산업의 동시 발전 과정에서 생겨났다.블루스는 흑인 [66]청취자들에게 팔기 위해 고안된 음반의 암호어가 되었다.

블루스의 기원은 아프리카계 미국인 공동체인 영혼들의 종교적 음악과 밀접하게 관련되어 있다.영혼의 기원은 블루스보다 훨씬 더 먼 18세기 중반으로 거슬러 올라갑니다.그때 노예들은 기독교화되었고 특히 매우 [67]인기 있었던 아이작 와츠의 찬송가를 부르고 연주하기 시작했습니다.블루스가 코드 진행의 관점에서 공식적인 정의를 얻기 전에, 블루스는 영혼의 세속적인 대항마로 정의되었다.그것은 시골 [22]흑인들이 연주하는 저급한 음악이었다.

음악가가 속한 종교 공동체에 따라, 이 낮은 음악을 연주하는 것은 다소 죄악으로 여겨졌습니다: 블루스는 악마의 음악이었습니다.따라서 음악가들은 두 개의 카테고리로 나뉘었다: 가스펠 가수와 블루스 가수, 기타 전도사 그리고 노래하는 사람들.하지만 1920년대에 시골 흑인 음악이 녹음되기 시작했을 때, 두 음악 카테고리는 비슷한 기술을 사용했다: 호출과 응답 패턴, 블루 노트, 그리고 슬라이드 기타.그럼에도 불구하고 가스펠 음악은 기독교 찬송가와 양립할 수 있는 음악 형식을 사용했고, 따라서 세속적인 [22]음악보다 블루스 형식으로 덜 특징지어졌다.

전쟁 전의 블루스

미국 악보 출판 산업은 래그타임 음악을 많이 생산했다.1912년까지, 악보업계는 블루스와 같은 세 가지 인기 있는 작곡을 발표했고, 양철골에서 블루스 요소를 채택하게 되었다: "Baby" Franklin Seals (편곡: Arty Matthews), "Dallas Blues" (Hart Wand) 그리고 "Memphis Blues" (WC) 편리하다.[68]

'세인트루이스 블루스'(1914) 악보

핸디는 공식적으로 훈련을 받은 음악가, 작곡가, 편곡가로, 밴드와 가수들과 함께 블루스를 거의 심포닉한 스타일로 번역하고 오케스트레이션함으로써 블루스를 대중화하는데 도움을 주었다.그는 대중적이고 다작한 작곡가가 되었고 자신을 "블루스의 아버지"라고 칭했다. 그러나 그의 작곡은 라그타임과 재즈의 융합으로 묘사될 수 있으며, 오랫동안 [21][69]라그타임의 일부였던 쿠바의 하바네라 리듬을 사용하여 쉽게 결합되었다. 핸디의 대표 작품은 "세인트 루이스 블루스"였다.

1920년대에 블루스는 흑인 및 미국 대중음악의 주요 요소가 되었고 핸디의 편곡과 클래식 여성 블루스 연주자들을 통해 백인 관객들에게 다가갔다.이 여성 연주자들은 아마도 최초의 흑인 "슈퍼스타"가 되었고, 그들의 음반 판매는 "흑인들이나 흑인들이 [70]만든 음반에 대한 엄청난 욕구"를 보여주었다.블루스는 술집에서의 비공식 공연에서 극장에서의 오락으로 발전했다.블루스 공연은 코튼 클럽과 같은 나이트클럽과 멤피스의 빌 스트리트를 따라 있는 바 같은 주크 조인트에서 Theater Owners Bookers Association에 의해 조직되었다.American Record Corporation, Okeh Records, 그리고 Paramount Records와 같은 몇몇 음반 회사들은 흑인 음악을 녹음하기 시작했다.

음반 산업이 성장함에 따라, Bo Carter, Jimmie Rodgers, Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Tampa Red, Blake와 같은 컨트리 블루스 연주자들이 아프리카계 미국인 사회에서 더 유명해졌다.켄터키 태생의 실베스터 위버는 1923년에 기타가 칼날이나 병의 [71]톱으로 잘려나간 목으로 조바심을 내는 슬라이드 기타 스타일을 최초로 녹음했다.슬라이드 기타는 델타 [72]블루스의 중요한 부분이 되었다.1920년대 최초의 블루스 레코딩은 전통적인 시골 블루스와 좀 더 세련된 도시 블루스로 분류된다.

컨트리 블루스 연주자들은 종종 반주 없이 또는 밴조나 기타만으로 즉흥 연주를 했다.컨트리 블루스의 지역적인 스타일은 20세기 초에 매우 다양했다.(미시시피) 델타 블루스는 슬라이드 기타와 함께 열정적인 보컬을 가진 뿌리 깊은 스파스 스타일이었다.거의 녹음되지 않은 로버트[73] 존슨은 도시와 시골의 블루스 요소를 결합했다.로버트 존슨 외에도, 이 스타일의 영향력 있는 연주자들은 그의 전임자인 찰리 패튼과 손 하우스를 포함했다.Blind Willie McTell과 Blind Boy Fuller와 같은 가수들은 남동부의 "섬세하고 서정적인" 피에몬트 블루스 전통에서 공연을 했는데, 이 블루스 전통은 정교한 래그타임 기반의 핑거피킹 기타 기법을 사용했다.조지아는 또한 컬리 위버, 탬파 레드, "바베큐 밥" 힉스, 제임스 "코코모" 아놀드가 이 [75]스타일을 대표하는 초기 슬라이드 전통이 [74]있었다.

1920년대와 1930년대 테네시주 멤피스 근처에서 발전한 활기찬 멤피스 블루스 스타일은 멤피스 저그 밴드나 거스 캐논의 저그 스톰퍼스와 같은 저그 밴드의 영향을 받았다.프랭크 스톡스, 슬리피 존 에스테스, 로버트 윌킨스, 조 맥코이, 케이시 빌 웰던, 멤피스 미니와 같은 연주자들은 세탁기, 바이올린, 카주 또는 만돌린과 같은 다양한 특이한 악기들을 사용했다.멤피스 미니는 그녀의 거장 기타 스타일로 유명했다.피아니스트 멤피스 슬림은 멤피스에서 활동을 시작했지만 그의 독특한 스타일은 더 부드러웠고 약간의 스윙 요소가 있었다.멤피스에 기반을 둔 많은 블루스 음악가들은 1930년대 후반이나 1940년대 초에 시카고로 이주하여 도시 블루스 [76][77]운동의 일부가 되었다.

파워풀한 목소리로 알려진 초기 블루스 가수 베시 스미스

어반 블루스

도시 또는 도시 블루스 스타일은 더 이상 연주자가 지역, 즉석 커뮤니티에 속하지 않고 더 크고 다양한 관객의 [78]미학에 적응해야 했기 때문에 더 체계화되고 정교해졌다.1920년대에는 클래식한 여성 어반과 보드빌 블루스 가수들이 인기를 끌었는데, 그중에서도 "빅3"가 인기였다.: Gertrude "Ma" Rainey, Bessie Smith 및 Lucille Bogan.블루스 아티스트라기보다는 보드빌의 연주자인 마미 스미스는 1920년 흑인 최초로 블루스 곡을 녹음했다. 두 번째 앨범인 "Crazy Blues"는 발매 첫 [79]달 동안 75,000장이 팔렸다."Mother of Blues"의 마더 레이니와 베시 스미스는 각각 "아마도 그녀의 목소리를 방 뒤쪽에 더 쉽게 투영하기 위해" 중앙 톤을 중심으로 노래를 불렀다.스미스는 "비범한 음조로 노래를 불렀고, 아름답고 힘찬 콘트라토와 함께 자신의 해석을 수용하기 위해 음을 구부리고 늘이는 그녀의 예술성은 타의 추종을 불허했다."[80]

1920년 보드빌의 가수 루실 헤가민은 "The Jazz Me Blues"[81]를 녹음하면서 블루스를 녹음한 두 번째 흑인 여성이 되었고, 빅토리아 여왕 또는 Za Zu Girl로 불리기도 하는 빅토리아 스피비는 1926년부터 40년에 걸친 음반 경력을 가지고 있다.이러한 녹음은 일반적으로 백인 관객에게 판매되는 기록과 구별하기 위해 "인종 기록"이라는 레이블을 붙였습니다.그럼에도 불구하고, 일부 클래식 여성 블루스 가수들의 음반도 백인 바이어들에 의해 [82]구입되었다.이 블루스우먼들의 장르에 대한 기여는 "선율적인 대사에 대한 즉흥 연주의 증가, 가사의 강조와 충격을 바꾼 특이한 표현, 그리고 고함, 신음, 신음, 신음, 통곡을 사용한 성악극"을 포함했다.블루스 여성은 재즈, 브로드웨이 뮤지컬, 1930, 1940년대 성화송, 가스펠, 리듬 앤 블루스, 그리고 결국 로큰롤 [83]등 다른 유형의 인기 가창에도 영향을 미쳤습니다.

탬파 레드, 빅 빌 브룬지, 리로이 카와 같은 그 시대의 유명한 흑인 뮤지션들이 도시 남성 가수들에 포함되었다.이 시대의 중요한 레이블은 시카고에 본사를 둔 블루버드 레코드였다.제2차 세계대전 전에는 탬파 레드는 "기타 마법사"로 불리기도 했다.카는 기타로 스크래퍼 블랙웰과 함께 피아노에 반주했는데, 이 형식은 1950년대 찰스 브라운과 심지어 냇 "킹" [72]콜과 같은 예술가들과 함께 계속되었다.

전형적인 부기우기 베이스라인 플레이 (도움말·정보)

부기우기는 1930년대와 1940년대 초반 어반 블루스의 또 다른 중요한 스타일이었다.이 스타일은 종종 솔로 피아노와 관련이 있는 반면, 부기우기는 또한 가수들과 반주하기 위해 사용되었고, 솔로 파트로서 밴드와 작은 콤보에서 사용되었다.Boogie-Woogie 스타일은 일반적인 베이스 피규어, 오스티나토 또는 리프, 왼손의 레벨 시프트가 특징이며, 오른손의 각 코드와 트릴과 장식을 정교하게 표현했다.부기우기는 시카고에 기반을 둔 지미 얀시와 부기우기 트리오(앨버트 아몬스, 피트 존슨, 미드 럭스 루이스)[84]에 의해 개척되었다.시카고의 부기우기 연주자들은 클라렌스 "파인 탑" 스미스와 얼 하인스를 포함했는데, 그는 "래그타임 피아니스트들의 추진력 있는 왼손 리듬과 오른손에 있는 암스트롱의 트럼펫과 유사한 멜로디 피규어를 연결시켰다."[78]롱헤어 교수의 매끄러운 루이지애나 스타일과 최근에는 닥터 존이 클래식한 리듬 앤 블루스와 블루스 스타일을 혼합했습니다.

이 시기의 또 다른 발전은 빅 밴드 블루스였다.캔자스시티 외곽에서 활동하는 '영토 밴드', 베니 모튼 오케스트라, 제이 맥샨, 카운트 베이시 오케스트라 등도 블루스에 집중했으며 베이시의 '원 오클럭 점프', '우드사이드 점핑' 등 12마디 블루스 악기를 연주하며 '지미스터'를 외쳤다.ent for You Yesterday"를 클릭합니다.잘 알려진 빅 밴드 블루스 곡은 글렌 밀러의 "In the Mood"이다.1940년대에 점프 블루스 스타일이 발달했다.점프 블루스는 부기 우기 열풍에서 성장했고 빅 밴드 음악에 강한 영향을 받았다.색소폰이나 다른 금관악기와 리듬 섹션의 기타를 사용하여 데클라메이션 보컬로 재즈적이고 업 템포 사운드를 연출합니다.미주리주 캔자스시티에 기반을 둔 루이스 조던과 빅 조 터너의 점프 블루스 곡들은 로큰롤과 리듬 앤 [85]블루스와 같은 후기 스타일의 발전에 영향을 미쳤다.댈러스 태생의 T-Bone Walker는 종종 캘리포니아 블루스 [86]스타일과 관련이 있는데, 초기 어반 블루스인 로니 존슨과 리로이 카에서 점프 블루스 스타일로 성공적으로 전환했고 1940년대에 [87]로스엔젤레스의 블루스 재즈 장면을 지배했다.

1950년대

1920년대에 시작된 컨트리 블루스에서 도시 블루스로의 전환은 경제 위기와 호황의 연속적인 물결로 인해 많은 시골 흑인들이 대도시로 이주하게 되었고, 이는 대이동으로 알려져 있다.제2차 세계 대전 후의 긴 호황은 도시 흑인들의 실질 소득의 상당한 증가를 동반한 또 다른 흑인 인구의 대규모 이주, 즉 제2차 대이동을 유발했다.새로운 이주자들은 음악 산업의 새로운 시장이 되었다.흑인 음악을 위해 음악 산업에 의해 처음 사용되었던 인종 레코드라는 용어는 리듬 앤 블루스라는 용어로 대체되었다.빠르게 진화하는 이 시장은 빌보드 매거진의 리듬 앤 블루스 차트에 반영되었다.이 마케팅 전략은 전자악기 사용, 증폭, 블루스 비트인 블루스 셔플의 일반화와 같은 어반 블루스 음악의 트렌드를 강화하였고, 이는 리듬 앤 블루스(R&B)에서 보편화 되었다.이 상업적인 흐름은 재즈와 가스펠 음악과 함께 R&B의 [88]구성요소가 된 블루스 음악에 중요한 결과를 가져왔다.

존 리 후커

2차 세계대전 이후, 새로운 스타일의 일렉트릭 블루스가 시카고,[89] [90]멤피스, 디트로이트[91][92], 세인트루이스와 같은 도시에서 인기를 끌었다. 루이스. 일렉트릭 블루스는 전자 기타, 더블 베이스(점차 베이스 기타로 대체), 드럼, 하모니카(또는 블루스 하프)를 마이크와 PA 시스템 또는 오버드라이브 기타 앰프를 통해 연주했다.시카고는 머디 워터스가 그의 첫 번째 성공을 기록한 1948년부터 일렉트릭 블루스의 중심지가 되었다.[93]시카고 블루스는 많은 연주자들이 미시시피 지역에서 이주했기 때문에 델타 블루스의 영향을 많이 받았다.

하울린 울프, 머디 워터스, 윌리 딕슨, 지미 리드는 모두 미시시피에서 태어났고 대이동 기간 동안 시카고로 이주했다.일렉트릭 기타, 슬라이드 기타, 하모니카, 베이스와 [94]드럼의 리듬 섹션이 특징입니다.색소폰 연주자인 J. T. 브라운은 엘모어 제임스와 J. B가 이끄는 밴드에서 연주했다. 레누아르, 하지만 색소폰은 리드 악기로서라기 보다는 리드 악기로서 리드 서포트를 위한 보조 악기로 사용되었다.

리틀 월터, 소니 보이 윌리엄슨(리스 밀러), 소니 테리는 초기 시카고 블루스 장면의 하모니카(블루스 음악가들에게 "하프"로 불림) 연주자로 잘 알려져 있다.빅 월터 호튼과 같은 다른 하프 연주자들도 영향을 미쳤다.Muddy Waters와 Elmore James는 슬라이드 전기 기타를 혁신적으로 사용한 것으로 알려져 있다.Howlin' Wolf'와 Muddy Waters는 깊고 "엄청난" 목소리로 유명했다.

베이시스트이자 다작곡가이자 작곡가인 윌리 딕슨은 시카고 블루스 장면에서 중요한 역할을 했다.그는 "후치 쿠치맨", "그냥 너와 사랑을 나누고 싶어", "왕당두들", 하울린 울프의 "백도어맨" 등 그 시대의 많은 표준 블루스 노래를 작곡하고 작곡했다.시카고 블루스 스타일의 대부분의 아티스트들은 시카고에 본사를 둔 체스 레코드와 체커 레코드 레이블에서 녹음했습니다.이 시대의 작은 블루스 레이블에는 Vee-Jay Records와 J.O.B가 있었다. 기록.1950년대 초, 지배적인 시카고 레이블은 멤피스에 있는 샘 필립스의 선 레코드 회사에 의해 도전받았고, 그 회사는 B를 녹음했다. B.[95] 킹과 하울링 울프는 1960년 시카고로 이사하기 전.필립스가 1954년 엘비스 프레슬리를 발견한 후, 썬의 레이블은 빠르게 확대되는 백인 관객들에게 눈을 돌려 대부분 록앤롤을 [96]녹음하기 시작했다.

1950년대에 블루스는 미국의 주류 대중음악에 큰 영향을 끼쳤다.둘 다 체스를 위해 녹음한 보 디들리와[91] 척 [97]베리 같은 인기 음악가들이 시카고 블루스의 영향을 받은 반면, 그들의 열정적인 연주 스타일은 블루스의 우울한 측면을 벗어났다.시카고 블루스는 또한 클리프톤[99] 체니어가 블루스 악센트를 사용하면서 루이지애나의 지데코 [98]음악에도 영향을 끼쳤다.지데코 음악가들은 블루스 스탠다드의 일렉트릭 솔로 기타와 케이준 편곡을 사용했다.

영국에서, 일렉트릭 블루스는 1958년 많은 찬사를 받은 머디 워터스 투어에서 뿌리를 내렸다.워터스는 어쿠스틱하고 부드러운 블루스 브랜드인 스키플에 대한 관객들의 성향을 전혀 의식하지 못한 채 앰프를 올리고 시카고 브랜드의 일렉트릭 블루스를 연주하기 시작했다.비록 관객들은 이 공연에 크게 동요했지만, 공연은 알렉시스 코너와 시릴 데이비스와 같은 지역 음악가들에게 이 더 큰 스타일을 모방하도록 영향을 주었고, 영국의 롤링 스톤스와 [100]야드버드의 침략에 영감을 주었다.

1950년대 후반, 코브라 [101]레코드의 매직 샘, 버디 가이, 오티스 러시가 개척한 시카고 웨스트 사이드에 새로운 블루스 스타일이 등장했다.'웨스트 사이드 사운드'는 리듬기타, 베이스기타, 드럼 등 리듬감 있는 서포트가 강했고 가이, 프레디 킹, 매직 슬림, 루터 앨리슨 등이 완성한 것처럼 증폭된 일렉트릭 리드 [102][103]기타가 주를 이뤘다.표현력이 풍부한 기타 솔로가 이 음악의 주요 특징이었다.

존 리 후커와 같은 다른 블루스 아티스트들은 시카고 스타일과 직접적으로 관련이 없는 영향을 받았다.존 리 후커의 블루스는 후커의 굵고 거친 목소리에 일렉트릭 기타 한 대가 곁들여져 더욱 "개인적"이다.부기 우기의 직접적인 영향을 받지는 않지만, 그의 "그루비" 스타일은 때때로 "기타 부기"라고 불립니다.그의 첫 히트곡인 "Boogie Chillen"은 1949년 [104]R&B 차트 1위에 올랐다.

1950년대 후반에는 바톤루즈 근처에서 늪 블루스 장르가 발전했고, 프로듀서 J.D.를 중심으로 라이트닌 슬림,[105] 슬림 하포,[106] 샘 마이어스, 제리 매케인과 같은 연주자들이 있었다. "제이" 밀러와 엑셀로 레이블입니다지미 리드의 영향을 강하게 받은 늪 블루스는 리틀 월터나 머디 워터스와 같은 시카고 블루스 스타일의 연주자들보다 느린 속도와 하모니카의 사용이 간단하다.이 장르의 노래로는 "Scratch My Back", "She's Tough", "I'm a King Bee" 등이 있다.Alan Lomax가 미시시피 프레드 맥도웰을 녹음한 것은 결국 블루스와 포크 서킷 모두에서 그에게 더 많은 관심을 불러 일으켰고, 맥도웰의 둔탁한 스타일은 미시시피 힐 컨트리 [107]블루스 음악가들에게 영향을 끼쳤다.

1960년대와 1970년대

블루스의 전설 B.B. 기타를 든 왕 '루실'

1960년대 초에는 흑인 음악의 영향을 받은 록앤롤과 소울 같은 장르들이 주류 대중음악의 일부가 되었다.롤링스톤즈와 비틀즈와 같은 백인 연주자들은 미국 국내와 해외의 새로운 관객들에게 흑인 음악을 선사했다.하지만 머디 워터스와 같은 아티스트들을 전면에 내세운 블루스 물결은 멈췄다.Big Bill Broonzy와 Willie Dixon과 같은 블루스맨들은 유럽에서 새로운 시장을 찾기 시작했다.딕 워터맨과 그가 유럽에서 기획한 블루스 페스티벌은 블루스 음악을 해외에 전파하는 데 큰 역할을 했다.영국에서 밴드는 미국의 블루스 전설들을 모방했고, 영국의 블루스 록을 기반으로 한 밴드는 1960년대 [108]내내 영향력 있는 역할을 했다.

존 리 후커와 머디 워터스와 같은 블루스 연주자들은 뉴욕 태생의 타지마할과 같은 전통적인 블루스에 흠뻑 빠진 새로운 예술가들에게 영감을 주면서 열정적인 청중들에게 공연을 계속했다.존 리 후커는 1971년 앨범 Endless Boogie에서 들을 수 있는 음악 스타일을 만들면서 그의 블루스 스타일에 록 요소를 섞고 젊은 백인 음악가들과 연주했다.B. B. 킹의 노래와 기타 기교는 그를 "블루스의 왕"이라는 별칭으로 만들었다.킹은 유동적인 현의 굴곡과 반짝이는 비브라토에 기초한 세련된 스타일의 기타 솔로를 선보였는데, 이는 많은 후대의 일렉트릭 블루스 기타리스트들에게 [109]영향을 끼쳤다.시카고 스타일과 달리 킹의 밴드는 슬라이드 기타나 하프를 사용하는 대신 색소폰, 트럼펫, 트롬본의 강한 브라스 지지대를 사용했다.테네시 태생의 바비 "블루" 블랜드, B처럼.B. King은 블루스와 R&B 장르에 걸쳐있다.이 기간 동안 프레디 킹과 앨버트 킹은 록 앤 소울 뮤지션(에릭 클랩튼, 부커 T & 더 MGs)과 자주 연주했고 그러한 음악 스타일에 큰 영향을 끼쳤다.

미국의 민권운동과[110] 자유발언운동의 음악은 미국 뿌리음악과 초기 흑인음악에 대한 관심을 다시 불러일으켰다.뉴포트 포크 페스티벌과[111] 같은 축제들은 전통적인 블루스를 새로운 관객들에게 가져다주었고, 이것은 전쟁 전의 어쿠스틱 블루스와 손 하우스, 미시시피 존 허트, 스킵 제임스, 그리고 게리 [110]데이비스 목사와 같은 연주자들에 대한 관심을 되살리는데 도움을 주었다.고전적인 전쟁 전 블루스의 많은 편집본들이 야주 레코드에 의해 재발행되었다.1950년대 시카고 블루스 무브먼트의 J. B. 레누아르는 통기타를 사용하여 여러 장의 LP를 녹음했고, 때로는 통기타 베이스나 드럼으로 윌리 딕슨을 반주하기도 했다.원래 [112]유럽에만 유통된 그의 노래는 이 시기에는 이례적으로 인종차별이나 베트남전 문제 등 정치적 이슈를 언급했다.그의 앨범 앨라배마 블루스에는 다음과 같은 가사의 노래가 수록되어 있었다.

다시는 앨라배마로 돌아가지 않는다.그곳은 내가 있을 곳이 아니다(2×)
그들이 내 여동생과 남동생을 죽인 거 알지?
그리고 전 세계는 그들을 자유롭게 그곳에 내려보냈다.

텍사스 블루스 기타리스트 스티비 레이 본, 1983년

1960년대 블루스에 대한 백인 관객들의 관심은 기타리스트 마이클 블룸필드와 싱어송라이터 닉 그라베나이트가 참여한 시카고에 기반을 둔 폴 버터필드 블루스 밴드와 영국 블루스 운동으로 인해 증가했다.영국 블루스의 스타일은 영국에서 발전했는데, 그 때 애니멀스, 플리트우드 맥, 존 메이올 & 블루스브레이커즈, 롤링 스톤스, 야드버즈, 슈퍼그룹 크림, 아일랜드 음악가 로리 갤러거 등이 델타 또는 시카고 블루스 전통에 따른 클래식 블루스 노래를 연주했다.

1963년, 후에 아미리 바라카로 알려진 LeRoi Jones는 블루스 피플의 블루스 사회사에 관한 책을 처음으로 썼다. 백인 아메리카의 흑인 음악.1960년대 초반의 영국과 블루스 음악가들은 도어스, 캔 히트, 초기 제퍼슨 비행기, 재니스 조플린, 조니 윈터, J. 길스 밴드, 라이 쿠더, 그리고 올맨 브라더스 밴드를 포함한 많은 미국 블루스 록 퓨전 연주자들에게 영감을 주었습니다.블루스 록 연주자 지미 헨드릭스는 당시 그의 분야에서 보기 드문 인물이었다: 사이키델릭 록을 연주한 흑인 남자였다.헨드릭스는 숙련된 기타리스트였고,[113] 그의 음악에서 왜곡과 오디오 피드백을 혁신적으로 사용하는 선구자였다.이러한 예술가들과 다른 사람들을 통해, 블루스 음악은 록 음악의 발전에 영향을 끼쳤다.

1970년대 초, 텍사스 록 블루 스타일이 등장했는데, 이 스타일은 솔로 역할과 리듬 역할 모두에 기타를 사용했다.웨스트 사이드 블루스와는 대조적으로 텍사스 스타일은 영국의 록 블루스 운동에 강한 영향을 받는다.텍사스 스타일의 주요 아티스트는 조니 윈터, 스티비 레이 본, 파블러스 썬더버즈(하모니카 연주자이자 싱어송라이터 킴 윌슨 지휘), ZZ 탑이다.이 아티스트들은 모두 1970년대에 음악 활동을 시작했지만 그 [114]후 10년이 지나서야 국제적인 성공을 거두었다.

1980년대부터 현재까지

이탈리아 가수 주케로는 "이탈리아 블루스의 아버지"로 인정받고 있으며, 여전히 국제적인 [115]성공을 누리고 있는 몇 안 되는 유럽 블루스 아티스트 중 하나이다.

1980년대 이후, 특히 잭슨, 미시시피, 그리고 다른 남부 깊은 지역 주변 흑인 인구들 사이에서 블루스에 대한 관심이 되살아났다.종종 "Soul blues" 또는 "Southern soul"이라고 불리는 이 운동의 핵심에 있는 음악은 잭슨에 기반을 둔 말라코 [116]레이블에서 두 개의 특정 레코딩이 예상치 못한 성공을 거두면서 새로운 활기를 불어넣었다. 힐의 다운 홈 블루스와 리틀 밀턴의 블루스는 괜찮다.이러한 블루스 스타일로 작업하는 현대 흑인 연주자들은 바비 러시, 데니스 라살레, 찰스 존스 경, 베티 라벳, 마빈 시즈, 페기 스콧-아담스, 멜 웨이터스, 클라렌스 카터, "필굿" 포츠 박사, OBchan을 포함합니다.

2008년 6월 런던 하이드 파크에서 공연한 에릭 클랩튼

1980년대 블루스 또한 전통적인 형태와 새로운 형태 모두에서 지속되었다.1986년, 앨범 Strong Permitader는 Robert Cray를 주요 블루스 아티스트로 발표했다.텍사스 플러드를 녹음한 스티비 레이 본은 1983년에 발매되었고 텍사스에 기반을 둔 이 기타리스트는 국제 무대에 폭발적으로 올랐다.존 리 후커의 인기는 1989년 The Healer라는 앨범으로 되살아났다.블루스 브레이커즈 앤 크림에서의 공연으로 유명한 에릭 클랩튼은 1990년대에 어쿠스틱 기타로 표준 블루스 곡을 연주한 앨범 Unplugged로 컴백했다.

그러나 1990년대부터 디지털 멀티트랙 레코딩 및 기타 기술 발전과 비디오 클립 제작을 포함한 새로운 마케팅 전략은 비용을 증가시켰고 블루스 [117]음악의 중요한 구성요소인 자발성과 즉흥성에 도전했습니다.1980년대와 1990년대에 리빙 블루스와 블루스 레뷰와 같은 블루스 출판물이 출시되었고, 주요 도시들이 블루스 사회를 형성하기 시작했고, 야외 블루스 축제가 더 흔해졌고, 더[118] 많은 나이트클럽과 블루스 공연장이 [119]생겨났다.

1990년대 힐 컨트리 블루스는 미시시피 북부 아티스트 R. L. 번사이드와 주니어 킴브러와 [107]함께 블루스와 얼터너티브 록 음악계에서 작은 인지도를 얻었다.블루스 연주자들은 다양한 음악 장르를 탐험했는데, 예를 들어, 이전에 W.C.로 명명된, 매년 열리는 블루스 뮤직 어워드의 광범위한 후보군에서 볼 수 있다.Handy[120] Awards 또는 최우수 컨템포러리 및 전통 블루스 앨범 그래미 어워드.빌보드 블루스 앨범 차트는 현재 블루스 히트곡의 개요를 제공한다.컨템포러리 블루스 음악은 악어 레코드, 러프 레코드, 세번 레코드, 체스 레코드(MCA), 델마크 레코드, 노던 블루스 음악, 뚱보 포섬 레코드, 뱅가드 레코드(Artemis Records)와 같은 여러 블루스 레이블에 의해 육성됩니다.Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Records (Folkways Records) 및 Yazoo Records (Shanachie Records)[121]를 포함한 몇몇 레이블은 블루스 희귀성을 재발견하고 리마스터링하는 것으로 유명하다.

음악적 영향

블루스 음악 스타일, 형태, 멜로디, 그리고 블루스 음계는 로큰롤, 재즈,[122] 그리고 대중음악과 같은 많은 다른 장르의 음악에 영향을 끼쳤다.루이 암스트롱, 듀크 엘링턴, 마일즈 데이비스, 밥 딜런과 같은 저명한 재즈, 포크 또는 록 연주자들이 중요한 블루스 음반을 연주했다.블루스 스케일은 해롤드 알렌의 "블루스 인 더 나이트", "사랑에 빠진 이후"와 같은 블루스 발라드, 그리고 조지 거쉰의 "랩소디 인 블루"와 "콘서트 인 에프"와 같은 오케스트라 작품에도 자주 사용된다.거쉰의 두 번째 솔로 피아노 서곡은 학문적인 엄격함으로 형식을 유지하는 클래식 블루스의 흥미로운 예입니다.블루스 스케일은 현대 대중음악에 흔하며 많은 모달 프레임, 특히 록음악에 사용되는 3분의 1의 사다리를 알려준다(예: "하드 데이즈 나이트").블루스 형식은 텔레비전으로 방영된 배트맨, 십대 아이돌 파비안 포르테의 히트곡인 "Turn Me Loose", 컨트리 음악 스타 지미 로저스의 음악, 기타리스트/보컬리스트 트레이시 채프먼의 히트곡인 "Give Me One Reason"에 사용된다.

"블루스의 노래는 감정에 관한 것입니다.대중 가창에 미치는 영향이 워낙 광범위해서 적어도 남성들 사이에서는 노래와 감정의 차이가 거의 비슷해졌다.음정을 [123]치는 것이 아니라 추측의 문제이기 때문이다.

—Robert Christgau, 1972

Skip James, Charley Patton, Georgia Tom Dorsey와 같은 초기 컨트리 블루스맨들은 컨트리 블루스와 어반 블루스를 연주했고 영적인 노래의 영향을 받았다.돌시는 가스펠 [124]음악을 대중화하는데 도움을 주었다.가스펠 음악은 1930년대에 황금문 4중주단과 함께 발전했다.1950년대에 샘 쿡, 레이 찰스, 제임스 브라운의 소울 음악은 가스펠과 블루스 음악 요소를 사용했다.1960년대와 1970년대에 가스펠과 블루스가 소울 블루스 음악에 융합되었다.1970년대의 펑크 음악은 소울의 영향을 받았다; 펑크는 힙합과 현대 R&B의 선조로 볼 수 있다.

R&B 음악은 영혼과 블루스로 거슬러 올라갈 수 있다.음악적으로, 영혼들은 뉴잉글랜드 합창 전통, 특히 아이작 와츠의 찬송가, 아프리카 리듬과 호출과 응답 형식이 혼합된 것의 후손이었다.흑인 사회에서 영혼이나 종교적 구호는 "낮은" 블루스보다 훨씬 더 잘 문서화되어 있다.흑인 공동체가 미사를 집전하거나 예배 모임을 위해 모일 수 있었기 때문에 영적인 노래가 발전했다.

에드워드 P.코멘탈은 블루스가 예술이나 자기표현을 위한 매체로 어떻게 자주 사용되었는지를 언급하며 다음과 같이 말했다: "델타 오두막에서 시카고의 주택, 할렘의 카바레에 이르기까지 블루스는 그 고통스러운 기원에도 불구하고, 정체성과 커뮤니티의 [125]형성을 위한 매우 유연한 매체이자 새로운 무대라는 것을 증명했다."

듀크 엘링턴은 빅 밴드와 비밥 장르에 걸쳐 있었다.엘링턴은 블루스 [126]형식을 광범위하게 사용했다.

제2차 세계대전 전에는 블루스와 재즈의 경계가 명확하지 않았다.보통, 재즈는 브라스 밴드에서 유래한 하모닉 구조를 가지고 있는 반면, 블루스는 12마디 블루스와 같은 블루스 형태를 가지고 있었다.하지만 1940년대의 점프 블루스는 두 가지 스타일을 혼합했다.제2차 세계대전 이후 블루스는 재즈에 상당한 영향을 끼쳤다.찰리 파커의 "Now's the Time"과 같은 비밥의 고전들은 펜타토닉 음계와 블루 음표가 있는 블루스 형식을 사용했다.

비밥은 춤을 위한 인기 있는 음악 스타일에서 접근하기 어렵고 지적인 "음악가의 음악"으로 재즈의 역할에 큰 변화를 가져왔다.블루스와 재즈의 관객들은 갈라졌고 블루스와 재즈의 경계는 더욱 [126][127]뚜렷해졌다.

블루스의 12마디 구조와 블루스 음계는 로큰롤 음악에 큰 영향을 미쳤다.로큰롤은 "백비트가 있는 블루스"라고 불렸고, 칼 퍼킨스는 로커빌리를 컨트리 비트의 블루라고 불렀다.로커빌리는 블루그래스 비트로 연주되는 12마디 블루스로도 알려져 있다.수정되지 않은 12마디 구조(화음과 가사 모두)와 강장제 3분의 1의 플랫(그리고 아군 7분의 플랫)을 중심으로 한 멜로디를 가진 "하운드 독"은 로큰롤 곡으로 탈바꿈한 블루스 곡이다.제리 리 루이스의 락앤롤 스타일은 블루스와 그 파생상품인 부기우기에 의해 많은 영향을 받았다.그의 음악 스타일은 정확히 로커빌리하지는 않았지만 종종 진짜 로큰롤이라고 불려왔다.[128][129]

많은 초기 로큰롤 곡들은 블루스에 기반을 두고 있다: "That's All Right Mama", "Johnny B." '구드', '블루 스웨이드 슈즈', 'Whole Lotta Shakin' Going On', 'Shake, Rattle, and Roll', 'Long Tall Sally'.초기 흑인 록 뮤지션들은 블루스 음악의 성적 주제와 빈정거림을 유지했습니다: "수라는 이름의 여자가 있고, 무엇을 해야 할지 잘 알고 있습니다." ("투티 프루티, 리틀 리처드") 또는 "빨간 드레스를 입은 소녀를 보세요, 그녀는 밤새 버드랜드를 할 수 있습니다." ("What'd Say, Ray")밥 딜런의 '분명히 다섯 명의 신봉자', 에스더와 애비 오파림의 '신데렐라 록펠라' 등 참신한 팝송에서도 12마디 블루스 구조를 찾아볼 수 있다.

초기 컨트리 음악은 블루스로 [130]가득 차 있었다.지미 로저스, 문 멀리칸, 밥 윌스, 빌 먼로, 행크 윌리엄스 모두 자신들을 블루스 가수라고 묘사했고 그들의 음악은 적어도 얼핏 보기에는 에디 아놀드와 같은 후기 컨트리 팝과는 다른 블루스 느낌을 가지고 있다.하지만 좀 더 되돌아보면, 아놀드는 'I'l Hold You in My Heart'와 같은 블루스한 노래를 부르기 시작했다.1970년대 윌리 넬슨과 웨일론 제닝스가 작곡한 많은 아웃로 컨트리 음악도 블루스에서 차용했다.제리 리 루이스가 1950년대 로큰롤의 쇠퇴 이후 컨트리 음악으로 돌아왔을 때, 그는 블루스 느낌으로 노래를 불렀고 종종 그의 앨범에 블루스 기준을 포함시켰다.

대중문화에서

1972년 영화 'Sounder'의 타지마할 음악은 어쿠스틱 블루스에 대한 관심의 부활을 알렸다.

재즈, 로큰롤, 헤비메탈 음악, 힙합 음악, 레게, 컨트리 음악, 라틴 음악, 펑크, 그리고 팝 음악처럼 블루스는 "악마의 음악"이고 폭력과 다른 나쁜 [131]행동을 부추긴다는 비난을 받아왔다.20세기 초,[69] 특히 1920년대 백인 관객들이 블루스를 듣기 시작하면서 블루스는 평판이 나쁜 것으로 여겨졌다.20세기 초, W.C. 핸디는 블루스의 영향을 받은 음악을 비흑인 미국인들 사이에서 처음으로 대중화시켰다.

1960년대와 1970년대의 블루스가 부활하는 동안, 어쿠스틱 블루스 아티스트 타지마할과 텍사스 블루스맨 라이트닌 홉킨스는 비평가들로부터 호평을 받은 영화 사운더 (1972년)에서 두드러지게 보이는 음악을 쓰고 연주했다.이 영화로 마할은 그래미상 영화 부문 최우수 음악상 후보와 BAFTA 후보에 [132]올랐다.거의 30년 후, 마할은 애팔래치아의 뿌리 음악을 보존하는 이야기에 초점을 맞춘 2001년 개봉 영화 송캐쳐에서 블루스를 작곡하고, 밴조 작곡인 발톱 망치 스타일을 연주했다.

아마도 20세기 후반의 블루스 스타일의 가장 눈에 띄는 예는 1980년 댄 에이크로이드와 존 벨루시가 영화 블루스 브라더스를 개봉했을 때일 것이다.이 영화는 레이 찰스, 제임스 브라운, 캡 캘로웨이, 아레사 프랭클린, 그리고 존 리 후커와 같은 리듬 앤 블루스 장르의 가장 영향력 있는 인물들을 함께 끌어들였다.이 밴드는 또한 블루스 브라더스 명함 아래 성공적인 투어를 시작했다.1998년 후속작인 블루스 브라더스 2000이 출시되었는데, 이 영화는 비평적, 재정적 성공을 거두지는 못했지만, B.B.와 같은 훨씬 많은 수의 블루스 아티스트들이 출연했습니다. 킹, 보 디들리, 에리카 바두, 에릭 클랩튼, 스티브 윈우드, 찰리 머셀화이트, 블루스 트래블러, 지미 본, 제프 백스터.

2003년에 마틴 스콜세지는 블루스를 더 많은 청중들에게 홍보하기 위해 상당한 노력을 기울였다.그는 클린트 이스트우드와 윔 웬더스와 같은 몇몇 유명한 감독들에게 PBS의 다큐멘터리 영화인 [133]블루스에 참여해 달라고 요청했다.그는 또한 일련의 고품질 CD로 주요 블루스 아티스트들의 컴필레이션 공연에도 참여했습니다.블루스 기타리스트이자 보컬인 케브 모'는 텔레비전 시리즈 웨스트 윙의 마지막 시즌을 마무리하기 위해 2006년에 블루스 곡 "America, the Beautiful"을 공연했다.

블루스는 2012년 시즌 1의 백악관 인 퍼포먼스 에피소드인 "레드, 화이트 앤 블루스"에서 강조되었다.버락 오바마와 미셸 오바마가 주최한 이 쇼는 B.B.의 공연을 선보였다. 킹, 버디 가이, 게리 클라크 주니어, 제프 벡, 데릭 트럭, 케브 모, 기타.[134]

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참고 문헌

추가 정보

라이브러리 리소스 정보
블루스

외부 링크