영국의 예술

Art of the United Kingdom
토마스 게인즈버러, 로버트 앤드루스 부부, 1748년-1750년 경
헨리 무어, 대형 리클라이닝 피규어, 1984년

영국의 예술은 1707년 대영제국이 형성된 이후 영국 내 또는 그와 관련된 모든 형태의 시각 예술을 가리키며 영국, 스코틀랜드, 웨일스, 아일랜드 미술을 포함하며 서양 미술사의 일부를 형성한다.18세기 동안, 영국은 특히 초상화와 풍경 예술에 강하면서, 중세 동안 영국이 이전에 유럽 예술에서 활약했던 선두 자리를 되찾기 시작했다.

당시 영국의 번영은 미술과 장식예술의 생산을 크게 증가시켰고, 후자는 종종 수출되었다.낭만주의 시대는 화가 윌리엄 블레이크, J. M. W. 터너, 존 컨스터블, 사무엘 파머를 포함한 매우 다양한 재능에서 비롯되었다.빅토리아 시대에는 예술이 매우 다양했고 이전보다 훨씬 더 많은 양이 만들어졌다.18세기 말 라파엘 전파와 혁신적인 운동에 관심이 집중되면서 빅토리아 시대 미술은 이제 비판적인 평판을 받지 못하고 있다.

오랫동안 방치되어 온 예술가들의 양성은 18세기부터 민간과 정부의 주도로 개선되기 시작했고, 19세기에는 크게 확대되었다.공공 전시회와 박물관의 개장은 특히 런던에서 더 많은 대중들에게 예술을 가져다주었다.19세기 종교 예술은 종교 개혁 이후 사실상 결석한 후 다시 한번 대중화되었고, 다른 나라들과 마찬가지로 라파엘 전파 형제단이나 글래스고 학파 같은 운동들이 확립된 학술 예술과 경쟁하였다.

초기 모더니즘 미술에 대한 영국의 공헌은 상대적으로 적었지만, 2차 세계대전 이후 영국 예술가들은 현대 미술, 특히 비유적인 작품들에 상당한 영향을 끼쳤고, 영국은 점점 더 세계화되는 [citation needed]미술 세계의 핵심으로 남아있다.

배경

1570년대 엘리자베스 1세의 초상화 무명 화가
주요 기사 : 영국 미술, 아일랜드 미술, 스코틀랜드 미술, 웨일스 미술

현존하는 가장 오래된 영국 미술품은 기원전 2600년경 스톤헨지, 기원전 2150년경 비커족에 의해 제작된 주석과 금으로 된 미술품이다.켈트 미술의 라텐 스타일은 기원전 400년 이전에 브리튼 섬에 도착했고, 배터시 실드와 같은 물체에서 볼 수 있는 특별한 "인슐리 켈트" 스타일과 복잡한 곡선, 나선형, 트럼펫 모양의 패턴으로 장식된 많은 청동 거울 뒷면을 발전시켰다.영국 제도에서만 켈트 장식 양식이 로마 시대 내내 존속한 것으로 볼 수 있는데, 이는 스태퍼드셔 무어랜드 판과 지금은 게르만계 인터레이스와 지중해계 요소가 혼합된 켈트 모티브의 부활과 같은 것들에서 볼 수 있다.이것은 켈스기와 린디스판느의 책과 같은 작품에서 7세기와 8세기에 현재 영국을 형성하고 있는 모든 나라에서 짧지만 화려한 꽃을 피웠습니다.비록 이것이 새로운 대륙의 영향을 받았음에도 불구하고, 섬 양식은 북유럽에 영향을 미쳤고, 특히 후기 앵글로색슨 미술에서 그러했다.

로마네스크 미술과 고딕 예술에 대한 영국의 공헌은 상당했습니다. 특히, 다른 나라들이 근본적으로 지방이었지만, 교회를 위한 조명 원고와 기념비적인 조각품에서요. 그리고 15세기에 영국은 대륙에서의 회화의 발전을 따라잡기 위해 고군분투했습니다.웨스트민스터 리터블, 윌튼 딥틱, 웨스트민스터 사원과 웨스트민스터 [1]궁전의 그림에서 일부 유물을 포함하여 1500년 이전의 벽이나 판넬에 그려진 최고 품질의 영국 그림의 몇 가지 예가 남아 있다.

잉글랜드와 스코틀랜드의 개신교 종교개혁은 현존하는 종교 예술에 특히 파괴적이었고, 새로운 작품의 제작은 사실상 중단되었다.튜더 궁정의 예술가들은 대부분 유럽에서 수입되었고, 18세기까지 지속된 패턴을 형성했다.엘리자베스 1세의 초상화는 현대 유럽 르네상스 모델을 무시하고 순진한 예술에 가까운 상징적인 이미지를 만들어냈다.초상화가인 Hans Holbein과 Anthony van Dyck는 영국에서 오랜 기간을 보낸 많은 예술가들 중에서 가장 두드러지고 영향력이 컸으며, 일반적으로 초상화 미니어처 화가인 Nicolas Hilliard, Robert Peake, William Larkin, William Dobson, 그리고 Scot인 John Michael Wright와 같은 지역 재능을 능가했다.대부분 런던에서 [2]일했어요

풍경화는 연합 당시 영국에서 아직 거의 발달하지 않았지만, 제3차 영국-네덜란드 전쟁 [3]중 1673년 런던으로 이주할 때까지 네덜란드의 대표적인 해양화가였던 빌렘 반 드 벨데라고 불리는 아버지와 아들이 해양미술의 전통을 확립했다.

18세기 초반

윌리엄 호가스, 더 벤치, 1758

1707년 연합법이라고 불리는 것은 결국 주요 궁정 화가로서 네덜란드 페테르 렐리 경의 스타일을 계승한 독일 초상화가 고드프리 크넬러의 오랜 지배 기간 동안 이루어졌으며, 그의 양식은 매우 다양한 품질의 거대한 공식적 산출물로 채택되었고, 그 자체는 아크에 의해 반복되었다.내 하급 화가들.에든버러에서 그의 상대역인 존 침례 메디나 경은 브뤼셀에서 스페인 부모 사이에서 태어났으며, 연합이 열리기 직전에 사망했고, 마지막으로 만들어진 스코틀랜드 기사들 중 한 명이었다.메디나는 처음에 런던에서 일했지만, 중간에 경쟁이 덜한 에든버러로 옮겨 스코틀랜드 엘리트들의 초상화를 그렸다.하지만, 연합 이후 운동은 완전히 다른 방향으로 진행되었고, 1723년에 메디나의 제자 윌리엄 에이크먼이나 앨런 [4]램지 같은 스코틀랜드 화가들에 의해서라도 스코틀랜드 귀족들은 런던에서 그들의 초상화를 그리기 위해 더 많은 돈을 지불하기로 체념했다.

영국 초상화에는 Lely와 Kneler의 초상화에 대한 대체적이고 더 직접적인 전통이 있었다. 윌리엄 돕슨과 독일인 또는 네덜란드인 Gerard Soest는 존 라일리를 훈련시켰으며, 그는 소수의 작품만이 확실한 공로를 인정받아 조슈아 레이를 훈련시킨 훌륭한 예술가 Jonathan Richardson을 차례로 훈련시켰다.더비의 조셉 라이트입니다리처드슨은 또한 [5]화가로서의 분명한 한계에도 불구하고 런던에서 사회적, 재정적 성공을 누린 그 시대의 가장 유명한 아일랜드 초상화가인 찰스 저바스를 훈련시켰다.

그림의 "하류 장르"의 지배에 대한 예외는 제임스 손힐 경(1675/76–1734)이었다. 그는 거대한 바로크 우화적 장식 계획의 최초이자 마지막 중요한 영국 화가이자 기사 작위를 받은 최초의 원주민 화가였다.그의 가장 유명한 작품은 그리니치 병원, 블렌하임 궁전 그리고 런던 세인트 폴 대성당의 큐폴라입니다.그의 그림은 사위 윌리엄 호가스가 추구하고자 하는 방향으로 강하게 그려진 사실주의에 대한 취향을 보여주지만, 이것은 완결 작품에서 대부분 무시되고 있으며, 그리니치에게 그는 "사실 그대로의 왕의 착륙에서 그리고 현대적 방식으로 나타날 것"이라는 그의 신중한 목록을 마음에 새겼다.드레스"를 그리며 전통적인 바로크 양식의 [6]미화를 그렸다.호가스와 마찬가지로, 그는 자신을 홍보하는 데 민족주의 카드를 썼고, 결국 세바스티아노 리치를 충분한 임무로 물리쳤고, 1716년에 그와 그의 팀은 프랑스로 후퇴했고, 지오반니 안토니오 펠레그리니는 1713년에 이미 떠났다.우화적 구성의 다른 주요 외국 화가인 안토니오 베리오와 루이 라게르가 각각 1707년과 1721년에 사망했을 때, 손힐은 비록 그의 생애 말기에 거대한 계획의 위원회는 [7]취향의 변화로 고갈되었지만, 그 분야를 독차지했다.

1714년부터 새로운 하노버 왕조는 훨씬 덜 과시적인 궁정을 진행했고, 필요한 초상화 외에는 예술 후원에서 대부분 손을 뗐다.다행히도, 호황의 영국 경제는 궁정을 대체할 귀족적이고 상업적인 부를 공급할 수 있었고,[8] 특히 런던에서 그러했다.

1748년 윌리엄 호가스의 반프랑스 풍자 칼레의 문

윌리엄 호가스는 그의 그림의 조각판을 산 개신교 중산층의 취향과 편견에 맞춘 풍자와 비애로 가득 찬 현대 생활의 생생한 도덕적인 장면과 함께 특정한 영국인의 특징을 달성하는 데 성공한 2/4분기에 대단한 존재였다.n개의 거대한 숫자.다른 주제들은 판화로만 발행되었고, 호가스는 최초의 중요한 영국 판화 작가였고, 여전히 가장 잘 알려져 있다.많은 작품들은 4개 이상의 장면으로 이루어져 있으며, 가장 잘 알려진 것은 1730년대의 '할롯의 진보'와 '레이크의 진보', 1740년대 중반의 '결혼 알라 모드'이다.사실, 그는 단 한 번 영국을 잠시 떠났고 자신의 선전이 그의 영어성을 주장했고 종종 올드 마스터스를 공격했지만, 그의 판화 배경은 대부분의 영국 그림보다 대륙 예술을 더 잘 알고 있었고, 분명히 다른 화가들로부터 교훈을 빠르게 흡수하는 그의 능력은 그가 더 많이 알고 있다는 것을 의미했다.컨티넨탈 미술을 그의 동시대 미술의 대부분보다 더 많이 사용한다.

후대의 많은 화가들처럼 호가스는 무엇보다도 웅장한 매너로 역사 회화에 성공하기를 원했지만, 그의 몇 번의 시도는 성공하지 못했고 지금은 거의 받아들여지지 않는다.그의 초상화는 대부분 동정과 아첨을 모두 반영하는 명백한 사실주의로 보여지는 중산층 시터들이었고, 비록 보통 프란시스 헤이만과 같은 예술가들에 의해 채택된, 최근 프랑스에서 필리프 메르시에에 의해 소개된 대화 작품의 패셔너블한 형태에 일부 포함되었습니다.예술가가 좋은 싱글 피규어 [9]커미션을 받을 수 있게 되면 버림받게 됩니다.

은빛 찻주전자, 사무엘 코트울드, 런던, 1748년-49년

영국의 예술가가 부족한 나머지 유럽보다 예술가의 연수가 더 필요하다는 인식이 있었고, 1711년 펠레그리니의 도움으로 크넬러를 시작으로 그레이트 퀸 스트리트에 학원을 설립하려는 다양한 시도가 있었다.이 아카데미는 1716년 손힐에 의해 인수되었지만, 1720년 존 밴더뱅크와 루이 셰론이 그들만의 아카데미를 설립할 때쯤에는 활동하지 않게 된 것으로 보인다.이것은 오래 지속되지 않았고, 1724/5년 손힐은 자신의 집에서 다시 시도했지만 거의 성공하지 못했다.Hogarth는 이를 위한 장비를 물려받아 St. St. St.를 시작하는 데 사용했습니다. 마틴의 레인 아카데미는 1735년에 가장 오래 지속되었고, 결국 1768년에 왕립 아카데미에 흡수되었다.호가스는 또한 1746년부터 [10]Foundling Hospital에서 공연을 주선하면서 런던의 전시 장소 부족 문제를 해결하는데 도움을 주었다.

스코틀랜드의 초상화가 앨런 램지는 1739년에 런던으로 이사하기 전에 에딘버러에서 일했다.그는 경력 초기와 말기에 3년간 이탈리아를 방문했고, 조슈아 레이놀즈가 영국 초상화에 좀 더 여유로운 버전의 "그랜드 매너"를 가져다 줄 것으로 예상했으며, 그의 최고의 작품에는 여성 시터들의 작품이라고 일반적으로 인정받는 매우 민감한 취급이 결합되었다.레이놀드가 명성을 떨치기 전까지 그의 주요 경쟁자는 레이놀드의 주인인 끈끈한 토마스 [11]허드슨이었다.

약 1714년부터 1765년 사망할 때까지 활동한 존 우튼은 뉴마켓에서 영국 경마의 수도를 거점으로 사냥이나 승마를 배경으로 많은 수의 말 초상화와 전투 장면과 대화 작품을 제작한 당대 최고의 스포츠 화가였다.그는 1720년대에 그를 로마로 보낸 보포르 공작 가문의 한 페이지로서 삶을 시작했는데, 그곳에서 그는 순수한 풍경화에서 시골집과 말뚝을 보는 것뿐만 아니라 그가 사용한 가스파르 두제와 클로드의 것에 기초한 고전적인 풍경화 스타일을 얻었다.이것은 이전에 영국에서 지배적인 풍경화 스타일을 설정했던 다양한 네덜란드와 플랑드르 예술가들에 대한 대안을 제시했고, 풍경화 주제에 기반을 둔 최초의 영국 화가인 조지 램버트 같은 중간 예술가를 통해 게인스버러와 [12]같은 다른 영국 예술가들에게 큰 영향을 끼쳤다.사무엘 스캇은 비록 후자의 전문 분야에서는 방문했던 카날레토에 필적할 수 없었지만, 그의 베네치아 풍경은 그랜드 [13]투어의 가장 인기 있는 기념품이었다.

고미술가이자 판화가인 조지 버트는 대부분의 기간 동안 런던 미술계의 인물이었고, 그의 풍부한 수첩은 호레이스 월폴에 의해 1760년대에 영국의 회화의 일부 일화로 각색되어 출판되었고, 이것은 그 [14]기간 동안 주요한 자료로 남아있다.

1720년 런던에 도착한 이후, 플랑드르 조각가 존 마이클 리스브랙은 흉상과 작은 인물에 매우 효과적인 로코코 스타일을 가진 1730년 루이 프랑수아 루빌리아크가 도착할 때까지 그의 분야의 리더였지만, 그 이후 10년 동안 그는 또한 더 큰 작품을 의뢰받았다.그는 또한 1743년에 설립된 첼시 도자기 공장의 모형을 제작했는데, 이 공장은 지배자들이 주로 세운 대륙 공장과 경쟁하려고 했던 민간 기업이었다.루빌리아크의 스타일은 대표적인 토종 조각가 헨리 치어와 [15]정원 조각상을 전문으로 하는 그의 동생 존의 스타일을 형성했다.

런던의 강력한 은세공 거래는 조르주 윅스뿐만 아니라 폴 드 라메리, 폴 크레스핀, 니콜라스 스피몬트, 코트알드 가문과 같은 위그노 난민들의 후손들에 의해 지배되었다.영국 스타일은 여전히 파리에 [16]의해 주도되었지만, 러시아와 포르투갈의 궁정만큼 멀리 떨어진 곳에서도 주문이 들어왔다.런던의 스피탈필즈에서 비단을 만드는 것도 전통적인 위그노 사업이었지만, 1720년대 후반부터는 로코코 스타일의 [17]꽃무늬 디자이너로 40세에 등장한 링컨셔 출신의 목사의 딸 안나 마리아 가스와이트의 놀라운 모습이 실크 디자인을 지배했다.

프랑스나 독일과는 달리 로코코 양식의 영국 채택은 온정적이라기보다는 패치적이었고, 그들이 함께 만든 건축의 팔라디즘에 걸맞게 인테리어와 가구 스타일을 추진한 제3대 벌링턴 백작 리처드 보일과 윌리엄 켄트가 이끄는 민족주의적 이유로 이에 대한 저항이 있었다.Nikolaus Pevsner는 "영국의 모든 예술 [19]혁신 중 가장 영향력 있는" 풍경 정원의 [18]영향력 있는 영국 전통을 시작하기도 했다.1732년부터 1745년까지 런던에서 프랑스 태생의 조각가 휴버트 프랑수아 그라벨로는 장인들이 [20]따라할 책 일러스트와 장식 인쇄물에서 로코코 맛을 수입하는 데 핵심적인 역할을 했다.

18세기 후반

A painting of a youth wearing blue.
토마스 게인즈버러, 블루보이, 1770
A painting of 2 men with bow and arrows
조슈아 레이놀즈, 애클랜드 대령, 시드니 경: 궁수들, 1769년

현대의 대중적 마음에서, 오늘날 영국 회화의 "고전 시대"라고 불리는 약 1750-1790년의 영국 미술은 조슈아 레이놀즈 경 (1723–1792), 조지 스터브스 (1724–1806), 토마스 게인즈버러 (1727–1788) 그리고 더비의 조셉 라이트에 의해 지배되었다.레이놀즈가 지배적인 인물로 여겨졌을 때, 게인즈버러는 매우 높은 명성을 얻었지만, 스터브스는 동물의 단순한 화가로 여겨졌고 오늘날 거의 알려지지 않았거나 잊혀진 많은 다른 화가들보다 훨씬 덜 중요한 인물로 여겨졌습니다.영국과 영국 예술가들의 번영은 계속되었다: 제럴드 레이틀리에 따르면, "1780년대까지 영국 화가들은 이 나라에서 가장 부유한 남자들 중 하나였고, 그들의 이름은 신문 독자들에게 친숙했고, 그들의 싸움과 논쟁은 마을의 화젯거리였고, 그들의 주제는 인쇄소 창문에 진열된 모든 사람들에게 알려져 있었다.nger.[21]

레이놀즈는 1753년 이탈리아를 오랫동안 방문하고 돌아왔고, 매우 빠르게 런던의 가장 패셔너블한 초상화가로서 그리고 머지않아 사회에서 가공할 인물로서 명성을 확립했다; 영국 예술의 공공 리더로서.그는 이탈리아 고전과 현대 미술을 모두 공부했고, 그의 작품들은 여행에서 본 모델들을 신중하게 재사용했다.그는 영웅적인 군인이든 젊은 여성이든 다양한 분위기와 감정을 전달할 수 있었고 종종 배경과 몸매를 극적으로 통합할 [22]수 있었다.

더비의 조셉 라이트, 공기 펌프의 새에 관한 실험, 1768

예술·제조·상업 장려 협회는 주로 전시 장소를 제공하기 위해 1754년에 설립되었습니다.1761년 레이놀즈는 경쟁상대인 영국 예술가 협회를 설립하는 데 주도적인 역할을 했고, 그곳에서 예술가들은 더 많은 통제권을 갖게 되었다.이것은 1768년 왕립 예술 아카데미가 설립되었음에도 불구하고 1791년까지 지속되었고, 그것은 즉시 런던에서 가장 중요한 전시 조직이자 가장 중요한 학교가 되었다.레이놀즈는 1792년 사망할 때까지 그 직책을 유지한 초대 대통령이었다.학생들에게 처음 전달된 그의 출판된 담론은 영어로 된 최초의 주요 예술작품으로 평가되며 고전 조각과 르네상스 시대의 [23]회화에 걸맞은 문체에 대한 열망을 드러냈다.

아카데미가 설립된 후, 레이놀즈의 초상화는 지나치게 고전화되었고 종종 더 멀리 떨어져 있다가 1770년대 후반까지 그는 입스위치와 배스에서 일한 후 1773년에야 런던에 정착한 토마스 [24]게인즈보러의 성공에 영향을 받아 더 친밀한 스타일로 돌아왔다.레이놀즈의 귀족 초상화에 대한 관행이 그의 재능과 정확히 일치하는 것처럼 보이지만, 게인즈보러는 그의 작품을 위해 시장을 따르도록 강요받지 않았다면, 순수한 풍경화가 혹은 그의 가족 초상화의 비공식적인 스타일로 초상화가로 발전했을지도 모른다.그는 말년까지 주로 즐거움을 위해 순수한 풍경을 계속 그렸다; 그의 풍경에 대한 완전한 인식은 20세기에 와서야 이루어졌다.그의 주된 영향력은 초상화에서 이탈리아어가 아닌 프랑스어와 풍경화에서 네덜란드어였으며,[25] 그는 그의 화법의 눈부신 가벼운 손길로 유명하다.조지 롬니 또한 1770년에 유명세를 탔고 말년에 몰락했지만 1799년까지 활동하였다.그의 초상화는 대부분 위엄 있는 사회 인물들의 특징적이지만, 그는 1781년부터 날아다니는 젊은 엠마 해밀턴에 대한 강박관념을 키워 더 화려한 [26]포즈로 그녀를 약 60회 그렸다.그의 작품은 20세기 초에 특히 미국 수집가들에게 인기가 있었고 현재 많은 작품이 미국 박물관에 [27]있다.존 호프너, 윌리엄 비치 경, 그리고 젊은 길버트 스튜어트를 포함한 젊은 초상화가들이 이 세대의 뒤를 이었고,[28] 그들은 그가 미국으로 돌아온 후에야 비로소 그의 성숙한 스타일을 깨달았다.

웨일스의 화가 리처드 윌슨은 1757년 이탈리아에서 7년 동안 런던으로 돌아왔고, 이후 20년 동안 프랑스-이탈리아의 전통인 클로드와 가스파르 두제를 영국 화제에 맞게 개조한 "장엄한" 풍경 양식을 발전시켰다.매우 존경받기는 했지만, 게인즈버러 풍경처럼 그의 풍경화는 팔기 어려웠고, 레이놀즈가 불평했듯이, 때때로 작은 인물 몇 개를 추가하여 그것들을 역사 그림으로 만드는 일반적인 전략에 의지했는데,[29] 그 전략은 80파운드로 두 배가 되었다.그는 계속해서 영국과 웨일즈뿐만 아니라 이탈리아를 배경으로 한 장면들을 그렸다. 그리고 1782년 그의 죽음은 많은 예술가들이 웨일즈로 여행하기 시작하면서, 그리고 후에 호수 구역과 스코틀랜드에서 유화와 수채화 둘 다 지금은 영국에서 오랜 기간 인기를 얻기 시작하고 있는 산악 풍경을 찾기 위해 왔다.h 프로와 아마추어.폴 샌드비, 프란시스 타운, 존 워릭 스미스, 존 로버트 코젠스 등이 대표적인 화가였고 성직자이자 아마추어 화가인 윌리엄 길핀은 그림 같은 아마추어 회화의 인기를 자극한 중요한 작가였고 알렉산더 코젠스의 작품은 잉크를 무작위로 산수화하는 것을 권장했다.ompositions: Constable도 이 [30]기술을 시도했습니다.

존 싱글턴 코플리, 왓슨과 상어 (1778년)

웅장한 태도로 그려진 역사 그림은 팔기 가장 쉬운 것은 아니지만 여전히 가장 권위 있는 예술의 형태였고, 레이놀즈는 호가스의 그림만큼 여러 번 시도했지만 성공하지 못했다.현대 복장의 비영웅적인 성격은 현대 장면을 묘사하는 데 큰 장애물로 여겨졌고, 스코틀랜드 신사이자 예술가이자 미술상인 개빈 해밀턴은 고전적인 장면과 그의 유럽 인물들이 아랍 드레스를 입고 문제를 지나쳐 간 동양 여행을 바탕으로 그림을 그렸다.그는 성인 생활의 대부분을 로마에서 보냈고 적어도 영국만큼 유럽에서 신 고전주의에 영향을 끼쳤다.아일랜드인 제임스 배리는 블레이크에게 영향을 미쳤지만 힘든 경력을 가지고 있었고, 그의 사이클인 왕립예술협회 그레이트룸에서 수 년을 보냈다.단추와 가발을 두려워하지 않았던 가장 성공한 역사 화가들은 둘 다 런던에 정착한 미국인들이다.벤자민 웨스트와 존 싱글턴 코플리는 그의 가장 성공적인 작품 중 하나였지만, 익사로부터 구조되는 모습을 보여주며 왓슨과 상어(1778)는 그들을 대부분 피할 수 있었다.셰익스피어의 장면을 최초로 그린 프랜시스 헤이먼과 조셉 하이모어가 소설 파멜라를 그린 시리즈로 개척한 문학 작품도 인기를 끌었다.그 시대 말기에 보이델 셰익스피어 갤러리는 현대 영국 역사 [31]회화의 한계를 드러내는 동시에 "음유시인"이 된 "음유시인"을 묘사하는 야심찬 프로젝트였다.더비의 조셉 라이트는 주로 산업혁명을 묘사한 최초의 화가들 중 한 명일 뿐만 아니라, 많은 그의 작품들 중 많은 이들이 좋아하는 "공기펌프의 새에 대한 실험"과 "오레리에 대해 강의하는 철학자"와 같은 작품에서 대화 조각과 역사 그림 사이의 교차점을 발전시킨 초상화가였다.캔들라이트만 비추면 강한 키아로스쿠로 효과를 [32]볼 수 있습니다.

윌리엄 블레이크, 느부카드네자르, 1795년 이후

극장의 장면을 기록한 그림들은 독일인 요한 조파니가 그린 또 다른 하위 장르였다.조파니는 인도에서 2년 넘게 영국의 나발과 현지 풍경을 그리며 초상화와 회화 작품을 그렸고, 대영제국의 팽창은 영국 [33]미술에서 점점 더 큰 역할을 했다.미술 훈련은 스케치 지도와 계획을 위한 군대에서 유용한 기술로 여겨졌고, 많은 영국 장교들은 세계 곳곳의 장면과 장소의 서양식 이미지를 종종 수채화했다.인도에서 컴퍼니 스타일은 영국 시장을 위해 인도인들이 제작한 서양 미술과 인도 미술의 혼합 형태로 발전했다.

토마스 롤런슨은 영국인의 삶을 풍자하는 수채화와 판화를 만들었지만 대부분 정치는 피했다.인쇄소(종종 출판사 역할도 함)에서 개별적으로 판매되는 정치적 캐리커처의 거장은 수채화든 평범한 것이든 제임스 [34]길레이였다.영국 미술에서 초상화가 강조된 것은 전적으로 시터들의 허영심 때문이 아니었다.초상화를 소장하는 큰 시장이 있었는데, 주로 복제품들이 화첩에 많이 실렸다.금세기 중반부터, 메조틴트, 초상화, 그리고 다른 그림들의 비싸지만 더 효과적인 복제품들이 크게 증가했고, 초기 증거 상태에 대한 수집가들의 특별한 요구로, 인쇄업자들은 이를 [35]의무적으로 인쇄했다.

이 시기는 영국 장식예술의 하이라이트 중 하나였다.약 20세기 중반, 런던의 보우, 그리고 로스토프트, 우스터, 로열 크라운 더비, 리버풀, 웨지우드 지방을 포함한 많은 도자기 공장이 문을 열었고, 스포드는 1767년에 그 뒤를 이었다.대부분은 작은 관심사로 시작되었고, 일부는 겨우 수십 년 동안 지속되는 반면, 다른 일부는 오늘날까지 생존하고 있다.그 기간의 말기에 영국 도자기 서비스는 외국 왕족에 의해 위탁되었고, 영국 제조업자들은 특히 빠르게 확대되는 국제 중산층 시장을 추적하는 데 능숙했고, 본차이나와 전사 인쇄된 제품, 손으로 그린 진짜 [36]도자기를 개발했다.

토마스 치펜데일 (1718–1779), 토마스 쉐라톤 (1751–1806) 그리고 조지 헤플화이트 (1727) 세 명의 주요 가구 제조사들?-1786)는 다양한 스타일을 가지고 있었으며 주로 영국과 해외의 다른 제작자들이 사용하는 패턴북의 저자로서 지속적인 명성을 얻었다.Chippendale은 프랑스와는 달리 길드 시스템을 포기했고 Chippendale은 [37]재장식을 완료하기 위해 필요한 모든 공예에 전문가를 고용할 수 있었습니다.그 기간 동안 로코코와 치노아제리는 스코틀랜드 건축가이자 인테리어 디자이너인 로버트 아담 (1728–1792)이 새로운 스타일을 이끌면서 네오클래식주의에 자리를 내주었다.

19세기와 낭만주의

사무엘 파머, 자화상, 1826년 경

18세기 후반과 19세기 초에는 더비의 조셉 라이트, 제임스 워드, 새뮤얼 팔머, 리처드 파크스 보닝턴, 존 마틴 등이 있으며, 윌리엄 블레이크 (1757–1827), 존 컨스터블 (1776–1837)을 배출한 영국 미술에서 아마도 가장 급진적인 시기였을 것이다.1851년)는 후기 두 사람이 거의 틀림없이 모든 [38][39]영국 예술가들 중 가장 국제적으로 영향력이 있는 인물이라고 할 수 있다.40대까지 이탈리아를 본 적이 없지만 이탈리아 전통에 기반을 둔 터너의 스타일은 빛의 효과를 탐구하는 그의 마지막 야생, 거의 추상적인 풍경 이전에 상당한 변화를 겪었고 인상파들과 다른 이후의 움직임에 [40]깊은 영향을 끼쳤다.컨스터블은 보통 북유럽 전통에 기초한 스타일로 기껏해야 소수의 장르적 인물들로 순수한 풍경을 그렸지만, 터너처럼 그의 "6피트짜리"[41]는 어떤 역사 그림만큼이나 인상적인 영향을 미치도록 의도되었다.그들은 연구와 실물 크기의 [42]유화 스케치를 사용하여 조심스럽게 준비되었지만, 터너는 전시 작품들이 이미 전시되어 있을 때, 전시 작품들을 완성하고, 그날의 [43]꽉 막힌 작품들 속에서 자유롭게 주변 작품들을 지배하기 위해 그것들을 조정하는 것으로 악명이 높았다.

존 컨스터블, 헤이 웨인, 1821년
J. M. W. 터너, The Fighting Temeraire는 1839년에 해체되기 위해 그녀의 마지막 침대로 끌려갔다.

블레이크의 선견지명이 있는 스타일은 그의 생전에 소수의 취향이었지만, 1820년대에 켄트 쇼햄에 모인 사무엘 파머, 존 리넬, 에드워드 캘버트, 조지 리치몬드의 젊은 "고대인" 그룹에 영향을 미쳐, 가난의 환경에서 강렬하고 서정적인 전원가들을 만들어냈다.그들은 좀 더 전통적인 예술 경력을 쌓았고 파머의 초기 작품은 20세기 [44]초까지 완전히 잊혀졌다.블레이크와 파머는 도라 캐링턴,[45] 폴 내쉬, 그레이엄 [46]서덜랜드와 같은 영국 화가들의 그림에서 보여지는 20세기 모더니즘 화가들에게 중요한 영향을 끼쳤다.블레이크는 또한 1950년대의 비트 시인들과 1960년대의 [47]반문화에도 큰 영향을 끼쳤다.

토마스 로렌스는 20세기 초에 이미 선도적인 초상화가였고, 그의 상류 사회의 초상화에 낭만적인 느낌을 줄 수 있었고, 나폴레옹 전쟁 이후 유럽의 지도자들은 비엔나 회의에 모였다.헨리 레이번은 그의 경력 내내 에딘버러에 기반을 둔 연방 이래 가장 중요한 초상화가였고, 이는 스코틀랜드가 점점 [48]더 번영하고 있음을 보여준다.그러나 데이비드 윌키는 컨트리 라이프와 하이브리드 장르, 그리고 첼시 펜션어스가 워털루 디스패치 (1822년)를 읽는 것과 같은 역사 장면들을 주제로 큰 성공을 거두었다.[49]

존 플락스만은 가장 철저한 신고전주의 영국 예술가였다.조각가로서 시작한 그는 고전적인 장면에 대한 많은 여분의 "개략적인 그림"으로 가장 잘 알려졌으며, 종종 인쇄물로 재현된 문학을 묘사했다.이것들은 그가 만든 고전적인 스타일의 부조물들의 효과를 모방했다.독일계 스위스인 헨리 퓨즐리도 직선적인 그래픽 스타일로 작품을 만들었지만, 종종 영문학에서 나오는 그의 이야기 장면은 매우 낭만적이고 [50]극적이었다.

빅토리아 시대 미술

주요 기사:빅토리아 시대 회화
오필리아, 존 에버렛 밀레, 1851-52

라파엘 전파 형제단(PRB)은 1848년 창립 이후 슬로슈아 레이놀즈 경으로 대표되는 느슨한 화가의 붓글씨를 배제한 채 종교적, 문학적, 장르적 주제에 초점을 맞춘 그림으로 상당한 영향력을 행사했다.PRB 아티스트는 존 에버렛 밀레, 윌리엄 홀먼 헌트, 단테 가브리엘 로세티, 포드 매독스 브라운을 포함했고 에드워드 번 존스, 존 윌리엄 워터하우스 같은 인물들은 디자이너 윌리엄 모리스처럼 나중에 그들의 아이디어의 측면에 많은 영향을 받았다.모리스는 모든 공예품에 빠르게 적용되고 있는 산업적 제조보다 장식예술의 수공예로 회귀하는 것을 주창했다.아름다운 물건을 모든 사람이 살 수 있도록 하기 위한 그의 노력은 빅토리아 시대의 미학을 정의하고 예술과 공예 운동을 선동하는 그의 벽지와 타일 디자인으로 이어졌다.

라파엘 전파는 터너와 마찬가지로 훌륭한 아마추어 예술가인 권위 있는 미술 비평가 존 러스킨의 지원을 받았다.모든 기술 혁신은 그들은 둘 다 그리고 빅토리 아풍의 예술의 최고 형태로서의 역사 그림에 그들의나 주제 문제 빅토리아 시대 미 의식에 맞는 귀에 있고 실제로 쉽게 주류로기 위해 합병할 수 있도록"모든 이는 강철 조각의 발행자들을 환영했다"[51]전통적이었다응나중에 경력을 [52]쌓기존재합니다.

1855년 레이튼 경, 시마뷰의 유명한 마돈나는 222×521cm의 플로렌스 거리를 행진하고 있다.

라파엘 전파가 격동적이고 분열된 반응을 보인 반면, 그 시대의 가장 인기 있고 비싼 화가들은 빅토리아 여왕과 앨버트 왕자가 가장 좋아했던 감성적인 동물 주제를 전문적으로 다룬 에드윈 랜드시어였다.세기 후반에 예술가들은 그들의 그림의 복제권을 판 출판사에 팔아서 많은 돈을 벌 수 있었고, 랜드시어의 작품들, 특히 하이랜드 숫사슴의 초상화인 글렌의 군주(1851)는 가장 인기 있는 작품들 중 하나였다.밀레의 버블처럼 그것은 수십 년 동안 [53]각각 위스키와 비누 브랜드에 포장과 광고에 사용되었다.

빅토리아 시대 후반기에 영국에서 레이튼 경과 네덜란드 태생의 로렌스 알마-타데마의 학술적인 그림들은 종종 이국적이거나 고전적인 배경에서 얇은 옷을 입은 미녀들을 특징으로 하는 엄청난 인기를 끌었고, 반면 G.F. 와츠의 우화적인 작품들은 빅토리아 시대의 높은 목적의 감각과 일치했다.에드워드 포인터와 앨버트 무어의 고전적인 여성들은 더 많은 옷을 입었고 오히려 덜 성공적이었다.William Powell Frith는 희극적이고 도덕적인 요소들을 포함하고 그의 [54]작품과는 분명히 다르지만 호가스에 대한 인정된 빚이 있는 사회 생활의 매우 상세한 장면들을 그렸습니다.

그러한 모든 예술가들에게, 왕립 아카데미 여름 전시회는 중요한 플랫폼이었고, 언론에서 엄청난 장황한 평가를 받았고, 이는 종종 작품을 토론할 때 조롱과 과장된 찬사를 번갈아 가며 다루었다.가장 드물고 궁극적인 영예는 열정적인 군중으로부터 보호하기 위해 그림 앞에 레일을 놓아야 하는 경우였다; 1874년까지는 윌키의 첼시 펜션, 프리스의 더비의 날, 살롱도르, 홈버그, 루크 필데의 캐주얼 워드(아래 [55]참조)에게만 일어났었다.많은 예술가들은 그곳에서 히트하기 위해 매년 노력했고, 종종 그들의 재능은 정말 적합하지 않은 방식으로 작업했습니다, 키츠와 디킨스의 친구이자 화가보다 더 나은 작가인 벤자민 헤이든의 1846년 자살로 예시된 트로페, 그의 미완성 알프레드 왕과 최초의 왕에게 그의 피를 뿌렸습니다. 영국 [56]배심원단

1858년 스쿠타리의 한 장면, 키밥 가게 존 프레데릭 루이스

영국의 역사는 중세, 엘리자베스 1세, 메리, 스코틀랜드 여왕, 그리고 영국 남북전쟁과 함께 매우 흔한 주제였다.밀레, 포드 매독스 브라운, 데이비드 윌키, 왓츠와 프리스, 웨스트, 보닝턴과 터너를 포함한 다른 곳에서 언급된 많은 화가들은 수십 년 전에 역사적 주제를 그렸다.런던에 본부를 둔 아일랜드인 대니얼 맥리스와 찰스 웨스트 코프는 새로운 웨스트민스터 궁전을 위한 장면들을 그렸다.레이디 제인 그레이는 많은 화가들을 끌어들인 스코트인의 메리 퀸과 같은 여성이었지만, 프랑스인 폴 들라로슈의 [57]많은 영국 역사 주제 중 하나인 레이디 제인 그레이의 처형에 필적하는 사람은 없었다.화가들은 의상과 물건의 측면에서 그들의 시대 설정의 정확성이 증가하고, 새로운 빅토리아와 앨버트 박물관의 소장품들과 책들을 연구하며, 이전 세대의 [58]예술가들의 경쾌한 근사치를 태우면서 자부했다.

리처드 레드그레이브, 1858년 이민자들의 마지막 고향 풍경

빅토리아 시대 회화는 도덕적인 세부사항과 문학의 장면을 묘사하는 전통으로 가득 찬 호가스의 사회적 주제를 다양한 종류의 풍속화로 발전시켰는데, 많은 그림들은 단지 몇 개의 인물만을 가지고 있고 다른 것들은 프리스의 가장 잘 알려진 작품들처럼 크고 붐비는 장면들을 가지고 있다.홀먼 헌트의 각성 양심(1853년)과 아우구스투스 에그의 과거와 현재(1858년)는 빅토리아 시대의 영원한 관심사인 "낙상 여성"을 다룬 첫 번째 유형이다.피터 콘래드가 지적했듯이, 이것은 소설처럼 읽을 수 있도록 고안된 그림들로, 보는 사람이 그것을 [59]해독하는 작업을 한 후에 그 의미가 나타났다.다른 "비성공적인" 장면들은 자막이 없는 펀치 만화인 경향이 있어 기분이 더 가벼웠다.

19세기 말, 이 문제 그림은 의도적으로 서술 행동의 세부 사항을 모호하게 만들어, 보는 이로 하여금 그들 앞에 놓인 증거를 사용하여 추측하도록 유도했지만, 최종적인 답을 제공하지 않았다(예술가들은 질문을 받았을 때 수수께끼 같은 미소를 짓는 것을 배웠다).이것은 때때로 직접적으로 제기하기 어려웠을 수도 있는, 전형적으로 여성이 관련된 민감한 사회적 문제에 대한 논의를 불러일으켰다.그것들은 엄청난 인기를 끌었다; 신문들은 [60]독자들을 위해 그림의 의미를 제공하는 대회를 열었다.

많은 예술가들이 식각의 부활로 알려진 독창적인 예술 판화의 부활에 참여했지만, 다른 많은 기법으로 판화가 만들어졌다.이것은 1850년대에 시작되었고 1929년 월스트리트의 붕괴의 여파가 가장 유행하는 예술가들이 달성해 온 매우 높은 가격의 붕괴를 가져올 때까지 계속되었다.

영국 오리엔탈리즘은 같은 시기에 프랑스에서처럼 흔하지는 않았지만 카이로에서 9년간 살았던 존 프레더릭 루이스, 중동과 이탈리아 여행의 석판화를 만든 스코틀랜드인 데이비드 로버츠, 실론까지 도달한 난센스 작가 에드워드 리어, 리처드 D 등 많은 전문가가 있었다.덧붙여, Holman Hunt는 또한 그의 성서 그림의 진짜 배경을 얻기 위해 팔레스타인을 여행했다.파리 코뮤니티가 몰락한 후 런던으로 도피한 프랑스인 제임스 티소는 상류사회의 사교적 사건 장면과 복제 [61]출판을 위해 수채화 된 거대한 성경 삽화 시리즈에 시간을 할애했다.프레데릭 구달은 고대 이집트의 장면을 전문으로 했다.

제임스 맥닐 휘슬러, 녹턴의 블랙 앤 골드: 추락 로켓(1874년).1877년 휘슬러는 예술평론가 존 러스킨이 자신의 그림 '블랙 앤 골드'의 녹턴을 비난하자 명예훼손으로 고소했다.러스킨은 휘슬러가 "대중 앞에 페인트 냄비를 던진 것에 대해 200기니를 요구했다"고 비난했다.

가난한 사람들의 사회적 상황에 관련된 큰 그림들은 시골 풍경들에 집중되는 경향이 있었고, 그래서 최소한 풍경으로 인간 형상의 비참함이 상쇄되었다.이 그림들의 화가들은 프레데릭 워커, 루크 필데스, 프랭크 홀, 조지 클라우센, 그리고 독일의 휴버트 폰 헤르코머를 [64]포함했다.

로세티 부부의 친구인 윌리엄 벨 스콧은 역사적인 장면과 다른 종류의 작품들을 그렸지만 중공업의 장면을 묘사한 몇 안 되는 화가들 중 한 명이었다.그의 회고록은 그 기간 동안 유용한 자료이며, 그는 헨리 콜(크리스마스 카드의 발명가)에 의해 추진되고 리처드 레드그레이브, 에드워드 포인터, 리처드 버쳇, 스코틀랜드 디자이너 크리스토에 의해 고용된 매우 확장된 정부 예술 학교의 시스템에서 한 기간 동안 고용된 여러 예술가들 중 한 명이었다.pher dresser와 다른 많은 사람들.버쳇은 "사우스 켄징턴 스쿨"의 교장이었으며, 지금은 왕립 미술 대학이 영국 미술 학교를 대체하여 점차적으로 선도적인 영국 미술 학교가 되었다. 하지만 슬레이드 미술 학교는 많은 전향적인 [65]예술가들을 배출했다.

왕립 아카데미는 처음에 파리 살롱만큼 보수적이고 제한적이지 않았고 라파엘 전파도 다른 모든 사람들처럼 그들의 그림이 주어진 위치에 대해 불평했지만, 전시회에 출품된 대부분의 작품들은 받아들여졌다.그들은 특히 가장 큰 지역 전시 조직 중 하나인 리버풀 예술 아카데미에서 환영을 받았습니다; 왕립 스코틀랜드 아카데미는 1826년에 설립되었고 1850년대에 거대한 새 건물을 열었습니다.영국 기관과 같은 대체적인 런던 소재지가 있었고, 대통령 시절 레이튼 경의 노력에도 불구하고 왕립 아카데미의 보수성이 점차 높아지면서 1877년부터 새로운 공간, 특히 본드 스트리트의 그로브너 갤러리가 문을 열었고, 이곳은 미학 운동의 본거지였다.1885년부터 인상파 성향을 가진 많은 화가들을 전시한 New English Art Club은 처음에는 왕실 아카데미 맞은편에 있는 이집트 홀을 사용했는데, 이 홀은 외국 미술 전시회도 많이 열었다.미국의 초상화가 존 싱어 서젠트는 그의 직장생활의 대부분을 유럽에서 보냈고 1886년부터 1907년까지 런던에서 스튜디오를 유지했습니다.

프랑스 태생이지만 영국 국적을 가진 알프레드 시슬리는 인상파 화가 중 한 명으로 프랑스에서 그림을 그렸다; 그들의 경력 초기에 월터 시커트와 필립 윌슨 스티어도 강한 영향을 받았으나, 딜러 폴 듀랑 루엘이 런던에 많은 전시회를 가져왔음에도 불구하고, 그 운동은 수십 년 전까지 영국에서 거의 영향을 미치지 않았다.후에,[66] 신풍경이나 장르 장면의 일부 구성원들은 준인상주의 기법을 채택한 반면, 다른 구성원들은 현실주의나 전통적인 수준의 마무리를 사용했다.

19세기 후반에는 프랑스의 퇴폐 운동과 영국의 미학 운동도 있었다.영국에 기반을 둔 미국인 화가 제임스 애보트 맥닐 휘슬러, 오브리 비어슬리, 라파엘 전 시대의 단테 가브리엘 로세티, 에드워드 번-존스 등은 이러한 움직임과 관련이 있으며, 고 번-존스와 버즐리는 모두 해외에서 존경받고 있고 유럽의 [67]상징성에 가장 가까운 영국의 접근을 대표한다.1877년 제임스 맥닐 휘슬러는 미술평론가 존 러스킨이 자신의 그림 '블랙 앤 골드'를 비판하자 명예훼손으로 고소했다. 낙하 로켓.러스킨은 휘슬러가 "대중 [62][63]앞에 페인트 냄비를 던진 것에 대해 200기니를 요구했다"고 비난했다.배심원들은 휘슬러에게 유리한 평결을 내렸지만 명목상 손해는 단 한 푼도 주지 않았고 소송비용도 [68]쪼개졌다.1877-8년 E. W. 고드윈이 설계한 첼시 티트 스트리트의 백악관(The White House) 건설로 인한 막대한 빚과 함께, 이 사건의 비용은 [69]1879년 5월까지 휘슬러를 파산시켰고, 그의 작품, 소장품, 그리고 집을 경매에 부쳤다.스탄스키는[70] 러스킨의 법적 비용을 마련하기 위해 컬렉션을 조직한 런던 미술 협회가 휘슬러의 비용을 회수하는 데 도움을 준 베니스의 돌(그리고 1883년 시리즈 전시)에 그를 지원한 것은 아이러니한 일이라고 지적한다.

월터 시커트, 매니저 대행 또는 리허설: 법의 종말(Helen Carte의 초상), 1885년 경

스코틀랜드 미술은 현재 건축가이자 디자이너인 찰스 레니 맥킨토시와 함께 글래스고 보이즈(Glasgow Boys)는 인상주의(Impressionism)와 디자인에서 아르누보(Art Nouveau), 자포니즘(Japonism), 켈트 부흥(Celtic Revolution)을 표현하고 있는 독특한 특징을 개발할 수 있게 되었다.화가로는 토마스 밀리 다우, 조지 헨리, 조셉 크로홀, 제임스 거트리가 있었다.

새로운 인쇄 기술은 책 일러스트레이션의 큰 확장을 가져왔고, 아동 도서에 삽화를 넣어 그 시대의 가장 기억에 남는 작품의 대부분을 제공했다.전문 예술가로는 랜돌프 칼데콧, 월터 크레인, 케이트 그리너웨이, 그리고 1902년부터 베아트릭스 포터가 있었다.

대영제국의 발흥으로 인한 군사적, 정치적, 경제적 힘의 경험은 영국에서 [71]예술적 기술, 취향 및 감성에 있어 매우 구체적인 추진력으로 이어졌다.영국인들은 그들의 예술을 "자연계에 대한 지식과 명령을 보여주기 위해" 사용했고, 영국령 북미, 오스트랄라시아, 남아프리카의 영구 정착자들은 "그들의 국가 [71]정체성에 맞는 독특한 예술적 표현을 찾는 것에 착수했다".그 제국은 "영국 미술사의 여백이 아니라 중심에 있었다".[72]

이 기간 동안 다양한 형태의 영국 장식 예술이 다양하게 제작되고 있는 것은 너무 복잡해서 쉽게 요약할 수 없다.빅토리아 시대의 취향은, 예술과 공예와 같은 지난 수십 년의 다양한 운동들까지, 오늘날 일반적으로는 좋지 않게 여겨졌지만, 많은 훌륭한 작품들이 만들어졌고, 많은 돈을 벌었다.윌리엄 버지스와 아우구스투스 퍼긴은 고딕 부흥에 헌신한 건축가들로, 가구, 금속 세공품, 타일, 그리고 다른 매체의 물건을 디자인하는 것으로 확장되었다.중세 교회의 부속품을 다시 고딕화하고, 특히 스테인드 글라스를 사용한 새로운 부속품을 설치하는 엄청난 붐이 일었는데, 이 산업은 사실상 소멸에서 부활했다.이미지가 그려진 가구의 부활은 시장 [73]최상단의 특징이었다.

1875년 문을 연 런던 백화점은 특히 19세기 말의 새로운 스타일의 극동 장식품과 영국 상품과 관련이 있었다.Charles Voysey는 직물, 벽지 가구 및 기타 매체에서 많은 디자인 작업을 한 건축가였으며, Arts and Crafts 운동을 아르누보와 그 이상으로 이끌었다. 그는 1920년대까지 [74]디자인을 계속했다.A. H. 맥머도 비슷한 인물이었다.

20세기

그레이엄 서덜랜드, The City a falled 리프트 샤프트

많은 사람들이 빅토리아 시대는 1914년 제1차 세계대전이 발발할 때까지 지속되었고, 왕립 아카데미는 점점 더 경직되었다; 의심할 여지 없이 후기 빅토리아 시대의 인물인 프랭크 딕시는 1924년에 대통령으로 임명되었다.사진에 있어서, 진정한 화가적인 예술적 효과를 얻기 위한 그림주의.Linked Ring에는 주요 개업의들이 포함되어 있었다.미국인 존 싱어 서젠트는 존 래버리, 아우구스투스 존, 윌리엄 오펜이 떠오르는 등 20세기 초 런던에서 가장 성공한 초상화가였다.존의 여동생 그웬 존은 프랑스에 살았고, 그녀의 친밀한 초상화는 그녀가 죽은 후 수십 년까지 거의 인정받지 못했다.현대 미술에 대한 영국인들의 태도는 [75]19세기 말에 "편파화"되었다.모더니즘 운동은 예술가들과 비평가들에 의해 소중히 여겨지기도 하고 비난받기도 했습니다; 인상주의는 처음에는 "많은 보수적인 비평가들"에 의해 "전복적인 외국의 영향"으로 여겨졌지만, 20세기 [75]초에 영국 예술에 "완전 동화"되었습니다.아일랜드 예술가 잭 버틀러 예이츠(1871–1957)는 더블린에 기반을 두고 있었는데, 한때 낭만적인 화가이자 상징주의자이자 표현주의자이다.

보르티즘은 1914년 직전 몇 년 동안 많은 근대주의 예술가들이 모인 짧은 기록이었다; 구성원들은 윈덤 루이스, 조각가 제이콥 엡스타인 경, 데이비드 봄버그, 말콤 아르부스노트, 로렌스 앳킨슨, 미국 사진작가 앨빈 랭돈 코번, 프레드릭 에첼, 프랑스 조각가 가우제스카 가우츠 등이었다.lton, Christopher Nevinson, William Roberts, Edward Wadsworth, Jessica Dismorr, Helen Saunders, 그리고 도로시 셰익스피어.20세기 초에는 시트웰스 예술 서클과 블룸스버리 그룹도 포함되는데, 이 그룹은 화가 도라 캐링턴, 화가이자 미술 평론가인 로저 프라이, 미술 평론가 클라이브 벨, 화가 바네사 벨, 화가 던컨 그랜트 등 주로 영국 작가, 지식인, 철학자, 예술가들로 구성된 그룹이다.당시에는 매우 유행했지만,[76] 오늘날에는 시각 예술에서 그들의 작품은 덜 인상적으로 보인다.영국의 모더니즘은 벤 니콜슨과 같은 인물들이 유럽의 발전과 계속 접촉하고 있었지만, 2차 세계대전 이후까지 다소 잠정적으로 남아있었다.

월터 시커트와 캠든 타운 그룹은 해롤드 길만, 스펜서 프레드릭 고어, 찰스 긴너, 로버트 베반, 말콤 드러몬드, 루시앙 피사로([77]프랑스 인상파 화가 카밀의 아들)를 포함한 강력한 사회 다큐멘터리를 통해 영국식 인상주의와 후기 인상주의를 개발했다.그들의 색깔이 종종 단조롭기로 악명 높은 곳에, 스코틀랜드 컬러리스트들은 정말로 밝은 빛과 색을 사용했다; 사무엘 페플로와 존 던컨 퍼거슨과 같은 몇몇은 적절한 [78]주제를 찾기 위해 프랑스에 살고 있었다.그것들은 처음에 인상주의와 연관된 스코틀랜드 풍경화가 윌리엄 맥태거트 경 (1835–1910)에게서 영감을 받았습니다.

제1차 세계대전의 참상에 대한 반응은 주로 판화 제작자인 폴 내쉬와 에릭 라빌리우스가 대표하는 목축 주제로 돌아가게 했다.스탠리 스펜서는 풍경뿐만 아니라 신비로운 작품도 그렸고, 조각가, 판화 작가, 타이포그래퍼 에릭 길은 아트 데코와 관련된 스타일로 우아한 단순한 형태를 만들어냈다.유스턴 로드 스쿨은 영향력 있는 교사 윌리엄 콜드스트림을 포함한 1930년대 후반의 "진보적인" 현실주의자들의 그룹이었다.존 튜너드와 버밍엄 초현실주의자들과 함께 초현실주의는 1930년대에 잠시 인기를 끌었고, 롤랜드 펜로즈와 헨리 무어에 영향을 미쳤다.스탠리 윌리엄 헤이터는 1930년대 초현실주의와 1940년대 이후 추상표현주의와 [79]관련된 영국의 화가이자 판화 제작자였다.1927년 헤이터는 파리에 전설적인 아틀리에 17 스튜디오를 설립했다.1988년 그가 사망한 이후 아틀리에 콘트레포인트로 알려져 왔다.헤이터는 20세기의 [80]가장 영향력 있는 판화 제작자 중 한 명이 되었다.패셔너블한 초상화 작가로는 딱딱한 얼굴의 아르데코 고전주의의 메레디스 프램튼, 아우구스투스 존, 그리고 말이 관련되었다면 알프레드 머닝스 경이 포함되었습니다.Munnings는 1944년부터 1949년까지 왕립 아카데미의 회장이었으며 모더니즘에 대한 야유적인 적대감을 이끌었다.그 시대의 사진작가로는 빌 브랜트, 앵거스 맥빈, 다이어리스트 세실 비튼이 있다.

헨리 무어는 제2차 세계대전 후 빅터 파스모어, 윌리엄 스콧, 바바라 헵워스와 함께 영국 축제에 의해 홍보된 영국의 대표적인 조각가로 떠올랐다.프란시스 베이컨, 루시안 프로이트, 프랭크 아우어바흐, 레온 코소프, 마이클 앤드류스 등 조형 화가들의 '런던 스쿨'은 국제적으로 널리 [81]인정받았고, 존 민튼, 존 크랙스턴 등 다른 화가들은 네오로망틱스주의로 특징지어진다.그레이엄 서덜랜드, 낭만주의 조경가 존 파이퍼(다작적이고 인기 있는 석판화가), 조각가 엘리자베스 프링크, 그리고 L.S. Lowry의 산업 도시 풍경도 전후 영국 예술에서 강한 비유적 존재에 기여했다.

루시안 프로이트

뉴욕 타임즈의 윌리엄 그라임스에 따르면, "루시앙 프로이트와 그의 동시대인들은 20세기에 인물 그림을 변형시켰다.'하얀 개를 가진 소녀'와 같은 그림에서 프로이트는 전통적인 유럽 회화의 회화 언어를 앉은 사람의 사회적 외관을 벗겨내는 반낭만적이고 대립적인 초상화의 스타일로 사용하였습니다.그의 친구들 중 많은 사람들이 캔버스에서 눈을 크게 뜨고 바라보았고, 예술가의 무자비한 [82]시찰에 약했습니다."1952년 제26회 베니스 비엔날레에서는 케네스 아미티지, 레지 버틀러, 린 채드윅, 윌리엄 턴불, 에두아르도 파올로지 등 젊은 영국 조각가들이 반기념적 표현주의를 [83]보여주는 작품을 전시했다.스코틀랜드의 화가 앨런 데이비는 1950년대에 신화와 [84]선에 대한 그의 관심을 종합하고 반영하는 추상화들을 많이 그렸다.추상 미술은 1950년대에 [85]콘월 세인트 아이브스 학교의 일부였던 벤 니콜슨, 테리 프로스트, 피터 라니언, 패트릭 헤론과 함께 두드러졌다.1958년, 케네스 아미티지, 윌리엄 헤이터와 함께 윌리엄 스캇은 제29회 베니스 비엔날레 영국관 협회에 의해 선정되었다.

1950년대에 런던에 본부를 둔 인디펜던트 그룹이 결성되었고, 1956년 현대 예술 협회에서 열린 전시회에서 추상적 [86]표현주의에 대한 영국의 반응으로 팝 아트가 등장했습니다.인터내셔널 그룹은 2007년 3월 테이트 브리튼에서 이틀간 열린 국제회의의 주제였다.인디펜던트 그룹은 영국과 미국에서 [86][87]팝아트 운동의 선구자로 여겨진다.This is Tomorrow 쇼에는 스코틀랜드 예술가 에두아르도 파올로지, 리처드 해밀턴, 그리고 영향력 있는 미술 비평가인 Lawrence Alloway가 참여했습니다.[88]

1960년대에 앤서니 카로 경은 아이작 위킨,[90] 필립 킹, 윌리엄 G를 포함한 젊은 추상 예술가들과 함께 영국[89] 조각의 선두 주자가 되었다. 터커.[91]존 호일랜드,[92] 하워드 호지킨, 존 워커, 이안 스티븐슨,[93][94] 로빈 데니, 존[95] 플럼,[97] 윌리엄 틸러[96] 등은 당시 등장한 영국의 화가들로 새로운 국제화풍을 반영했다.1960년대에 영국의 다른 예술가 그룹은 좀 더 전통적인 예술작품에 대한 급진적인 대안을 제시했고 그들은 브루스 맥린, 배리 플래너건, 리처드 롱, 길버트와 조지를 포함했다.영국의 팝아트 화가 데이비드 호크니, 패트릭 콜필드, 데릭 보시어, 피터 필립스, 피터 블레이크(병장 커버아트로 가장 잘 알려져 있음). 페퍼의 론리 하츠 클럽 밴드), 제럴드 랭, 조각가 앨런 존스, 영국계 미국인 화가 R. B. 키타즈 등 60년대 미술계의 일부였다.말콤 몰리(1984년 제1회 터너상 수상자)의 손에 있는 포토리얼리즘은 브리짓 [98]라일리의 작품뿐만 아니라 1960년대에 나타났다.마이클 크레이그-마틴은 몇몇 젊은 영국 예술가들의 영향력 있는 선생님이었고 개념적인 작품인 오크 나무(1973년)[99]로 알려져 있다.

현대 미술

Stuckism:Charles Thomson, Sir Nicholas Serota, 인수 결정, 2000년

포스트모던, 현대 영국 예술, 특히 젊은 영국 예술가들은 물질 문화에 대한 근본적인 관심으로 특징지어진다.문화 불안으로 인식된다"고 말했다.[101]1984년에 설립되어 테이트가 주관하는 매년 열리는 터너상은 영국 현대 미술의 높은 홍보 쇼케이스로 발전해 왔다.수혜자들 중에는 젊은 영국 예술가들(YBA) 운동의 회원이 몇 명 있었는데, 데미안 허스트, 레이첼 화이트리드, 트레이시 에민은 찰스 사치의 지원으로 1988년 프리즈 전시회 이후 두각을 나타냈고 그들의 개념 예술 버전으로 국제적인 인정을 받았다.이것은 종종 설치, 특히 보존된 상어가 들어 있는 허스트의 유리알을 특징으로 했습니다.테이트 갤러리와 결국 왕립 아카데미도 그들을 노출시켰다.Saatchi의 관대하고 광범위한 후원자의 영향은 런던의 가장 영향력 있는 [citation needed]갤러리스트인 Jay Jopling의 경우와 마찬가지로 몇 가지 논란이 되었다.

Saatchi Collection의 Sension 전시는 영국과 미국에서 다른 방식으로 논란이 되었다.로얄 아카데미가 언론을 통해 만들어낸 논란은 마커스 하비의 살인범 마이라 힌들리의 매우 큰 이미지인 마이라에 집중되었지만, 1999년 말 브루클린 박물관에서 개막한 이 쇼는 런던에서는 이러한 반응을 일으키지 않았던 성모 마리아에 대한 격렬한 항의에 직면했다.비록 Ofili의 작품은 조심스럽게 만들어진 검은 마돈나를 코끼리 똥 덩어리로 장식했지만, 언론은 이 작품이 코끼리 똥으로 얼룩져 있다고 보도했습니다.이 인물은 또한 포르노 잡지에 실린 여성 생식기의 작은 콜라주 이미지로 둘러싸여 있는데, 이것은 멀리서 보면 전통적인 그룹인 것처럼 보였다.다른 비판들 중에서, 이 작품을 카탈로그에서 보았지만 쇼에서는 보지 못한 루돌프 줄리아니 뉴욕 시장은 "아픈 물건"이라며 "당신은 다른 사람의 종교를 [102]모독하는 것에 대해 정부 보조금을 받을 권리가 없다"며 쇼를 주최하는 브루클린 박물관에서 매년 700만 달러의 시청 보조금을 철회하겠다고 위협했다.

1999년, YBAs에 [103]대한 반작용으로 Billy Childlien과 Charles Thomson이 포함된 Stuckists의 회화 그룹이 설립되었습니다.2004년, 워커 미술관은 스터키스트의 [104]첫 국립 박물관 전시회인 "스터키스트 펑크 빅토리안"을 열었다.영국 화가 연맹은 전통 [105]회화 전시회를 개최한다.Jack Vettriano와 Beryl Cook은 광범위한 인기를 얻고 있지만, 설립 [106][107][108]인지도는 높지 않습니다.뱅크시는 길거리 그래피티로 유명세를 탔고 지금은 매우 가치 있는 주류 [109]예술가이다.

Antony Gormley는 2000년대에 제작된 다수의 매우 큰 공공 조각품 중 하나인 Gateshead 근처에 있는 20미터(66피트) 높이의 North Angel of the North Angels를 포함한 대부분 금속으로 된 조각품을 제작합니다.인도 태생의 조각가 아니쉬 카푸어는 시카고의 클라우드 게이트와 스카이 미러를 포함한 전 세계에 공공 작품을 가지고 있습니다. 그의 작품 중 많은 부분이 곡면 거울과 같은 강철 표면을 사용합니다.영국의 토공예 예술가 앤디 골드즈워치의 환경 조각품들이 전 세계 많은 장소에서 만들어졌다.자연발견 재료를 사용하여 그것들은 종종 매우 단시간적이며, 책 형태로 [110]출판된 여러 컬렉션의 사진에 기록된다.그레이슨 페리는 도자기를 포함한 다양한 매체에서 일하고 있습니다.주요 인쇄 업체로는 Norman Ackroyd, Elizabeth Blacksacred, Barbara Rae 및 Richard Spare가 있습니다.

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외부 링크

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