테크노

Techno
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테크노
양식적 기원
문화적 기원1980년대 중반, 미국(디트로이트), 서독(프랑크푸르트, 베를린)
파생형
하위장르
퓨전장르
지역풍경
기타주제

테크노(Techno)는 일반적으로 연속 DJ[2] 세트에서 사용하기 위해 제작되는 일렉트로닉 댄스 뮤직(EDM)의 한 장르로, 템포는 종종 분당 120에서 150 비트 사이에서 다양합니다.중앙 리듬은 일반적으로 공통적인 시간(4/4)이며, 종종 바닥 박자에서 4번 반복되는 것이 특징입니다.[3]아티스트들은 디지털 오디오 워크스테이션뿐만 아니라 드럼 머신, 시퀀서, 신시사이저와 같은 전자 악기를 사용할 수 있습니다.롤랜드의 TR-808과 TR-909와 같은 1980년대 드럼 머신은 높은 평가를 받고 있으며, 이러한 복고 악기의 소프트웨어 에뮬레이션은 인기가 있습니다.

테크노의 많은 악기들은 다른 음악적인 요소들보다 리듬의 역할을 강조합니다.테크노 트랙은 주로 신디사이저 프리셋의 팀브럴 특성의 조작보다 진행되며, 신디사이저 키보드로 제작되는 경향이 있는 EDM의 형태와 달리 테크노는 서양 음악의 하모니 연습을 항상 엄격하게 준수하지는 않으며 그러한 구조는 종종 팀브럴 조작에만 유리하게 무시됩니다.테크노 음악과 테크노 에스테틱의 또 다른 특징은 음악 제작 기술의 창조적인 사용의 일반적인 수용입니다.

1980년대 초 독일에서 시작된 일렉트로닉 음악의 한 종류를 가리키기 위해 "테크노"라는 용어를 사용하는 것.1988년, 컴필레이션 테크노의 영국 발매에 이어! 디트로이트의 뉴 댄스 사운드(New Dance Sound of Detroit)라는 용어는 디트로이트에서 제작된 EDM 형식과 관련이 있습니다.[4][5]디트로이트 테크노는 크래프트워크(Kraftwerk), 조르지오 모로더(Giorgio Moroder), 옐로우 매직 오케스트라(Yellow Magic Orchestra)와 같은 아티스트들이 하우스(House), 일렉트로(Electro), 펑크(Funk) 같은 아프리카계 미국인 스타일과 신스 팝(Synth-pop)[6]을 융합한 것에서 비롯되었습니다.여기에 앨빈 토플러의 책 제3의 물결이 주목할 만한 참고점으로 미국 후기 자본주의 사회의 삶과 관련된 미래지향적이고 공상과학적인 주제들의[7] 영향이 더해집니다.[8][9]1980년대 중후반에 후안 앳킨스, 데릭 메이, 케빈 손더슨(통칭 더 벨빌 쓰리)이 에디 폴크스, 블레이크 백스터, 제임스 페닝턴 등과 함께 만든 음악은 디트로이트에서 온 테크노의 첫 번째 물결로 여겨집니다.[10]

많은 유럽 국가들에서 하우스 음악의 성공 이후, 테크노는 영국, 독일, 벨기에 그리고 네덜란드에서 인기를 끌었습니다.[11][better source needed]유럽에서는 지역적인 변형이 빠르게 진화하였고 1990년대 초반까지 산성, 하드코어, 블리프, 앰비언트, 더빙 테크노와 같은 기술 하위 장르가 발전했습니다.음악 저널리스트들과 테크노 팬들은 일반적으로 그 용어를 사용하는데 있어서 선택적이기 때문에, 때때로 관련이 있지만 종종 테크 하우스와 무아지경과 같은 질적으로 다른 스타일들 사이에 명확한 구별이 지어질 수 있습니다.[12][13][14][15]

디트로이트 테크노

주요 기사:디트로이트 테크노
참고 항목:일렉트로(음악), 하우스 뮤직, 이탈로 디스코, 크래프트워크, 신스팝

디트로이트 테크노의 기원을 탐구하면서, 작가 Kodwo Eshun은 "크래프트워크는 롤링 스톤스에 머디 워터스가 무엇인지를 기술하는 것입니다: 진품, 기원, 진짜."[16]라고 주장합니다. Juan Atkins는 그가 크래프트워크와 조르지오 모로더에게 초기의 열정을 가지고 있었다는 것을 인정했습니다.특히 Moroder의 Donna Summer와의 작업과 프로듀서 자신의 앨범 E=MC.앳킨스는 또한 "1980년경 저는 크래프트워크, 텔렉스, 데보, 조르지오 모로더, 게리 누만 외에는 아무것도 없는 테이프를 가지고 있었고, 그것을 연주하면서 제 차를 타고 다녔습니다."[17]라고 언급합니다.크래프트워크에 대한 그의 초기 인상과 관련하여, 앳킨스는 그것들이 그의 겉보기에는 "사이키델릭한" 음악에 등장하는 "이상한 UFO 소리"와 비교적 "깨끗하고 정확했다"고 언급합니다.[18]

데릭 메이(Derrick May)는 크래프트워크와 다른 유럽 신시사이저 음악의 영향을 확인하면서 "그 음악은 그저 우아하고 깨끗했으며, 우리에게는 우주 공간처럼 아름다웠습니다.디트로이트 주변에 살면 아름다움이 거의 없었어요디트로이트의 모든 것이 엉망진창이어서 우리는 이 음악에 끌렸습니다.그것은 마치 우리의 상상력에 불을 붙였습니다!"[19]라고 말했습니다.메이는 그의 음악이 유럽 신디사이저 전통의 직접적인 연속이라고 생각한다고 언급했습니다.[20]그는 또한 일본의 신스팝 배우 옐로우 매직 오케스트라, 특히 멤버 사카모토 류이치와 영국 밴드 울트라박스를 크래프트워크와 함께 영향력으로 꼽았습니다.[21]전자 메카로서의 도쿄에 대한 찬사인 YMO의 노래 "Technopolis"(1979)는 디트로이트 테크노의 발전에 대한 "흥미로운 기여"로 여겨지며, 앳킨스와 데이비스가 나중에 사이봇론과 함께 탐구할 개념을 암시합니다.[22]

케빈 손더슨은 또한 유럽의 영향을 인정했지만, 그는 전자 장비로 음악을 만드는 아이디어에 더 많은 영감을 받았다고 주장합니다: "저는 제가 이 모든 것을 스스로 할 수 있다는 아이디어에 더 매료되었습니다."[20]

이 초기 디트로이트 기술자들은 변화된 사회에 대한 자신들의 비전을 표현하기 위해 공상과학 이미지를 추가로 사용했습니다.[23]

학창시절

악명을 얻기 전에 앳킨스, 손더슨, 메이, 폴크스는 음악가로서, 테이프 트레이더로서, 그리고 DJ 지망생으로서 공통의 관심사를 공유했습니다.[24]그들은 또한 DJ Charles "The Electricing Mojo" Johnson에 의해 1977년부터 1980년대 중반까지 WCHB, WGPR, WJLB-FM을 포함하여 다양한 디트로이트 라디오 방송국에서 개최된 5시간 심야 라디오 프로그램인 Midnight Funk Association을 통해 음악적 영감을 발견했습니다.[25]Mojo의 쇼는 Parliament Funkadelic과 Devo와 B-52와 같은 밴드의 댄스 지향 뉴 웨이브 음악과 함께 Giorgio Moroder, Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra, Tangerine Dream과 같은 아티스트들의 전자 음악을 선보였습니다.[26]앳킨스는 다음과 같이 언급했습니다.

그는 누구나 듣고 싶어하는 모든 의회와 펑카델릭을 연주했습니다.그 두 그룹은 그 당시 디트로이트에서 정말 컸습니다.사실, 디스코가 1979년 디트로이트에서 큰 인기를 끌지 못했던 주요 이유 중 하나였습니다.Mojo는 디스코로 넘어간 다른 모든 방송국들과 차별화하기 위해 많은 펑크를 연주하곤 했습니다.Knee Deep'[27]이 나왔을 때, 그것은 디스코 음악의 관에 마지막 못을 박았습니다.[17]

디트로이트의 디스코 붐이 잠시 지속되었음에도 불구하고, 많은 사람들이 믹싱을 시작하도록 영감을 주는 효과가 있었습니다. 그 중 후안 앳킨스(Juan Atkins)도 있습니다.그 후, 앳킨스는 메이에게 음반을 믹싱하는 방법을 가르쳤고, 1981년, "Magic Juan", Derrick "Mayday"는 에디 "플래시인" 폴크스를 포함한 세 명의 DJ와 함께 딥 스페이스 사운드웍스[28][29](Deep Space Soundworks, 딥 스페이스라고도 함)라는 파티 크루로 시작했습니다.[30]1980년이나 1981년에, 그들은 모조를 만나 그의 쇼에 믹스를 제공하자고 제안했고, 그들은 결국 다음 해에 하게 되었습니다.[17]

1970년대 후반과 1980년대 초반에 브라츠, 샤리바리, 치아바티노, 동지, 게이블스, 하드웨어, 라파엘, 루머스, 스눕스, 위켄드와[31] 같은 고등학교 클럽들은 젊은 프로모터들이 지역 댄스 음악계를 발전시키고 육성할 수 있도록 했습니다.현지 장면이 인기를 끌면서 DJ들은 더 많은 관객을 끌어 모으기를 희망하는 클럽들에 자신들의 믹싱 실력과 사운드 시스템을 마케팅하기 위해 함께 뭉치기 시작했습니다.YMCA 강당, 공실창고, 공실, 지역교회 활동센터 등이 음악 형식을 발전시킨 초기의 장소였습니다.[32]

후안 앳킨스

주요 기사: Juan Atkins and Cybotron (미국 밴드)

그 자체로 테크노를 하나의 장르로 확립하는 데 책임이 있는 네 명의 개인들 중에서, 후안 앳킨스는 "The Originator"로 널리 인용되고 있습니다.[33]1995년, 미국의 음악 기술 출판사 키보드 매거진은 그를 키보드 음악 역사상 가장 중요한 12명 중 한 명으로 기렸습니다.[34]

1980년대 초, 앳킨스는 음악 파트너 리처드 데이비스(그리고 후에 세 번째 멤버인 존-5)와 함께 사이봇론으로 녹음을 시작했습니다.이 트리오는 많은 록과 일렉트로닉에서 영감을 받은 곡들을 발표했는데,[35] 그 중 가장 성공적인 곡은 클리어(1983)와 더 기분 좋은 후속곡인 "테크노 시티"(1984)였습니다.[36][37]

앳킨스는 사이보트론과 메트로플렉스와 같은 단어들의 원래 원천인 미래학자 작가 앨빈 토플러로부터 영감을 받아 사이보트론의 음악을 묘사하기 위해 테크노라는 용어를 사용했습니다.앳킨스는 크래프트워크와 같은 이전의 신디사이저 기반 작업을 테크노라고 설명했지만, 많은 사람들은 크래프트워크와 후안의 사이보트론 출력을 모두 일렉트로라고 생각합니다.[38]앳킨스는 Cybotron의 Cosmic Cars (1982)를 독특하고 게르만적이며 펑크를 합성했다고 여겼지만, 나중에 Afrika Bambaataa의 "Planet Rock" (1982)을 듣고 자신이 상상하는 음악의 우수한 예라고 여겼습니다.영감을 받아, 그는 계속 실험을 하기로 결심했고, 손더슨과 메이도 그렇게 하도록 격려했습니다.[39]

결국, 앳킨스는 모델 500이라는 가명으로 자신의 음악을 제작하기 시작했고, 1985년에 그는 음반사 메트로플렉스를 설립했습니다.[40]같은 해, 일반적으로 최초의 테크노 프로덕션으로 여겨지는 중요한 작품인 모델 500의 "No UFO's"가 발표되면서 디트로이트 장면의 중요한 전환점이 되었습니다.[41][42][43][44][45]이번에 앳킨스는 이렇게 말했습니다.

85년 2월이나 3월경 메트로플렉스를 설립하고 'No UFO's'를 발매했을 때, 저는 그저 돈을 돌려받으려고 한다고 생각했지만, 결국 1만장에서 1만 5천장 정도가 팔렸습니다.시카고에서 제 기록이 나올 줄은 몰랐습니다.데릭의 부모님은 그곳으로 이사를 왔고, 그는 디트로이트와 시카고를 정기적으로 여행하고 있었습니다.그래서 내가 'No UFO'를 들고 나왔을 때, 그는 시카고로 복사본을 가져가서 몇몇 DJ들에게 주었는데, 마침 그 일이 일어났습니다.[17]

시카고

참고 항목:시카고 하우스와 하우스 음악

이 음악의 프로듀서들, 특히 메이와 손더슨은 시카고 클럽 장면에 매료되었고 특히 하우스에 영향을 받았다고 인정합니다.[46][47]1987년 메이의 히트곡 'Strings of Life'('Rhytim Is Rhytim'이라는 별칭으로 발표)는 집과 테크노 장르 모두에서 고전으로 평가받고 있습니다.[47][48][49]

Juan Atkins는 또한 하우스 음악과 디스코의 거리를 두려는 최초의 산성 하우스 제작자들이 테크노 사운드를 모방했다고 믿습니다.[50]앳킨스는 또한 프랭키 너클스가 데릭 메이로부터 구입한 드럼 머신을 사용한 결과 시카고의 집 소리가 발전했다고 주장합니다.[51]그는 이렇게 주장합니다.

데릭은 시카고 DJ 프랭키 너클스에게 TR909 드럼 머신을 팔았습니다.파워플랜트가 시카고에 문을 열었을 때는 그랬지만 시카고 DJ들이 음반을 만들기도 전이었습니다.그들은 모두 이탈리아 수입 음악 연주에 빠져 있었습니다; 'No UFO'는 그들이 연주한 유일한 미국 기반의 독립 음반이었습니다.그래서 프랭키 너클스는 파워플랜트에서 열리는 그의 쇼에서 909를 사용하기 시작했습니다.사장님이 방금 그들의 작은 표본 발다리를 가져왔는데, 누군가가 거기에 하나를 가져갔습니다.누군가가 마이크를 들고 있었고, 그들은 그것을 샘플링하고 드럼 트랙 패턴 위에서 연주했습니다.드럼 머신과 샘플러를 가지고 있어서, 그들은 파티에서 연주할 자신만의 곡조를 만들 수 있었습니다.하나는 다른 것으로 이어졌고, 칩 E는 909를 자신의 음반을 만들기 위해 사용했고, 그때부터 시카고의 모든 DJ들은 그 909를 빌려서 자신의 음반을 만들었습니다.[17]

영국에서는 1985년부터 하우스 음악을 따르는 클럽이 꾸준히 성장했는데, 런던, 맨체스터, 노팅엄, 그리고 나중에 셰필드와 리즈의 장면들로 인해 관심이 지속되었습니다.하우스의 초기 영국 성공에 책임이 있다고 여겨지는 DJ로는 마이크 피커링, 마크 무어, 콜린 페이버, 그리고 그레임 파크가 있습니다.[52]

디트로이트 사운드

2017년 디트로이트 모소닉 템플에서 공연한 벨빌 쓰리.왼쪽부터 오른쪽까지 후안 앳킨스, 케빈 손더슨, 데릭 메이

초기 제작자들은 시퀀서와 신디사이저의 저렴한 가격으로 유럽의 신스팝 미학과 소울, 펑크, 디스코, 일렉트로 등을 결합하여 EDM을 미지의 영역으로 밀어 넣었습니다.그들은 의도적으로 모타운의 유산과 R&B와 영혼의 전통적인 공식을 거부하고 대신 기술 실험을 수용했습니다.[53][54][55][56]

지난 5년여 동안 디트로이트 지하는 단순히 기술을 사용하는 것이 아니라 기술을 확장하는 실험을 해왔습니다.시퀀서와 신시사이저의 가격이 떨어지면서 실험이 더 치열해졌습니다.기본적으로 우리는 사랑을 한다거나 사이가 나빠진다거나 R&B 시스템에 싫증이 나서 새로운 진보적 사운드가 등장했습니다.우리는 그것을 테크노라고 부릅니다!

— Juan Atkins, 1988[53]

디트로이트 사운드는 1988년 데릭 메이와 한 언론인이 모타운에 빚이 없는 "포스트 소울" 사운드로 해석했지만,[54][55] 10년 후 또 다른 언론인이 모타운의 비트 중심 스타일과 당시의 음악 기술을 결합한 "소울 그루브"로 해석했습니다.[57]메이는 테크노의 소리를 "디트로이트와 같은... 완전한 실수"라고 묘사했습니다.마치 조지 클린턴과 크래프트워크가 그들과 동행하기 위해 시퀀서만 가지고 엘리베이터에 갇혀 있는 것과 같습니다."[54][55]후안 앳킨스(Juan Atkins)는 "기술처럼 들리는 것은 음악이지 음악처럼 들리는 것은 아니다"라고 말했습니다. 이는 여러분이 듣던 대부분의 음악이 여러분이 알던 모르던 간에 기술로 만들어졌다는 것을 의미합니다.하지만 테크노 음악이라면, 당신도 알고 있습니다."[58]

더 많은 관심을 받은 최초의 디트로이트 제작물 중 하나는 1987년 데릭 메이의 "Strings of Life"(1987)로, 메이의 이전 발매작인 "누드 포토"(1987)와 함께 1987-1988년 하우스 음악 붐 동안 유럽, 특히 영국과 독일에서 테크노의 인지도를 높이는 데 도움을 주었습니다. (두 번째 사랑의 여름 참조).[59]이 곡은 메이의 가장 잘 알려진 곡이 되었고, 프랭키 너클스에 따르면 "방금 폭발했습니다.상상도 할 수 없는 일이었어요. 사람들이 처음 들었을 때 어떤 힘과 에너지가 그 기록에서 벗어났는지 말이죠.마이크 던은 베이스라인이 없는 음반을 어떻게 사람들이 받아들일 수 있는지 전혀 모른다고 말합니다."[60]

산성집

참고 항목:애시드 하우스, 레이브 그리고 두번째 사랑의 여름
Roland TB-303: 애시드 하우스에서 두드러지게 사용되었던 베이스 라인 신디사이저.

1988년까지 하우스 음악은 영국에서 폭발적으로 증가했고, 애시드 하우스는 점점 인기를 끌었습니다.[52]사운드 시스템 장면을 기반으로 한 오랜 창고 파티 서브컬처도 존재했습니다.1988년 창고 파티에서 연주된 음악은 주로 하우스였습니다.같은 해 이비자 출신 DJ 알프레도 피오리토와 관련된 발레아릭 파티 분위기는 대니 램플링과 폴 오켄폴드가 각각 Shoom과 Spectrum 클럽을 열었을 때 런던으로 옮겨졌습니다.두 야점 모두 금세 산성 집과 동의어가 되었고, MDMA를 당약으로 사용하는 것이 주목을 받기 시작한 것도 이 시기였습니다.이 시기의 다른 중요한 영국 클럽들은 리즈 (Leeds), 셰필드 리드밀 (Sheffield's Leadmill)과 뮤직 팩토리 (Music Factory), 그리고 마이크 피커링 (Mike Pickering)과 그레임 파크 (Graeme Park)의 금요일 밤 장소인 누드 (Nude)가 미국 언더그라운드[61] 댄스 음악의 중요한 증거 장소였던 맨체스터 더 하치엔다 (Manchester The Haçienda)를 포함했습니다.런던과 맨체스터에서 산성 하우스 파티 열기가 고조되면서 순식간에 문화 현상으로 번졌습니다.MDMA 연료를 사용한 클럽 방문객들은 새벽 2시 마감 시간을 앞두고 밤새 진행된 창고 파티 현장으로 피신했습니다.언론과 당국의 관심을 피하기 위해 이 시간외 활동은 순식간에 지하로 들어갔습니다.그러나 1년 만에 최대 10,000명의 사람들이 레이브라고 불리는 최초의 상업적으로 조직된 대중 파티에 참석했고, 미디어 폭풍이 뒤따랐습니다.[62]

하우스와 산성 하우스의 성공은 디트로이트 사운드의 더 넓은 수용을 위한 길을 닦았고, 그 반대도 마찬가지였습니다: 테크노는 처음에는 시카고, 뉴욕, 그리고 북잉글랜드의 소수의 하우스 음악 클럽들에 의해 지원을 받았고, 나중에 런던 클럽들이 따라잡았습니다.[63] 그러나 1987년에 런던 클럽에 가는 사람들이 하우스 수용으로 쉽게 들어간 것은 "Strings of Life"였습니다.DJ 마크 무어의 말에 의하면.[64][65]

디트로이트의 새로운 댄스 사운드

주요 기사:테크노! 디트로이트의 새로운 댄스 사운드

1988년 중반 영국에서 발매된 테크노! 전 노던 소울 DJ이자 쿨 캣 레코드의 사장인 닐 러쉬턴(당시 버진의 "10 레코드" 임프린트의 A&R 스카우트)과 데릭 메이가 편집한 앨범인 [66][67]디트로이트의 뉴 댄스 사운드는 테크노라는 단어를 영국 관객들에게 소개했습니다.[4][5]비록 그 모음집이 테크노를 영국 음악 저널리즘의 어휘에 넣었지만, 그 음악은 처음에 별개의 장르라기보다는 시카고 하우스에 대한 디트로이트의 해석으로 여겨졌습니다.[5][68]이 모음집의 작업 제목은 앳킨스의 노래 "Techno Music"의 추가가 재고를 촉구하기 전까지 디트로이트의 하우스 사운드였습니다.[66][69]러쉬턴은 나중에 그와 앳킨스, 메이, 손더슨이 함께 모음집의 최종 이름을 생각해 냈고 벨빌 쓰리가 이 음악을 일종의 지역 브랜드 하우스라고 부르는 것에 반대표를 던졌다고 말한 것으로 전해졌습니다. 대신 그들은 이미 사용하고 있던 테크노라는 용어를 선호했습니다.[5][69][70]

데릭 메이는 이 시기를 그의 가장 바쁜 시기 중 하나로 보고, 그 시기가 그가 그의 가장 바쁜 시기였다고 회상합니다.

칼 크레이그와 함께 일했고, 케빈을 돕고, 후안을 돕고, 닐 러쉬턴을 모두를 만날 수 있는 올바른 위치에 놓으려고 노력했고, 블레이크 백스터가 그를 좋아하게 하려고 노력했고, 쉐이크(앤서니 샤키르)에게 좀 더 적극적이어야 한다고 설득하려고 노력했습니다.음악뿐만 아니라 (디트로이트 WJLB 라디오 방송국의 Street Beat 쇼를 위해) Mayday 믹스를 만들고 Transmat 레코드를 실행합니다.[66]

상업적으로도 발매가 잘 되지 않아 재기에 실패했지만, 컴필레이션에 거의 포함되지 않은 수록곡인 이너시티의 프로덕션 "Big Fun" (1988년)은 1988년 가을 크로스오버 히트를 기록했습니다.[71]이 레코드는 May, Atkins 및 Sunderson에게 업계의 관심을 환기시키는 역할도 했으며, 이로 인해 ZTT 레코드와 Intellex라는 테크노 슈퍼 그룹을 구성하는 것에 대한 논의가 이루어졌습니다.그러나, 그룹이 계약을 마무리하기 직전에, 메이는 탑 오브 더 팝스 출연에 동의하기를 거부했고, 협상은 결렬되었다고 합니다.[72]5월에 따르면, ZTT 레이블의 사장 트레버 혼(Trevor Horn)은 이 3인조가 "흑인 펫샵 보이즈(Petshop Boys)"로 판매될 것으로 예상했습니다.[73]

러쉬턴의 컴필레이션의 저조한 판매에 대한 버진 레코드의 실망에도 불구하고,[74] 이 레코드는 테크노의 정체성을 확립하는 데 성공적이었고, 유럽에서 음악과 그 제작자 모두를 위한 플랫폼을 만드는 데 중요한 역할을 했습니다.[75]궁극적으로, 그 발표는 테크노가 더 모험적이고 명확해진 시기인 1980년대 말과 1990년대 초의 격동기에 출현했던 디트로이트 사운드를 시카고 하우스와 다른 형태의 언더그라운드 댄스 음악과 구별하는 역할을 했습니다.[76][77]

음악원

1988년 중반, 디트로이트 장면의 발전은 디트로이트 시내의 1315 브로드웨이에 위치한 Music Institute (MI)라고 불리는 나이트클럽의 개업으로 이어졌습니다.장소는 조지 베이커와 앨튼 밀러에 의해 확보되었으며 대릴 윈과 데릭 메이가 금요일 밤 DJ로 참여하고 베이커와 체즈 데이미어는 토요일 밤에 주로 동성애자인 군중들에게 연주를 들려줍니다.

1989년 11월 24일, 데릭 메이는 시계탑 종소리 녹음과 함께 "Strings of Life"를 연주하며 폐막했습니다.[78]메이는 다음과 같이 설명합니다.

그 모든 것이 실수로 적절한 시간에 일어났고, 그것이 지속되는 것이 아니기 때문에 지속되지 않았습니다.MI가 문을 닫아야 할 때쯤에 우리의 경력은 급부상했습니다. 어쩌면 그게 최선이었는지도 모릅니다.우리는 절정에 이르렀다고 생각합니다. 에너지가 넘쳤고 우리는 우리가 누구인지, 우리의 잠재력을 어떻게 실현해야 하는지 알지 못했습니다.우리는 어떤 방해도, 어떤 기준도 없이 그저 그것을 했을 뿐입니다.그래서 이렇게 신선하고 혁신적으로 나왔고, 그래서 최고 중의 최고를 얻었습니다.[78]

비록 짧은 수명이었지만, MI는 밤새워 먹는 세트, 드문드문한 하얀 방, 그리고 "스마트 드링크"로 가득 찬 주스 바로 국제적으로 유명했습니다.MI는 디트로이트의 초기 테크노 개척자들과 함께 댄 시코가 "디트로이트의 중요한 음악 하위 문화 중 하나인 서서히 국제적인 무대로 성장하고 있는 것에 생명을 불어넣는데 도움을 주었다"고 언급했습니다.[78]

독일 테크노

참고 항목:트레서(클럽), 러브 퍼레이드, 하드코어 테크노, 개버, 일렉트로닉 바디 뮤직, 트랜스 뮤직
탈라 2XLC의 댄스 이벤트 테크노클럽 장소 프랑크푸르트의 도리안 그레이 출입구

1982년, 디페쉬 모드, 프론트 242, 헤븐 17, 크래프트워크, 뉴 오더와 같은 아티스트들을 기술적으로 창조된 댄스 음악의 축약어로 분류하기 위해 DJ Talla 2XLC는 테크노라는 용어를 사용하기 시작했습니다.탈라의 분류는 스벤 베트(Sven Väth)를 포함한 다른 DJ들의 참고 사항이 되었습니다.[79][80]탈라는 1984년 프랑크푸르트의 노네임 클럽에서 테크노 클럽을 설립하고 1987년 도리안 그레이 클럽으로 이적하면서 이 용어를 독일에서 더욱 널리 알렸습니다.[79][80]탈라의 클럽 스팟은 지역 EBM과 전자 음악계의 중심지 역할을 하였고, Frontpage 잡지의 위르겐 라르만(Jürgen Laarmann)에 따르면 거의 독점적으로 EDM을 진행한 독일 최초의 클럽이라는 역사적 장점이 있다고 합니다.[81]

프랑크푸르트 테이프 씬

탈라의 음악 선곡에 영감을 받아 80년대 초 프랑크푸르트에서 온 여러 젊은 아티스트들이 시티 뮤직 레코드 스토어에서 나오는 일렉트로닉 음악을 카세트 테이프로 실험하기 시작했고, 최신 카탈로그를 추가적인 일렉트로닉 사운드와 혼합하고 BPM을 연주했습니다.이것은 프랑크푸르트 테이프 장면으로 알려지게 되었습니다.

프랑크푸르트 테이프 장면은 토비아스 프룬드, 우베 슈미트, 라스 뮐러, 마틴 쇼프와 같은 사람들에 의해 행해진 초기 및 실험 작업을 중심으로 진화했습니다.[82]안드레아스 토말라, 마르쿠스 니콜라이, 토마스 프란츠만에 의해 행해진 몇몇의 작업들은 비고드 20 집단 하에서 공동 작업으로 진화했습니다.이 초기 작업은 강력한 EBM, 크라우트록, 신스팝 및 테크노팝의 영향과 융합된 실험적인 전자 음악으로 강하게 특징지어졌지만, 80년대 중후반의 후기 작업은 명확한 테크노 사운드로 전환되었습니다.

시카고와 디트로이트의 영향

1987년까지 시카고 사운드를 기반으로 한 독일 파티 장면이 잘 자리 잡았습니다.[citation needed]1980년대 후반, 애시드 하우스는 클럽과 디스코텍의 새로운 트렌드로 서독에서도 자리를 잡았습니다.[11][better source needed]1988년, Ufo는 1990년까지 존재했던 산성가옥 파티의 불법 장소인 서베를린에 문을 열었습니다.[83][unreliable source?]이 시기 뮌헨에서는 네거할레(Negerhalle, 1983-1989)와 ETA할레(ETA-Halle)[84][85]가 일시적으로 사용되고 황폐화된 산업 홀에서 최초의 산성 하우스 클럽으로 자리 잡으며 독일에서 소위 "홀 문화"의 시작을 알렸습니다.

1989년 7월, 모트 박사와 다니엘 드 피치오토는 베를린 장벽이 무너지기 몇 달 전에 서베를린에서 첫 사랑의 퍼레이드를 조직했습니다.[86]

독일 장면의 성장

트레서 원 클럽 (1991-2005)

1989년 11월 9일 베를린 장벽의 붕괴와 1990년 10월 독일의 재통일 이후, 동베를린에 자유로운 지하 테크노 파티들이 생겨났습니다.[83]동독 DJ Paul van Dyk은 통일기 동서독 간의 사회적 관계를 재구축하는 데 테크노가 주요한 힘이었다고 언급했습니다.[87]지금은 재통일된 베를린에서, 1991년부터 도시의 이전 동쪽 부분에 있는 베를린 장벽의 기초 근처에 여러 장소들이 문을 열었습니다: 트레소르 (est. 1991), 행성 (1991–1993), 벙커 (1992–1996), 그리고 E-Werk (1993–1997).[88][89]DJ 타니스에 의해 (테크노 동호회 사이에서) 준군사 의류의 유행이 생겨났던 것은 이 시기 트레소르에서였습니다.[90] 아마도 음악의 지하 미학에 대한 헌신의 표현으로, 또는 UR의 준군사적 자세에 영향을 받았을 것입니다.[91]같은 시기에 독일 DJ들은 산이 주입된 테크노가 하드코어로 변환되기 시작하면서 소리의 속도와 연마력을 강화하기 시작했습니다.[92]DJ 타니스는 당시 "베를린은 항상 하드코어였고, 하드코어 히피였고, 하드코어 펑크였으며, 지금은 매우 하드코어 하우스 사운드를 가지고 있습니다."[88]라고 언급했습니다.이 떠오르는 소리는 더치 게이버와 벨기에 하드코어의 영향을 받은 것으로 생각됩니다; 언더그라운드 레지스탕스와 리치 호틴의 플러스 8 레코드에 경의를 표하는 그들만의 비뚤어진 스타일들.이 스타일의 발전에 다른 영향을 준 것은 DAF, Front 242, Nitzer Ebb와 같은 1980년대 중반의 유럽 일렉트로닉 바디 뮤직(EBM) 그룹들이었습니다.[93]

1994년 타니스

같은 기간 프랑크푸르트에서도 변화가 일어나고 있었지만 베를린 정당 현장에서 발견되는 평등주의적 접근법을 공유하지 못했습니다.대신 디스코테크와 다양한 클럽 소유주들과의 기존 계약을 중심으로 진행되었습니다.1988년, 오멘이 문을 연 후 프랑크푸르트 댄스 음악계는 클럽 경영진에 의해 장악되었고, 그들은 다른 프로모터들이 시작하는 것을 어렵게 만들었다고 합니다.1990년대 초에 스벤 베트는 아마도 록스타처럼 숭배되는 독일 최초의 DJ가 되었을 것입니다.그는 팬들을 마주한 채 센터 무대를 선보였고, 오멘의 공동 구단주로서 자신의 클럽을 운영한 최초의 테크노 DJ였던 것으로 추정됩니다.[81]라인 다리 아래 마인츠의 브루켄코프는 프랑크푸르트 디스코테크 연고 클럽에 비상업적인 대안을 제공한 장소였습니다.다른 주목할만한 지하 정당들은 주식회사 포스가 운영하는 것들이었습니다. Playhouse Records (온가쿠 뮤지크)의 Music Works and Ata & Heiko1992년 DJ Dag & Torsten Fenslau는 프랑크푸르트 공항 근처에 있는 플러시 디스코테크인 Dorian Gray에서 일요일 아침 세션을 운영하고 있었습니다.그들은 처음에 벨기에 뉴 비트, 딥 하우스, 시카고 하우스, 그리고 크래프트워크, 옐로와 같은 신스 팝 등 다양한 스타일을 혼합하여 연주했는데, 프랑크푸르트의 무아지경 장면이 나타난 것은 이러한 스타일의 혼합에서 비롯된 것으로 생각됩니다.[81]

1990년 독일 최초의 시간외 테크노 클럽인 바발루 클럽이 뮌헨에 문을 열었고, 디제이 헬, 모니카 크루스, 톰 노비 또는 우디 등의 주인공들이 함께 모인 남부 독일 테크노 씬의 형성 장소였습니다.[84][85][94]

1993년부터 1994년까지 독일에서 주류 음악 현상이 되었고, 이와 함께 "멜로디, 뉴에이지 요소, 계속해서 키치한 하모니와 음색"으로 돌아갔습니다.이러한 독일의 언더그라운드 사운드의 훼손은 그들의 음반사인 로우 스피릿(Low Spirit), 웨스트밤(WestBam), 마루샤(Marushha)와 VIVA(비바)라는 음악 채널을 가진 정당 조직 메이데이(Mayday)가 주도하는 독일의 "레이브 기득권층"의 통합으로 이어집니다.이 시기에 독일의 대중 음악 차트는 "Somewhere Over The Rainbow"와 "Tears Don't Lie"와 같은 곡들을 재해석한 낮은 영혼의 "pop-Tecno" 독일 포크 음악으로 가득 차 있었는데, 많은 곡들이 히트를 쳤습니다.동시에, 프랑크푸르트에서는 사이먼 레이놀즈가 "프랑크푸르트의 스벤 배스와 그의 하투사 레이블로 대표되는 모리번드, 미들브로우 일렉트로-트랜스 음악"으로 특징지어지는 음악이 대안으로 추정되었습니다.[95]그러나 1990년대 중반 상업적 대량 약탈에 대한 대항 운동으로서 불법적인 약탈은 독일 테크노 씬에서 중요성을 되찾았습니다.[96]

테크노 대 테크노

독일에서 팬들은 1990년대 초 등장한 더 단단한 테크노 사운드를 테크노(Tekkno, 혹은 브렛)라고 부르기 시작했습니다.[83]이 대체 철자법은, k의 다양한 숫자와 함께, 음악의 단단함을 강조하기 위한 혀를 내두르는 시도로 시작되었지만, 1990년대 중반까지 그것은 음악이 디트로이트의 테크노로부터 완전히 분리되어 있었고, 아마도 항상 그랬다는 논란의 여지가 있는 관점과 관련이 있게 되었습니다.대신 1980년대 EBM 지향 클럽 씬에서 파생되었으며, 부분적으로 프랑크푸르트의 DJ/음악가 탈라 2XLC에 의해 배양되었습니다.[71]

어느 시점에서 프랑크푸르트와 베를린의 장면들 사이에 "누가 테크노를 정의하는가"에 대한 긴장이 생겨났습니다.DJ 타니스(Tanith)는 테크노(Techno)라는 용어가 이미 독일에 존재했지만 상당 부분 정의되지 않았다고 표현했습니다.디미트리 헤게만(Dimitri Hegmann)은 탈라의 테크노 클럽(Talla's Technoclub)과 관련된 프랑크푸르트의 테크노 정의가 베를린에서 사용되는 것과 다르다고 말했습니다.[81]프랑크푸르트의 아르민 요네르트는 테크노를 DAF, 카바레 볼테르, 그리고 수어사이드와 같은 행위에 뿌리를 두고 있다고 보았지만, 젊은 세대의 클럽 애호가들은 오래된 EBM과 인더스트리얼을 전승되고 구식이라고 인식했습니다.베를린 장면은 대안을 제시했고 많은 사람들이 테크노 하우스라고 불리던 수입된 소리를 받아들이기 시작했습니다.EBM에서 멀어지는 것은 베를린에서 SFB 4에서 모니카 디틀의 라디오 쇼 덕분에 산성 기반 댄스 음악이 인기를 얻었을 때 시작되었습니다. 타니스는 산성 기반 댄스 음악을 DAF든 Nitzer Ebb든 이전의 접근법과 구별했는데, 후자가 공격적이었기 때문에 그는 산성 기반 댄스 음악이 "무언가에 대항하는 것"의 전형이라고 느꼈지만, 산성 하우스에 대해 그는 "그것은"이라고 말했습니다.'전자적이고, 재미있습니다.'[81]1990년 봄, 타니스는 엑스태시 댄스 프로젝트를 담당하는 동베를린 파티 조직인 Wolle XDP와 함께 독일에서 첫 번째 대규모 레이브 행사를 조직하고 있었습니다.이러한 발전은 테크노 하우스와 관련된 소리에서 벗어나 타니스와 울의 테크노지드 파티를 규정하게 된 음악의 엄격한 혼합으로 영구적인 발전을 이끌 것입니다.Wolle에 따르면 그것은 "디스코 가치에 대한 안팎의 거부"였고, 대신 그들은 "음향 폭풍"을 일으키고 DJ가 중간에 배치되지 않고 "빛과 소리에서 자신을 잃는" "댄스 플로어 사회주의"의 형태를 장려했습니다.[81]

개발물

테크노 사운드가 1980년대 말과 1990년대 초에 진화하면서, 그것은 또한 스타일리시하게 구별되는 광범위한 음악들이 테크노라고 불릴 정도로 분화했습니다.이것은 모비와[97] 같은 비교적 팝 지향적인 행동에서부터 명백하게 반 상업적인 분위기의[98] 언더그라운드 레지스탕스에 이르기까지 다양했습니다.Derrick May의 Beyond the Dance(1989)와 The Beginning(1990)과 같은 작품들에 대한 실험은 "한 번에 수십 개의 새로운 방향으로" 테크노를 가져가고 존 콜트레인이 재즈에 미친 것과 같은 광범위한 영향을 미친 것으로 인정받았습니다.[99]버밍엄에 본사를 둔 레이블 네트워크 레코드 레이블은 디트로이트 테크노를 영국 관객들에게 소개하는 데 중요한 역할을 했습니다.[100]1990년대 초반까지 오리지널 테크노 사운드는 영국, 독일, 네덜란드, 벨기에에 이어 큰 언더그라운드를 확보했습니다.1988년에서 1992년 사이에 유럽에서 테크노의 인기가 증가한 것은 주로 열광적인 장면의 출현과 클럽 문화의 번창에 기인했습니다.[76]

아메리카의 대탈출

90년대 초 미국에서는 디트로이트, 뉴욕시, 시카고, 올랜도 등의 지역 풍경을 제외하고는 테크노에 대한 관심이 제한적이었습니다.디트로이트에 본사를 둔 많은 제작자들은 미국에서의 기회 부족에 좌절하여 미래의 생계를 위해 유럽을 찾았습니다.[101]디트로이트 이민자들의 이 첫 번째 물결은 곧 칼 크레이그, 옥타브 원, 제이 덴햄, 케니 라킨, 스테이시 풀런, 그리고 UR의 제프 밀스, 마이크 뱅크스, 그리고 로버트 후드를 포함하는 소위 "두 번째 물결"에 의해 합류되었습니다.같은 기간 디트로이트(Windsor, 온타리오)에 가까운 Richie Hawtin은 비즈니스 파트너 John Acquaviva와 함께 테크노 각인 플러스 8 레코드를 출시했습니다.많은 뉴욕 프로듀서들 또한 이 시기에 유럽에서 눈도장을 찍었는데, 가장 유명한 것은 프랭키 본즈, 레니 디, 그리고 조이 벨트람입니다.[102]

1990년에서 1992년 사이에 미국에서 생산된 기술의 이러한 발전은 유럽, 특히 독일에서의 기술의 확장과 궁극적인 확산을 부채질했습니다.[103][104]베를린에서는 1991년에 잠시 개장한 Tresor 클럽이 테크노의 표준 보유자였으며, 디트로이트의 주요 생산자들 중 일부는 베를린으로 이주했습니다.[105]이 클럽은 산토니오 에콜스, 에디 폴크스, 블레이크 백스터와 같은 디트로이트 예술가들의 경력에 새로운 활력을 불어넣었고, 그들은 닥터 모트와 타니스와 같은 기존의 베를린 DJ들과 함께 그곳에서 연주했습니다.댄 시코(Dan Sicko)에 따르면, "1990년대 초 독일의 성장 장면은 테크노의 탈중앙화의 시작이었습니다." 그리고 "테크노는 베를린에 두 번째 논리적 센터를 만들기 시작했습니다.이 시기에, 지금은 재통일된 베를린 또한 독일의 음악 수도로서의 위치를 되찾기 시작했습니다.[106]

비록 독일에 의해 가려졌지만, 벨기에는 이 시기에 제2의 물결 기술의 또 다른 초점이었습니다.겐트에 기반을 둔 레이블 R&S 레코드는 벨트람과 C.J. 볼랜드와 같은 "10대 신동"들의 더 단단한 기술을 수용하여 "힘들고 금속적인 트랙"을 발표했습니다.한 음악 저널리스트에 따르면, "고뇌에 찬 후버들처럼 들리는 거칠고 불일치하는 신스 라인으로"라고 말했습니다.[107]

영국에서는 1987년 글래스고에 문을 연 서브 클럽과 [108][better source needed]1990년 런던 사람들에게 문을 연 트레이드가 테크노를 국내로 들여오는데 도움을 준 장소였습니다.[citation needed]무역은 '오리지널 올나잇 벤더'라고 불려왔습니다.[109]

테크노 얼라이언스

1993년, 독일의 테크노 레이블인 트레서 레코드는 편집 앨범인 트레서 II: 베를린 & 디트로이트 – 테크노 얼라이언스를 발매했는데,[110] 이 앨범은 디트로이트 사운드가 독일 테크노 씬에 미친 영향에 대한 증거이며 두 도시 간의 "상호 감탄 협정"을 축하하는 것입니다.[104]1990년대 중반이 되면서 베를린은 디트로이트 제작자들의 안식처가 되고 있었고, 제프 밀스와 블레이크 백스터는 한동안 그곳에 거주하기도 했습니다.같은 시기에, Underground Resistance는 트레서의 도움으로 그들의 X-101/X-102/X103 앨범 시리즈를 발매했고, 후안 앳킨스는 3MB의 토마스 펠만, 모리츠 폰 오스왈드와[104] 협력했고, 트레서 계열의 레이블 베이직 채널은 디트로이트의 내셔널 사운드 코퍼레이션에 의해 마스터링을 받았고,디트로이트 댄스 음악계의 메인 마스터 하우스어떤 의미에서, 대중적인 전자 음악은 1980년대의 EDM에 주요한 영향을 미친 독일로 되돌아와 완전한 순환을 이루었습니다. 뒤셀도르프의 크라프트베르크입니다.조르지오 모로더와 피트 벨로트가 처음으로 4층 트랙 I Feel Love를 포함한 신디사이저 생성 유로디스코 사운드를 제작한 뮌헨에서 시카고와 디트로이트의 댄스 사운드는 또 다른 독일적인 연관성을 가지고 있었습니다.[111][83]

미니멀 테크노

주요 기사:미니멀 테크노
2009년 기술 미니멀리스트 로버트 후드

테크노가 계속해서 많은 디트로이트 프로듀서들을 변화시키면서 음악이 취하고 있는 궤도에 의문을 제기하기 시작했습니다.한 가지 반응은 소위 미니멀 테크노(Daniel Bell이 미니멀리즘이라는 용어를 예술적인 의미에서도 발견하여 받아들이기 어렵다고 판단한 용어)의 형태로 나타났습니다.[112]디트로이트에 본사를 둔 프로듀서이자 한때 UR의 회원이었던 로버트 후드가 테크노의 최소화를 주도한 것은 큰 책임이 있다고 생각됩니다.[113]후드는 1990년대 초반의 상황을 테크노가 너무 "야성적"이 되어버린 상황으로 묘사하고 있는데, 증가하는 템포, 개버의 출현, 그리고 관련 경향이 원래 디트로이트 테크노의 사회적 해설과 영혼이 스며든 사운드와는 거리가 멀어지고 있습니다.이에 대해 후드와 다른 사람들은 테크노를 "기본적으로 벗겨지고 원음"으로 해석하면서 디트로이트 미학의 단일 요소를 강조하려고 했습니다.드럼, 베이스라인, 펑키한 홈만 있으면 됩니다. 그리고 꼭 필요한 것만.사람들을 움직이게 하기 위해 꼭 필요한 것만"이라고 말했습니다.[114]후드는 다음을 설명합니다.

Dan [Bell]과 저는 둘 다 뭔가 부족하다는 것을 깨달았다고 생각합니다. 우리 둘 다 테크노라고 알고 있는 것의 한 요소입니다.생산적인 관점에서는 훌륭했지만, [구] 구조에는 '잭'적인 요소가 있었습니다.사람들은 펑크도 없고 테크노도 더 이상 느낌이 없다고 불평할 것이고, 쉽게 탈출할 수 있는 것은 보컬리스트와 피아노를 올려 감정적인 차이를 메우는 것입니다.저는 지금이 원래의 지하로 돌아갈 때라고 생각했습니다.[115]

재즈의 영향

참고 항목: 재즈, 재즈 퓨전, 그리고 음악적 즉흥 연주

어떤 테크노는 재즈의 요소들에 의해 영향을 받았거나 직접적으로 스며들기도 합니다.[116]이것은 다수의 테크노 프로덕션에서 리듬과 하모니의 사용에 있어서의 향상된 정교함으로 이어졌습니다.[117]맨체스터 (영국)에 기반을 둔 테크노 액트 808 스테이트는 1989년에 "Pacific State"[118]와 "Cobra Bora"와 같은 트랙으로 이러한 개발에 박차를 가했습니다.[119]디트로이트의 프로듀서인 마이크 뱅크스는 영향력 있는 언더그라운드 레지스탕스(Underground Resistance) 발매 네이션 투 네이션(Nation 2 Nation, 1991)에서 입증된 바와 같이 재즈의 영향을 많이 받았습니다.[120]1993년까지 디트로이트는 "Jazz Is The Teacher" (1993년)[107]와 "Hi-Tech Jazz" (1993년)라는 트랙과 함께 장르에 대한 명백한 언급을 하였고, 후자는 크래프트워크의 "인간 기계" 교리에 기반한 자칭 재즈 프로젝트인 갤럭시 2 갤럭시라고 불리는 더 큰 작업 및 그룹의 일부입니다.[120][121]이 선두에는 재즈와 UR의 영향을 모두 받은 영국의 많은 테크노 프로듀서들이 뒤따랐습니다. Dave Angel의 "Seas of Tranquility" EP (1994)가 대표적인 예입니다.[122][123] "클래식 테크노"의 구조를 확장하기 시작한 다른 주목할 만한 아티스트로는 Dan Curtin, Morgan Geist, Titonton Dubante 및 Ian O'Brien이 있습니다.[124]

인텔리전트 테크노

참고 항목:인텔리전트 댄스 뮤직, 앰비언트 테크노, 블립 테크노

1991년 영국 음악 저널리스트 매튜 콜린은 "유럽은 장면과 에너지를 가지고 있을지 모르지만, 이념적 방향을 제공하는 것은 미국입니다... 만약 벨기에 테크노가 우리에게 리프를, 독일 테크노가 소음을, 영국 테크노가 브레이크 비트를 준다면, 디트로이트는 순전히 뇌의 깊이를 제공할 것입니다."[125]라고 썼습니다.1992년까지 많은 유럽의 제작자들과 레이블들은 원래의 테크노 이상의 부패와 상업화를 격찬 문화와 연관시키기 시작했습니다.[126]이에 따라 지능형 또는 디트로이트의 영감을 받은 순수한 테크노 미학이 자리 잡기 시작했습니다.디트로이트 테크노는 격찬 시대 내내 청렴성을 유지하며 이른바 지능형 테크노 생산자의 새로운 세대를 추진해 왔습니다.사이먼 레이놀즈(Simon Reynolds)는 이러한 진행이 "가장 급진적으로 포스트휴먼적이고 쾌락적으로 기능하는 레이브 음악의 측면에서 창의성에 대한 더 전통적인 생각, 즉 기술을 인간화하는 고독한 천재의 오튀르 이론을 향한 전면적인 후퇴를 포함했다"고 제안합니다.[127]

인텔리전트 테크노라는 용어는 브레이크비트 하드코어, Schranz, Dutch Gabber와 같은 격찬 지향 스타일과 더 정교한 버전의 언더그라운드 테크노를 구별하기 위해 사용되었습니다.워프 레코드는 이번에 컴필레이션 앨범인 Artificial Intelligence의[129] 발매와 함께 이러한 발전을 이용한 첫 번째 회사 중 하나라고 Warp의 설립자이자 상무인 Steve Beckett은 말했습니다.

댄스 장면이 바뀌고 춤이 아니라 흥미롭고 실험적이고 진보적인 록에 맞는 B-side를 듣고 있었기 때문에 우리는 모음집을 만들기로 결정했습니다. 인공지능은 우리를 이끌기보다는 시장을 주도하는 것처럼 느껴졌고 음악은 듣기보다는 홈 리스닝을 목표로 했습니다.클럽과 댄스 플로어: 집에 오는 사람들은 미친 듯이 음악을 들으며 밤의 가장 재미있는 부분을 즐깁니다.그 소리가 현장을 살렸습니다.[130]

워프는 원래 일렉트로닉 리스닝 음악이라는 설명을 사용하여 인공 지능을 마케팅했지만, 이것은 빠르게 인텔리전트 테크노로 대체되었습니다.같은 시기 (1992-93)에 안락의자 테크노, 앰비언트 테크노, 일렉트로니카와 같은 다른 이름들도 밴드화되었지만,[131] 모두 "앉아서 집에 머무르는" 것을 위한 새로운 형태의 포스트 레이브 댄스 음악을 언급했습니다.[132]미국에서 컴필레이션의 상업적인 성공에 이어, 인텔리전트 댄스 뮤직은 결국 1990년대 중후반에 등장한 많은 실험적인 댄스 음악에 가장 흔하게 사용되는 이름이 되었습니다.

IDM과 일렉트로니카의 상업적 성장을 이끌어낸 것은 주로 Warp이지만, 1990년대 초에는 초기 인텔리전스 트렌드와 관련하여 주목할 만한 레이블이 많이 존재했으며, 이 레이블은 거의 관심을 받지 못했습니다.다음과 같은 항목이 있습니다.Black Dog Productions (1989), Carl Craig's Planet E (1991), Kirk Degiorgio's Applied Rhythm Technology (1991), Evo Lute Muzique (1991), General Production Records (1991), 1993년 New Electronica, Mille Plateaux, 100% Pure (1993), Ferox Records (1993) 등 수많은 새로운 "지능형 테크노"/"일렉트로니카" 레코드 레이블이 등장했습니다.

프리테크노

참고 항목:프리텍노, 프리텍노, 테크니발, 프리파티, 애시드 테크노, DIY 문화
2004년 체코 국제음향시스템

1990년대 초, 영국에서는 탈고, DIY, 자유 파티 장면이 자리를 잡았습니다.이는 주로 다양한 도심 스쿼트 현장의 창고 파티 방문객들과 정치적으로 영감을 받은 뉴에이지 여행객들 간의 연합에 기반을 두고 있었습니다.그 새로운 시대들은 시골 축제들의 준비된 네트워크를 제공했고, 그것들은 철거민들과 강도들 모두가 성급하게 채택했습니다.[133]루턴의 엑소더스, 브라이턴의 통카, 셰필드의 스모크스크린, 노팅엄의 DiY, 베들람, 서커스 워프, LSD 디젤, 런던의 스파이럴 트라이브 등이 이 시기에 운영된 사운드 시스템 중에서 두드러졌습니다.이 자유 파티 기간의 절정은 1992년 5월, 5일 동안 캐슬모턴 커먼 페스티벌에 24시간 미만의 예고와 35,000명 이상의 홍보가 거의 없었던 때였습니다.[134]

이 하나의 사건은 1994년 형사사법과 공공질서법의 도입에 큰 책임이 있습니다;[135] 사실상 영국의 자유 파티 현장을 죽음으로 내몬 것입니다.이후 많은 여행 예술가들이 영국에서 유럽, 미국, 인도의 고아, 태국의 코판간, 그리고 호주의 동해안으로 이주했습니다.[134]나머지 유럽 지역에서는 영국에서 온 여행용 사운드 시스템의 영감으로 인해 유럽 전역으로 계속 확대되면서 레이브가 장기적인 존재감을 누렸습니다.[134][103]

Spiral Tribe, Bedlam 및 기타 영국 사운드 시스템은 협력적인 테크노 아이디어를 유럽, 특히 거주하기에 더 저렴한 동유럽으로 가져갔고, 청중들은 자유 정당 이념을 빠르게 수용했습니다.유럽의 테크니발 자유 파티들이 체코에서 열리는 연례 체코 행사와 같이 여러 프랑스, 독일, 네덜란드의 사운드 시스템을 탄생시켰습니다.이 단체들 중 많은 수가 청중들을 쉽게 찾았고 종종 암스테르담과 베를린과 같은 도시들의 스쿼트들을 중심으로 하였습니다.[134]

발산

참고 항목:일렉트로닉 음악 장르

1994년까지 영국과 유럽에는 디트로이트 사운드에 기반을 둔 수많은 테크노 프로듀서들이 있었지만, 그 당시에는 수많은 언더그라운드 댄스 음악 스타일이 주목을 받기 위해 경쟁하고 있었습니다.어떤 사람들은 디트로이트의 테크노 미학에 끌렸고, 다른 사람들은 이전의 댄스 음악 형태의 요소들을 융합했습니다.이것은 테크노와는 거리가 먼 것처럼 들리는 독창적인 새로운 음악의 출현으로 이어졌습니다.예를 들어, 정글(드럼과 베이스)은 힙합, 소울, 레게에서 테크노와 하우스에 이르기까지 다양한 영향을 보여주었습니다.

댄스 음악의 다양화(및 상업화)가 증가함에 따라, 초기의 극찬 장면에서 두드러졌던 집단주의 정서는 감소했고, 각 새로운 파벌은 댄스 음악(또는 특정한 경우, 비댄스 음악)이 어떻게 진화해야 하는지에 대한 자신만의 특별한 태도와 비전을 가지고 있습니다.Muzik magazine에 따르면, 1995년까지 영국 테크노 씬은 쇠퇴하고 있고 전용 클럽 나이트는 줄어들고 있습니다.그 음악은 "너무 딱딱하고, 너무 빠르고, 너무 남성적이고, 너무 마약 위주이고, 너무 성적인 것으로" 변했습니다.그럼에도 불구하고, 파이널 프론티어(런던)와 같은 클럽에서 매주 밤,오빛 (리드), 신의 집 (버밍엄), 퓨어 (에딘버그, 그의 거주자 DJ 트위치가 나중에 더 절충적인 옵티모를 설립함), 버그드 아웃 (맨체스터)은 여전히 인기가 있었습니다.테크노가 "창의적인 마비"의 상태에 이르고, 비할 데 없이 많은 언더그라운드 댄스 음악 애호가들이 레이브와 정글의 소리에 더 관심을 가지면서, 1995년 영국 테크노 씬의 미래는 "순수 테크노"의 시장이 시들해지면서 불확실해 보였습니다.무지크는 이 시기의 영국 테크노의 소리를 "타협을 원치 않는 미국 테크노의 제단에서 헌신적인 그로브링"이라고 묘사했습니다.[136]

1990년대 말까지, 수많은 포스트 테크노 언더그라운드 스타일이 등장했는데, 게토텍(테크노의 미학 중 일부를 힙합 및 하우스 음악과 결합한 스타일), 노르텍, 글리치, 디지털 하드코어, 일렉트로클래시[1] 및 소위 노비트 테크노를 포함합니다.[138]

디트로이트 테크노의 전성기 이후의 변화를 요약하기 위해 데릭 메이는 그의 유명한 인용구를 수정하여 "크래프트워크는 3층에서 내렸고, 이제 조지 클린턴은 네이팜 데스를 그와 함께 그곳에 가지고 있습니다.엘리베이터가 약국과 운동복 가게 사이에 끼어 있습니다."[73]

상업적 익스포저

라이브 공연 중 지하세계

테크노와 그 파생물들이 상업적으로 성공적인 주류 행위들(언더월드와 오비탈의 두 가지 더 잘 알려진 예)을 가끔 만들어내기는 하지만, 이 장르는 다른 많은 음악 분야에도 상당한 영향을 끼쳤습니다.관련 있는 것처럼 보이려는 노력으로 마돈나와 U2와 같은 많은 기성 아티스트들은 댄스 음악에 손을 대었지만, 그러한 노력은 1996년 1월 전자가 "Techno=Death"라고 선언하면서 테크노의 기원에 대한 진정한 이해나 이해를 증명하는 경우는 거의 없었습니다.

래퍼 미시 엘리엇(Missy Elliott)은 2006년 발매한 "Lose Control"에서 싸이봇론의 클리어(Cybotron's Clear)에 수록된 곡을 선보였을 때 대중 음악 관객들을 디트로이트 테크노 사운드에 노출시켰습니다. 이로 인해 후안 앳킨스(Juan Atkins)는 그래미상 후보로 지명되었습니다.엘리엇의 2001년 앨범 Miss E... 그래서 중독성은 테크노에 영감을 받은 클럽 문화의 영향력을 명확하게 보여주었습니다.[142]

90년대 후반, 작가 사이먼 레이놀즈(에너지 플래시로도 알려진 제너레이션 엑스터시)와 댄 시코(테크노 레블스)에 의한 비교적 정확한 역사의 출판과 2000년대 디트로이트 일렉트로닉 뮤직 페스티벌의 주류 언론 보도는 장르의 더 의심스러운 신화를 퍼뜨리는 데 도움을 주었습니다.[143]디트로이트에 본사를 둔 회사인 포드 모터스조차도 결국 테크노의 대중적인 매력에 정통하게 되었고, "이 음악은 모터 시티의 자동차 공장들의 쿵쿵거리는 소리에 의해 부분적으로 만들어졌습니다.젊은이들이 테크노를 받아들이고 있다는 것을 알게 된 후, 우리가 디트로이트 테크노를 광고에 포함시키는 것은 자연스러운 일이 되었습니다."35세 이하를 대상으로 한 마케팅 캠페인을 통해 포드는 "디트로이트 테크노"를 인쇄 광고 슬로건으로 사용했으며 포드 포커스의 2000년 11월 MTV TV 광고를 지원하기 위해 모델 500의 "No UFO's"를 선택했습니다.[144][145][146][147]

선후배

테크노(Techno)라는 용어의 초기 사용

1977년 스티브 페어니와 베브 세이지는 영국 런던에서 테크노 트윈스라고 불리는 일렉트로니카 밴드를 결성했습니다.크래프트워크가 처음 일본을 순회했을 때, 일본 언론은 그들의 음악을 "테크노팝"이라고 표현했습니다.[148]일본 밴드 옐로우 매직 오케스트라는 "테크노폴리스" (1979), 앨범 테크노델릭 (1981), 플렉시 디스크 EP "더 스피릿 오브 테크노" (1983)와 같은 그들의 많은 작품에서 '테크노'라는 단어를 사용했습니다.[149]옐로 매직 오케스트라가 1980년 미국을 순회할 때, 그들은 자신들의 음악을 테크노 팝이라고 표현했고, 롤링 스톤 매거진에 실렸습니다.[150]1980년경, YMO의 멤버들은 사카키바라 이쿠에의 "로봇"과 같은 아이돌 곡에 신디사이저 백 트랙을 추가했고, 이 곡들은 "techno kayou" 또는 "bubblegum techno"로 분류되었습니다.[citation needed]1985년, 빌보드는 캐나다 밴드 스키니 퍼피의 앨범을 검토했고, 그 장르를 테크노 댄스라고 묘사했습니다.[151]후안 앳킨스(Juan Atkins) 자신은 "사실, 사이보트론이 시작되었을 때 주변에는 많은 전자 음악가들이 있었고, 아마 그들 중 절반이 그들의 음악을 '테크노'라고 언급했다고 생각합니다.하지만 대중들은 85년이나 86년이 되기 전까지는 그것에 대한 준비가 되어있지 않았습니다.사람들이 정말로 그것에 빠져들었을 때 마침 디트로이트가 그곳에 있었습니다."[152]

원생 기술

디트로이트에서 진보적이라고 일컬어지는 유로 디스코와 이탈로 디스코의 인기와 테크노가 등장한[153] 디트로이트 고등학교 파티 현장에서의 새로운 로맨틱한 신스팝은 많은 해설자들이 테크노의 기원을 디트로이트 사운드에 음악적 선구자를 포함시켜 재정의하려고 노력하게 만들었습니다.장르의 [16][154][155]전개신화적인 "최초의 테크노 레코드"에 대한 탐구는 그러한 해설자들이 1988년 장르의 이름이 지어지기 훨씬 전부터 음악을 고려하게 합니다.디트로이트 고등학교 현장에서 음악이 인기를 끌었던 아티스트들(조르지오 모로더, 알렉산더 로보닉, 클라우디오 시모네티와 같은 진보적인 디스코 아티스트들, 비시지, 뉴 오더, 디페쉬 모드, 휴먼 리그, 헤븐 17과 같은 신스팝 아티스트들) 이외에도, 그들은 "셰어바리"(1981)와 같은 예들을 들고 있습니다.[156]크라프트베르크 (1977–83), 모로더의 "여기서부터 영원까지" (1977), 마누엘 괴칭의 "원형 테크노 명작"[155] E2-E4 (1981)에서 선택된 초기 작품들.1976년 Donna Summer를 위해 Giorgio Moroder가 프로듀싱한 I Feel Love는 EDM의 이정표이자 청사진으로 묘사되어 왔습니다. 반복적인 신디사이저 루프와 연속적인 4층 베이스 드럼 및 10년 후 테크노와 하우스의 주요 특징이 될 오프 비트의 하이햇을 결합한 최초의 곡이었기 때문입니다.[157][111][158]또 다른 예는 파리의 유로 디스코 프로듀서 장 마크 세로네가 1976년에 발표한 Love in C minor라는 제목의 음반인데, 이 음반은 하우스, 테크노, 그리고 다른 언더그라운드 댄스 음악 스타일이 흘러들어간 음반으로 인용됩니다.[159]또 다른 예로는 "원형 기술"로 묘사된 옐로우 매직 오케스트라의 작품이 있습니다.[160][161]

1983년경, 셰필드 밴드 카바레 볼테르는 펑크와 EDM 요소를 그들의 사운드에 포함시키기 시작했고, 후에 테크노로 묘사되었습니다.Nitzer Ebb는 1982년에 결성된 에식스 밴드로, 이 시기에 펑크와 EDM이 그들의 사운드에 영향을 주기도 했습니다.덴마크 밴드 레이드 백은 1983년에 비슷한 펑키한 일렉트로니카 사운드의 "White Horse"를 발표했습니다.

선사시대

특정 일렉트로 디스코와 유럽의 신스팝 프로덕션은 기계가 만들어내는 댄스 리듬에 테크노가 의존하는 것을 공유하지만, 그러한 비교는 논쟁의 여지가 없는 것은 아닙니다.이전의 선례를 찾아 과거로 더 회귀하려는 노력은 "리듬 변조기", "베이스 라인 제너레이터", 그리고 "IBM 프로브"가 테크노와 같은 음악의 초기 예로 간주되는 레이먼드 스콧의 순서화된 전자 음악에 더 많은 회귀를 수반합니다.Scott의 Manhattan Research Inc.의 편집 앨범인 The Independent는 "Scott의 중요성은 디스코에서 테크노에 이르는 모든 일렉트로 팝의 기초를 닦은 일렉트로닉 음악의 리드미컬한 가능성에 대한 그의 깨달음에 주로 있습니다"[162]라고 제안했습니다.2008년, Doctor Who 테마 Delia Derbyshire(델리아 더비셔)의 오리지널 작곡가에 의한 1960년대 중후반의 테이프는 동시대 EDM과 현저하게 비슷하게 들리는 음악을 포함하고 있는 것으로 발견되었습니다. 댄스 그룹 Orbital(오비탈)의 Paul Hartnoll(폴 하트놀)은 테이프에 논평을 하면서 이 예를 "매우 놀랍습니다,"라고 묘사했습니다." "다음 주에 워프 레코드에서 나올 수도 있다"는 것과 다르지 않게 들렸다는 것을 언급했습니다.[163]

음악제작 실무

스타일리시한 고려사항

일반적으로 테크노는 매우 DJ 친화적이며, 주로 악기적(상업적인 품종은 예외임)이며, DJ가 동기화된 세그 또는 "믹스"를 통해 한 레코드에서 다음 레코드로 진행되는 연속적인 DJ 세트의 맥락에서 들을 수 있도록 의도하여 제작됩니다.[164]테크노에서 악기의 많은 부분은 다른 음악적 매개 변수보다 리듬의 역할을 강조하지만, 합성 음색의 디자인과 일반적인 음악 제작 기술의 창조적인 사용은 전반적인 미적 연습의 중요한 측면입니다.

신디사이저 키보드로 제작되는 경향이 있는 다른 형태의 EDM과 달리 테크노는 서양 음악의 화성학적 관행을 항상 엄격하게 따르지는 않으며 그러한 엄격함은 종종 음색 조작에만 유리하게 무시됩니다.[165]동기적 개발(상대적으로 제한적이긴 하지만)과 기존의 음악적 프레임워크의 사용은 상용 테크노 스타일, 예를 들어, 템플릿이 종종 AABA 노래 구조인 유로-트랜스에서 더 널리 발견됩니다.[166]

주 드럼 부분은 거의 보편적으로 공통 시간(4/4)으로 바당 4/4 음 펄스를 의미합니다.[167]가장 간단한 형태로, 시간은 각 4분음표 펄스에 킥(베이스 드럼 비트), 막대의 두 번째와 네 번째 펄스에 스네어 또는 박수로 표시되며, 두 번째 8분음표마다 하이햇 소리가 열립니다.이것은 본질적으로 디스코(또는 심지어 폴카)에 의해 대중화된 드럼 패턴이며 하우스와 무아지경 음악 전반에 걸쳐 일반적입니다.템포는 테크노의 스타일에 따라 대략 120 bpm (분당 1/2 음은 120 펄스와 같다)과 150 bpm 사이에서 변화하는 경향이 있습니다.

원래 디트로이트 기반 기술에 사용된 드럼 프로그래밍 중 일부는 싱커페이션(syncopation)과 폴리리듬(polyrhythm)을 사용했지만 많은 경우 기본 디스코 유형 패턴이 기초로 사용되었으며 다른 드럼 머신 음성을 사용하여 폴리리듬 정교함이 추가되었습니다.이 싱커페이트한 느낌(펑크함)은 디트로이트 테크노의 변종을 다른 변종과 구별합니다.이것은 많은 DJ와 프로듀서들이 그들의 음악을 대부분 싱커페이션이 없는 상업적인 형태의 테크노와 차별화하기 위해 여전히 사용하는 특징입니다.데릭 메이(Derrick May)는 이 소리를 '하이테크 부족주의(Hi-tech Tribalism)'로 요약했습니다. "매우 영적이고, 매우 저음 지향적이며, 매우 드럼 지향적이고, 매우 타악기적입니다.독창적인 테크노 음악은 매우 하이테크하고 아주 퍼커시브한 느낌이었습니다.극단적으로, 극단적으로 부족적이었습니다.마치 첨단 기술의 마을에 온 것 같습니다."[146]

작곡기법

프로페셔널 프로덕션 환경의 예

테크노를 만드는 방법은 여러 가지가 있지만, 대부분은 구성 방법으로 루프 기반 스텝 시퀀싱의 사용에 의존할 것입니다.테크노 음악가, 혹은 프로듀서들은 전통적인 작곡 기술을 사용하기 보다는, 전자 음악 스튜디오를 하나의 큰 악기로 취급하면서,[168] 즉흥적인 방식으로 작업할 수 있습니다.일반적인 스튜디오에서 볼 수 있는 장치들은 다양한 소리와 효과를 낼 수 있는 장치들을 포함합니다.스튜디오 제작 장비는 일반적으로 하드웨어 또는 컴퓨터 기반의 MIDI 시퀀서를 사용하여 동기화되며, 이를 통해 제작자는 많은 장치의 순차적 출력을 한 배열로 결합할 수 있습니다.이러한 유형의 기술을 구성적으로 사용하는 일반적인 접근 방식은 단일 측정 또는 일련의 측정을 지속적으로 루프하면서 연속적인 재료 층을 오버더빙하는 것입니다.이 프로세스는 일반적으로 적절한 다중 트랙 배열이 생성될 때까지 계속됩니다.[169]

하나의 루프 기반 배열이 생성되면 제작자는 오버더빙된 부분의 합이 시간 내에 어떻게 전개될 것인지, 그리고 작품의 최종 구조는 무엇인지를 개발하는 데 집중할 수 있습니다.어떤 생산자들은 혼합물의 적절한 지점에 재료의 층을 추가하거나 제거함으로써 이를 달성합니다.멀티트랙 장치에 기록하는 동안 믹서, 시퀀서, 효과, 동적 처리, 이퀄라이제이션 및 필터링을 물리적으로 조작함으로써 이를 달성하는 경우가 많습니다.다른 제작자들도 컴퓨터 기반 디지털 오디오 워크스테이션의 자동화 기능을 사용하여 비슷한 결과를 얻고 있습니다.기술은 교묘하게 프로그래밍된 리듬 시퀀스와 루프된 모티프 이상으로 구성될 수 있으며, 주파수 필터링은 일반적으로 사용되는 프로세스입니다.제작에 대한 더 특이한 접근법은 Twerk와 Autechre와 같은 예술가들의 음악에서 명확하게 나타나는데, 여기서 알고리즘 구성의 측면들이 재료의 생성에 사용됩니다.

레트로 테크놀로지

Derrick May에 따르면, Roland TR-808은 기술 초기에 선호되었던 드럼 머신이었습니다.[170]

디트로이트에 기반을 둔 오리지널 테크노 제작자들이 사용하는 악기들은, 복고 음악 기술 시장에서 많은 사랑을 받고 있으며, 롤랜드 TR-808과 TR-909와 같은 클래식 드럼 머신, 롤랜드 TB-303 베이스 라인 발전기와 같은 장치, 롤랜드 SH-101, 카와이 KC10, 야마하 DX7과 같은 신시사이저 등이 있습니다.그리고 야마하 DX100 (1987년 데릭 메이의 중요한 테크노 릴리즈 Nude Photo에서 들은 바와 같이).[99]초기 음악 시퀀싱의 많은 부분이 MIDI를 통해 실행되었으며(그러나 TR-808과 TB-303 모두 MIDI가 없었고, 오직 DIN 동기만 있었습니다), 이러한 초기 스타일에 포함된 샘플링의 제한된 양은 Akai S900을 사용하여 달성되었습니다.[171]

1990년대 중반까지 TR-808과 TR-909 드럼 머신은 이미 전설적인 지위를 얻었습니다. 이 사실은 중고 기기의 가격에 반영되었습니다.1980년대 동안 808은 힙합 제작에서 주요한 비트 머신이 되었고 909는 하우스 음악과 테크노에서 그 본거지를 찾았습니다.그것은 909를 그들의 소리의 리듬 기반으로 만들고 롤랜드의 빈티지 리듬 작곡가의 성장을 위한 발판을 마련한 디트로이트 테크노의 선구자들이었습니다.1995년 11월 영국 음악 기술 잡지 사운드 온 사운드는 다음과 같이 언급했습니다.[172]

출시된 지 10년이 지난 지금도 중고가가 당초 판매가격보다 약간 낮은 수준에 불과한 하이테크 악기는 거의 없을 것입니다.Roland의 거의 전설적인 TR-909가 바로 그러한 예입니다. 1984년에 £999의 소매가로 출시되었으며, 현재 중고 시장에서 £900까지 판매되고 있습니다.아이러니한 상황은 출시된 지 겨우 1년 만에 첨단 기술 딜러들이 당시 신형 TR-707과 TR-727에 길을 터주기 위해 약 375파운드를 주고 909를 '도핑'했다는 것입니다.가격은 1988년경에 최저치를 경신했습니다. 이때 두 번째 사용자인 909를 200파운드 미만, 때로는 100파운드 미만으로 구입할 수 있었습니다.현재 전국의 음악가들은 909명이 100파운드 혹은 그보다 더 나쁜 가격으로 비웃었던 것, 즉 50파운드에 팔았던 것을 기억하면서 MIDI 리드로 자신들을 갈구하고 있습니다. (지금은 진짜 정신 나간 수집가들이 900파운드나 되는 가치가 있는 TB-303 Bassline을 팔아넘긴 사람에 대한 이야기를 들어본 적이 있습니까?)

1996년 5월, 사운드 온 사운드는 808의 인기가 떨어지기 시작했고, 더 희귀한 TR-909가 "사용할 댄스 플로어 드럼 머신"으로 대체되었다고 보고했습니다.이것은 여러 가지 이유로 발생한 것으로 생각됩니다: 909는 드럼 사운드를 더 잘 제어할 수 있고, 더 나은 프로그래밍을 할 수 있으며, MIDI를 표준으로 포함하고 있습니다.사운드 온 사운드는 909가 900파운드에서 1100파운드 사이에 팔리고 있다고 보고했고 808은 여전히 수집이 가능하지만 최대 가격은 700파운드에서 800파운드로 정점을 찍었다고 언급했습니다.[173]복고풍 음악 기술에 매료되었음에도 불구하고, 데릭 메이에 따르면, "레시피는 없고, 최고의 기술을 만드는 키보드나 드럼 머신, 혹은 당신이 그것을 부르고 싶은 어떤 것도 없습니다.그런 적이 없습니다.그것은 몇몇 남자들의 취향에 달려 있었습니다.808은 저희가 선호하는 기종입니다.우리는 야마하 드럼 머신이나 다른 타악기 같은 것들을 사용하고 있었습니다."[170]

에뮬레이션

1990년대 후반에 빈티지 드럼 머신과 신디사이저에 대한 수요는 많은 소프트웨어 회사들이 컴퓨터 기반 에뮬레이터를 생산하도록 동기를 부여했습니다.가장 주목할 만한 것 중 하나는 스웨덴 회사 프로펠러헤드가 생산하고 1997년 5월에 출시된 ReBirth RB-338입니다.[174]버전 1은 TB-303 2대와 TR-808 1대만을 탑재하고 있었지만 버전 2는 TR-909를 탑재하고 있었습니다.1998년 11월 RB-338 V2의 사운드 온 사운드 리뷰는 리버스가 "최고의 테크노 소프트웨어 패키지"라고 불렸으며, "1997년의 상당한 소프트웨어 성공 사례"라고 언급했습니다.[175]In America Keyboard Magazine은 ReBirth가 "모델화된 아날로그 신시사이저 톤, 타악기 합성, 패턴 기반 시퀀싱, 모두 하나의 소프트웨어에 통합되는 완전히 새로운 패러다임을 열었다"고 주장했습니다.[176]ReBirth RB-338의 성공에도 불구하고, 2005년 9월에 공식적으로 생산에서 제외되었습니다.그 후 프로펠러헤드는 "ReBirth Museum"이라는 웹사이트에서 자유롭게 다운로드할 수 있게 했습니다.이 사이트는 또한 소프트웨어의 역사와 개발에 대한 광범위한 정보를 제공합니다.[177]

2001년, 프로펠러헤드는 14 입력 자동 디지털 믹서, 99음 폴리포닉 '아날로그' 신스, 클래식 롤랜드 스타일 드럼 머신, 샘플 재생 유닛, 아날로그 스타일 스텝 시퀀서, 루프 플레이어, 멀티트랙 시퀀서, 에이트 이펙트 프로세서,그리고 500MB 이상의 신디사이저 패치와 샘플.이 릴리스와 함께 프로펠러헤드는 "제품이 시대정신에 실제로 영향을 미칠 때만 발생하는 버즈를 만들고 많은 사람들이 기다리고 있었던 것일 수 있습니다."[178] 그 이유는 버전 10에서 2018년 현재입니다.[179]

기술발전

90년대 중후반 동안, 컴퓨터 기술이 더욱 접근성이 높아지고 음악 소프트웨어가 발전함에 따라, 음악 제작 기술과 상호 작용하는 것은 전통적인 음악 연주 관행과 거의 관련이 없는 수단, [180]예를 들어 랩탑 퍼포먼스(laptronica)[181]와 라이브 코딩을 사용하여 가능했습니다.[182][183]2000년대 중반까지 Propellerhead's Reason과 Ableton Live와 같은 제품이 대중적인 인기를 끌면서 소프트웨어 기반 가상 스튜디오 환경이 많이 등장했습니다.[184]또한 이 기간 동안 하드웨어 도메인에서만 존재했던 고전적인 장치의 소프트웨어 버전을 처음으로 사용할 수 있게 되었습니다.이러한 소프트웨어 기반 음악 제작 도구는 일반적인 하드웨어 기반 제작 스튜디오에 실행 가능하고 비용 효율적인 대안을 제공했으며, 마이크로프로세서 기술의 지속적인 발전 덕분에 노트북 한 대만 사용하여 고품질 음악을 제작하는 것이 가능해졌습니다.또한 고도로 구성 가능한 소프트웨어 도구를 사용하여 아티스트는 개인화된 소프트웨어 합성기, 효과 모듈 및 다양한 구성 환경을 만들어 손쉽게 제작 사운드를 맞춤화할 수 있습니다.이러한 목적을 달성하기 위해 인기 있는 프로그램 중 일부는 Max/Msp 및 Reaktor와 같은 상업용 릴리스와 Pure Data, SuperCollider 및 ChuckK와 같은 프리웨어 패키지를 포함했습니다.특정한 의미에서 이러한 기술 혁신은 한때 댄스 음악 문화의 중심이었던 DIY 정신의 부활로 이어집니다.[185][186][187][188]00년대에 이러한 발전은 음악 창작을 민주화하고 인터넷을 통해 일반 대중이 이용할 수 있는 가정 제작 음악의 양을 크게 늘렸습니다.[189]

주목할 만한 테크노 시설

베를린의 베르가인 테크노 클럽

독일에서는 1990년대 유명한 테크노 클럽으로 베를린의 트레소르와 E-Werk, 프랑크푸르트의 오멘과 도리안 그레이, 뮌헨의 Ultrazchall과 KW – Das Heizkraftwerk, 카셀의 Stammheim 등이 있습니다.[190]2007년, 베르가인은 "아마도 E-Werk 또는 Tresor가 각각의 전성기에 있었던 것처럼 현재 테크노의 세계 수도"로 언급되었습니다.[191]2010년대, 베를린 외에도 독일은 쾰른의 게ö베, 라이프치히의 주쿤프트 인스티튜트, 뮌헨의 MMA 클럽과 블리츠 클럽, 뉘른베르크의 디 라케테, 오펜바흐 암 마인의 로버트 존슨과 같은 클럽들과 함께 테크노 씬의 번창을 계속했습니다.

영국에서 글래스고의 서브 클럽은 1990년대 초부터 테크노와 관련되어 왔으며 런던의 패브릭과 에그 런던과 같은 클럽들은 테크노를 지원하는 것으로 악명을 얻었습니다.[194]2010년대 조지아에서도 테크노 씬이 등장했는데 트빌리시의 바시아니가 가장 주목할 만한 장소였습니다.[195]

참고 항목

참고문헌

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    • 웨버, S. (2008)디제이 스킬 : 섞고 긁는 데 필수적인 가이드옥스포드:초점, 253페이지."많은 댄스 음악에는 바닥에 있는 4개라는 것이 있는데, 이것은 베이스 드럼(킥 드럼이라고도 불리는)이 4/4 시간 동안 쿼터 음을 연주한다는 것을 의미합니다. 하우스와 테크노에서 파생된 대부분의 장르에서 바닥에 네 개가 있는 것은 흔한 일이지만, 새로운 것과는 거리가 멉니다.
    • 데머스, J. (2010)소음을 통한 듣기 : 실험적인 전자음악의 미학옥스퍼드 뉴욕: 옥스퍼드 대학 출판부, 97페이지."이 새로운 하위 장르들은 부분적으로 거침없는 춤으로부터의 휴식을 제공해주었기 때문에 그리고 또한 직선적인 테크노와 하우스의 희박함을 살찌우기 때문에 청취자들을 끌어 모았습니다. 특히 더브 테크노는 4층 박자의 지속성에도 불구하고 EDM의 기계화를 시간의 흐름에 대한 감각을 머금는 방식으로 대체했습니다.
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  55. ^ a b c 코스그로브 1988b.[Derrick May]는 이 음악을 포스트 소울로 보고 있으며, 이전의 흑인 음악 전통과 의도적으로 단절된 것이라고 믿고 있습니다. 그는 "음악은 디트로이트와 같다"며 "조지 클린턴과 크래프트워크는 그들과 함께하기 위해 순서기만 있는 엘리베이터에 갇힌 것과 같다"고 주장합니다.
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서지학

필모그래피

  • 하이테크 소울 – 카탈로그 번호:PLX-029; 라벨: 플렉시필름; 출시: 2006년 9월 19일; 감독:게리 브레도우; 길이: 64분.
  • 파리/베를린: 20년간의 지하 기술 – 라벨:Les Films du Garage; 개봉: 2012; 감독:아멜리 라발렉; 길이: 52분.
  • 우리는 그것을 테크노라고 부릅니다! – 독일의 초기 테크노 장면과 문화에 관한 다큐멘터리 – 라벨:Sense Music & Media, Berlin, DE; 발매:2008년 6월; 감독: 마렌 섹스트로 & 홀거 윅.
  • 트레서 베를린: 볼트와 일렉트로닉 프론티어 – 라벨: 피라미드 오브 런던 필름스; 2004년 개봉; 감독:Michael Andrawis; 길이: 62분
  • 테크노마니아 – 개봉: 1996년 (1996년 5월 15일부터 9월 8일까지 덴마크 루이지애나 현대 미술관에서 열린 전시회 NowHere에서 상영); 감독:프란츠 판달; 길이: 52분.
  • YouTube의 Universal Techno – 라벨:Les Films à Lou; 개봉: 1996; 감독:도미니크 들뢰즈; 길이: 63분.

외부 링크

  1. ^ Generation Escastic은 Energy Flash를 기반으로 하지만 북미 시장을 위해 상당히 새로 쓰여진 독특한 에디션입니다.그것의 저작권 날짜는 1998년이지만, 1999년 7월에 처음 출판되었습니다.
  2. ^ 이 2013년판은 북미 지역의 덥스텝과 EDM 붐에 대한 보도로 확장되었습니다.