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헤비메탈 음악

Heavy metal music
이 기사는 장르에 관한 기사입니다. 하위 장르는 헤비 메탈 장르를 참조하십시오. 2013년 Newsted 앨범은 Heavy Metal Music(앨범)을 참조하십시오. 기타 용도는 중금속(동음이의)을 참조하십시오.
중금속
기타이름메탈
스타일적 기원
문화적 기원1960년대 후반 영국과 미국
하위 장르
퓨전 장르
지역적인 장면들
로컬 장면
버밍엄
기타주제
헤비메탈 음악으로 2024년

헤비 메탈(또는 간단히 메탈)은 1960년대 말과 1970년대 초에 주로 영국과 미국에서 발전한 록 음악의 한 장르입니다.[2] 블루스 록, 사이키델릭 록, 애시드 록에 뿌리를 둔 헤비 메탈 밴드들은 왜곡된 기타, 확장된 기타 솔로, 강렬한 비트와 요란함이 특징인 두껍고 기념비적인 사운드를 개발했습니다.

1968년, 이 장르의 가장 유명한 선구자들 중 세 명인 영국 밴드 레드 제플린, 블랙 사바스, 딥 퍼플이 설립되었습니다.[3] 비록 그들은 많은 관객을 끌어 모으기 위해 왔지만, 비평가들에 의해 종종 조롱을 당했습니다. 1970년대에 몇몇 미국 밴드들은 헤비 메탈을 좀 더 접근하기 쉬운 형태로 변형시켰습니다: Alice Cooper and Kiss의 원시적이고 졸졸한 사운드와 충격적인 록, Aerosmith의 블루스에 뿌리를 둔 록, 그리고 Van Halen의 현란한 기타 리드와 파티 록.[4] 1970년대 중반, 유다 프리스트는 블루스의 영향력을 상당 부분 버림으로써 장르의 진화에 박차를 가하는데 도움을 준 [5][6]반면, Motörhead는 펑크 록의 감성과 속도에 대한 강조를 도입했습니다. 1970년대 후반부터 아이언 메이든, 색슨 등 영국 헤비메탈의 새로운 물결을 이룬 밴드들도 비슷한 맥락에서 그 뒤를 이었습니다. 10년이 끝날 무렵, 헤비 메탈 팬은 "메탈헤드" 또는 "헤드뱅거"로 알려지게 되었습니다. 일부 메탈 장르의 가사는 공격성과 마치스모(machismo)와 연관되어 있으며,[7] 이는 때때로 여성 혐오에 대한 비난으로 이어졌습니다.

1980년대에 글램 메탈은 본 조비(Bon Jovi), 뫼틀리 크루(Mötley Crue), 포이즌(Poison)과 같은 그룹들에게 인기를 얻었습니다. 그러나 한편, 언더그라운드 장면들은 메탈리카, 슬레이어, 메가데스, 탄저균과 같은 밴드들과 함께 스래시 메탈이 주류에 진입한 반면, 데스 메탈과 블랙 메탈과 같은 다른 극단적인 하위 장르들은 하위 문화 현상으로 남아 있습니다. 1990년대 중반부터 대중적인 스타일은 장르의 정의를 확장해 왔습니다. 여기에는 그루브 메탈과 누 메탈이 포함되며, 후자에는 종종 그루지와 힙합의 요소가 포함됩니다.

특성.

헤비 메탈은 전통적으로 크게 왜곡된 기타, 강렬한 리듬, 밀도 높은 베이스와 드럼 사운드, 활기찬 보컬이 특징입니다. 중금속 하위 장르는 이러한 속성 중 하나 이상을 다양하게 강조, 변경 또는 생략합니다. 1988년 뉴욕 타임즈의 비평가 존 파렐은 "대중음악의 분류학에서 헤비 메탈은 하드 록의 주요 아종으로 싱커페이션이 적고, 블루스가 적고, 쇼맨십이 많으며, 더 무차별적인 힘을 가지고 있습니다"라고 썼습니다.[8] 일반적인 밴드 라인업에는 악기 연주자일 수도 있고 아닐 수도 있는 드러머, 베이시스트, 리듬 기타리스트, 리드 기타리스트 및 가수가 포함됩니다. 키보드 악기는 때때로 소리의 완전성을 높이기 위해 사용됩니다.[9] 딥 퍼플의 존 로드는 무리한 해먼드 오르간을 연주했습니다. 1970년, 존 폴 존스는 레드 제플린 III에 무그 합성기를 사용했고, 1990년대까지 합성기는 "중금속의 거의 모든 하위 장르"에 사용되었습니다.[10]

The band Judas Priest are onstage at a concert. From left to right are the singer, two electric guitarists, the bass player, and the drummer, who is seated behind a drumkit. The singer is wearing a black trenchcoat with metal studs.
2005년 유다 프리스트 공연

전기 기타와 증폭을 통해 투사되는 음파 파워는 역사적으로 헤비 메탈의 핵심 요소였습니다.[11] 헤비 메탈 기타 사운드는 높은 볼륨과 무거운 퍼즈를 결합한 사용에서 비롯됩니다.[12] 클래식한 헤비 메탈 기타 음색의 경우, 기타 연주자들은 음악의 열린 공간과 공기를 유지하기 위해 과도한 프리앰프나 페달 왜곡 없이 중간 수준의 이득을 유지합니다. 기타 앰프는 "펀치 앤 그라인딩" 특성을 내기 위해 크게 작동합니다.[13] 스래쉬 메탈 기타 톤은 중간 주파수와 여러 베이스 주파수로 촘촘하게 압축된 사운드를 퍼냈습니다.[13] 기타 솔로는 "헤비메탈 코드의 필수 요소로 기타의 중요성을 강조합니다."[14] 대부분의 헤비 메탈 곡들은 "최소한 하나의 기타 솔로를 특징으로 하는데,[15] 이는 헤비 메탈 연주자가 기교를 표현하는 주요 수단"입니다.[16] 일부 예외는 기타 솔로를 생략하는 경향이 있는 누 메탈 및 그라인드 코어 밴드입니다.[17] 리듬 기타 파트와 함께 "헤비 메탈의 무거운 크런치 사운드... [] 손바닥이 따는 손으로 현을 중얼거리고 왜곡을 사용하여 만듭니다.[18] 손바닥 뮤팅은 더 촘촘하고 정확한 소리를 내고 낮은 끝을 강조합니다.[19]

헤비메탈에서 기타의 주인공 역할은 보컬의 전통적인 "프론트맨"이나 밴드 리더 역할과 충돌하는 경우가 많으며, 두 사람이 "애정적 경쟁"의 정신으로 "지배력을 다투게 되면서" 음악적 긴장감을 조성합니다.[9] 헤비 메탈은 밴드의 전반적인 사운드에 "목소리의 종속을 요구합니다." 1960년대 반체제 문화에서 메탈의 뿌리를 반영하듯, 진정성의 표시로서 보컬로부터 "명백한 감정의 표시"가 요구됩니다.[20] 평론가 사이먼 프리스(Simon Frith)는 이 메탈 가수의 "목소리의 톤"이 가사보다 더 중요하다고 주장합니다.[21]

베이스의 두드러진 역할 또한 메탈 사운드의 핵심이며 베이스와 기타의 상호 연주가 중심 요소입니다. 베이스는 음악을 "무거운" 상태로 만드는 데 중요한 저음을 제공합니다.[22] 베이스는 "다른 어떤 장르의 록보다 헤비 메탈에서 더 중요한 역할"을 합니다.[23] 메탈 베이스 라인은 낮은 페달 포인트를 기초로 잡는 것부터 리드 또는 리듬 기타와 함께 복잡한 리프와 핥기를 배가시키는 것까지 복잡성이 매우 다양합니다. 일부 밴드는 베이스를 리드 악기로 사용하는데, 이 접근법은 메탈리카의 클리프 버튼이 1980년대 초 베이스를 연주하면서 베이스 솔로와 코드 사용을 강조하면서 대중화되었습니다.[24] Motörhead의 Lemy는 그의 베이스 라인에서 종종 오버드라이브 파워 코드를 연주했습니다.[25]

헤비 메탈 드럼의 본질은 "속도, 힘, 정밀도의 트라이펙타"를 사용하여 밴드의 크고 일정한 비트를 만들어 내는 것입니다.[26] 헤비 메탈 드럼은 "뛰어난 내구성을 요구한다"며, 드럼 연주자들은 헤비 메탈에 사용되는 복잡한 패턴을 연주하기 위해 "상당한 속도, 조정력, 손재주"를 개발해야 합니다.[27] 특징적인 금속 드럼 기술은 심벌 초크인데, 심벌을 친 다음 다른 한 손(또는 경우에 따라 같은 타격 손)으로 잡아 소리를 터뜨려 즉시 조용하게 만드는 것입니다. 메탈 드럼 셋업은 일반적으로 다른 형태의 록 음악에 사용되는 것보다 훨씬 더 큽니다.[22] 블랙 메탈, 데스 메탈 및 일부 "메인스트림 메탈" 밴드는 "모두 더블킥과 블래스트 비트에 의존합니다.[28]

Female musician Enid Williams from the band Girlschool and Lemmy Kilmeister from Motörhead are shown onstage. Both are singing and playing bass guitar. A drumkit is seen behind them.
걸스스쿨의 에니드 윌리엄스와 Motörhead의 Lemmy는 2009년에 살고 있습니다. 두 밴드를 묶는 유대 관계는 1980년대에 시작되었고 2010년대에도 여전히 강했습니다.

라이브 공연에서, 사회학자 디나 와인스타인의 설명에서 "소리의 맹공격"인 라우드니스는 매우 중요한 것으로 여겨집니다.[11] 심리학자 제프리 아넷(Jeffrey Arnett)은 그의 책 메탈헤드(Metalheads)에서 헤비메탈 콘서트를 "전쟁의 감각적 등가물"이라고 언급했습니다.[29] Jimi Hendrix, Cream and the Who가 세운 리드에 이어 Blue Cheer와 같은 초기 헤비메탈 그룹들은 볼륨에 대한 새로운 기준을 세웠습니다. 블루 치어의 딕 피터슨이 말했듯이, "우리가 아는 것은 더 많은 힘을 원했다는 것뿐입니다."[30] 1977년 Motörhead 콘서트에 대한 리뷰는 "특히 과도한 볼륨이 밴드의 영향을 어떻게 파악했는지"에 대해 언급했습니다.[31] 와인스타인은 멜로디가 팝의 주요 요소이고 리듬이 하우스 음악의 주요 초점인 것과 같은 방식으로 강력한 사운드, 음색, 볼륨이 메탈의 핵심 요소라고 주장합니다. 그녀는 그 소리가 "청취자를 소리 속으로 쓸어 담기 위해" 그리고 "젊은 활력의 샷"을 제공하기 위해 고안되었다고 주장합니다.[11]

헤비메탈 연주자들은 걸스스쿨과 같은 일부 예외를 제외하고[32] 적어도 1980년대 중반까지는 거의 독점적으로 남성인 경향이 있었습니다.[33][32] 그러나 2010년대에 이르러 여성들은 더 많은 영향을 미치고 있었고,[34][35] 팝매터스의 크레이그 헤이스(Craig Hayes)는 금속이 "분명히 여성들에게 힘을 실어준다"고 주장합니다.[36] 파워 메탈과 심포니 메탈의 하위 장르에서, 나이트위시, 델레인, 그리고 위드 템테이션과 같은 여성을 리드 싱어로 둔 밴드들이 상당히 많이 있었습니다.

음악어

리듬과 템포

헤비메탈에 사용되는 리듬 패턴의 일례. 상단 오선보는 손바닥으로 염색된 리듬 기타 부품입니다. 하단 오선보는 드럼 부분입니다.
리듬 패턴 오디오

메탈 곡의 리듬은 의도적인 강세와 함께 강조됩니다. Weinstein은 금속 드럼 연주자가 사용할 수 있는 광범위한 음파 효과를 통해 "리듬 패턴이 요소 드라이브와 고집 내에서 복잡성을 띠는 것"을 가능하게 한다고 관찰합니다.[22] 많은 헤비 메탈 곡들에서, 메인 그루브는 일반적으로 8분 음표 또는 16분 음표로 구성되는 짧은 2음 또는 3음의 리듬 피규어들로 특징지어집니다. 이 리듬 피규어들은 보통 리듬 기타에 손바닥으로 뮤팅된 기술을 사용하여 만들어진 스타카토 공격으로 수행됩니다.[37]

짧고 갑작스러우며 분리된 리듬 세포는 독특하고 종종 육질적인 질감을 가진 리듬 악구로 결합됩니다. 이 문구는 리듬 반주와 리프라고 불리는 멜로디 피규어를 만드는 데 사용되며, 이는 주제적 후크를 설정하는 데 도움이 됩니다. 헤비 메탈 곡들은 또한 느린 템포의 파워 발라드에서 전체 음표나 점이 있는 4분의 1음 길이의 화음과 같은 더 긴 리듬의 피규어를 사용합니다. 초기 헤비 메탈 음악의 템포는 "느리고, 심지어 심오한" 경향이 있었습니다.[22] 그러나 1970년대 후반에 이르러 메탈 밴드들은 다양한 종류의 템포를 사용하고 있었고, 2000년대에 이르러서야 메탈 템포는 느린 발라드 템포(4분음표 = 분당 60박자)에서 매우 빠른 블래스트 비트 템포(4분음표 = 분당 350박자)에 이르기까지 다양합니다.

하모니

장르의 특징 중 하나는 기타 파워 코드입니다.[38] 전문적인 용어로, 파워 코드는 비교적 간단합니다: 일반적으로 완벽한 5분의 1음계를 포함하지만, 옥타브는 뿌리의 배가로 추가될 수 있습니다. 낮은 현에서 파워 코드가 높은 음량으로 왜곡되어 재생되면 추가적인 저주파 소리가 생성되며, 이는 "소리의 무게"를 더하고 "압도적인 힘"의 효과를 만듭니다.[39] 완벽한 5분 음정이 파워 코드의 가장 일반적인 기초이지만,[40] 파워 코드는 또한 단조 3분, 장조 3분, 완전 4분, 감소된 5분 또는 단조 6분과 같은 다른 간격에 기초합니다.[41] 또한 대부분의 파워 코드는 프렛보드를 쉽게 위아래로 슬라이딩할 수 있는 일관된 손가락 배열로 연주됩니다.[42]

일반적인 고조파 구조

헤비 메탈은 일반적으로 모드 스케일 진행, 트리톤 및 크로마틱 진행, 페달 포인트 사용 등 세 가지 주요 고조파 특성으로 만들어진 리프를 기반으로 합니다. 전통적인 헤비 메탈은 모달 스케일, 특히 Aeolian 및 Phrygian 모드를 사용하는 경향이 있습니다.[43] 조화롭게 말하면, 이 장르는 일반적으로 I-♭VI-♭ vii, I-♭ vii-(♭VI) 또는 I-♭VI-IV-♭ vii 및 프리기아 진행과 같은 모달 코드 진행을 통합함을 의미하며, 이는 I와 ♭II(예를 들어 I-♭II-I, I-♭II-III 또는 I-♭II-VII) 사이의 관계를 의미합니다. 시제음의 반음계 또는 트리톤 관계는 여러 금속 화음 진행에 사용됩니다.[44][45] 헤비 메탈은 모달 하모닉 관계를 사용하는 것 외에도 "펜타톤과 블루스에서 파생된 특징"을 사용합니다.[46]

트리톤은 C부터 F#까지 3개의 음 전체에 걸쳐 있는 간격으로 중세와 르네상스 음악 이론가들에 의해 극도로 불협화음과 불안정으로 여겨졌습니다. 이 곡은 "음악의 악마"라는 음악 속의 악마라는 별명으로 불렸습니다.[47]

헤비 메탈 곡들은 종종 화성적 기초로서 페달 포인트를 광범위하게 사용합니다. 페달 포인트는 일반적으로 베이스 음역에서 지속적인 음색이며, 이 동안 적어도 하나의 외래(즉, 불협화음) 화음이 다른 부분에서 울립니다.[48] 로버트 월서(Robert Walser)에 따르면, 중금속 조화 관계는 "종종 매우 복잡하다"고 하며, 금속 연주자와 교사가 수행한 조화 분석은 "종종 매우 정교하다"고 합니다.[49] 중금속 코드 구조 연구에서, 다른 음악 연구자들이 깨달은 것보다 "헤비메탈 음악이 훨씬 더 복잡하다는 것이 증명되었다"는 결론이 나왔습니다.[46]

클래식과의 관계

A guitarist, Ritchie Blackmore, is shown playing a Fender electric guitar onstage. He has long hair.
딥 퍼플 앤 레인보우의 설립자 리치 블랙모어는 기타 연주에서 신고전주의적 접근법으로 유명합니다.

로버트 월서는 블루스와 R&B와 함께 "서로 다른 음악 스타일의 집합체"라고 말했습니다. classical 음악'은 장르의 초기부터 헤비 메탈에 큰 영향을 미쳤으며, 그 메탈의 "가장 영향력 있는 음악가들은 클래식 음악을 공부한 기타 연주자들이었습니다. 그들의 고전적인 모델의 전유와 적응은 헤비 메탈의 화성적이고 멜로디적인 언어의 변화와 새로운 종류의 기타 천재성의 발전을 촉발시켰습니다."[50]

그로브 뮤직 온라인에 기고된 글에서 월서는 "1980년대는... 리치 블랙모어, 마티 프리드먼, 제이슨 베커, 울리 존 로스, 에디 반 헤일런, 랜디 로드, 잉위 말름스틴과 같은 영향력 있는 기타리스트들에 의해 18세기 유럽 모델들, 특히 바흐와 안토니오 비발디의 코드 진행과 가상 음악 연습의 광범위한 각색."[51]Believant의 Kurt[51] Bachmann은 "만약 올바르게 행해진다면, 금속과 고전이 꽤 잘 맞습니다"라고 말했습니다. 느낌, 질감, 창의성에 있어서 가장 공통적인 두 장르는 고전과 메탈일 것입니다."[52]

비록 많은 메탈 음악가들이 클래식 작곡가들을 영감으로 인용하지만, 클래식과 메탈은 다른 문화적 전통과 관습에 뿌리를 두고 있습니다 – 예술 음악 전통에서는 클래식, 대중 음악 전통에서는 메탈. 음악학자 Nicolas Cook과 Nicola Dibben은 "대중음악에 대한 분석은 때때로 '예술 전통'의 영향을 드러내기도 합니다. 그 예로는 월서가 헤비 메탈 음악과 19세기 낭만주의의 이데올로기 및 심지어 일부 공연 관행을 연계시킨 것이 있습니다. 하지만 블루스, 록, 헤비 메탈, 랩, 댄스 음악과 같은 전통들이 주로 "예술 음악"에서 유래한다고 주장하는 것은 분명히 잘못된 것입니다.[53]

서정적인 주제

더 자세한 목록은 헤비 메탈 가사를 참조하십시오.

데이비드 해치(David Hatch)와 스티븐 밀워드(Stephen Millward)에 따르면 블랙 사바스(Black Sabsath)와 그들이 영감을 준 수많은 헤비 메탈 밴드들은 "지금까지 어떤 형태의 팝 음악에서도 전례가 없을 정도로 어둡고 우울한 소재에 서정적으로 집중했습니다." 그들은 블랙 사바스의 두 번째 앨범인 "Paranoid"와 "Fairies Wear Boots"(약물 복용의 불쾌한 부작용을 묘사한)를 포함한 "Paranoid"와 "Fairies Wear Boots"(약물 복용의 불쾌한 부작용을 묘사한)와 자기 설명적인 "War Pigs"와 "Hand of Doom"과 같은 더 넓은 문제에 직면한 노래들을 예로 들었습니다.'"[54]블루스 음악에 이 장르의 뿌리를 둔 것에서 파생된[54] 섹스는 또 다른 중요한 주제입니다. 레드 제플린의 암시적인 가사에서 글램 메탈과 누 메탈 밴드에 대한 더 명백한 언급으로 이어지는 스레드입니다.[55]

Two members from the band King Diamond are shown at a concert performance. From left to right are the singer and an electric guitarist. The singer has white and black face makeup and a top hat. Both are wearing black.
공포 이야기에 대한 개념적인 가사를 쓴 것으로 유명한 킹 다이아몬드

중금속의 주제 내용은 오래전부터 비판의 대상이 되어 왔습니다. 존 파렐레스(Jon Pareles)에 따르면, "헤비메탈의 주요 소재는 단순하고 사실상 보편적입니다. 투덜거림, 신음소리, 그리고 하위 문학적인 가사로 파티를 축하합니다. 한계가 없는 파티입니다. [T]음악의 대부분은 정형화되어 있고 정형화되어 있습니다."[8] 음악 비평가들은 종종 금속 가사를 소년적이고 진부하다고 생각해왔고, 다른[56] 사람들은 그들이 여성 혐오와 오컬트를 옹호하는 것에 반대해왔습니다. 1980년대에, 부모 음악 자원 센터는 미국 의회에 대중 음악 산업을 규제해달라고 청원했습니다. 그 단체가 주장한 가사들, 특히 헤비 메탈 노래의 가사들 때문입니다.[57] 앤드루 코프는 헤비메탈 가사가 여성 혐오적이라는 주장은 "분명히 잘못된 것"이라고 말했는데, 이 비평가들이 "그렇지 않다는 것을 암시하는 압도적인 증거를 간과했기 때문"이라고 말했습니다.[58] 음악 평론가 로버트 크리스트가우는 메탈을 "일반 백인 소년들이 소녀들을 두려워하고, 자신들을 동정하고, 그들이 결코 이길 수 없는 세계에 대해 분노하도록 허용되는 한, 그것은 때때로 우리와 함께 있는 것처럼 보이는 표현 방식"이라고 말했습니다.[59]

헤비메탈 아티스트들은 미국 상원과 법정 앞에서 자신들의 가사를 변호해야 했습니다. 1985년 트위스트 시스터의 앞잡이 디 스나이더는 미국 상원 청문회에서 그의 노래 "Under the Blade"를 변호하라는 요청을 받았습니다. 청문회에서 PMRC는 이 노래가 사도마조히즘과 강간에 관한 것이라고 주장했고, 스나이더는 이 노래가 밴드 동료의 목 수술에 관한 것이라고 말했습니다.[60] 1986년, 오지 오스본은 그의 노래 "Suide Solution"의 가사에 대해 고소를 당했습니다.[61] 오스본의 노래를 듣고 스스로 목숨을 끊은 것으로 알려진 우울증에 걸린 10대 존 맥컬럼의 부모가 오스본을 상대로 소송을 제기했습니다. 오스본은 그 십대의 죽음에 책임이 있는 것으로 밝혀지지 않았습니다.[62] 1990년, 유다 프리스트는 밴드의 "Better by You, Better than Me"라는 곡의 커버에서 "Do it"이라는 승화적인 진술을 듣고 5년 전 스스로 목숨을 끊은 두 젊은이의 부모로부터 미국 법정에서 고소를 당했습니다.[63] 이 사건은 언론의 큰 관심을 끌었지만 결국 기각되었습니다.[57] 1991년, 영국 경찰은 "음란행위로 레이블을 기소하는 데 성공하지 못한 시도"로 영국 음반사 Earache Records로부터 데스 메탈 레코드를 압수했습니다.[64]

무슬림이 주를 이루는 일부 국가에서는 헤비메탈이 전통적인 가치에 대한 위협으로 공식적으로 비난을 받아왔고 모로코, 이집트, 레바논, 말레이시아 등에서는 헤비메탈 음악가와 팬들이 체포돼 수감되는 사건이 발생했습니다.[65] 1997년, 이집트 경찰은 많은 젊은 금속 팬들을 수감시켰는데, 그들은 경찰이 그들의 집을 수색하던 중 금속 녹음물을 발견하자 "악마 숭배"와 신성모독 혐의로 기소되었습니다.[64] 2013년 말레이시아는 "밴드의 가사가 종교적으로 둔감한 것으로 해석될 수 있다"며 신성모독을 이유로 '하느님의 양'의 자국 내 공연을 금지했습니다.[66] 어떤 사람들은 헤비 메탈 음악이 정신 건강 장애의 선행 요인이라고 생각하고, 헤비 메탈 팬들이 정신 건강을 악화시킬 가능성이 더 높다고 생각하지만, 2009년의 한 연구는 이것이 사실이 아니며, 헤비 메탈 음악 팬들이 일반 인구와 비슷하거나 낮은 비율로 정신 건강을 악화시킨다는 것을 시사합니다.[67]

이미지와 패션

주 기사: 헤비메탈 패션
The band Kiss is shown onstage at a concert. From left to right are the bassist Gene Simmons, two electric guitarists and the drummer, who is at the rear of the stage. Simmons is wearing spiked clothing and his tongue is extended. All members have white and black face makeup. Large guitar speaker stacks are shown behind the band.
2004년에 키스공연을 하고 화장을 했습니다.

많은 아티스트와 밴드에게 시각적 이미지는 중금속에서 큰 역할을 합니다. 헤비메탈 밴드의 이미지는 사운드와 가사 외에도 앨범 커버 아트, 로고, 무대 세트, 의류, 악기 디자인, 뮤직비디오 등으로 표현됩니다.[68]

뒤로 긴 머리는 "메탈 패션의 가장 중요한 특징"입니다.[69] 저널리스트 네이더 라만(Nader Rahman)에 따르면, 1980년대와 1990년대까지 히피 하위 문화에서 처음 채택된 헤비 메탈 헤어는 "집에서 전혀 느끼지 못하는 것처럼 보이는 세대의 증오, 불안 및 환멸을 상징"했습니다. 긴 머리는 금속 공동체의 구성원들에게 "일반적으로 아무것도 반대하지 않는 데 필요한 힘"을 주었습니다.[70]

헤비 메탈 팬의 클래식한 유니폼은 연한 색상, 찢어진, 찢어진 블루진, 블랙 티셔츠, 부츠, 블랙 가죽이나 데님 재킷으로 구성되어 있습니다. 디나 와인스타인(Deena Weinstein)은 "티셔츠는 일반적으로 좋아하는 금속 밴드의 로고 또는 기타 시각적 표현으로 장식됩니다."[71]라고 썼습니다. 1980년대에는 펑크 록과 고트 음악에서 공포 영화에 이르기까지 다양한 소스가 메탈 패션에 영향을 미쳤습니다.[72] 1970년대와 1980년대의 많은 금속 연주자들은 그들의 무대 외관을 향상시키기 위해 급진적으로 모양을 만들고 밝은 색의 악기들을 사용했습니다.[73][74]

패션과 개인 스타일은 특히 그 시대의 글램 메탈 밴드에게 중요했습니다. 공연자들은 대개 머리에 염색을 하고 염색을 하고 머리에 스프레이를 바른 긴 머리 (따라서 "헤어 메탈"이라는 별명), 립스틱이나 아이라이너와 같은 메이크업, 표범 가죽 프린트 셔츠나 조끼, 타이트 데님, 가죽이나 스판 팬츠를 포함한 화려한 의상, 그리고 머리띠와 보석 같은 액세서리를 착용했습니다.[73] 1980년대 후반 헤비 메탈 액트 엑스 재팬이 개척한 비주얼 케이(visual kei)로 알려진 일본 운동의 밴드들은 정교한 의상과 헤어, 메이크업을 강조합니다.[75]

물리적 제스처

Image shows a band onstage with fans visible in the front of the picture. Some fans are raising their fists and others are raising their hands with the index finger and pinky extended.
Metsatöll 콘서트에서 팬들이 주먹을 들고 "악마의 뿔" 제스처를 취합니다.

라이브 공연을 할 때, 많은 메탈 뮤지션들은 – 그들이 연주하는 관객들뿐만 아니라 – 종종 긴 머리로 강조되는, 리드미컬하게 머리로 박자를 맞추는 시간을 포함하는 헤드뱅잉에 참여합니다. 일 코르누토(Ilcornuto), 즉 "악마의 뿔"이라는 손동작은 블랙 사바스와 디오가 활동하던 시기에 성악가 로니 제임스 디오에 의해 대중화되었습니다.[45] 키스의 진 시몬스(Gene Simmons)가 1977년 러브 건(Love Gun) 앨범 커버에서 이 제스처를 처음 취했다고 주장하지만, 누가 이 현상을 시작했는지에 대해서는 추측이 있습니다.[76]

메탈 콘서트의 참석자들은 일반적인 의미에서 춤을 추지 않습니다. 이것은 음악의 대부분이 남성 청중이고 "극단적인 이성애주의 이데올로기" 때문이라고 주장되어 왔습니다. 사용되는 두 가지 주요 신체 동작은 감사의 표시이자 리듬감 있는 제스처인 머리를 흔드는 것과 팔을 찌르는 것입니다.[77] 에어 기타의 연주는 음악회나 집에서 음반을 듣는 것 모두에서 메탈 팬들 사이에서 인기가 있습니다.[78] 디나 와인스타인에 따르면, 스래쉬 메탈 콘서트는 다른 메탈 장르의 일부가 아닌 두 가지 요소를 가지고 있습니다: "펑크/하드코어 하위 문화에서 가져온" 모싱과 스테이지 다이빙.[79] Weinstein은 모싱 참가자들이 무대 근처의 "pit"이라고 불리는 지역에서 원을 그리며 이동할 때 서로 부딪치고 밀친다고 말합니다. 무대 다이버들은 밴드와 함께 무대 위로 올라가 "다시 객석으로" 뛰어듭니다.[79]

팬 계대배양

주 기사: 중금속 계대배양
The back of a heavy metal fan wearing a denim jacket is shown. The jacket has patches and artwork for several heavy metal bands attached to the denim. The largest patch is for the band Metallica. It depicts a devil amidst flames.
헤비 메탈 밴드 메탈리카, 건스 앤 로지스, 아이언 메이든, 슬립낫, 디오, 레드 제플린의 밴드 패치와 아트워크가 있는 데님 재킷을 입은 헤비 메탈 팬.

헤비 메탈은 강렬하고 배제적이며 남성적인 하위 문화의 출현으로 인해 다른 많은 록 장르보다 오래 지속되었다고 주장되어 왔습니다.[80] 메탈 팬층은 대체로 젊고, 백인, 남성, 블루칼라층이지만, 이 그룹은 "주요 인구통계학적 기반 밖에 있는 사람들 중 복장, 외모, 행동의 코드를 따르는 사람들에 대한 관용"을 가지고 있습니다.[81] 하위 문화와의 동일성은 콘서트-고잉의 그룹 경험과 패션의 공유된 요소뿐만 아니라 금속 잡지와 최근에는 웹사이트에 기여함으로써 강화됩니다.[82] 특히 라이브 콘서트에 참석하는 것은 "헤비메탈 코뮌 중 가장 신성한 것"이라고 불립니다.[83]

메탈 씬은 고유의 진정성 코드를 가진 "소외의 하위 문화"라는 특징을 가지고 있습니다.[84] 이 코드는 연주자들에게 몇 가지 요구 사항을 제공합니다: 그들은 음악에 완전히 전념하고 그것을 지원하는 하위 문화에 충성하는 것처럼 보여야 합니다. 그들은 주류 인기와 라디오 히트에 관심이 없는 것처럼 보여야 합니다. 그리고 그들은 절대 "완판"되어서는 안 됩니다.[85] 디나 와인스타인(Deena Weinstein)은 팬들 자신을 위해 이 코드가 "기존의 권위에 대한 반대, 그리고 사회의 나머지로부터의 분리"를 촉진한다고 말했습니다.[86]

음악가이자 영화제작자인 롭 좀비는 "내 쇼에 오는 대부분의 아이들은 무엇을 해야 할지 모르는 많은 창조적인 에너지를 가진 정말 상상력이 풍부한 아이들처럼 보인다"고 관찰했고, 그 금속은 "외부인을 위한 외부 음악"입니다. 아무도 이상한 아이가 되고 싶어하지 않아요. 당신은 결국 이상한 아이가 될 수 밖에 없어요. 좀 그렇지만 금속을 쓰면 이상한 애들이 한 자리에 모이게 됩니다."[87] 메탈 학자들은 일부 연주자(및 일부 다른 팬)를 "하위 문화의 일부인 척 하지만 진정성과 진정성이 부족하다고 여겨진"으로 분류하고 거부하는 팬들의 경향에 주목했습니다.[84][88]

어원

음악적 맥락에서 "헤비메탈"이라는 용어의 기원은 불확실합니다. 이 문구는 화학과 야금학에서 수세기 동안 사용되어 왔으며, 주기율표는 경금속과 중금속(예: 우라늄) 모두의 원소를 정리합니다. 현대 대중문화에서 이 용어의 초기 사용은 반문화주의 작가 윌리엄 S에 의한 것이었습니다. 버로우즈. 그의 1961년 소설 소프트 머신에는 "헤비메탈 키드인 우라니안 윌리"로 알려진 캐릭터가 포함되어 있습니다. 버로스의 다음 소설인 노바 익스프레스(Nova Express, 1964)는 중독성 있는 약물에 대한 비유로 "헤비메탈"을 사용하여 주제를 발전시킵니다: "그들의 질병과 오르가즘 약물, 그리고 그들의 성 없는 기생충 생명체와 함께-천왕성의 헤비 메탈 피플은 기화된 지폐의 차가운 푸른 안개에 싸여 있습니다. 그리고 금속 음악과 함께하는 민크로의 곤충 피플입니다."[89] 버로우의 소설에서 영감을 받아,[90] 이 용어는 1967년 Hapshash and the Colored Coat의 "Human Host and the Heavy Metal Kids" 앨범 제목에 사용되었는데, 이 앨범은 음악의 맥락에서 처음 사용되었다고 주장되어 왔습니다.[91] 이 문구는 나중에 샌디 펄먼에 의해 해제되었으며, 그는 특히 그들의 앨범 The Notorous Byrd Brothers (1968)에서 버드를 "맥락과 효과의 알루미늄 스타일"로 묘사하기 위해 이 용어를 사용했습니다.[92]

금속 역사학자 이안 크리스테(Ian Christe)는 이 용어의 구성 요소가 "히피스피크(hipiespeak)"에서 의미하는 바를 설명합니다: "무겁다"는 "힘이 있다" 또는 "근대하다"와 대략적으로 동의어이며, "금속"은 특정 유형의 기분을 지정하고, 금속과 같이 분쇄하고 무게를 둡니다.[93] 이러한 의미에서 "무거운"이라는 단어는 비트니크와 나중에 반문화적인 히피 속어의 기본 요소였으며, "무거운 음악"에 대한 언급은 바닐라 퍼지와 같이 일반적으로 더 느리고 표준 팝 요금의 더 증폭된 변형으로 1960년대 중반까지 이미 일반적이었습니다. 1968년 초에 발매된 아이언 버터플라이의 데뷔 앨범은 헤비(Heavy)라는 제목이었습니다. 노래 가사에서 "헤비메탈"을 처음 사용한 것은 스테펜울프의 노래 "Born To Be Wild"의 오토바이와 관련된 것으로,[94] 그 해에 발매된 "나는 연기와 번개 / 헤비메탈 천둥 / 바람과 함께 라신 / 그리고 내 아래에 있는 느낌을 좋아한다."

록 비평에서 이 문구의 초기 사용은 1967년 2월 샌디 펄먼의 롤링 스톤스의 Got Live If You Want It(1966)에 대한 크로대디의 리뷰에서 나타나지만, 비록 "이 앨범에서 스톤스는 메탈로 간다. 기술은 이상적이고 방법적인 측면에서 중요한 요소입니다."[95][nb 1] 또 다른 것은 1968년 5월 11일자 롤링 스톤 호에 등장하는데, 이 호에서 배리 기포드는 미국 밴드 일렉트릭 플래그의 앨범 'A Long Time Comin'에 대해 다음과 같이 썼습니다. "지난 몇 년 동안 마이크 블룸필드의 말을 듣든 연주를 듣든 간에 아무도 이것을 예상하지 못했을 것입니다. 화이트 블루스와 헤비 메탈 록이 합쳐진 새로운 소울 음악입니다."[97] 1968년 9월 7일 시애틀 데일리 타임스에서 평론가 수잔 슈워츠는 지미 헨드릭스 익스피리언스가 "헤비메탈 블루스 사운드를 가지고 있다"고 썼습니다.[98] 1970년 1월, 루시안 K. Truscott IV는 Led Zeppelin II for the Village Voice를 검토하면서 이 소리를 "무겁다"고 묘사했고 블루 치어와 바닐라 퍼지와 비교했습니다.[99]

이 문구의 다른 초기 문서화된 사용법은 평론가 마이크 손더스의 리뷰에서 나온 것입니다. 1970년 11월 12일자 롤링스톤지에서 그는 영국 밴드 험블 파이가 작년에 발표한 앨범에 대해 다음과 같이 언급했습니다. "그들의 첫 번째 미국 발매인 어제처럼 안전하다는 것은 험블 파이가 여러 가지 면에서 지루할 수 있다는 것을 증명했습니다. 여기서 그들은 시끄럽고 멜로디가 없는 헤비 메탈로 된 똥 바위 밴드로 의심할 여지 없이 크고 시끄러운 부분을 가지고 있었습니다. 몇 곡의 멋진 노래와 기념비적인 쓰레기 더미가 있었습니다." 그는 밴드의 가장 최근의 셀프 타이틀 발매를 "같은 27류 헤비 메탈 쓰레기에 가깝다"고 설명했습니다.[100]

1971년 5월자 크림판에 실린 볼티모어 경의 킹덤 컴에 대한 리뷰에서 손더스는 "볼티모어 경은 책에 나오는 대부분의 최고의 헤비메탈 묘기를 가볍게 두드린 것 같다"[101]고 썼습니다. 크림 비평가 레스터 뱅스(Lester Bangs)는 레드 제플린(Led Zeppelin)과 블랙 사바스(Black Sabsath)와 같은 밴드에 대한 1970년대 초 에세이를 통해 이 용어를 대중화시킨 것으로 알려져 있습니다.[102] 10년 동안, "헤비메탈"은 특정 비평가들에 의해 사실상 자동적인 다운으로 사용되었습니다. 1979년, 뉴욕 타임즈의 인기 음악 평론가 존 록웰은 그가 "헤비메탈 록"이라고 부르는 것을 "약물로 흐려진 정신을 위해 연주되는 잔인하게 공격적인 음악"[103]이라고 묘사했고, 다른 기사에서는 "백인 청소년들에게 어필하는 록 기본에 대한 조잡한 과장"이라고 말했습니다.[104]

블랙 사바스 드러머 빌 워드가 만든 "다우너 록"은 이 음악 스타일을 설명하는 데 사용된 초기 용어 중 하나였으며 사바스와 블러드록과 같은 행위에 적용되었습니다. 클래식 록 잡지는 퀘아루데스의 사용과 와인의 음용을 중심으로 한 다우너 록 문화를 묘사했습니다.[105] 이 용어는 나중에 "헤비메탈"로 대체될 것입니다.[106]

앞서 산성암으로도 알려진 무거운 사이키델릭암에서 부분적으로 '헤비메탈'이 등장하면서 '산성암'은 '헤비메탈'과 '하드락'을 혼용하는 경우가 많았습니다. "산암"은 일반적으로 무겁고 단단하거나 날 것의 사이키델릭 암석을 묘사합니다. 음악학자 Steve Waksman은 "애시드 록, 하드 록, 헤비 메탈의 구분은 어느 시점에서 결코 무의미할 수 없다"[107]고 말했고, 타악기 연주자 John Beck은 "애시드 록"을 하드 록과 헤비 메탈의 동의어로 정의했습니다.[108]

"산성암"을 제외하고, "헤비메탈"과 "하드락"이라는 용어는 종종 혼용되어 사용되어 왔습니다. 특히 1970년대 밴드를 논의할 때, 이 용어들이 대체로 동의어였던 시기입니다.[109] 예를 들어, 1983년판 롤링 스톤 백과사전은 다음과 같은 구절을 포함합니다: "공격적인 블루스 기반의 하드 록 스타일로 유명한 에어로스미스는 70년대 중반 미국 최고의 헤비 메탈 밴드였습니다."[110]

키스 베이시스트 진 시몬스(Gene Simmons)는 "'헤비 메탈'이라는 용어는 자멸적입니다. "저는 헤비메탈을 생각할 때 항상 엘프와 사악한 난쟁이, 사악한 왕자와 공주를 생각해왔습니다. 처녀와 사제의 많은 기록들은 진짜 금속 기록들이었습니다. Metallica의 금속이라거나 Guns N' Roses가 금속이라거나 Kiss가 금속이라고 생각하지 않습니다. 땅이 열리고 작은 난쟁이들이 용을 타고 나오는 것은 다루지 않을 뿐입니다! 알다시피, 나쁜 디오 레코드처럼."[111]

역사

전례: 1950년대부터 1960년대 후반까지

참고 항목: 블루스 록, 사이키델릭 록, 산성 록, 차고 록

왜곡이 심한 리프와 파워 코드를 중심으로 구축된 헤비 메탈의 전형적인 기타 스타일은 1950년대 초 조 힐 루이스, 윌리 존슨, 특히 팻 헤어와 같은 멤피스 블루스 기타리스트들에게 그 뿌리를 추적하고 있습니다.[112][113] 제임스 코튼의 〈Cotton Crop Blues〉(1954)와 같은 음반에 수록된 더 포악한 일렉 기타 사운드.[113] 다른 초기 영향으로는 1950년대 후반 링크 레이의 악기, 특히 "Rumble" (1958),[114] "Let's Go Trippin' (1961), "Misirou" (1962)를 포함한 딕 데일의 1960년대 초 서핑 록, 그리고 차고 록 표준이 된 킹스맨 버전 "Louie Louie" (1963) 등이 있습니다.[115]

The band Cream is shown playing on a TV show. From left to right are drummer Ginger Baker (sitting behind a drumkit with two bass drums) and two electric guitarists.
1968년 네덜란드의 텔레비전 프로그램인 Fanclub에서 공연중인 크림.

그러나 장르의 직접적인 혈통은 1960년대 중반부터 시작됩니다. 미국 블루스 음악은 그 시대의 초기 영국 락커들에게 주요한 영향을 미쳤습니다. 롤링 스톤스와 야드버즈와 같은 밴드들은 종종 템포를 빠르게 하는 고전적인 블루스 노래의 커버를 녹음함으로써 블루스 록을 발전시켰습니다. 그들이 그 음악을 실험하면서, 영국 블루스 기반의 밴드들, 그리고 그들이 영향을 준 미국 밴드들은 헤비 메탈의 특징이 될 (특히 크고 왜곡된 기타 소리) 것을 발전시켰습니다.[30] 킨크스는 1964년 히트곡 "You Really Got Me"로 이 사운드를 대중화하는 데 큰 역할을 했습니다.[116]

킨크스의 데이브 데이비스(Dave Davies) 외에도 더 후즈 피트 타운센드(The Who's Pete Townshend)와 야드버즈의 제프 벡(Jeff Beck)과 같은 다른 기타리스트들이 피드백을 실험하고 있었습니다.[117][118] 블루스 록 드럼 스타일이 주로 작은 키트의 단순한 셔플 비트로 시작된 반면, 드럼 연주자들은 점점 더 큰 소리를 내는 기타와 일치하고 듣기 위해 더 근육질적이고 복잡하며 증폭된 접근 방식을 사용하기 시작했습니다.[119] 보컬리스트들도 비슷하게 그들의 기술을 수정하고 증폭에 대한 의존도를 높였으며, 종종 더 양식화되고 극적으로 변했습니다. 순수한 음량, 특히 라이브 공연에서 더 후(The Who)의 "더 큰 마셜 월" 접근 방식은 후대의 헤비 메탈 사운드의 발전에 결정적이었습니다.[120]

이 크고 무거운 블루스 록과 사이키델릭 록, 산성 록의 조합은 헤비 메탈의 원래 기반의 대부분을 형성했습니다.[121] 사이키델릭 록의 변형 또는 하위 장르인 "애시드 록"은 특히 중금속과 그 발달에 영향을 미쳤습니다;[122] 애시드 록은 종종 사이키델릭 록의 더 무겁고, 더 시끄럽고, 더 단단한 변형 또는 사이키델릭 록 장르의 더 극단적인 면으로 정의되며, 종종 크고, 즉흥적이며, 심하게 왜곡됩니다. 기타 중심의 소리 애시드 록은 사이키델릭의 목가적인 측면보다는 사이키델릭 경험의 긍정적인 극단과 부정적인 극단 모두와 관련된 더 무거운 특성을 강조하면서 "가장 원시적이고 가장 강렬한" 사이키델릭 록으로 묘사되었습니다.[123] 더 목가적이거나 변덕스러운 팝 사이키델릭 록과 대조적으로, 13층 엘리베이터와 같은 미국의 애시드 록 차고 밴드들은 애시드 록으로 알려진 광란적이고, 더 무겁고, 더 어둡고, 더 정신병적인 사이키델릭 록 사운드를 전형화했는데, 이 사운드는 기타 리프, 증폭된 피드백, 그리고 기타 왜곡이 특징입니다. 특히 13층 엘리베이터의 사운드는 옐핑 보컬과 "가끔 디멘션된" 가사를 특징으로 했습니다.[124] 프랭크 호프만(Frank Hoffman)은 "사이키델릭 암석은 때때로 '산성 암석'으로 불리기도 한다"고 언급했습니다. 후자의 라벨은 1960년대 중반 차고-펑크 운동에서 발전한 두근거리고 단단한 록 변형에 적용되었습니다. 1968년 말 록이 더 부드럽고 뿌리 지향적인 소리로 되돌아가기 시작했을 때, 산성-록 밴드는 헤비 메탈 행위로 변형되었습니다."[125]

사이키델릭 록과 애시드 록을 블루스 록 장르와 결합시키는 데 가장 영향력 있는 밴드 중 하나는 영국의 파워 트리오 크림으로 기타리스트 에릭 클랩튼과 베이시스트 잭 브루스 사이의 유니슨 리프와 진저 베이커의 더블 베이스 드럼에서 거대하고 무거운 사운드를 이끌어냈습니다.[126] 그들의 첫 번째 두 LP인 Fresh Cream (1966)과 Disjraeli Gears (1967)는 미래의 헤비 메탈 스타일을 위한 필수적인 프로토타입으로 여겨집니다. Jimi Hendrix Experience의 데뷔 앨범인 Are You Experience (1967)도 영향력이 컸습니다. 헨드릭스의 비르투오식 기법은 많은 메탈 기타리스트들에 의해 모방될 것이며, 이 음반의 가장 성공적인 싱글 "Purple Haze"는 일부 사람들에 의해 최초의 헤비 메탈 히트곡으로 확인됩니다.[30] 1967년 첫 번째 앨범도 발매된 바닐라 퍼지는 "사이키델리아와 곧 헤비 메탈이 된 것 사이의 몇 안 되는 미국의 연결고리 중 하나"[127]라고 불리며 밴드는 초기 미국 헤비 메탈 그룹으로 꼽혀 왔습니다.[128] 바닐라 퍼지는 그들의 자작곡 데뷔 앨범에서 현대 히트곡들의 "크고 무겁고 느린 편곡"을 만들어 냈고, 이 곡들을 "에픽 비율"로 불어 넣었고, "세련되고 왜곡된 아지랑이에서 목욕"했습니다.[127]

1960년대 후반 동안, 아서 브라운과 같은 많은 사이키델릭 가수들은 많은 메탈 액트에 영향을 미친 이상하고, 연극적이며, 종종 끔찍한 공연들을 만들어 내기 시작했습니다.[129][130][131] 바닐라 퍼지와 야드버즈와 같은 초기 헤비 메탈 인플루언서들을 위해 문을 연 미국 사이키델릭 록 밴드 코벤(Coven)은 그들의 가사, 앨범 아트 및 라이브 공연에서 다크 사탄식 또는 오컬트 이미지를 사용하여 마법이나 블랙 매직의 수행자로 묘사했습니다. 코벤의 1969년 데뷔 앨범인 Witchcraft Destrouts Minds & Reaps Souls는 두개골, 검은 덩어리, 거꾸로 된 십자가, 사탄 숭배의 이미지를 특징으로 했으며, 앨범 아트워크와 밴드의 라이브 공연은 모두 나중에 헤비 메탈 문화에서 중요한 제스처가 된 뿔의 사인의 록 음악에 처음 등장했습니다.[132][133] 검은 안식일의 어둡고 무거운 소리는 곧 헤비메탈에 대한 코벤의 서정적이고 주제적인 영향력을 무색하게 했습니다.[132][133]

기원: 1960년대 후반과 1970년대 초반

Two performers from Steppenwolf are shown in an onstage performance. From left to right are an electric guitarist (only the instrument is shown) and singer John Kay, who is swinging the microphone.
슈테펜울프의 존 케이

비평가들은 누가 최초의 헤비 메탈 밴드로 생각될 수 있는지에 대해 의견이 다릅니다. 대부분의 사람들은 레드 제플린과 블랙 사바스를 칭찬하며, 미국의 평론가들은 레드 제플린을, 영국의 평론가들은 블랙 사바스를 지지하는 경향이 있지만, 많은 사람들은 두 사람 모두에게 동등한 공을 돌립니다. 레드 제플린, 블랙 사바스와 함께 헤비 메탈의 "불결한 삼위일체"로 간주되는 세 번째 밴드인 딥 퍼플은 1969년 말까지 헤비 메탈 방향을 잡을 때까지 많은 록 스타일 사이에서 변동했습니다.[134] 주로 미국인인 몇몇 평론가들은 아이언 버터플라이, 스테펜울프, 블루 치어, 또는 바닐라 퍼지를 포함한 다른 그룹을 헤비 메탈의 첫 주자로 주장합니다.[135]

1968년, 중금속으로 알려지게 될 소리가 합쳐지기 시작했습니다. 그 해 1월, 샌프란시스코 밴드 블루 치어는 에디 코크란의 클래식 "Summertime Blues"의 커버를 그들의 데뷔 앨범인 빈스버스 이럽툼의 일부로 발표했고, 많은 사람들은 그것을 첫 번째 진정한 헤비 메탈 녹음이라고 생각합니다.[136][137] 같은 달, 스테펜울프(Steppenwolf)는 "Born to Be Wild"라는 곡에서 오토바이를 묘사할 때 "Heavy Metal Thunder"를 언급하는 셀프 타이틀 데뷔 앨범을 발표했습니다. 7월, 리더가 페이지보다 앞서 야드버즈의 기타리스트였던 제프 벡 그룹은 데뷔 음반인 Truth를 발표했는데, 이 음반은 "역대 가장 녹고, 철조망이 쳐지고, 완전히 익살스러운 소음들"을 특징으로 하며, 수 세대에 걸쳐 메탈 악슬링어들의 입지를 다졌습니다.[138] 9월에, 페이지의 새로운 밴드인 레드 제플린은 덴마크에서 라이브 데뷔를 했습니다. (그러나 The New Yardbirds라고 불렸습니다.)[139] 11월에 발매된 비틀즈의 자작곡 더블 앨범에는 메이저 밴드가 발매한 곡 중 가장 많이 들리는 곡 중 하나인 "Helter Skelter"가 포함되어 있습니다.[140] 예쁜 것들의 록 오페라 S.F. 12월에 발매된 소로우는 "아재가 간다"와 "너를 본다"와 같은 "protot heavy metal" 노래들을 선보였습니다.[141][142] 아이언 버터플라이의 1968년 노래 "In-A-Gadda-Vida"는 산성암과 중금속[143] 사이의 전이나 산성암이 "헤비메탈"이 되는 전환점을 보여주는 사례로 묘사되기도 합니다.[144] 그리고 아이언 버터플라이의 1968년 앨범 In-A-Gadda-Vida와 블루 치어의 1968년 앨범 Vincebus Eurptum은 모두 중금속의 기초를 마련하고 산성암을 중금속으로 변화시키는 데 큰 영향을 미쳤다고 묘사되었습니다.[145]

이 반문화 시대에 디트로이트 차고 록 씬의 일부로 시작된 MC5는 헤비 메탈과 이후 펑크 음악 모두의 미래 사운드에 주요한 영향을 미치는 것으로 간주되는 원시적이고 왜곡된 스타일을 발전시켰습니다.[146][147] 스투지스는 또한 "I Wanna Be Your Dog"와 같은 곡들로 헤비 메탈과 나중에 펑크 사운드를 확립하고 영향을 미치기 시작했으며, 이 곡들은 두근거리고 왜곡된 헤비 기타 파워 코드 리프를 특징으로 합니다.[148] 핑크 플로이드는 지금까지 가장 무겁고 시끄러운 두 곡인 "Ibiza Bar"와 "The Nile Song"을 발표했는데, 그 중 후자는 "밴드가 녹음한 가장 무거운 곡 중 하나"로 간주되었습니다.[149][150] 킹 크림슨의 데뷔 앨범은 여러 비평가들에 의해 헤비 메탈로 여겨졌던 "21세기 정신분열증 환자"로 시작되었습니다.[151][152]

A colour photograph of the four members of Led Zeppelin performing onstage, with some other figures visible in the background. The band members shown are, from left to right, the bassist, drummer, guitarist, and lead singer. Large guitar speaker stacks are behind the band members.
1975년 1월 시카고 스타디움에서 공연한 레드 제플린

1969년 1월, 레드 제플린의 자작 데뷔 앨범이 발매되었고 빌보드 앨범 차트에서 10위에 올랐습니다. 7월에 레드 제플린과 그랜드 펑크 레일로드라고 불리는 크림에서 영감을 받았지만 더 조잡한 사운드를 가진 파워 트리오가 애틀랜타 팝 페스티벌을 연주했습니다. 같은 달, 레슬리 웨스트가 이끄는 또 다른 3인조 크림 그룹은 헤비 블루스 록 기타와 포효하는 보컬로 채워진 앨범인 마운틴을 발표했습니다. 8월에, 지금은 마운틴이라고 불리는 이 그룹은 우드스톡 축제에서 한 시간 동안 공연을 했고, 30만 명의 군중을 새로운 중금속 소리에 노출시켰습니다.[153][154] 클라이밍! 앨범에 수록된 마운틴의 초기 헤비 메탈 히트곡 "Mississippi Queen"은 특히 헤비 메탈의 길을 터준 것으로 유명하며 라디오에서 정기적으로 연주를 받은 최초의 헤비 기타 곡 중 하나였습니다.[153][155][156] 1969년 9월, 비틀즈는 "I Want You (She's So Heavy)"라는 곡을 수록한 앨범 애비 로드를 발매했는데, 이 곡은 헤비 메탈이나 둠 메탈에 대한 초기의 예 또는 영향력으로 인정받고 있습니다.[157][158] 1969년 10월, 영국 밴드 하이 타이드는 헤비 메탈 앨범인 Sea Shanties로 데뷔했습니다.[159][144]

레드 제플린은 페이지의 심하게 왜곡된 기타 스타일과 가수 로버트 플랜트의 극적이고 통곡하는 보컬로 이 신흥 장르의 중심적인 측면을 정의했습니다.[160] 더 지속적으로 무겁고 "순수하게" 메탈 사운드를 가진 다른 밴드들도 장르를 코드화하는 데 있어 마찬가지로 중요한 것으로 증명될 것입니다. 1970년 블랙 사바스(일반적으로 첫 번째 헤비 메탈 앨범으로 받아들여지는 블랙 사바스와 편집증(Paimatious)[161]과 딥 퍼플(Deep Purple in Rock)의 발매가 이와 관련하여 결정적이었습니다.[119]

버밍엄의 검은 안식일은 기타리스트 토니 옴미가 두 손가락 끝을 잃은 작업 사고로 인해 부분적으로 특히 무거운 소리가 났습니다.[162] 정상적으로 연주할 수 없었던 Iommi는 그의 기타를 쉽게 울리기 위해 조정해야 했고, 비교적 간단한 운지법으로 파워 코드에 의존해야 했습니다.[163] 시끄러운 공장과 금속 작업으로 가득 찬 제조업 도시 버밍엄의 황량하고 산업적이며 노동자 계급의 환경은 그 자체로 블랙 사바스의 무겁고 탁하고 금속성의 소리와 일반적인 중금속의 소리에 영향을 준 것으로 알려져 있습니다.[164][165][166][167]

딥 퍼플은 초창기에 스타일 간에 변동이 있었지만 1969년까지 보컬리스트 이안 길런과 기타리스트 리치 블랙모어가 밴드를 발전하는 헤비 메탈 스타일로 이끌었습니다.[134] 1970년 블랙 사바스와 딥 퍼플은 각각 "Paranoid"와 "Black Night"로 영국의 주요 차트 히트곡을 기록했습니다.[168][169] 같은 해, 두 개의 다른 영국 밴드가 헤비 메탈 모드로 데뷔 앨범을 발매했습니다. Uriah Heep with... 아주... UFO와 함께하는 UFO 1. 블러드록은 무거운 기타 리프, 거친 스타일의 보컬, 가학적이고 끔찍한 가사를 모은 그들의 셀프 타이틀 데뷔 앨범을 발표했습니다.[170] 영향력 있는 Budgie는 새로운 메탈 사운드를 파워 트리오 맥락으로 끌어들여 당시 가장 무거운 음악 중 일부를 만들었습니다.[171] 블랙 사바스와 우리아 히프가 사용한 오컬트 가사와 이미지는 특히 영향력이 있을 것입니다. 레드 제플린 또한 1971년에 발매된 4집 앨범으로 그러한 요소들을 전경화하기 시작했습니다.[172] 1973년, 딥 퍼플은 "Smoke on the Water"라는 곡을 발표했는데, 이 곡의 상징적인 리프는 보통 "Heavy Rock" 역사상 가장 인정받는 곡으로 여겨집니다.[173][174]

Three members of the band Thin Lizzy are shown onstage. From left to right are a guitarist, bass player, and another electric guitarist. Both electric guitarists have long hair.
Brian Robertson, Phil Lyott, Thin Lizzy의 Scott Gorham, 1977년 11월 24일 나쁜 평판 투어 공연

대서양 반대편에서는 그랜드 펑크 레일로드(Grand Funk Railroad)가 "1970년부터 1976년 해체될 때까지 가장 상업적으로 성공한 미국 헤비메탈 밴드"로 묘사되며, 70년대 성공 공식인 연속 투어를 수립했습니다.[175] 금속으로 확인된 다른 영향력 있는 밴드들은 볼티모어 경(Kingdom Come, 1970), 블루 외이스터 컬트(Blue 외이스터 컬트, 1972), 에어로스미스(Aerosmith, 1973), 키스(Kiss, 1974) 등 미국에서 나타났습니다. 1970년에 발매된 볼티모어 경의 데뷔 앨범과 험블 파이의 데뷔 앨범과 자칭 3집 앨범은 모두 "헤비메탈"이라고 인쇄된 최초의 앨범 중 하나였으며,[176][177][101][100] 1970년 롤링 스톤 잡지의 리뷰에서 "헤비메탈"이라는 용어로 언급된 "As Safe As Yesterday Is"가 있습니다. 뱅, 호세푸스, 리프 하운드, 프라임발, 하드 스터프, 트루스 앤 제이니, 더스트, JPT Surke Band, Frijid Pink, Cactus, Irish Coffee, May Blitz, 캡틴 비욘드, 두꺼비, 그라니쿠스, 아이언 클로, 그리고 어제의 아이들을 포함한 미국, 영국과 유럽의 다양한 작은 밴드들이 각각의 장면 밖에서는 덜 알려져 있지만, 새로운 금속 운동에 큰 영향을 미치고 있음이 입증되었습니다. 독일에서 스콜피언스는 1972년 Lonesome Crow로 데뷔했습니다. 딥 퍼플의 영향력이 큰 앨범 '머신 헤드(Machine Head, 1972)'로 거장 솔로로 떠오른 블랙모어는 1975년 밴드를 떠나 블루스 록 밴드 엘프의 가수 겸 베이시스트, 블랙 사바스와 헤비메탈 밴드 디오의 미래 보컬리스트 로니 제임스 디오와 함께 레인보우를 결성했습니다. Ronnie James Dio와 함께한 레인보우는 때때로 헤비 메탈에서 발견되는 신비롭고 판타지 기반의 가사와 주제를 확장하여 파워 메탈과 신고전주의 메탈을 모두 개척했습니다.[178] 이 밴드들은 또한 지속적인 투어와 점점 더 정교한 무대 쇼를 통해 관객을 구축했습니다.[119]

이 밴드들과 다른 초기 밴드들이 정말로 "헤비메탈"로 자격을 얻는지 아니면 단순히 "하드락"으로 자격을 얻는지에 대한 논쟁이 있습니다. 음악의 블루스 뿌리에 가깝거나 멜로디에 더 중점을 두는 사람들은 이제 일반적으로 후자의 레이블로 간주됩니다. 1975년 고전압으로 첫 선을 보인 AC/DC가 대표적인 예입니다. 1983년 롤링스톤 백과사전의 시작은 "호주의 헤비메탈 밴드 AC/DC..."[179]입니다. 록 역사가 클린턴 워커는 "70년대에 AC/DC를 헤비메탈 밴드라고 불렀던 것은 오늘날과 같이 부정확했습니다. [그들은] 우연히 금속이 들어갈 만큼 무거운 록 밴드였습니다."[180] 이 문제는 변화하는 정의 중 하나일 뿐만 아니라 음악 스타일과 관객 식별 사이의 지속적인 차이입니다. 이안 크리스테는 밴드가 어떻게 "수많은 하드 록 팬들을 헤비 메탈 버전으로 이끄는 디딤돌이 되었는지"에 대해 설명합니다.[181]

어떤 경우에는 토론이 거의 없습니다. 검은 안식일 이후, 그 다음 주요한 예는 1974년 로카 롤라로 데뷔한 영국의 유다 프리스트입니다. Christe의 설명에 따르면,

검은 안식일의 청중은... 유사한 영향을 주는 소리를 찾아내기 위해 남겨두었습니다. 1970년대 중반까지, 신화 속의 야수와 같은 헤비 메탈 미학이 씬 리지의 감성적인 베이스와 복잡한 듀얼 기타, 앨리스 쿠퍼의 무대 공예, 지글지글한 기타와 퀸의 현란한 보컬, 그리고 레인보우의 우레와 같은 중세 질문에서 발견될 수 있었습니다. 유다 프리스트는 하드 록의 소닉 팔레트에서 이러한 다양한 하이라이트를 통합하고 증폭하기 위해 도착했습니다. 처음으로, 헤비 메탈은 그 자체로 진정한 장르가 되었습니다.[182]

유다 프리스트는 1980년까지 미국에서 40위권 안에 들지 못했지만, 많은 사람들에게 사바스 이후의 확실한 헤비 메탈 밴드였습니다. 빠른 템포와 청초하지 않은, 더 깨끗한 메탈 사운드가 특징인 트윈 기타 공격은 이후의 활동에 주요한 영향을 미쳤습니다.[5] 헤비 메탈이 인기를 얻고 있는 반면, 대부분의 비평가들은 그 음악에 매료되지 않았습니다. 메탈의 시각적 스펙터클과 상업적 장치의 다른 과시적 요소에 대한 반대가 제기되었지만,[183] 주된 공격은 음악적이고 서정적인 공허함으로 인식되었습니다: 1970년대 초 흑인 안식일 음반을 검토한 로버트 크리스트가우는 이 음반을 "무미건조하고 퇴폐적이며, 우둔하고, 도덕적 착취"라고 묘사했습니다.[184]

주류: 1970년대 후반과 1980년대

Four members of Iron Maiden are shown in concert. From left to right are a bass guitarist and then three electric guitarists. All members shown have long hair.
영국 헤비메탈의 새로운 물결의 중심 밴드 중 하나인 아이언 메이든

펑크 록은 1970년대 중반에 헤비 메탈을 포함한 당시의 과몰입적이고 과잉 생산된 록 음악으로 인식되었을 뿐만 아니라 현대 사회적 조건에 대한 반작용으로 등장했습니다. 1970년대 후반 펑크, 디스코 그리고 주류 록에 직면하여 헤비 메탈 음반의 판매는 급격히 감소했습니다.[183] 펑크에 주요 레이블을 고정시킨 많은 새로운 영국 헤비 메탈 밴드들은 이 운동의 공격적이고 고에너지 사운드와 "로파이"에서 영감을 받아 직접 해보세요. 언더그라운드 메탈 밴드들은 작고 헌신적인 관객들에게 독립적으로 값싸게 녹음된 음반들을 내놓기 시작했습니다.[185]

1975년에 설립된 Motörhead는 펑크/메탈의 분열을 주도한 최초의 중요한 밴드였습니다. 1977년 펑크가 폭발하면서 다른 사람들도 뒤따랐습니다. NME와 사운즈와 같은 영국 음악 잡지들은 사운즈의 작가 제프 바튼이 이 운동을 "영국 헤비 메탈의 새로운 물결"이라고 명명하면서 주목했습니다.[186] 아이언 메이든, 색슨, 데프 레파드를 포함한 NWOBHM 밴드는 헤비 메탈 장르에 새로운 활력을 불어넣었습니다. 유다 프리스트와 모토르헤드가 세운 리드에 따라 그들은 사운드를 강화하고 블루스 요소를 줄였으며 점점 더 빠른 템포를 강조했습니다.[187]

1979년 블랙 사바스에 합류한 로니 제임스 디오(Ronnie James Dio)는 "이것은 중금속의 부활인 것처럼 보였습니다. "저는 중금속의 결핍이 있다고 생각해 본 적이 없습니다. – 하지만 저에게 있어서는 (레인보우 이후) 저를 쫓아올 사람들을 위해 길을 터주는 무언가에 관여할 수 있다는 것이 중요했습니다."[188]

1980년까지 NWOB는HM은 Motörhead 뿐만 아니라 Iron Magen과 Saxon의 앨범이 영국 톱 10에 진입하면서 주류에 진출했습니다. 비록 상업적으로 덜 성공적이지만, 베놈과 다이아몬드 헤드와 같은 NWOBHM 밴드는 금속의 발전에 중요한 영향을 미칠 것입니다.[189] 1981년, Motörhead는 라이브 앨범 No Sleep 'til Hammersmith'로 영국 차트에서 1위를 차지한 새로운 종류의 메탈 밴드 중 첫 번째가 되었습니다.[190]

1세대 금속 밴드는 각광을 받았습니다. 딥 퍼플은 1975년 블랙모어가 탈퇴한 후 곧 해체되었고, 레드 제플린은 1980년 드러머 존 본햄이 사망한 후 해체되었습니다. 검은 안식일은 내분과 약물 남용으로 몸살을 앓았고, 그들의 오프닝 밴드인 반 헤일런과의 치열한 경쟁에 직면했습니다.[191][192] 에디 반 헤일런(Edddie Van Halen)은 그 시대의 선두적인 메탈 기타리스트 중 한 명으로 자리매김했습니다. 1978년 앨범에 수록된 Eruception에 솔로로 참여한 것은 획기적인 사건으로 평가받고 있습니다.[193] 에디 반 헤일런의 소리는 1983년 2월 미국에서 1위를 차지한 마이클 잭슨의 "비트 잇" 트랙에 그의 기타 솔로가 실렸을 때 팝 음악으로 건너가기도 했습니다.[194]

밴 헤일런(Van Halen)의 성공에 영감을 받아 1970년대 후반 남부 캘리포니아(Southern California)에서 금속 장면이 개발되기 시작했습니다. L.A.의 선셋 스트립의 클럽을 기반으로, Mötley Crue, Quiet Riot, Ratt, W.A.S.P.와 같은 밴드들은 1970년대의 전통적인 헤비 메탈의 영향을 받았습니다.[195] 이러한 행위들은 글램 메탈이나 앨리스 쿠퍼나 키스와 같은 "헤어 메탈" 밴드의 연극(그리고 때로는 메이크업)을 포함했습니다.[196] 글램 메탈 밴드는 종종 길고 혹사당한 헤어스타일과 함께 때로는 크로스 젠더로 간주되는 옷장으로 시각적으로 구별되었습니다. 이 글램 메탈 밴드의 가사는 성적 표현과 마약 사용을 포함한 가사를 포함하여 쾌락주의와 거친 행동을 특징적으로 강조했습니다.[197] British Heavy Metal의 New Wave와 Judas Priest의 British Steel(1980)의 돌파구가 마련된 후, 1980년대 초, 헤비 메탈은 점점 인기를 끌게 되었습니다. 많은 메탈 아티스트들이 1981년부터 방영되기 시작한 MTV에서 받은 노출로 인해 혜택을 받았습니다. 한 밴드의 비디오가 채널에서 상영되면 종종 판매량이 급증했습니다.[198] Def Leppard의 Pyromania (1983) 비디오는 미국에서 그들을 슈퍼스타로 만들었고 Quiet Riot는 Metal Health (1983)로 빌보드 차트에서 1위를 차지한 최초의 국내 헤비 메탈 밴드가 되었습니다. 메탈의 인기가 높아지는 중요한 이벤트 중 하나는 1983년 캘리포니아에서 열린 US 페스티벌로 오지 오스본, 반 헤일런, 스콜피언스, 뫼틀리 크루에, 유다 프리스트 등이 출연한 "헤비 메탈 데이"가 3일간의 행사 중 가장 많은 관객을 끌어 모았습니다.[199]

1983년에서 1984년 사이에 미국에서 판매된 모든 음반에서 중금속이 차지하는 비중은 8%에서 20%[200]로 증가했습니다. 1981년 Kerrang!, 1984년 Metal Hammer를 포함한 이 장르에 전념하는 여러 주요 전문 잡지와 다수의 팬 저널이 창간되었습니다. 1985년 빌보드는 "메탈은 관객층을 넓혔습니다. 메탈 음악은 더 이상 남성 청소년들의 전유물이 아닙니다. 메탈 관객들은 (대학생) 나이가 많아졌고, (10대 이전) 더 젊어졌으며, 여성이 많아졌습니다."[201]

1980년대 중반까지 글램 메탈은 미국 차트, 음악 TV, 아레나 콘서트 서킷에서 압도적인 존재였습니다. L.A.'s Warrant와 East Coast의 Poison과 Cindella와 같은 새로운 밴드들이 주요한 인기를 끌었고, Mötley Crue와 Ratt는 여전히 매우 인기가 있습니다. 하드 록과 글램 메탈 사이의 스타일적인 차이를 메우며 뉴저지의 본 조비는 세 번째 앨범인 Sleeke When Wet (1986)으로 엄청난 성공을 거두었습니다. 비슷한 스타일의 스웨덴 밴드인 Europe는 타이틀곡이 25개국에서 1위를 한 The Final Countdown (1986)으로 국제적인 스타가 되었습니다.[202] 1987년, MTV는 헤비 메탈 비디오 전용 쇼인 Headbangers Ball을 시작했습니다. 그러나, 많은 언더그라운드 메탈 장면의 사람들이 더 극단적인 사운드를 선호하고 대중적인 스타일을 "라이트 메탈" 또는 "헤어 메탈"로 폄하하면서 메탈 관객들은 파벌을 만들기 시작했습니다.[203]

다양한 관객들에게 다가간 밴드 중 하나는 건즈 앤 로지스였습니다. L.A.에 있는 그들의 글램 메탈 동시대 사람들과 대조적으로, 그들은 훨씬 더 날 것이고 위험하다고 여겨졌습니다.[citation needed] 1987년, 그들은 차트 1위를 차지한 Petitude for Destruction을 발매하면서 "충전을 했고 거의 혼자서 몇 년 동안 선셋 스트립 슬레이징 시스템을 유지했습니다.[204] 이듬해, 제인스 어딕션은 같은 LA 하드록 클럽 씬에서 메이저 레이블 데뷔작인 Nothing's Shocking으로 등장했습니다. 롤링 스톤의 스티브 폰드는 이 앨범을 검토하면서 "현재 존재하는 어떤 밴드 못지않게 제인스 어딕션이 레드 제플린의 진정한 계승자"라고 선언했습니다.[205] 이 그룹은 앞으로 10년 안에 전면에 나올 "대체 금속" 트렌드로 처음 확인된 그룹 중 하나였습니다. 한편, 뉴욕의 윙어와 뉴저지의 스키드 로우와 같은 새로운 밴드들은 글램 메탈 스타일의 인기를 유지했습니다.[206]

기타 헤비메탈 장르: 1980년대, 1990년대, 2000년대

The drummer from the band Suicidal Tendencies, Eric Moore, is shown behind his drumkit. One hand is raised with the index finger and pinky extended.
크로스오버 스래쉬 밴드 자살 성향의 드러머 에릭 무어

1980년대에 크로스오버 [207]스래시와 같은 상업적 주류 밖에서 많은 중금속 하위 장르가 개발되었습니다. 지하 금속의 복잡한 세계를 지도로 만들기 위한 여러 시도가 있었는데, 특히 올뮤직의 편집자들과 비평가 게리 샤프 영에 의해 유명합니다. 샤프 영의 다권 금속 백과사전은 지하를 5개의 주요 범주로 구분하고 있습니다:[208] 스래시 메탈, 데스 메탈, 블랙 메탈, 파워 메탈 그리고 종말과 고딕 메탈의 관련 하위 장르.

1990년, 롤링 스톤지의 한 리뷰는 "헤비 메탈"이라는 용어가 "말도 안되게 모호하다"는 이유로 은퇴를 제안했습니다.[209] 기사는 이 용어가 "래트, 익스트림, 탄저병, 단치히, 마더 러브 본과 같은 다섯 밴드가 같은 소리라고 여전히 가정하는 로큰롤 거물들의 오해"를 부채질할 뿐이라고 말했습니다.[209]

스래시 메탈

상세정보 : 금속재질
The band Slayer is shown at concert. From left to right are an electric guitarist, a bass player (also singing), an electric guitarists, and a drummer. The first guitarist and bassist have long hair. The right-most guitarist has a bald head. The drummer has two bass drums.
2007년 스피커 스택 벽 앞에서 공연하는 스래쉬 메탈 밴드 슬레이어

1980년대 초 하드코어 펑크와 브리티시 헤비 메탈의 뉴 웨이브,[210] 특히 스피드 메탈로 알려진 곡들의 영향을 받아 스래시 메탈이 등장했습니다. 이 운동은 미국에서 시작되었는데, 베이 에어리어 스래시 메탈이 선두를 달리고 있습니다. 스래시 그룹이 개발한 사운드는 오리지널 메탈 밴드와 그들의 글램 메탈 후계자들보다 더 빠르고 공격적이었습니다.[210] 저음역 기타 리프는 일반적으로 파쇄 리드로 겹쳐집니다. 가사는 종종 허무주의적 견해를 표현하거나 본능적이고 고약한 언어를 사용하여 사회적 문제를 다루고 있습니다. 스래시는 "어반 마름병 음악"과 "랩의 창백한 사촌"의 한 형태로 묘사되어 왔습니다.[211]

이 하위 장르는 메탈리카, 탄저균, 메가데스, 슬레이어 등 "스래시 빅 4"에 의해 대중화되었습니다.[212] 크리터, 소돔, 디스트루션 등 독일의 세 밴드가 이 스타일을 유럽으로 가져오는 데 중심적인 역할을 했습니다. 샌프란시스코 베이 에어리어의 '성서와 출애굽기', 뉴저지의 '오버킬', 브라질의 '세풀투라와 사르코파고' 등도 큰 영향을 미쳤습니다. 비록 스래시 메탈이 언더그라운드 운동으로 시작되어 거의 10년 동안 대체로 그 상태를 유지했지만, 이 장면의 주요 밴드들은 더 많은 청중들에게 다가가기 시작했습니다. 메탈리카는 1986년 Master of Puppets로 빌보드 앨범 차트 40위권에 진입했는데, 이는 이 장르의 첫 번째 플래티넘 기록입니다.[213] 2년 후, 밴드의 앨범은... 그리고 모두를 위한 저스티스는 6위를 기록했고 메가데스와 탄저균도 미국 차트에서 40위 안에 들었습니다.[214]

슬레이어는 다른 빅 4보다 상업적으로 성공하지는 못했지만, 장르의 결정적인 기록 중 하나를 발표했습니다. Rign in Blood (1986)는 무거운 기타 음색을 통합하고 죽음, 고통, 폭력 및 오컬트에 대한 명시적인 묘사를 스래쉬 메탈의 서정성에 포함시킨 공로를 인정받았습니다.[215] 슬레이어는 극우 스킨헤드족 사이에서 추종자들을 끌어들였고, 폭력과 나치 테마를 조장한다는 비난이 밴드를 괴롭혔습니다.[216] 비록 슬레이어가 상당한 미디어 노출을 받지는 못했지만, 그들의 음악은 익스트림 메탈의 발전에 핵심적인 역할을 했습니다.[217]

1990년대 초, 스래시 메탈에서 출발한 밴드들은 메탈 주류에 도전하고 재정의하면서 획기적인 성공을 거두었습니다.[218] 메탈리카의 1991년 자칭 앨범은 빌보드 차트에서 1위를 차지했습니다.[219][220] 메가데스의 멸종 카운트다운(1992)은 2위로 데뷔했고,[221] 탄저균과 슬레이어는 10위권을 돌파했고,[222] 테스터먼트, 세풀투라 등 지역 밴드의 앨범이 100위권 안에 진입했습니다.[223]

데스메탈

상세정보 : 데스메탈
A man, Chuck Schuldiner, is shown on a dark shoreline. He has long hair, black pants and a black shirt, and a black leather jacket.
데스의 척 슐디너, "데스 메탈의 아버지로 널리 인정"[224]

스래시 메탈은 곧 진화하기 시작했고 더 극단적인 메탈 장르로 나뉘었습니다. MTV 뉴스에 따르면 "슬레이어의 음악은 데스 메탈의 증가에 직접적인 책임이 있습니다."[225] NWOBHM 밴드 베놈도 중요한 시조였습니다. 북미와 유럽의 데스 메탈 운동은 그러한 행위에 의해 사용된 신성모독과 악마주의의 요소를 채택하고 강조했습니다. 플로리다의 데스(Death), 샌프란시스코 베이 에어리어(San Francisco Bay Area)의 홀드(Hosened), 오하이오의 네크로파지아(Necrophagia[226])는 이 스타일에서 중요한 밴드로 인정받고 있습니다. 세 가지 모두 하위 장르의 이름에 영감을 준 것으로 인정됩니다. 특히 그들의 1984년 데모인 Death Metal과 1985년 데뷔 앨범인 Seven Churches에 수록된 "Death Metal"을 통해 그렇게 했습니다. 1980년대 말과 1990년대 초, 스웨덴의 데스 메탈이 주목을 받게 되었고 멜로디 형태의 데스 메탈이 탄생했습니다.[227]

데스 메탈은 스래시와 하드코어의 속도와 공격성을 모두 활용하며, Z 등급 슬래셔 영화 폭력과 사탄주의에 몰두한 가사와 융합되어 있습니다.[228] 데스 메탈 보컬은 일반적으로 음산하며, 내장적인 "죽음의 으르렁", 고음의 비명, "죽음의 산음"[229] 및 기타 흔치 않은 기술을 포함합니다.[230] 깊고 공격적인 보컬 스타일을 보완하는 것은 다운 튜닝된 심하게 왜곡된 기타와[228][229] 매우 빠른 타악기이며, 종종 빠른 더블 베이스 드럼과 "월 오브 사운드" 스타일의 블라스트 비트가 있습니다. 잦은 템포와 시간 시그니처 변경과 싱커페이션도 대표적입니다.[231]

데스 메탈은 일반적으로 스래시 메탈과 마찬가지로 이전 메탈 스타일의 연극을 거부하고, 대신 찢어진 청바지와 평범한 가죽 재킷을 선택합니다.[232] 이 규칙에 대한 한 가지 주요 예외는 데이사이드의 글렌 벤튼(Glen Benton)이었는데, 그는 이마에 거꾸로 된 십자가를 낙인찍고 무대에서 갑옷을 입었습니다. 병적인 천사는 신파시스트 이미지를 채택했습니다.[232] 이 두 밴드는 Death, Abituary와 함께 1980년대 중반 플로리다에서 등장한 주요 데스 메탈 씬의 리더였습니다. 영국에서는 네이팜 데스나 익스트림 노이즈 테러와 같은 밴드가 이끄는 그라인드코어의 관련 스타일이 아나코펑크 운동에서 나타났습니다.[228]

블랙메탈

상세정보 : 블랙메탈

1980년대 초중반 유럽에서는 영국의 베놈(Venom), 덴마크의 머시풀 페이트(Mercyful Fate), 스위스의 헬해머(Hellhammer)와 셀틱 프로스트(Celtic Frost), 스웨덴의 바토리(Bathory) 등이 검은 금속의 첫 물결을 일으켰습니다. 1980년대 후반, 메이헴과 버줌 같은 노르웨이 밴드들이 제 2의 물결을 이끌고 있었습니다.[233] 블랙 메탈은 대부분의 밴드가 비명을 지르고 으르렁거리는 보컬을 강조하지만, 고도로 왜곡된 기타는 빠른 트레몰로 픽킹, 어두운 분위기[230], 의도적으로 로파이(lo-fi) 제작으로 자주 연주되며, 종종 주변 소음과 배경 시스(his)가 있습니다.[234]

사탄 주제는 검은 금속에서 흔히 볼 수 있지만, 많은 밴드들이 고대 이교에서 영감을 받아 기독교 이전의 가치로 돌아가도록 촉진합니다.[235] 수많은 블랙 메탈 밴드들은 또한 "금속, 포크, 클래식, 일렉트로니카, 아방가르드의 가능한 모든 형태의 사운드를 실험"합니다.[229] 다크론 드러머 펜리즈(Fenriz)는 다음과 같이 설명했습니다: "그것은 제작, 가사, 그들이 옷을 입는 방식, 그리고 추하고 날 것이며, 암울한 것들을 만드는 것에 대한 헌신과 관련이 있었습니다. 일반적인 소리는 없었습니다."[236]

비록 Sarcófago와 같은 밴드들이 시체 페인트를 입었지만, 1990년까지 Mayhem은 그것을 정기적으로 입었습니다; 다른 많은 검은 금속 공연들도 그 모습을 채택했습니다. 바토리는 바이킹 메탈과 포크 메탈의 움직임에 영감을 주었고, 임모탈은 폭발적인 비트를 전면에 내세웠습니다. 스칸디나비아 블랙 메탈 씬의 일부 밴드는 1990년대 초에 상당한 폭력과 관련이 있으며 [237]메이헴과 버줌은 교회 화재와 관련이 있습니다. 죽음의 금속에 대한 상업적 과대 광고가 증가하면서 반발을 일으켰습니다. 노르웨이에서 시작된 스칸디나비아 금속 지하의 대부분은 상업적 금속 산업이 공동 채택하는 것에 저항하는 블랙 메탈 장면을 지지하기 위해 이동했습니다.[238]

1992년까지 독일, 프랑스, 폴란드를 포함한 스칸디나비아 이외의 지역에서 검은 금속 장면이 나타나기 시작했습니다.[239] 1993년 버줌의 바르그 비케르네스가 메이헴의 유러너스를 살해한 사건은 집중적인 언론 보도를 촉발했습니다.[236] 1996년경, 현장의 많은 사람들이 장르가 정체되고 있다고 느꼈을 때,[240] 부르줌과 핀란드의 베헤리트를 포함한 몇몇 주요 밴드들은 앰비언트 스타일로 이동했고, 심포니 블랙 메탈은 스웨덴의 티아마트와 스위스의 사멜에 의해 탐구되었습니다.[241] 1990년대 후반과 2000년대 초반, 노르웨이의 Dimmu Borgir와 영국의 Cradle of Filth는 블랙 메탈을 주류에 더 가깝게 만들었습니다.[242][243]

파워 메탈

상세정보 : 파워메탈
2010년 부에노스아이레스에서 공연중인 이탈리아 밴드 랩소디 오브 파이어

1980년대 후반, 파워 메탈 장면은 주로 죽음과 블랙 메탈의 가혹함에 대한 반응으로 합쳐졌습니다.[244] 북미에서는 비교적 언더그라운드 스타일이지만 유럽, 일본, 남미에서는 폭넓은 인기를 누리고 있습니다. 파워 메탈은 "청취자의 용기와 사랑스러움에 호소하는" 낙관적이고 서사적인 멜로디와 테마에 초점을 맞추고 있습니다.[245] 이 사운드의 원형은 독일의 헬로윈에 의해 1980년대 중후반에 설립되었는데, 그는 1987년과 1988년의 Keeper of the Seven Keys 앨범에서 파워 리프, 멜로디 접근법, 유다 프리스트와 아이언 메이든과 같은 밴드들의 고음의 "깨끗한" 창법과 스래쉬의 속도와 에너지를 결합했습니다. "현재 파워 메탈로 알려진 것의 음파 성분을 crystalliz[ing]"

스웨덴의 HammerFall, 영국의 DragonForce, 미국의 Ice Earth와 같은 전통적인 파워 메탈 밴드들은 고전적인 NWOBM 스타일에 빚진 소리가 분명합니다.[247] 미국의 Kamelot, 핀란드의 Nightwish, Stratovarius and Sonata Arctic, 이탈리아의 Rhapsody of Fire, 러시아의 Catharsis와 같은 많은 파워 메탈 밴드들은 때때로 오케스트라와 오페라 가수들을 고용하는 키보드 기반의 "교향적인" 소리를 특징으로 합니다. 파워 메탈은 브라질의 앙그라와 아르헨티나의 라타 블랑카 같은 밴드들이 인기 있는 일본과 남미에 강력한 팬층을 구축했습니다.[248]

파워 메탈과 밀접한 관련이 있는 프로그레시브 메탈은 러쉬나 킹 크림슨 같은 밴드의 복잡한 구성 방식을 채택하고 있습니다. 이 스타일은 1980년대 초중반 미국에서 퀸즈 ÿ쉬, 운명의 경고, 드림 시어터와 같은 혁신가들과 함께 나타났습니다. 진보적인 메탈 사운드와 파워 메탈 사운드의 혼합은 뉴저지의 심포니 X로 대표되는데, 그의 기타리스트 마이클 로미오는 요즘 가장 인정받는 파쇄기 중 한 명입니다.[249]

둠 메탈

상세정보 : 둠 메탈

1980년대 중반 캘리포니아의 Saint Vitus, Maryland의 The Concused, Chicago의 Trouble, 스웨덴의 Candlemass와 같은 밴드들과 함께 등장한 둠 메탈 운동은 속도에 대한 다른 메탈 스타일의 강조를 거부하고 음악을 크롤로 늦췄습니다. 둠 메탈은 초기 블랙 사바스의 서정적인 주제와 음악적 접근으로 그 뿌리를 추적합니다.[250] 멜빈은 또한 둠 메탈과 여러 하위 장르에 중요한 영향을 미쳤습니다.[251] 둠 메탈은 다른 많은 종류의 메탈에 비해 멜로디, 우울한 템포 및 분리된 분위기를 강조합니다.[252]

1991년 영국 밴드 대성당(Cathedral)의 데뷔 앨범인 'Forest of Equilibrium'의 발매는 둠 메탈의 새로운 물결을 촉발하는 데 도움을 주었습니다. 같은 기간 동안, 영국 밴드 파라다이스 로스트, 나의 죽어가는 신부, 아나테마의 죽음과 죽음의 퓨전 스타일은 유럽 고딕 메탈을 탄생시켰습니다.[253] 노르웨이의 비극과 트리스타니아 극장이 대표적인 이중 성악 편곡을 선보였습니다. 뉴욕의 Type O Negative는 그 스타일에 대한 미국의 견해를 소개했습니다.[254]

미국에서는 1980년대 후반에 둠 메탈과 하드코어 펑크를 혼합한 슬러지 메탈이 등장했습니다. 아이헤이트굿과 크로바는 루이지애나의 주요 슬러지 장면에서 선두주자였습니다. 다음 10년 초, 캘리포니아의 Kyus and Sleep은 초기 둠 메탈 밴드에서 영감을 받아 석재 메탈의 부상을 주도했고,[255] 시애틀의 Earth는 드론 메탈 하위 장르의 개발을 도왔습니다.[256] 1990년대 후반에는 로스앤젤레스에 기반을 둔 클래식한 스토너/둠 사운드와 선 오)와 같은 새로운 밴드가 탄생했습니다. 뉴욕 타임즈는 그들의 사운드를 "지진이 일어나는 가운데 있는 인디언 라가"에 비유했습니다.[252]

1990년대와 2000년대 초반의 하위 장르와 융합

자세한 정보: 대체금속, 랩금속, nu금속, NWOAHM, 공업금속, 그루브금속
A male singer, Layne Staley, performs onstage with Alice in Chains. He holds the microphone with both hands and his eyes are closed as he sings.
Alice in Chains의 Layne Staley, 1992년 공연, 얼터너티브 메탈로 확인된 가장 인기있는 공연 중 하나

헤비메탈의 북미 주류 독주 시대는 1990년대 초 너바나를 비롯한 다른 그루지 밴드의 등장으로 막을 내리며 얼터너티브 록의 대중적인 돌파구를 예고했습니다.[257] Grunge 행위는 헤비 메탈 사운드의 영향을 받았지만, 그들의 "현란하고 가상적인 솔로"와 "외모 중심의" MTV 지향과 같은 더 인기 있는 메탈 밴드의 과도한 요구를 거부했습니다.[206]

글램 메탈은 그루지의 성공뿐만 아니라 [258]메탈리카로 대표되는 공격적인 사운드와 판테라와 화이트 좀비의 포스트 스래시 그루브 메탈의 인기가 높아졌기 때문에 인기가 떨어졌습니다.[259] 1991년, 메탈리카는 밴드의 사운드를 스래쉬 메탈 장르에서 표준 헤비 메탈로 옮겨놓은 더 블랙 앨범으로도 알려진 그들의 앨범 메탈리카를 발표했습니다.[260] 이 음반은 RIAA로부터 16x 플래티넘 인증을 받았습니다.[261] 몇 개의 새로운 명백한 메탈 밴드들이 10년의 상반기 동안 상업적인 성공을 거두었습니다 – 판테라의 Far Beyond Driven은 1994년 빌보드 차트에서 1위를 차지했지만, "주류의 무미건조한 눈에는 메탈이 죽었다."[262] 몇몇 밴드들은 새로운 음악적 풍경에 적응하려고 노력했습니다. 메탈리카는 이미지를 쇄신했습니다: 밴드 멤버들이 머리를 자르고 1996년 제인스 어딕션 가수 페리 파렐이 설립한 얼터너티브 뮤직 페스티벌 롤라팔루자(Lollapalooza)의 헤드라인을 맡았습니다. 이것이 몇몇 오랜 팬들 사이에서 반발을 불러일으켰지만,[263] 메탈리카는 새로운 세기까지 세계에서 가장 성공적인 밴드 중 하나로 남아있었습니다.[264]

2010년 이탈리아 고딕 메탈 밴드 라쿠나 코일 공연

Jane's Addiction처럼, 헤비 메탈에 뿌리를 둔 1990년대 초 가장 인기 있는 그룹들 중 많은 것들이 "대체 메탈"이라는 포괄적인 용어에 속합니다.[265] Soundgarden과 같은 시애틀의 Grunge 장면의 밴드들은 "대체 록에서 헤비 메탈을 위한 장소"를 만든 것으로 인정받고 [266]있으며 Alice in Chains는 대체 메탈 운동의 중심에 있었습니다. 라벨은 다양한 스타일의 금속을 융합한 다양한 영역에 적용되었습니다. Faith No More는 그들의 얼터너티브 록 사운드를 펑크, 펑크, 메탈 그리고 힙합과 결합했습니다; 프리머스는 펑크, 펑크, 스래쉬 메탈 그리고 실험적인 음악의 요소들과 결합했습니다; 툴 믹스 메탈과 프로그레시브 록; Fear Factory와 같은 밴드들. Ministry와 Nine Inch Nails는 그들의 산업 사운드에 금속을 포함시키기 시작했습니다. 그리고 Marilyn Manson은 Alice Cooper에 의해 대중화된 종류의 충격 효과를 사용하면서 비슷한 경로를 밟았습니다. 그들은 응집력 있는 장면을 보여주지는 못했지만, 메탈 장르를 실험하려는 의지와 글램 메탈 미학에 대한 거부(마릴린 맨슨과 화이트 좀비의 무대 공예에서도 알트 메탈로 확인됨 – 부분적이긴 하지만 예외)로 인해 똘똘 뭉쳤습니다.[265] 얼터너티브 메탈의 스타일과 사운드의 혼합은 "금속이 외부 세계를 향해 열려있는 다채로운 결과"를 나타냅니다.[267]

1990년대 중후반 미국 메탈 그룹은 대체 메탈 밴드와 그들의 장르 혼합에 영감을 받아 새로운 물결을 일으켰습니다.[268] "nu metal"이라는 별명을 가진 슬립낫, 린킨 파크, 림프 비즈킷, 파파 로치, P.O.D., 콘, 디스터브드와 같은 밴드들은 종종 DJ와 랩 스타일의 보컬을 포함하여 데스 메탈부터 힙합까지 다양한 요소를 통합했습니다. 이 혼합물은 "팬컬쳐 메탈이 성과를 낼 수 있다"[269]는 것을 보여주었습니다. 누 메탈은 헤비 MTV 로테이션과 오지 오스본(Ozzbourne)의 1996년 오즈페스트(Ozzfest) 도입을 통해 주류의 성공을 거두었고, 이는 미디어에서 헤비 메탈의 부활에 대해 이야기하게 만들었습니다.[270] 1999년, 빌보드는 미국에 500개 이상의 금속 전문 라디오 쇼가 있다고 언급했는데, 이는 10년 전에 비해 거의 3배나 증가한 것입니다.[271] nu 메탈은 널리 인기가 있었지만 전통적인 메탈 팬들은 스타일을 완전히 수용하지 못했습니다.[272] 2003년 초, 콘이나 림프 비즈킷과 같은 몇몇 누 메탈 그룹들이 상당한 수준의 지지를 유지했지만, 이 운동의 인기는 점점 하락하고 있습니다.[273]

최근 스타일 : 2000년대 중후반, 2010년대, 2020년대

"New Metal"이 여기로 리디렉션됩니다. 비슷한 이름의 음악 장르는 nu 메탈을 참고하세요.
자세한 정보: 메탈코어, djent, deathcore, melodic metalcore, mathcore, NWOAHM

Metalcore, a hybrid of extreme metal and hardcore punk,[274] emerged as a commercial force in the mid-2000s, having mostly been an underground phenomenon throughout the 1980s and 1990s;[275] pioneering bands include Earth Crisis,[276][277] Converge,[276] Hatebreed[277][278] and Shai Hulud.[279][280] 2004년까지, 멜로딕 데스 메탈에 의해서도 영향을 받은 멜로딕 메탈 코어는 킬스위치 인게이지의 The End of Heartache와 Shadows Fall의 The War Within이 각각 21위와 20위로 빌보드 앨범 차트에 데뷔할 정도로 인기가 있었습니다.[281]

A color photograph of two members of the group Children of Bodom standing on a stage with guitars, drums are visible in the background. Both electric guitarists have "flying V" style guitars and they have long hair.
2007 마스터스 오브 록 페스티벌 공연하는 보돔의 아이들

메탈코어에서 한층 더 진화한 것은 더 딜린저 이스케이프 플랜, 컨버전스 및 프로테스트 더 히어로와 같은 밴드들에 의해 더욱 리드미컬하게 복잡하고 진취적인 스타일이 드러났습니다.[282] Mathcore의 주요 특징은 홀수 시간 서명을 사용하는 것이며 프리 재즈와 리듬적으로 비교 가능한 것으로 설명되었습니다.[283]

중금속은 특히 유럽 대륙에서 2000년대에도 여전히 인기가 있었습니다. 새로운 천년이 되자 스칸디나비아는 혁신적이고 성공적인 밴드를 생산하는 지역 중 하나로 부상했고 벨기에, 네덜란드 그리고 특히 독일이 가장 중요한 시장이었습니다.[284] 스칸디나비아와 북유럽은 이 지역의 사회적, 정치적 개방성으로 인해 다른 지역보다 금속 음악을 더 잘 받아들입니다.[285] 특히 핀란드는 "헤비메탈의 약속의 땅"이라고 종종 불렸는데, 그 이유는 전 세계 어떤 나라보다도 많은 인구 10만 명당 50개 이상의 금속 밴드가 있기 때문입니다.[286][287] 2003년과 2008년 사이에 독일 차트의 상위 20위 안에 여러 앨범을 올린 컨티넨탈 메탈 밴드는 핀란드의 칠드런 오브 보돔,[288] 노르웨이의 딤무 보르기르,[289] 독일의 블라인드 가디언[290], 스웨덴의 해머폴 등이 있습니다.[291]

2000년대에 데스코어로 알려진 익스트림 메탈 퓨전 장르가 등장했습니다. 데스코어는 데스 메탈, 하드코어 펑크 및 메탈코어의 요소를 통합합니다.[292][293] 데스코어는 데스 메탈 리프, 하드코어 펑크 브레이크, 데스 으르렁, 돼지 울음소리 같은 보컬과 비명 같은 특징을 가지고 있습니다.[294][295] 데스코어 밴드로는 화이트채플, 수어사이드 사일런스, 디스페이즈드 아이콘, 카르니펙스 등이 있습니다.[296]

"레트로 메탈"이라는 용어는 텍사스에 기반을 둔 더 소드, 캘리포니아의 하이 온 파이어, 스웨덴의 마법사[297], 호주의 울프 마더와 같은 밴드를 설명하는 데 사용되었습니다.[297][298] 검의 시대 (2006)는 블랙 사바스와 펜타그램의 작업에 많은 관심을 끌었고,[299] 마법사는 포크 록과 사이키델릭 록의 요소를 더했으며,[300] 울프마더의 2005년 데뷔 앨범에는 "Deep Purple-ish Organs"와 "Jimmy Page-worth Chordal Riffing"이 수록되었습니다. 금속의 점진적/슬러지 스타일을 연기하는 마스토돈(Mastodon)은 일부 비평가들에 의해 "미국 헤비 메탈의 새로운 물결"이라고 불리는 미국에서 금속 부흥에 대한 주장에 영감을 주었습니다.[301]

2010년대 초까지 메탈 코어는 록과 메탈을 넘어 장르의 신디사이저와 요소를 더 자주 통합하는 방향으로 발전하고 있었습니다. 첫 주 31,000장의 판매고를 올린 영국 밴드 애스킹 알렉산드리아의 앨범 '무모함과 집요함'과 첫 주 32,400장의 판매고를 올린 프라다의 2011년 앨범 '데드 쓰론'[302]은 빌보드 200 차트에서 [303]각각 9위와 10위에 올랐습니다. 2013년, 영국 밴드 브링 미 더 호라이즌은 그들의 네 번째 스튜디오 앨범인 셈피터널을 비평가들의 찬사를 받으며 발표했습니다. 이 앨범은 영국 앨범 차트 3위와 호주 1위로 데뷔했습니다. 이 앨범은 미국에서 27,522장이 팔렸고 빌보드 차트에서 11위를 차지하며 2015년 2위로 데뷔한 후속 앨범 That's the Spirit까지 미국에서 가장 높은 차트를 기록했습니다.

또한 2010년대에는 표준 프로그레시브 메탈의 스핀오프로 "djent"라고 불리는 메탈 스타일이 개발되었습니다.[304][305] 젠트 음악은 비르투오소 솔로와 함께 리듬적이고 기술적인 복잡성,[306] 심하게 왜곡되고 손바닥으로 움직이는 기타 화음, 싱코페이션된 리프[307] 및 폴리리듬을 사용합니다.[304] 또 다른 전형적인 특징은 확장된 7현, 8현 및 9현 기타를 사용하는 것입니다.[308] 디젠트 밴드에는 주변부, 테서랙트[309] 및 텍스처가 포함됩니다.[310]

싱어송라이터 포피, 그라임스, 그리고 사와야마 리나의 일렉트로 팝과 누 메탈의 융합은 2010년대 후반과 2020년대에 특히 그들의 각각의 앨범 I Disconsid, Miss Anthropocene 및 사와야마에서 이전 장르의 대중적이고 비판적인 부활을 목격했습니다.[311][312][313][314]

글로벌 도달 범위

메탈은 전 세계적으로 듣고 공연되는 등 세계적인 음악 장르로 인정받고 있습니다.[315][316] 라이나 도스는 그녀의 책 "여기서 뭐해?"에서 북미와 영국의 헤비 메탈 장면에서 흑인 여성 음악가와 팬들의 관점을 포함하여 인종차별의 다차원적인 요소들을 탐구했습니다. 그녀는 또한 그녀 자신의 경험에 대한 박사 논문 "자유는 자유롭지 않다: 인종과 표현(들)"을 근거로 하여 주류 장르에 비해 배제주의의 현장이면서 동시에 더 큰 표현의 자유를 위한 장소가 될 수 있는 공동체의 뉘앙스를 제시했습니다.[317] 뉴질랜드 마오리족 출신의 밴드 에이리언 웨폰리(Alien Weaponry)는 인종차별과 싸우는 한 가지 방법으로 헤비 메탈 음악을 홍보합니다.[318]

헤비메탈을 입은 여자들

2008년 여성 헤비메탈 밴드 키티 공연

여성들이 헤비메탈에 참여하는 것은 1960년대부터 시작되었는데, 보컬이자 코벤의 리더인 에스더 "징스" 도슨이 맡았던 역할을 보면 알 수 있습니다.[319][320][321] 다음 관련 이정표는 1973년 빅센의 전신인 제네시스가 탄생한 1970년대에 이루어졌습니다. 1975년에 여성 멤버들로 구성된 하드 록 밴드인 The Runaways가 설립되었고, 조안 제트와 리타 포드는 이후 성공적인 솔로 활동을 했습니다.[322] 1978년, 영국 헤비 메탈의 신파동이 일어나면서 밴드 걸스스쿨이 설립되었고 1980년, Motörhead와 Headgirl이라는 가명으로 협업했습니다. 1982년을 시작으로, "메탈 퀸"으로 불리는 도로 페슈는 유럽 전역에서 성공을 거두었고(1983년 스페인의[323] 산타와 같은 다른 여성 앞의 메탈 밴드를 만들어 스폰), 솔로 활동을 시작하기 전에 독일 밴드 워록을 이끌었습니다.[324] 1983년 또 다른 선구적인 헤비 메탈 가수 하마다 마리가 데뷔하여 1980년대부터 21세기까지 일본에서 큰 성공을 거두었습니다.[325] 1986년, 선구자적인 재배자 사비나 클라센이 이끄는 독일의 스래시 밴드 홀리 모세(Holy Moses)가 그들의 첫 번째 앨범을 발표했습니다.[326]

1994년, 리브 크리스틴은 노르웨이의 고딕 메탈 밴드인 Theatre of Tradage에 합류하여 남성 죽음의 으르렁과 대조되는 "천사 같은"[327] 여성 깨끗한 보컬을 제공했습니다. 1996년 핀란드 밴드 나이트위시(Nightwish)가 설립되어 타르야 투루넨(Tarja Turunen)의 보컬을 맡았습니다. 그 뒤를 이어 Halestorm, In This Moment, In This Moment, In Temptation, Arch Enemy 및 Epica 등과 같은 헤비 메탈 밴드를 이끄는 여성들이 더 많이 등장했습니다. 리브 크리스틴은 2004년 그래미 어워드 최우수 메탈 퍼포먼스 부문 후보에 오른 2004년 앨범 '크래들 오브 필스(Cradle of Filth)'의 타이틀곡 '님페타민(Nympetamine)'에 피처링으로 참여했습니다.[328] 2013년, 헤일스톰은 "Love Bites (So Do I)"로 최고의 하드 록/메탈 퍼포먼스 부문에서 그래미상을 수상했습니다.[329] 2021년, 지금 이 순간에 코드 오렌지와 포피는 모두 최고의 메탈 퍼포먼스 부문에 후보로 올랐습니다.[330]

1990년대/2000년대 여성 중심의 그룹들 중 가장 주목할 만한 것은 미국 밴드 에바네센스(Evanescence)로, 보컬 에이미 리(Amy Lee)가 이끌고 있으며, 보통 고딕 얼터너티브 메탈과 클래식 요소가 가미된 하드 록으로 묘사되는 음악 스타일을 특징으로 합니다.[331] 2003년에 발매된 그들의 첫 번째 앨범 폴른은 대중 음악계에 진입했고 전세계적인 현상이었습니다;[332] 그것은 밴드에게 두 번의 그래미 상을 안겨주었고 잠시 동안 그녀를 크리스티나 아길레라, 에이브릴 라빈, 비욘세와 같은 현대 팝스타들과 비슷한 수준의 명성으로 이끌었습니다.[333] 비록 그들의 후기 앨범이 비슷한 영향을 미치지는 않았지만, Evanescence는 여전히 2천만 장 이상의 음반을 판매하며 21세기에 가장 상업적으로 성공한 메탈 그룹 중 하나입니다.[334]

일본에서는 2010년대에 Destrous, Aldious, Mary's Blood, Cyntia, Lovebites 등 여성 메탈 밴드들의 붐이 일어났으며,[335][336] Babymetal의 주류적인 성공을 거두었습니다.[337]

가비 호프만과 샤론 오스본과 같은 여성들은 막후에서 중요한 관리자 역할을 맡아왔습니다. 1981년, 호프만은 돈 도켄의 첫 음반 거래를 도왔고,[338] 1981년 Accept의 매니저가 되었고, 밴드의 많은 스튜디오 음반에 "Deeffy"라는 가명으로 곡을 작곡했습니다. 보컬리스트 마크 토르니요(Mark Tornillo)는 호프만이 그들의 후기 앨범에서 작곡에 여전히 약간의 영향을 미쳤다고 말했습니다.[339] 오지 오스본의 아내이자 매니저인 오스본은 오즈페스트 음악 축제를 설립하고 Motörhead, Coal Chamber, Smashing Pumpkins, Electric Light Orchestra, Lita Ford, Queen 등 여러 밴드를 관리했습니다.[340]

성차별

대중매체와 학계는 오래전부터 헤비메탈을 성차별과 여성혐오로 몰아붙였습니다. 1980년대에, 부모 음악 자원 센터 (PMRC)와 부모 교사 협회 (PTA)와 같은 미국의 보수 단체들은 금속의 수사학과 이미지에 대한 공격을 형성하기 위해 반 여성 폭력에 대한 opted 의 관점을 공동으로 opted 했습니다. 2001년 로버트 크리스트가우(Robert Christgau)에 따르면, 메탈은 힙합과 함께 "반성적이고 폭력적인 성차별주의... 음악에서 현재"를 만들었다고 합니다.[342]

이러한 주장에 대해 메탈 프레스에서의 논쟁은 성차별을 정의하고 맥락화하는 것에 초점을 맞추고 있습니다. 힐은 "성차별로 간주되는 것을 이해하는 것은 복잡하고 성차별이 정상화될 때 팬들의 비판적인 작업이 필요하다"고 주장합니다. 그녀는 영국 여성 팬들의 인터뷰를 포함한 자신의 연구를 인용하여, 금속이 여성들에게 대체로 소홀한 문화에 동화되더라도 그들에게 해방감과 젠더리스를 느낄 수 있는 기회를 제공한다는 것을 발견했습니다.[341]

2018년 메탈 해머의 편집자 엘리노어 굿맨은 "메탈은 성차별 문제가 있나요?"라는 제목의 기사를 발표하여 베테랑 업계 사람들과 예술가들과 금속에 있는 여성들의 곤경에 대해 인터뷰했습니다. 어떤 사람들은 남성 상대로부터 직업적 존경을 받기 어려웠던 역사에 대해 이야기했습니다. 인터뷰에 응한 사람들 중에는 메탈 아티스트 로니 제임스 디오와 결혼하기 전에 음악 업계에서 레이블, 예약 및 법률 자격으로 일한 적이 있는 웬디 디오가 있었습니다. 그녀는 디오와 결혼한 후 직업적 명성이 아내로서의 부부 역할로 전락해 역량에 의문이 생겼다고 말했습니다. 세풀투라의 전 매니저이자 밴드의 전 프런트맨 맥스 카발레라의 아내인 글로리아 카발레라는 1996년부터 팬들로부터 여성 혐오 메일과 죽음의 위협을 받았다며 "여성들은 많은 쓰레기를 받아들입니다. 이 모든 #MeToo 일, 그들은 그것이 이제 막 시작되었다고 생각하나요? 동굴에 사는 사람들이 여자아이들의 머리채를 잡아채는 사진이 찍힌 이후로 그런 일은 계속되고 있습니다."[343]

메모들

  1. ^ 펄먼은 다음과 같이 말합니다. "기계적으로 히스테리한 청중은 기계적으로 히스테리한 소리와 일치합니다. 앨범의 두 번째 측면은 메탈 측면입니다. 가장 기계적인... 오늘날까지 확정적인 메탈 곡인 '엄마를 봤니, 아가야, 그림자 속에 서 있어?'는 히스테리적이고 긴장감이 넘칩니다. 엉성한 연기지만 결코 허당하지 않습니다. 세부적인 부분은 좋지 않지만 많은 긴장감이 있습니다. 그것은 기계적인 개념이자 실현입니다. (모든 금속 노래와 마찬가지로) 악기들과 믹의 목소리가 단단하고 날카로운 소리의 평면으로 촘촘하게 조직되어 있습니다. 청각 표면과 규칙적인 표면 평면의 구조, 평면적인 개념, 기계적인 규율의 산물, 퍼커시브 사운드의 기하학적 구성에 중점을 두고 있습니다."[96]

참고문헌

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서지학

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