일렉트로닉 댄스 음악

Electronic dance music

댄스 음악, 클럽 음악, 또는 단순히 [1]춤으로도 알려진 일렉트로닉 댄스 음악은 주로 나이트클럽, 레이브, 그리고 축제를 위해 만들어진 광범위한 타악 전자 음악 장르이다.일반적으로 DJ 믹스라고 불리는 매끄러운 선곡을 만드는 DJ에 의해 재생용으로 제작됩니다.[2]EDM 프로듀서는 라이브 PA라고 불리는 콘서트나 페스티벌에서 라이브로 음악을 연주하기도 합니다.

1980년대 후반과 1990년대 초에 떠들썩한 해적 라디오, PartyCrews, 언더그라운드 페스티벌, 클럽 문화에 대한 관심의 급증에 따라 EDM은 유럽에서 주류의 인기를 얻었다.그러나 미국에서는 뉴욕시, 플로리다, 중서부, 캘리포니아의 지역 장면 밖에서는 레이브 문화의 수용이 보편적이지 않았다. 일렉트로와 시카고의 하우스 음악은 유럽과 미국 모두에서 영향력이 있었지만 주류 미디어와 음반 산업은 여전히 레이브 문화에 대해 공공연히 적대적이었다.또한 EDM과 마약 문화 사이에는 인식된 연관성이 있었고, 이로 인해 주정부 및 도시정부들은 광란의 [3]문화의 확산을 막기 위한 법률과 정책을 제정하게 되었다.

그 후, 새 천년에 들어서면서, 특히 미국과 호주를 중심으로, 세계적으로 EDM의 인기가 높아졌습니다.2010년대 초까지, "전자 댄스 음악"이라는 용어와 "EDM"이라는 이니셜리즘은 미국 음악 산업과 음악 언론에 의해 미국 레이브 문화의 [3]재브랜딩을 위해 추진되었다.특정 EDM 브랜드를 만들려는 업계의 시도에도 불구하고, 이니셜리즘은 댄스 팝, 하우스, 테크노, 일렉트로, 트랜스 [4][5][6]등 다양한 장르와 각각의 하위 장르에 대한 포괄적 용어로 여전히 사용되고 있다.

역사

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하우스, 테크노, 댄스팝 등 다양한 EDM 장르가 지난 40년간 진화해 왔습니다.확립된 EDM 장르 내에서의 스타일적 변화는 하위 장르라고 불리는 것의 출현으로 이어질 수 있습니다.두 개 이상의 장르 요소가 결합된 하이브리드는 완전히 새로운 장르의 EDM의 [4]출현으로 이어질 수 있습니다.

전구체

참고 항목: P-Funk

1960년대 후반에 실버 애플과 같은 밴드들은 [7]춤을 위한 일렉트로닉 음악을 만들었다.이후 일렉트로닉 댄스 음악에 영향을 준 다른 초기 음악으로는 1960년대 후반에서 1970년대 [6]후반의 자메이카 더브 음악, 1970년대 후반의 이탈리아 프로듀서 조르지오 모로더의 신시사이저 기반의 디스코 음악, 1970년대 [5]중후반의 크라프트베르크와 옐로우 매직 오케스트라의 일렉트로팝 등이 있다.

더브

주요 기사:더브 음악
다음 항목도 참조하십시오.사운드 시스템(자마이칸)과 디제이(자마이칸)

저자 마이클 빌은 19681985년 발전한 뿌리 레게와 사운드 시스템 문화에서 비롯된 자메이카 음악인 두브 음악을 현대 일렉트로닉 댄스 [8]음악의 중요한 선구자 중 하나로 꼽는다.더브 제작은 리듬, 단편화된 서정적이고 멜로디적인 요소, 반향적인 [9]질감을 강조한 리믹스 레게 트랙이었다.이 음악은 실반 모리스, 킹 터비, 에롤 톰슨, 리 "스크래치" 페리, 그리고 [8]사이언티스트와 같은 스튜디오 엔지니어들에 의해 개척되었다.제작에는 테이프 편집과 사운드 프로세싱이 포함되었으며, Veal은 음악 콩크르테에 사용되는 기술에 필적한다고 간주했습니다.Dub 프로듀서는 스튜디오 믹싱 보드를 퍼포먼스 악기로 사용하여 기존의 멀티 트랙 레게 믹스를 즉흥적으로 해체했습니다.그들은 또한 보조 송신 라우팅을 [8]창의적으로 사용함으로써 리버브와 지연과 같은 공간적 효과를 예측했다.Roland Corporation에 의해 제조된 Roland Space Echo는 1970년대에 반향과 지연 [10]효과를 내기 위해 Dub 제작자들에 의해 널리 사용되었다.

King Tubby와 Lee "Scratch" Perry와 같은 선구자들을 더빙할 수 있는 제한된 전자 장비에도 불구하고, 리믹스 문화에 대한 그들의 실험은 음악적으로 [11]최첨단이었다.앰비언트 더브는 킹 터비와 다른 자메이카 사운드 아티스트에 의해 개발되었으며, DJ에서 영감을 받은 앰비언트 일렉트로닉스를 사용하여 드롭아웃, 에코, 이퀄라이제이션 및 사이키델 일렉트로닉 효과로 완성되었습니다.레이어드 기법이 특징이며 월드 뮤직, 딥 베이스 라인, 하모닉 [12]사운드의 요소를 통합했습니다.긴 에코 지연 등의 기술도 [13]사용되었습니다.

힙합

주요 기사:힙합 음악
참고 항목: 랩과 턴테이블리즘

힙합 음악은 1970년대부터 [citation needed]일렉트로닉 댄스 음악의 발전에 어느 정도 영향을 끼쳤다.자메이카 사운드 시스템 문화에서 영감을 받아 자메이카계 미국인 DJ Kool Herc가 [14]브롱크스에 대형 베이스 헤비 스피커를 도입했습니다.그의 정당들은 1973년 [14]뉴욕시 힙합 운동을 시작한 것으로 알려져 있다.DJ Kool Herc가 개발한 힙합 문화에서 인기를 끌었던 기술은 같은 음반을 두 개의 턴테이블에 번갈아, 그리고 트랙이 브레이크가 있는 지점에서 연주하는 것이었다.이 기술은 완전히 타진적인 브레이크의 루프를 수동으로 반복하기 위해 더 많이 사용되었고, [15]이후 브레이크 비트라고 불리게 되었습니다.

턴테이블리즘은 마쓰시타(현 파나소닉)[17]의 엔지니어 오바타 슈이치에 의해 다이렉트 드라이브 턴테이블의 [16]발명에 유래했다.1969년 마쓰시타는 SP-10으로 [18]출시했으며,[19] 이는 시장 최초의 다이렉트 드라이브 턴테이블이자 영향력 있는 테크닉스 시리즈 [18]턴테이블 중 첫 번째입니다.가장 영향력 있는 턴테이블은 1971년 마쓰시타의 오바타 슈이치( ob田 at一)가 개발한 테크닉스 SL-1200으로 [20]1972년 [16]시장에 출시됐다.1980년대와 1990년대에 힙합 DJ들은 턴테이블을 그들 자신의 권리에 맞는 악기로 사용했고 가상적인 사용은 [20]턴테이블리즘이라고 불리는 창의적인 연습으로 발전했다.

디스코

주요 기사:디스코
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1974년, 조지 맥 크래의 초기 디스코는 어린 롤랜드 리듬 머신 machine,[21]는 드럼을 사용할"록의 아기"의 하나였다의 기록을 쳤다.[22]와의 리듬 매크레이의"록의 아기"[23]와 티미는 토마스의"왜 우리는 함께 살 수 없어"(1972년)에 울려 퍼졌다 드럼 기계의 디스코 생산에 사용은 슬라이 앤드 더 패밀리 스톤의"가족 불륜"(1971년)에 의해 영향을 받았다.[24][22][23]디스코 프로듀서 Biddu 여러 디스코 노래들 1976년부터 1977년까지, 비는 숲에서"소울 Coaxing"(1977년)[26]과 동방 사람과 Futuristic Journey[27][28](1976년부터 1977년까지 기록된)(1976년)[25]"바이오닉 부기"포함한 신디사이저를 사용했다.[29]

도나 서머, 파리, 지구, 풍력, 화재, Heatwave, 마을 사람들처럼 참혹한 1970년대 후반 디스코 소리를 정의하는 것을 도왔다.조르조 모로 더 와 피트 Bellotte 1977년에 도나 서머에"나는 사랑 느껴라"를 생산했다.그것은 최초의 여성이 잘 알려 진 디스코 히트 완전히 합성 백업 트랙에 없다.다른 디스코 생산자, 가장 유명한 미국인 제작자 톰 몰턴,dub 음악(뉴욕시에 증가된 자메이카 이동과 1970년대에 왔다)에서 아이디어나 기술은 차지했던 과도한 스타일로 대안을 내놓 거머쥐었다.[30][31일]80년대 초 디스코 음악의 지지도는 급격히 미국에서 메이저 레코드 회사, 제작자들로부터 버려진 거절했다.유로 디스코는 넓은 주류 팝 음악계 안에 evolving을 계속했다.[32]

신스팝

주요 기사:Synth-pop
다음 항목도 참조하십시오.뉴 웨이브 음악, Electropop 최소한의 흔들리고, 시티 팝.

뉴 웨이브 music[37]의 사건이 처음 1970년대 후반과 주요 악기는 신시사이저 특징이 Synth-pop('synthesizer 대중의;[33]도 불리는 짧은 'techno-pop의)[34][35][36]은 있는 사람이다.그것은 1960년대와 1970년대 초반에 신시사이저의 진보적인 락, 전자, 아트록, 디스코, 그리고 크라프트베르크처럼 밴드 특히"크라우 트록"로 사용하 prefigured다.그것은 뚜렷한 장르로서의 일본과 영국의post-punk 시대에 1970년대 후반의년대 중반까지 누벨 바그의 부분이 일었다.

초기 신스팝의 선구자들로는 일본 그룹 옐로우 매직 오케스트라와 영국 밴드 울트라박스, 휴먼 리그, 베를린 블론즈가[citation needed] 있었다.휴먼 리그는 단음 신시사이저를 사용하여 단순하고 엄격한 사운드로 음악을 제작했습니다.1979년 게리 누만의 영국 싱글 차트 돌파 이후 1980년대 초반 신시사이저 기반의 사운드로 1970년대 후반의 일본이나 어둠 속의 오케스트라 기동, 데페체 모드, 에우리믹스 등의 신예 아티스트들이 대거 성공을 거두기 시작했다.일본에서는 옐로우 매직 오케스트라의 성공은 P-모델, 플라스틱, 히카슈와 같은 신스팝 밴드들에게 길을 열어주었다.저렴한 폴리폰 신시사이저의 개발, MIDI의 정의, 댄스 비트의 사용은 신스 팝을 위한 보다 상업적이고 접근하기 쉬운 사운드로 이어졌다.이것은 MTV의 부상과 함께 뉴 로맨틱 운동에서 스타일을 중시하는 행동들에 의해 채택되었고, 미국에서 많은 영국 신스팝 행동들(듀란 듀란과 스판다우 발레 포함)이 성공으로 이어졌다.

대중음악에서 디지털 샘플링과 루핑의 사용은 일본의 전자음악 밴드 옐로 매직 오케스트라(YMO)[38][39][40][41]에 의해 개척되었다.샘플링에 대한 그들의 접근은 소리의 파편을 잘라내고 [40]컴퓨터 기술을 이용하여 음악을 만드는 현대적 접근법의 선구자였다.'컴퓨터 게임/파이어크래커'(1978)는 마틴 데니 [42]멜로디를 삽입해 스페이스[43] 인베이더스의 비디오 게임 [42]사운드를 샘플링했다.테크노델릭(1981)은 주로 샘플과 [39][41]루프로 구성된 첫 번째 앨범으로서 대중음악에 디지털 샘플링의 사용을 도입했다.이 앨범은 도시바-EMI의 디지털 PCM-649 샘플러를 사용하여 제작되었으며, 무라타 겐지(村田ji [41][better source needed]y)는 YMO용으로 커스텀 제작되었으며, 1980년대 초 YMO[44] 관련 행위나 [45]로직 시스템 등 다른 일본 신스팝 아티스트의 샘플링에도 사용되었다.

1980년대 댄스 음악

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1980년대 일렉트로닉 댄스 음악의 출현은 특히 일본 롤랜드 주식회사의 새로운 전자 악기의 개발에 의해 형성되었다.Roland TR-808은 아프리카 밤바타아의 "Planet Rock"(1982)이 댄스 플로어에서 [47]큰 인기를 끈 이후 댄스 [46]음악의 진화에 특히 중요한 역할을 했다.크라프트베르크의 트랜스-유럽 익스프레스의 멜로디 라인도 수록한 이 트랙은 일렉트로닉 [48]댄스 음악과 마이애미 베이스, 디트로이트 테크노 등 하위 장르의 발전을 알렸으며 808을 "미래적 [49]사운드의 기본 요소"로 대중화했다.슬레이트에 따르면, "플래닛 록"은 808을 지도에 올리기 보다는 디스코 이후의 댄스 음악의 전 세계를 재편성했다"[50]고 한다.Roland TR-909, TB-303, Juno-60은 테크노, 하우스, [51][52][53]애시드 등의 일렉트로닉 댄스 음악에 비슷한 영향을 미쳤다.

디스코 후

주요 기사:디스코 후
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는"디스코"에 대한 중반에서 늦은 1979년 미국이 시카고에 소요 사태와 폭동 디스코 해체 Night,[13]"해체된"디스코 영감을 받은 음악의"근본적으로 다른"[14]이 E에 대한 시작된 지하 운동으로 알려진로 통한다기 시작했다 반박을 뒤에 등장한post-disco 시대ast Coast.[15] [Note 1] 이 새로운 장면은 주로 뉴욕 대도시 지역에서 볼 수 있었고 처음에는 디스코 문화의 과도한 상업화와 그에 따른 종말에 대응한 도시 현대 예술가들에 의해 주도되었다.등장한 사운드는 디스코, 더브 음악, 기타 장르의 일렉트로닉 측면인[18] P-Funk에서 비롯되었다.이 시기에 만들어진 음악 대부분은 디스코와 같이 싱글 중심의 [14]시장에 맞춘 것이었다.이 시기에 크리에이티브 컨트롤은 독립 음반 회사, 덜 확립된 프로듀서, 클럽 [14]DJ로 이동하기 시작했다.포스트 디스코 시대에 인기를 끌기 시작한 다른 댄스 스타일로는 댄스 팝,[19] [20] 부기,[14] 일렉트로, 하이엔알지, 이탈로 디스코, 하우스,[19] [21] [22] [23] [22] [24] [25] [26] [27]테크노 등이 있다.

일렉트로

주요 기사:일렉트로(음악)
일렉트로의 합성 프로그램 드럼 비트를 제공하는 악기는 Roland TR-808drum 기계입니다.

1980년대 초에 일렉트로(electro-funk의 줄임말)는 일렉트로팝, 펑크, 부기의 융합으로 등장했다.일렉트로펑크(electro-funk) 또는 일렉트로부기(electro-boogie)라고도 불리지만 나중에 일렉트로(electro)로 줄인 선구자로는 사카모토 류이치, 밤바타아, Zapp,[54] D [55]등이 있다.기차,[56] 그리고 신나몬.[56]초기 힙합과 랩이 크라프트베르크와 옐로우 매직 오케스트라와 같은 독일과 일본의 일렉트로팝의 영향과 결합되어 [57]일렉트로의 탄생에 영감을 주었습니다.일렉트로닉 사운드가 발전하면서 베이스 기타와 드럼과 같은 악기가 신시사이저로 대체되었고, 특히 롤랜드 TR-808과 야마하 [58]DX7을 상징하는 드럼 기계로 대체되었다.TR-808의 초기 사용에는 1980-1981년 옐로우 매직 오케스트라 트랙, 아프리카 밤바타아의 1982년 트랙 "Planet Rock", 마빈 게이의 1982년 곡 "Sexual Healing"[59] 등이 있다.1982년 프로듀서 아서 베이커는 아프리카 밤바타아와 함께 옐로우 매직 오케스트라의 영향을 받아 크래프트웍 샘플을 사용하고 TR-808이 공급하는 드럼 비트를 사용한 "Planet Rock"을 발매했다.플래닛 록은 그해 말 또 다른 획기적인 일렉트로 레코드인 "Nunk by Warp 9"가 그 뒤를 이었다.1983년 하심은 허비 핸콕에 영향을 준 '알-나피쉬(The Soul)'[54]로 일렉트로펑크 사운드를 만들어 같은 해 히트 싱글 '록킷'을 냈다.1980년대 초반은 전기의 주류를 이뤘다.작가 스티브 [60]테일러에 따르면 아프리카 밤바타아의 플래닛 록은 "이후 [60]모든 흥미로운 댄스 음악의 템플릿" 역할을 한다.

하우스 뮤직

주요 기사:하우스 뮤직
다음 항목도 참조하십시오.시카고 하우스, 차고 하우스, 딥 하우스

1980년대 초, 시카고 라디오와 클럽 디제이 론 하디, 프랭키 너클스 댄스 음악의 나이 든 디스코 기록(대부분 보고디스코와 Salsoul[61]트랙)을 포함한 다양한 스타일을 아프리카 Bambaataa,[62] 새로운 이탈로 디스코의 맨 Parrish, 젤리 빈과 베니테즈는, 아트가 비보이 힙합 음악과 같은 예술가들(펑크 선로를 연기한 핫 믹스 5jocks.구우세요 hurR, John Robie, 그리고 Kraftwerk와 Yellow Magic Orchestra의 일렉트로닉 팝 음악.어떤 사람들은 자신들이 좋아하는 노래를 직접 편집해서 릴 투 릴 테이프에 녹음했고, 때로는 효과, 드럼 기계, 그리고 다른 리드미컬한 전자 악기들에 섞이기도 했다.1984년 시카고 DJ 제시 손더스가 제작하고 빈스 로렌스가 공동 작곡한 최면 일렉트로닉 댄스곡 "On and On"은 롤랜드 TB-303 베이스 신시사이저, 미니멀 보컬, 롤랜드(특히 TR-808) 드럼 머신과 코그(특정 폴리 신시사이저)와 같은 초기 하우스 사운드의 주요 요소가 되었다.

"On and On"은 때때로 '퍼스트 하우스 레코드'[63][64]로 언급되기도 하지만, J.M. 실크의 "Music is the Key"(1985년)와 같은 그 무렵의 다른 사례들도 [65]인용되었다.하우스 음악은 뉴욕, 뉴어크, 디트로이트를 포함한 미국 도시들로 빠르게 퍼져 나갔고, 이 모든 도시들은 그들만의 지역 풍경을 발전시켰다.1980년대 중후반, 하우스 음악은 유럽과 남미, 호주의 주요 도시에서 [66]인기를 끌었다.Chicago House는 House Master Boyz의 "House Nation"과 The Rude Boy of House (1987년)와 같은 발매로 유럽에서 약간의 상업적 성공을 경험했다.이어 엠알알에스(1987년)의 펌프업 더 볼륨(Pump Up The Volume), 에스익스프레스(1988년), 콜드컷(1988년)의 닥터린 더 하우스(Doctorin' the House) 등 하우스에서 영감을 받은 음반들이 팝 차트에 올랐다.

Charanjit Singh's Synthising의 전자 계측 및 최소 배열: 디스코 스타일로 연주된 인도 라가스의 앨범 '텐 라가스 투 어 디스코 비트'(1982)는 신랄한 하우스 음악을 기대했지만 21세기 [67][68][69]재발견 이전에는 이 장르에 영향을 미치지 않았던 것으로 알려졌다.

테크노, 애시드 하우스, 레이브

주요 기사:테크노 앤 애시드 하우스
다음 항목도 참조하십시오.디트로이트 테크노, 일렉트로닉 바디 뮤직, 발레아릭 하우스, 세컨드 서머 오브 러브
Roland TB-303 : 산성주택에서 두드러지게 사용된 베이스라인 신시사이저.

1980년대 중반 스페인 이비자의 작은 발레아레스 섬에서 하우스 음악이 번성했다.발레아릭 사운드는 당시 섬에서 생겨난 음악의 정신으로, 오래된 비닐 록, 팝, 레게, 디스코 레코드와 '무엇이든 간다'는 자세가 어우러져 이비자는 약물에 의한 음악 [70]실험의 중심지가 되었다.레지던트 DJ 알프레도 피오리토가 발레아릭 하우스를 개척한 기억상실이라는 클럽이 그 [71]장면의 중심이었다.기억상실증은 유럽 전역에 알려졌고 1980년대 중후반에는 유럽 전역에서 [72]사람들을 끌어모았다.

1988년까지 하우스 음악은 유럽에서 가장 인기 있는 클럽 음악의 형태가 되었고, 같은 [73]해에 영국과 독일에서 주목할 만한 트렌드로 발전했다.영국에서는 영국령 아프리카 카리브해 사운드 시스템 씬을 중심으로 확립된 창고 파티 서브컬처가 댄스 뮤직만을 특집으로 하는 언더그라운드 애프터파티를 부채질했다.1988년 이비자의 DJ 알프레도와 관련된 발레아릭 파티 분위기는 대니 램플링과 폴 오켄폴드가 각각 Shoom과 Spectrum 클럽을 열었을 때 런던으로 옮겨졌다.두 곳 모두 산성주택의 대명사가 되었고, 이 기간 동안 MDMA가 파티약으로 유명해졌다.다른 중요한 영국 클럽에는 리즈의 Back to Basics, Shheffield's Leadmill and Music Factory, 그리고 Manchester의 The Hachienda가 포함되었는데, Mike Pickering과 Grame Park의 스팟인 Nude는 미국 언더그라운드 댄스 [Note 1][74]음악의 중요한 증명장이었다.하우스 앤 애시드 하우스의 성공은 처음에 시카고, 뉴욕, 그리고 북잉글랜드에 있는 소수의 하우스 뮤직 클럽들에 의해 지지를 받았고 디트로이트 클럽들이 [75]나중에 따라잡는 스타일인 디트로이트 테크노를 위한 길을 열었다.테크노라는 용어는 테크노라는 제목의 10개 레코드/버진 레코드 컴파일이 발매된 이후 처음 사용되었습니다. 1988년 [76]디트로이트의 댄스 사운드.

디트로이트의 첫 번째 작품 중 하나는 데릭 메이의 "Strings of Life"(1987년)로, 메이의 이전 발매작인 "Nude Photo"(1987년)[77]와 함께 1987-1988년 하우스 붐 기간 동안 유럽, 특히 영국과 독일에서 테크노의 인지도를 높이는 데 도움을 주었다.프랭키 너클스에 따르면 이 곡은 메이의 가장 잘 알려진 곡이 되었고, 이 곡은 "방금 폭발했다.사람들이 처음 들었을 때 어떤 힘과 에너지를 가졌는지 상상조차 할 수 없을 것 같았습니다.마이크 던은 베이스라인이 [78]없는 음반을 사람들이 어떻게 받아들일 수 있는지 모르겠다고 말합니다."영국 DJ 마크 무어에 따르면, "Strings of Life"는 런던 클럽을 찾는 사람들로 하여금 하우스를 받아들이도록 만들었다: "대부분의 사람들이 하우스 음악을 싫어했고 그것은 모두 희귀한 그루브와 힙합이었기 때문이다...머드 클럽에서 'Strings of Life'를 연주하고 바닥을 청소하곤 했어요.[79][Note 2]1980년대 후반까지 하우스, 애시드 하우스, 테크노에 대한 클럽 현장의 관심이 높아졌고, 영국에서 새벽 2시 폐점 시간에 직면한 MDMA에 의해 운영되는 클럽을 찾는 사람들은 밤샘 창고 파티에서 시간 외 피난처를 찾기 시작했다.1989년 여름, 1년 만에, 한 번에 25,000명의 사람들이 상업적으로 조직된 지하 파티에 참석했습니다.[1]

1990년대 댄스 음악

참고 항목: 프로그레시브 하우스, 테크 하우스, 미니멀 테크노, 트랜스 음악, 인텔리전트 댄스 음악, 유로댄스, 게토 하우스, 하드코어(일렉트로닉 댄스 음악 장르), 빅 비트 및 디지털 하드코어

무아지경

주요 기사:무아지경 음악
다음 항목도 참조하십시오.고아 무아지경, 사이키델릭 무아지경, 프로그레시브 무아지경 및 업리프팅 무아지경

트랜스는 1980년대 후반 영국의 광란의 장면에서 벗어나 1990년대 초반 독일에서 더욱 발전한 후 [citation needed]테크노와 하우스에서 보다 선율적인 분파로 유럽 전역으로 퍼져나갔다.유럽에서 트랜스 음악이 발전하는 동시에 인도 [81]고아주에서도 그 장르가 팬을 모으고 있었다.보컬이 섞일 수 있지만, 트랜스는 대부분 악기이다.일반적으로 메조소프라노가 소프라노 여성 솔리스트에게 연주하며, 종종 전통적인 운절/합창 구조가 없다.트랜스 음악에서 구조화된 보컬 형식은 "거창하고, 치솟고, 오페라적" 그리고 "신화들 사이에 떠다니는 영원한 여성 리드"[82][83]로 묘사된 보컬 트랜스 하위 장르의 기초를 형성합니다.무아지경 음악은 산성 무아지경, 클래식 무아지경, 하드 무아지경, 프로그레시브 [84]무아지경,[84][citation needed] 업라이프 무아지경 등 여러 하위 장르로 나뉩니다.Uplifting 무아지경 또한"anthem 무아지경","서사 시 무아지경"[84]"상업적 무아지경","경기장 무아지경", 또는"그야말로 무아지경"[85]로 그리고 강하게 클래식 음악으로 1990s[84]과 2000년대에 페리 Corsten, 아민 반 Buuren, 티에스토, 푸쉬, 랭크 1과 하위"o.의 발전으로 현재와 같은 유명한 예술가들에 의해 영향을 받게 알려졌다마rchestralAndy Blueman, Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone & Simon O'Shine 등의 아티스트에 의한 "심포닉 오케스트라와 함께 하는 업라이프팅 트랜스" 또는 "업리프팅 트랜스"입니다.Uplifting Trance와 밀접한 관련이 있는 것은 매우 상업화된 유럽의 다양한 댄스 음악의 총칭이 된 유로트랜스입니다.몇몇 하위 장르는 다른 주요 전자 음악 장르와 교차합니다.예를 들어 테크 트랜스는 트랜스(Trace)와 테크노(Techno)가 혼합된 것이고 보컬 트랜스는 "[트랜스의] 진보적인 요소와 [84]팝 음악을 결합한 것"이다.드림트랜스 장르는 1990년대 중반 그 인기가 로버트 마일즈가 주도하면서 시작되었다.

All Music은 프로그레시브 트랜스에 대해 다음과 같이 말하고 있습니다.「트랜스 관객의 프로그레시브 윙은, 보다 상업적이고 차트 지향적인 사운드로 직결되었습니다.애초에 트랜스는 차트 액션을 그다지 즐기지 않았기 때문입니다.유로댄스나 하우스의 부드러운 사운드(때로는 Bascel Jaxx보다 Jean-Michel Jarre를 연상시키는 경우도 있음)를 강조하면서 프로그레시브 트랜스는 밀레니엄이 끝날 무렵에 세계 댄스 플로어의 사운드가 되었습니다.비평가들은 예측 가능한 고장과 비트믹스에 대한 상대적인 기술 부족에 초점을 맞추는 것을 비웃었지만 진보적인 무아지경은 가장 인기 있는 [86]DJ에게 짓밟혔다고 말했다.

브레이크비트 하드코어, 정글, 드럼, 베이스

주요 기사 : 정글 음악, 드럼 앤 베이스, 브레이크 비트 하드코어
다음 항목도 참조하십시오.드럼 앤 베이스, 영국 차고, 브레이크 비트, 브레이크 코어의 역사

1990년대 초, 미국 주택과 테크노와는 다른 정체성을 가진 레이브 장면에서 음악 스타일이 발전했다.이전의 힙합과 매우 흡사한 이 음악은 싱크로페이트 비트나 브레이크 비트, 다양한 음악 장르의 다른 샘플, 그리고 때로는 영화나 텔레비전 프로그램의 음악, 대화, 효과 샘플을 조합했다.하우스나 테크노와 같은 초기 스타일의 댄스 음악에 비해, 소위 '레이브 음악'은 베이스 사운드를 강조하고 더 빠른 템포, 즉 BPM을 사용하는 경향이 있었다.이 하위 장르는 하드코어 레이브라고 알려졌지만 1991년부터는 무거운 베이스라인과 오래된 자메이카 음악의 샘플이 들어간 이 높은 템포의 브레이크 비트로 구성된 일부 음악 트랙을 "정글 테크노"라고 불렀고, 잭 스무드와 지하 레코드의 영향을 받은 "정글"이라는 장르로 나중에 "정글"로 불리게 되었고, 이는 별도의 음악으로 인식되었다.영국의 해적 라디오와 레이브에서 인기 있는 칼 장르.드럼과 베이스의 역사를 논할 때 주목해야 할 것은 정글 이전에 레이브 음악이 점점 더 빠르고 실험적으로 변했다는 것이다.

1994년까지, 정글은 주류의 인기를 얻기 시작했고, 종종 정글리스트라고 불리는 음악의 팬들은 청소년 하위 문화에서 더 눈에 띄는 부분이 되었다.이 장르는 래그가무핀 사운드, 댄스홀, MC 구호, 더브 베이스라인, 점점 더 복잡하고 심하게 편집되는 브레이크 비트 타악기 등 다양한 기존 음악 장르의 요소를 통합하고 융합하면서 더욱 발전했다.황홀한 광란의 장면과의 제휴에도 불구하고, 정글은 또한 영국의 힙합 장면에 영향을 준 갱 문화로부터 폭력과 범죄 활동과의 관련성을 물려받았고, 정글의 종종 공격적이거나 위협적인 소리와 폭력의 주제(보통 샘플 선택에 반영됨)의 결과이기도 했다.하지만, 이것은 런던에서 널리 퍼진 광경과 댄스홀 기반의 자메이카 음악 문화의 일부로서 종종 긍정적인 평판과 함께 발전했다.1995년까지, 이러한 문화적 분열에 대한 반작용이든, 혹은 이와는 별개로든, 일부 정글 제작자들은 래가 영향을 받은 스타일에서 벗어나 편의를 위해 드럼과 [87]베이스로 집단으로 분류되는 것을 만들기 시작했다.

21세기의 댄스 음악

참고 항목: 베이스 음악, 크렁크, 트랩 음악, 트랩 음악(EDM), 풋워크(장르), 일렉트로클래시, 하드스타일, Moombahton 및 마이크로젠레스

두브스텝

주요 기사:두브스텝

Dubstep은 1990년대 후반 런던 남부에서 시작된 일렉트로닉 댄스 음악 장르이다.이것은 일반적으로 눈에 띄는 서브베이스 주파수를 포함하는 베이스 라인과 함께 희박하고 동기화된 리듬 패턴으로 특징지어진다.그 스타일은 2단계, 더브 레게, 정글, 브레이크 비트, 더미 [88][89]등 관련된 스타일의 계보를 그리며 영국 차고지의 분파로 떠올랐다.영국에서 이 장르의 기원은 1980년대 [89][90]초 자메이카 사운드 시스템 파티 장면의 성장으로 거슬러 올라갈 수 있다.

가장 먼저 알려진 덥스텝 릴리즈는 1998년으로 거슬러 올라가며, 보통 2단계 차고 싱글 릴리즈의 B-사이드로 등장했습니다.이 트랙들은 보컬에 대한 강조가 적은 더 어둡고 실험적인 리믹스곡이었고, 브레이크 비트와 드럼과 베이스의 요소를 2단계로 통합하려고 시도했다.2001년 런던의 나이트클럽 플라스틱 피플(Plastic People)에서 다크 개러지 음악의 다른 변종들이 소개되고 홍보되기 시작했고, 이는 덥스텝 개발에 영향을 미친 것으로 간주되었다.음악 장르를 지칭하는 "dubstep"이라는 용어는 2002년경 빅 애플, 탄약, 템파 등의 레이블에서 사용되기 시작했고, 이 시기에 이러한 리믹스를 만들 때 사용된 스타일적 트렌드가 더욱 두드러지기 시작했고, 2단계와 [91]더러움과는 구별되기 시작했다.

일렉트로 하우스

주요 기사:일렉트로 하우스

일렉트로 하우스는 두드러진 베이스라인 또는 킥 드럼과 분당 125에서 135비트 사이의 템포로 특징지어지는 하우스 음악의 한 형태이다.[92][93][94]그것의 기원은 [citation needed]전기의 영향을 받았다.이 용어는 Dimitri Vegas & Like Mike, Hardwell, 스크릴렉스,[95][96] Steve Aoki를 [97]포함한 많은 DJ Mag Top 100 DJ의 음악을 설명하기 위해 사용되어 왔습니다.이탈리아 DJ 베니 베나시는 2002년 트랙 'Satisfaction'을 발표하면서 일렉트로 하우스를 주류로 [98]만든 선구자로 평가받고 있다.2000년대 중반, 일렉트로 하우스는 2005년 스튜디오 B의 I See Girls의 Tom Neville 리믹스(영국 #11)와 같은 히트곡으로 인기를 끌었다.2006년 11월, 일렉트로 하우스 트랙인 Fedde Le Grand와 D의 "Put Your Hands Up For Detroit"이 수록되었습니다. Bodyrox와 Luciana의 "Yeah Yeah"의 라미레스 리믹스는 영국 싱글 차트 40위권에서 [99]각각 1위와 2위를 차지했다.그 후, 피드미, 나이프 파티, 엠 머신, 포터 로빈슨, 나카타[100] 야스타카, 다다 라이프등의 일렉트로 하우스 프로듀서가 등장.

트랩 음악(EDM)

주요 기사:트랩 음악(EDM)

트랩 뮤직(EDM)은 테크노, 덥, 더치 하우스에서 유래했지만 2000년대 후반과 2010년대 초반의 서던 힙합에서도 유래했다.트랩 음악의 이러한 형식은 다음과 같은 3가지 기능으로 심플화할 수 있습니다: "1/3 힙합(템포와 곡 구조는 유사하며, 대부분의 트랙은 보통 70~110 bpm 사이입니다)" – 보컬은 때때로 음이 낮아지고, 1/3 댄스 음악 – 고음의 네덜란드 신스 작업, 하드 스타일 샘플링, 인기 있는 EDM 노래의 수많은 트랩 리믹스 및 1/3 더빙입니다.(저주파 초점, 노래 전체의 반복성 강조)[101]2014년에 발매된 "Core"와 "Scyla"의 RL Grime, 2015년에 발매된 "Hdynation Radio" 앨범의 Flosstradamus, 2012년에 [101]발매된 "Turn Up"의 Carnage와 같은 다른 여러 곡들과 함께 이 장르를 대중화한 아티스트들 중 일부는 프로듀서 지망생이다.이 함축된 트랩 음악은 더럽고 공격적인 비트를 만들어내며 "어두운 멜로디"를 만드는 "영혼 싱스, 808s, 팬 플루트, 날카로운 올가미, 길고 시럽이 섞인 모음"으로 특징지어졌습니다. 트랩은 현재 [102][101]리믹스로 주로 사용됩니다.

용어.

1980년 영국의 프로듀서 리처드 제임스 버지스와 그의 밴드 조경은 싱글 "European Man"의 소매에 "Electronic Dance Music...EDM: 듣는 즐거움을 위해 완벽하게 프로그램된 컴퓨터입니다."New Romantic Burgess라는 용어를 만든 것에 대한 질문에 대해, "처음에는 퓨처리스트, 일렉트로닉 댄스 뮤직, 그리고 새로운 로맨틱이라는 [103][104]세 가지 용어를 사용했습니다."

저널리스트 사이먼 레이놀즈는 가디언지에 기고한 글에서 2000년대 후반 미국 음악업계가 EDM이라는 용어를 채택한 것은 미국의 "레이브 문화"를 재브랜딩하고 1990년대의 레이브 장면과 차별화하기 위한 시도였다고 지적했다.MixMag 기사에서 "미국을 정복한 한 방울 무겁고, 경기장을 가득 채우고, 주먹으로 뛰며, 차트 1위를 달리고, 대규모 상업적인 메인 스테이지 사운드..."라고 묘사되는 등 일렉트로닉 음악의 시대로 묘사되고 있다.아마도 마이클 베이가 지휘하는 일렉트로와 프로그레시브 하우스 사이 어딘가에서, 그리고 많은 음악 장르와 마찬가지로, 정확히 그것을 집어내려고 하는 것은 한 주먹의 물을 움켜쥐려고 하는 것과 같습니다."[105]영국에서는 '댄스 뮤직' 또는 '댄스'[4]가 EDM을 가리키는 더 일반적인 용어입니다.「클럽 음악」이라고 널리 인식되고 있는 것은, 시간이 지남에 따라 변화하고 있습니다.그것은 다른 장르를 포함하고 있어 EDM을 항상 포함하지는 않을 수도 있습니다.또, 「일렉트로닉 댄스 음악」은, 사람에 따라 다른 의미를 가질 수도 있습니다."클럽 음악"과 "EDM"은 둘 다 모호해 보이지만, 이 용어들은 종종 구별되고 관련이 없는 장르를 가리킵니다(클럽 음악은 인기 있는 것에 의해 정의되는 반면, EDM은 음악적 특성에 [96]의해 구별됩니다).빌보드는 1974년에 "댄스" 차트를 발표했지만, 미국의 큰 음악 산업은 1990년대 [93]후반까지 음악 차트를 만들지 못했다.1995년 7월, 신경 레코드와 프로젝트 X 매거진은 첫 번째 시상식을 "일렉트로닉 댄스 뮤직 어워드"[Note 4]라고 부르며 주최했다.

생산.

컴퓨터, 오디오 인터페이스 및 다양한 MIDI 계측기를 사용하여 EDM을 제작하기 위한 일반적인 홈 스튜디오 설정입니다.

일렉트로닉 댄스 음악은 일반적으로 MIDI 프로토콜을 사용하여 샘플러, 신시사이저, 이펙트 유닛 및 MIDI 컨트롤러와 같은 특수 장비가 설치된 녹음 스튜디오에서 작곡 및 제작됩니다.초기에는 하드웨어 전자악기가 사용되었고 오디오 신호를 조작하는 것이 아니라 MIDI 데이터를 조작하는 데 주안점을 뒀다.1990년대 후반부터 소프트웨어의 사용이 증가했다.현대의 전자 음악 제작 스튜디오는 일반적으로 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)을 실행하는 컴퓨터와 소프트웨어 신시사이저 및 효과 장치 등의 다양한 플러그인이 설치되어 MIDI 키보드와 같은 MIDI 컨트롤러로 제어됩니다.일반적으로 이 셋업으로 전체 프로덕션을 완료하고 마스터할 [106]수 있습니다.

유령 제작

고스트 프로듀서는 사업상 고용된 음악 프로듀서로,[107] 다른 DJ/아티스트의 곡을 자신의 것으로서 발매합니다.일반적으로, 그들은 [108]그 곡의 담당자로서의 자신을 특정할 수 없는 계약 하에입니다.유령 생산자와 종종 명예의 강한 압력과 국제적으로 인정 되DJ.[107]A유령 제작자의 생활 방식은 음악 산업으로 자리를" 큰 이름"DJ들이나 제작자 이영과 함께 acquainting에 의해 그들의 유명함을 증가시킬 수 있지 않았다는 그들의 선호도에서 일할 수 있는 단순한 수수료 또는 그들의 일에 대한 로열티 지급액을 받는다.s.[107]마틴 개릭스와 포터 로빈슨과 같은 프로듀서들은 종종 다른 프로듀서들을 위한 유령 제작 작업으로 유명하며, 데이비드 게타와 스티브 아오키는 그들의 곡에 유령 제작자들을 사용한 것으로 유명한 반면, 티에스토와 같은 DJ들은 비난을 피하고 [109]투명성을 위해 그들의 프로듀서들을 공개적으로 신뢰해왔다.

많은 유령 제작자들이 다른 누군가를 위해 일하거나 [110]솔로 아티스트로 자리매김하는 것을 막는 계약을 체결한다.유령 제작자들, 특히 십대 제작자들은 음악 산업에 [110]대한 이해가 없기 때문에 이러한 비공개 계약은 종종 약탈적인 것으로 알려져 있다.런던 프로듀서 맷 조는 유령 프로듀서를 고용한 DJ들이 "자기들만의 음악을 만드는 척했고, 실제 프로듀서들은 우리를 힘들게 했다"[111]고 주장했다.

침실 제작

침실 프로듀서는 노트북이나 홈 스튜디오에서 전자 음악을 만드는 독립 음악가이다.기존의 녹음 스튜디오와는 달리 침실 제작자는 일반적으로 저비용의 액세스 가능한 소프트웨어와 장비를 사용하여 외부 하드웨어 [112]없이 음악을 완전히 "상자 안에서" 만들 수 있습니다.

대중화

미국

다음 항목도 참조하십시오.비치암 극장 night 심야시대 : (1988~1994년)아즈

처음에 일렉트로닉 댄스 음악의 대중화는 유럽의 레이브와 클럽 문화와 관련이 있었고 미국에서는 제한된 대중적 노출을 달성했습니다.1990년대 중후반까지 미국 음악업계가 다양한 댄스 장르를 "일렉트로니카"[113]로 마케팅하기 위해 노력하면서 이러한 변화는 시작되었다.당시 프로디지, 케미컬 브라더스, 팻보이 슬림, 언더월드를 포함한 영국의 일렉트로닉 음악 밴드들의 물결은 "미국 일렉트로니카 혁명"[114][115]과 시기상조였다.그러나 주류에서 성공을 거두기는커녕 많은 기존 EDM 법률이 미국 산업의 [114]한계로 밀려났습니다.1998년 영국 프로듀서 윌리엄 오비트와 함께 제작한 클럽 음악 트렌드의 영향을 많이 받은 마돈나의 레이 오브 라이트(Ray of Light)는 댄스 음악을 인기 있는 음악 [116][117]청취자들의 관심을 끌었다.1990년대 후반, 일렉트로니카로 재브랜드 된 댄스 음악에 대한 미국 언론의 관심에도 불구하고, 미국 하우스 및 테크노 프로듀서들은 DJ 및 [114]프로듀서로서의 경력을 확립하기 위해 계속해서 해외 여행을 했다.뉴욕 타임즈 기자 Kelefa Sanneh에 따르면, 알리아가 2000년에 발표한 싱글곡 "Try Again"은 "전자 댄스 음악의 혁신적인 기술을 미국 팝 [118]차트에 밀반출하는 데 도움을 주었다"고 한다.

2000년대 중반까지 네덜란드의 프로듀서 티에스토는 2004년 하계 올림픽 개막식 때 선수들의 참가에 사운드트랙을 제공한 후 EDM에 전 세계의 이목을 집중시켰다.이 행사는 가디언지가 [119]댄스 음악에서 가장 중요한 50개의 이벤트 중 하나로 간주했다.2003년, 미국 라디오에 대한 댄스 음악의 영향으로 빌보드는 사상 최초의 댄스/믹스 쇼 에어플레이 [120]차트를 만들었다.2005년까지 북미 대중문화에서 댄스음악의 중요성이 두드러지게 증가했다.스핀에 따르면, 2006년 코첼라에서 Daft Punk의 공연은 EDM에게 새로운 세대의 "록 키즈"[114]를 소개한 "티핑 포인트"였다.Entertainment Weekly가 지적했듯이, 저스틴 팀버레이크의 "SexyBack"은 일렉트로닉 댄스 음악의 변주곡과 가수의 R&B [121][122]사운드를 결합하여 상위 40개 라디오에 EDM 사운드를 소개하는 데 도움을 주었다.2009년, 프랑스 하우스 뮤지션 데이비드 게타는 켈리 [123]롤랜드와의 "When Love Takes Over"와 같은 40위권 내 크로스오버 히트곡과 아콘 (Sexy Bitch)과 블랙 아이드 피스 ("Gothi [124]Gothi")와 같은 미국 팝 및 힙합 배우들과의 협연 덕분에 주류 대중음악에서 두각을 갖기 시작했다.음악 공유 사이트인 사운드 클라우드와 동영상 공유 사이트인 유튜브 또한 전자 음악에 대한 관심을 부채질하는 데 도움을 주었다.덥스텝의 프로듀서 스크릴렉스는 [3][125][126][127]헤비메탈의 공격성과 음색과 비교되는 "Brostep"이라는 더 거친 사운드를 대중화했다.

일렉트로닉 댄스 음악의 인기가 높아지면서, 프로모터들과 공연장들은 DJ가 전통적인 음악가들보다 더 많은 수익을 낼 수 있다는 것을 깨달았다; 디플로는 "밴드는 45분 동안 연주하고, DJ는 4시간 동안 연주할 수 있다"고 설명했다.록 밴드—3,000~4,000명 규모의 공연장을 가진 헤드라이너들이 몇 명 있지만, DJ들은 같은 공연장을 연주하고, 관중들을 두 번 돌려놓고, 사람들은 밤새도록 더 비싼 가격에 술을 사요. 이는 [114]윈윈입니다."라스베이거스의 일렉트릭 데이지 카니발(EDC)과 마이애미의 울트라 뮤직 페스티벌 등 일렉트로닉 뮤직 페스티벌도 덩치가 커지면서 비주얼 체험을 중시하고 유명인사의 [3][125]지위를 얻기 시작한 DJ들도 덩치를 키웠다.아비치, 스웨덴 하우스 마피아 등 유명해진 다른 주요 공연들은 클럽이 아닌 아레나, 경기장 등 주요 공연장을 돌았다.스웨덴 하우스 마피아는 2011년 12월 뉴욕의 매디슨 스퀘어 [125]가든이 매진된 최초의 일렉트로닉 음악 공연단이 되었다.

2011년, 스핀은 데이비드 게타, 데드마우5, 스크릴렉스와 [114]같은 가수들이 이끄는 "새로운 레이브 세대"를 선언했다.2013년 1월, 빌보드는 매출, 라디오 방송, 클럽 플레이, 온라인 [128]스트리밍을 기준으로 상위 50개의 전자 노래를 추적하는 새로운 EDM 중심의 댄스/일렉트로닉 송 차트를 발표했습니다.Eventbrite에 따르면 EDM 팬들은 이벤트나 공연을 발견하고 공유하기 위해 소셜 미디어를 사용할 가능성이 더 높다고 합니다.그들은 또한 일반 팬들의 43%에 비해 78%의 팬들이 동료들이 행사에 참석할 경우 행사에 참석할 가능성이 더 높다고 말하는 것을 발견했다.EDM은 젊고 사회적인 [129]팬들이 많다.2011년 말, Music Trades는 일렉트로닉 댄스 음악을 세계에서 [130]가장 빠르게 성장하고 있는 장르로 묘사했습니다.일렉트로닉 음악의 요소들은 대중 [114]음악에서도 점점 더 두드러지게 되었다.라디오와 텔레비전 또한 댄스 음악이 주류로 받아들여지는 [131]데 기여했다.

미국 기업의 이익

EDM 업계의 기업 통합은 2012년에 시작되었으며, 특히 라이브 이벤트 측면에서 그렇습니다.2012년 6월 미디어 이그제큐티브인 Robert F. X. Sillerman은 EDM 대기업으로 SFX Entertainment를 재출시하여 EDM 사업을 인수하기 위해 10억 달러를 투자할 계획이라고 발표했습니다.그는 지역 프로모터와 페스티벌(투모로우랜드를 조직하는 ID&T 포함), 마이애미의 나이트클럽 운영자 2명, 전자음악에 [132][133]초점을 맞춘 온라인 음악 판매점 비트포트 등을 인수했다.Live Nation은 또한 Cream Holdings와 Hard Events를 인수하여 2013년 EDC 주최자인 Insemniac Events와의 "창의적인 파트너십"을 발표하였습니다.Live Nation의 CEO Michael Rapino는 EDM을 "새로운"[134] 락앤롤이라고 표현했습니다.[113][135][136]

미국의 라디오 대기업 iHeartMedia, Inc.(구 클리어 채널 미디어 및 엔터테인먼트)도 EDM과의 제휴를 위해 노력했습니다.2014년 1월에는 영국의 유명 DJ와 BBC Radio 1의 유명 인사인 Pete Tong을 고용하여 "Evolution" 댄스 라디오 [137]브랜드의 프로그램을 제작하고 SFX와 제휴하여 40대 라디오 방송국을 위한 라이브 콘서트와 EDM 중심의 오리지널 프로그램을 공동 제작한다고 발표했습니다.iHeartMedia 사장 John Sykes는 회사의 부동산이 "[EDM][138][139]을 위한 최고의 목적지"가 되기를 바란다고 설명했다.

주요 브랜드들도 밀레니얼 세대를 겨냥한[140][141][142][143] 수단으로 EDM 현상을 이용하고 있으며, EDM 노래와 아티스트들이 텔레비전 광고와 [144]프로그램에 등장하고 있습니다.Avicii의 매니저인 Ash Pournouri는 이러한 관행을 2000년대 [144]초 힙합의 상업화와 비교했다.하이네켄은 Ultra Music Festival과 마케팅 관계를 맺고 있으며 네덜란드 프로듀서 Armin van Buuren과 Tiésto를 광고 캠페인에 참여시켰습니다.Anheuser-Busch는 SFX Entertainment [144]이벤트의 맥주 스폰서와 비슷한 관계를 맺고 있습니다.2014년 7 Up은 디지털 콘텐츠, 제작자 광고, Ultra 및 Electric Daisy [140][145][146]Canival 브랜드 무대 등을 포함한 멀티 플랫폼 EDM 기반 캠페인인 "7x7Up"을 시작했습니다.무선통신사 T-Mobile US는 SFX와 공식 무선 스폰서 계약을 체결하고, Above & Beyond와 제휴하여 2015년 [141]투어를 후원하고 있습니다.

2015년 8월, SFX는 [147]가치가 하락하기 시작했고, CEO Sillerman이 회사를 사적으로 인수하기 위한 입찰에 실패하였습니다.그 회사는 회사의 [148][149]매각으로 이어질 수 있는 전략적 대안을 모색하기 시작했다.2015년 10월, Forbes는 SFX Entertainment의 하락, 수익의 성장 둔화, 페스티벌 조직 및 예약 비용의 증가, 미국 동부와 서부의 페스티벌에 대한 과잉 포화를 계기로 EDM의 "버블" 가능성을 선언했다.인섬니아 환자 CEO 파스콸레 로텔라는 업계가 "혁신"에 집중하고 새로운 [150]시장에 진출함으로써 전체 시장의 재정적 불확실성을 극복할 것이라고 느꼈다.인기 있는 EDM에 대한 관심이 줄어들 것이라는 예측에도 불구하고, 2015년에는 미국에서 55억 파운드의 산업 규모가 2012년에 [151]비해 60% 증가한 것으로 추정되었습니다.

SFX는 2016년 12월 AEG [152][153]Live의 전 이그제큐티브인 랜디 필립스(Randy Phillips)의 지도 아래 LiveStyle로 파산에서 벗어났습니다.이 회사는 2018년부터 라이브 음악 자산을 서서히 매각하기 시작했는데, 여기에는 Rock in Rio의 지분(라스베이거스 [154][155]페스티벌의 일부로서 매입)을 비롯해 ID&T와[156][157] React [158]Presents와 같은 SFX 소유의 다른 프로모터들도 포함됩니다.Phillips는 다른 [159]프로젝트를 추진하기 위해 2019년에 CEO에서 물러났습니다.

과상업화에 대한 비판

미국에서 EDM이 대중화된 후 칼 콕스, 스티브 롤러, 마커스 슐츠를 포함한 많은 프로듀서들과 DJ들은 댄스 음악의 과도한 상업화가 DJ의 "예술"에 영향을 미쳤다는 우려를 제기했다.콕스는 새로운 EDM DJ들이 채택한 "언론 플레이" 접근방식은 그가 "DJ 정신"[125]이라고 부르는 것을 대표하지 않는다고 보았다.DJ 팀 셰리던은 믹스매그에 기고한 글에서 자동 동기화를 사용하고 미리 녹음된 일련의 "명백한 히트곡"을 재생하는 "누름버튼 DJ"는 "스펙터클, 돈, 쇼비즈"[160]에 추월당한 상황을 초래했다고 주장했다.

일부 하우스 프로듀서는 "상업적인" EDM이 더 많은 차별화와 창의성을 필요로 한다는 것을 공공연히 인정했습니다.2013년 앨범 True가 리드 싱글 "Wake Me Up"과 같은 블루그래스의 요소를 담은 곡들을 수록한 Avicii는 대부분의 EDM에는 "장수"[161]가 부족하다고 말했다.Deadmau5는 인기 있는 EDM의 균질화를 비판하며 "모든 것이 똑같이 들린다"고 제안했다.2014 Ultra Music Festival에서 Deadmau5는 신진 EDM 아티스트인 마틴 개릭스에 대해 비판적인 발언을 했으며 이후 "Old McDonald Had a Farm"의 멜로디에 맞춰 개릭스의 "Animals" 편집 버전을 재생했다.이후 티에스토는 트위터를 통해 데드마우5가 아비시의 "레벨스"를 자신의 "고스트 앤 스터프"와 섞은 것에 대해 "사르카스테리하게" 비판했고, 데드마우5는 "사르케스테리적으로" 노래를 연주했는지 물었다.on"[162][163][164][165]으로 설정합니다.

2014년 5월, NBC 코미디 시리즈 Saturday Night Live는 EDM 문화와 푸시 버튼 DJ에 대한 고정관념을 디지털 쇼트에서 패러디했다.컴퓨터 게임, 계란 프라이, 모금 등 일상 활동을 하는 DJ가 거대한 BASS 버튼을 눌러 관객들의 머리를 [166][167][168]폭발시켰다.

수년 간 급성장하던 미국 EDM 시장은 2016년 이른바 '빅룸' 일렉트로하우스를 제작하는 것으로 유명한 아티스트들이 대거 스타일 다양화에 나서면서 시들해지기 시작했다.이러한 발전은 2016년 4월에 발표된 테크노에 영향을 받은 싱글곡 'The Death of EDM'[169]에서 데이비드 게타와 쇼텍에 의해 직접적으로 언급되었다.2010년대 말, 주류 대중음악의 [105][170]지배세력으로서의 EDM의 위치는 다른 스타일로 대체되면서 안정되기 시작했다.

국제

2015년 5월, International Music Summit의 Business Report는 세계 전자 음악 산업의 가치가 약 69억 달러에 달했다고 추정했습니다. 여기에는 음악 매출, 이벤트 수익(나이트클럽 및 페스티벌 포함), DJ 장비와 소프트웨어 판매 및 기타 수익원이 포함됩니다.보고서는 또한 동아시아, 인도, 남아프리카를 포함한 몇몇 일렉트로닉 댄스 뮤직의 신흥 시장을 파악했는데, 주로 국내 및 미국과 유럽의 관심사에 의한 투자 덕분이다.많은 주요 축제들이 라틴 [171]아메리카로 확대되기 시작했다.

서아프리카 가나에서 Djsky라는 아티스트는 2015년부터 현재 EDM을 도입하여 Hey Ibiza, Sunset Music Festival, Sky show [172][173][174][175]등의 성공적인 축제와 이벤트를 기획했습니다.WatsUp TV와의 인터뷰에서, Djsky는 그가 가나 [176][177]음악에 일렉트로닉 뮤직 댄스를 도입한 첫 번째 사람이라고 밝혔다.

에티오피아에서 EDM은 전통적인 리듬과 [178]멜로디를 가진 EDM 사운드를 통합한 Rophnan이라는 젊은 아티스트의 2018년 돌파 이후 주류 음악의 일부가 되었다.그의 쇼에서 수만 명의 젊은이들이 전국의 경기장을 가득 메웠고 라디오는 새로운 [179][180]장르를 연주하기 시작했다.

중국은 EDM이 초기에 거의 진출하지 않았던 시장이다; 비록 발기인들은 대부분 기악 음악이 은유적인 언어의 장벽을 제거할 것이라고 믿었지만, 다른 지역에서의 중국에서의 EDM의 성장은 국내 중국 팝의 인기뿐만 아니라 중국에서의 두드러진 격찬 문화의 부족에 의해 방해되었다.외국 아티스트들미국의 성장에 고무된 Eric Zho 전 Universal Music 이그제큐티브는 2013년 상하이의 첫 번째 스톰 페스티벌 개최, Anheuser-Busch의 Budweiser 브랜드와의 타이틀 스폰서 계약 체결, 현지 인재 발굴 및 조직 등 전자음악에 대한 첫 번째 중요한 투자를 했습니다.EDM 프로듀서들과 Avicii와 Wang Leehom의 "Lose Myself"와 같은 중국 가수들 간의 콜라보레이션.그 후 몇 년 동안 중국에서는 EDM 이벤트가 더 많이 열리기 시작했고 Storm 자체도 2014년에 첫해보다 더 많은 수의 프리 파티가 개최되었습니다.2015년 10월 중국국제음악정상회의(International Music Summit China)에서 발표된 새로운 보고서에 따르면, 중국 EDM 산업은 행사 수가 많고(모던 스카이, 음양 등 주요 축제 브랜드가 새로 포함), 중국 내 전자음악 매출이 6% 증가했으며, 중국 내 전자음악 매출도 크게 증가했다고 합니다.시장 전체의 규모Zho는 또한 중국의 문화 행사에 대한 투자뿐만 아니라 중국의 "실전적인" 정치 풍토가 [181][182]중국의 EDM의 성장을 장려하는데 도움을 주었다고 믿었다.

사회적 영향

축제

주요 기사:일렉트로닉 뮤직 페스티벌 목록
2013년 오스트리아 플레인펠트에서 열린 EDM 페스티벌로,[183] 2000년대 [3]초반부터 많은 인파와 극적인 조명을 선보였습니다.

1980년대에는 창고, 버려진 항공기 격납고, 들판, 그리고 다른 크고 개방적인 장소와 같은 비밀 장소에서 열린 불법 지하 레이브 파티에서 전자 댄스 음악이 종종 연주되었다.1990년대와 2000년대, 1980년대와 1990년대 초반의 언더그라운드 레이브 문화의 양상은 합법적이고 조직적인 EDM 콘서트와 페스티벌로 발전하기 시작했다.주요 페스티벌에서는 다양한 EDM 장르를 대표하는 액트가 여러 단계로 분산되어 있는 경우가 많다.축제에서는 기본적인 테마를 가진 정교한 무대 디자인, 복잡한 조명 시스템, 레이저 쇼, 불꽃 기술을 포함하여 전체적인 경험의 일부로서 시각적인 안경에 더 많은 중점을 두고 있습니다.레이브 패션은 참석자들 사이에서도 진화했는데, 가디언은 1990년대 "칸디 레이버"에서 "베니스 해변과 서커 뒤 솔레이일, 윌리 웡카 그리고 게이 프라이드 [3][125][145]퍼레이드 사이 중간쯤에 있는 매끄럽고 성적인 이미지"로 발전했다고 묘사했다.이러한 행사는 조직적인 성격과 참석자들의 [184]건강과 안전을 보장하기 위한 조치들로 인해 지하의 소란과는 달랐다.MTV의 Rawley Bornstein은 일렉트로닉 음악을 "새로운 로큰롤"[185]이라고 묘사했고 롤라팔루자 기획자인 Perry [186]Ferrell도 마찬가지였다.

2016 스펙트럼 댄스 뮤직 페스티벌

빌보드의 Ray Waddell은 축제 주최자들이 [185]브랜딩을 훌륭하게 해냈다고 언급했다.2014 Ultra Music Festival은 마이애미[184]/사우스 플로리다 지역 [146]경제에 165,000명의 참가자와 2억 2,300만 달러 이상의 참가자를 유치했습니다.벨기에의 투모로우랜드 페스티벌의 미국판인 투모로우월드의 첫 번째 판은 애틀랜타 지역에 8510만 달러의 수익을 가져다 주었으며,[187] 이는 그 해 초에 열린 NCAA 파이널 포(NCAA Division I 남자 농구 토너먼트의 준결승 및 전국 챔피언십 경기) 개최만큼 많은 수익을 가져다 주었다.EDC 라스베이거스는 2015년에만 클라크 카운티 경제를 3억 530만 달러 증가시켰고, 3일 동안(6월 19일부터 [188]21일까지) 405,000명 이상이 참석했습니다.

EDM과 페스티벌의 인기는 또한 코첼라, 롤라팔루자 등 전자음악과 강하게 관련되지 않는 일부 멀티장르 페스티벌을 그들의 라인업에 일렉트로닉 액트를 추가하게 만들었다.그들은 종종 EDM 고유의 무대를 연주하지만, Deadmau5와 Calvin Harris와 같은 주요 공연들은 각각 Rollapalooza와 Coachella의 메인 무대에 전반적으로 헤드라이닝을 하고 있다.이것은 록과 [189][190]얼터너티브 공연과 관련된 장소이다.The Globe and Mail의 Russell Smith는 "비싼 티켓, 거대한 기업 후원자, 멋진 브로 문화, 경기장을 누비는 셔츠 없는 근육질 소년들, 어깨에 올라탄 비키니 차림의 아주 인기 있는 소녀들 –"을 들며 상업 축제 산업은 광란의 하위 문화의 원래 원칙과 반대라고 느꼈다.마약 관련 사건뿐만 [191]아니라 참석자들의 행동을 둘러싼 다른 불만 사항들은 지역 [191][192]당국의 전자 음악 행사에 대한 부정적인 인식과 반대에 기여했다.

마이애미 시 당국은 첫날 문 부수기 인파가 경비원을 짓밟은 울트라 뮤직 페스티벌 2014 이후 짓밟기 사건, 음탕한 행동, 참석자들에게 괴롭힘을 당했다는 시내 주민들의 불만 등을 들어 축제 개최를 금지하는 방안을 검토했다.위원들은 울트라의 긍정적인 경제적 효과 때문에 참석자들의 [193][194][195]보안, 마약 사용, 음탕한 행동을 다루는 조건으로 울트라가 마이애미에서 계속 개최될 수 있도록 하는 것을 승인했다.2018년, 계속되는 우려 끝에, 위원들은 베일프론트 파크와 [196][197][198]마이애미 시내에서 열리는 축제를 금지하는 투표를 했지만, 그 후 마이애미의 장벽 섬들 중 하나인 버지니아 [199]키로 행사를 옮기자는 제안을 승인했다.교통 문제(버지니아 키와 마이애미 본토 사이의 차량 연결은 단 하나이기 때문에)와 다른 문제들로 인해 영향을 받은 페스티벌 이후, 울트라 사는 합의를 철회하고 베이프론트 [200][201]파크로 돌아가기로 협상했다.

Covid-19 영향

COVID-19 대유행으로 인해, 사회적 거리 두기에 대한 제한과 함께 축제의 취소는 축제와 음악 [202]산업의 경제 활동에 부정적인 영향을 미쳤다.축제들은 많은 인파로 인해 위험성이 높기 때문에 건강과 안전에 대한 규정과 위기 및 위험 관리에 대처해야 한다.그 결과,[202] 축제나 공연이 온라인으로 스트리밍되는 것이 일반적이 되었다.

2020년 동안, 모든 대형 EDM 음악 축제는 Covid-19 대유행으로 인해 연기되거나 취소되었다.2020년 3월 4일, 울트라 마이애미는 이 행사가 주의 정원 규칙과 군의 안전 프로토콜과 [203]규정을 준수할 수 없기 때문에 행사를 취소한 최초의 일렉트로닉 댄스 음악 축제였다.2020년 4월 21일, 미시간주 로스베리에서 열린 일렉트릭 포레스트 뮤직 페스티벌은 건강상의 [204]이유로 2020년 6월 25일부터 27일까지의 행사를 2021년 6월로 재조정했다.2020년 7월 9일, 빌 드 블라시오 뉴욕 시장은 9월 [205]30일까지 모든 대규모 행사를 중단하기로 결정했다.이에 따라 노동절 주말 동안 뉴욕 랜들스 아일랜드에서 열리는 일렉트릭 동물원 2020은 2020년 행사를 전면 취소했다.

북미에서 가장 큰 댄스 음악 축제인 일렉트릭 데이지 카니발 라스베이거스가 2020년 5월 15일부터 17일까지 열릴 예정이었다.4월에 EDC는 5월 행사를 2020년 10월 2-4일로 연기했고, 이후 8월 2일 EDC 라스베이거스 2020이 공식적으로 [206]취소될 것이라고 선언했다.대신 2021년 [207]5월 21일부터 23일까지 EDC의 창립 25주년 기념식을 EDC의 CEO인 Pasquale Rotella가 발표했습니다.2021년 4월 9일, EDC는 2021년 [208]5월에 발생한 사건에 대한 라인업과 Covid-19 안전 프로토콜을 아직 발표하지 않았다.2021년 4월 20일, 로텔라는 축제를 2021년 [209]10월 22일부터 24일까지로 연기했다.

이러한 행사들의 취소는 음악 산업과 이러한 행사를 운영하는 회사들에게 경제적으로 타격을 준다.EDC 2020은 원래 그들의 첫 행사 티켓 20만 장 중 매진되었지만, 새로운 날짜에 [210]참석하지 못한 사람들에게 전액 환불을 제공했다.Electric Zoo는 일반 입장권 50달러와 [211]VIP 입장권 100달러를 추가 지급하여 고객이 티켓을 보관하도록 장려했다.대부분의 음악 축제 회사들은 다음 행사에 티켓을 롤오버하거나 참석하지 못한 사람들에게 전액 환불해주겠다고 제안했지만, 결국 Covid-19의 [202]불확실성으로 인해 많은 고객을 잃었다.

레크리에이션 약물 사용과의 관련성

다음 항목도 참조하십시오.클럽 약물, 파티 알약, MDMA, 2C-B, 4-MA, 칸나비스, 코카인, GHB, DMT, LSD, 케타민, 암페타민, 벤질피페라진, 벤조디아제핀

댄스 음악은 레크리에이션용 약물 사용,[212] 특히 "클럽 약물"이라는 이름으로 분류된 광범위한 약물과 오랜 연관성을 가지고 있습니다.러셀 스미스는 사이키델릭 록과 LSD, 디스코 음악과 코카인, 펑크 음악과 [191]헤로인과 같은 특정 마약과 관련된 이전의 음악 장르들을 예로 들면서 마약과 음악 하위 문화의 연관성은 결코 전자 음악에만 국한된 것이 아니라고 언급했다.

위 사진은 다양한 모양과 형태가 있지만, 약물 엑스터시가 일반적으로 어떻게 보이는지 보여줍니다.

엑스터시, E 또는 몰리로 알려진 메틸렌디옥시메탐페타민(MDMA)은 종종 레이브 문화 내에서 선택되는 약물로 여겨지며 클럽, 축제, 하우스 [213]파티에서도 사용된다.광란의 환경에서는 음악과 조명의 감각 효과가 약물과 높은 상승 효과를 발휘하는 경우가 많습니다.MDMA의 사이키델릭 암페타민 품질은 "레이브" 환경에서 사용자에게 어필하는 여러 가지 이유를 제공합니다.일부 사용자는 약물의 억제 감소 효과로 인해 집단 교감감을 즐기는 반면, 다른 사용자는 약물의 [214]자극 효과 때문에 그것을 파티 연료로 사용한다.핑크 엑스터시, PMA, Death 또는 Dr. Death로 알려진 또 다른 약물인 파라메톡시암페타민(4-MA)은 MDMA와 유사하지만 효과를 내는 데 최대 1시간이 걸릴 수 있으며, 이는 고열과 장기 부전을 초래할 수 있습니다.PMA를 받는 사람들은 종종 그것이 MDMA로 [215][216]식별되는 것으로 오해받는다.

MDMA는 때때로 사이키델릭 약물과 함께 복용되는 것으로 알려져 있다.보다 일반적인 조합으로는 LSD와 결합된 MDMA, DMT와 결합된 MDMA, 실로시빈 버섯과 결합된 MDMA, 해리성 약물 케타민이 포함된 MDMA가 있습니다.MDMA를 복용하면서 약물의 효과를 경험하면서 냉각감을 느끼면서 멘톨화 제품을 사용하는 사용자가 많습니다.예를 들어 멘톨 담배, 빅스 VapoRub, NyQuil,[217] lozenges 등이 있습니다.

비의약품 케타민의 발생률은 광우병과 다른 [218]당사자들의 맥락에서 증가했다.그러나 클럽 약물로써의 출현은 높은 [219]용량에서의 마취 특성(예: 슬러링 스피치, 고정화)으로 인해 다른 클럽 약물과 다르다. 또한 케타민이 "에스테시"[220]로 판매된다는 보고가 있다."클럽링 후 경험"의 일부로서 케타민을 사용하는 것 또한 [221]기록되었다.1990년대 [219]말까지 홍콩에서 케타민의 무용문화는 급속히 발전했다.1999년 미국에서 연방 통제 물질이 되기 전에 케타민은 전용 의약품으로, 그리고 국내 화학 공급 [222]회사로부터 대량으로 판매되는 순수 분말로 이용 가능했다.현재 비의료용으로 전용되는 케타민의 대부분은 중국과 [222]인도에서 유래한다.

일렉트로닉 댄스 음악 이벤트에서의 약물 관련 사망

주요 일렉트로닉 음악 콘서트와 축제에서 명백한 약물 사용으로 인한 많은 사망자가 발생했다.로스앤젤레스 메모리얼 콜리세움은 2010년 일렉트릭 데이지 카니발 중 "메틸렌디옥시메탐페타민 중독으로 인한 허혈성 뇌증 합병증"으로 저연령 참가자가 사망하자 인섬니아크 이벤트를 블랙리스트에 올렸고,[223][184][224][225][226] 그 결과 그 행사는 이듬해 라스베이거스로 옮겨졌다.일렉트릭 주 2013년 동안에 뉴욕 시, 미국, 그리고 미래 음악 축제 아시아 2014년 말레이시아 쿠알라룸푸르에서 약물 남용 사망자 수가 자극했다 마지막 날의 이 두 종목이 되cancelled,[225][227]는 동안 생명의 색을 취소했다 계획된 행사에 말레이시아에서 걱정하는 부분에 대한 사건, 그리고 다른 마약 관련 사망자 발생에 A. 국가의 인도네시아 [228][229][230]자카르타에서 650회 트랜스 공연.

2016년 4월 아르헨티나 부에노스아이레스시에서 열린 타임워프 페스티벌 행사에서 5명의 약물 관련 사망자와 4명의 부상자가 발생한 후, 2016년 9월 아르헨티나 부에노스아이레스시는 향후 법제화가 진행 중인 모든 일렉트로닉 음악 행사를 금지했다.이 금지령은 일렉트로닉 밴드 크래프트웍이 [231][232]축제와 그들의 콘서트 사이에 차이가 있다는 주장에도 불구하고 예정된 콘서트를 취소하도록 강요했다.

업계상

조직 상 연도 메모들
브릿 어워드 영국무용악단 1994–2004 영국의 브릿 어워드는 1994년 M피플이 처음 수상한 '영국 댄스 액트' 카테고리를 도입했다.이전 몇 년 동안 댄스 가수들이 시상식에 등장했지만, 올해는 댄스 음악이 독자적인 카테고리를 갖게 된 첫 해였다.최근에는 "어반"과 "록" 및 기타 장르와 마찬가지로 시상식이 장르 기반 시상식에서 제외되고 보다 일반화된 아티스트 중심 시상식으로 옮겨졌습니다.
그래미상 베스트 댄스/일렉트로닉 레코딩 1998년 ~ 현재 가장 최근(2021년) Rüfüs Du Sol이 "Alive"[233]로 수상.
베스트 댄스/일렉트로닉 음악 앨범 2005년 ~ 현재 가장 최근(2021년) 블랙커피가 잠재의식적으로 [233]수상했다.
DJ Mag 상위 100명의 DJ 여론조사 1991년 ~ 현재 영국의 댄스 음악 잡지 DJ Mag는 매년 세계 100대 DJ 목록을 발표한다. 1991년부터 1996년까지 이 잡지의 기자에 의해 상위 100대 DJ가 선정되었고, 1997년에는 여론조사가 대중 투표가 되었다.2021년 현재 1위는 데이비드 게타다.[234]
DJ 어워드 최우수 DJ상 1998년 ~ 현재 매년 스페인 이비자에서 열리는 11개 부문 중 유일하게 국제 DJ를 지명하고 시상하는 글로벌 DJ 어워드 행사로, 국민투표로[235] 가장 중요한 [236]수상자를 선정한다.
WMC(Winter Music Conference) IDMA: 국제 댄스 뮤직 어워드 1998년 ~ 현재 [237]
프로젝트 X 매거진 일렉트로닉 댄스 뮤직 어워드 1995 Project X 잡지의 독자들은 첫 번째 (그리고 유일한) 일렉트로닉 댄스 뮤직 [238]어워드 수상자들에게 투표를 했다.이 잡지와 신경 레코드가 주최한 시상식에서, 상은 윈스, 런던 미래 사운드, 모비, 주니어 바스케즈, 대니 테나글리아, DJ 커키, TRIBAL America Records,[238] Moonshine Records에 주어졌다.
아메리칸 뮤직 어워드 좋아하는 댄스/일렉트로닉 아티스트 2012–현재 가장 최근에 Marshmello가 수상한([239]2021년).
월드 뮤직 어워드 마음에 드는 일렉트로닉 댄스 아티스트 2006년 ~ 현재
(휴지시)		 가장 최근(2014년) 캘빈 [240]해리스가 수상했습니다.

「 」를 참조해 주세요.

(전기)

메모들

  1. ^ 미국의 포스트 디스코 음악과 관련된 언더그라운드 댄스 음악의 정의를 논할 때, Fikentsher(2000페이지)는 다음과 같이 말한다. "underground"라는 접두어는 단지 관련 유형의 음악과 그 문화적 맥락이 소수의 정보에 정통한 사람들만 알고 있다는 것을 설명하는 역할을 하는 것이 아니다.언더그라운드는 또한 음악의 사회학적 기능을 가리키며 의미와 연속성을 갖는 것이 주류 사회, 대중 매체, 그리고 널리 퍼져 있는 도덕적, 심미적 코드와 가치를 강요할 수 있는 사람들로부터 멀리 떨어져 있는 음악의 한 종류로 틀을 잡습니다."
  2. ^ "지금은 디트로이트의 주요 클럽에서도 들을 수 있지만, 현지는 음악 뒤에 숨는 것을 매우 꺼려하고 있습니다.그것은 파워플랜트(시카고)와 같은 클럽에 있었다.테크노 사운드가 가장 지지를 받고 있는 곳은 월드(뉴욕), 하시엔다(맨체스터), 록시티(노팅엄), 다운비트(리드)다.아이러니하게도, 디트로이트의 유일한 클럽은 Visage라고 불리는 주변 파티의 밤이었는데, Visage는 영국에서 가장 오래된 새로운 로맨틱 그룹 중 하나와 낭만적으로 이름을 공유했다."[80]

레퍼런스

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참고 문헌

추가 정보