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패션

Fashion
기타 용도는 패션(동음이의)을 참조하십시오. "멘웨어"는 여기로 방향을 바꿉니다.음악 그룹은 남성복(밴드)을 참고하세요.
미니드레스 by 존 베이츠, 1965

패션(Fashion)은 다양한 문화적 미학의 의류, 신발, 액세서리, 화장품, 보석류의 창조와 그 혼합 및 매치를 사회적 지위, 자기 표현 및 집단 소속의 상징으로서 독특한 복장(스타일 및 유행)을 나타내는 의상으로 혼용하여 사용되는 용어입니다.패션은 다양한 용어로써 산업, 스타일, 미학 그리고 유행을 설명합니다.

패션(fashion)이라는 용어는 '만들다'라는 뜻의 라틴어 'Facere'에서 유래한 것으로, 특정한 문화적 미학, 패턴, 모티프, 모양, 컷 등으로 장식된 의상의 제작, 혼합, 착용을 의미하며, 사람들이 자신의 집단 소속, 가치관, 의미, 신념, 삶의 방식 등을 보여줄 수 있도록 합니다.낮은 가격과 세계적인 영향력으로 상품과 의류의 대량 생산이 증가하고 있는 상황에서 패션의 환경적 영향을 줄이고 지속가능성을 향상시키는 것이 정치인, 브랜드, 소비자들 사이에서 시급한 문제가 되고 있습니다.[1][2]

정의들

"패션"을 의미하는 프랑스어 단어 모드는 1482년까지 거슬러 올라가는 반면, "스타일"을 의미하는 영어 단어는 16세기로만 거슬러 올라갑니다.다른 단어들은 모드 앞에 나타나는 스타일과 매력의 개념과 관련되어 있습니다.12세기와 13세기 고대 프랑스에서 우아함의 개념은 아름다움을 향상시키고 세련미를 보여주기 위한 귀족적 선호의 맥락에서 나타나기 시작하고, 몸치장과 복장에 있어서 스타일이나 기술에 의해 자신을 다른 사람들에게 더 매력적으로 만들려는 생각인 cointerie,13세기 기욤 드 로리스의 시에 등장하며, "잘생긴 옷과 멋진 액세서리는 사람을 크게 향상시킨다"[3]고 조언합니다.

패션 학자 수잔 B.카이저는 모든 사람들이 다른 사람들보다 먼저 중재되지 않은 채 "반드시 나타나야 한다"고 말합니다.[4]모든 사람들은 복장에 의해 평가되며, 평가에는 색상, 재질, 실루엣, 그리고 옷이 몸에 어떻게 나타나는지에 대한 고려가 포함됩니다.스타일과 소재가 동일한 옷은 착용자의 체형이나 세탁, 접힘, 수선, 새것에 따라 다르게 나타납니다.

여성 자전거 합주단, 1898, LACMA

패션은 다양한 방식으로 정의되며, 그 적용은 때때로 명확하지 않을 수 있습니다.패션이라는 용어는 "계절의 새로운 패션"에서와 같이 차이를 내포하지만, 예를 들어 "1960년대의 패션"과 같은 동일성을 내포할 수도 있으며, 이는 일반적인 통일성을 암시합니다.패션은 최신 트렌드를 나타낼 수 있지만, 종종 이전 시대의 패션을 참조하여 다른 시대의 패션의 재등장으로 이어질 수 있습니다.유행하는 것은 패션 하우스나 오트쿠튀리에와 같이, 배타적으로 보이는 비교적 고립적이고 존경받으며 종종 부유한 미적 엘리트에 의해 정의될 수 있지만, 이 '외모'는 종종 엘리트로 여겨지지 않는 하위 문화와 사회 집단으로부터 언급을 끌어냄으로써 설계됩니다.그러므로 패션 자체를 구별하는 것에서 제외됩니다.

유행이 종종 독특한 미적 표현을 포함하는 반면, 종종 계절보다 더 짧게 지속되고 시각적 극단으로 식별될 수 있는 반면, 패션은 전통적으로 패션 시즌과 컬렉션에 연결된 독특하고 업계의 지원을 받는 표현입니다.[5]스타일은 여러 계절에 걸쳐 지속되는 표현이며 종종 문화 운동과 사회적 표식, 상징, 계급 및 문화(바로크, 로코코 등)와 연결됩니다.사회학자 Pierre Bourdieu에 따르면, 패션은 "최신의 차이"를 내포합니다.[6]

패션, 의류, 의상이라는 용어가 자주 함께 쓰이지만, 패션은 둘 다 다릅니다.의상은 어떤 사회적 의미나 연관성이 없는 소재와 기술적인 옷을 묘사합니다. 의상은 화려한 드레스나 가면을 쓰는 것을 의미하게 되었습니다.이에 반해 패션은 특정 시간과 맥락에서 사회적 상징으로서 복장에 영향을 미치고 "활성화"하는 사회적, 시간적 체계를 설명합니다.철학자 조르지오 아감벤(Giorgio Agamben)은 패션을 "적절하고, 중요한, 또는 기회적인 순간"을 의미하는 질적인 고대 그리스 개념 카이로스(kairos)와 연결하고, 의복을 크로노스(chronos)의 양적 개념, 연대순 또는 순차적 시간의 의인화와 연결합니다.[7]

일부 독점 브랜드는 오트쿠튀르라는 상표를 주장할 수 있지만, 이 용어는 엄밀히 말하면 파리에 있는 Chambre Syndiciale de la Haute Couture의[8] 회원으로 제한됩니다.[5]오트쿠튀르는 더 열망적입니다. 예술과 문화에서 영감을 받아, 대부분의 경우 경제 엘리트층을 위해 준비되어 있습니다.

패션은 또한 예술의 원천이며, 사람들이 그들의 독특한 취향과 스타일링을 보여줄 수 있게 해줍니다.[9]다른 패션 디자이너들은 외부의 자극에 영향을 받고 이 영감을 그들의 작업에 반영합니다.예를 들어, 구찌의 '그린색' 청바지는[10] 잔디 얼룩처럼 보일 수 있지만, 다른 사람들에게는 순수함, 신선함, 그리고 여름을 보여줍니다.[11]

패션은 독특하고 자기 만족적이며 누군가의 정체성의 핵심적인 부분일 수 있습니다.예술과 비슷하게, 패션에서 한 사람의 선택의 목적은 반드시 모두에게 호감을 받는 것이 아니라, 대신 개인적인 취향의 표현입니다.[9]개인의 스타일은 "항상 두 개의 상반된 원칙을 결합하는 사회적 형성"으로 기능합니다.그것은 사회적으로 용인될 수 있고 다른 사람들과 자신을 구별할 수 있는 안전한 방법이며 동시에 개인의 사회적 적응과 모방에 대한 욕구를 충족시켜줍니다."[12]철학자 임마누엘 칸트는 패션이 "취향에 대한 진정한 판단과는 아무런 관련이 없으며" 대신 "반영되지 않고 '눈먼' 모방의[13] 사례"라고 믿었지만, 사회학자 게오르크 심멜은 패션을 "개인과 그의 사회 사이의 거리를 극복하는 데 도움을 준" 것으로 생각했습니다.[12][12]

패션의 역사

참고 항목:패션디자인의 역사

의복의 변화는 종종 고대 로마와 중세 칼리프에서 일어난 것처럼 경제적 또는 사회적 변화의 시기에 일어났고, 그 후 큰 변화 없이 긴 기간이 이어졌습니다.8세기 무어 스페인에서 음악가 지랴브는 그의 영감에 의해 변형된 그의 고향 바그다드의 계절과 일상의 패션을 바탕으로 한 세련된 옷 스타일을 코르도바에게[14][unreliable source][15] 소개했습니다.중앙아시아와 극동에서 의상 스타일을 도입한 터키인들의 도래 이후 11세기 중동에서도 비슷한 패션의 변화가 일어났습니다.[16]

서구적 특수성 주장

겐세이 카진슈, 요슈 치카노부, 1890.다양한 스타일의 일본 전통 의상과 서양 스타일.

인도, 페르시아, 터키 또는 중국을 방문한 초기 서양 여행자들은 그 나라들에서 패션의 변화가 없다고 자주 말하곤 했습니다.1609년, 일본 쇼군의 비서는 스페인 방문객에게 일본 옷이 천 년이 넘도록 변하지 않았다고 부정확하게 자랑했습니다.[17]: 312–313 그러나, 서양이 아닌 옷에 대한 이러한 개념들은, 만일 있다면, 거의, 진화를 겪고 있지 않다고 일반적으로 사실이 아니라고 여겨집니다; 예를 들어, 명나라에서는 중국의 옷에서 빠르게 변화하는 패션에 대해 상당한 증거가 있습니다.[18]중국 제국 시대에 의복은 자유와 안락의 구현체였을 뿐만 아니라, 몸을 감싸거나 추위로부터 보호하기 위해 사용되거나 장식적인 목적으로 사용되었습니다. 또한 엄격한 사회적 위계 체계와 중국 사회의 의식 체계에 기반을 둔 강력한 사치법에 의해 규제되었습니다.[19]: 14–15 사람들이 그들의 성별, 사회적 지위 그리고 직업에 따라 옷을 입는 것이 기대되었습니다; 중국의 의복 체계는 역사의 각 시기에서 명확한 진화와 다양한 모습을 보여주었습니다.[19]: 14–15 하지만, 다른 문화권과 마찬가지로 고대 중국의 패션은 인구의 사회경제적 조건을 보여주는 지표였습니다. 하지만, 유교 학자들에게 패션의 변화는 종종 급속한 상업화로 인해 초래된 사회적 무질서와 관련이 있었습니다.[20]: 204 고대 중국에서 빠르게 변화하는 유행을 경험한 의복은 고대 중국의 문헌에 기록되어 있는데, 때때로 "현대적인 스타일"인 시양이라고 불리며, 전형적으로 부정적인 의미를 담고 있는 "터무니없는 복장"인 푸야오의 개념과 관련이 있습니다.[21]: 44 겐로쿠 시대와 에도 시대 후기(1603-1867) 사이에 일본의 의복에서도 비슷한 변화를 볼 수 있는데, 이 시기 동안 의복 유행은 화려하고 값비싼 부의 과시에서 가라앉고 전복되는 것으로 바뀌었습니다.

동양의 것으로 여겨지는 것에 패션의 부재에 대한 신화는 서양 제국주의와도 종종 관련이 있었고, 유럽 제국주의는 특히 19세기에 최고로 높았습니다.[22]: 10 19세기에 유럽인들은 중국을 유럽에 대한 이중적인 반대 입장으로 묘사하면서 중국을 여러 가지 중에서도 "패션이 부족하다"고 표현한 반면, 유럽인들은 중국뿐만[22]: 10 아니라 아시아의 다른 나라들과 비교할 때 일부러 자신들을 우월한 위치에 놓았습니다.[22]: 166

잠재적 오리엔탈리즘은 동양이 무엇인지에 대한 무의식적이고, 만질 수 없는 확신으로, 정적이고 만장일치이며, 분리되고, 괴팍하고, 후진적이며, 묵묵히 다르고, 감각적이고, 수동적입니다.그것은 전제주의적이고 진보를 멀리하는 경향이 있습니다. [...] 그것의 진보와 가치는 서양과 비교하여 판단되기 때문에 타자입니다.많은 엄격한 학자들은 동양을 서양의 관심과 재건, 심지어 구원을 필요로 하는 지역으로 생각했습니다.

— Laura Fantone quoted Said (1979), Local Invisibility, Postcolonial Feminisms Asian American Contemporary Artists in California, page 166

비슷한 생각이 동아시아, 인도, 중동의 다른 나라들에도 적용되었는데, 이 나라들은 패션의 부족이 아시아의 사회적, 정치적 시스템에 대한 모욕적인 발언과 관련이 있었습니다.[23]: 187

터키인들과 다른 동양인들의 변하지 않는 패션은 나를 끌지 못한다는 것을 고백합니다.그들의 패션은 바보 같은 전제주의를 유지하는 경향이 있는 것 같습니다.

— Jean Baptiste Say (1829)

아프리카의 패션

게다가, 서아프리카에는 패션의 오랜 역사가 있습니다.[24]옷감은 일찍이 16세기에 포르투갈과 네덜란드와의 무역에서 화폐의 형태로 사용되었고,[24] 서아프리카의 성장하는 엘리트 계층과 거주하는 금과 노예 무역업자들을 수용하기 위해 현지에서 생산된 옷감과 값싼 유럽 수입품들이 새로운 양식으로 조합되었습니다.[24]오요 제국과 이그보족이 거주하는 지역에는 유난히 직물을 짜는 전통이 강했습니다.[24]

서구세계의 패션

루이 16세의 부인 마리 앙투아네트는 패션의 리더였습니다.그녀가 선택한 chemise a la Reine이라고 불리는 1783년의 하얀 머슬린 드레스와 같은 것들은 매우 영향력이 있었고 널리 입었습니다.[25]
참고 항목:서양 패션의 역사, 구미 패션의 치노이즈리, 패션위크

유럽에서의 지속적이고 가속적인 옷 스타일의 변화의 시작은 중세 후기까지 상당히 확실하게 거슬러 올라갈 수 있습니다.제임스 레이버(James Laver)와 페르낭 브라델(Fernand Braudel)을 포함한 역사학자들은 14세기 이전에는 조명을 사용한 필사본이 흔하지 않았기 [27]때문에 동시대의 이미지에 크게 의존하는 경향이 있지만,[17]: 317 [26]: 62 의복의 서양 패션의 시작을 14세기 중반으로 추정합니다.[28]패션의 가장 극적인 초기 변화는 남성 과복이 종아리 길이에서 엉덩이를 겨우 덮는 정도로 급격하게 짧아지고 조이는 것이었고,[29] 때로는 가슴에 충전재를 넣어 더 커 보이게 하는 경우도 있었습니다.이것은 레깅스나 바지 위에 입는 테일러드 탑의 독특한 서양적인 윤곽을 만들었습니다.

그 변화의 속도는 다음 세기에 상당히 빨라졌고, 여성과 남성의 패션, 특히 머리 장식과 장식은 똑같이 복잡해졌습니다.그러므로 미술사가들은 패션을 신뢰하고 정확하게 최신 이미지를 사용할 수 있으며, 특히 15세기 이미지의 경우, 종종 5년 이내에 사용할 수 있습니다.처음에, 패션의 변화는 이전에 매우 비슷한 스타일의 의상과 독특한 국가적 스타일의 후속적인 발전으로 유럽의 상류층에 걸쳐 분열을 가져왔습니다.17세기에서 18세기 사이의 반체제 운동이 다시 한번 비슷한 스타일을 강요하기 전까지 이러한 국가 스타일은 매우 다른 상태로 남아 있었는데, 대부분 앙시앵 레짐 프랑스에서 유래했습니다.[17]: 317–324 부유층이 대개 패션을 선도했지만, 초기 근대 유럽의 증가하는 부유함은 부르주아 계급과 심지어 소작농들이 멀리서 유행을 따르도록 이끌었지만, 여전히 엘리트들에게는 불편하게 가깝습니다. 이것은 페르낭 브라델이 패션을 변화시키는 주요 동력 중 하나로 간주하는 요소입니다.[17]: 313–315

알브레히트 뒤러의 그림은 뉘른베르크의 잘 드러난 부르주아즈(왼쪽)와 베니스의 상대와 대조를 이루고 있습니다.베네치아 여성의 높은 키 때문에 키가 커 보입니다.

16세기에는 국가적 차이가 가장 뚜렷했습니다.독일이나 이탈리아 신사들의 16세기 초상화 10개는 완전히 다른 모자 10개를 보여줄 수 있습니다.알브레히트 뒤러는 15세기 말 뉘른베르크와 베네치아 패션의 실제(또는 복합) 대조를 설명했습니다(그림 오른쪽).16세기 후반의 "스페인 스타일"은 유럽의 상류층들 사이에서 동시성으로 되돌아가기 시작했고, 17세기 중반의 투쟁 끝에 프랑스 스타일이 결정적으로 리더십을 차지했고, 이 과정은 18세기에 완성되었습니다.[17]: 317–321

해마다 다른 직물 색상과 패턴이 변했지만,[30] 신사복의 재단과 허리춤의 길이, 혹은 여성복이 재단되는 패턴은 더 천천히 변했습니다.남성의 패션은 주로 군대 모델에서 비롯되었으며, 유럽 남성 실루엣의 변화는 신사 장교들이 "Steinkirk" 크라바토르 넥타이와 같은 다양한 스타일을 메모할 기회를 가졌던 유럽 전쟁 극장에서 자극되었습니다.양 당사자는 옷 속에 셔츠를 입었는데, 그 옷의 컷과 스타일은 몇 세기 동안 변치 않았습니다.

16세기부터 프랑스로부터 옷을 입은 인형들이 보급되었고 아브라함 보스가 1620년대에 패션의 판화들을 제작했지만, 1780년대에 파리의 최신 스타일을 묘사하는 프랑스 판화들의 출판이 증가하면서 변화의 속도가 빨라졌습니다.1800년까지, 모든 서유럽인들은 똑같이 (혹은 그렇게 생각했다고) 옷을 입었습니다; 지역의 변화는 처음에는 지방 문화의 표시가 되었고 나중에는 보수적인 농민의 배지가 되었습니다.[17]: 317 [26]: 62

비록 재단사와 양재사들이 의심할 여지 없이 많은 혁신에 책임이 있고, 섬유 산업이 정말로 많은 유행을 이끌었지만, 패션 디자인의 역사는 일반적으로 영국 태생의 Charles Frederick Worth가 파리에 최초의 정통 오트쿠튀르 집을 열었던 1858년부터 시작됩니다.오트하우스는 정부가 업계의 기준에 맞는 패션하우스를 위해 만든 이름이었습니다.이 패션 하우스들은 최소한 20명의 직원들이 의상 제작에 참여하도록 하고, 패션쇼에서 매년 두 개의 컬렉션을 보여주며, 일정한 수의 패턴을 고객들에게 보여주는 것과 같은 기준을 계속 지키고 있습니다.[31]그 이후로 패션 디자이너는 그들 자신이 연예인이라는 생각이 점점 더 지배적이 되었습니다.[32]

비록 패션은 여성적일 수도 있고 남성적일 수도 있지만, 추가적인 유행은 남성적일 수도 있습니다.[33]남녀공용 복장에 대한 아이디어는 1960년대 Pierre Cardin과 Rudi Gernreich와 같은 디자이너들이 남성과 여성 모두가 입을 수 있도록 스트레치 저지 튜닉이나 레깅스와 같은 옷을 만들었을 때 비롯되었습니다.남녀 공용 착용감의 영향력은 남성복, 대중시장 소매, 컨셉 의류 등 패션의 다양한 테마로 확대되었습니다.[34]양가죽 재킷, 비행 재킷, 더플 코트, 그리고 구조화되지 않은 옷과 같은 1970년대의 패션 트렌드는 남성들이 저녁 재킷 없이 사교 모임에 참석하고 새로운 방식으로 액세서리를 하는 데 영향을 미쳤습니다.어떤 남성들의 스타일은 관능과 표현력을 혼합시켰고, 점점 증가하는 동성애 권리 운동과 젊음에 대한 강조는 스타일과 이전에 여성의 복장과 연관되어 있던 울 크레이프와 같은 직물을 실험할 수 있는 새로운 자유를 가능하게 했습니다.[35]

마커스 클락스의 봄여름 목록 표지 1926-27

뉴욕(맨하탄), 파리, 밀라노, 런던 등 4대 패션 중심지는 세계 패션계에 큰 영향을 끼친 것으로 유명한 주요 패션 기업들의 본사입니다.패션 위크는 디자이너들이 새로운 옷 컬렉션을 관객들에게 전시하는 도시들에서 열립니다.한 연구에 따르면 미국 패션 생태계에 참여하기 위해서는 뉴욕의 가먼트 지구에 대한 일반적인 근접성이 중요하다고 합니다.[36]오트쿠튀르는 현재 기성복 컬렉션과 동일한 브랜드를 사용한 향수 판매로 상당 부분 지원을 받고 있습니다.

현대 서양인들은 옷을 고르는 데 있어 선택의 폭이 매우 넓습니다.어떤 사람이 입기로 선택한 것은 그들의 성격이나 흥미를 반영할 수 있습니다.높은 문화적 지위를 가진 사람들이 새로운 또는 다른 스타일을 입기 시작하면, 그들은 새로운 패션 트렌드를 고무시킬 수 있습니다.이 사람들을 좋아하거나 존경하는 사람들은 그들의 스타일에 영향을 받아 비슷한 스타일의 옷을 입기 시작합니다.

패션은 나이, 사회 계층, 세대, 직업, 지리에 따라 사회 내에서 상당히 다를 수 있고 또한 시간에 따라 달라질 수 있습니다.패셔니스타와 패션 피해자라는 용어는 현재 유행하는 것을 노예처럼 따르는 사람을 말합니다.

동양세계의 패션 영향

2000년대 초반, 아시아 패션의 영향력은 현지 및 글로벌 시장에서 점점 더 크게 확대되었습니다.중국, 일본, 인도 그리고 파키스탄과 같은 나라들은 전통적으로 많은 풍부한 전통을 가진 큰 직물 산업을 가지고 있었습니다; 비록 이것들이 서양의 디자이너들에 의해 자주 끌렸지만, 2000년대 초중반에 아시아의 의복 스타일은 상당한 영향을 받았습니다.[37]

패션산업

참고 항목:의류산업, 패션디자인, 패션쇼, 패션위크
슈퍼모델인 Liu Wen이 2013 뉴욕 패션위크에서 디자이너 Diane von Fürstenberg의 런웨이 모델 패션을 걷고 있습니다.
2014년 2월 뉴욕 패션 위크에서 모델들이 캐롤라이나 에레라 쇼에서 런웨이를 걷고 있습니다.

패션이라는 용어는 가장 일반적으로 사용되는 용어로 패션 산업을 통해 판매되는 현재의 표현을 말합니다.세계 패션 산업은 현대의 산물입니다.[38]서구 세계에서는 중세부터 길드에 의해 맞춤 제작이 통제되었지만, 산업주의가 등장하면서 길드의 힘이 약화되었습니다.19세기 중반 이전에는 대부분의 옷이 주문 제작되었습니다.수제로 개인이 직접 제작하거나 양재사와 양복점에서 주문하여 제작하였습니다.20세기 초까지 재봉틀과 같은 새로운 기술의 등장, 세계 무역의 부상, 생산의 공장 시스템의 발달, 백화점과 같은 소매점의 확산과 함께 의류는 점점 더 표준 사이즈로 대량 생산되어 고정 가격으로 판매되었습니다.

패션 산업은 유럽과 미국에서 먼저 발전했지만, 2017년 현재, 의류는 종종 한 나라에서 디자인되고, 다른 나라에서 제조되고, 전 세계적으로 판매되는, 국제적이고 매우 세계화된 산업입니다.예를 들어, 미국의 패션 회사는 중국에서 원단을 조달하여 베트남에서 생산된 옷을 이탈리아에서 완성한 후 미국의 창고로 배송하여 국제적으로 소매점에 배포할 수 있습니다.

패션 산업은 오랫동안 미국에서 가장 큰 고용주 중 하나였고,[38] 21세기에도 여전히 그러합니다.하지만, 해외, 특히 중국으로 생산이 이동함에 따라 패션 분야에서 미국의 고용은 상당히 감소하기 시작했습니다.패션 산업과 관련된 데이터는 일반적으로 국가 경제에 대해 보고되고 산업의 많은 개별 부문으로 표현되기 때문에 섬유 및 의류의 세계 생산에 대한 집계 수치를 얻기가 어렵습니다.그러나, 어떤 면에서 보더라도, 의류 산업은 세계 경제 생산에서 상당한 비중을 차지하고 있습니다.[39]패션 산업은 네 가지 레벨로 구성됩니다.

  1. 원자재, 주로 섬유, 섬유뿐만 아니라 가죽과 모피의 생산.
  2. 디자이너, 제조업자, 도급업자 등에 의한 패션용품의 생산.
  3. 소매 판매.
  4. 다양한 형태의 광고와 홍보.

패션 산업의 초점 수준은 분리되어 있지만 상호 의존적인 많은 부문으로 구성됩니다.이 부문에는 섬유 디자인 및 생산, 패션 디자인 및 제조, 패션 소매, 마케팅 및 상품화, 패션쇼, 미디어 및 마케팅이 포함됩니다.각 부문은 업계 참가자들이 이익을 내고 운영할 수 있는 조건 하에서 의류에 대한 소비자 수요를 충족시키기 위한 목표에 전념하고 있습니다.[38]

패션트렌드

주요 기사:패션트렌드
참조: 카테고리:10년 단위 패션

패션 트렌드는 특정한 시간과 장소에서 모집단에 퍼져있는 특정한 모습이나 표현을 의미합니다.유행은 패션 업계에서 컬렉션을 출시하는 계절에 따라 정의되지 않고 더 덧없는 것으로 여겨집니다.따라서 유행은 스트리트 스타일, 문화 전반에 걸쳐 그리고 인플루언서와 다른 유명인사들로부터 나타날 수 있습니다.

패션 트렌드는 영화, 유명인사, 기후, 창의적인 탐구, 혁신, 디자인, 정치, 경제, 사회, 그리고 기술을 포함한 여러 요소들에 의해 영향을 받습니다.이러한 요인을 조사하는 것을 PEST 분석이라고 합니다.패션 예측가들은 이 정보를 특정 트렌드의 성장 또는 감소를 결정하는 데 사용할 수 있습니다.

사람들의 마음은 물론 인식과 의식도 끊임없이 변화하고 있습니다.유행은 본질적으로 사회적이고, 신구의 모순 속에서 끊임없이 진화하며, 어떤 의미에서는 주변 사람들에 의해 쉽게 영향을 받기 때문에 끊임없이 모방하기 시작합니다.[40]

2020년대 초반의 맥시멀리즘과 1980년대의 영향을 계속하여 2023년 봄까지 미국, 프랑스, 중국, 한국 및 우크라이나의[41] 여성들에게 활기찬 색상의 옷이 돌아왔습니다.[42]때때로 "도파민 드레싱"이라고 불리는 이 스타일은 허벅지가 갈라지는 긴 치마와 벨트가 달린 맥시 드레스, 많은 금과 진주 장신구, 오버사이즈 스트라이프 카디건 스웨터, 조개껍질이나 꽃무늬가 있는 다양한 색상의 실크 스커트, 끈끈한 샌들, 다리 아래로 대조적인 줄무늬가 있는 바지, 어그 부츠,[43] 꽃무늬 맥시 스커트,Y2K 영감을 받은 플랫폼 슈즈, 청키 레드 레인부츠,[44] 쉬머리 점프슈트,[45] 니트 원피스, 인조 퍼 칼라가 달린 가죽 파일럿 재킷,[46] 대담하게 대비되는 세로 줄무늬가 있는 스커트, 부츠컷 다리가 달린 바지 정장, 반짝이는 하트나 별 모양의 디테일이 있는 청바지, 청키 화이트나 블랙 샌들, 지브라 프린트 토트백.[47][48]

크고 큰 옷은 종종 반투명한 재료로 만들어졌으며, 바지나 벌거벗은 목선이 있는 상의에 잘린 허리와 같이, 입은 사람의 맨 어깨, 허벅지, 또는 미드리프를 노출시키기 위한 절개가 특징이었습니다.[49]바람직한 색상은 네온 그린, 수박 그린, 코랄 핑크, 오렌지, 연어 핑크, 마젠타, 골드, 일렉트릭 블루, 아쿠아마린, 청록색, 청록색, 로얄 블루 등이 있습니다.[50][51]

2023년 영국, 프랑스, 미국의 주요 색상은 빨간색, 하얀색, 파란색이었습니다.1970년대 중후반과 마찬가지로 데님이나 밝은 마드라스 격자무늬에 펄 스냅이 들어간 서양 셔츠가 다시 등장했고, 때로는 요크와 커프스가 대비되는 복잡한 자수가 특징이었습니다.[52][53]모카신, 장식주름이 있는 스톤워시 데님 허리코트, 프레피 로퍼, 네이비 블루 슈트와 스포츠 코트, 2000년대 후반부터 2020년대 초반까지 유행한 스키니 진 대신 일자 레그 진,[54] 스테츠, 과감한 레드나 블루 핀 스트라이프가 있는 화이트 야구 셔츠, 스트라이프 블루 넥타이, 헐렁한 화이트 팬츠, 유니언 잭 모티브, 플레어청바지, 옐로스톤 TV 시리즈에서 입었던 먼지털이 코트,[55] 프레피 스타일의 대학 스웨터, 복고풍의 파란색과 흰색 줄무늬 축구 셔츠,[56] 카우보이 부츠 스타일링이 있는 첼시 부츠, 빨간색과 파란색 보트 스트라이프가 있는 투버튼 블레이저, V넥 스웨터 조끼, 흰색 소매가 있는 로열 블루 야구 재킷, 하울러 브라더스 길레,[57] 셔츠와 정장이 열려있는 옷가슴을 드러내기 위해,[58] 그리고 대서양 양쪽에서 박시한 가죽 리퍼 재킷이 인기가 있었습니다.[59][60][61]

사회적 영향

브리트니 스피어스와 같은 유명인사들은 속옷을 입는 것을 아우터로 대중화했습니다.

패션은 본질적으로 사회적 현상입니다.사람은 혼자서 패션을 가질 수는 없지만, 패션으로 정의되기 위해서는 보급과 추종자가 있어야 합니다.이 전파는 하향식(trickle-down)에서 상향식(bubble-up/trickle-up)으로, 또는 문화 전반에 걸쳐 또는 바이러스 밈과 미디어를 통해(trickle-across) 여러 형태로 이루어질 수 있습니다.

패션은 환경의 사회적, 문화적 맥락과 관련이 있습니다.Matika에 따르면,[62] "대중 문화의 요소들은 한 사람의 유행이 음악, 뉴스, 또는 문학과 같은 음악 장르에 대한 선호와 관련될 때 융합됩니다. 패션은 일상 생활에 융합되었습니다."패션은 순수하게 미적인 것으로만 보여질 뿐만 아니라; 패션은 또한 사람들이 전체적인 효과를 창조하고 그들의 의견과 전체적인 예술을 표현하기 위한 매개체입니다.

이것은 공연자들이 뮤직 비디오를 통해 자주 성취하는 것을 반영합니다.Beyoncé의 뮤직비디오 'Formation'에서, Carlos에 따르면,[63] 매년 열리는 혹은 계절별 런웨이 쇼는 패션 트렌드와 디자이너의 영감을 반영한 것이라고 합니다.비비안 웨스트우드와 같은 디자이너들에게 런웨이 쇼는 정치와 시사에 대한 그녀의 목소리를 대변하는 플랫폼입니다.Water에 따르면, 그녀의 AW15 남성복 쇼에서,[64] "얼굴에 심각한 멍이 든 모델들이 지구를 구하기 위한 임무를 위해 환경 전사들에게 채널을 돌렸습니다."또 다른 최근의 예는 샤넬의 SS15 쇼를 위한 페미니스트 시위 행진인데, 모델들이 "페미니스트이지만 여성적이다" 그리고 "레이디스 퍼스트"와 같은 표지판을 사용하여 권한 부여의 말을 외치며 폭동을 일으켰습니다.Water에 따르면,[64] "이 쇼는 샤넬의 여성 독립 옹호의 오랜 역사를 이용했습니다: 설립자 Coco Chanel은 세계 2차 대전 이후에 여성의 신체를 해방시킨 선구자였고, 당시에 유리했던 제한적인 코르셋에 대항했던 실루엣을 소개했습니다.

맨해튼에서 매년 열리는 멧 갈라 행사는 패션 디자이너들과 그들의 창작품이 축하받는 최고의 장소입니다.소셜 미디어는 패션을 가장 많이 선보이는 곳이기도 합니다.일부 인플루언서들은 많은 시청자들이 광고의 뒷면에서 제품을 구매하기를 희망하는 제품이나 의류 제품을 홍보하기 위해 많은 돈을 받습니다.인스타그램은 광고를 위한 가장 인기 있는 플랫폼이지만 페이스북, 스냅챗, 트위터 및 기타 플랫폼도 사용됩니다.[65]뉴욕에서 LGBT 패션 디자인 커뮤니티는 패션 트렌드를 알리는데 매우 중요한 기여를 하고 있으며, 드래그 유명인들은 뉴욕 패션 위크에 지대한 영향을 미치고 있습니다.[66]

경제적 영향

순환경제

환경에 대한 인식이 높아지면서 "지금 소비하고 나중에 생각하라"는 경제적 필요성이 점점 더 정밀하게 조사되고 있습니다.[67]오늘날의 소비자들은 충분히 우수하고 내구성이 뛰어난 옵션을 찾고 소비에 더 신경을 쓰는 경향이 있습니다.사람들은 또한 그들의 일상적인 소비가 환경과 사회에 미치는 영향에 대해 더 의식하게 되었고, 이러한 계획들은 종종 지속 가능한 패션을 향한 움직임으로 묘사되지만, 일부 사람들은 성장에 기초한 순환 경제가 모순 또는 증가하는 소비의 나선형이라고 주장합니다.유토피아적 요람에서 cradle로의 순환적 해결책 보다는.

오늘날 선형경제체제에서 제조업자들은 지구에서 자원을 추출하여 곧 매립지에 버려질 제품을 만드는 반면, 순환모델 하에서 재화의 생산은 자연 속의 시스템처럼 작동하며, 여기서 물질의 폐기물과 소멸은 새로운 것의 식량이자 성장의 원천이 됩니다.

마케팅.

시장조사

에스토니아 탈린에서 모피 패션 판매

다양한 그룹의 소비자들은 다양한 요구와 요구를 가지고 있습니다.소비자의 요구를 분석할 때 고려하는 요소는 주요 인구 통계를 포함합니다.[68]소비자의 요구를 이해하고 패션 트렌드를 예측하기 위해 패션 회사들은 시장 조사를[69] 해야 합니다. 1차 조사 방법과 2차 조사 방법이 있습니다.[70]2차적인 방법은 이미 수집된 다른 정보를 취하는 것입니다. 예를 들어, 책이나 기사를 연구에 사용하는 것입니다.1차 연구는 설문조사, 인터뷰, 관찰 및/또는 포커스 그룹을 통해 자료를 수집하는 것입니다.1차 연구는 종종 고객의 쇼핑 동기를 결정하기 위해 큰 표본 크기에 초점을 둡니다.[71]

1차 연구의 이점은 패션 브랜드의 소비자에 대한 구체적인 정보를 탐구하는 것입니다.설문조사는 유용한 도구이며 질문은 개방형 또는 폐쇄형으로 할 수 있습니다.부정적인 요인 조사와 인터뷰는 설문 조사의 문구나 대면 상호 작용으로 인해 답변이 편향될 수 있다는 점입니다.포커스 그룹(약 8~12명)은 몇 가지 사항을 심도 있게 다룰 수 있기 때문에 유용할 수 있습니다.하지만 이 전술에도 단점이 있습니다.이렇게 표본 크기가 작으면 더 많은 대중이 초점 그룹과 같은 방식으로 반응할지 알 수 없습니다.[70]관찰은 기업이 소비자가 진정으로 원하는 것에 대한 통찰력을 얻는 데 실질적인 도움이 될 수 있습니다.소비자들이 자신의 일상적인 업무를 수행하는 것일 뿐, 자신들이 지켜지고 있다는 것을 반드시 인식하는 것은 아니기 때문에 편견이 덜합니다.예를 들어, 사람들의 길거리 사진을 찍음으로써 대중을 관찰하는 것, 소비자는 반드시 사진을 찍을 것이라는 것을 알고 아침에 옷을 입지 않았습니다.그들은 그냥 평소에 입던 옷을 입습니다.관찰 패턴을 통해 관찰할 수 있으므로 트렌드 예측가들이 목표 시장의 필요와 필요성을 알 수 있습니다.

소비자들의 요구를 아는 것은 패션 회사들의 매출과 수익을 증가시킬 것입니다.소비자들의 삶을 조사하고 연구함으로써 소비자의 요구를 얻을 수 있고 패션 브랜드들이 소비자들이 어떤 트렌드에 준비되어 있는지 알 수 있도록 도울 수 있습니다.

기호소비

소비는 필요에 의해서만 이루어지는 것이 아니라 소비자에게 상징적인 의미도 한 요인입니다.상징적 소비에 종사하는 소비자들은 자신의 정체성을 확립하는 과정에서 다양한 대상들이 수집되고, 사회적 집단에서 상징적 의미가 공유되면 자신의 정체성을 타인에게 전달하기 위해 오랜 기간 동안 자아의식을 발달시킬 수 있습니다.청소년들에게 소비는 아이와 어른을 구별해주는 역할을 합니다.연구원들은 십대들의 패션 선택이 자기 표현과 비슷한 옷을 입는 다른 십대들을 알아보는 데 사용된다는 사실을 발견했습니다.의상 아이템의 상징적인 연관성은 개인의 개성과 흥미를 연결시킬 수 있으며, 음악은 패션 결정에 중요한 영향을 미치는 중요한 요소입니다.[72]

정치적 영향

이방카 트럼프(오른쪽)와 서양식 비즈니스 수트를 입은 아베 신조 일본 총리, 2017.

정치적 인물들은 적어도 프랑스 왕 루이 14세 때부터 패션의 발전에 중심적인 역할을 해왔습니다.예를 들면, 영부인 재클린 케네디는 1960년대 초의 패션 아이콘이었습니다.샤넬 슈트와 구조적인 지방시 시프트 드레스, 커다란 버튼이 달린 부드러운 컬러의 카시니 코트를 입은 그녀는 우아한 정장 차림과 클래식한 여성 스타일의 유행을 모두 불러 일으켰습니다.[73]

문화적 격변은 패션 트렌드에도 영향을 미쳤습니다.예를 들어, 1960년대 동안 미국 경제는 건실했고, 이혼율은 증가하고 있었고, 정부는 피임약을 승인했습니다.이러한 요인들은 젊은 세대들이 고착된 사회 규범에 저항하도록 영감을 주었습니다.흑인들에게 사회정의와 기회균등을 위한 투쟁인 민권운동과 여성들에게 평등한 권리와 기회와 더 큰 개인적 자유를 추구하는 여성해방운동이 꽃을 피웠습니다.1964년, 다리를 벌리는 미니 스커트가 소개되었고 화이트 핫 트렌드가 되었습니다.그리고 나서 패션 디자이너들은 헐렁한 민소매 드레스, 마이크로 미니스커트, 플레어 스커트, 그리고 트럼펫 소매와 같은 옷의 모양들로 실험하기 시작했습니다.형광색, 프린트 패턴, 나팔바지, 프린지 조끼, 스커트는 1960년대의 세련된 의상이 되었습니다.[74]

실패한 베트남 전쟁에 미국이 개입한 것에 대한 우려와 항의도 패션에 영향을 미쳤습니다.군인들이 적군에게 잘 보이지 않도록 돕기 위해 개발된 군복의 위장 무늬는 1960년대에 스트리트웨어 디자인에 스며들었습니다.위장 트렌드는 그 이후로 사라졌다가 여러 번 다시 나타나 1990년대에 하이패션을 반복해서 등장한 것입니다.[75]발렌티노, 디올, 돌체앤가바나와 같은 디자이너들은 그들의 런웨이와 기성복 컬렉션에 위장을 결합했습니다.오늘날, 옷이나 액세서리의 모든 품목에 파스텔 색조를 포함한 다양한 위장술이 계속해서 인기를 누리고 있습니다.

기술의 영향

오늘날, 기술은 사회에서 상당한 역할을 하고 있으며, 패션의 영역 내에서도 기술적인 영향력이 그만큼 증가하고 있습니다.웨어러블 기술은 예를 들어 기기를 충전하는 태양 전지판과 환경 변화에 따라 색상이나 질감을 변경하여 착용자의 편안함을 향상시키는 스마트 패브릭으로 제작된 의류와 Iris van Herpen, Kimberly Ovitz와 같은 디자이너에게 영향을 미쳤습니다.[76]기술이 발전함에 따라 3D 프린터는 디자이너와 소비자가 더욱 쉽게 접근할 수 있게 될 것입니다. 이러한 프린터는 패션 산업의 디자인과 생산을 완전히 재구성할 수 있습니다.

인터넷 기술은 온라인 소매업체와 소셜 미디어 플랫폼의 광범위한 영역을 가능하게 하며, 이전에는 트렌드를 파악하고, 마케팅하고, 즉시 판매할 수 있는 상상할 수 없는 방법을 만들어 냈습니다.[77]트렌드 설정 스타일을 쉽게 표시하고 온라인으로 전달하여 고객을 사로잡습니다.인스타그램이나 페이스북의 게시물은 패션의 새로운 트렌드에 대한 인식을 빠르게 증가시킬 수 있고, 이는 곧 특정 아이템이나 브랜드에 대한 높은 수요를 창출할 수 있으며,[78] 새로운 "지금 구매하기 버튼" 기술은 이러한 스타일을 직접 판매와 연결시킬 수 있습니다.

패션이 어떻게 사회에 퍼지는지 추적하기 위해 머신 비전 기술이 개발되었습니다.업계는 이제 패션쇼가 길거리 패션에 어떤 영향을 미치는지 직접적인 상관관계를 확인할 수 있습니다.이와 같은 효과를 계량화하여 패션 하우스, 디자이너 및 소비자에게 트렌드와 관련된 귀중한 피드백을 제공할 수 있습니다.[79]

환경영향

이 섹션은 패션의 환경적 영향에서 발췌한 것입니다.[편집]
목화의 생산은 많은 양의 물을 필요로 하며 폐수도 생산합니다.

패션 산업, 특히 의류와 신발의 제조와 사용은 온실가스 배출과 플라스틱 오염의 중요한 원동력입니다.[80]패스트 패션의 급속한 성장으로 인해 연간 약 800억 개의 의류가 소비되고 있으며, 많은 의류가 매립되고 있습니다.

새 옷을 만들기 위해 재활용되는 옷은 1% 미만입니다.[81]이 산업은 전체 온실가스 배출량의 약 10%를 생산합니다.[82]최근 유행하고 있는 농작물, 섬유, 의류의 생산과 유통은 물, 공기, 토양의 오염을 포함한 다양한 형태의 환경오염의 원인이 되고 있습니다.[citation needed]섬유 산업은 세계에서 두 번째로 큰 지역 담수 오염원이며,[83] 전체 산업 수질 오염의 약 1/5을 책임지고 있습니다.[84]이 산업적인 오염의 원인이 되는 주요 요인들 중 일부는 패션 아이템의 방대한 과잉 생산,[85] 합성 섬유의 사용, 패션 작물의 농업 오염,[86] 그리고 전세계 수자원에 걸친 미세 섬유의 확산입니다.[81]

일부 소매업체와 소비자들은 낭비를 줄이고 에너지 및 물 효율을 개선하는 등 지속 가능한 패션 관행을 장려하기 위한 노력을 기울이고 있습니다.

미디어

의상을 입은 라틴 댄서들.여자는 아랫부분에 깊은 트임이 있는 백리스 드레스를 입고 있고, 남자는 윗단추가 열린 셔츠를 입고 있습니다.

패션에 있어서 미디어는 중요한 역할을 합니다.예를 들어 패션의 중요한 부분은 패션 저널리즘입니다.편집비평, 지침, 해설은 텔레비전과 잡지, 신문, 패션 웹사이트, 소셜 네트워크, 패션 블로그 등에서 찾아볼 수 있습니다.최근 몇 년간 패션 블로그와 유튜브 동영상은 유행과 패션 팁을 전파하는 주요 매체가 되어 웹사이트나 소셜 미디어 계정(예: 인스타그램, 틱톡, 트위터)에서 자신의 스타일을 공유하는 온라인 문화를 형성하고 있습니다.이러한 미디어 매체를 통해 전 세계의 독자들과 시청자들은 패션에 대해 배울 수 있고, 패션을 매우 쉽게 접할 수 있습니다.[87]패션 저널리즘 외에도 패션 산업에서 중요한 또 다른 미디어 플랫폼은 광고입니다.광고는 시청자들에게 정보를 제공하고 제품과 서비스의 판매를 촉진합니다.패션 산업은 소비자를 끌어들이기 위해 광고를 사용하고, 판매를 창출하기 위해 제품을 홍보합니다.기술이 아직 발달하지 못했던 몇 십 년 전, 광고는 라디오, 잡지, 광고판, 그리고 신문에 크게 의존했습니다.[88]요즘에는 텔레비전 광고, 인터넷 웹사이트를 이용한 온라인 기반 광고, 소셜 미디어 플랫폼의 게시물, 동영상, 라이브 스트리밍 등의 광고에서 더 다양한 방법이 있습니다.

인쇄 매체의 유행

1921년 세인트루이스에서 스크랩. 마거리트 마틴의 이야기와 그림을 담은 루이스 포스트 디스패치는 유행하는 춤에서 사회 여성들에게 제공되는 포화상태의 신문 보도를 보여줍니다.

프린트 스타일링에는 편집과 라이프 스타일이라는 두 가지 하위 세트가 있습니다.편집 스타일은 패션 잡지에서 볼 수 있는 하이 패션 스타일이며, 이것은 더 예술적이고 유행을 선도하는 경향이 있습니다.라이프스타일 스타일링은 백화점 광고, 웹사이트, 또는 패션이 판매되는 것이 아니라 사진 속 상품을 홍보하기 위해 모델들을 고용하는 광고와 같은 보다 노골적인 상업적인 목표에 초점을 맞추고 있습니다.[89]

권력자들의 복장 관행은 전통적으로 예술과 궁중의 관행을 통해 중재되어 왔습니다.프랑스 궁정의 모습은 16세기부터 판화를 통해 전파되었지만, 루이 14세의 중앙집권적인 궁정의 발전과 함께 응집력 있는 디자인을 갖게 되었고, 그의 이름을 딴 식별 가능한 양식을 만들었습니다.[90]20세기 초, 패션 잡지들은 다양한 패션 디자인의 사진들을 포함하기 시작했고, 과거보다 훨씬 더 영향력이 커졌습니다.[91]전세계 도시에서 이 잡지들은 크게 인기를 끌었고, 대중의 옷 취향에 지대한 영향을 미쳤습니다.재능있는 일러스트레이터들이 패션과 미용의 가장 최근의 발전을 다룬 출판물을 위해 정교한 패션 판을 그렸습니다.아마도 이 잡지들 중 가장 유명한 것은 1912년 루시엔 보겔에 의해 창간되어 1925년까지 정기적으로 발행된 라 가제트 뒤 봉통(La Gazette du Bon Ton)[92]이었을 것입니다.

2017년 미국 패션쇼에서 모델이 패이스티와 함께 착용한 시스루 상의.그러한 패션 트렌드는 미디어를 통해 대중화됩니다.

1892년 맨하탄에서 창간된 보그는 지금까지 왔다가 사라진 수백 개의 패션 잡지 중에서 가장 오래 지속되고 성공적이었습니다.제2차 세계 대전 이후의 풍요로움과 가장 중요한 것은 1960년대 값싼 컬러 인쇄의 도래로 인해 주류 여성 잡지, 1990년대 남성 잡지 등에서 판매가 크게 증가하고 패션에 대한 대대적인 보도가 이루어졌다는 것입니다.보그의 인기를 보여주는 그러한 예로는 젊은 버전인 틴 보그가 있는데, 이는 "예산에 의한 패셔니스타"를 겨냥한 의류와 유행을 다루고 있습니다.오트쿠튀르 디자이너들은 기성복과 향수 라인을 시작함으로써 이 유행을 따라갔고, 잡지에 많이 광고되었고, 현재는 그들의 원래 쿠튀르 사업을 축소시키고 있습니다.패션 인쇄 매체의 최근 발전은 패션 학계와 업계 간의 대화를 통해 패션이 피상적이지 않다는 것을 증명하는 것을 목표로 하는 텍스트 기반 및 비평 잡지의 증가입니다.이러한 개발 사례는 다음과 같습니다.패션이론(1997), 패션 실천: Journal of Design, Creative Process & the Fashion Industry(2008), Vestoj(2009).

텔레비전의 유행

텔레비전 방송은 1950년대에 작은 패션 특징을 가지고 시작되었습니다.1960년대와 1970년대에, 다양한 예능 프로그램에서 패션 부분이 더 빈번해졌고, 1980년대에는 패션 텔레비전과 같은 헌신적인 패션쇼가 등장하기 시작했습니다.패션TV는 이 사업의 선구자였으며 그 이후 패션 텔레비전과 뉴미디어 채널에서 선두로 성장했습니다.패션 산업은 소셜 미디어의 블로거들을 통해 그들의 스타일을 홍보하기 시작했습니다.보그는 인기를 끌었던 자신의 패션 블로그를 통해 팔로워 수가 증가함에 따라 치아라 페라그니를 "현재의 블로거"로 지정했습니다.[93]

뉴욕시에서 열린 2010 가을 패션 위크가 끝난 지 며칠 후, 뉴아일랜드의 패션 에디터인 제네비에브 택스는 패션 업계가 주로 실제 소비자들의 희생을 감수하면서 자체적인 시즌제 일정으로 운영되고 있다고 비판했습니다."디자이너들은 봄에 가을 컬렉션을 발표하고 가을에는 봄 컬렉션을 발표하기 때문에 보그와 같은 패션 잡지는 항상 다가오는 시즌만을 기대하며, 1월에는 반바지에 대한 리뷰를 발표하는 한편 9월에 오는 파카를 홍보합니다."라고 그녀는 말합니다."결과적으로, 능숙한 쇼핑객들은 구매에 대해 극단적으로, 아마도 비현실적으로, 멀리 내다볼 수 있는 조건을 갖추게 되었습니다."[94]

패션 산업은 리얼리티 쇼 프로젝트 런웨이와 드라마 시리즈 어글리 베티를 포함하여 수많은 영화와 텔레비전 쇼의 주제가 되어 왔습니다.특정 패션 브랜드는 제품 배치 기회뿐만 아니라 맞춤형 아이템으로 영화에 등장하여 패션 트렌드를 이끌어 왔습니다.[95]

일반적으로 동영상은 패션 산업을 홍보하는 데 매우 유용하게 사용되었습니다.이것은 패션 산업을 직접적으로 조명하는 텔레비전 쇼뿐만 아니라, 제품 배치를 통해 특정 브랜드를 홍보할 뿐만 아니라 패션 성명서를 보여주는 영화, 행사, 뮤직비디오에서도 분명히 드러납니다.

패션업계에서 논란이 되고 있는 광고

패션 광고의 인종차별

일부 패션 광고는 인종차별로 비난을 받았고 고객들의 불매운동으로 이어졌습니다.세계적으로 알려진 스웨덴의 패션 브랜드 H&M은 2018년 아동복 광고 중 하나로 이 문제에 직면했습니다."정글에서 가장 멋진 원숭이"라는 구호가 적힌 후드티를 입은 흑인 어린이가 광고에 등장했습니다.이는 곧바로 논란으로 이어졌는데, "원숭이"는 흔히 흑인들에 대한 비방으로 쓰이며, 많은 고객들이 브랜드를 보이콧하게 만들었습니다.유명인사들을 포함한 많은 사람들이 H&M에 대한 그들의 분노와 H&M의 제품들과 함께 일하는 것과 구매하는 것을 거부하는 것에 대해 소셜 미디어에 올렸습니다.H&M은 성명서를 내고 "이 일이 불쾌했을 수도 있는 것은 누구에게나 사과한다"고 밝혔지만, 이 역시 불성실한 모습을 보여 비난을 받았습니다.[96]

인종차별주의자로 보이는 또 다른 패션 광고는 미국의 세계적인 의류 브랜드인 GAP에서 나왔습니다.GAP는 2016년 엘렌 드제너러스(Ellen DeGeneres)와 공동으로 광고를 진행했습니다.그것은 키가 큰 백인 소녀가 더 작은 흑인 소녀의 머리에 팔을 기대고 있는 네 명의 장난기 많은 어린 소녀들을 특징으로 합니다.개봉과 동시에 일부 시청자들은 그것이 근본적인 수동적인 인종차별을 보여준다고 주장하며 심하게 비난했습니다.The Root의 한 대표는 그 광고가 흑인들이 저평가되고 백인들이 더 잘 보이기 위한 도구로 보인다는 메시지를 보여준다고 논평했습니다.[97]다른 사람들은 그 광고에 별 문제가 없다고 보았고, 그 논란은 사람들이 과도하게 민감하게 반응한 결과라고 생각했습니다.GAP는 광고의 이미지를 대체하고 비평가들에게 사과했습니다.[98]

패션광고의 성차별

많은 패션 브랜드들이 고객들의 관심을 끌기 위해 자극적이고 섹시한 광고를 냈습니다.영국의 하이 패션 브랜드인 지미 추(Jimmy Choo)는 영국 여성 모델이 브랜드의 부츠를 신고 등장한 광고에서 성차별을 했다는 비난을 받았습니다.이 2분짜리 광고에서 남자들은 빨간 민소매 미니 드레스를 입고 거리를 걸으며 모델을 향해 휘파람을 불고 있습니다.이 광고는 성희롱과 다른 비행을 조장하는 것으로 보여 시청자들로부터 많은 반발과 비난을 받았습니다.많은 사람들이 소셜 미디어 게시물을 통해 그들의 실망감을 드러냈고, 지미 추가 소셜 미디어 플랫폼의 광고를 철회하도록 이끌었습니다.[99]

프랑스 명품 패션 브랜드 입생로랑도 2017년 파리에서 선보인 프린트 광고로 이 문제에 직면했습니다.광고에는 어망 타이즈를 입고 롤러스케이트 스타일의 스틸레토를 신고 카메라 앞에 다리를 벌린 채 몸을 뒤로 젖힌 여성 모델의 모습이 담겼습니다.이 광고는 시청자들과 프랑스 광고 조직 이사들 모두로부터 "존엄, 존엄성에 대한 존중과 복종, 폭력, 의존을 금지하는 것들"과 고정관념의 사용과 관련된 광고 법규를 위반한 것에 대해 혹평을 받았습니다." 그리고 이 광고는 "청소년들에게 정신적인 피해를 주고 있다"고 덧붙였습니다.[100]대중의 부정적인 반응으로 인해 포스터는 도시에서 삭제되었습니다.

홍보 및 SNS

작은 검은 드레스를 입고 무릎 높이까지 오는 부츠를 신은 멕시코 스포츠 기자

패션 홍보는 한 회사의 청중들과 접촉하고 그들과 강한 관계를 맺는 것, 미디어에 접근하는 것, 그리고 그 회사의 긍정적인 이미지를 투영하는 메시지를 시작하는 것을 포함합니다.[101]소셜 미디어는 다양한 플랫폼을 통해 다양한 소비자에게 접근할 수 있도록 하는 현대 패션 홍보에 중요한 역할을 합니다.[102]

브랜드 인지도와 신뢰도를 높이는 것은 좋은 홍보의 핵심적인 함의입니다.어떤 경우에는 실무자에 의해 발생하는 엄청난 노출로 인해 시장에 출시되기 전에 새로운 디자이너의 컬렉션에 대한 과대 광고가 형성되기도 합니다.[103]블로그, 마이크로블로그, 팟캐스트, 사진 및 비디오 공유 사이트와 같은 소셜 미디어는 모두 패션 홍보에 점점 더 중요해지고 있습니다.[104]이러한 플랫폼의 상호작용적 특성을 통해 실무자들은 실시간으로 대중과 소통하고 고객의 브랜드나 캠페인 메시지를 타깃 고객에 맞게 조정할 수 있습니다.인스타그램, 텀블러, 워드프레스, 스퀘어스페이스 등의 공유 사이트와 같은 블로그 플랫폼을 통해 블로거들은 전문적인 패션 해설가로 떠올랐고, 브랜드를 형성하며 '트렌드'에 큰 영향을 미치고 있습니다.[105]땀에 젖은 베티 홍보회사의 설립자 록시 자켄코와 오스카 데 라 렌타의 홍보녀 에리카 베어먼과 같은 패션 홍보업계의 여성들은 그들의 소셜 미디어 사이트에서 브랜드 정체성과 그들이 일하는 회사들에 대한 비하인드 스토리를 제공함으로써 많은 팔로워들을 확보했습니다.

소셜 미디어는 실무자들이 미디어와 고객 관계 구축에 관심을 가지면서 [29]메시지를 전달하는 방식을 바꾸고 있습니다.[106]온라인 쇼핑을 통해 사회적으로 연결된 산업에 패션 대중을 참여시키기 위해 홍보 담당자는 모든 플랫폼 간에 효과적인 커뮤니케이션을 제공해야 합니다.[107]소비자는 개인 소셜 미디어 페이지(Facebook, Twitter, Instagram 등)에서 구매한 내용을 공유할 수 있으며, 실무자가 브랜드 메시지를 효과적으로 전달하고 대중의 요구를 충족시킨다면, 입소문 홍보가 생성되고 잠재적으로 디자이너와 제품에 광범위하게 적용될 수 있습니다.

패션과 정치운동

자세한 정보:패션 활동

패션이 사람들을 연관시키고 사회적 계층을 의미하듯이, 패션은 정치와 사회의 사회 조직과 교차합니다.오트쿠튀르와 비즈니스 수트는 권력자들에 의해 연관되는 반면, 정치 질서에 도전하고자 하는 단체들 또한 그들의 입장을 알리기 위해 옷을 사용합니다.패션을 행동주의의 한 형태로 명시적으로 사용하는 것은 보통 "패션 행동주의"라고 불립니다.

패션과 페미니즘 사이에는 복잡한 관계가 있습니다.일부 페미니스트들은 여성 패션에 참여함으로써 여성들이 여성 억압의 한 부분인 성차를 유지하는 데 기여하고 있다고 주장했습니다.[108]브라운밀러는 여성들이 패션보다는 편안함과 실용성에 초점을 맞추어 전통적인 여성스러운 드레스를 거부해야 한다고 생각했습니다.[108]다른 이들은 유행에 발맞추기 위해 여성들에게 계절적으로 옷을 갈아입도록 요구하는 것은 억압적인 패션 시스템 그 자체라고 믿고 있습니다.[109]그리어는 계절에 따른 드레스의 변화는 무시되어야 한다는 이 주장을 옹호했습니다. 그녀는 패션의 강제성을 그들만의 개인적인 스타일링을 만들기 위한 규범을 거부하는 즐거움으로 대체함으로써 여성들이 해방될 수 있다고 주장합니다.[110]이러한 계절 패션의 거부는 1960년대 사회주의적, 인종적, 환경적인 이유로 패션에 대한 거부와 함께 많은 시위를 야기시켰습니다.[111]그러나 모스만은 이러한 시위에 사용된 언어와 스타일이 패션 자체의 일부가 되었기 때문에 패션에 항의하는 것과 패션을 창조하는 것 사이의 관계가 역동적이라고 지적했습니다.[111]

패션 디자이너들과 브랜드들은 전통적으로 정치적 갈등을 피하고 있으며, 업계에서는 정치적 영역에서 보다 명확한 입장을 취하고자 하는 움직임이 있어요.다소 정치적인 입장을 유지하는 것에서 오늘날 디자이너와 브랜드는 현재의 논쟁에 더 명확하게 참여합니다.[112]

예를 들어, 2016년 대통령 선거의 몇 달 후, 런던, 밀라노, 뉴욕, 파리, 상파울루 등에서 열린 2017년 패션 위크 동안 미국의 정치적 분위기를 고려할 때, 많은 디자이너들은 자신들의 플랫폼과 영향력을 활용한 정치적 입장을 취하여 고객들에게 다가가기 위한 기회를 잡았습니다.[113][114]패션은 항상 정치적 논쟁의 가장 포괄적인 플랫폼이 아니라 하향식 메시지의 일방적인 방송이기 때문에, 이것은 또한 민주주의 가치에 대한 논란으로 이어졌습니다.

명시적인 정치적 입장을 취할 때, 디자이너들은 일반적으로 도덕적인 밑바탕을 가진 명확한 언어로 식별될 수 있는 문제를 선호합니다.예를 들어, "패션 공간에서 통일, 포용, 다양성, 그리고 페미니즘의 더 큰 메시지를 증폭시키는 것"을 목표로, 디자이너 Mara Hoffman은 실용주의적인 옷의 현대적인 실루엣을 특징으로 하는 그녀의 쇼를 열기 위해 Washington에 있는 Women's비평가들은 "현대 전사를 위해 만들어졌다"와 "아직 할 일이 남아있는 사람들을 위한 옷"이라고 묘사했습니다.[115]프라발 구룽은 "미래는 여성이다", "우리는 침묵하지 않을 것이다", 그리고 "그럼에도 불구하고 그녀는 지속되었다"와 같은 슬로건이 포함된 티셔츠 컬렉션을 데뷔시켰고, 수익금은 ACLU, 계획된 부모가 되기 위한 계획된 재단, 그리고 구룽의 자선단체인 "식샤 재단 네팔"에 기부되었습니다.[112]마찬가지로, 비즈니스 오브 패션은 소셜 미디어에서 #Tieed Together 운동을 시작했고, 편집자에서 모델에 이르기까지 업계의 구성원들이 "패션 위크 동안 통일성, 연대성, 그리고 포괄성"을 옹호하는 흰색 반다나를 입도록 장려했습니다.[116]

패션은 건강한 행동을 장려하고,[117] 암 치료를 위한 기금을 모으기 위해,[118] 또는 소년 보호 협회나[120] 어린이 호스피스와 같은 지역[119] 자선단체를 위한 기금을 모으기 위해 사용될 수 있습니다.[121]

하나의 패션 원인은 쓰레기를 옷, 보석 그리고 다른 패션 아이템들을 만들기 위해 오염에 대한 인식을 증진시키기 위해 사용하는 트래션입니다.마리나 드브리스(Marina DeBris), 앤 위저(Ann Wizer),[122] 낸시 저드(Nancy Judd)[123]와 같은 현대적인 트래션 아티스트가 다수 있습니다.다른 디자이너들은 펑크 운동의 전통에서 더 많은 포용과 다양성을 촉진하기 위해 업계의 엘리트주의를 다루기 위해 DIY 패션을 사용했습니다.[124]

인류학적 관점

학문적 관점에서, 다양한 패션의 스포츠는 패션의 문법을 사용하여 다양한 패션 표현을 생산하는 의사소통 방식인 패션 언어의 한 형태로 보여졌습니다.[125]이것은 프랑스의 영향력 있는 철학자이자 기호학자인 롤랑 바르트의 작업에서 촉진된 관점입니다.

문화와 인간 사회에 대한 연구인 인류학은 왜 어떤 스타일이 사회적으로 적합하다고 생각되고 다른 스타일들은 그렇지 않은지 질문함으로써 패션을 조사합니다.상호작용주의 이론에서, 공동체에서 권력을 가진 사람들이 어떤 관행이나 표현을 선택하고, 그것은 권력을 가진 사람들이 특정한 시기에 정의하는 "패션"이 됩니다.만약 특정한 스타일이 이미 생겨난 신념들의 집합에서 의미를 가진다면, 그 스타일은 패션이 될 더 큰 가능성을 가질 수 있습니다.[126]

문화 이론가인 Ted Polhemus와 Lynn Procter에 따르면, 패션을 장식품으로 묘사할 수 있는데, 그 중 패션과 안티패션의 두 가지 유형이 있습니다.의류, 액세서리, 신발 등의 자본화와 상품화를 통해 한때 안티패션으로 여겨졌던 것이 패션과 안티패션의 경계가 모호해짐에 따라 패션의 일부가 되며, 한때 패션의 변화에서 벗어나 있던 표현들이 트렌드와 함께 휩쓸려 새로운 의미를 나타냅니다.[127]예를 들어, 에스닉 드레스의 요소들이 어떻게 유행의 일부가 되고, 어떻게 문신이 선원, 노동자, 범죄자들로부터 대중문화로 이동하는지와 같은, 캣워크나 길거리 문화에 나타나는가에 이르기까지 다양합니다.

문화 이론가 맬컴 버나드에게 패션과 안티 패션은 극과 극으로 다릅니다.안티 패션은 고정되어 있고 시간이 지남에 따라 거의 변화하지 않으며,[128] 자신과 연관된 문화적 또는 사회적 집단에 따라, 또는 자신이 사는 곳에 따라 다르지만, 그 집단 또는 지역 내에서 스타일은 거의 변화하지 않습니다.이와 대조적으로 패션은 매우 빠르게[129] 변화할 수 있으며, 세계의 한 그룹이나 지역에 소속되어 있지 않고 사람들이 서로 쉽게 소통할 수 있는 곳으로 전 세계로 확산됩니다.반패션의 한 예로 의식복 또는 다른 전통복을 들 수 있는데, 이는 특정 의상과 디자인이 모두 충실하게 재현되고 전통의 현상 유지를 목적으로 하는 것입니다.이것은 일부 가부키 연극의 의상에서 볼 수 있는데, 일부 캐릭터 의상은 수 세기 전의 디자인에서 그대로 유지되고, 어떤 경우에는 그 역할을 '완벽하게' 했다고 여겨지는 배우들의 볏을 유지하고 있습니다.

안티 패션은 현상 유지에, 패션은 사회적 이동성에 관심이 있습니다.시간은 안티패션의 연속성과 패션의 변화로 표현됩니다; 패션은 변화하는 장식 방식을 가지고 있는 반면, 안티패션은 고정된 장식 방식을 가지고 있습니다.

이 이론적 관점에서 패션의 변화는 더 큰 산업 시스템의 일부이며, 이 시스템의 강력한 행위자들에 의해 의도적인 스타일의 변화가 되도록 구성되어 있으며, 산업의 영향을 받는 경로(예: 유료 광고)를 통해 촉진됩니다.[130]

지적 재산.

상품의 총매출액 대 IP법 (미국 2007년)

패션산업에서는 영화산업과 음악산업에서 지적재산권이 강제되는 것이 아닙니다.지적재산권 전문가 로버트 글래리스톤(Robert Glariston)은 LA에서[which?] 열린 패션 세미나에서 "의류와 관련한 저작권법은 현재 업계의 핫버튼 이슈입니다.우리는 종종 디자인에 영감을 받은 디자이너와 다른 장소에서 디자인을 훔치는 디자이너 사이의 선을 그어야 합니다."[131]다른 사람들의 디자인에서 영감을 얻는 것은 패션 산업이 의류 트렌드를 확립하는 능력에 기여합니다.지난 몇 년 동안, WGSN은 전세계 패션 브랜드들이 서로에게 영감을 얻도록 장려하는 데 있어 패션 뉴스와 예측의 주요 공급원이었습니다.어떤 사람들은 새로운 유행을 만들어 소비자들이 옷을 사도록 유도하는 것이 업계 성공의 핵심 요소라고 주장합니다.이와 같은 추세 결정 과정을 방해하는 지적 재산권 규칙은 이러한 관점에서 역효과를 가져올 것입니다.반면에, 많은 소규모 또는 독립적인 디자인 회사들의 실패의 원인은 대기업들에 의한 새로운 아이디어, 독특한 디자인, 디자인 세부사항들의 노골적인 도용이라고 종종 주장됩니다.

가짜는 낮은 품질로 구별될 수 있기 때문에, 여전히 명품에 대한 수요가 있고, 상표나 로고만이 저작권을 가질 수 있기 때문에, 많은 패션 브랜드들은 이것을 의복이나 액세서리의 가장 눈에 띄는 측면 중 하나로 만듭니다.특히 핸드백에서 디자이너의 브랜드는 가방이 만들어지는 원단(또는 안감 원단)에 짜여져 가방의 본질적인 요소가 될 수 있습니다.

2005년 세계 지적재산권기구(WIPO)는 중소기업을 더 잘 보호하고 섬유와 의류 산업의 경쟁력을 증진시키기 위해 패션 산업 내에서 더 엄격한 지적재산권 집행을 요구하는 회의를 열었습니다.[132][133]

참고 항목

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추가열람

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  • 스틸, 발레리, 의류 패션 백과사전, 디트로이트:톰슨 게일, 2005
  • Turrell, Claire (2 Mar 2023). "The Asian blouse that tells a tale of many cultures". BBC.

외부 링크

  • Wikimedia Commons 패션 관련 미디어
  • Wiktionary에서 패션의 사전적 정의
  • Wikiquote에서 패션과 관련된 인용문