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카르나틱 음악

Carnatic music
카르나틱 음악
Tanjore-style Carnatic tambura.JPG
탄자부르식 탐부라
개념
구성
인스트루먼트
멜로디
사라스바티 부샤
베우
나다스바라
고우바야 (시트라부야)
바이올린
타악기
da田ṃ씨
가샤
모르싱
간지라
타빌
드론
탐부라
슈루티 박스
인도 고전 음악
Murasu.svg
개념

카르나카 사그타 또는 카르나카 사그탐으로 알려진 카르나틱 음악은 현대 인도의 카르나타카 주, 안드라 프라데시 주, 텔랑가나, 케랄라 주, 타밀 나두, 스리랑카 [1][2]등 남인도와 공통적으로 연관된 음악 체계이다.그것은 고대 사나타나 다르마 과학과 전통, 특히 사마베다에서 [3]발전한 인도 클래식 음악의 두 가지 주요 장르 중 하나이다.또 다른 하위 장르는 힌두스타니 음악으로, 북인도의 페르시아나 이슬람의 영향으로 인해 독특한 형태로 등장했다.카르나틱 음악에서 가장 강조되는 것은 성악이다; 대부분의 작곡은 노래를 부르도록 쓰여져 있고, 심지어 악기로 연주될 때도 가야키 스타일로 연주되도록 되어 있다.

양식적인 차이는 있지만, 카르나틱과 힌두스타니 음악 모두에서 루티(상대적인 음높이), 스와라(단일 음의 음악 소리), 라가(모드와 멜로디 공식), 탈라(리듬 사이클)의 기본 요소는 즉흥곡과 작곡의 기초를 형성한다.즉흥 연주가 중요한 역할을 하지만, 카르나틱 음악은 작곡, 특히 푸란다라 다사와 카르나틱 음악의 삼위일체 같은 작곡가들에 의해 14세기와 20세기 사이에 발전된 형태인 크리티 (또는 키르타남)를 통해 주로 노래된다.카르나틱 음악 또한 보통 작곡을 통해 가르치고 배운다.텔루구어는 대부분의 작곡이[4] 텔루구어 또는 산스크리트어로 되어 있고, 타밀어와 [5]칸나다어가 일부 있기 때문에 카르나틱 음악의 진화를 주도하고 있습니다.

카르나틱 음악은 주로 주요 연주자(보통 성악가), 선율 반주(보통 바이올린), 리듬 반주(보통 미리당암), 그리고 공연 내내 드론의 역할을 하는 탐부라로 구성된 작은 앙상블에 의해 연주된다.공연에 사용되는 다른 대표적인 악기로는 가탐, 간지라, 무르싱, 베누 플루트, 비나, 치트라비나가 있다.카르나틱 음악가들이 가장 많이 모이는 곳은 [6]첸나이시입니다.세계 최대 문화행사 [7][8]중 하나로 꼽혀온 마드라스 뮤직시즌을 비롯해 인도 전역과 해외에서 다양한 카르나틱 음악 축제가 열린다.

출처, 출처 및 이력

힌두교의 모든 지식, 음악, 예술, 과학의 여신인 사라스와티와 그녀의 악기인 비나.

인도 문화의 모든 예술 형태와 마찬가지로 인도 클래식 음악은 데바스와 데비스(힌두 신과 여신)[9][10]에서 유래한 신성한 예술 형태이며 나다 브라만의 [11]상징으로 숭배된다.고대 논문들은 또한 스와라의 기원을 동물과 새의 소리와 연결시키고 예리한 관찰과 인식을 통해 이러한 소리를 흉내내려는 인간의 노력을 묘사하고 있다.인도 클래식 음악의 토대가 된 것으로 여겨지는 사마 베다는 리그베다의 찬송가로 구성되어 있으며, Vedic [10]yajnas 때 3에서 7개의 음표를 사용하여 노래한다.주로 제물로 이루어진 Yajur-Veda는 성악 [12]낭송의 반주로 Veena를 언급하고 있다.인도 고전음악에 대한 언급은 라마야나 마하바라타와 같은 서사시를 포함한 많은 고대 문헌에서 만들어진다.The Yajnavalkya Smriti mentions वीणावादन तत्त्वज्ञः श्रुतीजातिविशारदः ताळज्ञश्चाप्रयासेन मोक्षमार्गं नियच्छति ( vīṇāvādana tattvajñaḥ śrutijātiviśāradaḥ tālajñaścāprayāsena mokṣamārgaṃ niyacchati, "The one who is well versed in veena, one who has the knowledge of srutis and one who is adept in tala, attains liberation (moksha) without doubt").[13]카르나틱 음악은 몇몇 고대 작품, 특히 일랑고 아디갈의 바라타의 [14]나티야 샤스트라와 실라파디카람에 상세히 기술된 음악적 개념(스와라, 라가, 탈라 포함)에 바탕을 두고 있다.

12세기 이후 북인도에서 페르시아와 이슬람의 영향으로 인도 클래식 음악은 힌두스타니 음악과 카르나틱 [6]음악이라는 두 가지 스타일로 분리되기 시작했다.주석과 샤른가데바의 Sangita Ratnakara와 같은 다른 작품들은 인도 클래식 [15]음악에서 발견되는 음악적 개념에 대해 더욱 상세하게 설명했다.16세기와 17세기에는 카르나틱 음악과 힌두스타니 [16]음악 사이에 명확한 구분이 있었다; 카르나틱 음악은 페르시아와 아랍의 영향을 비교적 받지 않았다.비자야나가라에서 카르나틱 음악이 번성했던 것은 이 시기였고 비자야나가르 제국은 그 [17]전성기에 이르렀다.'카르나틱 음악의 아버지(피타마하)'로 알려진 푸란다라 다사는 카르나틱 [10][18]음악의 가르침에 흔히 사용되는 체계를 만들었다.벤카타마킨은 그의 산스크리트 작품인 차투르단디 프라카시카 (1660 AD)[16]에서 라가 분류의 멜라카르타 체계에 대한 공식을 발명하고 저술했다.고빈다차랴는 멜라카르타 제도를 샘푸나 라가 제도(오늘날 일반적으로 사용되는 제도)로 확장한 것으로 알려져 있다.

18세기와 19세기에, 카르나틱 음악은 마이소르 왕국, 트라반코어 왕국, 그리고 [19]탄조레의 마라타 통치자들의 지지를 받았다.마이소르 왕국과 트라반코르 왕국의 왕족들 중 일부는 유명한 작곡가였고, 비나, 루드라 비나, 바이올린, 가탐, 플루트, 미리당암,[20] 나가스와라, 스와라벳과 같은 악기 연주에 능숙했다.음악에 능숙한 몇몇 유명한 궁정 음악가들은 다른 사람들 중에서 빈 셰샤나와 빈 서브바나였다.[21][22]

19세기 후반, 첸나이(당시 마드라스)는 카르나틱 [23]음악의 중심지로 떠올랐다.1947년 옛 군주국가의 해체와 인도 독립 운동이 결말을 맺으면서 카르나틱 음악은 사바라고 불리는 민간 기관에 의해 조직된 티켓 공연으로 대중의 예술로 급격한 후원을 거쳤다.

자연.

카르나틱 음악에서 가장 강조되는 것은 성악이다; 대부분의 작곡은 노래를 부르도록 쓰여져 있고, 심지어 악기로 연주될 때에도, 그것들은 가야키라고 알려져 있는 노래 스타일로 알려져 있다.[24]힌두스타니 음악처럼 카르나틱 음악은 두 가지 주요 요소, 즉 모드 또는 멜로디 공식인 라가와 리듬의 [24]순환인 타냐에 기초한다.

오늘날, 카르나틱 음악은 음악가들이 음악회나 녹음에서, 또는 악기를 통해 연주한다.카르나틱 음악 자체는 경이로운 작곡가의 작품이나 작곡을 중심으로 발전했다.

중요 요소

①루티

주요 기사 : 【Ruti (음악)】

루티는 일반적으로 [25]음정을 말합니다.그것은 서양 음악에서 강장제(또는 덜 정확하게는 건반)와 거의 동등하다; 그것은 다른 모든 음이 파생된 음표이다.옥타브 음높이의 의미에서도 사용된다.카르나틱 음악에는 음계(또는 라가)에 속하는 무한한 수의 소리가 있지만, 청각적 지각으로 구별할 수 있는 숫자는 22개이다.그런 의미에서 스루티는 청각적 지각에 의해 결정되지만 듣는 사람의 [26]마음속 표현이기도 하다.

스와라

주요 기사: 스와라

스와라는 정의된 주파수가 [25]아닌 음표의 상대적인 (높거나 낮은) 위치를 정의하는 단일 음표인 음악 소리의 한 유형을 말합니다.스와라스는 또한 7개의 음표로 구성된 카르나틱 음악의 솔페지 "사리가마파다니" (힌두스타니 사르감: 사레가마파다니 또는 서양의 도레미파소라티와 비교)를 가리킨다.샤드자, 리샤바, 간다라, 마담, 판차마, 다이바타, 니시다의 약칭이다.다른 음악 시스템과 달리 솔페지의 모든 멤버는 세 가지 변형을 가지고 있습니다.예외는 드론 노트, 샤드자와 판차마(강장제와 지배제로도 알려져 있음)와 두 가지 형태를 가진 마디아마(아지배제)이다.타밀나두어로 된 쿠두미얀말라이의[27] 7세기 돌 비문은 높은 4분의 1톤을 나타내기 위해 라, 리, 루 등의 조음 기호에 대한 모음 변화를 보여준다.한 음계, 즉 라가에서는 일반적으로 각 음표의 변종만 존재합니다.예술적 효과를 위해 두 개의 상승(아로하남)과 하강(아바로하남)이 있는 "가벼운" 라가에는 예외가 존재합니다.

라가 시스템

주요 기사 : 라가

카르나틱 음악의 라가는 서양의 [28]모드 개념과 매우 유사한 멜로디를 만드는 일련의 규칙을 규정합니다.위(아로하남)와 아래(아로하남)의 이동 규칙, 음계, 음계, 음계, 가마카(장식)로 부를 수 있는 음표, 사용 또는 피해야 할 음표 등을 규정한다.사실상, 그것은 절대적으로 또는 특정한 [29]빈도로 관찰되어야 하는 일련의 의무적인 음악 사건이다.

카르나틱 음악에서, 샘푸르나 라가는 그들이 가지고 있는 음의 종류에 따라 분류되는 멜라카르타라고 불리는 시스템으로 분류된다.72개의 멜라카르타 라가가 있는데, 그 중 36개는 수다(강장제에서 정확히 4번째)이고, 나머지 36개는 프라티(강장제에서 4번째)이다.라가는 차크라라고 불리는 6개의 세트로 분류되며, 초음계와 중음계의 정도에 따라 분류된다.멜라카르타 라가의 이름을 결정하는 카타파야디 산키아라고 알려진 시스템이 있다.

라가는 두 종류로 나눌 수 있다: 자나카 라가(즉, 멜라카르타 또는 부모 라가)와 자나카 라가(특정 자나카 라가의 후예 라가).Janya ragas 자체는 다양한 범주로 분류됩니다.

탈라계

주요 기사:탈라(음악)

탈라는 특정한 구성에 대해 설정된 고정된 시간 주기 또는 미터를 가리키며,[citation needed] 비트의 그룹으로 구성됩니다.탈라는 정해진 수의 박자를 가지고 있고 노래 내에서 거의 변하지 않는다.그들은 특정한 구성 요소를 가지고 있으며, 조합으로 다양한 종류가 존재할 수 있고(108개 이상) 다른 구성들이 서로 [30]다른 리듬을 가질 수 있습니다.

카르나틱 음악 가수들은 보통 특정한 패턴으로 손을 위아래로 움직이며 동시에 손가락을 사용하여 박자를 맞춘다.탈라는 라구, 드르탐, 아누드르탐의 세 가지 기본 부분으로 형성되지만 복잡한 탈라는 플루탐, 구루, 카카파아담과 같은 다른 부분을 가질 수 있다.laghu, dhrtam 및 anudhrtam에서 형성될 수 있는 7개의 기본 탈라 그룹이 있습니다.

  • 아타탈라
  • 드루바탈라
  • 에카탈라
  • 잠파탈라
  • 마티야탈라[citation needed]
  • 루파카탈라
  • 삼부타탈라

라구는 카운트 패턴에 따라 5가지 변형(자아티스라고 함)이 있습니다.5자아티 곱하기 7탈라 그룹은 35개의 기본 탈라를 제공하지만, 다른 앙가를 사용하면 총 108탈라가 됩니다.

즉흥 연주

라가의 즉흥 연주는 인도 클래식[31] 음악의 영혼이며, 필수적인 측면입니다.[32]카르나틱 음악으로 알려진 "마노다르마 상게탐" 또는 "칼파나 상상의 음악"은 다양한 즉흥 연주를 [32][33]포함한다.

카르나틱 음악에서 즉흥곡의 [34][35]주요 전통적인 형태는 다음과 같습니다.

  • 알라파나
  • 니라발
  • 팔라비
  • 라감
  • 스와라칼파나
  • 타남
  • 타니아바르타남

라가 알라파나

주요 기사:알라파나

때때로 [36]라감이라고도 불리는 알라파나는 라가 또는 음색을 설명하는 것으로,[37] 라가가 [29]장식의 기초가 되는 리듬이 없는 느린 즉흥 연주이다.알라파나를 공연할 때, 연주자들은 각각의 라가를 시작과 끝이 있고 어떤 식으로든 [29]생각의 연속들로 이루어진 물건으로 간주한다.

연주자는 라감을 탐구하고 다양한 [36]뉘앙스를 만지며, 낮은 옥타브에서 먼저 노래를 부르고, 점차 높은 옥타브로 올라가면서 [37]연주할 노래의 힌트를 줄 것이다.

이론적으로, 이것은 규칙이 매우 적기 때문에 가장 쉬운 즉흥 연주 타입이어야 하지만, 사실, 즐겁고 포괄적인 ("라감"을 주는 의미에서), 그리고 가장 중요한 것은 독창적인 라가 알라파나를 부르려면 많은 기술이 필요하다.

니라발

주요 기사:니라발

보통 상급 연주자들에 의해 연주되는 니라발은 한 곡의 텍스트 한 두 줄을 반복해서 부르지만 일련의 멜로디한 즉흥적인 [38]정교함으로 구성되어 있다.니라발은 즉흥 멜로디 변주곡으로 구성되지만, 일반적으로 지속시간의 원래 패턴은 [39]유지됩니다. 텍스트 행의 각 단어는 탈라 [40]사이클의 원래 위치(idam) 내에 설정됩니다.그리고 나서 대사들은 두 배 속도, 세 배 속도, 네 배 속도, 심지어 여섯 배 [41]속도 등 다양한 수준의 속도로 연주된다.라가, 템포, 작곡의 [citation needed]테마를 정리하는 것을 목적으로 한 즉흥적인 정교함.

칼파나스와람

주요 기사: Kalpanaswaram

스와라칼파나라고도 알려진 칼파나스와람은 스와라(솔파 음절)[42]를 사용하여 멜로디하고 리드미컬한 구절을 즉흥적으로 연주하는 것으로 구성되어 있다.니라발과 [43]마찬가지로 칼파나스와라는 멜로디의 라가의 특정 스와라와 탈라 [44]사이클의 특정 장소(이담)에서 끝나기 위해 불려진다.

칼파나스와라는 다소 예측 가능한 리드미컬한 [45]구조를 가지고 있다; 스와라는 사맘에서 끝나도록 노래된다.[41]스와라는 또한 부르는 멜로디와 같은 속도 또는 두 배의 속도로 부를 수 있지만, 일부 아티스트들은 [41]3배속 구절을 부르기도 한다.

Kalpanaswaram은 가장 기본적인 즉흥 연주 유형으로 보통 다른 즉흥 연주보다 먼저 가르친다.

타남

타남은 즉흥의 가장 중요한 형태 중 하나이며, 라감 타남 팔라비의 [46]필수 요소이다.원래는 veena를 위해 개발된 것으로, tha, nam, tom, aa, nom, na 등의 음절로 라가를 확장하는 것으로 구성되어 있다.

라감 타남 팔라비

주요 기사: Ragam Tanam Palavi

라감, 타남, 팔라비는 [46]콘서트의 주요 롱 형식이며 즉흥 연주의 복합 형태이다.이름에서 알 수 있듯이, 그것은 라가 알라파나, 타남, 그리고 팔라비 라인으로 구성되어 있다.느린 속도의 탈라로 설정된 팔라비 라인은 종종 연주자에 의해 작곡됩니다.니라발을 통해 팔라비 라인을 [36]복잡한 멜로디로 리드미컬하게 조작합니다.니라발 뒤에는 칼파나스와람이 이어진다.

타니아바르타남

타니 아바르타남은 [47]타악기 연주자가 연주한 연주곡의 연장 솔로를 말하며,[40] 보통 콘서트의 주요 작곡 후에 연주된다.타악기 연주자는 솔로로 2분에서 20분 [47]정도 걸릴 수 있는 그의 기술과 리듬감 있는 상상력의 모든 범위를 보여준다.

구성

인도 북부의 힌두스타니 음악과는 대조적으로 카르나틱 음악은 많은 복잡한 음악적 디테일을 인코딩하는 작곡을 통해 가르치고 배우며 자유로운 즉흥 연주를 할 수 있는 여지를 제공한다.거의 모든 카르나틱 음악 작곡은 작곡가의 비전뿐만 아니라 음악가의 해석의 요소들을 구현하기 때문에 다르고 독특하다.

카르나틱의 작곡은 사실 두 가지 요소를 가지고 있는데, 하나는 음악적인 요소이고 다른 하나는 작곡에서 전달되는 요소이다.대부분의 카르나틱 음악 작곡이 노래를 위한 곡인 것은 아마도 이러한 사실 때문일 것이다.풍부한 음악적 경험뿐만 아니라 각각의 작곡은 작곡가의 지식과 개성을 이끌어내기 때문에 가사는 음악적인 요소 자체만큼이나 중요하다.이것은 음악가들이 이 음악을 만드는 것이 단지 올바른 음표를 연주하거나 부르는 것이 아니기 때문에 특별한 도전을 제기한다; 음악가들은 작곡가가 전달한 것을 다양한 언어로 이해하고 작곡가가 의도한 효과를 내는 음악적인 구절을 부를 것으로 기대된다.ion.ion을 클릭합니다.

구성에는 여러 가지 유형이 있습니다.

Geethams와 swarajatis는 기본적으로 기본 학습 연습으로 사용됩니다.

인도 고전 무용과 인도 예배 음악과 더 일반적으로 연관된 작곡 또한 카르나틱 음악 레퍼토리에 점점 더 많이 사용되고 있다.산스크리트 슬로카, 타밀 비루탐, 텔루구 파드야 또는 시사파디야 형식의 공연은 특히 독특하다.비록 이러한 형태는 서정적인 시로 구성되지만, 음악가들은 [38]알라파나처럼 자유로운 리듬으로 라가 구절을 즉흥적으로 연주하기 때문에, 소리 가치와 텍스트의 의미 모두 정교한 멜로디 즉흥 연주를 [48]통해 음악가를 인도한다.divya prabandham, thevaram, ugabhoga와 같은 형태는 종종 비슷하게 연주되지만, 이러한 형태는 devaranama, javali, padam, tillana, tirupugazh와 같은 일정한 멜로디와 리듬을 가질 수도 있다.

카르나틱 음악에서 가장 흔하고 중요한 형태는 바르남과 크리티이다.

바남

주요 기사: Varnam

바램은 라가의 [49]주요 특징과 요건을 요약한 짧은 메트릭 조각입니다.라가의 특징과 규칙은 라가의 각 음을 어떻게 강조해야 하는지, 라가의 음계 등을 [50]포함한다.모든 바남은 [51]가사와 함께 팔라비, 아누팔라비, 묵타이와라,[50] 차남, 치타스와라를 포함한 스와라 구절들로 구성되어 있다.

복잡한 구조로 알려진 바남은 카르나틱 [51]음악의 기본 형태이다.바남은 카르나틱 음악 연주자들에 의해 여러 속도로 발성 운동으로 연습되며, 성악 문화를 발전시키고 적절한 음색과 리듬의 제어를 유지하기 위해 사용된다.카르나틱 음악 콘서트에서, 바남은 종종 음악가들이 오프닝 아이템으로 연주한다 [52]- 음악가들에게 워밍업과 [50]관객들의 관심을 끄는 수단이다.

크리티

주요 기사 : Kriti (음악)

카르나틱 노래(kritis)는 구조와 스타일이 다양하지만 일반적으로 세 가지 단위로 구성됩니다.

  1. 팔라비.이것은 서양음악의 후렴구에 해당하는 한 줄, 두 줄의 후렴구에 해당합니다.
  2. 아누팔라비.이게 2절인데 2행으로 되어 있어요.
  3. 카라나.마지막(그리고 가장 긴) 소절.차남은 보통 아누팔라비에서 패턴을 차용한다.여러 개의 문자가 있을 수 있습니다.

이런 종류의 노래는 키르타남 또는 크리티라고 불린다.크리티에는 치타스와라라는 스와라 구절도 있을 수 있다.치타스와라는 음표로만 구성되어 있고 단어는 없습니다.다른 사람들은 문자 끝에 마디아마칼라라고 불리는 구절을 가지고 있다.그것은 문자 뒤에 바로 부르지만, 두 배의 속도로 부른다.

저명한 작곡가

다음 항목도 참조하십시오.마이소르 왕국의 카르나틱 작곡가 및 음악가 목록

카르나틱 음악에는 많은 작곡가들이 있다.푸란다라 다사(1484–1564)는 카르나틱 음악에 대한 그의 중요한 공헌을 기려 카르나틱 음악의 피타마하(아버지 또는 할아버지)로 불린다.그는 스와라발리스와 알랑카라스라고 알려진 채점된 운동을 체계화했고, 동시에 초보자들도 배우는 첫 음계로 라가 마야마라바고울라를 도입했다.그는 또한 초보 학생들을 위해 기타스를 작곡했다.

동시대의 티아가라자(1767–1847), 무투스와미 딕시타(1776–1835), 시마 사스트리(1762–1827)는 사마 사스트리 작곡의 질, 무스와미 디키타, 티키타 작곡의 다양성 때문에 카르나틱 음악의 삼위일체로 여겨진다.

카르나틱 음악 삼위일체 이전의 유명한 작곡가로는 스리파다라자, 비아사티르타, 카나카다사, 바디라자 티르타, 아루나찰라 카비, 안나마차랴, 나라야나 테르타, 비자야 다사, 자간나타 다사, 고팔 다사, 라마하드가 있다.다른 작곡가로는 스와티 티루날, 고팔라크리슈나 바라티, 닐라칸타 시반, 파트남 수브라마니아 이예르, 마이소르 바수데바차르, 코테스와라 이예르, 무티아 바가바타르, 수브라마니아 바라야르, 칼리얀 등이 있다.이들 작곡가의 작곡은 현대의 예술가들이 자주 창작하고 있다.

카르나틱 음악 작곡가들은 종종 종교적 헌신에 의해 영감을 받았고 보통 칸나다, 말라얄람, 산스크리트어, 타밀어, 텔루구어 중 하나 또는 그 이상의 언어에 능숙한 학자들이었다.그들은 보통 그들의 작곡에 무드라라고 불리는 서명을 포함시켰다.예를 들어 Tyagaraja(Telugu에서 작곡한)의 모든 노래에는 Tyagaraja라는 단어가, Muthuswami Dikshitar(산스크리트어로 작곡한)의 모든 노래에는 Guruguha라는 단어가, Telugu에서 작곡한 Syama Sastri(Telugu에서 작곡한)의 모든 노래에는 Purand의 단어가 들어 있다.고팔라크리슈나 바라티(타밀어로 작곡)는 그의 작곡에서 고팔라크리슈난이라는 시그니처를 사용했다.타밀어와 [54]산스크리트어로 작곡된 카르나틱 음악의 [54]타밀 티아가라자로 불리는 파파나삼 시반은 그의 작품에 라마다산을 사용했다.

학습

카르나틱 음악은 전통적으로 푸란다라 다사에 의해 공식화된 체계에 따라 가르친다.여기에는 사랄리 스와라, 알란카라, 기텀 또는 간단한 노래, 스와라자티 등이 포함됩니다.학생이 일정한 수준에 도달한 후에, 바램을 가르치고 나중에, 학생은 크래티스를 배운다.학생이 콘서트에서 공연할 만큼 능숙해지기까지는 일반적으로 몇 년간의 학습이 필요하다.

학습 교재와 연습은 모든 남인도 주에 걸쳐 거의 균일하다.학습 구조는 점점 더 복잡해지는 순서로 배열됩니다.수업은 사랄리 바리사이(특정 라가로 설정된 솔페지)를 배우는 것으로 시작한다.

카르나틱 음악은 전통적으로 구루쿨라 체계에서 가르쳤으며, 이곳에서 학생은 스승(감청자)에게 예술을 배웠다.20세기 후반부터 생활습관의 변화와 젊은 음악 지망자들이 동시에 병행하는 학업을 추구해야 하는 필요성과 함께, 이 제도는 거의 수강자를 찾지 못했다.

음악가들은 종종 사람들에게 그들의 구루 파람파라, 혹은 그들이 속한 유명한 고대 음악가나 작곡가의 제자들의 위계에 대해 알리는 것에 큰 자부심을 가지고 있다.제자의 계층이 종종 언급되는 사람들은 티아가라자, 무투스와미 딕시타, 사마 사스트리, 스와티 치루날, 파파나삼 시반 등입니다.

오늘날 학생들은 음악을 배우기 위해 매일 또는 매주 그들의 지도자를 방문하는 것이 일반적이다.새로운 기술이 오디오 카세트와 CD에 녹음된 학습 연습과 같은 빠른 학습 미디어를 이용할 수 있게 되면서 학습을 더 쉽게 만들었지만, 이러한 것들은 대면 학습이 학생들에게 가장 좋다고 강조하는 대부분의 전문가들에 의해 좌절되고 있다.

표기법

인도 음악에서 표기법은 새로운 개념이 아니다.그러나 카르나틱 음악은 수 세기 동안 기록되지 않고 구두로 계속 전달되었다.이 시스템의 단점은 푸란다라 다사에 의해 작곡된 크리티에 대해 배우고 싶다면 푸란다라 다사의 혈통인 학생을 찾는 어려운 작업이 수반된다는 것이다.

카르나틱 음악의 문자 표기법은 17세기 후반과 18세기 초에 부활했고, 이는 탄조르의 샤하지 2세의 통치와 일치한다.샤하지의 음악 원고의 사본은 탄조레에 있는 사라스와티 마할 도서관에서 여전히 구할 수 있으며, 그것은 우리에게 음악과 그 형식에 대한 아이디어를 준다.여기에는 전술한 ragas를 수행할 때 사용되는 솔페지의 단편들이 포함되어 있습니다.

멜로디

서양 고전 음악과는 달리, 카르나틱 음악은 거의 전적으로 솔파 이름을 나타내기 위해 로마 문자나 인디안 문자를 사용하여 강세 솔파 표기법으로 표기된다.직원 표기법을 사용하려는 과거의 시도는 대부분 실패했습니다.인도 음악은 서양 음악에서 교회 모드보다 훨씬 많은 수백 개의 라가를 사용한다.우연이 너무 많이 사용되지 않고는 스텝 표기법을 사용하여 카르나틱 음악을 쓰는 것이 어려워진다.또한 스태프 표기법에서는 특정 키로 노래를 연주해야 합니다.키와 절대 음의 개념은 서양 음악에 깊이 뿌리박고 있는 반면, 카르나틱 표기법은 키를 지정하지 않고 음을 나타내기 위해 음계 도(상대 음고)를 사용하는 것을 선호한다.그 가수는 강약의 실제 음을 자유롭게 선택할 수 있다.보다 정확한 형태의 카르나틱 표기법에서는 음표 위에 음이 어떻게 연주되거나 노래되어야 하는지를 나타내는 기호들이 배치되어 있다. 그러나 비공식적으로 이러한 관행은 지켜지지 않는다.

메모의 길이를 표시하기 위해 여러 장치가 사용됩니다.음표의 지속시간을 두 배로 하는 경우, 알파벳은 대문자로 쓰이거나(로마 문자를 사용하는 경우), 분음 기호로 길게 쓰거나(인도 언어에서)3시간 동안 문자는 대문자(또는 발음을 해제)로 표시되고 그 뒤에 쉼표가 붙습니다.길이가 4인 경우 문자는 대문자화(또는 발음을 해제)된 후 세미콜론으로 이어집니다.이 방법으로 세미콜론과 쉼표를 사용하여 기간을 지정할 수 있습니다.

그러나 세미콜론과 대소문자를 사용하지 않고 대응하는 수의 쉼표를 사용하여 모든 노트 확장자를 나타내는 단순한 표기법이 발전했습니다.따라서, Sa는 길이가 4배가 되면 "S,"로 표기될 것이다.

리듬

표기법은 타차의 구조에 따라 열로 나뉜다.라구와 드루탐의 구분은 'aṇṇ,'로 불리며, 두 드루탐 또는 드루탐과 아누드루탐의 구분도 마찬가지입니다.주기의 끝은 이중 아차라고 불리는 a로 표시되며 제왕절개처럼 보인다.

성능

주요 기사 : 카르나틱 음악 공연

카르나틱 음악은 보통 높은 무대에 앉아 있는 소수의 음악가들에 의해 연주된다.이것은 적어도 주요 연주자, 멜로디 반주, 리듬 반주, 그리고 [55]드론으로 구성되어 있다.

공연은 뮤지컬일 수도 있고 뮤지컬일 수도 있다.뮤지컬 리사이틀은 성악 또는 순수하게 기악적인 것으로, 뮤지컬 리사이틀은 하리카타를 [55]가리킨다.어떤 종류의 리사이틀이든 이 장르의 핵심을 이루는 곡들이 특징입니다.

인스트루먼트

다음 항목도 참조하십시오.인도 악기

탐부라는 콘서트에서 사용되는 전통적인 드론 악기이다.그러나 탐부라는 점점 더 δruti 박스로 대체되고 있으며, 더 일반적으로는 전자 탐부라로 대체되고 있다.드론은 공연의 필수적인 부분이며 서양 음악의 [56]화음과 같은 안정성을 제공합니다.

보컬 리사이틀에서 콘서트 팀은 1명 이상의 보컬리스트를 주요 연주자로 둘 수 있다.Saraswati veena나 venu flut과 같은 악기는 반주로 가끔 볼 수 있지만, 보통 보컬리스트는 바이올린 연주자의 도움을 받는다(왼쪽에 앉아 있는 사람).리듬 반주자는 보통 미리당암 연주자입니다.그러나 가탐, 간지라, 무르싱 등의 타악기도 주 타악기에 반주하여 박자에 맞추어 거의 역행하는 연주가 많다.

반주 악기의 목적은 멜로디를 따라하고 박자를 맞추는 것 이상이다.반주는 제시된 모든 작곡의 필수적인 부분을 이루며, 리드 싱어에 의해 요약된 멜로디 구절을 밀접하게 따르고 증가시킨다.라가, 니라발, 칼파나스와람 등의 코너에서 보컬리스트와 바이올리니스트가 번갈아 연주하거나 창의력을 발휘한다.

타블라 연주자가 때론 악구를 따라하지 않고 박자를 맞출 수 있는 힌두스타니 음악 콘서트와 달리 카르나틱 음악에서는 여러 곡에 에듀푸 등 타악기 요소가 있기 때문에 반주자들은 복잡한 구성을 따라야 한다.

몇몇 콘서트는 리드 뮤지션과 반주자들이 음표를 교환하고, 리드 뮤지션의 음악 구절을 예측하는 반주자들과의 좋은 상호작용을 특징으로 한다.

컨템포러리 콘서트 콘텐츠

현대 카르나틱 음악 콘서트는 보통 약 3시간 동안 진행되며 다양한 작곡으로 구성되어 있다.카르나틱한 노래는 특정 라가로 구성되어 있기 때문에 라가의 음표에서 벗어나지 않습니다.각각의 작곡은 특정한 음표와 비트로 설정되지만, 연주자들은 즉흥적으로 연주한다.즉흥은 라가의 아름다움을 설명하기 위해 음표를 사용하는 것뿐만 아니라 작곡의 멜로디에서도 나타난다.

콘서트는 보통 개막곡 역할을 할 바남이나 소환 아이템으로 시작한다.varnam은 라가의 스와라를 중심으로 구성되었지만, 가사인 saahityam도 포함되어 있습니다.그것은 관객의 관심을 끌기 위해 활기차고 빠르다.호출 항목은 보통 varnam 뒤에 있을 수 있습니다.

바르남 및/또는 소환 아이템이 끝난 후, 아티스트는 키르타나라고 불리는 더 긴 곡을 부릅니다(보통칭)라고 불리는 더 긴 곡을 부릅니다.각각의 크리티는 하나의 특정한 라가를 고수하지만, 어떤 것들은 하나 이상의 라가로 구성되어 있다; 이것들은 라가말리카로 알려져 있다.

오프닝 크리티를 부른 후 연주자는 보통 라가의 칼파나스와람을 박자에 맞춰 부른다.연주자는 라가의 규칙에 따라 어떤 옥타브에서든 스와라 줄을 즉흥적으로 연주하고 부드러운 박자 사이클의 선두로 돌아가 크리티에서 선택된 문구와 스와라 합류를 해야 한다.바이올린은 이것을 주연주와 번갈아 연주한다.매우 긴 스와라 줄에서 연주자들은 그들이 라가를 고수하고, 노래의 박자에 어색한 중단이나 실수가 없도록 확실히 하기 위해 그들의 음을 정확하게 계산해야 하며, 지식 있는 청중이 따라 할 수 있는 복잡한 음표 패턴을 만들어야 한다.

연주자들은 라가를 탐험하는 라가 알라파나라는 섹션으로 주요 작곡을 시작한다.이 경우 스와라 대신 aa, ri, na, ta 등의 소리를 사용하여 라가의 음색과 흐름을 천천히 표현합니다.이것은 서서히 시작되어 서서히 증가해, 마침내 연주자의 솜씨를 나타내는 복잡한 라가의 설명을 확립한다.이 모든 것은 리듬감 있는 반주나 박자 없이 이루어진다.그리고 나서 선율적인 반주 (바이올린 또는 비나)가 라가를 설명한다.경험이 많은 청취자들은 단지 몇 개의 음을 듣고 많은 라가들을 식별할 수 있다.이렇게 라가가 정착되면서 노래는 보통 가사로 시작한다.여기서 반주(보통 바이올린, 때로는 비나)는 주연주자와 타악기(미단감 등)와 함께 연주한다.노래의 다음 단계에서 그들은 다시 니라발이나 칼파나스와람을 부를 것이다.

대부분의 콘서트에서, 타닉이 솔로(타니 아바타남)를 연주하기 위해, 메인 아이템은 적어도 아이템의 끝에 섹션이 있을 것이다.타악기 연주자들은 복잡한 리듬 패턴을 연주하고 그들의 기술을 발휘합니다.타악기가 여러 개 사용되면 주연주가 다시 선율을 잡을 때까지 리드미컬한 대화를 나눈다.몇몇 경험 많은 아티스트들은 메인 아이템으로 사용하지 않는다면 콘서트 중간에 라감타남팔라비를 들고 메인 작품을 따라갈 수도 있다.

메인 작곡에 이어, 콘서트는 짧고 가벼운 곡들로 계속된다.콘서트가 끝날 무렵에 연주되는 곡으로는 틸라나나 툭카다 등이 있다.이것은 관객이 요구하는 인기 있는 크리티스나 작곡의 일부다.하루의 마지막인 모든 콘서트는 뮤지컬 행사에 대한 감사한 기도와 결말인 망갈람으로 끝난다.

관객

전형적인 콘서트의 관객들은 카르나틱 음악에 대해 어느 정도 이해할 것이다.관객이 예술가의 연주에 맞춰 탈라를 두드리는 모습도 흔히 볼 수 있다.예술가가 창의성을 발휘할 때 관객들은 박수를 치며 이를 인정한다.경험이 풍부한 아티스트와 함께 콘서트 중반을 향해 요청이 쇄도하기 시작한다.예술가는 보통 요청을 노래하고, 그것은 존재하는 수천 개의 kritis에 대한 예술가의 폭넓은 지식을 보여주는 데 도움이 된다.

축제

주요 기사:카르나틱 음악제와 마드라스의 계절 목록

카르나틱 음악 공연이 특징인 다양한 음악 축제가 인도를 비롯한 전 세계에서 열리고 있습니다.

첸나이(당시 마드라스)가 19세기 [23]카르나틱 음악의 중심지로 떠오르면서 1846년 첸나이 음악가들이 티아가라자 아라하나 축제를 열었다.아라드하나 축제는 다작의 카르나 음악 작곡가 티아가라하의 매년 열리는 기일 축제입니다.티루바야루시에서 열리는 이 축제에는 수천 명의 음악가들이 그의 작곡을 연주하기 위해 참가한다.그것의 시작 이후, 인도의 구루바유르의 Chembai Sangeetholsavam과 미국 클리블랜드의 Aradhana와 같은 다른 축제들은 인도 전역과 해외에서 비슷한 방식으로 시작되었다.

첸나이시에서는 세계 최대의 [57]문화행사로 불리는 6주간의 그랜드 뮤직 시즌도 개최하고 있습니다.음악의 계절은 1927년 마드라스 음악 아카데미의 개원을 기념하여 시작되었다.그것은 한 달 동안 전통적인 카르나틱 음악 축제였지만, 그 이후로 춤과 연극, 그리고 비 카르나틱 예술 형식으로도 다양해졌다.몇몇 콘서트 주최자들은 시즌 동안 그들만의 카르나틱 음악 축제를 열기도 한다.도시의 다양한 장소에서 수백 명의 음악가들에 의해 수천 개의 공연이 열린다.

카르나타카 가나칼라 교구(Karnataka Ganakala Pariat)는 매년 2월에 개최되는 카르나틱 음악 연례회의로, 오전에는 강의와 시연, 오후와 저녁에는 공연이 있다.

「 」를 참조해 주세요.

메모들

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참고 문헌

외부 링크

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