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인테리어 디자인

Interior design
기타 용도는 내부 설계(동음이의)를 참조하십시오.
필라델피아 30번가역 그랜드 콩코스 아트데코 내부
바르샤바 브리스톨 호텔 로비
역사적 예: 옥스포드, 발리올 칼리지 다이닝 홀

인테리어는 공간을 사용하는 사람들에게 보다 건강하고 미적으로 쾌적한 환경을 제공하기 위해 건물 내부를 개선하는 예술이자 과학이다.인테리어 디자이너는 이러한 개선 프로젝트를 계획, 조사, 조정 및 관리하는 사람입니다.인테리어 디자인은 개념 개발, 공간 계획, 현장 검사, 프로그래밍, 연구, 프로젝트 관계자와의 커뮤니케이션, 시공 관리 및 설계 실행을 포함하는 다면적인 직업입니다.

이력 및 현재 용어

브콜리넥(슬로바키아) 민속건축보호구역 내 주택 중 하나의 전형적인 내부

과거에는 [1]건축 과정에서 본능적으로 인테리어가 조립되었다.

인테리어 디자인의 직업은 사회 발전과 산업 공정의 발달로 인한 복잡한 건축의 결과였다.

공간, 사용자 웰빙 및 기능적 디자인을 효과적으로 활용하기 위한 추구는 현대 인테리어 디자인 직업의 발전에 기여했습니다.인테리어 디자인이라는 직업은 미국에서 흔히 사용되는 인테리어 디자이너의 역할과는 별개이고 구별된다. 인테리어 디자인이라는 직업은 아직 규제되지 않은 영국에서 덜 흔하다. 따라서 엄밀히 말하면 아직 공식적으로 직업이 아니다.

고대 인도에서는 건축가들이 인테리어 디자이너로서도 활동했습니다.이것은 인도 신화의 신 중 하나인 건축가 비슈와카르마의 언급에서 알 수 있다.17세기 인디언 주택의 설계에서, 고대 문자와 사건을 묘사한 조각품들이 궁궐 안에서 보여지는 반면, 중세 시대 동안 벽화는 흔히 하블리스로 알려진 인도의 궁전 같은 저택의 공통적인 특징이었다.대부분의 전통 가옥이 현대식 건물로 옮겨지기 위해 철거되었지만, 라자슈탄의 셰카와티 지역에는 벽화 그림을 전시하는 하블리가 아직도 약 2000개[2] 있다.

고대 이집트에서는 "영혼의 집들" (또는 집의 모형)이 음식을 바치기 위한 용기로 무덤에 놓여졌다.이를 통해 통풍구, 현관, 기둥, 벌목, 창호,[3] 문 등의 변화 등 이집트 왕조 전반에 걸쳐 다양한 주택의 내부 디자인을 알 수 있다.

3개의 클라이나이 또는 소파가 있는 로마의 트리클리니엄 또는 식당 재건

그림 내부 벽은 적어도 5,000년 동안 존재해 왔으며, 북쪽의 Brodgar의 [4]네스와 같은 곳에서 발견된 사례와 함께, 연관된 스카라 브라에 [5]정착지에서 볼 수 있는 템플 형태의 내부 벽이 있습니다.기원전 1천 년 동안 그리스인들과 후기 로마인들이 조화롭고 장식적인 모자이크 [6]층을 추가하고 목욕탕, 상점, 민원실, 카스트라, 신전, 인테리어를 만들었다.비트루비우스와 같은 로마 건축가가 정의한 형태로 건축된 건물에는 내부 장식과 포뮬러 가구를 생산하는 전문 길드가 있습니다.데아키텍투라, libri decm (건축 [7][8]10권)

17, 18세기 동안 그리고 19세기 초반까지 실내 장식은 가정주부나 인테리어 공간의 예술적 스타일을 조언하는 장인의 관심사였다.건축가들은 또한 장인이나 장인을 고용하여 건물을 위한 인테리어 디자인을 완성할 것이다.

상업용 인테리어 디자인 및 관리

19세기 중후반, 산업국가의 중산층이 규모와 번영을 거듭하면서 새로운 지위를 확고히 하기 위해 국내의 부를 과시하기 시작하면서 인테리어 서비스가 크게 확장되었다.대형 가구 회사들은 다양한 스타일의 풀 하우스 가구들을 제공하면서 일반적인 인테리어 디자인과 관리에 진출하기 시작했다.이 비즈니스 모델은 금세기 중반부터 1914년까지 번성했는데, 이 때 이 역할은 독립적이고 종종 아마추어 디자이너들에 의해 점점 더 강탈당했다.이것은 20세기 [9]중반 전문적인 인테리어 디자인의 출현을 위한 길을 열었다.

1876년에 출판된 제임스 슐브레드사의 일러스트 카탈로그.

1950년대와 1960년대에, 인테리어 업자들은 그들의 사업 재원을 확장하기 시작했다.그들은 그들의 사업을 보다 폭넓고 예술적인 용어로 틀을 잡았고 그들의 가구를 대중에게 홍보하기 시작했다.사무실, 호텔 및 공공 건물과 같은 프로젝트에 대한 계약 인테리어 작업에 대한 증가하는 수요를 충족시키기 위해, 이러한 사업은 훨씬 더 크고 복잡해졌고, 그 일을 수행하기 위해 건설업자, 조이너, 미장공, 섬유 디자이너, 예술가, 가구 디자이너뿐만 아니라 엔지니어와 기술자를 고용했습니다.기업들은 중산층 [9]확대의 관심을 끌기 위해 다양한 사치스러운 스타일의 인쇄물이 있는 카탈로그를 출판하고 배포하기 시작했다.

백화점의 수와 규모가 커짐에 따라 매장 내 소매공간도 고객들의 예로서 다양한 스타일로 갖추어졌다.특히 효과적인 광고 도구 중 하나는 일반인들이 볼 수 있도록 국내 및 국제 전시회에 모델룸을 설치하는 것이었다.이와 관련하여 선구적인 기업으로는 Waring & Gillow, James Schoolbred, Mintons, Holland & Sons 등이 있습니다.이러한 전통적인 고품질 가구 제조 회사들은 맛과 스타일에 대해 확신이 없는 중산층 고객들의 조언자로서 중요한 역할을 하기 시작했고,[10] 영국의 많은 중요한 건물들의 인테리어 디자인과 배치를 위한 계약을 따내기 시작했다.

이런 종류의 회사는 남북전쟁 이후 미국에서 생겨났다.두 명의 독일 이민자들에 의해 설립된 헤르터 브라더스는 실내 장식품 창고로 시작되었고 가구 제작자와 인테리어 디자이너의 첫 번째 회사 중 하나가 되었다.자체 디자인 사무실, 가구 제작 및 인테리어 워크샵을 갖춘 허터 브라더스는 장식 패널과 벽난로, 벽과 천장 장식, 무늬가 있는 바닥, 카펫과 커튼 [11]등 인테리어 가구의 모든 측면을 수행할 준비가 되어 있었습니다.

인테리어 디자이너 오웬 존스의 '장식의 문법' (1856)의 삽화.

인테리어 디자인 이론을 중산층으로 대중화하는 데 중추적인 인물은 19세기의 가장 영향력 [12]있는 디자인 이론가 중 한 명인 건축가 오웬 존스였다.존스의 첫 번째 프로젝트는 그의 가장 중요한 프로젝트였다. 1851년 그는 조셉 팩스턴의 거대한 크리스털 팰리스 대전을 장식하는 것뿐만 아니라 전시물 배치도 담당했다.그는 논란이 많은 빨간색, 노란색, 파란색 팔레트를 인테리어 철공품으로 선택했고, 신문에서 처음에 부정적인 평판을 받았음에도 불구하고, 결국 빅토리아 여왕에 의해 많은 비평가들의 갈채를 받았다.그의 가장 중요한 출판물은 존스가 인테리어 디자인과 장식의 37가지 핵심 원칙을 공식화한 The Grammar of Cornect (1856년)[13]이다.

Jones는 당대의 몇몇 주요 인테리어 디자인 회사에 고용되었습니다; 1860년대에 그는 런던의 Jackson & Graham 회사와 협력하여 미술품 수집가 Alfred Morrison과 이집트의 Khedive의 Ismail Pasha를 포함한 유명 고객을 위한 가구 및 기타 부속품을 생산했습니다.

1882년 우체국 런던디렉토리는 80명의 인테리어 디자이너를 열거했다.그 시대의 가장 유명한 회사들 중 일부는 Crace, Waring & Gilowm, Holland & Sons였다. 이 회사들에 고용된 유명한 장식가들은 Thomas Edward Collcutt, Edward William Godwin, Charles Barry, Gottfried Semper, 그리고 Ge Edmund [14]Street이다.

프로페셔널한 인테리어 디자인으로의 이행

이 인테리어는 1899년 설립된 영국 장식가 협회의 회장 존 디블리에 크레이스가 디자인했다.

20세기가 바뀔 무렵, 아마추어 자문가들과 출판물들은 대형 소매 회사들이 가지고 있던 인테리어에 대한 독점권에 점점 더 도전하고 있었다.영국의 페미니스트 작가 Mary Haweis는 1880년대에 널리 읽힌 일련의 에세이를 썼는데,[15] 그녀는 소매상들이 그들의 집에 아코디 페미니스트dels를 제공하는 그들의 집 장식을 야심차게 하는 사람들의 열의를 비웃었다.그녀는 고객의 개별적인 요구와 선호도에 따라 맞춤화된 특정 스타일을 개별적으로 채택할 것을 주장했습니다.

"저의 가장 강한 신념 중 하나이자, 좋은 취향의 첫 번째 통조림 중 하나는 물고기 껍질이나 새 둥지처럼 우리 집은 우리 개개인의 취향과 습관을 대변해야 한다는 것입니다.

제조업자와 소매업자와는 무관한 독립된 예술 직업으로서 장식을 향한 움직임은 1899년 영국 장식가 협회의 설립과 함께 자극을 받았다; 존 디블레 크레이스가 회장으로서 그것은 [16]전국에 거의 200명의 장식가를 대표했다.1915년까지 런던디렉토리는 인테리어 디자이너로 거래하는 127명의 개인들을 열거했는데, 그 중 10명이 여성이었다.로다와 아그네스 개럿은 1874년에 전문적으로 실내 장식가로 훈련을 받은 최초의 여성이었다.디자인에 대한 그들의 작업의 중요성은 그 당시 윌리엄 모리스와 동등하게 여겨졌다.1876년, 그들의 작품인 페인트, 목공예, 가구에서의 집 장식에 대한 제안들은 예술적인 인테리어 디자인에 대한 그들의 아이디어를 중산층 [17]청중들에게 널리 퍼뜨렸다.

1900년에 이르러, 이 상황은 The Illustrated Carpenter and Builder에 의해 설명되었습니다.

"얼마 전까지만 해도 한 남자가 가구를 장만하고 싶을 때 모든 딜러를 방문하여 가구 하나하나를 고르고...오늘 그는 집안의 모든 방을 돌아보는 미술 가구와 부속품 딜러를 불러 예술적 정신을 이 [18]주제에 집중하도록 했습니다."

미국에서 Candace Wheeler는 최초의 여성 인테리어 디자이너 중 한 명이었고 새로운 스타일의 미국 디자인을 장려하는 데 도움을 주었다.그녀는 많은 미국 주요 도시에서 여성들을 위한 예술 강좌를 개발하는 데 중요한 역할을 했고 가정 디자인에 대한 국가적인 권위자로 여겨졌습니다.이 새로운 직업에 중요한 영향을 준 것은 The Decoration of Houses였는데, 이것은 에디스 와튼이 1897년 미국에서 건축가 오그든 코드먼과 함께 쓴 인테리어 디자인 매뉴얼이다.이 책에서 작가들은 빅토리아 시대의 실내 장식과 실내 디자인, 특히 두꺼운 창문 커튼, 빅토리아 시대의 브릭-아-브랙, 그리고 지나치게 채워진 가구들로 장식된 방들을 비난했다.그들은 그러한 방이 적절한 공간 계획과 건축 디자인을 희생시키면서 실내 장식품을 강조했기 때문에 불편하고 거의 사용되지 않았다고 주장했다.이 책은 중요한 작품으로 여겨지며, 그 성공은 작가들, 특히 엘시 드 울프가 [19]주창하는 방식으로 일하는 전문 장식가의 출현으로 이어졌다.

엘시 드 울프, 1913년 '좋은 맛의 집'에서 가져왔어요

엘시 드 울프는 최초의 인테리어 디자이너 중 한 명이었다.그녀가 자란 빅토리아 시대의 스타일을 거부하면서, 그녀는 집에서 좀 더 편안한 가구와 함께 좀 더 활기찬 계획을 선택했다.그녀의 디자인은 가볍고 신선한 색상과 섬세한 치노아제리 가구로 빅토리아 시대풍의 무겁고 붉은 커튼과 장식, 어두운 나무와 강렬한 무늬의 벽지를 선호했던 것과는 반대였다.그녀의 디자인은 또한 좀 [20]더 실용적이었습니다; 그녀는 빅토리아 시대의 집을 차지했던 어수선함을 없애서, 사람들이 더 많은 손님들을 편안하게 접대할 수 있게 했습니다.1905년, 드 울프는 매디슨 애비뉴에 있는 콜로니 클럽의 인테리어 디자인을 의뢰받았습니다; 그 인테리어는 [21][22]거의 하룻밤 사이에 그녀에게 인정을 받았습니다.그녀는 자신의 생각을 1913년 널리 읽힌 책 "좋은 [23]맛의 집"으로 정리했다.

영국에서, Syrie Maugham은 최초의 흰색 방을 디자인한 것으로 인정받는 전설적인 인테리어 디자이너가 되었다.1910년대 초에 그녀의 경력을 시작하면서, 그녀의 국제적인 명성은 곧 커졌다; 그녀는 나중에 뉴욕시와 [24]시카고로 사업을 확장했다.어두운 색과 좁은 공간으로 특징지어졌던 빅토리아 시대에 태어난 그녀는 대신 빛으로 가득 찬 방을 디자인하고 흰색과 거울로 된 여러 가지 색조의 스크린으로 가구를 꾸몄다.거울에 비친 스크린 외에도, 그녀의 트레이드마크 작품들은 다음과 같다: 하얀 베일로 덮인 책들, 백자 손잡이가 달린 커틀러리, 석고 손바닥으로 된 야자나무 잎, 조개껍데기 또는 돌고래 받침대가 있는 콘솔 테이블, 덮개와 가장자리가 있는 썰매 침대, 모피 카펫, 흰 가죽으로 덮인 식탁, 그리고 눈금이 있는 유리 공, 그리고 [25]화환들.

팽창

인테리어 디자인 직업은 제2차 세계대전 이후 더욱 확고해졌다.1950년대 이후, 주택에 대한 지출이 증가했다.인테리어 디자인 강좌가 개설되어 교과서 및 참고 자료 발간이 요구되었다.인테리어 디자이너와 장식 예술 전문가와는 다른 회사들에 대한 역사적 설명이 제공되었다.직업에 대한 교육, 자격, 기준 [23]및 관행 등을 규제하는 조직이 설립되었습니다.

이전에는 인테리어 디자인이 건축의 부차적인 역할을 하는 것으로 여겨졌습니다.또한 건축가, 산업 디자이너, 엔지니어, 건설업자, 장인 등의 작업을 포함한 다른 설계 분야와도 많은 연계가 있습니다.이러한 이유로 내부 설계 표준과 자격의 정부는 [23]종종 설계를 포함하는 다른 전문 조직으로 통합되었다.1986년 영국에서 설립된 Chartered Society of Designers와 [26]1938년 설립된 American Designers Institute와 같은 조직들이 디자인의 다양한 분야를 통제했습니다.

인테리어 디자인 직업에 대한 구체적인 표현은 나중에야 개발되었습니다.미국 실내 디자이너 협회(National Society of Interior Designers)는 1957년에 설립되었으며, 영국에서는 1966년에 실내 장식 및 디자이너 협회가 설립되었습니다.유럽 전역에서 핀란드 인테리어 건축가 협회(1949)와 같은 다른 조직이 설립되었고 1994년에 국제 인테리어 디자인 협회가 [23]설립되었습니다.

「그래픽 디자인의 기원」(1997년)의 저자인 Ellen Mazur Thomson씨는, 전문적인 지위는, 교육, 스스로 정한 기준, 및 프로패셔널 게이트 키핑 조직에 의해서 달성된다고 [23]판단했습니다.그 결과, 인테리어는 인정받는 직업이 되었습니다.

인테리어 디자이너 및 인테리어 디자이너

레스토랑 인테리어

인테리어 디자인은 미적으로 쾌적한 기능적인 공간을 만들기 위해 사람들의 행동을 이해하는 예술이자 과학이다.데코레이션은 장식적인 요소로 공간을 꾸미거나 장식하는 것으로, 때로는 조언과 실제적인 도움에 의해 보완됩니다.한마디로 인테리어 디자이너는 꾸밀 수 있지만, 데코레이터는 꾸밀 수 없다.

인테리어 디자이너

인테리어 디자이너는 인테리어에 비해 계획, 기능적 디자인, 공간의 효과적인 사용에 더 중점을 두고 있음을 암시합니다.미세 라인 설계의 인테리어 디자이너는 건물 내 공간의 기본 레이아웃을 배치하는 프로젝트뿐만 아니라 창문과 문 위치, 음향, [1]조명 등의 기술적 문제를 이해해야 하는 프로젝트를 수행할 수 있습니다.인테리어 설계자가 공간의 레이아웃을 작성할 수 있지만 구조 엔지니어의 승인을 위해 설계 스탬프를 찍지 않고 내하력 벽을 변경할 수 없습니다.인테리어 디자이너는 건축가, 엔지니어 및 건설업자와 직접 작업하는 경우가 많습니다.

기능적이고 안전하며 건축 법규, 규제 및 ADA 요건을 준수하는 내부 환경을 조성하려면 인테리어 디자이너가 고도의 기술을 갖춰야 합니다.이들은 색상 팔레트와 가구 선택에서 그치지 않고 건축 문서, 점유 하중, 의료 규정 및 지속 가능한 설계 원칙 개발, 기계, 전기, 배관 및 생활 안전을 포함한 전문 서비스의 관리 및 조정에 지식을 적용합니다.사람들이 무해한 환경에서 살고, 배우고, 일할 수 있으며, 미적으로도 즐겁다.

누군가는 주거 디자인, 상업 디자인, 접대 디자인, 의료 디자인, 유니버설 디자인, 전시 디자인, 가구 디자인, 공간 브랜딩과 같은 인테리어 디자인의 한 분야 또는 유형에 고유한 기술적 지식을 전문화하고 개발하기를 원할 수 있다.인테리어 디자인은 비교적 새롭고, 끊임없이 진화하고, 종종 대중에게 혼란을 주는 창의적인 직업이다.이는 예술적 추구가 아니며 사람들이 환경에 어떻게 영향을 받는지에 대한 잘 훈련된 이해를 제공하기 위해 많은 분야의 연구에 의존한다.

인테리어 색상

색채는 인테리어뿐만 아니라 장식에서도 강력한 디자인 도구이며, 색채의 조합과 코디로 [27]공간의 인테리어 구조를 스타일리시하게 꾸미는 예술입니다.

인테리어 디자이너는 색채에 대한 깊은 경험을 쌓고, 색채의 심리적 영향을 이해하고,[28] 장소와 상황에 따라 색채의 의미를 이해하는 것이 필수적입니다.

색을 함께 결합하는 것은 관찰자가 보는 것과 같은 심리 상태를 만들어 낼 수 있고, 결국 그들에게 긍정적이거나 부정적인 영향을 미칠 수 있다.색상은 방을 더 차분하고, 쾌적하고, 편안하고, 스트레스 받고, 드라마틱하게 만듭니다.색깔의 조합은 작은 방을 더 크거나 [29]작게 보이게 한다.따라서 인테리어 디자인 전문직 종사자는 고객이 [28]그 공간을 어떻게 보고 느끼고 싶은지 그 장소에 맞는 색상을 선택해야 합니다.

특기 사항

리우데자네이루 데코레이션 페어 센터 테이블로 재사용되는 전선 릴

레지덴셜

주거 디자인은 개인 주택의 인테리어를 디자인하는 것입니다.이 타입의 디자인은 개인의 상황에 매우 특화되어 있기 때문에, 이 인테리어 디자인 영역에서는 개인의 요구와 요구가 가장 중요합니다.인테리어 디자이너는 초기 계획 단계부터 프로젝트를 수행하거나 기존 구조물의 리모델링을 수행할 수 있습니다.고객의 비전을 [30]반영하여 공간을 미세 조정하고 만드는 데 수개월이 걸리는 매우 복잡한 프로세스인 경우가 많습니다.

상업의

상업 디자인은 광범위한 하위 전문성을 포함합니다.

  • 소매: 쇼핑몰 및 쇼핑 센터, 백화점, 전문점, 비주얼 머천다이징, 쇼룸이 포함됩니다.
  • 시각 및 공간 브랜딩:기업 브랜드를 표현하기 위한 매체로서의 공간 활용.
  • 기업: 은행 등 모든 종류의 비즈니스에 적합한 사무실 설계.
  • 의료: 병원, 요양시설, 의료기관, 치과, 정신과 시설, 실험실, 의료전문시설 설계.
  • 접대 및 레크리에이션: 호텔, 모텔, 리조트, 유람선, 카페, 바, 카지노, 나이트클럽, 극장, 음악 및 콘서트 홀, 오페라 하우스, 스포츠 경기장, 레스토랑, 체육관, 헬스 클럽, 스파 등이 포함됩니다.
  • 기관: 관공서, 금융기관(은행 및 신용조합), 학교 및 대학, 종교시설 등
  • 산업시설: 제조 및 훈련시설, 수출입시설.[30]
  • 전시회: 박물관, 갤러리, 전시장, 특히 전시장 및 전시장 디자인을 포함합니다.
  • 교통 빌딩: 버스 정류장, 지하철 역, 공항, 부두 등이 포함됩니다.
  • 스포츠: 체육관, 경기장, 수영실, 농구장 등
  • 실내 디자인 수업을 제공하는 사설 학원에서 가르친다.
  • 자영업을.
  • 민간 기업에서의 고용.

다른.

기타 전문 분야로는 놀이공원 디자인, 박물관 및 전시 디자인, 전시 디자인, 이벤트 디자인(예식, 결혼식, 아기 및 신부 샤워, 파티, 컨벤션, 콘서트 포함), 인테리어 및 소품 스타일링, 공예 스타일링, 푸드 스타일링, 제품 스타일링, 테이블스케이프 디자인, 극장 및 퍼포먼스 디자인 등이 있습니다.영화 및 TV용 테이징 및 세트 디자인, 풍경 디자인 및 제작 디자인.또한 인테리어 디자이너, 특히 대학원 교육을 받은 디자이너는 의료 디자인, 노인학 디자인, 교육 시설 디자인 및 기타 전문 지식을 필요로 하는 분야를 전문화할 수 있습니다.일부 대학 프로그램은 논문과 다른 분야의 대학원 과정을 제공한다.예를 들어, Cornell University와 University of Florida는 환경 및 행동 연구 분야에서 인테리어 디자인 대학원 프로그램을 제공합니다.

직업

1957년 볼자노 박람회를 위한 L. 가르간티니의 할부.사진 : Paolo Monti (Fondo Paolo Monti, BEIC)

교육

주요 기사:인테리어 디자인 교육

전문 인테리어 디자이너가 되기 위해 갈 수 있는 길은 다양하다.이 모든 과정은 어떤 형태의 훈련을 수반합니다.성공한 전문 디자이너와 함께 일하는 것은 비공식적인 훈련 방법이며 이전에는 가장 일반적인 교육 방법이었다.그러나 많은 주에서 이 경로만으로는 전문 인테리어 디자이너로서의 자격증을 취득할 수 없습니다.전문대학, 예술, 디자인 학교 또는 대학과 같은 기관을 통해 교육을 받는 것은 전문직으로 가는 더 공식적인 방법입니다.

많은 나라에서 현재 인테리어 건축을 포함한 여러 대학 학위 과정을 이수하는데 3, 4년이 걸린다.

공식 교육 프로그램, 특히 인테리어 디자이너의 전문 조직에 의해 인가되거나 개발된 프로그램은 최소한의 우수성 기준을 충족하는 교육을 제공할 수 있으며, 따라서 학생들에게 높은 수준의 교육을 제공할 수 있습니다.또한 특정 디자인 전문화(예: 노인학 또는 의료 디자인)에 대한 추가 교육을 원하는 사람 또는 대학 수준에서 인테리어 디자인을 가르치고 싶은 사람을 위한 대학 졸업 및 박사 과정도 있습니다.

작업 조건

실내 디자인에는 다양한 작업 조건과 고용 기회가 있습니다.대기업이나 소규모 기업에서는 통상적인 근무시간에 인테리어 디자이너를 사원으로 채용하는 경우가 많다.소규모 기업 및 온라인 리노베이션 플랫폼을 위한 설계자는 일반적으로 계약 또는 작업별로 작업합니다.2020년 [31]인테리어 디자이너의 32%를 차지한 자영업 디자이너가 가장 많은 시간을 일한다.인테리어 디자이너들은 종종 마감일을 준수하고 예산을 유지하며 고객의 요구를 충족시키기 위해 스트레스를 받으며 일합니다.

경우에 따라서는, 고객의 승인이나 건축 허가를 받기 위해서 설계를 제출하기 전에, 허가된 전문가가 작업을 검토하고 서명합니다.허가된 리뷰와 서명의 필요성은 지역, 관련 법규 및 작업 범위에 따라 다릅니다.그들의 업무는 다른 장소를 방문하기 위해 상당한 여행을 수반할 수 있다.그러나 기술이 발전함에 따라 고객에게 연락하고 설계 대안을 전달하는 프로세스가 쉬워지고 [32]출장도 줄어듭니다.고객의 특정 취향을 만족시키기 위해 공간을 개조하기도 합니다.

스타일

아르데코

1930년에 지어진 로스앤젤레스의 Eastern Columbia 빌딩의 현관문 위에 TeracottaArt Decosunburst 디자인이 있습니다.

아르데코 스타일은 20세기 초에 아르누보의 쇠퇴와 함께 유럽에서 시작되었다."[33]아트 데코"라는 용어는 1925년 파리에서 열린 세계 박람회인 국제 예술 장식 박람회에서 따왔다.Art Deco는 보다 능률적인 기하학적 형태와 금속색을 선호하며 많은 전통적인 고전적 영향을 거부했다.아르데코 스타일은 디자인, 특히 실내 디자인에 영향을 미쳤는데, 이는 새로운 기술과 [34]재료를 조명하는 최초의 실내 장식 스타일이었기 때문이다.

아르데코 스타일은 주로 기하학적 형태, 유선형, 깨끗한 [35][36]선에 기반을 두고 있다.그 스타일은 [37]이전의 어떤 것과도 완전히 대립하는 기계화된 삶의 날카롭고 시원한 느낌을 주었다.

Art Deco는 전통적인 장식과 인테리어 재료를 거부하고, 대신 크롬, 유리, 스테인리스 스틸, 빛나는 직물, 거울, 알루미늄, 옻, 상감 나무, 상어 가죽, 얼룩말 [34]가죽과 같은 더 특이한 재료를 사용하기로 선택했습니다.기계 시대를 기념하기 위해 더 단단하고 금속성 재료를 사용했습니다.이 자료들은 제1차 세계대전이 끝난 후 도래한 새로운 시대를 반영하고 있다.이러한 소재의 혁신적인 조합은 당시 매우 인기가 많았던 대조를 이뤘습니다. 예를 들어, 광택이 높은 목재와 검은 옻칠을 새틴과 [38]모피와 함께 섞은 것입니다.런던의 오스틴 리드 매장에 있는 이발소는 P. J. 웨스트우드에 의해 디자인되었다.그것은 곧 금속 재료를 [37]사용했기 때문에 영국에서 가장 유행하는 이발소로 여겨졌습니다.

Art Deco의 색상 테마는 메탈릭 컬러, 뉴트럴 컬러, 밝은 컬러, 그리고 흑백으로 구성되었다.인테리어에서는 실버, 골드, 메탈릭 블루, 차콜 그레이, 플래티넘 등 시원한 메탈릭 컬러가 주를 [35][39]이뤘다.러시아 태생의 영국 디자이너인 Serge Chermayeff는 그의 방 설계에서 시원한 금속 색상과 고급스러운 표면을 광범위하게 사용했다.1930년 영국 드레스메이킹 회사를 위한 쇼룸 디자인은 은회색 배경과 검은색 거울 유리 벽 [37][40]패널이었습니다.

흑백은 1920년대와 1930년대에도 매우 인기 있는 색채였다.흑백 체커보드 타일, 바닥, 벽지는 그 당시 [41]매우 유행이었다.스타일이 발전하면서 밝고 선명한 색상도 [42]인기를 끌었다.

아트 데코 가구와 조명 기구는 상감 목재와 반사 마감을 사용하여 광택이 나고 고급스러운 외관을 가졌습니다.가구 조각들은 종종 곡선 모서리, 기하학적 모양, 그리고 [33][37]깨끗한 선을 가지고 있었다.Art Deco 조명 기구는 쌓인 기하학적 [43]패턴을 사용하는 경향이 있었다.

현대 미술

현대 디자인은 20세기 [44]초에 주로 아르데코에서 나온 장식 예술로부터 발전했다.이 스타일을 처음 도입한 사람 중 한 명은 프랭크 로이드 라이트였는데, 그는 1930년대에 폴링워터라고 불리는 집을 완공할 때까지 크게 대중화되지 않았다.현대 미술은 1950년대와 60년대에 절정에 달했고, 이것이 오늘날 디자이너와 장식가들이 현대 디자인을 "세기 [44]중반"이라고 부르는 이유이다.현대 미술은 디자인의 시대나 시대를 지칭하지 않으며, 인테리어 디자이너들이 최근 스타일과 [44]트렌드의 변화를 위해 사용하는 용어인 현대 디자인과 같지 않다.

아랍 재료

나가시 그림이라고도 불리는 "마즐리스 그림"은 사우디 아라비아의 아시르 지방과 예멘의 인접 지역에 있는 전통적인 아랍 가정집들의 마즐리스 혹은 앞마당을 장식한 것이다.벽화나 프레스코의 아라베스크 형태인 이 벽화들은 밝은 색상으로 다양한 기하학적 디자인을 보여준다: "아랍어로 '나가시'라고 불리는 벽화는 그녀의 집에 [45]있는 한 여성에게 자랑스러운 표시였다."

기하학적 무늬와 굵은 선은 그 지역의 직물 무늬와 직물 무늬를 변형한 것으로 보인다."아랍의 나머지 지역에서의 건축과 장식의 진지함과 대조적으로, 화려한 색상과 장식은 아시르의 특징을 가지고 있습니다.이 그림은 벽과 문을 넘어 집 안으로, 계단을 타고, 가구 자체까지 뻗어 있다.집에 페인트칠을 할 때, 공동체의 여성들은 서로의 일을 도와준다.그리고 나서 건물은 그들의 공통의 취향과 지식을 보여준다.엄마들은 딸들에게 이것들을 물려줍니다.이 작품은 직선의 기하학적 구조를 바탕으로 다양한 색상의 단단한 띠를 가진 직물 짜기의 일반적인 패턴을 제안하고 있습니다.삼각형의 미흐라브, 니체, 팔메트와 같은 특정한 모티브가 다시 나타난다.과거에 페인트는 미네랄과 식물성 색소로 만들어졌다.정향과 알팔파는 녹색을 발했다.파란색은 남색 식물에서 왔다.빨간색은 석류와 어떤 진흙에서 나왔다.페인트 브러시는 염소 꼬리에서 발견된 단단한 털로 만들어졌습니다.그러나 오늘날 여성들은 현대적으로 제조된 페인트를 사용하여 새로운 외모를 만들어 내고 있으며 이는 사회경제적 [46]변화의 지표가 되고 있습니다.

아시르 지방의 여성들은 종종 집안 인테리어의 장식과 페인트를 완성한다.엄 압둘라는 "그림을 보면 가족의 부를 알 수 있다"고 말한다. "만약 그들이 돈이 많지 않았다면, 아내는 기본적인 직선이고 단순한 선인 나솔라스를 빨강, 초록, 노랑, 갈색으로 3~6회 반복된 패턴으로 칠할 수 있었을 것이다.여성들이 직접 벽을 칠하기를 원하지 않을 때, 그들은 그 일을 할 다른 여성들과 물물교환을 할 수 있었다.파티마 아부 [45]가하스와 같은 몇몇 사우디 여성들이 마즐리스 화가로 유명해졌다.

집의 내벽은 선, 삼각형, 사각형, 대각선, 나무와 같은 무늬로 정해진 패턴으로 일하는 여성들에 의해 밝게 그려진다."큰 삼각형의 일부는 산을 상징합니다.지그재그 선은 물과 번개를 나타냅니다.작은 삼각형은, 특히 가장 넓은 면적이 맨 위에 있을 때, 이슬람 이전의 여성상 표현에서 발견됩니다.아시르의 벽화에서 발견된 작은 삼각형을 바나트라고 부르는 것은 잊혀진 [45]과거의 문화적 잔재일지도 모릅니다.

"커티야드와 윗부분의 칼집이 있는 현관은 접견실을 장식하는 훌륭한 석고 나무(jiss)와 페인트칠된 창문 셔터 외에 최고의 나디 건축의 주요 특징입니다.석고 세공의 좋은 예는 종종 허물어진 건물의 틈새에서 볼 수 있다.그 효과는 가볍고 섬세하며 통풍이 잘 된다.그것은 보통 마즐리스 주변, 커피 난로 주변, 그리고 손님들이 깔개 위에 앉아 쿠션에 기대어 앉았던 벽을 따라 있다.도티는 이 '지스의 짝짓기', '석고 플렛워크'가 궁금했다.모든 장식과 미봉투"는 인도에서 유래했다.그러나 나즈드 플렛워크는 인도 전통과 연계된 동부나 오만에서 볼 수 있는 것과 크게 달라 고대 메소포타미아에서 볼 수 있는 모티브와 무늬를 닮았다.로제트, 별, 삼각형, 계단식 다도 문양은 모두 고대 문양으로 고대 중동 전역에서 볼 수 있다.알카심 주는 이 예술의 본고장처럼 보이며, 그곳은 보통 단단한 흰색 회반죽으로 작업된다.리야드에서는 장식되지 않은 [47]점토에서 예를 볼 수 있다.

미디어의 대중화

주요 기사:인테리어 잡지

인테리어 디자인은 텔레비전 쇼의 주제가 되었다.영국에서 인기 있는 인테리어 디자인 및 장식 프로그램에는 60분 변신(ITV), 탈의실(BBC), 셀링 하우스(채널 4) 등이 있습니다.이 프로그램들에 작품을 전시하는 유명한 인테리어 디자이너로는 린다 바커와 로렌스 르웰린 보웬이 있다.미국에서 TLC 네트워크는 영국의 Changing Rooms 프로그램을 기반으로 한 프로그램인 Trading Spaces라고 불리는 인기 프로그램을 방영했다.또한 HGTV와 DIY 네트워크 모두 다양한 인테리어 디자이너, 인테리어 디자이너, 인테리어 디자이너, 인테리어 전문가들의 작품을 무수히 많은 프로젝트에서 방영하고 있습니다.

슈가베이커 자매의 '디자인 우먼'과 '윌 앤 그레이스'의 '그레이스 아들러'가 가상의 인테리어 디자이너로 꼽힌다.홈 메이드라는 또 다른 쇼도 있다.2개의 팀과 2개의 집이 있으며, 심판들에 따르면 최악의 방을 설계하고 만든 사람은 탈락한다.Niecy Nash가 진행하는 Style Network의 또 다른 쇼는 Clean House입니다. Clean House에서는 지저분한 집을 고객들이 좋아할 만한 테마 방으로 다시 꾸밉니다.다른 쇼로는 Design on a Dime, Design to Sell, The Decorating Adventures of Ambrose Price 등이 있다.디자인 스타라는 프로그램은 이미 방영된 5개의 시즌을 통해 더욱 인기를 끌고 있다.이 쇼의 우승자는 데이비드 브롬스타드가 진행하는 컬러 스플래시, 킴 마일즈가 진행하는 스타일, 제니퍼 버트랜드가 진행하는 페인트 오버!, 안토니오 발라토어가 진행하는 안토니오 트리트먼트, 그리고 마지막으로 에밀리 헨더슨이 진행하는 스타일리스트의 비밀 등 그들만의 TV 쇼를 얻게 된다.Bravo는 또한 인테리어 디자이너들의 삶을 탐구하는 다양한 쇼를 가지고 있습니다.여기에는 Jeff Lewis와 그의 디자이너 팀의 삶을 탐구하는 Flipping Out이 포함됩니다. Million Dollar Decorators는 인테리어 디자이너 Nathan Turner, Jeffrey Alan Marks, Mary McDonald, Kathryn Ireland 및 Martyn Lawrence Bullard의 삶을 탐구합니다.

인테리어 디자인 또한 라디오 쇼의 주제가 되었다.미국에서 인기 있는 인테리어 디자인 & 라이프스타일 쇼에는 Martha Stewart Living과 Living Large가 Karen Mills가 출연합니다.이들 프로그램에 작품을 선보이는 유명한 인테리어 디자이너로는 버니 윌리엄스, 바바라 베리, 캐시 아일랜드 등이 있다.

인테리어 잡지는 컬러 팔레트, 가구, 아트, 그리고 인테리어에 속하는 다른 요소들에 대한 조언을 제공하기 위해 많이 존재한다.이 잡지들은 종종 보다 구체적인 청중을 끌기 위해 관련된 주제에 초점을 맞춘다.예를 들어 건축은 드웰의 주요 측면이고 베란다는 럭셔리 리빙 잡지로 잘 알려져 있다.Lonny Magazine과 새로 출시된 Domino Magazine은 젊은 층의 대중을 대상으로 인테리어 디자인에 대한 접근성과 DIY(Do-It-Yourself) 접근 방식을 강조합니다.

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저명한 인테리어 디자이너

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기타 초기 인테리어 디자이너:

20세기 동안 가장 유명한 디자이너와 장식가들은 공식적인 교육을 받지 않았다.자매 패리시, 로버트 데닝과 빈센트 포케이드, 케리 조이스, 켈리 위슬러, 스테판 부딘, 조르주 게프로이, 에밀리오 테리, 카를로스 드 비스테기, 니나 페트론지오, 로렌조 몽가디노, 메리 진 톰슨, 데이비드 힉스 등이 그 예이다.

오늘날 세계적으로 유명한 인테리어 디자이너로는 Scott Salvator, Troy Adams, Jonathan Adler, Michael S 등이 있습니다. 스미스, 마틴 브루드니키, 메리 더글라스 드라이스데일, 켈리 호펜, 켈리 위슬러, 니나 캠벨, 데이비드 콜린스, 네이트 버커스, 산드라 에스피넷, 조 해밀턴, 니키 하슬람.

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레퍼런스

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외부 링크

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