아르데코

Art Deco
아르데코
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Chicago world's fair, a century of progress, expo poster, 1933, 2.jpg
Victoire 2 by Rene Lalique Toyota Automobile Museum.jpg
위에서 아래로:뉴욕의 크라이슬러 빌딩(1930년), 웨이머 퍼셀의 시카고 세계박람회 포스터(1933년), 르네 랄리케의 두건 장식 빅토아르(1928년)
액티브 년수c.1910–1949
나라세계적인

데코라고도 불리는 아트 데코[1]1차 세계대전 직전에 프랑스에서 처음 등장한 시각 예술, 건축, 디자인 스타일이다.그것은 건물, 가구, 보석, 패션, 자동차, 영화관, 기차, 원양 선박, 그리고 라디오와 진공 [2]청소기와 같은 일상적인 물건의 디자인에 영향을 미쳤다.Arts Decoratifs의 줄임말[3]그것은 1925년 파리에서 열린 국제 예술 데코라티프와 산업 예술 박람회(Industriels International Exhibition of Modern Decoratifs et Industriels)에서 이름을 따왔다.

Art Deco는 현대적인 스타일과 뛰어난 장인정신과 풍부한 소재를 결합했습니다.전성기에는 사치, 화려함, 풍요로움, 그리고 사회와 기술의 진보에 대한 믿음을 상징했다.

아르데코는 처음부터 큐비즘과 비엔나 분리주의의 대담한 기하학적 형태, 파우비즘발레 러시아인의 밝은 색, 루이 필리프 1세와 루이 16세의 시대의 가구들의 업데이트된 장인 기술, 그리고 중국, 일본, 인도, 페르시아, 고대 마야 미술의 이국적인 스타일에 영향을 받았다.그것은 흑단이나 상아 같은 희귀하고 비싼 재료와 정교한 장인 정신을 특징으로 했습니다.엠파이어 스테이트 빌딩, 크라이슬러 빌딩, 그리고 1920년대와 1930년대에 지어진 뉴욕의 다른 고층 빌딩들은 이 스타일의 기념물이다.

1930년대 대공황기에 아르데코는 더 가라앉았다.크롬 도금, 스테인리스 스틸, 플라스틱 등 새로운 재료가 도착했습니다.Streamline Moderne이라고 불리는 스타일 중 더 날렵한 형태가 1930년대에 등장했는데, 곡선과 매끄럽고 광택이 나는 [4]표면이 특징이다.아르데코는 최초의 진정한 국제적 양식 중 하나이지만, 그 지배력은 제2차 세계대전의 시작과 엄격히 기능적이고 장식되지 않은 현대 건축 양식과 그에 [5]따른 국제 건축 스타일의 부상과 함께 끝이 났다.

어원학

Art Deco는 Arts Decoratifs et Industriels Modernees 박람회에서 예술의 데코라티프의 줄임말인 Arts Decoratifs et Industriels Moderes라는 이름을 얻었는데,[3] 아르데코는 제1차 세계대전 전에 이미 파리와 브뤼셀에서 특징지어졌었다.

예술 데코라티프는 1858년 프랑스에서 프랑스 사진 공보(Bulletin de la Société francaise de photogie)[6]에 처음 사용되었습니다.1868년, 르 피가로 신문 로페라 [7][8][9]미술관을 위해 만들어진 무대 풍경을 위해 오브제 데코라티프라는 용어를 사용했습니다.1875년, 가구 디자이너, 직물, 보석류, 유리공, 그리고 다른 장인들이 프랑스 정부에 의해 공식적으로 예술가라는 지위를 부여받았다.이에 대응하여, 루이 16세 국왕이 미술과 관련된 공예품에서 예술가들과 장인들을 훈련시키기 위해 1766년에 설립된 에콜 로얄 그라투 드 드 드 데생은 국립 장식 예술 학교(Ecole Nationale des arts decoratifs)로 개명되었다.1927년에 현재의 이름인 ENSAD (Ecole Nationale supérieure des arts decoratifs)가 되었다.

1925년 박람회에서 건축가꼬르뷔지에가 1925년 잡지 '에스프리 누보' 전시회에 대한 일련의 기사를 썼고, '1925 EXPO. ARTS. DECO'라는 제목으로 L'coratif d'jourdhui (오늘날의 장식예술)'라는 책으로 결합되었다.이 책은 박람회에서 화려하고 사치스러운 물건의 과잉과 가구와 같은 실용적인 물건에는 장식이 전혀 없어야 한다는 생각에 대한 활발한 공격이었다. 그의 결론은 "현대 장식은 장식이 없다"[10]였다.

실제 데코라는 용어는 1966년까지 인쇄되지 않았는데, 이 주제에 관한 최초의 현대 전시회의 제목으로 파리 장식미술관에 의해 개최되었습니다.Les Annees 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau는 1920년대와 [11]1930년대에 다양한 주요 스타일을 다루었습니다.이 용어는 1966년 더 타임스힐러리 겔슨이 [12]전시회의 다양한 스타일을 설명하는 신문 기사에서 사용되었다.

아르데코는 1968년 역사학자 베비스 힐리에가 최초의 주요 학술서적인 20,[2] 30년대 아르데코를 출간하면서 널리 사용되는 문체 표기로 인기를 끌었다.그는 이 용어가 이미 미술상들에 의해 사용되고 있다고 지적하고,[13] 타임스(1966년 11월 2일)와 엘르 매거진의 레스 아트 데코(1967년 11월)라는 에세이를 예로 들었다.1971년, 그는 미니애폴리스 예술대학에서 전시회를 열었고, 그의 인 "The World of Art Deco"[14][15]에서 이 전시회를 자세히 설명했습니다.

오리진스

장식예술가 협회(1901~1913)

아르데코의 출현은 19세기 후반까지 단순한 장인으로 여겨졌던 장식 예술가의 지위의 상승과 밀접한 관련이 있다.예술 장식이라는 용어는 가구, 직물, 그리고 다른 장식의 디자이너들에게 공식적인 지위를 주면서 1875년에 발명되었다.SAD(Societe des Artists decoraturs)는 1901년에 설립되었고 장식 예술가들은 화가나 조각가들과 같은 저작권을 받았다.이탈리아에서도 비슷한 운동이 전개되었다.장식 예술에 전념하는 최초의 국제 전시회인 Esposizione Internazionale d'Arte D'Arte Decorativa Moderna는 1902년 토리노에서 개최되었다.장식 예술에 전념하는 몇몇 새로운 잡지가 파리에서 창간되었는데, 그 중에는 Arts et decoratif moderne과 L'Art decoratif moderne이 있다.장식 예술 섹션은 Societe de Artistes Francaais의 연간 살롱과 후에 Salon d'Automne에 도입되었습니다.프랑스 디자이너들이 값싼 독일 가구들의 수출 증가로 어려움을 겪으면서 프랑스 민족주의 또한 장식 예술의 부활에 한몫을 했다.1911년, SAD는 1912년에 장식 예술에 대한 주요한 새로운 국제 박람회를 제안했다.낡은 문체의 복제는 허용되지 않으며, 다만 현대 작품일 뿐이다.이 전시회는 1914년까지 연기되었다가 전쟁 때문에 1925년까지 연기되었는데, 그 때 "데코"[16]라고 알려진 모든 스타일의 가문에 이름을 붙였다.

파리의 백화점과 패션 디자이너들 또한 아르데코의 상승에 중요한 역할을 했다.은 식기 회사 크리스토플, 유리 디자이너 르네 랄리케, 보석상 루이 까르띠에와 부쉐롱과 같은 유명한 기업들이 보다 현대적인 [17][18]스타일로 제품을 디자인하기 시작했습니다.1900년부터, 백화점은 그들의 디자인 스튜디오에서 일할 장식 예술가를 모집했다.1912년식 살롱 오토메인의 장식은 백화점 Printemps[19][20]맡겨졌고, 그 해 자체 작업장 Primavera[20]만들었다.1920년까지 프리마베라는 300명 이상의 예술가를 고용했는데, 그들의 스타일은 루이 14세, 루이 16세, 특히 루이 쉬에에에 의해 만들어진 루이 필리프 가구와 프리마베라 작업장에서부터 루브르 백화점 작업장의 보다 현대적인 형태에 이르기까지 다양했다.에밀-자크 룰만과 폴 폴로를 포함한 다른 디자이너들은 각각의 작품이 개별적으로 만들어져야 한다고 주장하며 대량 생산을 거부했다.초기의 아르데코 스타일은 에보니, 아이보리, 실크 같은 고급스럽고 이국적인 소재, 매우 밝은 색상과 스타일화된 모티브, 특히 모든 색의 꽃바구니와 꽃다발을 특징으로 하여 모더니즘적인 [21]느낌을 주었다.

빈 분리 및 빈 베르크슈타트(1897년-1912년)

비엔나 분리의 건축가들, 특히 요제프 호프만은 아르데코에 주목할 만한 영향을 끼쳤다.브뤼셀에 있는 그의 Stoclet 궁전은 기하학적인 볼륨, 대칭, 직선, 대리석 판으로 덮인 콘크리트, 정교하게 조각된 장식, 그리고 구스타프 클림트의 모자이크 프리즈를 포함한 호화로운 인테리어를 특징으로 하는 아르데코 스타일의 원형이었다.호프만은 또한 새로운 스타일로 일하는 장인과 인테리어 디자이너들의 협회인 비엔나 베르크슈타테(1903–1932)의 창립자이기도 했다.이것은 1919년에 만들어진 프랑스 예술협회(Compagnie des arts francais)의 모델이 되었고, 앙드레 마레와 프랑스 최초의 아르데코 디자이너이자 장식가인 루이 [22]쉬에가 함께 모였습니다.

신소재 및 테크놀로지

새로운 재료와 기술, 특히 철근 콘크리트가 Art Deco의 개발과 외관의 핵심이었습니다.최초의 콘크리트 집은 1853년 프랑수아 코그네에 의해 파리 교외에 지어졌다.1877년 Joseph Monier는 그릴 패턴의 철봉 메시로 콘크리트를 강화하는 아이디어를 도입했다.1893년 오귀스트 페레는 파리에 최초의 콘크리트 차고지를 지었고, 그 후 아파트와 집을 지었고, 1913년에는 샹젤리제를 지었다.이 극장은 한 평론가로부터 "몬태그네 거리의 제플린"이라고 비난받았는데, 이는 빈 분리독립운동에서 베낀 것으로 알려진 게르만인의 영향이라고 한다.그 후 아르데코 건물의 대부분은 철근 콘크리트로 만들어졌고, 이로 인해 형상의 자유도가 높아졌고 기둥과 기둥을 보강할 필요성이 줄어들었다.페렛은 또한 보호와 장식을 위해 콘크리트를 세라믹 타일로 덮는 선구자였습니다.건축가코르뷔지에는 페레의 [23]스튜디오에서 드래프트맨으로 일하는 철근콘크리트의 사용법을 처음 배웠다.

Art Deco에게 중요한 다른 신기술은 판유리를 생산하는 새로운 방법이었는데, 이것은 비용이 적게 들고 훨씬 더 크고 튼튼한 창을 가능하게 했으며, 알루미늄을 대량 생산하는데 사용되었는데, 알루미늄은 건축과 창틀에 사용되었고 나중에 Corbusier, Warren McArthur, 그리고 다른 사람들에 의해 경량 가구를 위해 사용되었다.

샹젤리제 섬 (1910~1913)

앙투안 부르델, 1910–12, 샹젤리제 거리에서의 아폴론 et sa meddigation entourée des 9 muses (9개의 뮤즈에 둘러싸인 아폴로와 그의 명상) 바스크 릴리프.이 작품은 아르데코 조각으로 알려진 최초의 사례 중 하나이다.

오귀스트 페레가 지은 샹젤리제 미술관(1910–1913)은 파리에 완공된 최초의 랜드마크 건물이다.이전에는 철근 콘크리트가 산업 및 아파트 건물에만 사용되었습니다. Perret은 1903-04년에 Rue Benjamin Franklin에 파리에 최초의 현대식 철근 콘크리트 아파트 건물을 지었습니다. 다른 중요한 미래의 아르데코 건축가 앙리 수바지는 1904년 7살 때 또 다른 건축물을 지었다.1908년부터 1910년까지, 21세의 르 코르뷔지에는 콘크리트 건설 기술을 배우며 페레의 사무실에서 제도공으로 일했다.페레의 건물은 깔끔한 직사각형 형태, 기하학적 장식, 직선을 가지고 있었는데, 이는 아트 데코의 미래 상표였다.극장의 장식 또한 혁명적이었다; 파사드는 앙투안 부르델의 높은 부조, 모리스 데니스의 돔, 에두아르 뷔야르의 그림, 그리고 케르 자비에 루셀의 아르 데코 커튼으로 장식되었다.그 극장은 발레 러스[24]많은 첫 공연 장소로 유명해졌다.페레와 소비지는 1920년대 [25][26]파리에서 아르데코 건축가의 선두가 되었다.

살롱 오토네(1903~1914)

1910년에서 1914년 사이에 탄생한 아르데코는 가구 장식, 카펫, 스크린, 벽지, 직물에 자주 꽃무늬가 있는 밝고 종종 상반된 색조를 특징으로 하는 폭발적 색채였다.모리스 뒤프렌의 의자와 테이블, 폴 폴로의 밝은 고벨린 카펫 등 다채로운 작품들이 1912년 Salon des Artists decoraturs에서 선보였다.1912-1913년 디자이너 Adrien Karbowsky는 미술품 수집가 Jacques [27]Doucet의 사냥 오두막집을 위해 앵무새 무늬의 꽃 의자를 만들었습니다.가구 디자이너 루이 쉬와 앙드레 마레는 1912년 아틀리에 프랑세라는 이름으로 흑단과 상아를 포함한 이국적이고 비싼 재료와 다색 천을 결합한 전시회에 처음 등장했다.제1차 세계 대전 이후, 그들은 프랑스의 가장 유명한 인테리어 디자인 회사 중 하나가 되었고, 대서양을 횡단하는 프랑스 [28]선박의 일등석 살롱과 선실을 위한 가구를 생산했습니다.

아르데코의 생생한 빛깔은 많은 근원으로부터, 레온 박스트에 의해 발레 뤼스, 파리에서 제1차 세계 대전 직전에 어떤 색깔들이 이전의 야수파 운동 앙리 마티스에 의해 영감을 받은 화제를 불러일으켰다의 movem에 의해 이국적인 세트장 디자인들;오르페우스교 소니아 들로네:프랑스의 화가. 같은 화가들의에 의해;[29]는 이들을 포함하여 왔다.멤머는레나비스로 알려진 이 작품은 벽난로 스크린과 다른 장식품을 디자인한 상징주의 화가 오딜론 레동의 작품입니다.밝은 색조는 아르데코 패션과 인테리어 [28][30][31]양쪽에 영향을 준 패션 디자이너 폴 포와레의 작품의 특징이었다.

입체파

조셉 카키, 1912년, Danseuse(Femme l leventail, Femme ar la cruche), 1912년 Salon d'Automne1914년 Salon des Indépendants에서 전시된 오리지널 석고, 예술 데코 조각품

1907년에서 1912년 사이에 프랑스에서 큐비즘으로 알려진 예술 운동은 아르데코의 [24][29][30]발전에 영향을 미쳤다.아트 데코 컴플리트: 1920년대와 1930년대의 장식 예술에 대한 확정적인 가이드에는 "쿠비즘은 어떤 서자화된 형태로든 그 시대 장식 [30][32]예술가의 언어 프랑카가 되었다"고 쓰여 있다.세잔의 영향을 받은 큐비스트들은 원통형, 구체형,[33][34] 원뿔형 등 기하학적 본질에 대한 형태의 단순화에 관심이 있었다.

1912년에는 피카소와 브라크의 분석적 입체파보다 일반 대중이 훨씬 쉽게 접할 수 있는 작품들을 전시했다.큐비스트 어휘는 패션, 가구,[29][31][34][35] 인테리어 디자이너들을 끌어들일 준비가 되어 있었다.

앙드레 베라, 르 누보 스타일의 1912년 남긴 글은 학술 예술을 décoratif에 게재되고 simplicité volontaire, symétrie manifeste, l'ordre 것은 l'harmonie는 궁극적으로는 아트 데코 이내에 일반적인 것이 되테마를 부르던;[18]은 데코 스타일은 아르누보 양식(, 다색의, 그림 같은 비대칭)의 거부를 표명했다. often 매우 색채가 풍부하고 종종 [36]복잡합니다.

1912 Salon d'Automne의 Art Decoratif 섹션에는 La Maison [37][38]Cubiste로 알려진 건축 설비가 전시되었습니다.그 정면은 레이먼드 뒤샹-빌론이 디자인했다.그 집의 장식은 앙드레 [39][40]마레가 했다.La Maison Cubiste는 파사드, 계단, 연철 난간, 침실, 거실인 살롱 부르주아에서 알베르 글리제, 장 메칭거, 마리 로렌신, 마르셀 뒤샹, 페르낭 레제, 로저 드 라 프레즈네그림[41][42][43]걸려 있는 가구가 설치된 시설이었다.미용실에 있던 수천 명의 관중들이 실물 크기의 [44]모델을 통과했다.

Duchamp-Vilon에 의해 디자인된 집의 전면은 현대 표준으로 볼 때 매우 급진적이지 않았다; 보풀과 페디멘트는 프리즘 모양을 가지고 있었지만, 그 외에는 그 시대의 평범한 집과 비슷했다.두 개의 방을 위해 Mare는 스타일리시한 장미와 꽃무늬, 장식품, 가구, 카펫을 특징으로 하는 벽지를 화려하고 다채로운 모티브로 디자인했습니다.그것은 전통적인 장식과는 확연히 다른 것이었다.비평가 에밀 세데인은 Art et Decoration 잡지에서 마레의 작품을 묘사했다: "그는 꽃을 놓을 수 있는 곳에 꽃을 심기 때문에 단순함으로 자신을 당황하게 하지 않는다.그가 추구하는 효과는 분명 그림과 유쾌함 중 하나이다.그는 그것을 [45]해냈다.입체파적 요소가 그림에 의해 제공되었다.이 설치는 일부 비평가들로부터 매우 급진적이라는 비판을 받았고,[46] 이는 성공을 거두는 데 도움이 되었다.이 건축설비는 1913년 아모리쇼, 뉴욕시, 시카고,[29][34][47][48][49] 보스턴에서 전시되었다.이 전시회 덕분에, "큐비스트"라는 용어는 여성의 머리 깎기, 의상,[46] 연극 공연 등 현대적인 모든 것에 적용되기 시작했다.

데코가 많은 [29][30]다른 방향으로 뻗어나가는데도 큐비즘의 영향은 아르데코 내에서 계속되었다.1927년에 큐비스트 조셉 차키, 자크 립치츠, 루이 마르쿠시스, 조각가 구스타브 미클로스, 앙리 로렌스 등이 함께 스튜디오 하우스, 생자메스, 노이리쉬르세느, 프랑스 패션 디자이너인 자크 두체트가 디자인한 스튜디오 하우스의 장식에 참여했다.앙리 마티스와 큐비스트 그림(피카소의 스튜디오에서 직접 구입한 아비뇽데모이젤을 포함)로렌스는 분수를, 차키는 도셋의 계단을,[50] 립치츠는 벽난로를, 마르쿠시스는 큐비스트 [29][51][52][53]양탄자를 디자인했다.

큐비스트 아티스트 외에도 도세트는 집 장식을 담당한 피에르 르그랭, 폴 이리브, 마르셀 코어, 안드레 그룰트, 에일린 그레이, 로즈 애들러 등 다른 데코 인테리어 디자이너들을 집 장식에 참여시켰다.장식품에는 아프리카 미술에서 영감을 얻은 마카사르 흑단, 모로코 가죽, 악어가죽, 뱀가죽으로 덮인 가구, 아프리카 [54]디자인에서 따온 무늬로 만든 거대한 작품들이 포함되었다.

입체파의 기하학은 1920년대에 왕국의 동전이 되었다.아르데코가 큐비즘의 선택적 기하학을 더 넓은 도형으로 발전시킨 것은 훨씬 더 넓은 청중과 더 넓은 매력에 대한 그림 분류학으로서 큐비즘을 가져왔다.(리처드 해리슨 마틴, 메트로폴리탄 미술관)[55]

영향

아르데코는 하나의 스타일이 아니라 다른, 때로는 모순된 스타일의 집합체였다.건축에서, 아르 데코는 1895년에서 1900년 사이에 유럽에서 번성했던 양식인 아르 누보의 계승자이자 그에 대한 반작용이었으며, 또한 유럽과 미국 건축에서 지배적인 보우 예술과 신고전주의도 점차 대체했다.1905년 외젠 Grasset고를 출간했다(로 출발에서)엑토르 기마르의 기복이 있는 아르 누보 스타일, 그렇게 파리에서 인기 있는과 반대로 메토드 드 구성 Ornementale, Rectilignes,[56]Éléments에 그는 계획적으로 기하학적 요소, 양식, 문양과 그들의 변화의 장식(관상용)측면을 탐험했다도 썼다.a몇 년 전에.그래셋은 삼각형과 정사각형과 같은 다양한 단순한 기하학적 도형이 모든 구성 배열의 기초라는 원리를 강조했다.오귀스트 페레와 앙리 소바지의 철근 콘크리트 건물, 특히 샹젤리제의 건물은 세계적으로 [57]모방된 새로운 형태의 건축과 장식을 제공했습니다.

장식에 있어서, 많은 다른 스타일들이 Art Deco에 의해 차용되고 사용되었다.그것들은 전 세계의 전근대 미술품들을 포함했고 루브르 박물관, 롬므 박물관, 그리고 아프리카 미술관과 도케아니 박물관에서 관찰할 수 있었다.폼페이, 트로이, 18대 파라오 투탕카멘무덤 발굴로 고고학에 대한 대중의 관심도 있었다.예술가디자이너들은 고대 이집트, 아프리카, 메소포타미아, 그리스, 로마, 아시아, 메소아메리카, 오세아니아 등의 모티브머신 에이지 [58][59][60][61][62][63]요소와 통합했다.

다른 차용된 스타일로는 오르피즘, 기능주의,[34][58][64][65] 모더니즘뿐만 아니라 러시아 구성주의와 이탈리아 미래주의가 있었다.아르데코는 또한 앙리 마티스와 앙드레 데랭의 작품에서 특히 야수파의 상반된 색상과 디자인을 사용했고, 아르데코 직물, 벽지, 그리고 페인트칠된 [34]도자기의 디자인에 영감을 주었다.그것은 기하학적 디자인, 쉐브론, 지그재그, 그리고 꽃다발을 특징으로 하는 그 시대의 높은 패션 어휘로부터 아이디어를 얻었다.그것은 이집트학에서의 발견과 동양과 아프리카 예술에 대한 관심의 증가에 영향을 받았다.1925년 이후, 그것은 종종 비행선, 자동차, 원양 여객선과 같은 새로운 기계에 대한 열정에 영감을 받았고, 1930년에는 이러한 영향을 받아 스트림라인 [66]모데른이라고 불리는 스타일이 되었다.

고급스럽고 모던한 스타일

아르데코는 고급스러움과 모던함을 모두 연상시켰다; 그것은 매우 비싼 재료와 정교한 장인 정신을 모더니즘적인 형태로 결합시켰다.아르데코에는 값싼 것이 없었다. 가구에는 상아, 은 상감이 포함되어 있었고 아르데코 보석에는 다이아몬드와 백금, 옥, 산호 및 기타 귀중한 재료가 결합되어 있었다.이 스타일은 원양선, 호화 열차, 초고층 빌딩의 1등 살롱을 장식하는 데 사용되었다.그것은 1920년대 후반과 1930년대의 위대한 영화 궁전을 장식하기 위해 전 세계에서 사용되었다.이후 대공황 이후 스타일이 바뀌어 좀 더 냉정해졌다.

아르만드 알베르 레이토 (1882–1938)가 1922년에서 1925년 사이에 만든 패션 디자이너랑뱅의 부두이르가 아르만드 알베르 레이토에 의해 디자인된 아르 데코의 럭셔리 스타일의 좋은 예이다.그것은 1965년에 철거된 파리 16번지 바르베 드 주이에 있는 그녀의 집에 있었다.그 방은 파리의 장식 예술 박물관에 재건되었다.벽은 회반죽으로 조각된 부조 아래 주형 램브리로 덮여 있다.도코브는 바닥에는 대리석 기둥과 조각된 나무 기둥으로 테두리를 두르고 있다.바닥은 흰색과 검은색 대리석으로 되어 있으며, 장식장에는 파란색 비단을 배경으로 장식품이 전시되어 있다.그녀의 욕실에는 시에나 대리석으로 만들어진 욕조와 세면대가 있었고 벽에는 조각된 회반죽과 청동 [67]부속품이 있었다.

1928년까지 그 스타일은 깊은 가죽 클럽 의자와 함께 더 편안해졌다.파리 알라보인의 회사가 1928-30년 미국인 사업가를 위해 디자인한 이 연구는 현재 브루클린 박물관에 있다.

1930년대까지, 그 스타일은 다소 단순해졌지만, 여전히 사치스러웠다.1932년에 장식가 폴 루우는 수잔 탤벗을 위해 유리 살롱을 만들었다.그것은 Eileen Gray의 뱀 모양의 안락의자와 관 모양의 안락의자 두 개, 은으로 된 은색 유리판 바닥, 은색과 검은색 옻칠로 된 추상적인 패턴의 패널, 그리고 동물 가죽의 [68]모음이 특징이었다.

국제현대장식산업전시회(1925년)

이 양식의 정점을 찍고 이름을 붙인 행사는 1925년 4월부터 10월까지 파리에서 열린 현대 장식과 산업 예술 국제 전시회였다.이것은 프랑스 정부에 의해 공식적으로 후원되었고, 파리의 55에이커의 부지를 덮었습니다. 오른쪽 둑의 그랜드 팔레에서 왼쪽 둑의 레 인발리데까지 그리고 센 강둑을 따라 뻗어 있습니다.시내에서 가장 큰 홀인 그랜드 팔레에는 참가국들의 장식 예술 전시회가 가득했다.오스트리아, 벨기에, 체코슬로바키아, 덴마크, 영국, 이탈리아, 일본, 네덜란드, 폴란드, 스페인, 스웨덴, 그리고 새로운 소련을 포함한 20개국에서 15,000개의 전시회가 열렸다.독일은 전후 긴장 때문에 초청받지 못했다; 미국은 전시의 목적을 잘못 알고 참가를 거부했다.이 행사는 7개월 동안 1천 6백만 명의 사람들이 방문했다.전시회의 규칙은 모든 작품이 현대적이어야 한다는 것을 요구했고, 어떠한 역사적 양식도 허용되지 않았다.전시회의 주요 목적은 고급 가구, 도자기, 유리, 금속 세공, 직물 및 기타 장식 제품의 프랑스 제조업체들을 홍보하는 것이었다.상품을 더욱 홍보하기 위해, 모든 주요 파리 백화점과 주요 디자이너들은 그들만의 전시관을 가지고 있었다.이 박람회는 상아와 이국적인 숲을 포함한 아프리카와 아시아에 있는 프랑스 식민지의 상품들을 홍보하는 부차적인 목적을 가지고 있었다.

Hotel du Collectionneur는 박람회에서 인기 있는 명소로 에밀-자크 루르만의 새로운 가구 디자인, 아르데코 직물, 카펫, 장 뒤파스의 그림을 전시했다.인테리어는 아르누보와 구별되는 대칭과 기하학적 형태, 그리고 모더니즘 스타일의 엄격한 기능성과 구별되는 밝은 색채, 훌륭한 장인정신과 값비싼 재료의 원칙을 따랐다.대부분의 전시관이 호화롭게 장식되고 수작업으로 만든 고급 가구들로 가득 찬 반면, 르 코르뷔지에가 운영하는 그 이름의 잡지에 의해 지어진 소련과 르 에스프리 누보 전시관 두 개의 전시관은 평범한 하얀 벽과 장식 없이 소박한 스타일로 지어졌다; 그것들은 모더니스의 초기 사례들 중 하나였다.t [69]아키텍처

초고층 빌딩

미국의 초고층 빌딩은 아르데코 스타일의 정점을 찍었다; 그것들은 세계에서 가장 높고 가장 눈에 띄는 현대식 건물이 되었다.그것들은 그들의 키, 모양, 색깔, 그리고 [70]밤에 그들의 극적인 조명을 통해 건축업자들의 위신을 보여주기 위해 고안되었다.레이먼드 후드(1924년)의 미국 라디에이터 빌딩은 건물 디자인에 고딕과 데코 현대적 요소를 결합했다.건물 전면의 검은 벽돌(상징 석탄)을 선택하면 견고함을 느낄 수 있고 건물에 단단한 질량을 줄 수 있습니다.파사드의 다른 부분들은 금 벽돌로 덮여 있었고, 입구는 대리석과 검은 거울로 장식되어 있었다.또 다른 초기의 아트 데코 고층 빌딩은 1929년에 문을 연 디트로이트의 가디언 빌딩이었다.모더니스트 Wirt C가 디자인. Rowland, 이 건물은 장식 요소로 스테인리스 스틸을 사용한 최초의 건물이며, 전통적인 장식 대신 다양한 색상의 디자인을 사용했습니다.

뉴욕의 스카이라인은 William Van Alen이 설계한 Manhattan의 크라이슬러 빌딩(1930년 완공)에 의해 근본적으로 바뀌었다.그것은 77층 높이의 거대한 크라이슬러 자동차 광고였다.꼭대기에는 스테인리스 첨탑이 씌워져 있었고, 스테인리스 방열기 캡 장식의 데코 "가르고일"로 장식되어 있었다.거리 33층 높이의 탑 밑부분은 화려한 아트 데코 프리즈로 꾸며졌고 로비는 아르데코 상징과 [71]현대성을 표현하는 이미지로 꾸며졌다.

크라이슬러 빌딩은 곧 윌리엄 F에 의해 엠파이어 스테이트 빌딩에 의해 높이가 추월되었다. 약간 덜 호화로운 데코 스타일의 램(1931년)과 레이먼드 후드(1933년)의 RCA 빌딩(현 록펠러 플라자 30년)이 함께 뉴욕의 스카이라인을 완전히 바꿨다.건물 꼭대기는 아르데코 크라운과 스테인리스로 덮인 첨탑으로 장식됐고 크라이슬러 건물의 경우 라디에이터 장식을 본뜬 아르데코 가르고일(Art Deco Gargoyle)로 장식됐으며 출입구와 로비에는 아르데코 조각, 도자기, 디자인으로 화려하게 장식됐다.비슷한 건물들이, 비록 그렇게 높지는 않지만, 시카고와 다른 미국의 대도시들에 곧 나타났다.록펠러 센터는 새로운 디자인 요소를 추가했다: 몇 개의 높은 건물들이 열린 광장 주위에 모여 있고 중앙에 [72]분수가 있다.

레이트 아트 데코

1925년, 아르데코 내에 두 개의 다른 경쟁 학파가 공존했다: 장식 예술가 협회를 설립한 전통주의자들, 가구 디자이너 에밀 자크 룰만, 장 뒤낭, 조각가 앙투안 부르델, 디자이너 폴 푸아레가 포함되었고, 그들은 현대적인 형태와 전통적인 공예 기술과 값비싼 재료들을 결합했다.반대편에는 점점 더 과거를 거부하고 새로운 기술, 단순함, 장식 부족, 저렴한 재료, 대량 생산에 기반을 둔 스타일을 원하는 모더니스트들이 있었다.모더니스트들은 1929년에 그들 자신의 조직인 프랑스 현대 예술가 연합을 설립했습니다. 멤버는 건축가 피에르 샤레, 프란시스 주르댕, 로베르 말레-슈테벤스, 코르뷔지에, 그리고 소련에서는 콘스탄틴 멜니코프, 아일랜드 디자이너 에일린 그레이, 프랑스 디자이너 소니아 들라우네, 보석상푸케와 푸아토르 등이 있었다.그들은 부유층만을 위해 만들어진 전통 예술 데코 양식을 맹렬히 공격하고, 잘 지어진 건물을 누구나 이용할 수 있어야 하며, 그 형태는 기능을 따라야 한다고 주장했다.물건이나 건물의 아름다움은 그것이 그 기능을 수행하기에 완벽하게 적합한지에 있다.현대 산업 방식은 가구와 건물을 손으로 [73][74][page needed]만드는 것이 아니라 대량으로 생산할 수 있다는 것을 의미했다.

그 미술 데코 인테리어 디자이너 폴 Follot 이런 식으로 말하였다.`우리는 그 남자는 없어서는 안 되는에 만족하지 않었고 그 불필요한 항상 필요한 것을 알고 아트 데코를 옹호했다...그렇지 않다면, 우리가 음악, 꽃들, perfumes.을 없애야 할 것이다.!"모더니즘 건축물로[75] 하지만, 르 코르뷔지에는 훌륭한 홍보 담당자 그는 집을 단순히 일이라고 말했다"a 기계, 지칠 줄 모르고 그 아이디어는 미술 데코는과 모더니즘는 미래였습니다 지난 임명되었습니다 in" 살아 보고 싶다.르 꼬르뷔 제의 아이디어 점차 구조 학교에 의해, 아트 데코의 미학은 버려졌는데 채택되었다.는 미술 데코는 시작에서 유명해 졌다 그 동일한 기능, 그 솜씨, 부유한 재료와 꾸미개, 그 쇠퇴로 이어졌다.대공황은 미국에서 1929년았고 직후 유럽 출시해, 크게는 가구 및 미술품을 살 수 있을 부유한 고객들의 수를 감소시켰다.대공황 경제 기후에도 몇몇 기업들이 새로운 고층 건물을 짓는데 준비했다.[34]심지어 Ruhlmann 회사 가구를 조각 조각 시리즈 개인의 수제 아이템보다는 의존하였다.마지막 건물 파리에서 새로운 방식으로 만든 박물관 공공 사업 오귀스트 페레에 의해의(지금 프랑스 경제, 사회와 환경 위원회), 팔레 드 Chaillot Louis-Hippolyte 부알로, 자크 Carlu고 레옹 Azéma에 의해 팔레 드 도쿄는 1937년 파리 만국 박람회;그들은 거창한 pavil을 바라보았다.이온 나치 독일의 알베르트 슈페어, 스탈린의 소비에트 연합의 동등하게 거창한socialist-realist 정자에 직면하다.

2차 대전 이후, 그 지배적인 건축 스타일이 국제 스타일 르 꼬르뷔지에와 미즈 반 데르 로우에 의해 개척된.아트 데코 호텔들 소수의 마이애미 비치에 2차 세계 대전 후에, 그러나 다른 지역의 양식은, 어디에서 자동차 스타일링과 jukeboxes과 같은 제품들에 사용되는 계속해서 산업 디자인을 제외하고는 사라졌다 건설되었다.1960년대에, 부분적으로 Bevis Hillier과 같은 건축 역사학자들의 글에 고마워 겸손한 학문적 부활을 경험했다.1970년대에 노력 미국과 유럽 아르데코 건축물 중 최고를 보존하고, 그리고 많은 건물과 통해서 사용을 복원하고 만들어졌다.맨 먼저 1980년대에 미술 데코처럼 보이는Postmodern 건축, 종종 순전히 장식적인 특성을 포함한다.[34][58][76][77]데코 디자이너들을 격려하기 위한, 그리고 종종 현대 패션, 보석과 세면 도구에서 사용된다.[78]

페인팅

1925년 박람회에는 그림을 위한 섹션이 따로 마련되어 있지 않았다.아르데코 그림은 방이나 건축물을 장식하기 위해 고안된 정의적인 장식이기 때문에 그 화풍만을 그리는 화가는 거의 없었지만, 두 화가는 아르데코와 밀접한 관련이 있다.장 뒤파는 1925년 파리 장식미술박람회에서 보르도 파빌리온을 위한 아르데코 벽화를 그렸고, 1925년 루엘만과 다른 저명한 아르데코 디자이너들이 가구를 전시한 메종 뒤 콜렉션뉴르 전시회의 벽난로 위에 그림을 그렸다.그의 벽화는 프랑스 원양 정기선 SS 노르망디의 장식에서도 두드러졌다.그의 작품은 [79]장식의 다른 요소들과 함께 배경 또는 반주로 디자인된 순수하게 장식적이었다.

타마라렘피카도 이 화풍과 밀접한 관련이 있다.폴란드에서 태어난 그녀는 러시아 혁명 이후 파리로 이민을 갔다.그녀는 모리스 데니스와 앙드레 로테 에서 공부했고 그들의 스타일에서 많은 요소들을 차용했다.그녀는 사실적이고 역동적이며 색채가 풍부한 아르데코 [80]화법으로 초상화를 그렸다.

1930년대에 극적인 새로운 형태의 아트 데코 그림이 미국에 등장했다.대공황 기간 동안, Works Progress Administration의 Federal Art Project는 실직 예술가들에게 작품을 주기 위해 만들어졌다.많은 사람들이 정부 건물, 병원, 학교를 꾸미는 임무를 받았다.벽화에 사용된 특정한 예술 데코 스타일은 없었다; 정부 건물에 벽화를 그리는 데 종사하는 예술가들은 미국 지역주의에서 사회적 사실주의에 이르기까지 많은 다른 학교에서 왔다; 그들은 레지날드 마쉬, 록웰 켄트 그리고 멕시코 화가 디에고 리베라를 포함했다.벽화는 모두 장식적이고 그들이 그려진 건물이나 도시의 활동과 관련이 있기 때문에 아르데코였다.레지날드 마쉬와 록웰 켄트는 둘 다 미국 우체국 건물을 꾸미고 일하는 우체국 직원들을 보여주었고, 디에고 리베라는 디트로이트 예술대학의 자동차 공장 노동자들을 묘사했다.디에고 리베라가 그린 30여 개의 록펠러 광장에 대한 벽화 '사거리에서의 남자'(1933)에는 [81][82]레닌의 허가받지 않은 초상화가 그려져 있다.리베라가 레닌을 제거하는 것을 거부했을 때, 그 그림은 파괴되었고 스페인 예술가 호세프 마리아 세르트에 [83][84][85]의해 새로운 벽화가 그려졌다.

조각품

기념비적이고 공공적인 조각품

조각은 아르데코 건축의 매우 흔하고 필수적인 특징이었다.프랑스에서는 앙투안 부르델이 춤과 음악을 대표하는 우화적인 부조물이 1912년 파리의 최초의 아르데코 랜드마크인 샹젤리제를 장식했다.1925년 박람회는 그 장소 주변에 주요 조각 작품들이 배치되었고, 전각들은 조각용 프리즈로 장식되었고, 작은 스튜디오 조각에 바쳐진 몇몇 전각들이 있었다.1930년대에, 많은 저명한 조각가들이 1937년 샤일로에서 열린 국제 예술 기술 박람회를 위해 작품을 만들었습니다.알프레드 야니오는 팔레 드 도쿄의 파사드에 부조 조각품을 만들었다.파리 미술관 모데르 드 라 빌과 에펠탑에 면한 팔레 드 샤일로 앞 광장에는 찰스 말프레이, 헨리 아놀드, 그리고 다른 [86]많은 사람들의 새로운 조각상들로 붐볐다.

공공 예술 데코 조각은 거의 항상 상징적이었고, 대개 건물이나 방의 목적과 관련된 영웅적이거나 우화적인 인물들이었다.주제는 보통 예술가가 아닌 단골손님에 의해 선택되었다.장식을 위한 추상 조각은 매우 [87][88]드물었다.

미국에서 공공 미술을 위한 가장 유명한 아트 데코 조각가는 폴 맨쉽으로, 그는 고전적이고 신화적인 주제와 주제를 아트 데코 스타일로 업데이트했다.그의 가장 유명한 작품은 뉴욕의 록펠러 센터에 있는 프로메테우스 동상인데, 이것은 20세기에 고전적인 주제를 각색한 것이다.록펠러 센터를 위한 다른 중요한 작품들은 조각 파사드와 아틀라스 동상을 포함한 Lee Lawrie에 의해 만들어졌다.

미국의 대공황 기간 동안, 많은 조각가들이 WPA, 즉 Works Progress Administration에서 자금을 지원받아 연방 정부 청사 장식을 위한 작품을 제작하도록 의뢰받았다.조각가 시드니 비흘러 워가 포함되었는데, 그는 연방 정부 [89]청사를 위해 근로자와 그들의 업무를 양식화되고 이상화된 이미지로 만들었습니다.샌프란시스코에서 Ralph Stackpole은 새로운 샌프란시스코 증권거래소 건물의 전면에 조각품을 제공했습니다.워싱턴 D.C.에서 Michael Lantz는 연방 무역 위원회 건물을 위해 작품을 만들었습니다.

영국에서는 에릭 길(Eric Gill)이 BBC 브로드캐스팅 하우스(BBC Broadcasting House)를 위해 데코 공공 조각상을 만들었고, 로널드 앳킨슨은 런던의 옛 데일리 익스프레스 빌딩(1932년) 로널드 앳킨슨(Ronald Atkinson) 로비를 장식했다.

가장 잘 알려져 있고 확실히 가장 큰 공공 예술 데코 조각품 중 하나는 1922년에서 1931년 사이에 완성된 프랑스 조각가란도스키구세주 그리스도로, 브라질 리우데자네이루가 내려다보이는 산꼭대기에 위치해 있다.

스튜디오 조각

많은 초기 아르데코 조각들은 살롱을 장식하기 위해 디자인된 작은 것이었다.이 조각의 장르 중 하나는 크리셀레판틴 조각상이라고 불리며, 금과 상아로 만들어진 고대 그리스 신전 조각상 양식에서 이름을 따왔다.그것들은 때때로 청동으로 만들어지거나, 때로는 상아, 오닉스, 알라바스터, 그리고 금박과 같은 훨씬 더 호화로운 재료로 만들어졌다.

가장 잘 알려진 아르데코 살롱 조각가 중 한 명은 루마니아 태생의 Demétre Chiparus로, 그는 화려한 색의 작은 무용수 조각상을 제작했습니다.다른 유명한 미용실 조각가로는 페르디난드 프리스, 요제프 로렌즐, 알렉산더 켈레티, 도로테아 샤롤, 구스타프 슈미트카셀 [90]등이 있다.스튜디오 형식의 또 다른 중요한 미국 조각가는 파리에서 오귀스트 로댕과 함께 공부한 해리엇 휘트니 프리슈무트였다.

Pierre Le Paguays는 1925년 박람회에서 전시된 유명한 Art Deco 스튜디오 조각가였다.그는 청동, 대리석, 상아, 오닉스, 금, 알라바스터, 그리고 다른 귀중한 [91]재료들을 가지고 일했다.

프랑수아 퐁퐁은 현대식 동물 조각의 선구자였다.그는 현재 파리의 [92]오르세 미술관에 있는 '백곰'으로도 알려진 '아우스의 블랑'으로 1922년 67세의 살롱 도 오토네에서 예술적 성취를 완전히 인정받지 못했다.

이러한 아르데코 조각가들과 병행하여, 더 아방가르드하고 추상적인 모더니즘 조각가들이 파리와 뉴욕에서 일하고 있었다.가장 눈에 띄는 사람들은 콘스탄틴 브란쿠시, 조셉 차키, 알렉산더 아치펜코, 앙리 로렌스, 자크 립치츠, 구스타브 미클로스, 람베르 루키, 얀 에트 조엘 마르텔, 차나 오를로프,[93] 파블로 가르갈로였다.

그래픽 아트

아르데코 스타일은 그래픽 아트 초기에 등장했고, 1차 세계대전 직전 몇 년 동안 나타났다.그것은 파리에서 발레 러시를 위한 레옹 박스트의 포스터와 의상 디자인, 그리고 패션 디자이너 폴 [94]푸아레의 카탈로그에 등장했습니다.조르주 바르비에와 조르주 르파페의 삽화와 패션잡지 '라 가제트봉통'의 이미지들은 그 스타일의 우아함과 관능성을 완벽하게 포착했다.1920년대에 외모가 바뀌었다; 여성 모델들이 주로 담배를 피우면서, 강조된 패션은 더 캐주얼하고, 스포츠적이고, 대담했다.보그, 배니티 페어, 하퍼스 바자 같은 미국 패션 잡지들은 이 새로운 스타일을 재빨리 집어 들어 미국에서 인기를 끌었다.그것은 또한 록웰 켄트와 같은 미국 책 일러스트레이터들의 작품에도 영향을 끼쳤다.독일에서, 그 시대의 가장 유명한 포스터 아티스트는 루드비히 홀바인이었는데, 그는 음악 축제, 맥주, 그리고 그의 경력 후반기에 나치 [95]당을 위해 색채가 풍부하고 극적인 포스터를 만들었습니다.

아르누보 시대에 포스터는 보통 연극 상품이나 카바레를 광고했다.1920년대에 기선 노선과 항공사를 위해 만들어진 여행 포스터는 매우 인기를 끌었다.1920년대에 들어서면서 광고되는 제품에 주의를 집중하기 위해 스타일이 눈에 띄게 바뀌었다.이미지는 더 단순하고, 정확하고, 더 선형적이고, 더 역동적이 되었고, 종종 단일 색 배경에 배치되었다.프랑스에서는 인기 있는 아트 데코 디자이너인 찰스 루포와 폴 콜린이 포함되었는데, 그는 미국의 가수이자 댄서인 조세핀 베이커의 포스터로 유명해졌다.장 칼루는 찰리 채플린의 영화, 비누, 극장의 포스터를 디자인했다; 1930년대 후반에 그는 미국으로 이민을 갔고, 세계 대전 동안 전쟁 제작을 장려하기 위한 포스터를 디자인했다.디자이너 Charles Gesmar는 가수 MistinguettAir France의 포스터를 만드는 것으로 유명해졌다.가장 잘 알려진 프랑스 아르데코 포스터 디자이너 중 한 명은 1935년 [95]원양 정기선 SS 노르망디의 유명한 포스터를 만든 카산드르였다.

1930년대에 새로운 장르의 포스터가 대공황기에 미국에 등장했다.Federal Art Project는 관광 및 문화 행사를 홍보하기 위해 포스터를 제작하기 위해 미국인 예술가들을 고용했다.

아키텍처

아르데코의 건축 양식은 1903-04년 파리에서 첫 선을 보였는데, 하나는 오귀스트 페레에 의해 벤자민 프랭클린에 의해 지어졌고 다른 하나는 앙리 소바지에 의해 트레타인에 의해 지어졌습니다.두 젊은 건축가는 파리 주택 건물에서 처음으로 철근 콘크리트를 사용했다.새 건물은 선이 깨끗하고 직사각형 형태이며 전면에는 장식이 없었다.그들은 아르누보 스타일로 [96]깔끔한 결별을 알렸다.1910년에서 1913년 사이, 페레는 콘크리트 아파트에서의 경험을 몽테뉴 15번가 샹젤리제 건물을 짓기 위해 사용했습니다.1925년과 1928년 사이에 Sauvage는 파리에 [97]있는 La Samaritane 백화점의 새로운 아트 데코 파사드를 지었다.

1차 세계대전 이후 유럽과 미국 전역의 대도시에서 강철과 철근콘크리트로 된 아르데코 건물들이 나타나기 시작했다.미국에서 이 스타일은 사무실 건물, 정부 건물, 영화관, 그리고 기차역에 가장 일반적으로 사용되었다.그것은 때때로 다른 스타일과 결합되었다; 로스엔젤레스 시청은 아르데코와 할리카르나소스의 고대 그리스 무덤을 기반으로 한 지붕을 결합했고, 로스엔젤레스 기차역은 데코와 스페인 선교 건축물을 결합했다.아르데코 요소는 금문교의 탑과 후버댐의 흡입탑을 포함한 엔지니어링 프로젝트에도 등장했습니다.1920년대와 1930년대에 페데리코 마리스칼[es]의 멕시코시티팔라시오벨라스 아르테스(미술의 궁전), 모스크바의 마야코프스카야 메트로 역, [citation needed]와타나베 후쿠조의 도쿄의 국회의사당 을 예로 들면서 진정한 국제적 양식이 되었다.

Art Deco 스타일은 육지의 건물에만 국한되지 않았다; 1935년 첫 항해가 있었던 원양 정기선 SS Normandie는 Lalique가 천장[98]장식을 유리로 만든 식당을 포함하여 Art Deco 디자인을 특징으로 했다.

"상업 성당"

American Art deco 인테리어 디자인의 그랜드 쇼케이스는 정부 건물, 극장, 특히 사무실 건물의 로비였다.대리석, 유리, 도자기, 스테인리스 스틸로 된 조각, 벽화, 화려한 기하학적 디자인이 어우러진 인테리어는 매우 화려하고 역동적이었다.초기의 는 조셉 나타니엘 프렌치가 그린 디트로이트의 피셔 빌딩이었다. 로비는 조각과 도자기로 매우 장식되어 있었다.디트로이트가디언 빌딩(원래 유니언 트러스트 빌딩)은 붉은색과 검은색 대리석과 밝은 색상의 도자기로 장식되어 있으며, 고도로 광택이 나는 강철 엘리베이터 문과 카운터로 강조되어 있습니다.벽에 설치된 조각 장식은 산업과 절약의 장점을 보여주었고, 그 건물은 즉시 "상업 대성당"으로 불렸습니다.티모시 프루거가 샌프란시스코있는 450 서터 스트리트라고 불리는 메디컬 앤 치과 빌딩은 마야 건축에서 매우 양식화된 형태로 영감을 받았습니다. 피라미드 모양을 사용했고, 내부 벽은 매우 양식화된 [99]줄의 상형문자로 덮여 있었습니다.

이 기간 동안 프랑스에서 아르데코 인테리어의 가장 좋은 예는 알베르 라프라드, 레옹 자우셀리, 레옹 바쟁포르테 도레(1931)였다.이 건물은 1931년 파리 식민지 박람회를 위해 프랑스 식민지의 사람들과 생산물을 기념하기 위해 지어졌다.외부 파사드는 온통 조각으로 덮여 있었고, 로비는 기하학적 무늬의 나무 파르켓 바닥과 프랑스 식민지의 사람들을 묘사한 벽화, 그리고 수직 문과 수평 [99]발코니의 조화로운 구성을 만들어냈다.

영화 궁전

아르데코의 가장 잘 남아 있는 예는 1920년대와 1930년대에 지어진 극장들이다.Art Deco 시대는 무성영화가 소리로 전환되는 시기와 겹쳤고 영화 회사들은 영화를 보러 온 많은 관객들을 사로잡기 위해 주요 도시에 큰 디스플레이 장소를 만들었다.1920년대 영화 궁전은 종종 이국적인 주제와 아르데코 스타일을 결합했다; 할리우드에 있는 그라우만의 이집트 극장은 고대 이집트의 무덤과 피라미드에서 영감을 얻은 반면, 캘리포니아 베이커스필드에 있는 폭스 극장은 캘리포니아 선교 스타일의 탑을 아르데코 홀에 부착했다.가장 큰 은 1932년 개관한 뉴욕의 라디오 시티 뮤직홀이다.원래는 극장 공연 공간으로 설계되었지만, 6015명의 관객을 수용할 수 있는 영화관으로 빠르게 변모했다.Donald Deskey의 인테리어 디자인은 현실로부터의 시각적 탈출을 위해 유리, 알루미늄, 크롬, 그리고 가죽을 사용했습니다.캘리포니아 오클랜드의 파라마운트 극장은 화려한 세라믹 파사드와 4층 높이의 로비, 그리고 신사 숙녀를 위한 별도의 아르데코 흡연실이 있었다.비슷한 궁전이 유럽에 나타났다.웅장한 탑이 있는 파리의 그랑렉스고몽-팔레스의 6,000석(1931-1973) 이후 유럽에서 가장 큰 영화관이었습니다.런던의 가몽 스테이트 시네마(1937년)는 크림색 세라믹 타일로 덮인 엠파이어 스테이트 빌딩을 모델로 한 타워와 아르데코-이탈리아 르네상스 스타일의 인테리어가 있었다.중국 상하이의 파라마운트 극장은 원래 100가지 쾌락의 문이라는 댄스홀로 지어졌다가 1949년 공산혁명 이후 영화관으로 개조돼 지금은 무도장과 디스코장이 됐다.1930년대에 이탈리아 건축가들은 지금의 에리트레아에 있는 아스마라에서 작은 영화 궁전인 시네마 임페로를 지었다.오늘날, 많은 영화관들이 멀티플렉스로 세분화되었지만, 다른 영화관들은 복구되어 [100]지역사회의 문화 센터로 사용되고 있다.

모델라인의 합리화

1930년대 후반, 새로운 종류의 아르데코 건축이 보편화되었습니다; 그것은 Styleline Moderne 또는 단순히 Streamline, 또는 프랑스에서는 Style Paquebot 또는 Ocean Liner 스타일로 불렸습니다.그 스타일의 건물들은 둥근 모서리와 긴 수평선을 가지고 있었다; 그것들은 철근 콘크리트로 지어졌고, 거의 항상 흰색이었다; 그리고 그들은 때때로 배의 것과 비슷한 난간과 포트홀과 같은 항해적 특징을 가지고 있었다.둥근 모서리는 완전히 새로운 것이 아니었다; 그것은 1923년 에리히 멘델슨이 모세하우스에, 그리고 후에 런던 교외 페리발레에 있는 산업 단지인 후버 빌딩에 나타났다.미국에서는 교통과 가장 밀접하게 관련되었다; 유선 온데인은 사무실 건물에서는 드물었지만, 팬암 클리퍼 비행선을 통해 대서양을 횡단하는 최초의 항공편을 취급한 뉴욕 라 과디아 공항의 터미널과 같은 버스 정류장과 공항 터미널에 자주 사용되었다; 그리고 도로변 건축가의.e, 예를 들어 주유소 및 식당.1930년대 후반, 능률적인 철도 차량을 모델로 한 일련의 식당들이 뉴잉글랜드의 마을에 생산되고 설치되었다. 적어도 두 개의 예는 여전히 남아 있고 지금은 역사적인 [101]건물로 등록되어 있다.

장식과 모티브

아르데코 시대의 장식은 몇 가지 뚜렷한 단계를 거쳤다.1910년에서 1920년 사이에, 아르누보가 고갈되면서, 디자인 스타일은 특히 폴 이리브의 작품에서 전통으로 되돌아왔다.1912년 앙드레 베라는 L'Art Decoratif 잡지에 장인정신과 재료, 그리고 자연에서 가져온 새로운 형태의 레퍼토리를 사용하는 것을 요구하는 에세이를 발표했다.1910년부터 1920년까지의 아르데코의 두 번째 경향은 수도꼭지라고 알려진 예술 운동의 밝은 색상과 발레 러시아인들의 화려한 의상과 세트에서 영감을 받았습니다.이 스타일은 종종 진주의 어머니인 상어 가죽, 상아색 가죽, 옻칠을 하고 페인트를 칠한 목재, 기하학적 구조를 강조한 가구에 장식적인 상감으로 표현되었다.이 양식의 시기는 1925년 파리 장식 예술 박람회에서 최고조에 달했다.1920년대 후반과 1930년대에 새로운 재료와 기술에 영감을 받아 장식 스타일이 바뀌었다.그것은 더 날렵해지고 덜 장식적이 되었다.가구는 건축과 마찬가지로 모서리가 둥글고 유선형 현대 양식에서 따온 세련되고 유선형의 형태를 띠기 시작했다.니켈이나 크롬 도금 강철, 알루미늄, 초기 형태의 플라스틱인 베이클라이트와 같은 새로운 재료가 가구와 장식에 [102]등장하기 시작했습니다.

아르데코 시대, 특히 1930년대에 데코르의 모티브는 건물의 기능을 표현했다.극장은 음악, 춤, 흥분을 보여주는 조각으로 장식되었다.전력회사는 일출, 크라이슬러 빌딩은 양식화된 후드 장식을 선보였다.1931년 파리 식민지 박람회의 팔레 드 라 포르테 도레의 프리즈는 프랑스 식민지의 다양한 국적의 얼굴을 보여주었다.Streamline 스타일은 건물 자체가 움직이는 것처럼 보이게 했다.1930년대의 WPA 벽화에는 고전적인 [103]영웅 대신 공장 노동자, 우체국 노동자, 가족, 농부 등 서민들이 등장한다.

가구.

1910년부터 1920년대 초반까지 프랑스 가구는 주로 프랑스의 전통적인 가구 스타일과 루이 마졸레, 샤를 플럼과 다른 제조업자들의 아르누보 디자인을 갱신한 것이었다.프랑스 가구 제조업자들은 독일 제조업자들과 스타일, 특히 심플하고 깔끔한 비더마이어 스타일에 위협을 느꼈다.파리 살롱 도 오토네의 회장인 프랑스 디자이너 Frantz Jourdain은 1910년 뮌헨에서 온 디자이너들을 살롱에 초대했다.프랑스 디자이너들은 새로운 독일 스타일을 보고 독일의 도전에 응하기로 결정했다.프랑스 디자이너들은 1912년 살롱에서 새로운 프랑스 스타일을 선보이기로 결정했다.그 살롱의 규칙에는 모던한 스타일만 허용된다고 명시되어 있었다.프랑스의 주요 가구 디자이너들은 모두 살롱에 참여했습니다: 폴 폴로, 폴 이리브, 모리스 뒤프렌, 안드레 그룰트, 앙드레 마레, 루이 수에가 큐비즘에서 영감을 받은 프랑스 전통 스타일의 모서리를 더욱 각진 모서리와 나브비즘에서 영감을 받은 루이 16세와 루이 필립의 밝은 색상으로 업데이트한 새로운 작품들을 선보였습니다.이에요.[104]

화가 앙드레 마레와 가구 디자이너 루이 쉬는 모두 1912년 살롱에 참가했다.전쟁이 끝난 후, 두 사람은 공식적으로 콩파니 데 아르트 프랑세즈라고 불리지만, 보통 단순히 수에와 마레로 알려진 그들만의 회사를 만들기 위해 함께 결합했다.모든 작품을 직접 디자인한 루이 마졸레와 같은 저명한 아르누보 디자이너와는 달리, 그들은 숙련된 장인들로 이루어진 팀을 구성했고 가구, 유리제품, 카펫, 도자기, 벽지, 조명을 포함한 완전한 인테리어 디자인을 생산했다.그들의 작품에는 밝은 색상과 가구, 훌륭한 나무들이 특징이었는데, 예를 들어 흑단에는 진주, 전복, 은으로 된 금속이 입혀져 꽃다발을 만들었다.그들은 원양 선박의 인테리어부터 장 파투의 라벨을 위한 향수병까지 모든 것을 디자인했다.그 회사는 1920년대 초에 번창했지만, 두 사람은 사업가보다 더 뛰어난 장인이었다.그 회사는 1928년에 매각되었고, 두 사람 모두 떠났다.[105]

1925년 장식 예술 박람회에서 가장 유명한 가구 디자이너는 알자스의 에밀 자크 루만이었다.그는 1913년 가을 살롱에서 자신의 작품을 처음 전시했고, 1925년 박람회에서 자신의 누각인 "부자 수집가의 집"을 가지고 있었다.는 흑단, 마호가니, 장미나무, 암본, 그리고 다른 이국적인 나무들을 포함한 가장 희귀하고 비싼 재료들을 사용했는데, 상아, 거북이 등껍질, 진주 어머니, 캐비닛 [106]서랍의 손잡이에 장식된 작은 비단 폼폼으로 장식되었다.그의 가구는 18세기 모델을 기반으로 했지만 단순화되고 변형되었다.그의 모든 작품에서 가구의 내부 구조는 완전히 숨겨져 있었다.보통 떡갈나무 틀은 얇은 나무 조각으로 완전히 덮여 있었고, 그 다음에 희귀하고 비싼 나무 조각 두 번째 층으로 덮여 있었다.그리고 나서 이것을 베니어판으로 덮고 광택을 내면서 마치 한 덩어리의 나무에서 잘라낸 것처럼 보이게 했다.짙은 나무와는 대조적으로 상아색 상감, 상아색 키 플레이트와 손잡이가 제공되었습니다.Ruhlmann에 따르면, 안락의자는 그들이 나타난 방의 기능에 따라 다르게 디자인되어야 했다; 거실 안락의자는 환영할 수 있도록, 사무실 의자는 안락하고, 살롱 의자는 관능적이도록 디자인되었다.가구 디자인별로 소량만 만들어졌고, 그의 침대나 캐비닛 중 하나의 평균 가격은 일반 [107]주택 가격보다 높았다.

Jules Leu는 1920년대에 Art Deco로 원활하게 이동한 전통적인 가구 디자이너였다. 그는 엘리제 궁전의 식당과 증기선 Normandie의 1등 선실을 위한 가구를 디자인했다.그의 스타일은 흑단, 마카사르 나무, 호두, 상아 조각과 진주 어머니 장식을 사용한 것이 특징이었다.그는 1920년대 후반에 옻칠한 아르데코 가구의 스타일을 소개했고 1930년대 후반에는 금속으로 만들어진 가구와 [108]훈제 유리 패널을 선보였다.이탈리아에서 디자이너 지오 폰티는 유선형 디자인으로 유명했다.

Ruhlmann과 다른 전통주의자들의 비싸고 이국적인 가구는 건축가 Le Corbusier를 포함한 모더니스트들을 격분시켰고, 그로 하여금 예술 데코라티프 스타일을 비난하는 유명한 일련의 기사를 쓰게 만들었다.부자들만을 위한 가구를 공격하고 디자이너들에게 저렴한 재료와 일반인들이 살 수 있는 현대식 가구를 만들라고 주문했다.그는 값싸고 대량 [109]생산될 수 있도록 만든 자신만의 의자를 디자인했다.

1930년대에는 가구 디자인이 형태에 맞게 바뀌었고, 표면이 더 매끄럽고 형태가 구부러졌습니다.후기 스타일의 거장들에는 가장 영향력 있는 디자이너 중 한 명인 도널드 데스키가 포함되어 있으며, 그는 라디오 시티 뮤직 홀의 인테리어를 만들었습니다.그는 알루미늄, 크롬, 그리고 초기 형태의 [110]플라스틱인 베이클라이트를 포함한 전통 재료와 매우 현대적인 재료의 혼합물을 사용했습니다.미국에서 1930년대의 다른 예술 데코 가구의 거장들로는 길버트 로데, 워렌 맥아더, 웨버, 볼프강 호프만있었다.

워터폴 스타일은 1930년대와 1940년대에 유행했고, 그 당시 가장 널리 보급된 아르데코 형태의 가구였다.조각은 일반적으로 금발 베니어 마감으로 마감된 합판으로 제작되었으며,[111] 가장자리가 둥근 폭포와 비슷했습니다.

설계.

Streamline은 1930년대 중반에 등장한 다양한 Art Deco였다.그것은 고속에서의 공기역학적 항력을 줄이기 위해 항공 및 탄도학을 위해 개발된 현대적인 공기역학적 원리의 영향을 받았다.총알 모양은 자동차, 기차, 선박, 그리고 심지어 냉장고, 가스 펌프,[60] 건물과 같은 움직이지 않는 물체에도 적용되었다.이 스타일의 첫 번째 생산 차량 중 하나는 1933년의 크라이슬러 에어플로우였다.그것은 상업적으로는 성공하지 못했지만, 디자인의 아름다움과 기능성은 선례를 남겼다; 그것은 현대성을 의미했다.그것은 [112][113][114][115]제2차 세계대전 이후에도 자동차 디자인에 계속 사용되었다.

새로운 산업 재료들이 자동차와 가정용품의 디자인에 영향을 미치기 시작했다.여기에는 알루미늄, 크롬, 초기 형태의 플라스틱인 베이클라이트가 포함되어 있습니다.베이클라이트는 쉽게 다른 형태로 만들어질 수 있었고, 곧 전화, 라디오 및 기타 가전제품에 사용되었다.

피에르 파투(1935년)에 의한 노망디 SS의 그랜드 다이닝룸; 레이몽 들라마레에 의한 베이스 릴리프

오션 라이너들은 또한 프랑스어로 스타일 파케봇 또는 "오션 라이너 스타일"로 알려진 아트 데코 스타일을 채택했습니다.가장 유명한 예는 1935년에 처음으로 대서양 횡단 여행을 한 SS 노르만디호였다.그것은 부유한 미국인들을 파리에 쇼핑하러 오게 하기 위해 특별히 고안되었다.캐빈과 살롱은 최신 아르데코 가구와 장식을 선보였다.일등석 승객들을 위한 식당이었던 배의 그랜드 살롱은 베르사유 궁전의 거울의 전당보다 더 컸다.라리크 크리스탈의 12개 기둥 안에 전등이 켜져 있었고, 36개의 기둥들이 벽을 따라 늘어서 있었다.이것은 조명이 건축에 직접 통합된 최초의 사례 중 하나였습니다.배의 양식은 곧 건물에 적응되었다.샌프란시스코 수변에서 주목할 만한 예가 발견되는데, 1937년에 대중 목욕탕으로 지어진 해양 박물관 건물은 배의 난간과 둥근 모서리가 있는 페리보트와 유사합니다.홍콩의 스타 페리 터미널 또한 다양한 [34]스타일을 사용했다.

직물 및 패션

직물은 화려한 벽지, 천장, 카펫의 형태로 아르데코 스타일의 중요한 부분이었다.1920년대에 디자이너들은 발레 러스의 무대 세트, 레옹 박스트의 직물 디자인과 의상, 비엔나 베르크스테테의 작품에서 영감을 받았다.앙드레 마레의 초기 인테리어 디자인은 벽, 바닥, 가구를 장식한 장미와 꽃으로 이루어진 밝은 색상과 스타일화된 화환을 특징으로 했습니다.라울 뒤피와 폴 포와레의 작품과 J.E. 루만의 가구 디자인에서도 꽃무늬 모티브가 지배적이었다.플로럴 [116]카펫은 폴 포와레에 의해 데코 스타일로 재창조되었다.

포초아 스텐실 기반의 인쇄 시스템이 도입되면서 스타일의 사용이 크게 향상되었고, 이를 통해 디자이너들은 선명한 선과 매우 선명한 색상을 얻을 수 있었다.포와레, 샤를 워스, 장 파투의 복장으로 아르데코 형식이 등장했다.제1차 세계대전 이후 의류와 직물의 수출은 [117]프랑스의 가장 중요한 통화 수입자 중 하나가 되었다.

후기 아트 데코 벽지와 직물은 때때로 스타일화된 산업 풍경, 도시 풍경, 기관차 및 기타 현대적인 테마뿐만 아니라 스타일화된 여성 피규어, 금속 마감 및 기하학적 [117]디자인을 특징으로 했다.

아르데코 기간 동안 패션은 특히 디자이너포와레에 코코 샤넬 덕분에 극적으로 변화했다.Poiret는 패션 디자인에 중요한 혁신, 드레이핑의 개념,[118] 과거의 맞춤과 패턴 제작에서 탈피했습니다.그는 직선을 따라 자른 옷과 직사각형을 [118]모티브로 한 옷을 디자인했다.그의 스타일은 구조적인 단순함을[118] 제공하였다. 코르셋 룩과 이전 시기의 격식 있는 스타일은 버려졌고, 패션은 더 실용적이고 합리화 되었다.새로운 재료, 밝은 색상과 인쇄된 [118]디자인을 사용합니다.디자이너 코코 샤넬은 스포티하고 캐주얼한 [119]시크한 스타일을 대중화하면서 이러한 변화를 계속했다.

보석

1920년대와 1930년대에 르네 랄리케와 까르띠에를 포함한 디자이너들은 작은 에메랄드, 루비, 사파이어와 같은 보다 다채로운 보석들을 선보임으로써 다이아몬드의 전통적인 지배력을 줄이려고 노력했다.그들은 또한 에나멜, 유리, 뿔, 상아 같은 저렴한 재료를 특징으로 하는 매우 정교하고 우아한 세팅에 더 많은 중점을 두었다.다이아몬드 자체는 덜 전통적인 형태로 잘려나갔다; 1925년 박람회에서 많은 다이아몬드가 작은 막대기나 성냥개비의 형태로 잘려나간 것을 보았다.다이아몬드의 설정도 바뀌었다; 점점 더 많은 보석상들이 금 대신 백금을 사용했다. 왜냐하면 그것은 강하고 유연하며 돌무더기를 만들 수 있었기 때문이다.보석상들은 또한 다이아몬드와 더 높은 [120]대비를 제공하는 에나멜과 블랙 오닉스 같은 어두운 재료를 사용하기 시작했다.

보석류는 훨씬 더 화려해졌고 스타일도 다양해졌다.카르티에와 부쉐론의 회사는 브로치, 반지, 귀걸이, 클립, 펜던트를 만들기 위해 다이아몬드를 잎, 과일 또는 꽃의 형태로 자른 색깔 있는 다른 원석과 결합했다.극동 테마도 인기를 끌었습니다.옥과 산호가 백금, 다이아몬드와 결합되어 화장함, 담뱃갑, 파우더 박스는 진주, 법랑, [120]옻칠로 만든 일본과 중국의 풍경으로 장식되었습니다.

빠르게 변화하는 옷의 패션은 새로운 스타일의 장신구를 가져왔다.1920년대의 민소매 드레스는 팔에 장식이 필요하다는 것을 의미했고, 디자이너들은 금, 은, 백금으로 된 팔찌를 라피스 라줄리, 오닉스, 산호, 그리고 다른 색깔의 돌들로 덮었다; 다른 팔찌들은 상완을 위한 것이었고, 종종 여러 개의 팔찌를 동시에 착용했다.20대 여성들의 짧은 헤어스타일은 정교한 데코 이어링 디자인을 필요로 했다.여성들이 공공장소에서 담배를 피우기 시작하면서 디자이너들은 매우 화려한 담뱃갑과 상아색 담뱃대를 만들었다.제1차 세계대전 전 손목시계의 발명은 보석상들로 하여금 다이아몬드로 덮여있고 에나멜, 금, 은으로 도금된 멋진 장식 시계를 만들도록 영감을 주었다.리본에 매달린 펜던트 시계도 [121]유행이 되었다.

The established jewellery houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, and Van Cleef & Arpels all created jewellery and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.[121] The jeweller Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colours by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.[121]

Glass art

Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects, designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had made ventures into glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, and created statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used coloured glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Île de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table setting and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métiers, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.[122]

Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colourful than that of Lalique.[122]

Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colours, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multi-coloured works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately shaded vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.[122]

The Great Depression ruined a large part of the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.[122] Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.

Amiens Cathedral has a rare example of Art Deco stained glass windows in the Chapel of the Sacred Heart, made in 1932-34 by the Paris glass artist Jean Gaudin based on drawings by Jacques Le Breton.[123]

Metal art

Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centre-piece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme "The Hunt", covered with gold leaf and paint on plaster (1935).[124]

Animation

Art Deco visuals and imagery was used in multiple animated films including Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia and Sleeping Beauty.[125] The architecture is featured in the fictitious underwater city of Rapture in the Bioshock video game series.

Art Deco architecture around the world

Art Deco architecture began in Europe, but by 1939 there were examples in large cities on every continent and in almost every country. This is a selection of prominent buildings on each continent.

For a comprehensive list of existing buildings by country, see: List of Art Deco architecture.

Africa

Most Art Deco buildings in Africa were built during European colonial rule, and often designed by Italian, French and Portuguese architects.

Asia

Many Art Deco buildings in Asia were designed by European architects. But in the Philippines, local architects such as Juan Nakpil, Juan Arellano and others were preeminent. Many Art Deco landmarks in Asia were demolished during the great economic expansion of Asia the late 20th century, but some notable enclaves of the architecture still remain, particularly in Shanghai and Mumbai.


Jamuna Bank in Chittagong. It is one of the finest building in the city https://en.m.wikipedia.org/wiki/File:Jamuna_Bhaban,_Chittagong_02.JPG

Australia and New Zealand

Melbourne and Sydney, Australia, have several notable Art Deco buildings, including the Manchester Unity Building and the former Russell Street Police Headquarters in Melbourne, the Castlemaine Art Museum in Castlemaine, central Victoria and the Grace Building, AWA Tower and Anzac Memorial in Sydney.

Several towns in New Zealand, including Napier and Hastings were rebuilt in Art Deco style after the 1931 Hawke's Bay earthquake, and many of the buildings have been protected and restored. Napier has been nominated for UNESCO World Heritage Site status, the first cultural site in New Zealand to be nominated.[127][128] Wellington has retained a sizeable number of Art Deco buildings.[129]

North America

In Canada, surviving Art Deco structures are mainly in the major cities; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontario, and Vancouver. They range from public buildings like Vancouver City Hall to commercial buildings (College Park) to public works (R. C. Harris Water Treatment Plant).

In Mexico, the most imposing Art Deco example is interior of the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts), finished in 1934 with its elaborate décor and murals. Examples of Art Deco residential architecture can be found in the Condesa district, many designed by Francisco J. Serrano.

In the United States, Art Deco buildings are found from coast to coast, in all the major cities. It was most widely used for office buildings, train stations, airport terminals, and cinemas; residential buildings are rare. During the 1920s and 1930s architects in the Southwestern United States, particularly in the US state of New Mexico, combined Pueblo Revival with Territorial Style and Art Deco to create Pueblo Deco, as seen in the KiMo Theater in Albuquerque. In the 1930s, the more austere streamline style became popular. Many buildings were demolished between 1945 and the late 1960s, but then efforts began to protect the best examples. The City of Miami Beach established the Miami Beach Architectural District to preserve the fine collection of Art Deco buildings found there.

Central America and the Caribbean

Art Deco buildings can be found throughout Central America, including in Cuba.

Europe

The architectural style first appeared in Paris with the Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) by Auguste Perret but then spread rapidly around Europe, until examples could be found in nearly every large city, from London to Moscow. In Germany two variations of Art Deco flourished in the 1920s and 30s: The Neue Sachlichkeit style and Expressionist architecture. Notable examples include Erich Mendelsohn's Mossehaus and Schaubühne theater in Berlin, Fritz Höger's Chilehaus in Hamburg and his Kirche am Hohenzollernplatz in Berlin, the Anzeiger Tower in Hanover and the Borsig Tower in Berlin.[130]

One of the largest Art Deco buildings in Western Europe is the National Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg, Brussels. In 1925, architect Albert van Huffel won the Grand Prize for Architecture with his scale model of the basilica at the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris.[131]

Spain and Portugal have some striking examples of Art Deco buildings, particularly movie theaters. Examples in Portugal are the Capitólio Theater (1931) and the Éden Cine-Theatre (1937) in Lisbon, the Rivoli Theater (1937) and the Coliseu (1941) in Porto and the Rosa Damasceno Theater (1937) in Santarém. An example in Spain is the Cine Rialto in Valencia (1939).

During the 1930s, Art Deco had a noticeable effect on house design in the United Kingdom,[58] as well as the design of various public buildings.[76] Straight, white-rendered house frontages rising to flat roofs, sharply geometric door surrounds and tall windows, as well as convex-curved metal corner windows, were all characteristic of that period.[77][132][133]

The London Underground is famous for many examples of Art Deco architecture,[134] and there are a number of buildings in the style situated along the Golden Mile in Brentford. Also in West London is the Hoover Building, which was originally built for The Hoover Company and was converted into a superstore in the early 1990s.

Bucharest, Romania

Bucharest, once known as the "Little Paris" of the 19th century, engaged in a new designs after World War I, redirected its inspiration towards New York City. The 1930s brought a new fashion which echoed in the cinema, theatre, dancing styles, art and architecture. Bucharest during the 1930s was marked by more and more art deco architecture from the bigger boulevards like Bulevardul Magheru to the private houses and smaller districts. The Telephone Palace, an early landmark of modern Bucharest, was the first skyscraper of the city. It was the tallest building between 1933 and the 1950s, with a height of 52.5 metres (172 ft). The architects were Louis Weeks and Edmond van Saanen Algi and engineer Walter Troy. The art deco monuments are a crucial part of the character of Bucharest since they describe and mark an important period from its history, the interbellic life (World War I–World War II). Most of the buildings from those years are prone to catastrophe, as Bucharest is located in an earthquake zone.[135]

India

The Indian Institute of Architects, founded in Mumbai in 1929, played a prominent role in propagating the Art Deco movement. In November 1937, this institute organised the 'Ideal Home Exhibition' held in the Town Hall in Mumbai which spanned over 12 days and attracted about one hundred thousand visitors. As a result, it was declared a success by the 'Journal of the Indian Institute of Architects'. The exhibits displayed the 'ideal', or better described as the most 'modern' arrangements for various parts of the house, paying close detail to avoid architectural blunders and present the most efficient and well-thought-out models. The exhibition focused on various elements of a home ranging from furniture, elements of interior decoration as well as radios and refrigerators using new and scientifically relevant materials and methods.[136] Guided by their desire to emulate the west, the Indian architects were fascinated by the industrial modernity that Art Deco offered.[136] The western elites were the first to experiment with the technologically advanced facets of Art Deco, and architects began the process of transformation by the early 1930s.[136]

Mumbai's expanding port commerce in the 1930s resulted in the growth of educated middle class population. It also saw an increase of people migrating to Mumbai in search of job opportunities. This led to the pressing need for new developments through Land Reclamation Schemes and construction of new public and residential buildings.[137] Parallelly, the changing political climate in the country and the aspirational quality of the Art Deco aesthetics led to a whole-hearted acceptance of the building style in the city's development. Most of the buildings from this period can be seen spread throughout the city neighbourhoods in areas such as Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra and Chembur.[138][139]

South America

Art Deco in South America is especially present in countries which received a great wave of immigration in the first half of the 20th century, with notable works in their richest cities, like São Paulo and Rio de Janeiro in Brazil and Buenos Aires in Argentina. The Kavanagh building in Buenos Aires (1934), by Sánchez, Lagos and de la Torre, was the tallest reinforced-concrete structure when it was completed, and is a notable example of late Art Deco style.

Preservation and Neo Art Deco

In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic art deco cinemas have been preserved and turned into cultural centres. Even more modest art deco buildings have been preserved as part of America's architectural heritage; an art deco café and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. In Havana, Cuba, many Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original appearance.

In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco (or Neo-Art Deco), have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s.[140] Examples include the NBC Tower in Chicago, inspired by 30 Rockefeller Plaza in New York City; and Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, which includes art deco features from Hoover Dam, 80 km (50 miles) away.[140][141][142][143]

Gallery

See also

References

  1. ^ Texier 2012, p. 128.
  2. ^ a b Hillier 1968, p. 12.
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  4. ^ Renaut, Christophe and Lazé, Christophe, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), Editions Jean-Paul Gisserot, pp. 110–116
  5. ^ Benton, Benton & Wood 2003, pp. 13–28.
  6. ^ "M. Cunny présente une Note sur un procédé vitro-héliographique applicable aux arts décoratifs", Bulletin de la Société française de photographie, Société française de photographie. Éditeur: Société française de photographie (Paris), 1858, Bibliothèque nationale de France, département Sciences et techniques, 8-V-1012
  7. ^ "Enfin, dans les ateliers, on travaille à l'achèvement des objets d'art décoratifs, qui sont très nombreux", Le Figaro, Éditeur: Figaro (Paris), 1869-09-18, no. 260, Bibliothèque nationale de France
  8. ^ L'Art décoratif à Limoges, La Voix de la province : Revue littéraire, artistique, agricole et commerciale, 1862, (1862/04/01 (N1)-1863/01/01 (N12)), Bibliothèque francophone multimédia de Limoges, 2013-220524, Bibliothèque nationale de France
  9. ^ Revue des arts décoratifs (Paris), 1880–1902, Bibliothèque nationale de France, département Sciences et techniques, 4-V-1113
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  11. ^ Les années "25": art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau (in French). Musée des arts décoratifs. 1966.
  12. ^ Poulin, Richard (2012). Graphic Design and Architecture, A 20th Century History: A Guide to Type, Image, Symbol, and Visual Storytelling in the Modern World. Rockport Publishers. p. 85. ISBN 978-1-61058-633-7.
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Bibliography

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