장식 예술
Decorative arts |
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장식 예술은 아름답고 기능적인 물건의 디자인과 제조를 목적으로 하는 예술이나 공예입니다.건물 내부와 인테리어 디자인을 위한 대부분의 예술 제작이 포함되지만, 보통은 건축이 아니다.세라믹 아트, 금속 세공, 가구, 보석, 패션, 다양한 형태의 섬유 예술 및 유리 기구가 주요 그룹입니다.
응용 예술은 장식 예술과 크게 겹치고, 응용 예술의 현대적 제작은 보통 디자인이라고 불립니다.장식예술은 흔히 미술, 즉 회화, 그림, 사진, 대형 조각과 같은 "미술"로 구분되는데, 일반적으로는 단지 그들의 미적 품질과 지성을 자극하는 능력만을 위해 사물을 제작한다.
미술과의 구별
장식 예술과 미술의 구별은 본질적으로 서양의 르네상스 이후의 예술에서 비롯되었는데, 그 구별은 대부분 의미가 있다.이 구별은 가장 가치 있는 작품들, 심지어 모든 작품들이 장식 매체에 포함된 다른 문화와 시대의 예술을 고려할 때 훨씬 덜 의미가 있다.예를 들어, 많은 시대와 장소의 이슬람 예술은 많은 전통 문화의 예술처럼 종종 기하학적 형태와 식물 형태를 사용하는 장식 예술로 구성되어 있다.
장식과 미술의 구별은 중국 미술을 감상하는 데 그다지 유용하지 않으며, 유럽의 초기 중세 미술을 이해하는 데도 유용하지 않다.그 시기 유럽에서는 원고 조명이나 기념물 조각과 같은 예술이 존재했지만, 가장 권위 있는 작품은 금세공이나 청동 같은 주조 금속이나 상아 조각과 같은 다른 기술들에 있는 경향이 있었다.대규모 벽화는 훨씬 덜 고려되었고, 조잡하게 제작되었으며, 현대 자료에서 거의 언급되지 않았다.그것들은 아마도 모자이크의 열등한 대체물로 보였을 것이다. 비록 최근 몇 세기 동안 모자이크는 장식적인 것으로 여겨지는 경향이 있었다.비슷한 운명이 태피스트리에게 닥쳤다. 태피스트리에는 중세 말기와 르네상스 시대의 왕족들이 가장 웅장한 예술양식으로 여겼으며, 가장 비싼 예술품이었다."ars sacra" (성스러운 예술)라는 용어는 금속, 상아, 직물, 그리고 다른 더 가치 있는 재료로 만들어진 중세 기독교 예술에 사용되기도 하지만, 그 시대의 희귀한 세속적인 작품에는 사용되지 않습니다.
장식을 '덜 낮은 예술'로 보는 관점은 1970년대에 에이미 골딘과 앤 스와츠와 [2]같은 작가들과 미술사학자들에 의해 공식적으로 이의를 제기되었다.예술에서 단 하나의 이야기에 대한 주장은 포스트 모더니즘적 아이러니와 거리 예술과 민족 장식 전통에 대한 큐레이터적 관심의 증가로 20세기 말에 설득력을 잃었다.1980년대 뉴욕 갤러리의 '무늬와 장식 운동'은 비록 오래 지속되지는 않았지만 [3]미술품의 가치에 대한 보다 포괄적인 평가의 길을 열었다.
다양한 소재의 영향
많은 문화권의 예술에 대한 현대적 이해는 다른 매체들에 대한 현대적 특권뿐만 아니라 다른 매체들의 작품들의 매우 다른 생존율 때문에 왜곡되는 경향이 있다.금속, 특히 귀금속의 작품들은 유행에서 벗어나자마자 "재활용"되기 쉬우며, 소유주들에 의해 종종 부의 보고로 사용되었고, 여분의 돈이 필요할 때 녹아버리기 위해 사용되었다.조명이 켜진 원고는 자료 가치가 거의 없고 보관하기도 쉬웠기 때문에 특히 교회의 손에 훨씬 더 높은 생존율을 가지고 있다.
르네상스식 사고방식
유럽 사상에서의 장식보다 미술의 진흥은 바사리와 같은 이탈리아 이론가들이 예술적 가치를 증진시켰던 르네상스 시기로 크게 거슬러 올라갈 수 있는데, 그 때 바사리 같은 이탈리아 이론가들은 작품 생산에 필요한 재료의 비용이나 숙련된 작업의 양에 거의 가치를 두지 않았다.예술적 상상력과 미켈란젤로, 라파엘로, 레오나르도 다빈치와 같은 매우 재능 있는 거장의 개인적인 손길은 어느 정도 고대의 접근을 되살렸다.중세 유럽 미술의 대부분은 고가의 재료와 어려운 기법의 명연기 둘 다 높이 평가된 매우 다른 가치로 제작되었다.중국에서는 수세기 동안 두 가지 접근법이 공존해 왔다: 수묵화와 수채화는 대부분 풍경화이며, 주로 학자-관료 또는 "문인"에 의해 제작되었고, 무엇보다도 예술가의 상상력의 표현으로 의도된 반면, 내가 만든 매우 중요한 중국 도자기를 포함한 다른 주요 예술 분야들n 효과적으로 산업적 조건들이 완전히 다른 예술적 가치들의 집합에 따라 생산되었다.
미술 공예 운동
미술과 달리 장식예술의 지위는 미술과 공예 운동의 발흥으로 축소되었다.이 19세기 후반의 미적 운동은 영국에서 태어났고 윌리엄 모리스와 존 러스킨에 의해 영감을 받았다.그 운동은 유럽 전역의 장식 예술에 대한 더 큰 감상의 시작을 상징했다.새로운 세대에 대한 예술과 공예 운동의 매력은 영국의 건축가이자 디자이너인 Arthur H. Mackmurdo가 1882년 공예가들을 위한 Century Guild를 조직하여 미술과 장식 예술 사이에 의미 있는 차이가 없다는 생각을 옹호하게 만들었다.전문 예술가의 지위와 지식계급 전반의 많은 개종자들이 이 [4]운동의 사상을 확산시키는 데 도움을 주었다.
예술과 공예 운동의 영향으로 장식 예술은 사회에서 더 높은 평가와 지위를 얻게 되었고, 이는 곧 법의 변화에 반영되었다.1911년 저작권법이 제정될 때까지 미술 작품만이 무단 복제로부터 보호되었다.1911년 법은 "예술적 작품"의 정의를 "예술적 장인정신"[5][6]의 작품들로 확장했다.
대량 생산 및 맞춤 제작
대량 생산과 소비주의의 맥락에서, 일부 개인들은 그들의 생활 방식을 창조하거나 유지하려고 시도하거나 그들의 생활에서 대량 생산된 동일한 물체를 받아들이도록 강요 받을 때 그들의 정체성을 구축하려고 시도할 것이다.캠벨의 작품 "The Craft Consumer"[7]에 따르면, 이것은 특정한 의도를 가진 상품들을 고르는 것으로 이루어진다.이물을 있는 그대로 받아들이는 대신, 이물을 자신의 라이프 스타일과 선택에 맞게 통합하고 바꾸거나 커스터마이즈한다.
일반적인 사물에 대한 커스터마이즈된 모양과 느낌을 실현하는 한 가지 방법은 디쿠피지, 아트카, 남아시아의 트럭아트, IKEA 해킹과 같은 장식 기법을 적용하여 사물의 외관을 바꾸는 것입니다.
「 」를 참조해 주세요.
참고 자료 및 출처
- 레퍼런스
- ^ "Patterns, Grids, and Painting".
- ^ "With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972–1985".
- ^ "The Pattern and Decoration Movement Challenged the Machismo of Modernism". 31 January 2020.
- ^ "Arts and Crafts Movement". Encyclopædia Britannica. Encyclopædia Britannica Online. Encyclopædia Britannica Inc. 2012. Retrieved 5 June 2014.
- ^ "Section 35(1)", UK Legislation, Copyright Act 1911
- ^ Edmund Eldergill (2012), The Decorative Arts and Copyright, Lagoon Contemporary Furniture
- ^ 캠벨, 콜린'공예소비자'컨슈머 컬쳐 저널 5.1 (2005)인쇄.
- 원천
- 필, 샬롯, 피터, eds.장식미술 연감(20세기 10년마다 하나씩).번역 완료.Taschen, 2000년
- 플레밍, 존, 휴 아너.장식 예술 사전뉴욕: Harper and Row, 1977년.
- 프랭크, 이자벨장식 예술 이론: 유럽과 미국 문학의 선집, 1750-1940.뉴헤이븐: 예일대학교 출판부, 2000.
- 캠벨, 고든그로브 장식 예술 백과사전.뉴욕: 옥스포드 대학 출판부, 2006.
- 손튼, 피터정통 장식: 국내 인테리어, 1620-1920.런던:세븐 다이얼즈, 2000년
추가 정보
- 도머, 피터(ed.), The Culture of Craft, 1997, 맨체스터 대학 출판부, ISBN 0719046181, 9780719046186, 구글 북스
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