콜라주

이 글은 검증을 위해 추가 인용문이 필요합니다. 신뢰할 수 있는 출처에 인용문을 추가하여 이 기사를 개선하는 데 도움을 주십시오. 조달되지 않은 자재는 제거될 수 있습니다.출처 : "Collage" – 뉴스 · 신문 · 서적 · 학자 · JSTOR (2019년 10월) (이 템플릿 메시지 삭제 방법 및 삭제 시기 확인)

콜라주(/kəl))/, 프랑스어: coller, "접착하다" 또는 "접착하다";)^[1]는 주로 시각 예술에서 사용되는 예술 창작 기법이지만, 음악에서도 예술이 다른 형태의 집합에서 비롯되어 새로운 전체를 창조한다.

콜라주는 잡지 및 신문 스크랩, 리본, 페인트, 색종이나 수제 종이 조각, 다른 예술작품이나 텍스트의 일부, 사진 및 기타 발견된 물체를 종이 또는 캔버스에 접착하여 포함할 수 있습니다.콜라주의 기원은 수백 년 전으로 거슬러 올라갈 수 있지만, 이 기술은 20세기 초에 새로운 예술의 형태로 극적으로 다시 나타났다.

파피에 콜레라는 용어는 콜라주가 현대 ^[2]미술의 독특한 부분이 된 20세기 초에 조르주 브라크와 파블로 피카소에 의해 만들어졌다.

역사

초기 판례

콜라주 기술은 기원전 200년경 중국에서 종이가 발명되었을 때 처음 사용되었다.그러나 일본에서는 10세기 무렵부터 서예가들이 ^[3]시를 쓸 때 표면에 글자를 붙여 접착지를 붙이기 시작했다.산주 로쿠닌 카슈의 많은 권인 니시혼간지 컬렉션에서 이 양식에서 살아남은 작품들이 발견된다.

콜라주 기술은 13세기 중세 유럽에서 나타났다.금박패널은 15세기와 16세기경 고딕 양식의 대성당에 적용되기 시작했다.보석과 다른 귀금속들은 종교적인 이미지, 아이콘, 그리고 ^[3]문장에 적용되었다.18세기 콜라주 미술의 예는 메리 델라니의 작품에서 찾을 수 있다.19세기에 콜라주 방법은 기념품과 책(예: 한스 크리스티안 안데르센, 칼 스피츠웨그)^[3]을 위한 취미 활동가들 사이에서도 사용되었다.많은 학회는 1912년 피카소와 브라크가 콜라주 관행을 시작했다고 보고 있지만, 빅토리아 시대의 초기 복사물은 콜라주 기법이 1860년대 초에 ^[4]행해졌음을 시사한다.비록 빅토리아 시대의 귀족 집단 초상화의 촉진자, 여성 박식의 증거로서 기능했고, 사진이 진실한 방식에 의문을 제기하는 새로운 예술적 표현 방식을 제시했지만, 많은 기관들은 이 작품들을 취미작가를 위한 기념품으로 인정한다.2009년, 큐레이터 엘리자베스 시겔이 전시회를 기획했습니다.시카고 아트 인스티튜트에서 픽처스와 함께 놀면서 덴마크의 알렉산드라, 메리 조지나 필머 등의 콜라주 작품을 인정한다.이 전시회는 후에 메트로폴리탄 미술관과^[6] 온타리오 미술관으로 옮겨졌다.

콜라주와 모더니즘

20세기 이전의 콜라주 같은 응용 기법의 사용에도 불구하고, 몇몇 예술 권위자들은 콜라주가, 적절하게 말하면, 모더니즘의 초기 단계와 함께, 1900년 이후에야 나타났다고 주장한다.

예를 들어, 테이트 갤러리의 온라인 미술 용어집에는 콜라주가 "20세기에 예술가의 기법으로 처음 사용되었다"^[7]고 명시되어 있다.구겐하임 박물관의 온라인 미술 용어집에 따르면 콜라주는 모더니즘의 시작과 관련된 예술적 개념이며, 다른 것에 무언가를 붙이는 것 이상의 것을 수반한다.브라크와 피카소가 캔버스에 붙인 접착제 패치들은 패치들이 ^[8]"그림의 표면과 충돌할 때" 회화에 대한 새로운 관점을 제공했다.이러한 관점에서 콜라주는 회화와 조각 사이의 관계에 대한 체계적인 재검토의 일부였고, 구겐하임 에세이에 따르면 이러한 새로운 작품들은 "각자에게 다른 것의 특징을 부여했다"고 한다.게다가, 이 신문 조각들은 충돌에 대해 외부적으로 언급되는 의미들의 단편들을 소개했다: "발칸 전쟁과 같은 시사들과 대중 문화에 대한 언급은 그들의 예술 내용을 풍부하게 했다."이 수식어 병치는 콜라주 이면의 영감으로서 「최종 제품보다 개념과 공정을 중시해,^[8] 콜라주는 보통 제품과의 의미 있는 회의에 부조화를 가져왔다」라고 하는 기본이 되었다.

회화의 콜라주

모더니즘적 의미의 콜라주는 입체파 화가 조르주 브라크와 파블로 피카소에서 시작되었다.서로 관련이 없고 다른 소재의 조각과 조각들이 입체파 콜라주, 즉 파피어 콜레를 구성했고, 그것은 그들에게 해체된 형태와 ^[9]외관을 주었다.일부 자료에 따르면, 피카소는 유화에 콜라주 기법을 사용한 최초의 인물이라고 한다.구겐하임 미술관의 콜라주 온라인 기사에 따르면 브라케는 피카소보다 먼저 콜라주 개념을 도입해 숯 그림에 적용했다.피카소는 그 직후 콜라주를 채택했다(그리고 그림에서 콜라주를 사용한 최초의 작품이 될 수 있다).

"오크색 벽지를 사서 종이 조각을 오려내 숯 그림에 붙이기 시작한 사람은 브라크였습니다.피카소는 즉시 새로운 매체에서 자신만의 실험을 하기 시작했다."^[8]

1912년 '의자 캐닝과의 정물화'^[10]를 위해 피카소는 의자-케인 디자인이 들어간 기름 천 조각을 작품 캔버스에 붙였다.

초현실주의 예술가들은 콜라주를 광범위하게 사용해왔고 큐비스트들의 정물화 중심에서 벗어났다.오히려, 초현실주의에 발맞춰, 조셉 코넬과 같은 초현실주의 예술가들은 허구적이고 이상한 꿈 같은 ^[9]장면들로 구성된 콜라주를 만들었다.큐보마니아는 이미지를 정사각형으로 잘라 자동으로 재구성하거나 임의로 재구성한 콜라주입니다.Marcel Marién은 Marién이 처음 연구한 방법에서 유사하거나 아마도 동일한 방법으로 콜라주를 생산했다.평행 콜라주 같은 초현실주의 게임들은 콜라주 제작의 집합적인 기술을 사용한다.

시드니 재니스 갤러리는 1962년 11월 톰 웨셀만, 짐 디네, 로버트 인디애나, 로이 리히텐슈타인, 클라스 올덴버그, 제임스 로젠퀴스트, 조지 시걸, 앤디 워홀 등 미국 예술가들의 작품을 포함한 새로운 사실주의 전시회라고 불리는 초기 팝 아트 전시회를 열었다.la, Jean Tinguely, Schifano.파리 갤러리의 리벳 드로이트에서 열린 누보 레알리즘 전시회에 이어 영국과 미국, 유럽 대륙에서 누보 레알리즘이라고 불리게 된 작가들의 국제적인 데뷔를 기념했다.이 예술가들 중 많은 이들이 그들의 작품에 콜라주 기법을 사용했다.베셀만은 몇 가지 ^[11]예약과 함께 뉴 리얼리스트 쇼에 참여했고, 두 개의 1962년 작품: 스틸 라이프 #17과 스틸 라이프 #22를 전시했다.

또 다른 기술은 캔버스 콜라주인데, 이것은 일반적으로 접착제를 사용하여 개별적으로 그려진 캔버스 패치를 그림의 메인 캔버스 표면에 적용하는 것입니다.이 기법을 사용한 것으로 잘 알려진 것은 1970년대 후반의 그의 그림에서 영국의 예술가 존 워커이지만, 캔버스 콜라주는 이미 1960년대 초 콘래드 마르카-렐리와 제인 프랭크와 같은 미국 예술가들의 혼합 미디어 작품의 필수적인 부분이 되었다.극도의 자기비판적 성격의 리 크라스너도 종종 자신의 그림을 조각으로 잘라 파괴했다가 콜라주로 재구성해 새로운 작품을 만들어냈다.

목재로 콜라주

우드 콜라주는 종이 콜라주보다 다소 늦게 등장한 유형이다.Kurt Schwitters는 종이 콜라주를 ^[12]위해 그림을 그리는 것을 이미 포기한 후 1920년대에 목재 콜라주를 실험하기 시작했다.목재 콜라주의 원리는 적어도 1920년대 중후반 그의 '촛불과 함께 머즈 그림' 때부터 확실히 확립되어 있다.

구겐하임 온라인에 따르면, 조르주 브라크가 오크 곡물의 벽지를 오려내 자신의 ^[8]숯 그림에 붙임으로써 종이 콜라주를 사용하기 시작했기 때문에, 어떤 의미에서, 우드 콜라주는 종이 콜라주와 동시에 간접적으로 처음 등장했다.따라서, 사용된 종이는 나무처럼 보이게 만들어진 상업용 제품이었기 때문에, 그림에 나무를 붙이는 생각은 처음부터 함축되어 있었다.

루이스 네벨슨이 가구 일부, 나무 상자 또는 통, 계단 난간이나 몰딩과 같은 건축 잔재를 포함한 발견된 조각들로 조립된 그녀의 조각적인 목재 콜라주를 진화시킨 것은 1940년대 중반부터 시작된 15년간의 강도 높은 실험 기간 동안이었다.일반적으로 직사각형이고, 매우 크고, 검은색으로 칠해져 있어 거대한 그림을 닮았다.현대미술관 카탈로그에는 네벨손의 하늘성당(1958)에 대해 "하늘성당은 정면에서 볼 수 있는 직사각형 평면으로서 그림의 특성을 가지고 있다.그러나 이러한 조각들은 거대한 벽이나 모노리스로 나타나기도 하며,^[13][14] 때로는 양쪽에서 보이기도 하고, 심지어 들여다보기도 한다.

많은 나무 콜라주 예술은 그림처럼 액자에 넣어 걸치고 규모가 상당히 작다.그것은 보통 캔버스나 나무 판자에 조립된 나무 조각, 나무 부스러기 또는 조각들을 특징으로 합니다.이러한 액자, 그림 같은, 나무 부조 콜라주는, 벽에 걸 수 있는 그림을 그리는 전통에서 비롯된 언어, 관습, 역사적 공명을 그리고 이용하면서, 화가가 소재에 내재된 깊이, 자연색, 그리고 다양한 텍스쳐를 탐구할 수 있는 기회를 제공한다.나무 콜라주 기술은 때때로 하나의 예술 작품에서 그림이나 다른 매체들과 결합된다.

종종 "나무 콜라주 예술"이라고 불리는 것은 유목과 같은 천연 목재 또는 발견되고 변하지 않은 통나무, 나뭇가지, 막대기 또는 나무껍질만을 사용합니다.이것은 그러한 예술작품이 (원래의 의미에서의) 콜라주인지 아닌지에 대한 의문을 제기한다.이것은 초기의 종이 콜라주가 일반적으로 텍스트나 그림으로 만들어졌기 때문이다. - 원래 사람들이 만든 것, 그리고 어떤 문화적 맥락에서 기능하거나 의미 있는 것들이다.콜라주는 여전히 인식 가능한 "서명자" (또는 기호의 조각들)를 일종의 기호학적 충돌로 함께 모읍니다.Nevelson 작품에서 사용된 잘린 나무 의자 또는 계단 뉴엘도 같은 의미에서 콜라주의 잠재적 요소로 간주될 수 있습니다: 그것은 독창적이고 문화적으로 결정되는 맥락을 가지고 있습니다.숲 바닥에서 찾을 수 있는 것과 같은 변하지 않은 천연목재는 그러한 맥락이 거의 없다.따라서 브라크와 피카소에서 유래한 콜라주 아이디어와 관련된 특징적인 맥락적 혼란은 실제로 일어날 수 없다. (물론 드리프트우드는 때때로 모호하다: 유목 조각은 한때 파이크였을 수도 있다.)예를 들어 선박의 일부인 가공목재의 e는 소금과 바다에 의해 풍화되어 과거의 기능적 정체성이 거의 또는 완전히 가려질 수 있다.)

디쿠파지

디쿠파지는 보통 공예품으로 정의되는 콜라주의 일종이다.장식을 위해 그림을 물건에 넣는 과정입니다.디코파지에는, 같은 이미지의 카피를 복수 추가해, 잘라내고 레이어 해 외관상의 깊이를 더하는 것이 포함됩니다.사진에는 보호를 위해 니스나 다른 실란트가 코팅되어 있는 경우가 많습니다.

20세기 초에, 디쿠파지는 다른 많은 예술 방법들과 마찬가지로 덜 현실적이고 더 추상적인 스타일로 실험하기 시작했다.디쿠파주 작품을 만든 20세기 작가로는 파블로 피카소와 앙리 마티스 등이 있다.가장 유명한 디쿠파지 작품은 마티스의 블루 누드 II이다.

더 적은 층을 필요로 하는 '접착제'를 사용하는 전통적인 기술에는 많은 종류가 있습니다(종이는 관련된 용지의 양에 따라 5개 또는 20개).또한 디커퍼의 요구에 따라 입체적으로 보이도록 유리 아래에 컷아웃을 적용하거나 올린다.현재 디쿠파지는 인기 있는 수공예품이다.

이 공예품은 17세기와 18세기 동안 큰 인기를 얻으면서 프랑스에서 데쿠파주로 알려지게 되었다.이 기간 동안 많은 첨단 기술이 개발되었고, 많은 코팅과 샌딩이 적용되었기 때문에 완성하는 데 최대 1년이 걸릴 수 있습니다.몇몇 유명하거나 귀족적인 개업가들로는 마리 앙투아네트, 마담 드 퐁파두르, 보 브룸멜이 있었다.사실 대부분의 디쿠파지 애호가들은 디쿠파지의 시작을 17세기 베네치아의 탓으로 돌린다.그러나 그것은 이 시기 이전에 아시아에 알려졌다.

디쿠파지의 가장 유력한 기원은 동시베리아 장례미술로 생각된다.유목민 부족들은 죽은 자의 무덤을 꾸미기 위해 오려낸 흉악범을 사용하곤 했다.시베리아에서 이 관습은 중국으로 건너왔고, 12세기 무렵에는 등, 창문, 상자, 그리고 다른 물건들을 장식하는 데 오려진 종이가 사용되었습니다.17세기에 이탈리아, 특히 베니스는 극동과의 무역의 최전선에 있었고, 일반적으로 종이 장식이 잘려나간 것은 이러한 무역 고리를 통해 유럽에 들어온 것으로 생각된다.

포토몬티지

사진 또는 사진의 일부로 만들어진 콜라주는 포토몬티지라고 불린다.포토몬티지는 다수의 다른 사진을 자르고 접합하여 합성 사진을 만드는 과정(및 결과)이다.합성 사진은 때때로 사진을 찍어서 최종 이미지가 매끄러운 사진 인쇄로 다시 변환됩니다.동일한 방법은 현재 이미지 편집 소프트웨어를 사용하여 구현되고 있습니다.그 기술은 전문가들에 의해 합성이라고 불린다.

오늘날 가정들을 그렇게 다르게 하고 매력적으로 만드는 것은 무엇일까요? 1956년 영국 런던에서 열린 This Is Tomorrow 전시회의 카탈로그를 위해 만들어졌으며, 이 전시회는 흑백으로 재현되었습니다.또한,^[15] 이 작품은 전시회 포스터에 사용되었다.리처드 해밀턴은 이후 여성 보디빌더를 주인공으로 한 1992년 버전을 포함하여 팝아트 콜라주의 주제와 구성을 수정한 여러 작품을 만들었다.많은 예술가들이 해밀턴의 콜라주의 파생 작품을 만들었다.P. C. Helm은 2000년에 ^[16]통역을 했다.

사진을 합성하는 다른 방법으로는 빅토리아식 "복합 인쇄", 한 장의 인쇄 용지에 두 개 이상의 네거티브 인쇄(예: O. G. Rejlander, 1857), 전면 투영 및 컴퓨터 몽타주 기법 등이 있습니다.콜라주가 여러 면으로 구성되어 있는 것처럼, 예술가들은 또한 몽타주 기법을 결합한다.Romare Bearden(1912–1988)의 흑백 "사진 투영" 시리즈가 그 예입니다.그의 방법은 종이, 그림, 사진을 8인치 × 11인치 판에 올려놓는 것으로 시작되었다.베어든은 유제로 이미지를 고정했고 그 후 핸드롤러를 발랐다.그 후 그는 콜라주를 사진으로 확대했다.

19세기에는 여러 이미지를 합성물에 물리적으로 결합하고 그 결과를 촬영하는 전통이 언론 사진술과 오프셋 리소그래피에서 우세했으며, 디지털 이미지 편집이 널리 사용되기 전까지도 그러했습니다.잡지에 실린 현대 사진 편집자들은 이제 디지털 방식으로 "붙여넣기"를 만듭니다.

포토몬티지를 만드는 것은 Adobe Photoshop, Pixel Image Editor, GIMP와 같은 컴퓨터 소프트웨어의 등장으로 대부분 쉬워졌습니다.이러한 프로그램은 디지털 방식으로 변경하므로 워크플로우를 더 빠르게 하고 더 정확한 결과를 얻을 수 있습니다.또한 아티스트가 오류를 "해제"할 수 있도록 함으로써 오류를 완화합니다.그러나 일부 예술가들은 디지털 이미지 편집의 경계를 넘어서 전통 예술의 요구와 맞먹는 매우 시간 집약적인 구성을 만들고 있습니다.그림,^[17] 연극, 일러스트, 그래픽을 매끄러운 사진 전체에 조합한 그림을 만드는 것이 요즘 트렌드다.

디지털 콜라주

디지털 콜라주는 콜라주 생성에 컴퓨터 도구를 사용하여 서로 다른 시각적 요소의 우연한 연관성과 전자 매체의 사용을 통한 시각적 결과의 후속 변환을 장려하는 기술입니다.그것은 포토샵과 같은 프로그램을 이용한 디지털 아트의 창작에 흔히 사용된다.

입체 콜라주

3D 콜라주는 바위, 구슬, 단추, 동전, 심지어 흙과 같은 3차원 물체를 넣어 새로운 전체 또는 새로운 물체를 만드는 예술이다.예를 들어 주택, 비드 서클 등이 있습니다.

콜라주

"eCollage"(전자 콜라주)라는 용어는 컴퓨터 도구를 사용하여 작성된 콜라주를 의미합니다.

콜라주 아티스트

갤러리

• 

  파블로 피카소, 콩포티에 아베크 과일, 비올론 외 베르, 1912년

• 

  Georges Braque, Fruitdish and Glass, 1912, 종이 위의 종이와 숯

• 

  장 메칭거, Au Velodrome, 1912년, 캔버스의 석유, 모래, 콜라주, 페기 구겐하임 컬렉션

• 

  Juan Gris, Le Petit Déjuner, 1914, 구아슈, 기름, 크레파스, 캔버스에 오려붙인 인쇄용지, 현대미술관

다른 컨텍스트에서는

아키텍처의 경우

르 코르뷔지에와 다른 건축가들은 콜라주와 유사한 기술을 사용했지만, 이론적 개념으로서의 콜라주는 콜린 로와 프레드 쾨터가 콜라주 시를 출판한 (1978) 이후에야 널리 논의되었다.

그러나 Rowe와 Koetter는 그림적인 의미에서 콜라주를 옹호한 것은 아니며, 콜라주에서 일어나는 의미 파괴의 유형을 추구한 것은 더더욱 아니다.대신, 그들은 모더니즘의 통일성에 도전하려고 했고, 모더니즘의 비선형적 역사관과 콜라주를 디자인 실천을 되살리는 수단으로 보았다.역사적 도시 구조뿐만 아니라, 그것을 연구하는 데 있어서 디자이너들은 어떻게 더 나은 운영을 할 수 있을지에 대한 감각을 얻을 수 있을 것으로 기대되었다.로우는 텍사스 대학에서 한동안 가르쳤던 건축가 그룹인 소위 텍사스 레인저스의 일원이었다.이 그룹의 또 다른 멤버는 스위스 건축가 베른하르트 회슬리로 ETH-Zurich에서 중요한 교육자가 되었다.Rowe에게 콜라주는 실제 연습이라기보다 은유에 가까웠던 반면, Hoesli는 그의 디자인 과정의 일부로 적극적으로 콜라주를 만들었습니다.그는 뉴욕에 기반을 둔 예술가 로버트 슬러츠키와 친했고 그의 스튜디오 작품에서 콜라주와 혼란에 대한 질문을 자주 했다.

음악에서

콜라주 개념은 시각 예술의 경계를 넘어섰습니다.음악에서, 녹음 기술의 진보와 함께, 아방가르드 예술가들은 20세기 중반부터 오려 붙이는 실험을 하기 시작했다.

1960년대에 조지 마틴은 비틀즈의 음반을 제작하면서 음반 콜라주를 만들었다.1967년 팝아티스트 피터 블레이크는 비틀즈의 세미날 앨범 Sgt의 표지를 위해 콜라주를 만들었다. 페퍼의 론리 하트 클럽 밴드.1970년대와 1980년대에 크리스찬 마클레이와 네가티브랜드 같은 그룹은 오래된 오디오를 새로운 방식으로 재이용했다.1990년대와 2000년대까지, 샘플러의 인기와 함께, "뮤지컬 콜라주"가 대중음악, 특히 랩, 힙합,^[18] 전자음악의 표준이 되었다는 것이 명백해졌다.1996년 DJ Shadow는 기존의 녹음된 소재를 오디오 콜라주로 혼합한 획기적인 앨범 Endtproducting...을 발매했다.같은 해, 뉴욕시에 기반을 둔 예술가, 작가, 음악가 폴 D.밀러 DJ 스푸키의 작품은 그의 앨범 '죽은 꿈꾼 자의 노래'와 그의 저서 '리듬 사이언스'(2004)와 '사운드 언바운드'(2008)에서 DJ 문화의 기록물에 대한 집착을 결합한 예술 관행으로 박물관과 갤러리의 맥락으로 샘플링 작업을 밀어 넣었다.그의 책에서, 작가, 예술가, 그리고 안토닌 아르토, 제임스 조이스, 윌리엄 S와 같은 음악가들의 "매시업"과 콜라주 기반의 혼합물이다. Burroughs, 그리고 Raymond Scott은 그가 "소리의 문학"이라고 부르는 것의 일부로 등장했습니다.2000년, The Awarenches는 약 3,500개의 음악 소스(예:^[19] 샘플)로 구성된 음악 콜라주인 When I Left You를 발매했다.

그림에서

콜라주는 어린이 그림책 일러스트레이션의 기법으로 많이 사용되고 있습니다.에릭 칼은 선명한 색상의 손질 종이를 사용하여 모양을 만들고 함께 레이어드하며, 때로는 크레용이나 다른 표시로 장식하기도 합니다.The Very Hungry Caterpillar의 이미지를 참조하십시오.

아티스트의 책에서는

콜라주는 때때로 단독으로 또는 예술가의 책에서 다른 기술과 조합하여 사용되기도 하는데, 특히 출판된 ^[20]책의 이미지보다는 일회성 독보적인 책들에서 더욱 그러하다.

문학에서

콜라주 소설은 다른 출판물에서 고른 이미지를 테마나 이야기를 따라 콜라주한 책이다.

불협화음의 성경인 프린키피아 디스커디아는 그 저자에 의해 문학적 콜라주로 묘사된다.문학 용어로 콜라주는 또한 아이디어나 이미지의 층을 나타낼 수도 있다.

패션 디자인에서

콜라주는 도면을 종이, 사진, 실, 직물 등 다양한 소재와 함께 디자인으로 접목하는 혼합 미디어 일러스트의 일부로 패션 디자인에 활용된다.

인필름

콜라주 영화는 전통적으로 "허구적인 장면과 뉴스릴과 같은 상이한 출처에서 찍은 영상을 병치한 영화"로 정의된다.여러 종류의 영상을 조합하는 것은 감독의 접근법에 따라 다양한 의미를 가질 수 있다.콜라주 필름은 필름 스트립에 재료를 물리적으로 콜라주하는 것을 가리킬 수도 있습니다.캐나다의 영화 제작자 Arthur Lipsett은 특히 그의 콜라주 영화로 유명했는데, 이 영화들 중 다수는 국립 필름 보드 스튜디오의 커팅룸 바닥에서 만들어졌다.

포스트 프로덕션에서

CGI 또는 컴퓨터 생성 이미지의 사용은 콜라주의 한 형태로 간주될 수 있습니다. 특히 애니메이션 그래픽이 기존의 필름 필름 위에 레이어드 되어 있는 경우에는 더욱 그렇습니다.아멜리(Jean-Pierre Juenet, 2001)의 특정 순간, 미장센은 소용돌이치는 색채와 빛의 터널과 같은 가공적인 요소를 포함하여 매우 공상적인 스타일을 취합니다.데이비드 O.러셀의 '아이 하트 허커비'(2004)는 CGI 효과를 접목해 실존탐정(릴리 톰린과 더스틴 호프먼)에 의해 설명되는 철학적 이론을 시각적으로 보여준다.이 경우, 효과는 선명도를 높이는 동시에, 그렇지 않으면 사실적인 영화에 초현실적인 면을 더하는 역할을 한다.

법적 문제

콜라주가 기존 작품을 사용했을 때, 그 결과는 일부 저작권학자들이 파생 작품이라고 부르는 것이다.따라서 콜라주는 원본의 법인 저작물과 관련된 저작권과는 별도의 저작권을 가지고 있습니다.

저작권법의 재정의와 재해석, 그리고 재정적인 관심의 증가로 인해 콜라주 예술의 일부 형태는 상당히 제한된다.예를 들어 건전한 콜라주(힙합 음악 등) 분야에서 일부 법원 판결은 저작권 침해에 대한 방어로서의 미니멀스 원칙을 효과적으로 배제함으로써 콜라주 관행을 공정한 사용이나 미니멀 보호에 의존하는 비허용적 사용에서 벗어나 ^[21]라이선싱으로 전환했다.현대 저작권에 반하는 음악 콜라주 예술의 예로는 The Grey Album과 Negativland의 U2가 있다.

시각 작품의 저작권 상태는 여전히 모호하지만 문제가 덜하다.예를 들어, 일부 비주얼 콜라주 예술가들은 첫 판매 원칙이 그들의 작품을 보호한다고 주장해왔다.제9서킷은 제1판매 원칙이 파생상품에는 적용되지 않는다고 주장했지만, 제1판매 원칙은 저작권자가 저작물의 ^[22]'제1판매' 후 소모적인 사용을 통제하는 것을 금지하고 있다.데 미니미스 원칙과 공정 사용 예외는 또한 주장된 저작권 ^[23]침해에 대한 중요한 방어 수단을 제공합니다.2006년 10월 제2서킷은 예술가 제프 쿤스가 콜라주 그림에 사진을 포함시킨 것은 공정한 ^[24]사용이었기 때문에 저작권 침해에 대한 책임이 없다고 판결했다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

참고 문헌

• Adamowicz, Elza (1998). Surrealist Collage in Text and Image: Dissecting the Exquisite Corpse. Cambridge University Press. ISBN 0-521-59204-6.
• Ruddick Bloom, Susan (2006). Digital Collage and Painting: Using Photoshop and Painter to Create Fine Art. Focal Press. ISBN 0-240-80705-7.
• 이스트반 호카이 박물관 공장
• Nita Leland와 Virginia Lee와 George F.에서 발췌한 콜라주 역사.브로머
• West, Shearer (1996). The Bullfinch Guide to Art. UK: Bloomsbury Publishing. ISBN 0-8212-2137-X.
• Rowe, Colin; Koetter, Fred (1978). Collage City. Cambridge, Massachusetts: MIT Press. ISBN 9780262180863.
• Mark Jarzombek, "Bernhard Hoesli Collages/Civitas", Bernhard Hoesli: 콜라주, dear. cat., 편집자 크리스티나 베탄조스 핀트(녹스빌:테네시 대학교, 2001년 9월), 3-11.
• 테일러, 브랜든도시벽: 유럽과 미국의 콜라주 세대: 프랑수아 뒤프렌, 레이몽 하인, 로베르 라우셴버그, 밈모 로텔라, 자크 빌레글레, 울프 보스텔과 함께 하는 부르한 도간사이.ISBN 9781555952884; OCLC 191318119 (뉴욕:Hudson Hills Press; [Lanham, MD] : National Book Network, 2008년 미국 내 배포)
• 리처드 미시노제노베세 발굴(온톨로지 박물관 인수)

메모들

외부 링크

• 콜라주 전문 웹사이트 Collageart.org
• 클레멘트 그린버그 콜라주
• 2001년 Jonathan Talbot의 큐레이션으로 많은 아티스트의 전통과 디지털 콜라주 전시
• Cecil Touchon의 콜라주, 조립 및 건설 국제 박물관
• 현대 콜라주에 관한 인쇄 잡지인 콜라지.
• 아티스트 데보라 해리스 콜라주
• 작품을 조립할 줄 아는 폴란드 콜라주 아티스트 5명