예술가서

Artist's book
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에드 루샤, 1963년 26개 주유소

예술가의 책(또는 책 예술 또는 책 대상)은 책의 형태를 활용하는 예술 작품입니다. 그것들은 종종 작은 판본으로 출판되지만, 때때로 그것들은 특별한 물건으로 생산됩니다.

개요

예술가들의 책은 전통적인 코덱스 형태뿐만 아니라 두루마리, 접기, 협주곡 또는 상자 안에 들어있는 헐렁한 물품과 같은 덜 일반적인 형태를 포함한 다양한 형태를 채택해 왔습니다. 작가들은 수세기 동안 인쇄와 책 제작에 적극적이었지만, 작가의 책은 주로 20세기 후반의 형태입니다. 다다, 구성주의, 미래주의, 플럭서스와 같은 초기 운동 안에서도 책의 형태가 만들어졌습니다.[1]

예술가의 책은 예술가가 높은 통제력을 가지고 있는 최종적인 모습에 대한 책 또는 책과 같은 물체입니다. 여기서 책은 그 자체로 예술 작품으로 의도됩니다.

— Stephen Bury[2]

예술가들의 책은 다양한 이유로 만들어집니다. 예술가 책은 일반적으로 대화형이며 휴대가 가능하고 이동이 가능하며 쉽게 공유할 수 있습니다. 일부 예술가 책은 기존의 책 형식에 도전하여 조각적인 물건이 됩니다. 미술관이나 박물관의 공식적인 맥락을 벗어나 사람들이 예술에 접근할 수 있도록 하기 위해 예술가의 책을 만들 수 있습니다.[3] 예술가들의 책은 발견된 물건을 포함한 다양한 재료로 만들어질 수 있습니다.[4] 멕시코 예술가 울리스 카레온(Ulises Carrión)은 예술가들의 책을 전통적인 책에서처럼 텍스트로만 환원되지 않는 자율적인 형태로 이해했습니다.[5]

초기역사

블레이크의 손으로 그린 앞 그림은 순수와 경험의 노래 작품입니다. 이 프론트피스 버전은 현재 의회 도서관이 소장하고 있는 카피 Z에서 나온 것입니다.[6]

형태의 기원: 윌리엄 블레이크

예술가들이 중세 초기부터 유럽에서 책 제작에 참여해 왔지만(켈스의 책과 트레스 리치 호레스 뒤 뒤 뒤 베리와 같은), 이 주제에 관한 대부분의 작가들은 영국의 선견지명 있는 예술가이자 시인인 윌리엄 블레이크(1757–1827)를 가장 이른 직접적인 선례로 꼽습니다.[1][7]

순수의 노래와 경험의 노래와 같은 책들은 블레이크와 그의 아내 캐서린에 의해 쓰여지고, 삽화가 그려지고, 인쇄되고, 채색되고, 제본되었고, 손으로 쓴 텍스트와 이미지의 결합은 명백한 전례 없이 강렬하고, 해석학적인 작품들을 만들었습니다. 이러한 작품들은 자기 출판과 자기 배포를 텍스트, 이미지 및 형식의 통합과 연결하여 후대 예술가들의 책을 위한 분위기를 조성할 것입니다. 이 모든 요소들은 오늘날까지 예술가들의 책에 핵심 개념으로 남아 있습니다.

아방가르드 제작 1909~1937

1914년 마리네티의 장텀블 텀블러

유럽이 제1차 세계대전을 향해 곤두박질치면서, 대륙의 다양한 아방가르드 예술가 그룹들은 팜플렛, 포스터, 매니페스토, 책에 집중하기 시작했습니다. 이것은 부분적으로 증가하는 인쇄 지배적인 세계에서 홍보를 얻기 위한 방법이었지만, 또한 전통적인 갤러리 시스템을 우회하고 아이디어를 보급하며 (이론적으로) 미술관에 들어가지 않을 사람들이 볼 수 있는 저렴한 작품을 만들기 위한 전략이기도 했습니다.

급진주의로의 이러한 움직임은 이탈리아의 미래주의자들, 특히 필리포 마리네티(Filippo Marinetti, 1876-1944)에 의해 대표적으로 보여집니다. 1909년 프랑스 일간지 르 피가로(Le Figaro)의 표지에 실린 "미래주의 선언"은 국제적으로 악명을 떨친 대담한 쿠데타였습니다.[8] Marinetti는 이어지는 유명세를 이용해 유럽을 순회하며 책 만들기와 팜플렛 만들기를 향한 모든 대륙의 운동을 시작했습니다.

예를 들어, 런던에서는 마리네티의 방문이 윈덤 루이스의 보르티치즘 운동의 설립을 직접적으로 자극했습니다. 문학 잡지 BLAST는 모더니즘 정기 간행물의 초기 예이며 데이비드 봄버그의 책 러시안 발레(1919)는 추상적인 색상의 석판화가 삽입된 세심한 간격의 텍스트를 포함하고 있습니다. 영어 예술가들의 책 역사에서 획기적인 사건입니다. 그러나 예술가들의 책의 창작과 관련하여, 가장 영향력 있는 미래주의 원칙의 분파는 러시아에서 발생했습니다. 마리네티는 1914년에 속도, 위험, 불협화음의 미래주의 원칙을 대표하여 방문했습니다.[9][10]

러시아 미래주의, 1910년 ~ 1917년

번역부그, 1914, 올가 로자노바

모스크바를 중심으로 러시아의 미래학자들은 전통적인 책 제작의 모든 가정에 도전하는 예술가들의 책들을 지속적으로 만들었습니다. 이 단체가 만든 책들 중 일부는 비교적 단순한 시의 활판일 것이지만, 다른 많은 것들은 형식, 구조, 재료, 그리고 아직도 현대적인 것처럼 보이는 내용을 가지고 연주했습니다.

클레브니코프와 크루체니크의 월드 백워드(1912), 나탈리아 곤차로바, 라리오노프 로고빈과 타틀린, 알리아그로프와 크루체니크의 트랜스레이셔널부그(1915), 크루체니크와 올가 로자노바의 유니버설 워(1916) 등의 주요 작품들은 표현적인 석판화와 콜라주적인 요소들과 통합된 손으로 쓴 텍스트를 사용했습니다. 개별 복사본 간에 극적인 차이가 있는 소규모 버전을 만듭니다. 다른 제목들은 벽지와 같은 재료, 탄소 복사와 헥토그래프를 포함한 인쇄 방법, 페이지의 무작위 배열을 포함한 제본 방법으로 실험하여 어떤 두 책도 같은 맥락적 의미를 갖지 않도록 했습니다.[11]

러시아 혁명 이후 러시아의 미래주의는 점차 말레비치와 타틀린의 주요 인물들을 중심으로 구성주의로 발전했습니다. 새로운 공산주의 시대를 위해 새로운 프롤레타리아 예술을 창조하려고 시도하는 구성주의 책들은 또한 다른 유럽 아방가르드들에게 큰 영향을 미칠 것이며, 엘 리시츠키의 "목소리를 위하여"(1922)와 같은 디자인과 텍스트 기반의 작품들은 공산주의에서 영감을 받거나 직접적으로 연관된 그룹들에게 직접적인 영향을 미칩니다. 취리히와 베를린의 다다, 바이마르의 바우하우스, 그리고 네덜란드의 데 슈틸은 새로운 국제 모더니즘 양식으로 수많은 책과 정기 간행물, 그리고 이론서를 출판했습니다. 이 시대의 예술가들의 책에는 커트 슈비터스와 케이트 슈타이니츠의 책 허수아비(1925), 테오 반 도즈부르크의 정기 간행물 드 슈틸 등이 있습니다.

다다와 초현실주의

다다는 제1차 세계 대전 동안 중립국 스위스의 망명 예술가 그룹에 의해 카바레 볼테르에서 처음 시작되었습니다. 원래 와실리 칸딘스키의 건전한 시와 칸딘스키가 마르크, 예술가들의 책, 정기 간행물, 선언문과 부조리극은 다다의 주요 화신들 각각의 중심이었습니다. 특히 1917년 취리히를 떠난 후 Richard Huelsenbeck에 의해 시작된 베를린 다다는 독일 부르주아에 대한 일련의 정치적 동기에 의한 풍자 석판화인 George Grosz의 The Face of the Dominant Class (1921)와 같은 많은 선동적인 예술가들의 책을 출판했습니다.

초현실주의는 주로 시와 이론에 관심을 두었지만, 동시에 그것을 전복시키는 동시에 리브르 드 아르티스트의 프랑스 전통에서 계속되는 많은 작품을 만들었습니다. 빅토리아 시대의 책들에서 발견된 이미지들을 콜라주한 막스 에른스트의 "Une Semaine de Bonté" (1934)는 유명한 예이며, 고무로 만들어진 촉감 있는 3차원의 분홍색 가슴을 특징으로 하는 마르셀 뒤샹의 "Le Surréalisme" (1947)의 표지 또한 유명한 예입니다.[12]

예술가 책을 만든 러시아의 중요한 작가/예술가 중 한 명은 알렉세이 레미조프였습니다.[13] 중세 러시아 문학을 바탕으로, 그는 예술가 책에서 꿈, 현실, 순수한 변덕을 창조적으로 결합시켰습니다.

제2차 세계대전 이후 포스트모더니즘과 팝아트

아방가르드를 다시 모으면서

제2차 세계 대전 이후, 유럽의 많은 예술가들은 민족주의적인 경계를 넘어 연결고리를 재건하려고 시도했고, 예술가의 책을 형식을 실험하고, 아이디어를 전파하고, 다른 나라의 비슷한 생각을 가진 단체들과의 연결고리를 만드는 방법으로 사용했습니다.

50년대에 유럽의 예술가들은 모더니즘 이론의 영향과 전쟁으로 파괴된 위치를 재건하려는 시도 아래 이 책에 대한 관심을 갖게 되었습니다.

— Dieter Schwarz[14]

전쟁이 끝난 후, 많은 선두적인 예술가들과 시인들이 '진지하게' 책의 기능과 형태를 탐구하기 시작했습니다.[15] 아우구스토와 해롤도 데 캄포스와 같은 브라질의 구체적인 시인들, 네덜란드와 덴마크의 코브라 예술가들과 프랑스 레트리스트들은 모두 체계적으로 책을 해체하기 시작했습니다. 후자의 좋은 예로는 Isidore Isou의 Le Grand Désordre(1960)가 있는데, 이 작품은 봉투의 내용물을 다시 서사의 모습으로 재구성하도록 관객에게 도전하는 작품입니다. 그의 작품이 예술가들의 책에 모델을 제공한 시인-예술가들의 다른 두 가지 예로는 마르셀 브루더스와 이안 해밀턴 핀레이가 있습니다.[16]

프랑스의 Yves Klein도 Yves: Peintures (1954)와 Dimanche (1960)와 같은 일련의 작품으로 정체성과 중복성의 문제를 제기하며 모더니즘의 통합성에 도전했습니다.[17] 이 시대의 다른 예로는 Guy Debord와 Asger Jorn의 두 공동 작업인 Fin de Copenhague (1957)와 Mémoires (1959)가 있습니다. 각각 코펜하겐과 파리의 발견된 잡지에서 만들어진 두 개의 심리학 작품은 서로 관련이 없는 색상으로 콜라주된 후 인쇄되었습니다.[18]

디터 로스와 에드 루샤

디터 로스(Dieter Roth, 1930-98)는 현대 예술가의 책을 정의한 것으로 종종 인정을 받으며,[19] 50년대와 60년대에 걸쳐 체계적으로 책의 형태를 해체한 일련의 작품을 제작했습니다. 이들은 구멍이 뚫린 책(예: 그림책, 1957)을 만들어 동시에 한 페이지 이상을 볼 수 있도록 함으로써 코덱스의 권위를 무너뜨렸습니다. Roth는 또한 발견된 만화책, 프린터의 최종 종이, 신문 (Daily Mirror, 1961,[20] AC, 1964 등)을 재사용한 최초의 예술가이기도 합니다.[21] 원래 아이슬란드에서 극히 작은 판본으로 제작되었지만, Roth의 책들은 유럽과 북미의 수많은 출판사들을 통해 점점 더 큰 규모로 제작될 것이고, 궁극적으로 1970년대에 독일 출판사 Hansjörg Mayer에 의해 함께 재인쇄될 것입니다. 지난 반세기 동안 다른 비슷한 예술가의 작품보다 더 널리 이용할 수 있도록 했습니다.

미국에서 거의 동시기에 에드 러샤(Ed Ruscha, 1937–현재)는 1963년에 그의 첫 번째 책인 "266 Golas Station"을 400판으로 인쇄했지만 10년 말까지 거의 4000부를 인쇄했습니다.[22] 이 책은 로버트 프랭크의 미국인(1965)과 같은 미국 사진 여행기와 직접적인 관련이 있지만 로스앤젤레스에 있는 러샤의 집과 오클라호마에 있는 그의 부모님 사이의 66번 국도에서의 진부한 여행을 다루고 있습니다.[23] Roth와 마찬가지로 Ruscha는 1966년 일몰 스트립의 모든 건물과 1967년 Royal Road Test를 포함하여 60년대에 걸쳐 일련의 동질적인 책을 만들었습니다.

언급할 가치가 있는 스위스의 예술가는 디터 로스, 에드 루샤와 동시에 예술가들의 책을 만든 와르자 호네거-라바터입니다.

플럭서스 앤 더 멀티플

1957년부터 1959년까지 New School for Social Research에서 John Cage의 Experimental Composition 수업에서 성장한 Fluxus는 리투아니아에서 태어난 George Maciunas (1931-78)를 중심으로 북미와 유럽의 느슨한 예술가 집단이었습니다. Maciunas는 1961년 뉴욕에 AG 갤러리를 세웠고, 자신이 좋아하는 예술가들의 책과 멀티플을 팔고자 했습니다. 갤러리는 1년 만에 문을 닫았는데, 단 한 개의 물건도 팔지 못한 것으로 보입니다.[24] 이 컬렉션은 살아남았고 조지 브레히트, 조셉 보이스, 다비 데트 홈슨, 다니엘 스포어리, 요코 오노, 에밋 윌리엄스, 백남준 등 끊임없이 변화하는 마음을 가진 아티스트들의 명단을 포함했습니다.[25][26]

예술가들의 책("Anthology of Chance Operations")과 다중[27]("해프닝" 뿐만 아니라)은 플럭서스가 갤러리와 기관을 경멸하는 정신의 중심이었고, 이를 "커뮤니티의 예술"로 대체했으며, 책이 무엇이고 무엇이 아닌지에 대한 정의는 두 형태가 충돌하면서 10년 동안 점점 더 탄력적이 되었습니다. 많은 플럭서스 판본들은 이 둘과 특징을 공유하고 있는데, 예를 들어 조지 브레히트의 '워터 얌'(1963)은 상자에 수집된 일련의 악보들을 포함하고 있으며, 유사한 악보들은 오노 요코의 '자몽'(1964)의 제본서에 함께 수집되어 있습니다. 또 다른 유명한 예는 디터 로스의 문학 소시지인데, 이는 그 역사의 한 혹은 다른 시점에서 플럭서스와 관련된 많은 예술가들 중 한 명입니다; 각각의 소시지는 양파와 향신료를 섞은 펄프드북으로 만들어져 소시지 껍질에 채워져 있습니다. 말 그대로 책이지만 완전히 읽을 수 없습니다. 네덜란드 플럭서스 하이델베르크 센터의 리차 스파티(Litsa Spathi)와 루드 얀센(Ruud Jansen)은 플럭서스 출판물 및 플럭서스 웹 링크의 온라인 아카이브를 보유하고 있습니다.[28]

예술가들의 책은 60년대와 70년대에 사회적, 정치적 행동주의가 지배적인 분위기에서 확산되기 시작했습니다. 값싸고 일회용으로 만든 판본은 예술적 대상의 탈물질화와 과정에 대한 새로운 강조를 보여주는 하나의 표현이었습니다. 전통적인 갤러리와 박물관 구조에 접근을 거부당한 많은 예술가들에게 포럼과 장소를 제공하기 위해 예술가 통제를 받는 많은 대안들이 개발되기 시작한 것도 바로 이 시기였습니다. 독립적인 미술 출판은 이러한 대안 중 하나였으며, 예술가들의 책은 실험적인 형태의 발효의 일부가 되었습니다.

— Joan Lyons.[29]

개념예술

작가의 책은 개념 예술 발전의 중심임이 증명되었습니다. 북미의 로렌스 바이너, 브루스 나우만과 솔 르윗, 영국의 아트 앤 랭귀지, 이탈리아의 마우리치오 난누치, 프랑스의 요헨 게르즈와 장 르 가크, 폴란드의 야로슬라브 코즐로우스키는 모두 작가의 책을 그들의 예술 활동의 중심 부분으로 사용했습니다. 초기 예로, 1969년 1월 5일부터 31일까지 세스 시겔라우브가 뉴욕시의 임대된 사무실 공간에서 개최한 전시회는 1969년 1월 5일부터 31일까지라고도 불리며 로렌스 바이너, 더글라스 휴블러, 조셉 코수트, 로버트 배리의 텍스트 기반 작품을 주로 선보였습니다. 예를 들어, 솔 르윗의 벽돌담(1977)은 벽돌담을 통과할 때 그림자를 단순하게 기록했고, 마우리치오 난누치는 92쪽의 타이핑 페이지를 가진 "M/40"과 "정의/정의"(1970)는 칸트의 순수이성비판의 한 부분을 차지했으며, 코즐로프스키의 현실(1972)은 모든 텍스트를 삭제했습니다. 구두점만 남기고. 또 다른 예로는 볼프 보스텔의 1971년 부흐의 "아인베토니에르테스 부흐"([30]구체화된 책)가 있습니다.

비영리 단체인 국제 복사 예술가 협회(I.S.C.A)의 설립자이자 이사인 Louise Odes Neaderland는 정전기 예술을 합법적인 예술 형태로 확립하고 제록스 책 예술가들에게 배포 및 전시 수단을 제공하는 데 도움을 주었습니다. I.S.C.A. Quarterly 1권 1호는 1982년 4월에 흑백 또는 컬러 Xerography로 인쇄된 가로 세로 11인치 크기의 인쇄물 50장으로 발행되었습니다. 제록스 미술의 각 기고 작가의 작품은 목차에 번호를 매기고 각 작가의 작품 뒷면에 해당 번호를 찍었습니다. "형식은 수년에 걸쳐 바뀌었고 결국 I.S.C.A. 기고가들의 작은 수제 책 한 상자가 들어있는 연간 북웍스 에디션을 포함하게 되었습니다." 가정용 컴퓨터와 프린터의 등장으로 예술가들은 복사기가 이전에 했던 것을 더 쉽게 할 수 있게 되었고, 2003년 6월 21권 4호가 최종호가 되었습니다. "I.S.C.A. Quarterlies의 21년은 개인적인 경험뿐만 아니라 시기 적절한 사회적, 정치적 문제에 대한 예술가들의 반응을 시각적으로 기록한 것입니다."[31] 완전한 I.S.C.분기별 소장품은 플로리다 애틀랜틱 대학교 도서관의 Jaffe Center for Book Arts에서 소장 및 목록화됩니다.[32]

주류로의 확산 및 재통합

그 형태가 확장되면서, 예술가들의 책에 있는 원래의 독특한 요소들 중 많은 것들이 분실되거나 흐려지거나 변형되었습니다. Cy Twombly,[33] Anselm Kiefer, 그리고 PINK de Thierry와 같은 예술가들은 그녀의 시리즈인 Encyclopaedia Arcadia와 함께 이전 세대들의 대량 생산된 작은 판본들에 대한 의도적인 반응으로, 일상적으로 독특하고 손으로 만들어진 책들을 만듭니다. 예를 들어, Albert Ohlen은 예술가들의 책들을 여전히 그의 관습의 중심에 두면서, 빅토리아 시대의 스케치북과 더 많은 공통점을 가진 일련의 작품들을 만들었습니다. 마크 포슨과 카렌 라이머와 같은 예술가들이 값싼 대량 생산을 그들의 관행의 중심으로 삼으면서, 90년대 초부터 값싼 대량 생산 미학으로의 회귀가 증명되었습니다.

컨템포러리와 포스트 컨셉의 예술가들은 또한 윌리엄 웨그먼, 밥 코빙, 마틴 키펜버거, 레이몬드 페티본, 프레디 플로레스 니스토프, 수지 로톨로와 같은 예술가들의 책을 그들의 실천의 중요한 측면으로 만들었습니다. 팝업북과 기타 입체적인 독특한 책의 북 아티스트로는 브루스 슈나벨, 캐롤 바튼, 헤디 카일, 줄리 첸, 에드 허친스, 수잔 조이 셰어 등이 있습니다.

비전통적인 형태뿐만 아니라 전통적인 형태에서 일하는 많은 책 예술가들은 뉴욕시의 책 예술[34] 센터와 시각 예술 스튜디오(VisArts), 버지니아 미술관 스튜디오 학교, 버지니아 미술관 전국적인 아웃리치 프로그램과 같은 센터에서 그들의 예술을 가르치고 공유했습니다. 그리고 버지니아주 리치몬드에 있는 더 이상 존재하지 않는 리치몬드 판화 작업장. 이 예술 형식에 전념하는 다른 기관으로는 샌프란시스코 책을 위한 센터, 뉴욕 로체스터의 시각 연구 워크숍, 뉴욕 로젠데일의 여성 스튜디오 워크숍 등이 있습니다.

아트북 페어

최근 예술가들의 책 생산과 보급의 붐은 아트 북 페어와 밀접하게 연결되어 있습니다.

21세기를 전후한 미술관행으로서 출판에 대한 관심의 물결이 1970년대 '작가의 책'을 둘러싼 과대광고와 유사하다고 하더라도, 이러한 양과 강도에 있어서의 아트북 박람회의 현상은 새로운 것입니다. (...) 오늘날 아트북 박람회는 별도의 사전 출판 현장을 대표하는 장일 뿐만 아니라, 그들은 또한 출판을 중심으로 한 공동체를 예술적 실천으로 구성하고 육성하기 위한 중심 포럼입니다.

— Michalis Pichler[35]

비판적 리셉션

1970년대 초, 작가의 책은 별개의 장르로 인식되기 시작했고, 이러한 인식으로 인해 이 주제에 대한 비판적인 평가와 토론이 시작되었습니다. 형식의 연구와 교육에 전념하는 기관들이 설립되었습니다(The Center for Book Arts in New York, 예를 들어); 도서관과 미술관 소장품들은 작가들의 책을 분류하고 목록화하는 새로운 루브릭들을 만들기 시작했고, 또한 그들의 신생 컬렉션들을 적극적으로 확장하기 시작했습니다; (뉴욕의 Franklin Furnace와 같은) 새로운 컬렉션들이 설립되었고, 유럽과 미국에서 수많은 작가들의 책들의 그룹 전시회가 조직되었습니다. (특히 1973년 필라델피아에 있는 무어 예술 디자인 대학에 입학했는데, Stefan Klima의 Artists Books: A Critical Survey of the Literature에 따르면, 그 카탈로그는 "Artist's Book"이라는 용어가 처음 사용된 곳입니다.) 예술가들의 책은 1970년대부터 페미니스트 예술가들에게 인기 있는 형태가 되었습니다. 그래픽 디자이너 쉴라 드 브레테빌(Sheila de Bretteville)이 설립한 여성 스튜디오 워크숍(NY)과 여성 그래픽 센터(LA)는 여성 아티스트들이 작업하고 페미니스트인 주제를 탐색할 수 있는 센터였습니다. 예술가들의 책을 전문으로 하는 서점들은 1968년의 에카트(제네바), 1975년의 Other Books and So(암스테르담), 1974년의 Art Metropole(토론토), 그리고 뉴욕의 Printed Matter(1976)를 포함한 예술가들에 의해 설립되었습니다. 이 모든 것들은 수년에 걸쳐 출판 프로그램을 가지고 있었고, 후자의 두 가지는 오늘날에도 여전히 활동하고 있습니다.

1980년대에는 이러한 분야의 통합이 심화되어 실무자의 수가 증가하고 상업화가 확대되었으며 양식에 전념하는 다수의 비판적인 출판물이 등장했습니다. 예를 들어, 1983년 Cathy Courtney는 런던에 기반을 둔 Art Monthly의 정기 칼럼을 시작했습니다(Courtney는 17년 동안 기사를 기고했으며, 이 특집은 오늘날에도 다른 기고자들과 함께 계속되고 있습니다). 의회 도서관은 1980년에 설립된 주제 목록에 예술가 책이라는 용어를 채택했으며 희귀 도서 및 특별 소장 부서에서 활발한 소장 활동을 유지하고 있습니다.

1980년대와 1990년대에 Book Art의 BA, MA 및 MFA 프로그램이 설립되었는데, 그 중 몇 가지 주목할 만한 예로는 캘리포니아 밀스 칼리지의 MFA, 필라델피아 예술대학의 MFA, 런던 캠버웰 예술대학의 MA, 캘리포니아 대학교 샌타바버라 창의학 대학의 BA가 있습니다. JAB(Journal of Artists' Books)는 1994년 "예술가들의 책에 대한 비판적인 탐구의 수준을 높이기 위해" 설립되었습니다.

1994년 버지니아 리치먼드의 아트스페이스 갤러리에서 전미 도서전인 아트 엑슬리브리스([38][39]Art ex libis)[37]가 열렸고 버지니아 예술위원회는 전시회를 비디오로 촬영한 것에 대한 기술 지원 보조금을 수여했습니다.[40]

1995년, Artex Libris에서 발췌: 아트스페이스에서 열린 내셔널 북 아트 인비테이셔널(National Book Art Invitational at Artspace) 비디오 다큐멘터리는 코르코란 갤러리(Corcoran Gallery)의 피라미드 애틀랜틱 아트 센터(Pyramid Atlantic Art Center)가 후원하는 제4회 연례 북 아트 페어(Frances and Armand Hammer Auditorium)에서 전시되었습니다. 1996년, Artex Libris 다큐멘터리는 뉴욕시의 책 예술 센터에 혜택을 주기 위해 스완 갤러리에서 열린 경매에 포함되었습니다. Artspace Gallery의 Artex Libris와 1708 Gallery의 Artex Machina에 전시된 많은 책들은 현재 플로리다 마이애미의 Sackner Archive of Concrete and Visual Poetry에 있습니다.

최근 수십 년간, 로리 앤더슨(Laurie Anderson)이 개척한 아티스트들의 음반 개념을 통해 아티스트의 CD-ROM과 DVD-ROM을 포함한 새로운 미디어 형태로 발전시켜 왔습니다. 2007년부터, 코덱스 재단(Codex Foundation)은 도서전과 심포지엄을 시작했습니다.[41] 2년마다 한 번씩 4일간 샌프란시스코 베이 지역에서 열리는 행사에는 예술가 책 수집가와 제작자들은 물론 이 매체에 관심이 있는 일반인들과 학자들도 참석했습니다.

중대한 문제와 논쟁

작가의 책을 둘러싼 여러 문제들이 활발하게 논의되고 있습니다. 검토 중인 주요 주제는 다음과 같습니다.

  1. 작가의 저서의 정의: "작가의 저서", "서예", "서예", "서예", "라이브드아티스트", "파인프레스북 등의 용어의 구별
  2. 예술가의 책이 공예 및 미술 전통과 관련하여 "해야 할" 장소.
  3. 아포스트로피를 어디에 둘지.
  4. 잡지는 언제 책입니까? 이 페이지에서 제공되는 "예술가 책"의 일부 예(Theo van Dosburg의 De Stijl과 같은)는 잡지일 뿐 전혀 책이 아닙니다.
  5. 명시적으로 정치적인 행위로서의 출판과 예술계에 도전하고자 하는 열망.
  6. 암묵적으로 정치적인 행위로서의 출판과 새로운 종류의 독서를 상상하는 도전.

실천가들은 예술가의 책이라는 용어가 문제가 있고 구식으로 들린다고 주장했습니다.

"예술가의 책"이라는 용어가 문제가 되는 것은 그것이 더 넓은 일상의 관행으로부터 분리를 강요하고, 그것들에 예술 태그를 붙임으로써 책의 전복적인 잠재력을 제한하기 때문입니다. (…) 예술가의 책에 아포스트로피를 넣을 것인지, 어디에 넣을 것인지에 대한 열띤 토론을 포함하여, 그 용어를 둘러싼 확장된 논의가 있었지만, 로렌스 바이너는 "이것을 예술가의 책이라고 부르지 말고, 그냥 책이라고 부르세요"라고 결론을 내리면서 고르디아의 매듭을 잘라낸 적이 있습니다.

— Michalis Pichler[42]

사진 갤러리

참고 항목

Wikimedia Commons에는 Artist의 책과 관련된 미디어가 있습니다.

참고문헌

  1. ^ a b Drucker, Johanna (2004). The Century of Artists' Books. Granary Books. p. 8.
  2. ^ 예술가의 책: The Book as a Work of Art, 1963–1995, Bury, Scolar Press, 1995.
  3. ^ "Books – Book Art – Research Guides at Virginia Commonwealth University". Guides.library.vcu.edu. 2010-05-28. Archived from the original on 2015-07-16. Retrieved 2015-07-15.
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  • Smith, Keith (1989) 비주얼 북의 구조
  • 주디스 호프버그(Judith Hoffberg)가 설립하고 편집한 우산(Umbrella)은 예술가들의 책과 기타 여러 판을 다루는 가장 오래된 온라인 정기 간행물 중 하나입니다. 1978년부터 2005년까지 IUPUI 대학 도서관의 디지털 컬렉션을 통해 온라인으로 이용할 수 있습니다.