레게 장르

Reggae genres

레게 음악에는 형식의 다양한 선후를 포함한 여러 하위 장르가 있습니다.

사전 레게 스타일

멘토

레게는 멘토, 스카, 록스테디와 같은 초기 음악 스타일에서 성장했습니다. 멘토(Mento)는 서아프리카 노예들이 자메이카로 가져온 전통을 바탕으로 한 자메이카의 민속 음악으로, 쿼드리유와 같은 후대의 영향과 혼합되었습니다.[1][2] 멘토는 1950년대에 루이스 베넷, 라셔 백작, 플리 경, 로렐 앳켄, 해리 벨라폰테와 같은 공연의 성공으로 인기의 정점에 도달했지만 트리니다드의 비슷한 스타일인 칼립소와 혼동되기도 합니다.[3]

스카

스카는 1950년대에 자메이카가 영국으로부터 독립한 것과 동시에 시작되었습니다.[4] 1950년대에 이르러 음악가들은 미국의 R&B와 재즈의 영향을 흡수하기 시작했고, 그 결과 스카의 발전이 이루어졌습니다. 자메이카 라디오에서 인기를 끌었던 아메리칸 재즈와 R&B뿐만 아니라 멘토와 칼립소의 요소를 통합했습니다.[5] 이 스타일은 때때로 "업스트로크"라고 불리는 오프비트에 화음을 넣는 것이 특징입니다.[4] 템포는 보통 경쾌하며 종종 호른, 보통 트럼펫, 색소폰, 트롬본뿐만 아니라 피아노, 키보드, 베이스, 드럼이 특징입니다. 1960년대 초중반, 스카는 자메이카에서 가장 인기 있는 음악 형태가 되었고 락 스테디와 레게의 무대를 만들었습니다.[4] 데스몬드 데커 앤 더 에이시스, 밥 말리 앤 웨일러스, 스카탈라이트, 투츠 앤 메이탈, 바이런 리 앤 더 드래곤라이어스, 멜로디언즈와 같은 스카의 많은 인기 있는 활동들은 나중에 레게와 연관되었습니다.[4]

록스테디

1966년, 많은 스카 음악가들이 더 느린 리듬과 비트를 선호하기 시작했고, 그 형태는 락 스테디로 진화하기 시작했습니다.[6] 스카의 후계자이자 레게의 전신인 록스테디는 게일라드, 투츠 앤 메이탈, 헵톤스, 파라곤스와 같은 자메이카 보컬 하모니 그룹에 의해 공연되었습니다.

조기 레게

"초기 레게" 시대는 대략 1968년에 시작된 것으로 추적할 수 있습니다. Stax와 같은 미국 음반사의 펑크 음악의 영향은 스튜디오 음악가들의 음악 스타일에 스며들기 시작했고 록스테디의 발전과 함께 발생한 템포의 느려짐은 음악가들이 다른 리듬 패턴으로 실험할 수 있는 더 많은 공간을 허용했습니다. 초기 레게와 록스테디를 분리시킨 발전 중 하나는 그루브 내에서 8분 음표 세분화를 보여주는 퍼커시브 연주 스타일인 "버블" 오르간 패턴이었습니다.

바의 두 번째와 네 번째 박자의 기타 "스컹크"는 멘토와 비슷한 스트럼밍 패턴으로 대체되기 시작했고, 밥 말리의 "Stir It Up" 도입부에서 그렇게 청각적으로 들을 수 있는 이른바 더블 찹이 이 시기에 개발되었습니다. 음악의 그루브에 더 중점을 두었고, 싱글의 B면에 '버전'을 기록하는 추세가 증가했습니다. 스카와 록 스테디 시대의 기악곡의 대중적인 인기는 레게에서 계속되었고, 초기 레게 시대의 가장 기억에 남는 음반들 중 일부를 생산했습니다. Motown, Stax 및 Atlantic Records의 커버 버전은 초기 레게에서 인기를 유지했으며 종종 자메이카 아티스트가 영국과 같은 해외 시장에서 발판을 마련하는 데 도움이 됩니다.

이 시대와 레게의 소리는 1960년대 말과 1970년대 초 영국의 노동자 계층 스킨헤드 하위 문화에서 인기가 있었기 때문에 회고적으로 "스킨헤드 레게"로 불리기도 합니다. 런던에 기반을 둔 카리브해의 한 밴드인 피라미드는 심지어 "Skinhead Moonstomp"와 "Skinhead Girl"과 같은 노래들을 특별히 포함하는 Symarip이라는 이름으로 제멋대로인 영국의 청소년 문화에 전념하는 전체 앨범을 발표했습니다. 결국, 종종 실험적인 초기 레게의 소리는 밥 말리의 가장 유명한 녹음에 의해 인기 있게 된 더 세련된 소리로 자리를 내주었습니다. 사실, 이 시대는 1973년에 출시된 Catch a Fire로 적절하게 마무리된 것 같습니다. 이 시대의 주목할 만한 예술가들로는 존 홀트, 투츠 앤 더 메이탈스, 더 파이오니어스 등이 있습니다.

루츠레게

주요 기사: 루츠레게
1978년 피터 토시는 그의 밴드와 함께 공연을 했습니다.

루츠 레게는 보통 1972년경부터 1980년대 초까지 자메이카 음반을 지배했던 밥 말리와 피터 토시와 같은 예술가들에 의해 국제적으로 대중화된 가장 눈에 띄는 종류의 레게를 말합니다. 레게 음악의 이 시대에는 뚜렷한 음악적 특징이 있지만, "뿌리"라는 용어는 종종 구체적으로 음악 스타일보다 음악의 메시지를 더 많이 암시하며, 오늘날에도 여전히 음악 스타일/하위 장르를 언급하거나 사실상 레게의 여러 하위 장르를 포함할 수 있는 아티스트 음악에 맥락을 제공하기 위해 자주 사용됩니다. 루츠 레게는 이러한 서술적 의미에서 라스타파리안 운동의 "백 투 아프리카" 메시지, 바빌론에 성경이 감금된 식민지와 노예제의 방정식, 그리고 물론 에티오피아의 황제 하일레 셀라시에로 나타난 하나의 살아있는 신에 대한 믿음에 근거한 가사로 대표될 수 있습니다. 반복되는 서정적인 주제에는 가난과 경제적, 인종적 억압에 대한 저항, 정신적 또는 주제에 대한 보다 시적인 명상이 포함됩니다.

음악적으로 "뿌리" 소리와 시대는 여러 가지 뚜렷한 특징을 가지고 있습니다. 드럼 연주자들은 록스테디의 "한 방울"을 기반으로 더 복잡한 킥 드럼 패턴을 개발하고 펑크와 R&B의 영향을 통합했습니다. 음악의 기타, 피아노, 키보드 패턴은 초기 레게 시대의 창의적인 탐구에서 전 세계에서 레게로 가장 쉽게 인식되는 패턴으로 정제되었습니다. 단순한 화음 진행은 노래의 서정적인 내용을 보완하기 위해 명상적인 느낌을 만들기 위해 종종 사용되었습니다. 리듬 패턴의 정교화와 코드 진행의 단순화는 베이스 기타를 완전히 전면에 내세웠고, 베이스를 장르로서 레게의 가장 확실한 특징 중 하나로 만드는 데 도움이 되었습니다. 킹 터비, 리 "스크래치" 페리, 프린스 제이미(왕이 되기 전)와 같은 프로듀서/엔지니어들도 루트 사운드 개발에 큰 역할을 했으며 테이프 딜레이와 리버브 효과를 많이 사용하여 음악에서 가장 눈에 띄는 특징 중 하나가 되었습니다. 뿌리 소리는 버닝 스피어, 맥스 로미오, 아비시니안스, 컬처, 이스라엘 진동과 같은 아티스트들이 1970년대 후반 자메이카 음반에서 가장 잘 식별할 수 있습니다.

로커스

"로커스"라는 용어는 1970년대 중반에 Sly & Robby가 개척하고 1970년대 후반에 인기를 끌었던 뿌리 레게의 특정한 소리를 말합니다. 로커는 싱커페이션된 드럼 패턴을 더 많이 사용하여 레게를[7] 연주하는 다소 기계적이고 공격적인 스타일로 가장 잘 묘사됩니다.

러버스 록

본문: 러버즈락

1970년대 중반에 사우스 런던에서 연인 록의 하위 장르가 시작되었습니다. 가사는 보통 사랑에 관한 것입니다. 그것은 연속까지는 아니더라도 록스테디와 비슷합니다. 주목할 만한 연인 록 아티스트로는 자넷 케이, 코피, 루이자 마크스, 그리고 트레디셔널 등이 있습니다.

더브

리 "스크래치" 페리
주요 기사: 더빙뮤직

더브는 스튜디오 프로듀서 리 '스크래치' 페리와 킹 터비가 초창기 개척한 레게 장르입니다. 녹음된 자료의 광범위한 리믹스가 포함되며, 특히 드럼과 베이스 라인에 중점을 둡니다. 사용된 기술들은 터비 왕에 의해 유헤더의 화산처럼 "jus" 소리가 나는 것으로 묘사되는 훨씬 더 본능적인 느낌을 낳았습니다.[8] 아우구스투스 파블로(Augustus Pablo)와 마이키 드레드(Mikey Dread)는 오늘날에도 계속되는 이 음악 스타일의 초기 주목할 만한 지지자들 중 두 명이었습니다.

루브어더브

"Rub-a-Dub"은 70년대 후반부터 80년대 중반까지 좀 더 구체적인 시대의 레게 스타일을 가리키는 용어로, 루츠 래딕스(Roots Radics)라는 한 밴드에 국한되지는 않습니다. 느린 템포와 묵직한 베이스 라인이 시그니처 사운드입니다. 그 당시에는 "댄스홀" 음악으로 간주되었습니다.

스테파

스테퍼스/스테파 인 레게는 본질적으로 전형적인 4-4 디스코 비트입니다. 영국 스타일의 스테퍼는 종종 믹스에 효과가 있는 디지털 베이스라인 스타일입니다.

새로운 스타일과 스핀오프

힙합과 랩.

추가 정보: 디제이(자메이카), 힙합음악, 랩.

토스트는 1950년대 자메이카의 디스크 자키들이 야외 공연장과 댄스홀에서 연주한 R&B 음반에 흥을 더하기 위해 개발한 음악에 대해 이야기하는 스타일입니다. 이 스타일은 선구자인 마추키 백작, 스티트 왕, 코믹 경에 의해 개발되었으며, 그는 사운드 시스템에 의해 연주되는 레코드를 소개하고 말하는 현재의 스타일을 취하여 독특한 스타일로 발전시켰습니다. 스카가 록스테디로 옮겨가면서 자메이카 리스너들 사이에서 이 스타일의 보컬이 더 많은 청중을 얻었습니다. 이 스타일의 초기 예 중 하나는 1966년 코믹 경의 녹음인 "위대한 우가 우가"입니다. 이 스타일은 마침내 1960년대 후반에 U-Roy와 Dennis Alcapone과 같은 deejays가 수많은 히트곡을 기록하면서 인기 차트 1위를 차지했습니다. 이러한 기록에 대한 화법은 1960년대 후반에 뉴욕으로 이주하여 브롱크스에서 파티를 열기 시작한 쿨 허크(Kool Herc)라는 젊은 자메이카 DJ에게 큰 영향을 미쳤을 것입니다. 일반적으로 힙합과 랩의 탄생으로 여겨지는 것은 쿨 허크의 파티와 그 주변에서 생겨나는 장면이었습니다. 나중에 더빙 음악에서 발전된 믹싱 기술은 힙합에도 영향을 미쳤습니다.

댄스홀

주요 기사: 댄스홀

댄스홀 장르는 1970년대 후반 옐로맨과 익어마우스와 같은 선구자들에 의해 개발되었습니다. 이 스타일은 리딤 위에서 디제이가 노래하고 랩하는 것이 특징이며, 원래 빅 유스와 같은 초기 개척자들의 인기가 높아짐에 따라 사운드 시스템 문화에서 발전되었습니다. 이 초기 디제이의 스타일은 이 시기에 미국에서 개발된 랩 스타일보다 훨씬 더 많은 멜로디를 포함하는 지속적인 리듬 패턴의 랩으로 발전되었습니다. 그들의 랩에서 발전된 리듬 패턴 댄스홀 디제이는 자메이카 파투아의 어법과 언어 패턴을 기반으로 한다는 것에 주목해야 합니다. 댄스홀의 중요한 특징은 사운드 시스템에서 선택자(및 나중에 조작자)의 역할이었고, 그들은 보컬리스트의 리듬 패턴을 중심으로 리딤을 리믹스하기 위해 일상적으로 그들의 믹서에서 볼륨 컨트롤을 사용했습니다. 음악가들은 이 믹싱 기술에 의해 만들어진 리듬을 가지고 그들이 연주하고 녹음하는 음악에 그것들을 통합하기 시작했는데, 이 스타일은 오늘날에도 여전히 자주 "믹스"라고 언급됩니다. 녹음에 있어서 이것의 초기 예는 배링턴 레비의 1984년 히트곡 "Here I Come"일 것입니다. 라그가(또는 라그가머핀)는 일반적으로 1980년대 이후 등장한 댄스홀 음악의 유형을 가리키는 데 사용되며, 거의 전적으로 이러한 "믹스" 리듬을 기반으로 하며 전통적으로 레게로 인식되는 것의 요소를 거의 포함하지 않습니다. 녹음에서 라가 악기는 주로 신시사이저와 드럼 기계로 구성됩니다. 샘플링 및 MIDI 시퀀싱은 라가 제작에도 자주 사용됩니다. "라가"의 결정적인 예로는 비니 맨의 1998년 히트곡 "Who Am I"를 들 수 있습니다. 댄스홀은 자메이카의 도시 청소년들이 주로 개발한 스타일과 장르로, 이러한 서정적인 내용은 그것을 만든 사람들의 삶에 기반을 두고 있으며 많은 자메이카인들이 지나치게 성적이거나 폭력적이라고 생각하는 서정적인 내용을 담고 있는 경우가 많습니다. 한마디로 댄스홀은 "생생"이라고 표현할 수 있으며, 많은 "의식 있는" 아티스트들이 댄스홀 음악을 계속 발표하고 있음에도 불구하고 갱스터 랩과 유사한 방식으로 비방을 받는 경우가 많습니다. 2009년 2월, "명백히 성적이고 폭력적인 것으로 간주되는" 서정적인 내용의 댄스홀은 자메이카 방송 위원회에 의해 공중파 방송이 금지되었습니다.[9][10]

래그가머핀

본문 : 라가

일반적으로 라그가로 약칭되는 라그가무핀은 댄스홀과 더빙과 밀접한 관련이 있는 레게의 하위 장르입니다. raggamuffin이라는 용어는 ragamuffin의 의도적인 철자 오류이며, raggamuffin 음악이라는 용어는 자메이카의 "게토 유스"의 음악을 설명합니다. 악기는 주로 전자 음악으로 구성됩니다. 샘플링도 종종 중요한 역할을 합니다. ragga가 성숙해지면서 점점 더 많은 댄스홀 아티스트들이 힙합 음악의 스타일적인 요소를 적용하기 시작했고, ragga 음악은 점점 더 많은 힙합 아티스트들에게 영향을 미쳤습니다. 라가는 현재 주로 댄스홀 레게의 동의어로 사용되거나 리딤 위에 디제이를 하거나 노래를 부르기보다는 디제이 채팅으로 댄스홀을 묘사하는 데 사용됩니다.

레게톤

주요 기사: 레게톤

레게톤은 1980년대 중반에서 1990년대 초반에 라틴 아메리카 젊은이들 사이에서 처음으로 인기를 얻은 도시 음악의 한 형태입니다. 레게톤의 전신은 파나마에서 레게 엔 에스파뇰 아티스트 엘 제너럴(El General)로 시작되었습니다. 파나마에서 음악이 점차 노출된 후 자메이카의 영향력과 파나마의 유산은 결국 레게톤으로 발전했습니다.[11] 서인도 레게와 댄스홀은 봄바, 플레나, 살사, 메렝게, 라틴 팝, 바차타 등 라틴 아메리카 장르와 힙합, 컨템포러리 R&B, 일렉트로니카 등이 어우러집니다. 초기 레게톤 스타일 음악의 주목할 만한 행위는 디제이 넬슨과 디제이 플레이로입니다.

레게 융합

주요 기사: 레게 융합

레게 퓨전은 힙합, R&B, 재즈, 록, 드럼 앤 베이스, 펑크 또는 폴카와 같은 다른 장르의 요소와 레게 또는 댄스홀의 혼합물입니다.[12] 예술가들은 일찍이 1970년대 초부터 레게를 다른 장르와 혼합해 왔지만, 1990년대 후반이 되어서야 이 용어가 만들어졌습니다.

참고문헌

  1. ^ 2013년 8월 11일 자메이카 그리너, "형성의 자유, 통일성 찾기 - 초기 멘토에 나타난 음악의 힘" 2013년 8월 11일 검색됨
  2. ^ "Mento Purely Home-Grown", 자메이카 그리너, 2014년 7월 6일. 2014년 7월 6일 검색됨
  3. ^ "Frémeaux & Associés éditeur, La Librairie Sonore". Fremeaux.com. 1932-06-19. Retrieved 2012-07-24.
  4. ^ a b c d "History of Ska". The Reggaskas. Archived from the original on April 21, 2016. Retrieved December 22, 2016.
  5. ^ "Origins of Ska". Jamaicans Music.ocm. Retrieved December 22, 2016.
  6. ^ "Rocksteady: The Roots of Reggae". BBC. Retrieved 28 October 2011.
  7. ^ Hebdige, Dick (2 October 1987). Cut 'n' Mix: Culture, Identity, and Caribbean Music. Routledge. p. 67. ISBN 9780415058759. Retrieved 2 October 2023 – via Google Books.
  8. ^ E. Veal, Michael (2007). Dub: soundscapes and shattered songs in Jamaican reggae. Wesleyan University Press. p. 108. ISBN 978-0-8195-6572-3.
  9. ^ Wright, André (2009) "슬랙송 금지 - 명시적인 가사 중 카르텔의 '람핀' 샵" 2012-06-22 at the Wayback Machine, 자메이카 그리너, 2009년 2월 7일 2010-01-31 회수.
  10. ^ 리차드, 피터 (2009) "JAMAICA: 성적으로 저하되는 노래 가사에 대한 여성 응원 금지" 2012-04-02 Achared at Wayback Machine, Inter Press Service, 2009년 2월 11일, 2010-01-31 회수
  11. ^ "AskMen.com - Vico C". 27 September 2007. Archived from the original on 2007-09-27. Retrieved 2 October 2023.
  12. ^ Big D (2008-05-08). "Reggae Fusion". Reggae-Reviews. Archived from the original on 2012-06-28. Retrieved 2008-06-07.