아메리칸 록

American rock
1968년 덴마크 TV에서 공연한 The Doors.

아메리칸 록은 1940년대와 1950년대 로큰롤, 리듬 앤 블루스, 컨트리 뮤직에 뿌리를 두고 있으며 포크 음악, 재즈, 블루스, 클래식 음악도 그렸다. 미국의 록 음악은 1964년부터 브리티시 인베이젼 오브 아메리칸 팝 차트의 영향을 더 받았으며, 사이키델릭 록의 발전을 가져왔다.

1960년대 후반부터 1970년대 초반까지 미국의 록 음악은 민속음악과 어우러져 포크락을 만들고 블루스를 만들고, 컨트리 록과 루트 록과 남부 록을 만들고, 재즈와 어우러져 재즈 록을 만드는 등 다수의 퓨전 발전에 큰 영향을 끼쳤으며, 이 모든 것이 싸이의 발전에 기여하였다.체질의 바위 1970년대에 록은 소프트 록, 하드 록, 헤비 메탈, 글램 록, 프로그레시브 록, 펑크 록과 같은 많은 하위 유전자를 개발했다.

1980년대에 펑크에서 파생되고 중요한 새로운 하위 장르에는 뉴 웨이브, 하드코어 펑크, 포스트 펑크, 스래시, 얼터너티브 록 등이 포함되어 있다. 1990년대에 얼터너티브 록이 그룬지로 주류로 진입했고, 다른 중요한 하위 장르로는 인디 록과 뉴 메탈이 있다. 2000년대 들어 주류로 떠오른 장르로는 이모, 메탈코어 등이 있으며, 차고 록/포스트펑크 부활이 있었다. 디지털 기술의 발전은 새로운 형태의 디지털 전자 암석의 개발로 이어졌다.

로큰롤(1950년대 ~ 1960년대 초반)

주요 기사: 로큰롤

오리진스

주요 기사: 로큰롤의 기원
로큰롤에서 가장 상업적으로 성공한 인물은 엘비스 프레슬리.

미국 록 음악의 기초는 1940년대 후반과 1950년대 초에 미국에서 유래된 로큰롤이다. 그것의 직접적인 기원은 리듬과 블루스 그리고 복음음악을 포함한 그 시대의 다양한 흑인 음악 장르의 혼합에 있었다; 그리고 나라와 서부.[1] 1951년 클리블랜드 디스크 자키 앨런 프리드는 다인종 관객들을 위해 리듬 앤 블루스 음악을 연주하기 시작했고, 그 음악을 묘사하기 위해 "rock and roll"이라는 문구를 처음 사용한 것으로 인정받고 있다.[2]

최초의 로큰롤 기록으로 여겨져야 할 것에 대해 많은 논쟁이 있다. 한 경쟁자는 재키 브렌스턴과 그의 델타 캣츠(사실, 아이크 터너와 그의 밴드 더 킹스 오브 리듬)의 "로켓 88"로, 샘 필립스가 1951년 멤피스에서 녹음한 음반이다.[3] 엘비스 프레슬리의 선레코드 첫 메이저 싱글인 '괜찮아(Mama)'(1954년)가 첫 로큰롤 기록이라는 주장이 제기됐지만,[4] 동시에 빌 헤일리가 나중에 커버한 빅조 터너의 '쉐이크, 래틀 & 롤'도 이미 빌보드 R&B 차트에서 1위를 차지했다.[5] 초기 락앤롤 히트 아티스트로는 척 베리, 보 디들리, Fats Domino, 리틀 리차드, 제리 리 루이스, 진 빈센트 등이 있다.[3] 빌 헤일리의 "록 어라운드 더 클럭"(1955)은 빌보드 매거진의 주요 판매 및 공중파 차트에 첫 로큰롤 곡이 되었고, 이러한 새로운 대중 문화의 물결을 전세계적으로 열었다.[5][6] 곧 로큰롤은 미국 음반 판매의 주요 힘이 되었고 에디 피셔, 페리 코모, 패티 페이지와 같은 지난 10년 동안 대중음악을 지배했던 사기꾼들은 팝 차트에 대한 그들의 접근성이 현저하게 줄어들었다는 것을 알았다.[7]

다양화

로큰롤은 로커빌리를 포함한 다수의 뚜렷한 하위 장르로 이어져 오고 있으며, 로큰롤과 '힐빌리' 컨트리 음악이 결합되어 있는데, 이 음악은 주로 1950년대 중반 칼 퍼킨스, 제리 리 루이스, 버디 홀리 같은 백인 가수들이 연주하고 녹음했으며 상업적으로 가장 큰 성공을 거둔 엘비스 프레슬리 같은 가수들이 이 음악을 연주하고 녹음했다.[8][9] 이와는 대조적으로, doo op은 다부분의 보컬 하모니와 무의미한 백업 가사(이로부터 장르가 나중에 그 이름을 얻게 됨)에 중점을 두었는데, 이 가사는 보통 가벼운 악기로 지원되었고 1930년대와 40년대에 흑인 보컬 그룹의 기원을 가지고 있었다.[10] 까마귀, 펭귄,[5] 엘 도라도스, 터번스와 같은 연기들은 모두 큰 인기를 얻었고 플래터 같은 그룹들은 "The Great Pretender" (1955년),[5] "Yakety Yak" (1958)와 같은 유머러스한 노래를 가진 코스터 (The Coasters)가 [11]이 시기 가장 성공적인 락앤롤 공연에 올랐다.[12] 이 시대는 또한 전기 기타의 인기가 증가하고 척 베리,[5] 링크 브레이, 스코티 무어와 같은 지수를 통해 연주하는 로큰롤 스타일의 발전도 보았다.[13] 주요 상업 세력으로서의 소울 음악의 출현도 의미심장했다. 복음음악과 팝의 재주입으로 리듬과 블루스로부터 발전했고 1950년대 중반부터 레이 찰스와 샘 쿡과 같은 개척자들이 이끌었다.[14] 마빈 게이, 제임스 브라운, 아레사 프랭클린, 커티스 메이필드, 스티비 원더와 같은 60년대 초반의 인물들이 R&B 차트를 장악하고 주요 팝 차트를 돌파하면서 이들의 차별화를 가속화하는 데 일조했고, 모타운과 스탁스/볼트 레코드는 음반 산업의 주요 세력이 되고 있었다.[15] 이 모든 요소들, 두 홉과 걸 그룹의 긴밀한 조화, 브릴 빌딩 사운드의 세심하게 조작된 노래 작사, 그리고 영혼의 세련된 연출가치를 포함한 모든 요소들은 머세이비트 사운드, 특히 비틀즈의 초기 작품, 그리고 그 외 다른 것들을 통해 후기 록 음악의 형태에 영향을 미치는 것으로 보여 왔다.[16] 몇몇 음악사학자들은 또한 이 시기에 로큰롤을 기반으로 구축된 중요하고 혁신적인 기술적 발전, 특히 필 스펙터가 추구한 사운드의 벽을 가리켰다.[17]

"선언"

2005년 통통한 체커

논평가들은 전통적으로 1950년대 후반과 1960년대 초에 로큰롤의 감소를 인식해왔다.[18] 1959년까지, 비행기 추락 사고로 버디 홀리, 더 빅 보퍼, 리치 발렌스의 사망, 엘비스의 군대에 대한 엘비스 퇴역, 설교자가 되기 위한 리틀 리차드의 은퇴, 제리 리 루이스와 척 베리의 기소, 페이올라 스캔들(앨런 프리드를 포함한 주요 인물들이 뇌물과 부패에 연루됨)의 파문. 개별적인 행위나 노래를 장려한다)는 것은 초기의 로큰롤 시대가 끝났다는 느낌을 주었다.[19] 보다 최근에 일부 저자들은 미래 개발이 가능하지 않았다면 이 기간의 중요한 혁신과 추세를 강조하였다.[17][20] 초기의 락앤롤, 특히 로커빌리의 등장을 통해 남성 및 백인 공연자들에게 가장 큰 상업적 성공을 거둔 반면, 이 시대에는 이 장르가 흑인 및 여성 아티스트들에 의해 지배되었다. 로큰롤은 1950년대 말에 사라지지 않았고, 그 에너지의 일부를 60년대 초반의 트위스트 댄스 열풍에서 볼 수 있는데, 주로 통통한 체커의 경력에 혜택을 주었다.[17] 1950년대 후반에 사망한 두 op은 같은 시기에 부활을 누렸으며, The Marcels, The Capris, Maurice Williams, Shep 그리고 The Lightships와 같은 연기로 히트를 쳤다.[12] The Chantels, The Shirelles, The Crystals와 같은 걸그룹들의 등장은 이전의 락앤롤과는 대조적인 하모니와 세련된 연출에 중점을 두었다.[21] 가장 의미 있는 걸그룹 히트상품으로는 많은 작사가들의 기반이 된 뉴욕의 블록에서 이름을 딴 브릴 빌딩 사운드의 제품들이 있었는데, 이 제품들에는 게리 고핀과 캐롤 킹의 파트너십으로 1960년 샤렐즈 '내일을 사랑해 줄래'의 히트곡 1위가 포함되어 있었다.[22]

서핑 음악

주요 기사: 서핑 음악
1964년 공연한 비치 보이즈

듀안 에디, 링크 브레이, 더 벤처스 등 연주자들이 개척한 기악 록앤롤은 딕 데일이 개발한 것으로, 중동과 멕시코의 영향뿐만 아니라 독특한 '습득' 리턴브, 빠른 대체 선택 등을 가미해 1961년 지역 히트곡 '렛츠 고 트리핀'을 제작하고 서핑 음악 열풍을 일으켰다. 데일이나 그의 델 토네스처럼 벨-에어, 더 챌린저스, 에디 & 쇼맨을 포함한 대부분의 초기 서프 밴드들이 남부 캘리포니아에서 결성되었다.[23] 샹타이스는 1963년에 "파이프라인"으로 전국 10위권의 히트곡을 냈고 아마도 가장 잘 알려진 서프 곡은 1965년에 빌보드 차트에서 2위와 10위를 기록한 서파리스의 "Wipe Out"이었을 것이다.[24] 그 장르의 인기가 높아지면서 다른 지역의 그룹들은 그들의 손을 시도하게 되었다. 1964년 '서핀 버드'로 4위에 오른 미네소타 미니애폴리스의 '쓰레기맨'과 1964년 '캘리포니아 선'으로 5위에 오른 인디애나주 사우스벤드의 '리비에라스'가 그것이다.[25] 호주 시드니 출신의 아틀란틱스는 히트곡 '봄보라'(1963년)로 이 장르에 상당한 공헌을 했다.[25]

서프 음악은 성악, 특히 1961년 남부 캘리포니아에서 결성된 비치 보이즈의 작품으로 최대의 상업적 성공을 거두었다. 그들의 초기 앨범에는 기악 서프 록(Dick Dale의 음악 커버 중)과 보컬 곡이 모두 수록되어 있으며, 로큰롤과 두 홉에 그려진 곡과 포 신입생과 같은 보컬 팝 공연의 긴밀한 하모니가 있다.[18][25] 1962년 그들의 첫 차트 히트작인 "서핀"은 빌보드 탑 100에 도달했고 서핑 음악 열풍을 전국적인 현상으로 만드는데 기여했다.[26] 1963년부터 이 그룹은 브라이언 윌슨이 그들의 주요 작곡가 겸 프로듀서가 되면서 서핑을 주제로 남겨두기 시작했고, "Fun, Fun, Fun"(1964)과 "California Girls"(1965)와 같은 노래에서 자동차와 소녀를 포함한 남성 청소년기의 보다 일반적인 주제로 넘어갔다.[26] 로니 및 같은 단 한번 모두를 경이를 포함한 다른 보컬 파도 행위,;Daytonas"G.T.O."(1964년)과 립은으로"안녕 작은 코브라"과, 모두 10위권 도달했습니다, 그러나 다른 유일한 행동은 공식에 지속적인 성공을 이루기 위했다 1월 &, 딘,"서프 시티"(브라이언 윌슨과 함께 co-written)과 1hit 196에서 수를 보유했다.3.[25] 파도타기 음악 열풍과 거의 모든 파도타기 연극의 경력은 1964년부터 영국 침략이 도래하면서 사실상 막을 내렸다.[25] 오직 비치 보이즈만이 1960년대 중반까지 창작 활동을 지속할 수 있었고, 1966년에 높은 평가를 받은 펫 사운즈를 포함한 일련의 히트 싱글과 앨범을 제작할 수 있었다.[27] 이 앨범들은 비틀즈에 필적할 수 있는 유일한 미국 록 또는 팝 액션을 만들었다.[26]

개발(1960년대 중후반)

영국 침공

주요 기사: 영국 침공
비틀즈의 미국 도착과 그에 따른 에드 설리번 쇼 출연은 영국 침공의 시작을 알렸다.

1962년 말까지 비틀즈와 같은 영국 비트 그룹들은 소울 뮤직, 리듬 앤 블루스, 서핑 뮤직 등 미국의 광범위한 영향을 받고 있었다.[28] 처음에 그들은 표준 미국 가락을 재해석했는데, 예를 들어, 트위스트를 하는 댄서들을 위해 연주되었다. 이 그룹들은 결국 점점 더 복잡한 음악적 아이디어와 독특한 소리로 그들의 독창적인 작곡을 주입했다. 1963년 동안, 비틀즈와 The Searcers와 The Hollies와 같은 다른 비트 그룹들은 영국에서 인기 있고 상업적인 성공을 거두었다.[29]

영국 록은 비틀즈의 성공으로 1964년 1월 미국에서 주류 인기를 돌파했다. "I Want to Hold Your Hand"는 빌보드 핫 100 차트에서 브리티시 인베이젼 오브 아메리칸 뮤직 차트를 시작한 이 밴드의 첫 번째 히트곡이었다.[30] 이 곡은 1964년 1월 18일 45번으로 차트에 진입한 뒤 7주간 싱글 차트 1위에 올라 총 15주 동안 차트에 올랐다.[31] 그들이 2월 9일 Ed Sullivan Show에 처음 출연한 것은 미국 대중문화의 이정표로 여겨진다.[32] 이 방송은 약 7천 3백만 명의 시청자를 끌어 모았는데, 그 당시 미국 텔레비전 프로그램의 기록이었다. 비틀즈는 역사상 가장 많이 팔린 록 밴드가 되었고 그들은 수많은 영국 밴드, 특히 롤링 스톤즈, 동물들,[29] 야드버드를 포함한 블루스 음악의 영향을 받았다.

영국 침략은 1950년대 말과 60년대 초에 미국 차트를 장악했던 악기 서핑 음악, 보컬 걸 그룹, 그리고 10대 아이돌의 마지막 철자를 분명히 했다.[33] 그것은 Fats Domino나 Coopy Checker와 같은 기존의 R&B 활동들의 경력을 망쳤고 심지어 엘비스를 포함한 생존 락앤롤 활동의 차트 성공을 일시적으로 좌절시켰다.[34] 브리티시 인베이젼(British Investion)도 뚜렷한 장르의 록 음악이 부상하는 데 큰 역할을 했고, 기타와 드럼을 기반으로 하여 싱어송라이터로서 자신만의 소재를 제작하는 등 록 그룹의 전성기를 공고히 했다.[35]

차고 록

주요기사 : 차고록

차고 록은 1960년대 중반 북미에서 유행했던 원시 형태의 록 음악이었으며, 교외 가정 차고에서 리허설을 한다는 인식 때문에 그렇게 불렀다.[36][37] 차고 록 곡은 "연애하는 소녀들"에 관한 노래들이 특히 흔하게 등장하면서 고등학교 생활의 트라우마를 중심으로 전개되었다.[38] 가사와 전달은 그 당시 흔히 볼 수 있었던 것보다 더 공격적이었으며, 종종 으르렁거리거나 소리를 질러서 앞뒤가 맞지 않는 비명을 지르기도 했다.[36] 그들은 조잡한 원초르드 음악(씨앗과 같은 음악)부터 근친상간 음악가적 자질(크니커보커스, 유골, 제5계급 포함)까지 다양했다. 특히 캘리포니아와 텍사스에서는 풍경이 번성하는 많은 지역에서도 지역적 편차가 있었다.[38] 태평양 북서부의 워싱턴과 오리건 주는 아마도 가장 지역적인 소리를 가지고 있었다.[39]

1964년 디맨(더 liter The Fifth Estate)

이 스타일은 1958년부터 지역적인 장면에서 발전해 왔다. 웨일러스의 '키 큰 쿨원'(1959년), 킹스맨의 '루이 루이'(1963년)는 조형적 단계에서 이 장르의 주류를 이루는 예다. 1963년까지, 차고 밴드 싱글들은 폴 리비어, 라이더스,[40] 휴지통맨 [41](미니애폴리스), 리비에라스 (인디아나주 사우스벤드)를 포함한 더 많은 숫자로 국가 차트에 서서히 진입하고 있었다.[42] 소닉스와 같은 다른 영향력 있는 차고 밴드들은 빌보드 핫 100에 도달하지 못했다.[43] 이 초기에는 많은 밴드들이 서핑록의 영향을 많이 받았으며, 때로는 단지 차고록의 하위 장르로 여겨지는 차고록과 프랫록 사이에 교차공연이 있었다.[44]

1964-66년의 영국 침략은 차고 밴드에 큰 영향을 주었고, 그들에게 국민 청중을 제공했고, 많은 (흔히 서핑이나 핫 로드 그룹)들이 영국 침략의 실트를 채택하도록 이끌었고, 더 많은 집단을 형성하도록 격려했다.[38] 수천 개의 차고 밴드가 그 시대 동안 미국과 캐나다에 존재했고 수백 개의 지역 히트곡을 냈다.[38] Examples include: "I Just Don't Care" by New York City's The D-Men (1965), "The Witch" by Tacoma's The Sonics (1965), "Where You Gonna Go" by Detroit's Unrelated Segments (1967), "Girl I Got News for You" by Miami's Birdwatchers (1966) and "1–2–5" by Montreal's The Haunted. 수많은 밴드들이 주요 혹은 큰 지역 레이블에 서명했음에도 불구하고, 대부분은 상업적인 실패였다. 차고 바위는 1966년경 상업적, 예술적으로 정점을 찍었다는 것이 일반적으로 합의되어 있다.[38] 1968년까지 그 스타일은 대부분 국가 차트에서 그리고 아마추어 음악가들이 대학, 직장 또는 드래프트에 직면함에 따라 지역 수준에서 사라졌다.[38] 새로운 스타일은 차고 록(블루스 록, 프로그레시브 록, 컨트리 록 포함)을 대체하기 위해 진화했다.[38] 디트로이트의 차고 록은 70년대 초반까지 존속했으며, MC5와 The Stooges와 같은 밴드들은 훨씬 더 공격적인 스타일을 사용했다. 이 밴드들은 펑크 록이라는 꼬리표가 붙기 시작했고 현재는 종종 프로토펑크나 프로토하드 록으로 보여진다.[45]

블루스 록

주요 기사: 블루스 록
1969년 공연한 조니 윈터

미국에서는 1960년대 초반 기타리스트 로니 맥에 의해 블루스 록이 개척되었지만,[46] 60년대 중반부터 영국 블루스 뮤지션들과 비슷한 소리가 연주되면서 이 장르가 미국에서 시작되기 시작했다. Key acts included Paul Butterfield (whose band acted like Mayall's Bluesbreakers in Britain as a starting point for many successful musicians), Canned Heat, the early Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band and Jimi Hendrix with his power trios, the Jimi Hendrix Experience and Band of Gypsys, whose guitar virtuosity and 쇼맨십은 10년 중 가장 모방적인 것 중 하나일 것이다.[47]

초기 블루스 록 밴드들은 종종 재즈를 모방했고, 오랫동안 연주했으며, 즉흥 연주를 포함시켰고, 이것은 나중에 프로그레시브 록의 주요 요소가 될 것이다. 크림과 같은 약 1967년경부터 순수 블루스를 기반으로 한 음악에서 사이키델리아로 옮겨가기 시작했다.[48] 1970년대까지 블루스 록은 영국 밴드인 레드 제플린과 딥 퍼플의 작품과 밴드들이 록 스타일의 앨범을 녹음하기 시작하면서 블루스 록과 하드 록 사이의 선들이 "잘 보이지 않는다"[48]는 것을 예로 들면서 점점 무거워지고 리프를 기반으로 하고 있었다.[48] 이 장르는 1970년대에 조지 소로구드 같은 인물들에 의해 계속되었으나 [47]밴드가 헤비메탈 혁신에 집중하게 되었고 블루스 록은 주류에서 빠져 나오기 시작했다.[49]

포크록

주요 기사: 포크록
조앤 배즈와 밥 딜런

1960년대에 이르러 미국의 민속음악 부흥에서 발전한 장면은 주로 음향 악기로 전통음악과 신곡을 전통 양식으로 사용하면서 큰 운동으로 성장하였다.[50] 미국에서 이 장르는 우디 거트리와 피트 시거와 같은 인물들에 의해 개척되었고 종종 진보 정치나 노동 정치와 동일시되었다.[50][51] 60년대 초반에 조안 배즈, 밥 딜런과 같은 인물들이 싱어송라이터로 이 운동에 주목을 받았다.[52][53] 딜런은 더 많은 대중에게 "시위곡"[55]을 가져다 준 "바람 속의 블랭킹"과 "전쟁의 마스터즈"(1963)를 포함한 히트곡으로 주류 관객들에게 다가가기 시작했지만,[54] 서로 영향을 미치기 시작하기는 했지만, 록과 포크음악은 종종 서로 배타적인 관객들과 함께 대체로 별개의 장르로 남아 있었다.

포크 록 운동은 보통 1965년에 차트에서 1위를 차지한 딜런의 '미스터 탐부린 맨'을 더 버즈(The Byrds)가 녹음하면서 시작되었다고 생각된다.[55][56] 로스엔젤레스에서 카페를 기반으로 한 포크 씬의 일부였던 멤버들과 함께 바이르드 가족은 드럼과 12현 리켄백커 기타 등 록 악기를 채택해 장르 사운드의 주요 요소가 됐다.[55] 그 해 후반에 딜런은 "Like a Rolling Stone"이 미국의 히트 싱글이 되면서 많은 민간 청교도들의 분노를 샀다.[55][57] 포크 록 특히 캘리포니아,가 Mamas 및 같은 행동을 이끌고;Papas[58]과 크로스비, 스틸스 앤 내시 전기 계측하고 있는데, 뉴욕에서는 후자의 음향"사운드 침묵의"과 그 Lovin의 Spoonful[56]와 사이먼과 Garfunkel,[58]을 포함한 공연자들 제보자의 락에 remixed고 움직이로 이륙했다.struments 많은 안타 중 [55]첫 번째

포크록은 1967-8년에 상업적 인기의 절정에 이르렀고, 딜런과 바이르드족을 포함한 다양한 방향으로 많은 활동이 전개되었다.[59] 그러나 민요와 록의 혼성화는 록음악의 발전에 큰 영향을 미치고, 사이키델리아의 요소를 불러들이며, 싱어송라이터의 사상과 항의곡, '진정성'의 개념 개발에 도움을 주는 것으로 보여 왔다.[55][60]

사이키델릭 록

주요 기사: 사이키델릭 록
1967년 네덜란드 TV에서 공연한 지미 헨드릭스

싸이키델릭 음악의 LSD에서 영감을 받은 분위기는 1964년 뉴욕에 본사를 둔 홀리 모달 라운더스가 "Hesitation Blues"[61]의 녹음에서 이 용어를 사용하면서 포크 장면에서 시작되었다. 자신을 사이키델릭 록이라고 광고한 첫 번째 그룹은 1965년 말 텍사스에서 온 13층 엘리베이터로, 이듬해 13층 엘리베이터의 싸이키델릭 사운드와 함께 방향을 분명히 한 앨범을 제작했다.[61]

싸이키델릭 록은 특히 1965년부터 민요에서 포크록으로 바이르드족을 따르는 단체들이 생겨나면서 캘리포니아의 신흥 음악계에서 인기를 끌었다.[62] 환각적인 생활 양식은 샌프란시스코에서 이미 발달해 있었고 특히 그 장면에서 두드러진 제품들은 <감사의 죽음>, <컨트리 조>와 <피쉬>, <대사회>와 <제퍼슨 비행기>였다.[62][63] Byrds는 1966년 순수 민간 암석으로부터 급속도로 발전하여 그들의 싱글 "8마일 하이"[64]를 마약 사용에 대한 언급으로 널리[by whom?] 받아들여졌다.

사이키델릭 록은 10년 중 마지막 해에 그 자리에 도달했다. 1967년 사랑의 여름은 휴먼 비인(Human Be-In) 행사에 의해 시작되었고 몬테레이 팝 페스티벌에서 절정에 달했는데,[64] 몬테레이 팝 페스티벌은 후자가 지미 헨드릭스의 미국 주요 스타를 만드는 것을 도왔다.[65] 주요 음반에는 제퍼슨 비행기의 초현실적 베개와 문들의 이상한 날들이 포함되어 있었다.[66] 이러한 경향은 1969년 우드스톡 축제에서 절정을 이루었는데,[67] 이 축제에서는 대부분의 주요 사이키델릭적인 행위들의 공연을 보았지만, 10년이 끝날 무렵에는 사이키델릭 록이 후퇴하고 있었다. 지미 헨드릭스 체험과 크림은 해체되었고 많은 살아남은 행위들이 사이키델리아에서 더 많은 기초적인 "뿌리 록"으로 옮겨갔는데, 이것은 진보적인 바위 또는 리프를 가득 실은 무거운 바위의 광범위한 실험이다.[62]

루트 록 (1960년대 후반에서 1970년대 초반)

주요 기사: 루트 록
이글스는 2008-09년 에덴 투어를 떠난 롱로드에서

루트 록은 현재 일부 사람들이 환각적 장면의 과잉이라고 본 것에서 벗어나, 더 기본적인 형태의 락앤롤로 옮겨가는 것을 묘사하는데 사용되는 용어로서, 특히 컨트리 록과 남방 록의 창조를 이끈 원래의 영향, 특히 컨트리 록과 포크 음악을 통합한 것이다.[68] 1966년 밥 딜런은 내슈빌로 가서 블론드 온 블론드 앨범을 녹음했다.[69] 이것은, 그리고 그 뒤로는 더욱 뚜렷하게 시골에 영향을 미친 앨범들은, 대체로 어쿠스틱한 다수의 포크 음악가들이 추구하는 경로인 컨트리 포크(country popular)의 장르를 창조하는 것으로 보여져 왔다.[69] 베이직 투 베이직 트렌드에 뒤이은 다른 행위로는 1960년대 후반에 가장 성공적이고 영향력 있는 밴드에 속하기 위해 기본적인 로큰롤과 포크, 컨트리, 블루스를 섞은 캘리포니아에 본부를 둔 크리드언스 클리어워터 리바이벌 등이 있다.[70] 같은 운동은 라이 쿠더, 보니 레이트, 로웰 조지 같은 캘리포니아 솔로 가수들의 녹음 경력의 시작을 알렸고,[71] 롤링스톤즈 거지 연회(1968), 비틀즈 렛 잇 비(1970) 등 기성 연주자들의 작품에도 영향을 미쳤다.[62]

컨트리 록

주요 기사: 컨트리 록

1968년에 Gram Parsons는 국제 잠수함 밴드와 함께 Safe at Home을 녹음했는데, 이것은 거의 틀림없이 최초의 진정한 컨트리 록 앨범이다.[72] 그 해 말, 그는 로데오의 연인(1968년)을 위한 'Byrds for the Loteo'에 가입했는데, 일반적으로 이 장르에서 가장 영향력 있는 음반들 중 하나로 여겨졌다.[72] 바이드는 같은 맥락에서 계속되었지만, 파슨스는 이 장르의 존중성과 매개변수를 확립하는 데 도움을 준 또 다른 바이드 멤버 크리스 힐만과 함께 Flying Burrito Brothers를 결성하기 위해 떠났고, 파슨스는 솔로 활동을 위해 출발했다.[72] 컨트리 록은 특히 캘리포니아 음악계에서 인기가 높았는데, 하트 앤 플라워즈, 포코 앤 뉴 라이더즈 오브 더 퍼플 [72]세이지, 뷰[72] 브룸멜스, 니티 그리티 더스트 밴드 등의 밴드에 의해 채택되었다.[73] 일부 연주자들은 에버리 브라더스,[74] 스톤 캐년 밴드의 선두주자가 된 10대 아이돌 릭 넬슨[75], 퍼스트 내셔널 밴드를 결성했던 전 몬키 마이크 네스미스[76], 그리고 닐 영 등 컨트리 사운드를 채택함으로써 르네상스를 누렸다.[72] Dillards는 이례적으로 록음악으로 옮겨간 시골 연기자였다.[72] 컨트리 록의 가장 큰 상업적 성공은 1970년대에 이루어졌는데, 두비 브라더스, 에밀루 해리스, 린다 론스타트, 이글스(부리토스, 포코, 스톤 캐년 밴드의 멤버로 구성되어 있음)를 포함한 아티스트들이 캘리포니아 호텔(1976년)을 포함한 앨범을 제작하면서, 역사상 가장 성공적인 록 공연 중 하나로 떠올랐다.[77]

남방암

주요 기사: 남방암
2007년 무대 위의 리니드 스카이너드

서던 록의 창시자들은 대개 블루스 록에서 주로 파생되었지만 1970년대 초 부기, 소울, 컨트리 등의 요소들을 통합한 독특한 사운드를 개발한 올맨 브라더스 밴드로 생각된다.[78] 그들을 따라간 가장 성공적인 행동은 리니드 스카이너드였는데, 그는 1970년대 기타 록의 일반적인 모양과 하위 장르에 대한 "좋은 올 보이" 이미지를 확립하는 데 도움을 주었다.[78] 그들의 후임으로는 퓨전/진보적 기악가 딕스, 나라에 영향을 많이 받는 무법자, 재즈 편향적인 웨트 윌리, 그리고 (R&B와 복음의 요소) 오자크 마운틴 데어데빌스가 있었다.[78] 알만스와 리니드 스카이너드의 오리지널 멤버들을 잃은 후, 이 장르는 1970년대 후반에 인기가 점차 사라지기 시작했지만, 38구경 스페셜, 몰리 해칫, 마샬 터커 밴드 등의 연기로 1980년대를 지탱했다.[78]

새로운 장르 (1970년대 초반)

프로그레시브 록

주요기사 : 프로그레시브 록
1977년 오슬로 에케베르갈렌에서 공연한 프랭크 자파

프로그레시브 록(Progressive rock)이란 용어는 때때로 아트 록과 상호 교환하여 사용되기도 하는 것으로, 서로 다른 악기, 노래 유형, 형식을 실험함으로써 확립된 음악적 공식을 넘어서려는 시도였다.[79] 1960년대 중반부터 The Left Banke와 The Beach Boys를 포함한 그룹들은 바로크 암석의 형태를 만들기 위해 그들의 음반에 하프시코드, 바람, 현악 부분을 포함시키는 것을 주도했다.[27][80] 악기는 흔한 반면 가사가 들어간 노래는 개념적이거나 추상적이거나 판타지와 공상과학 소설에 바탕을 둔 노래도 가끔 있었다.[81] 미국 프로그 록 브랜드는 다양하고 혁신적인 프랭크 자파,[82] 선장 비프하트와 블러드, 땀과 눈물에서부터 보스턴, 외국인, 캔자스, 여행, 스틱스와 같은 더 많은 팝 록 지향적인 밴드까지 다양했다.[83][79] 이것들은 영국 밴드인 슈퍼트램프와 일렉트릭 라이트 오케스트라를 제외하고 모두 프로그 록의 영향력을 보여주었고, 1970년대 가장 상업적으로 성공한 행위들 중 한 순위를 차지하면서, 복잡한 쇼의 비용(흔히 연극 공연과 특수 효과로 인한 비용)까지 지속되는 퐁당이나 아레나 록 시대에 발행되었다. 1990년대 주요 라이브 공연장으로서 보다 경제적인 락 페스티벌

글램 록

주요기사 : 글램락

글램 록은 The Cockets와 Alice Cooper와 같은 미국 행위들의 쇼맨십과 성 정체성 조작에 의해 사전 구성되었다.[84] 그것은 1960년대 후반의 영국 정신분열증과 예술 록 장면에서 나왔으며 그러한 경향의 연장선상과 반작용 둘 다로 볼 수 있다.[85] 음악적으로 그것은 매우 다양했고, 단순한 로큰롤 재생주의와 복잡한 아트 록 사이에 다양했으며, 음악적 하위 장르만큼 패션도 볼 수 있다.[85] 시각적으로 그것은 1930년대 헐리우드 화려함에서부터 1950년대 핀업 섹스 어필, 전후의 카바레 극장, 빅토리아 시대의 문학과 상징주의 스타일, 공상과학 소설, 고대와 신비주의, 신화에 이르기까지 다양한 스타일의 메쉬였다; 터무니없는 옷, 화장, 헤어스타일, 플랫폼으로 된 부츠로 그 모습을 드러냈다.[86] 글램은 연극의 광범위한 사용 외에도 성적, 성별의 모호성과 안드로기니의 표현으로 가장 유명하다.[87] 데이비드 보위와 같은 영국 예술가의 성공은 종종 "글리터 록"으로 알려져 있고 그들의 상대보다 더 어두운 서정적인 내용을 가진 루 리드, 이기 팝, 뉴욕 돌스, 조브리아트와 같은 행위들 사이에서 글램 스타일을 채택하도록 이끌었다.[88]

부드럽고 단단한 바위

주요 기사: 소프트 록과 하드 록
2003년 에어로스미스 공연

1960년대 후반부터 주류 록 음악을 부드럽고 단단한 록으로 나누는 것이 일반화되었다. 부드러운 록은 종종 포크록에서 유래되었는데, 음향 기구를 사용하고 멜로디와 하모니를 더 강조하였다.[89] 주요 아티스트로는 캐롤 킹, 제임스 테일러, 미국 등이 있다.[89][90] 70년대 중후반 빌리 조엘과 루머(1977년)가 10년 동안 가장 많이 팔린 플리트우드 맥과 같은 활동으로 상업적 정점에 도달했다.[91] 이와는 대조적으로 하드록은 블루스록에서 더 자주 파생되었고 더 크고 더 강렬하게 연주되었다.[92] 단순한 반복 리프를 이용한 리듬 악기와 솔로 리드 악기로서 모두 전기 기타를 강조하는 경우가 많았으며, 왜곡과 다른 효과와 함께 사용될 가능성이 더 높았다.[92] 주요 활동으로는 The Who와 The Kinks와 같은 브리티시 인베이젼 밴드뿐만 아니라 크림, 지미 헨드릭스, 제프 벡 그룹과 같은 환각제 시대 연주자들과 아이언 버터플라이, MC5, 블루 치어, 바닐라 퍼지 같은 미국 밴드들이 포함되었다.[92][93] 는 1970년에 국제적인 성공을 즐겼다 하드 rock-influenced 밴드, 로니 몬트 로즈와 보컬 새미 Hagar의 도구적 재능과 거의 틀림없이 첫번째 전형적인 미국 하드 록 밴드 장르의 영국의 분야에 도전하는 등 1973,[94]에 Aerosm 같은 밴드가 그 뒤를 따랐다 그들의 첫번째 앨범을 발표했다 와인을 포함했다.ith.[92]

초기 헤비메탈

주요 기사: 헤비메탈 음악

1960년대 후반부터 헤비메탈이라는 용어는 처음에는 형용사로, 1970년대 초에는 명사로서 훨씬 더 많은 부피와 강도로 연주되는 어떤 단단한 바위를 묘사하기 위해 사용되기 시작했다.[95] 이 용어는 Steppenwolf의 "Born to be Wild"(1967)에서 처음으로 음악에 사용되었고 보스턴의 블루 치어, 미시간 주의 그랜드 펑크 철도 같은 개척자 밴드와 연관되기 시작했다.[96] 1970년까지 세 개의 주요 영국 밴드들은 하위 유전자를 형성하는 데 도움이 될 특징적인 소리와 스타일을 개발했다. 레드 제플린은 그들의 리프 라덴 블루스 록에 판타지 요소를 더했고, 딥 퍼플은 진보적인 록 구절에서 교향곡과 중세적 관심사를 가져왔고, 블랙 안식스는 고딕과 모달 조화의 면모를 도입하여 "더 어두운" 소리를 내는 데 도움을 주었다.[97] 이러한 요소들은 1970년대 후반부터 미국의 Kiss, Ted Nugent, Blue Eoyster Cult를 포함한 헤비메탈 밴드들의 "2세대"에 의해 차지되었다.[97] 공중 플레이가 부족하고 싱글 차트에서의 존재감이 거의 없음에도 불구하고, 1970년대 후반 헤비메탈은 특히 북미와 유럽의 청소년 노동자 계층 남성들 사이에서 상당한 추종자들을 형성했다.[98]

크리스천 록

주요 기사: 크리스천 록
1986년 스테리퍼 온 스테이지

록은 일부 기독교 종교 지도자들로부터 비도덕적이고, 반기독교적이며 심지어 악마적이라고 비난 받아왔다.[99] 그러나 크리스천 록은 1960년대 후반, 특히 남캘리포니아에서 시작된 예수 운동에서 발전하기 시작했고, 보통 크리스천 록의 제1대 '별'으로 보이는 래리 노먼과 같은 예술가들과 함께 1970년대에 하위 장르로 부상했다.[100] 이 장르는 미국에서 특히 인기가 있다.[101] 많은 크리스천 록 가수들이 현대 기독교 음악계와 연계를 맺고 있는 반면, 다른 밴드나 아티스트들은 독립된 음악과 밀접하게 연관되어 있다. 1980년대 이후 크리스천 록 가수들은 미국 복음서 대 팝 크로스오버 아티스트 에이미 그랜트와 같은 인물들을 포함하여 주류적인 성공을 거두었다.[102] 이러한 예술가들은 기독교 사회에서 대체로 받아들여졌지만, 1980년대에 상당한 주류적 성공을 거둔 페트라와 스트리퍼와 같은 밴드들에 의한 헤비록과 글램 메탈 스타일의 채택은 더 논란이 되었다.[103][104] 1990년대부터 P.O.를 포함한 기독교인 집단으로 보여지는 것을 선호하면서 기독교 밴드라는 꼬리표를 피하려는 행위들이 증가하였다.D와 콜렉티브 소울.[105]

펑크와 그 여파 (70년대 중반에서 1980년대까지)

펑크 록

주요 기사: 펑크 록
1983년 조이와 디 디 라몬의 협연주

펑크 록은 1974년과 1976년 사이에 미국과 영국에서 개발되었다. 현재 프로토펑크 음악으로 알려진 차고 록과 다른 형태의 음악에 뿌리를 둔 펑크 록 밴드들은 1970년대 주류 록의 과도한 인식을 피했다.[106] 그들은 빠르고 딱딱한 음악을 만들었는데, 전형적으로 짧은 노래, 헐벗은 악기, 그리고 종종 정치적, 반체제 가사를 가지고 있다. 펑크는 많은 밴드들이 자신들의 음반을 자체 제작하여 비공식적인 채널을 통해 배포하는 DIY(자기 스스로 실행) 윤리를 포용한다.[107] 1976년 후반까지 뉴욕시의 라모네스와 패티 스미스, 런던의 섹스 피스톨스와 더 클래시와 같은 행위들이 새로운 음악 운동의 선봉장으로 인정받았다.[106] 이듬해 펑크 록이 전 세계로 퍼지는 것을 보았다. 대부분의 경우, 펑크는 주류와의 관계를 거부하는 경향이 있는 현지 장면에 뿌리를 내렸다. 연관된 펑크 하위 문화가 등장하여 젊은 시절의 반란을 표현하고 독특한 옷 스타일과 다양한 반권위주의 이념이 특징이었다.[108][109] 1970년대 펑크록의 초기 인기와 1990년대의 펑크 부흥에 의해 창출된 새로운 관심 이후 펑크록은 계속해서 강력한 지하의 추종자들을 가지고 있다.[110] 펑크 록, 하드코어 펑크의 더 극단적인 변화는 특히 로스앤젤레스와 뉴욕에서 그리고 워싱턴 DC, 보스턴, 샌프란시스코에 뿌리를 내리고 있는 지역 장면에서 나타났다. 더 크고, 더 빠르고, 보통 소리를 지르거나, 소리를 지르는 짧은 노래들로 그것은 Dead Kennedys, Minor Threat, Black Flag와 같은 밴드들을 탄생시켰다.[111]

뉴웨이브

주요 기사: 뉴웨이브 음악
1977년 토론토 메이플 리프 가든에서 공연한 밴드 블론디의 데보라 해리

펑크 록은 상당한 사회 음악적 현상이었지만 음반 판매 방식,[112] 즉 미국의 라디오 방송 방식에서는 덜 성취했다(라디오 씬이 디스코나 앨범 지향 록과 같은 주류 포맷에 의해 계속 지배되면서).[113] 펑크 록은 예술과 대학 출신의 열성가들을 끌어모았고 곧 Talking Heads와 같이 좀 더 문학적, 예술적 접근을 뽐내는 밴드들이 펑크계에 침투하기 시작했으며, 어떤 면에서는 "New Wave"라는 설명이 이러한 덜 노골적인 펑크 밴드를 차별화하기 위해 사용되기 시작했다.[114] 펑크 운동에 대부분 어리둥절했던 음반사 임원들은 더욱 접근하기 쉬운 뉴웨이브 행위의 가능성을 인식하고 펑크나 뉴웨이브와의 원격 연결을 주장할 수 있는 밴드에 공격적으로 계약하고 마케팅을 시작했다.[115] The Cars, The Runaways, The Go-Go's와 같은 많은 밴드들은 새로운 물결로 마케팅되는 팝 밴드들로 보여질 수 있다;[116] 반면에 The Kickt가 [117]예시한 "피부 넥타이" 밴드들은 펑크 활동으로 시작해서 더 상업적인 영역으로 옮겨갔다.[118]

포스트펑크

주요 기사: 포스트펑크

하드코어가 펑크의 벗겨진 미학을 가장 직접적으로 추구했고, 새로운 물결이 그것의 상업적 날개를 대표하게 되었다면, 포스트 펑크는 1970년대 후반과 80년대 초반에 그것의 더 예술적이고 도전적인 면으로 나타났다. 펑크 밴드 외에도 더 벨벳 언더그라운드, 더 후, 프랭크 자파, 캡틴 비프하트 등이 주요 영향을 미쳤으며 제임스 찬스와 콘토션, 디엔에이, 소닉 유스 등의 밴드를 포함한 퍼포먼스에 중점을 둔 뉴욕 소재 노웨이브 씬(no wave scen)이 주요 영향을 미쳤다.[118] 이 장르에 대한 초기 기여자들로는 미국 밴드 페레 우부, 데보, 레지던트 그리고 토크 헤드가 있다.[118] 많은 포스트 펑크 밴드들이 녹음과 공연을 이어갔지만 1980년대 중반 다른 음악 영역을 개척하기 위해 활동이 해체되거나 이동하면서 활동으로 쇠퇴했지만, 록 음악의 발전에 지속적으로 영향을 미치며 대안 록 운동의 창조의 주요 요소로 여겨져 왔다.[119]

글램과 익스트림 메탈

주요기사 : 글램 메탈과 익스트림 메탈
W.A.S.P. 2006년 노르웨이 스타방거에서 라이브 공연

1970년대 후반, 에디 반 할렌은 그의 밴드가 1978년 앨범을 자칭한 후 메탈 기타의 거장으로 자리매김했다.[120] Inspired by Van Halen's success and the new wave of British heavy metal, a metal scene began to develop in Southern California from the late 1970s, based on the clubs of L.A.'s Sunset Strip and including such bands as Quiet Riot, Ratt, Mötley Crüe, and W.A.S.P., who, along with similarly styled acts such as New York's Twisted Sister, incorporated 그리고 때로는 앨리스 쿠퍼와 키스 같은 글램 록의 연극 [120](그리고 때로는 분장) 이러한 글래머 메탈 밴드의 가사는 쾌락주의와 거친 행동을 특징적으로 강조했고 음악적으로도 빠른 파편 기타 솔로, 음속적인 합창, 그리고 비교적 멜로디적이고 팝 지향적인 접근법으로 구별되었다.[120] 1980년대 중반에 이르러서는 덜 화려한 이미지와 래커 사운드를 추구하는 LA 장면에서 밴드들이 등장하기 시작했는데, 특히 건스 앤 로지스가 차트 1위를 차지하는 파괴 욕구(1987년), 그리고 이듬해 메이저 레이블 데뷔작인 '아무것도 충격적이지 않다'로 등장한 제인스 중독이 그 뒤를 이었다.[121]

1980년대 후반에 메탈은 하드코어 펑크의 영향으로 미국에서 스피드 메탈로 알려진 스타일에서 발전한 스래시 메탈을 포함한 몇 개의 하위 장르로 조각났고, 일반적으로 낮은 등록의 기타 리프는 파쇄 리드에 의해 겹쳐졌다.[122] 가사는 종종 허무주의적 견해를 표현하거나 본능적이고 고상한 언어를 사용하여 사회적 문제를 다룬다. 그것은 메탈리카, 탄저균, 메가데스, 슬레이어 등 "빅 포 오브 스래시"에 의해 대중화되었다.[123] 데스메탈은 특히 베놈과 슬레이어라는 밴드의 영향을 받아 개발되었다. 플로리다의 죽음과 베이 지역의 홀든은 신성모독, 이아볼리즘, 밀레나리아주의의 서정적인 요소를 강조했는데, 보통 목소리가 장음 "죽음의 으르렁거림"으로 전달되고, 고음의 비명소리가 울리며, 다운타임, 고도로 왜곡된 기타와 극도로 빠른 더블 베이스 타악기로 보완되었다.[124]

하트랜드 록

주요 기사: 하트랜드 록
브루스 스프링스틴은 1988년 동베를린에서 공연했다.

직설적인 음악 스타일과 평범하고 푸른 칼라 미국인들의 삶에 대한 관심으로 특징지어지는 미국 노동자 중심의 하트랜드 록은 1970년대 후반에 발전했다. 하트랜드 록이라는 용어는 처음에는 캔자스, REO 스피드웨건, 스틱스와 같은 중서부 경기장 록 그룹을 묘사하기 위해 사용되었지만, 이것은 사회적으로 더 중요한 형태의 뿌리 록과 연관되어 포크, 컨트리, 그리고 로큰롤에 더 직접적으로 영향을 받게 되었다.[125] 그것은 미국 중서부와 러스트 벨트가 서부 해안 국가 암석과 미국 남부의 남부 암석에 대항하는 것으로 보여 왔다.[126] 초기에 펑크나 뉴웨이브와 동일시되었던 인물들이 주축이 되어 밥 딜런, 더 버즈, 크리드언스 클리어워터 리바이벌, 밴 모리슨 등의 행위와 60년대 차고와 롤링스톤스의 기본 록에 가장 큰 영향을 받았다.[127]

가수 작사가 브루스 스프링스틴, 밥 시거, 톰 페티의 상업적 성공과 함께 남사이드 조니, 아스베리 쥬크스, 조 그루셰키, 하우세로커스와 같은 덜 알려진 행위들이 그 예로서, 그것은 부분적으로 산업화 이후의 도시 쇠퇴에 대한 반작용으로, 종종 사회적 불화의 이슈를 안고 있는 동서양의 반응이었다.시간적 로큰롤 부활주의의 형태 옆에 있는, 소거와 고립.[127] 이 장르는 1980년대 중반 상업적, 예술적, 영향력 있는 정점에 도달했고, 스프링스틴의 'Born in USA'(1984년)는 전세계 차트에서 1위를 차지했으며, 존 멜렌캠프, 스티브 얼, 그리고 브루스 혼스비로 더 온화한 싱어/송라이터를 포함한 아티스트들의 등 톱10 싱글들을 잇달아 탄생시켰다.[127] 빌리 조엘이나[128] 트레이시 채프먼처럼 다양한 예술가들에게 미치는 영향으로도 들을 수 있다.[129]

하트랜드 록은 1990년대 초까지 인정받는 장르로, 일반적으로 록음악으로, 특히 블루칼라와 백인 노동자 계층의 테마가 젊은 관객들과 함께 영향력을 잃었고, 하트랜드의 아티스트들이 더 많은 개인 작품으로 눈을 돌리면서 점차 사라져갔다.[127] 비록 그들의 작품이 더 개인적이고 실험적이게 되었고 더 이상 단일 장르에 쉽게 들어맞지 않았지만, 많은 하트랜드 록 아티스트들이 오늘날에도 비판적이고 상업적인 성공을 거두며 기록을 이어가고 있는데, 특히 브루스 스프링스틴과 존 멜렌캠프. 1970년대나 1980년대에 발표되었더라면 하트랜드 록이라고 이름 붙여졌을 새로운 음악가들, 예를 들어, 미주리주의 보틀 로케츠나 일리노이주의 삼촌 투펠로 같은 음악가들은 자신들이 알트 컨트리라고 이름 붙여진 것을 발견했다.[130]

얼터너티브 록의 출현

주요 기사: 얼터너티브 록
R.E.M.은 1980년대에 성공적인 얼터너티브 록 밴드였다.

얼터너티브 록(Anternative Rock)이라는 용어는 1980년대 초 당시 주류 장르에 맞지 않았던 록 아티스트를 묘사하기 위해 만들어졌다. '대안'으로 불리는 밴드들은 통일된 스타일은 없었지만, 모두 주류 음악과는 구별되는 것으로 여겨졌다. 대체 밴드들은 그들의 집단적 부채로 인해 하드코어, 뉴웨이브 또는 포스트 펑크 운동을 통해 펑크록과 연결되었다.[131] 1980년대 미국의 대안 운동의 중요한 밴드로는 R.E.M., Hüsker Dü, Jane's Attraction, Sonic Youth, Pixies 등이 있다.[131] 예술가들은 대학 라디오, 팬진, 투어, 입소문을 기반으로 한 광범위한 지하 음악계를 구축하면서 주로 독립적인 음반사에 국한되었다.[132] R.E.M을 제외한 이들 밴드 중 주류 성공을 거둔 밴드는 거의 없었지만, 화려한 앨범 판매량이 부족함에도 불구하고 80년대에 성년이 되어 1990년대에 주류 성공으로 돌파한 뮤지션 세대에게 상당한 영향력을 행사하였다. 1980년대 미국의 얼터너티브 록 스타일은 1960년대 중반 팝과 록의 울리는 기타를 통합한 R.E.M의 초기 녹음과 관련된 장글 팝과 1만 마니아와 필리와 같은 행위를 포함하여 대학 서킷과 대학 라디오에서 시작된 얼터너티브 밴드를 묘사하는 데 사용되었던 대학 록이다.s.[131]

대안이 주류로 넘어간다(1990년대)

그룬지

주요기사: 그룬지
1992년 그룬지 그룹 너바나. 그들은 전세계적으로 그룬지를 대중화했다.

1990년대 초까지 록은 상업화되고 고도로 생산되는 팝, 록, 헤어 메탈 아티스트들이 주를 이루었고, MTV는 이미지와 스타일에 초점을 맞추도록 홍보했다. 이러한 추세에 영향을 받지 않은 1980년대 중반, 워싱턴 주(특히 시애틀 지역)의 밴드들은 당시의 주류 음악과는 극명하게 대비되는 새로운 스타일의 록을 형성하였다.[133] 발전하는 장르는 '그룬지'로 알려지게 되었는데, 대부분의 음악가들이 지나치게 정갈한 대중예술가들의 이미지에 대해 적극적으로 반기를 든 음악가의 지저분한 소리와 단정치 못한 모습을 묘사하고 있다.[133] 그룬지는 하드코어 펑크와 헤비메탈의 요소들을 하나의 소리로 융합시켰고 기타 왜곡, 솜털, 피드백을 많이 활용했다.[133] 가사는 대체로 무감각하고 분노가 가득했으며, 비록 어두운 유머와 상업적인 록의 패러디로도 잘 알려져 있었지만 사회적 소외와 함정에 빠지는 등의 주제들이 자주 관계되었다.[133]

그린 리버, 사운드가든, 멜빈스, 스킨 야드 등의 밴드가 이 장르를 개척했는데, 머드허니가 10년 말까지 가장 성공적이 되었다. 하지만, 그룬지는 Nirvana의 Nevermind가 리드 싱글 "Smells Like Teen Spirit"[134] 덕분에 큰 성공을 거두었던 1991년까지 큰 지역적 현상으로 남아 있었다. 네버마인드는 전임자들보다 더 멜로디했지만, 이 밴드는 전통적인 기업 홍보와 마케팅 메커니즘을 채택하는 것을 거부했다. 1991년과 1992년 동안 펄잼의 텐, 사운드가든의 배드모터핑거, 체인스의 더미에 앨리스와 같은 다른 그루지 앨범들은 펄잼과 사운드가든의 멤버들이 등장하는 템플 오브 더 도그 앨범과 함께 100대 판매 앨범에 포함되었다.[135] 롤링 스톤은 이러한 그루지 밴드의 인기 있는 발전으로 인해 시애틀을 "새로운 리버풀"이라고 별명 지었다.[136] 주요 음반 회사들은 시애틀에 남아 있는 대부분의 그룬지 밴드들과 계약을 맺었고, 성공을 기원하는 두 번째 공연들이 시애틀로 옮겨갔다.[137] 그러나 1994년 커트 코베인의 죽음과 그에 따른 니르바나의 해체와 함께 펄 잼의 투어 문제와 1996년 체인스의 리드싱어인 레이네 스티디의 탈퇴로 인해 장르는 쇠퇴하기 시작했으며, 부분적으로는 브릿팝과 더 상업적인 사운드링 포스트 그룬지의 그늘에 가려졌다.[138]

후그룬지

주요 기사: 후그룬지
어쿠스틱 쇼를 하는 Foo Fighters

포스트 그룬지(post grunge)라는 용어는 시애틀 그룬지 밴드의 주류화, 그 이후의 공백에 따르는 밴드들의 세대를 위해 만들어졌다. 후기 그룬지 밴드들은 그들의 태도와 음악을 모방했지만, 보다 라디오 친화적인 상업적 지향적인 사운드를 가지고 있었다.[139] 종종 그들은 주요 레이블을 통해 일했고, 장글 팝, 펑크 팝, 얼터너티브 메탈 또는 하드 록의 다양한 영향을 통합하게 되었다.[139] 포스트 그룬지(post grunge)라는 용어는 단순히 음악적으로 파생된 것이거나, 혹은 "진정한" 록 운동에 대한 냉소적인 반응이라는 것을 암시하면서 경멸적인 의미를 지녔다.[140] 1994년부터 전 니르바나 드러머 데이브 그로울의 새로운 밴드인 푸 파이터스는 이 장르를 대중화하고 그 파라미터를 정의하는 데 도움을 주었다.[141]

캔버스박스와 같은 포스트 그룬지 밴드는 시애틀 출신이지만, 서브제너지는 LA의 오디오슬레이브와 조지아의 콜렉티브 소울과 같은 밴드로 그룬지의 지리적 기반이 넓어져 표시되었는데, 이들은 모두 포스트 그룬지(post grunge)를 1990년대 후반의 가장 상업적으로 실행 가능한 서브제너지의 하나로 굳혔다.[131][139] 남성 밴드들이 선점했지만, 여성 솔로 아티스트인 Alanis Morissette의 1995년 앨범 "Jagged Little Phil"도 멀티 플래티넘 히트곡이 되었다.[142] 크리드나 니켈백과 같은 밴드들은 21세기에 상당한 상업적 성공을 거두며, 더 전통적인 악장, 내러티브, 낭만적인 노래에 대한 원래 운동의 불안과 분노를 대부분 버렸고, 이러한 맥락에서 샤인다운, 시더, 3도어 다운 등의 새로운 행위들이 뒤따랐다.[140]

팝 펑크

주요 기사: 팝 펑크
2013년 그린 데이 공연

1990년대 펑크팝의 기원은 더 버즈콕스, 더 클래시 같은 1970년대 펑크 운동의 노래 지향적인 밴드, 더 잼, 언더톤과 같은 상업적으로 성공한 새로운 물결 행위, 그리고 1980년대 얼터너티브 록의 보다 하드코어적인 영향을 받은 요소들에서 볼 수 있다.[143] 팝펑크는 빠른 펑크 템포와 시끄러운 기타와 함께 파워팝 멜로디와 화음의 변화를 사용하는 경향이 있다.[144] 펑크 음악은 랑시드, 페니와이즈, 위저, 그린 데이 등 1990년대 초 독립 레이블에 캘리포니아에 기반을 둔 몇몇 밴드들에게 영감을 주었다.[143] 1994년 Green Day는 주요 레이블로 옮겨와 앨범 Dookie를 제작했는데, 이 앨범은 주로 10대인 새로운 청중을 발견했고, 다이아몬드 판매의 놀라운 성공을 증명하여, 미국에서 2위를 차지하는 등 일련의 히트 싱글 앨범으로 이어졌다.[131] 그들은 곧 미국에서 3개의 톱10 싱글을 탄생시킨 Weezer의 극찬을 받았다.[145] 이러한 성공은 메탈릭 펑크 밴드 The Skips with Scash(1994)의 멀티 플래티넘 판매의 문을 열었다.[131] 이 팝 펑크의 첫 번째 물결은 그린데이의 님로드(1997년)와 더 스루프스의 아메리카나(1998년)로 상업적인 정점에 달했다.[146]

블링크-182가 이끄는 제2의 펑크 팝은 획기적인 앨범 《The State》(1999년)로, 이어 굿 샬롯, 볼링 포 스프, 섬 41 등의 밴드가 영상에 유머를 활용하고 음악에 더 라디오 친화적인 음색을 지녔으며, 스피드와 태도, 심지어 1970년대 p의 모습까지도 유지했다.unk.[143] Simple Plan, All-American Rejects and Fall Out Boy를 포함한 후에 팝펑크 밴드들은 1980년대 하드코어에 가까운 소리를 내면서도 여전히 상당한 상업적 성공을 거두었다.[143]

인디 록

주요 기사: 인디 록
Lo-fi 인디 록 밴드 포장

1980년대에 인디 록과 얼터너티브 록이라는 용어는 서로 바꾸어 사용되었다.[147] 1990년대 중반에 이르러 이 운동의 요소들이 주류의 관심을 끌기 시작했으며, 특히 그 후 브릿팝, 포스트 그룬지, 팝펑크 등이 등장하면서 대안이라는 용어는 그 의미를 잃기 시작했다.[147] 그 장면의 상업성이 떨어지는 윤곽을 따르는 밴드들은 인디라는 레이블에 의해 점점 더 언급되었다.[147] 그들은 홍보를 위해 독립 라디오 방송국이나 대학 라디오 방송국에서 순회공연, 입소문, 공중파 등에 의존하면서 그들만의 혹은 작은 독립 레이블로 앨범을 발매함으로써 그들의 직업에 대한 통제력을 유지하려고 노력했다.[147] 음악적 접근법 이상의 정신에 의해 연계된 인디 록 운동은 Superchunk와 같은 하드 에이드, Grunge에 영향을 받은 밴드부터 Package와 같은 실험적인 밴드, Ani DiFranco와 같은 펑크 포크 가수에 이르기까지 다양한 스타일을 포괄했다.[131] 인디 록은 앞선 록 장르에 비해 여성 아티스트의 비중이 상대적으로 높다는 점이 주목받았는데, 이는 페미니스트에 정통한 라이엇 그롤 음악이 발전한 것이 그 예다.[148]

1990년대 말까지 대부분의 80년대 후반 대체 운동에 기원을 둔 많은 인식 가능한 하위 유전자들이 인디라는 우산 아래 포함되었다. 로파이는 D.I.Y. 정신에 대한 세련된 녹음 기술을 피했고 벡, 세바도, 포장이 주도했다.[131] 토크 토크와 슬린트의 작품은 포스트 록, 즉 재즈와 전자음악의 영향을 받은 실험적인 스타일인 포스트 록을 영감을 주고, 터틀과 같은 행위들에 의해 취해진 것은 물론,[149][150] 폴보나 차베스 같은 행위들에 의해 개발된 기타 기반의 더욱 밀도 있고 복잡한 수학 록으로 이어졌다.[151] Sadcore과 전자 음향 기기의 미국 음악 클럽과 레드 하우스 Painters,[152] 같은 밴드는 동안 바로크 팝의 부활과 실험적인 하이파이가 아닌 음악을 금지하지, 루퍼스 Wainrig 같은 예술가들과 멜로디와 클래식 계측에 대한 중점을 두고 반항하여의 음악에서 선율의 사용을 통해 아픔과 고통을 강조하는 것이었다.ht.[153]

대체 금속, 랩 록 및 뉴 메탈

주요 기사: 대체금속, Rap Rock, Rap Metal, Nu metal
2009년 핀란드 포리에서 열린 소니스피어 페스티벌 공연

얼터너티브 메탈은 1980년대 후반 미국 얼터너티브 록의 하드코어 장면에서 등장했지만 1990년대 초 그룬지가 주류로 진입한 후 더 많은 시청자를 얻었다.[154] 초기의 대체 메탈 밴드들은 하드코어 및 헤비메탈 감성과 다양한 장르를 혼합하여 다양한 장르를 혼합하였고, 제인의 중독과 프리머스, 프로그 록을 이용한 사운드가든과 적합성의 부식, 노이즈 록을 혼합한 예수 도마뱀과 헬멧, 산업음악의 영향을 받은 부처와 9인치 네일 등의 활동을 하였다.사이키델리아, 판테라, 화이트 좀비로 들어가 홈메탈을 만들고, 바이오하자드와 페이스 노 모어는 힙합과 랩으로 눈을 돌렸다.[154]

힙합은 1980년대 초 "The Clash with the Giangle Seven" (1981년), "Rapture" (1981년), "Rapture" (1981년)의 블론디 (Boldnie) (1981년) 등 록 연기로 주목을 받았다.[155][156] 초기 크로스오버 액션에는 Run DMC와 Beastie Boys가 포함되었다.[157][158] 디트로이트 래퍼 에셈은 록과 헤비메탈을 기반으로 한 사운드와 랩을 융합한 '산발 랩' 스타일로 유명해졌다.[159][160] 록 음악을 샘플링한 래퍼로는 아이스-T, 더팻 보이즈, 엘엘 쿨 J, 퍼블릭 적으로, 와디니 등이 있다.[161] 스래쉬 메탈과 랩의 혼합은 1987년 코미디에 영향을 받은 싱글 "I am the Man"[162]에서 탄저균에 의해 개척되었다.

2006년 키드 록 콘서트

1990년, 페이스 노 모어는 그들의 싱글 "에픽"으로 대세를 침입했는데, 종종 헤비메탈과 랩의 진정한 첫 번째 성공적인 조합으로 보여진다.[163] 이것은 24-7 Spyz와 Living Color와 같은 기존 밴드의 성공을 위한 발판을 마련했고, Rage Attack the Machine과 Red Hot Chili Peppers를 포함한 새로운 활동들이 다른 영향들 중에서 락과 힙합을 융합시켰다.[161][164] 랩록으로 주류 성공을 거둔 첫 번째 물결은 311명,[165] 블러드하운드 강,[166] 키드락이었다.[167] 림프 비즈킷, 코른, 슬립코트 등의 밴드가 추구하는 보다 금속적인 사운드인 누 메탈.[162] 그룬지, 펑크, 메탈, 랩, 턴테이블 스크래치 등이 뒤섞인 이 스타일은 10년 후, 종종 랩 메탈이나 뉴 메탈로 분류되는 린킨 파크, P.O.D., Steetd와 같은 성공적인 밴드의 물결을 낳았는데, 그 중 첫 번째 밴드는 이 장르에서 가장 잘 팔리는 밴드였다.[168]

2001년, Nu metal은 Staind의 Break the Cycle, P.O와 같은 앨범으로 절정에 달했다.D's Satellite, Slipknot's Iowa, Linkin Park's Hybrid 이론. 디디드, 포스트 그룬지 하드의 록 밴드인 Godsmack, 브레이킹 벤자민, 그리고 심지어 주요 레이블인 데버트 인페스트가 백금 히트를 친 파파 로치와 같은 새로운 밴드들도 등장했다.[169] 그러나 2002년까지 뉴메탈의 주류 인기가 약화되고 있다는 징후가 나타났다.[164] 코른의 5집 앨범 Untouchables와 파파 로치의 2집 앨범 Lovehatet tripy는 이전 발매만큼 잘 팔리지 않았고, 뉴 메탈 밴드는 록 라디오 방송국에서 더 드물게 연주되었고 MTV는 팝 펑크와 이모에 초점을 맞추기 시작했다.[170] 하지만, 코른의 앨범 Untouchable은 플래티넘이[171] 되었고 싱글 "Here to Stay"는 빌보드 핫 100에서[172] 72위로 정점을 찍었고, MTV의 Total Request Live에서 두 번 정점을 찍었다.[173] 또한, 뉴 메탈 밴드 에반센스는 2003년에 엄청난 인기를 얻었고 린킨 파크는 계속해서 많은 주류의 성공을 거두었다.[174] 2000년대 초반 이후 많은 뉴 메탈 밴드가 스타일을 바꾸었는데, 얼터너티브 록, 포스트 그룬지, 하드 록, 스탠다드 헤비메탈 등이 뉴 메탈 밴드가 변화한 장르의 예가 되었다.[170]

새천년(2000년대)

이모

주요 기사: 이모
2002년 푸가지 공연

에모는 1980년대 하드코어 장면에서 등장했는데, 처음에는 "emocore"로, 더 일반적인 연마적이고 짖는 스타일보다 표현적인 보컬을 선호하는 밴드를 묘사하는 용어로 사용되었다.[175] 이 스타일은 이안 맥케이가 마지막으로 결성한 밴드 Retries of Spring and Abidance에 의해 개척되었는데, 그의 디스코드 레코드는 Retries of Spring, Dag Crick, Nation of Ulysses and Pugazi의 작품을 발표하면서 새롭게 떠오르는 DC 이모 영화의 중심지가 되었다.[175] 푸가지는 얼터너티브 록 팔로워들 사이에서 노골적인 반상업적 입장으로 팬층을 확보하며 결정적인 초기 에모 밴드로 떠올랐다.[175] 초창기 이모 장면은 지하로 작동해 단명 밴드들이 작은 독립 레이블에 소량 달린 비닐 레코드를 내보냈다.[175] 90년대 중반의 이모 사운드는 Jawbreaker와 Sunny Day 부동산과 같은 밴드들에 의해 정의되었다. 그는 그룬지와 더 멜로디 록의 요소들을 통합했다.[176] 그룬지와 팝 펑크가 주류로 진입한 후에야 에모는 팝 펑크를 사용한 Weezer의 핑커튼(1996) 앨범의 성공으로 더 큰 주목을 받았다.[175] 1990년대 후반에 밴드들은 The Promise Ring, Get Up Kids, Braid, Texas Is the Reason, Joan of Arc, Jets to Brazel 그리고 가장 성공적으로 Jimmy Eat World를 포함한 Pugazi, SDRE, Jawbreaker, Weezer의 작업을 끌어들였고, 밀레니엄이 끝날 무렵에는 미국에서 더 인기 있는 인디 스타일의 하나가 되었다.[175]

에모는 2000년대 초 지미 이트 월드의 블리딩 아메리칸(2001)과 대시보드 레피션의 '당신이 가장 두려워하게 된 장소'(2003)의 플래티넘 판매 성공으로 주류 문화에 잠입했다.[177] 그 새로운 이모티콘은 청소년들 사이에서 초기 수감자들보다 훨씬 더 큰 매력을 지니고 있었다.[177] 동시에, 이모라는 용어의 사용이 음악 장르를 넘어 확장되어 패션, 헤어스타일, 감정을 표현하는 모든 음악과 연관되게 되었다.[178] 에모라는 용어는 비평가와 기자들이 디스코에서 폴 아웃 보이[179], 마이 케미컬 로맨스[180] 같은 멀티 플래티넘 액션을 비롯해[179] 파라모어, 패닉 같은 이질적인 그룹들이 라벨에 항의할 때에도 다양한 예술가들에게 적용되어 왔다.[181]

차고 바위/포스트 펑크 부활

주요기사 : 차고락부흥과 포스트펑크부흥
2006년 스트로크 공연

2000년대 초, 기타 록의 헐벗은 버전과 백투 베이직 버전을 연주한 새로운 밴드가 주류에 등장했다. 그것들은 차고 바위, 펑크 이후 혹은 새로운 파도의 부활의 한 부분으로 다양하게 특징지어졌다.[182][183][184][185] 1980년대와 1990년대에 차고 록과 펑크 요소를 되살리려는 시도가 있었고 2000년대에는 미국에서 몇몇 지역 장면들이 성장했다.[186] 디트로이트 록 장면에는 다음과 같은 것들이 포함되어 있다. The Von Bondies, Electric Six, The Dirtsbombs and The Detroit Cobras[187] and The New York: 라디오 4, Yeah Yeah Yes and the Rapture.[188]

이들 장면에서 상업적 돌파구는 디트로이트 출신의 디트로이트 출신의 데빗 앨범 Is This It(2001)과 디트로이트 출신의 The White Stripe 등 밴드들이 3집 White Blood Cells(2001)로 주도했다.[189] 이들은 미디어에 의해 "The" 밴드로 명명되었고, "The saviors of rock 'n' roll"로 불리며 과대 광고라는 비난을 받았다.[190] 이 운동의 결과로 국제적인 인정을 받게 된 제2의 물결의 밴드로는 미국의 블랙 레벌 모터사이클 클럽, 더 킬러, 인터폴, 그리고 리언의 킹스 등이 있다.[191]

메탈코어와 현대 헤비메탈

주요 기사: 미국 헤비메탈의 메탈코어와 뉴웨이브
2009년 Killswitch Contain on stage

메탈코어는 원래 스래시 메탈과 하드코어 펑크가 혼합된 미국식 잡종으로서 2000년대 중반 상업적인 세력으로 부상했다.[192] 자살 경향, 더티 로튼 임베실레스, 죽음의 스톰트루퍼 등 밴드들이 20년 앞서 개발한 크로스오버 스러시 스타일에 뿌리를 두고 1990년대까지 지하화 현상으로 남아 있었다.[193] 2004년까지 멜로디 데스메탈의 영향을 받은 멜로 메탈코어는 킬스위치 엔터의 <마음의 종말>과 <섀도스 폴>의 <전쟁 내>가 빌보드 앨범 차트에서 각각 21위와 20위로 데뷔할 정도로 충분히 인기를 끌었다.[194][195] 메탈 스타일과 관련된 혼합된 신의 양은 2009년 분노로 빌보드 차트에서 2위를 차지했다.[196] 메탈코어와 스트레이트 어헤드 스래시 앨범을 동시에 발매한 트리비움, 프로그레시브/슬러지 스타일로 활약한 마스토돈 등 이들 밴드들의 성공은 일부 비평가들이 '아메리칸 헤비메탈의 뉴웨이브'[197][198][199]라고 부르는 미국의 메탈 부흥 주장을 자극했다.

디지털 전자 록

주요 기사: 일렉트로닉 록
2006년 8월 복숭아 공연

2000년대 들어 컴퓨터 기술의 접근성이 높아지고 음악 소프트웨어가 발달하면서 노트북 컴퓨터 한 대만으로 고품질의 음악을 만들 수 있게 되었다.[200] 이로 인해 인터넷의 확대를 통해 일반 대중이 이용할 수 있는 국내 생산 전자음악의 양이 크게 증가하고 [201]랩트로니카[200], 라이브 코딩 등 새로운 형태의 공연이 이루어졌다.[202] 이러한 기법도 산업용 록액트 나인인치 네일즈의 앨범 Ear Zero(2007)와 마찬가지로 기존 밴드들이 사용하기 시작했고 인디 전자, 전기클래시, 댄스펑크 등 디지털 기법과 사운드가 어우러진 장르도 개발했다.[203]

1990년대 초 스테레오랩, 디스코 인페르노 등의 밴드로 시작되었던 인디 일렉트로닉은 새로운 디지털 기술이 발전하면서 소규모 독립 레이블에서 주로 생산되는 다양한 인디 사운드와 전자 음악을 혼합한 미국의 라타타트 등의 활동으로 새 천년을 맞이했다.[204][205] 일렉트로클래시 하위 장르는 1990년대 말 뉴욕에서 싱스팝, 테크노, 펑크, 퍼포먼스 아트를 결합하여 시작되었다. I-F가 '우주 침략자는 풀을 피우고 있다'(1998년)의 트랙으로 개척했고, 펠릭스 다 하우스캣[207], 피치 등 예술가들이 추구했다.[206][208] 그것은 새 천년이 시작될 때 국제적인 관심을 얻었지만, 인식 가능한 장르로서 급속히 퇴색되었다.[209] 포스트 펑크 사운드를 디스코와 펑크 사운드에 섞은 댄스펑크는 1980년대에 개발되었으나, 새천년 초에 차고 록/포스트 펑크 부흥의 일부 밴드들 사이에서, 특히 리어즈, 더 랩튀어, 라디오 4와 같은 뉴욕 공연들 사이에서 아웃 허드 같은 록 사운드를 채택한 댄스 지향적인 행위들이 합류하여 부활되었다.[210]

참고 항목

메모들

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