독립 영화

독립 영화, 독립 영화, 독립 영화, 독립 영화 또는 독립 영화는 독립 엔터테인먼트 회사(또는 경우에 따라서는 주요 회사에서 배급)에 의해 제작 및 배급될 뿐만 아니라 주요 영화 스튜디오 시스템 밖에서 제작된 장편 영화 또는 단편 영화입니다.독립영화는 때때로 그들의 내용과 스타일 그리고 영화 제작자들의 개인적인 예술적 비전이 실현되는 방식으로 구별된다.항상 그렇지는 않지만 보통 독립영화는 주요 스튜디오 ^[1]영화보다 상당히 적은 예산으로 제작된다.사실, 만약 그들이 영화의 메시지를 진정으로 믿거나, 혹은 그들이 영화 제작자에게 호의에 보답하고 있다면, 또는 단지 그들이 그 배우에게 산업에 그들의 큰 기회를 준 사람이거나, 그들이 함께 일하고 싶어하기 때문에, 독립적 특징에 캐스팅된 유명한 배우들이 상당한 감봉 조치를 취하는 것은 드문 일이 아니다.그들이 존경하는 특정 감독입니다.존 트라볼타와 브루스 윌리스가 펄프 ^[2]픽션에서 쿠엔틴 타란티노와 함께 일하기 위해 적은 보수를 받는 것과 같은 후자의 많은 예가 있다.

일반적으로 독립 영화의 마케팅은 종종 독립 영화관에서 제한된 개봉으로 특징지어지지만, 그들은 또한 주요 마케팅 캠페인과 광범위한 개봉을 할 수 있다.독립영화는 배급(극장 개봉 또는 소매 개봉) 전에 종종 지역, 국가 또는 국제 영화제에서 상영됩니다.독립 영화 제작은 필요한 자금과 배급이 있다면 주류 영화 제작과 견줄 수 있다.

역사

에디슨 트러스트

1908년 영화특허회사(Edison Trust)가 신탁으로 설립됐다.트러스트는 당시 주요 영화사(에디슨, 바이오그래프, 비타그래프, 에사네이, 셀리그, 루빈, 칼렘, 아메리칸 스타, 아메리칸 패스)로 구성된 영화 제작 및 배급 독점 카르텔로, 주요 배급사(조지 클라인)이자 최대 생필름 공급사였던 이스트코닥만(Kodakman)이다.많은 영화 제작자들이 신탁 가입을 거부당하거나 거절당하여 "독립적"으로 묘사되었다.

MPPC가 결성될 당시 토마스 에디슨은 원필름 등 영화 관련 주요 특허 대부분을 소유하고 있었다.MPPC는 지속적으로 소송을 제기하고 독립 영화 제작자들을 상대로 금지 명령을 받는 등 자신들의 특허를 강력하게 집행했다.이것 때문에, 많은 영화 제작자들은 그들만의 카메라를 만들고 그들의 사업장을 에디슨의 본거지인 뉴저지에서 멀리 떨어져 MPPC가 그들의 ^[3]특허를 집행하는 것을 더 어렵게 만든 캘리포니아의 할리우드로 옮기는 것으로 대응했다.

Edison Trust는 곧 미국 대법원의 두 가지 결정으로 끝났다. 하나는 1912년 생필름에 대한 특허를 취소한 것이고 다른 하나는 1915년에 MPPC 특허를 취소한 것이다.비록 이러한 결정들이 독립 영화를 합법화하는데 성공했지만, 그들은 사실상의 소규모 영화 제작 금지를 고치는 데는 거의 도움이 되지 않을 것이다; 신탁의 시행 동안 남부 캘리포니아로 도망친 독립 영화 제작자들은 이미 고전 할리우드 영화의 스튜디오 시스템을 위한 기초를 다졌다.

스튜디오 시스템

1910년 초, 감독 D.W. 그리피스는 Biograph Company에 의해 그의 배우 블랑쉬 스위트, 릴리안 기쉬, 메리 픽포드, 리오넬 베리모어, 그리고 다른 사람들로 구성된 그의 연기단과 함께 서해안으로 보내졌다.그들은 로스앤젤레스 시내에 있는 조지아 스트리트 근처의 공터에서 촬영을 시작했다.그곳에 있는 동안, 이 회사는 북쪽으로 몇 마일 떨어진 할리우드로 이동하면서 새로운 영역을 탐험하기로 결심했습니다. 할리우드는 영화사가 그곳에서 촬영하는 것에 우호적이고 긍정적인 마을입니다.그리피스는 1800년대 캘리포니아에 관한 전기 멜로 드라마인 올드 캘리포니아에서 할리우드에서 촬영된 최초의 영화를 멕시코에 속했던 시절 촬영했다.그리피스는 몇 달 동안 그곳에 머물렀고 뉴욕으로 돌아오기 전에 여러 편의 영화를 만들었다.

1900년대 초 에디슨 시대 동안, 많은 유대인 이민자들이 미국 영화 산업에 일자리를 구했다.에디슨 트러스트 하에서, 그들은 니켈로디언이라고 불리는 가게 앞 극장에서 영화를 전시하는 새로운 사업에서 두각을 나타낼 수 있었다.몇 년 안에, Samuel Goldwyn, Carl Laemle, Adolph Zukor, Louis B와 같은 야심찬 남자들. 메이어와 워너 브라더스(해리, 앨버트, 사무엘, 잭)는 사업의 생산 부문으로 전환했다.1913년 할리우드에서 바이오그래프의 성공을 들은 많은 영화 제작자들이 에디슨에 의해 부과된 출연료를 피하기 위해 서쪽으로 향했다.곧 그들은 영화 스튜디오라는 새로운 종류의 기업의 수장이 되었다.

뉴욕의 Edison Trust로부터 독립한 새로운 제작, 배급, 전시 시스템을 확립함으로써, 이 스튜디오들은 미국에서 영화를 위한 새로운 지평을 열었다.헐리우드 과점제는 에디슨의 독점을 대체했다.이 새로운 체제 안에서, 새로운 사람들을 위한 여지를 거의 남기지 않는 서열이 곧 확립되었다.1930년대 중반에는 20세기 폭스, 메트로 골드윈 메이어, 파라마운트 픽처스, RKO 픽처스, 워너 브라더스 등 5개의 주요 스튜디오가 정상에 올랐다.그 후 컬럼비아 픽처스, 유나이티드 아티스트스, 유니버설 스튜디오 등 세 개의 작은 회사가 탄생했다.마침내 "빈곤한 길"이라는 용어가 등장했는데, 이는 점점 더 독점적으로 되어가는 영화 사업에 뛰어들기 위해 애쓰는 다른 작은 스튜디오를 모두 아우르는 용어였다.

Puorge Row를 구성하는 소규모 스튜디오는 모든 메이저 스튜디오의 기존 "독립적"으로 특징지을 수 있지만, 이들은 게임의 대형 플레이어와 동일한 종류의 수직 및 수평적 통합 비즈니스 시스템을 활용했습니다.비록 스튜디오 시스템과 그것의 제한적인 체인 극장 배급망의 궁극적인 붕괴는 독립 영화사들로 하여금 Pube Row 스튜디오의 일종의 포퓰리즘적이고 좌석을 채우는 제품을 갈망하게 만들지만, 같은 패러다임의 변화는 또한 할리우드 현상으로 "Poverty Row"의 쇠퇴와 궁극적인 소멸로 이어질 것이다.Puorge Row 스튜디오가 제작한 영화들은 인기가 높아졌을 뿐이지만, 결국 주요 제작사들과 더 이상 스튜디오의 패키지화 및 개봉 능력에 의존할 필요가 없는 독립 제작사들로부터 점점 더 많이 구할 수 있게 될 것이다.

이 표는 1935년 말에 활동한 회사들을 나열한 것으로 헐리우드 시스템을 특징짓기 위해 일반적으로 사용되는 범주를 보여줍니다.

5대 메이저	리틀 쓰리 메이저	빈곤열(상위 4개)
메트로 골드윈 메이어	유나이티드 아티스트스	그랜드 내셔널
파라마운트 픽처스	컬럼비아 픽처스	리퍼블릭 픽처스
20세기 여우	유니버설 스튜디오	모노그램 픽처스
워너 브라더스		프로듀서 릴리즈 코퍼레이션 (일명 PRC)
RKO 픽처스

United Artists와 스튜디오 시스템에 대한 저항

스튜디오 시스템은 매우 강력해져서 일부 영화 제작자들은 다시 한번 독립을 추구했다.1919년 2월 5일, 미국 사일런트 영화의 주요 인물 4명 (메리 픽포드, 찰스 채플린, 더글러스 페어뱅크스, D) W. 그리피스)는 미국 최초의 독립 스튜디오인 United Artists를 결성했다.각각 20%의 지분을 보유하고 있으며 나머지 20%는 변호사 윌리엄 깁스 맥아두가 ^[4]보유하고 있다.이 모험에 대한 아이디어는 페어뱅크스, 채플린, 픽포드, 카우보이 스타 윌리엄 S에 의해 시작되었다. 1년 전, 그들은 1차 세계대전을 돕기 위해 미국 내 자유 채권을 팔고 있을 때 하트.이미 할리우드의 베테랑인 네 명의 영화 스타들은 그들의 미래뿐만 아니라 자신의 일을 더 잘 통제하기 위해 그들만의 회사를 설립하는 것에 대해 이야기하기 시작했다.그들은 스타들의 급여와 크리에이티브 라이선스에 대한 통제를 강화하려는 움직임을 보이는 유명 할리우드 제작자들과 배급사들의 행동에 자극받았다.그리피스의 합류로 계획이 시작되었지만 하트는 일이 공식화되기 전에 물러났다.그가 그들의 계획에 대해 들었을 때, 리차드 A. 메트로픽처스의 롤랜드 대표는 "수용자들이 망명을 인수하고 있다"고 말했다고 한다.

이들 4개 파트너는 맥아두(사위이자 우드로 윌슨 전 대통령의 재무장관)의 조언에 따라 히람 에이브럼스를 초대 상무이사로 하여 유통회사를 설립하였다.원래 조건은 Pickford, Fairbanks, Griffith, 그리고 Chaplin이 매년 독립적으로 5개의 그림을 제작할 것을 요구했지만, 1920-1921년에 회사가 착수할 때쯤에는 장편 영화는 더 비싸지고 더 다듬어지고 있었고, 상영 시간은 약 90분(또는 8 릴)으로 정해졌다.어느 누구도, 아무리 인기 있다고 해도, 일년에 다섯 편의 질 높은 장편 영화를 제작하고 주연을 맡을 수 없다고 믿었습니다.1924년 그리피스는 자퇴했고 회사는 고가의 유통 시스템을 지원하기 위해 다른 사람들을 고용하거나 패배를 인정하는 위기에 직면했다.베테랑 프로듀서 조셉 셴크가 사장으로 채용되었다.그는 10년 동안 영화를 제작했을 뿐만 아니라 그의 아내 노마 탈마지, 처제 콘스탄스 탈마지, 그리고 처남 버스터 키튼이 출연하는 영화를 위해 헌신했다.다수의 독립 프로듀서, 특히 사무엘 골드윈, 하워드 휴즈, 그리고 이후 알렉산더 코다와 계약이 체결되었다.셴크는 또한 픽포드, 채플린과 별도의 파트너십을 맺고 유나이티드 아티스트즈라는 이름으로 극장을 구입하고 지었다.

그러나 회사가 확장되어도 UA는 어려움을 겪었다.사운드의 도래로 픽포드와 페어뱅크스의 경력은 끝이 났다.채플린은 자신이 원하는 일을 할 수 있을 만큼 부유했고, 가끔만 일했다.셴크는 1933년 대릴 F. 자누크와 함께 20세기 영화사를 설립하기 위해 사임했고, 곧 UA의 일정에 1년에 4장의 사진을 제공했다.그는 불과 몇 달 만에 사임한 판매 매니저 알 리흐트만에 의해 사장직이 교체되었다.픽포드는 몇 편의 영화를 제작했고, 골드윈, 코다, 월트 디즈니, 월터 웽어, 데이비드 오도 여러 차례 제작했다. Selznick은 "생산 파트너"(즉, 이익 분배)가 되었지만, 소유권은 여전히 창업자에게 있습니다.해가 지나고 비즈니스의 역학 관계가 변화함에 따라, 이러한 "생산 파트너"는 멀어져 갔습니다.골드윈과 디즈니는 RKO로, 웽어는 유니버설 픽처스로, 셀즈닉과 코다는 은퇴를 위해 떠났다.1940년대 후반까지 유나이티드 아티스트는 사실상 제작자 또는 배급자로서의 존재 자체를 중단했다.

독립 영화 제작자 협회

1941년, 메리 픽포드, 찰스 채플린, 월트 디즈니, 오슨 웰즈, 사무엘 골드윈, 데이비드 오. Selznick, Alexander Korda 및 Walter Wanger는 United Artists의 멤버로 독립영화제작자협회를 설립했습니다.이후 멤버는 윌리엄 캐그니, 솔 레서, 할 로치를 포함했다.이 협회는 스튜디오 시스템에 의해 압도적으로 통제되는 산업에서 독립 제작자들의 권리를 보존하는 것을 목표로 했다.SIMPP는 영화의 제작, 배급, 전시를 관장하는 5대 할리우드 스튜디오에 의한 독점적 관행을 종식시키기 위해 싸웠다.1942년 SIMPP는 파라마운트의 유나이티드 디트로이트 극장을 상대로 반독점 소송을 제기했다.고소장은 파라마운트가 디트로이트에서 처음 상영된 극장과 이후 상영된 극장을 통제하려는 음모를 꾸몄다고 비난했다.이것은 독점 및 무역을 제한한다고 주장하는 전시업체들을 상대로 생산자들이 제기한 첫 반독점 소송이었다.1948년 미국 대법원은 할리우드 영화사에 극장 체인을 매각하고 반경쟁적 관행을 없애라고 명령했다.이것은 할리우드 골든 에이지의 스튜디오 시스템을 효과적으로 종식시켰다.1958년까지, SIMPP를 만든 많은 이유들이 수정되었고 SIMPP는 사무실을 폐쇄했다.

저예산 영화

SIMPP의 노력과 제2차 세계대전 중 저렴한 휴대용 카메라의 등장은 어떤 주요 영화 스튜디오의 도움 없이 영화를 만들고, 제작하고, 감독하는 것에 관심을 가진 미국의 모든 사람들이 효과적으로 가능케 했다.이러한 상황은 곧 1943년 마야 데렌의 오후의 그물, 1947년 케네스 앵거의 불꽃놀이, 1953년 모리스 엥겔, 루스 오킨, 레이 아바슈킨의 리틀 도피를 포함한 많은 비평가들의 극찬을 받고 매우 영향력 있는 작품들로 귀결되었다.공식적인 훈련을 거의 받지 않은 켄 제이콥스와 같은 영화 제작자들은 영화를 만들고 촬영하는 새로운 방법을 실험하기 시작했다.

리틀 러브너는 미국 아카데미 ^[5]시상식에서 아카데미 최우수 각본상 후보에 오른 최초의 독립 영화가 되었다.그것은 또한 베니스에서 은사자를 받았다.엥겔과 앵거의 영화는 프랑스 뉴웨이브에서 호평을 받았고 불꽃놀이는 장 콕토로부터 유럽으로 그의 밑에서 공부하도록 초청받았습니다.프랑수아 트뤼포는 그의 중요한 작품인 400개의 바람의 필수적인 영감으로 리틀 러플을 인용했습니다.1950년대가 진행되면서, 영화 제작이라는 새로운 저예산 패러다임은 국제적으로 더 많은 인정을 받았고, 사티아지트 레이의 비평가들로부터^[6][7][8][9] 호평을 받은 아푸 3부작 (1955-1959)과 같은 영화들이 있었다.

스튜디오 시스템 내에서 만들어진 영화들과는 달리, 이 새로운 저예산 영화들은 고전적인 할리우드 이야기 밖에서 위험을 감수하고 새로운 예술 영역을 탐험할 여유가 있다.마야 데렌은 곧 뉴욕에서 오락보다는 예술 작품으로서의 영화를 만드는 데 관심이 있는 같은 생각을 가진 아방가르드 영화 제작자들의 무리들과 합류했다.상식은"공식적인 영화", 그리고 과 무소속 의원의 되었었는지"도덕적으로, 심미적으로 더 이상 쓸모 없는 상태 주제별로 피상적이고[그리고]기질적으로 지루한 부패한"[10]이 새로운 작물은 Film-Makers의 조합, 그들은 fil 배포하는 데 사용할 수 있는artist-run, 비영리 조직을 형성했다"달리기 밖에 호흡의"에 기초를 둔다.씨중앙 집중식 아카이브를 통해요.1962년 Jonas Mekas, Stan Brakhage, Shirley Clarke, Gregory Markopoulos, 그리고 다른 사람들에 의해 설립된 협동조합은 Jack Smith와 Andy Warhol을 포함한 1960년대 많은 영화계의 창조적인 명사들에게 중요한 배출구를 제공했다.그가 미국으로 돌아왔을 때, Ken Angry는 그의 가장 중요한 작품들을 미국에서 데뷔시켰다.메카스와 브라하지는 1970년에 앤솔로지 필름 아카이브를 설립했는데, 이는 오늘날까지도 독립영화의 개발과 보존에 필수적인 것으로 입증되었다.

착취 붐과 MPAA 등급 체계

모든 저예산 영화가 비영리 예술 벤처로 존재하지는 않았다.낮은 (때로는 존재하지 않는) 예산으로 만들어진 Little Runbean과 같은 영화의 성공은 스튜디오가 아닌 영화들에 대한 엄청난 인기 붐을 부추겼다.저예산 영화 제작은 만약 영화가 극장에서 성공적으로 상영될 수 있다면 기하급수적으로 더 큰 수익을 낼 수 있을 것이라고 약속했다.이 기간 동안, 독립 프로듀서/감독인 로저 코먼은 검소함과 힘든 촬영 스케줄로 전설이 될 만한 방대한 작업을 시작했다.1971년 감독으로서 소위 "은퇴"할 때까지(이 날짜 이후에도 계속 영화를 제작) 그는 연간 7편의 영화를 제작했는데, 이는 유나이티드 아티스트의 경영진이 한때 불가능하다고 생각했던 연간 5편의 일정에 필적하고 종종 초과되기도 했다.

아방가르드 영화처럼 로저 코먼의 영화들은 스튜디오 시스템과 달리 독립 영화들이 스스로 정한 제작 코드에 얽매이지 않았다는 사실을 이용했다.코먼의 사례(그리고 그와 같은 다른 사람들)는 1960년대에 독립 B 영화의 붐을 일으키는데 도움을 줄 것이다. 이 영화의 주된 목적은 주요 스튜디오가 연락이 끊긴 청소년 시장을 끌어들이는 것이었다.섹스, 무분별한 폭력, 마약 사용, 그리고 나체를 약속함으로써, 이 영화들은 주요 영화사들이 보여줄 수 없는 것을 그들에게 보여주면서 관객들을 독립 극장으로 끌어들이기를 희망했다.공포와 공상과학 영화는 이 기간 동안 엄청난 성장기를 경험했다.이 작은 제작자들, 극장들, 그리고 배급사들이 계속해서 서로를 깎아내리려고 시도하면서, B급 쇼록 필름은 곧 Z 영화 수준으로 떨어졌습니다. 이 영화는 제작 가치가 너무 낮아서 그 자체로 볼거리가 되었습니다.이 영화들은 곧 관객들의 참여와 코스프레를 중심으로 한 심야 영화 상영에 이상적인 후보가 되었다.

1968년에 조지 A라는 젊은 영화 제작자가 있었다. 로메로는 강렬하고 용서할 수 없는 새로운 종류의 독립 공포 영화인 Night of the Living Dead로 관객들을 놀라게 했다.이 영화는 제작 코드 포기 직후에 개봉되었지만 MPAA 등급 제도가 도입되기 전에 개봉되었다.이와 같이, 이 영화는 어린이들이 로메로의 매우 사실적인 고어의 새로운 브랜드를 볼 수 있는 완전히 제한 없는 상영을 즐긴 처음이자 마지막 영화였다.텍사스 연쇄톱 대학살(1974년)과 식인 대학살(1980년)과 같은 영화들이 계속해서 한계를 넘어서면서, 이 영화는 앞으로 수십 년 동안 독립적인 공포 분위기를 조성하는데 도움을 줄 것이다.

로메로의 영화처럼 영화 제작 코드가 버려지고 폭력적이고 혼란스러운 영화가 인기를 얻으면서, 할리우드는 젊은 층에 대한 티켓 판매에 제한을 가하는 MPAA 등급 시스템으로 불편한 영화 관람객들을 달래는 것을 선택했다.제작 코드와 달리, 이 등급제는 독립 영화들에게 그들이 팔 수 있는 티켓 수에 영향을 미치고 그린하우스 영화들의 청소년 시장 점유율을 줄일 수 있다는 점에서 위협을 가했다.이러한 변화는 상업영화와 비상업영화의 격차를 더욱 벌릴 것이다.

하지만, 영화 관객 분류를 받는 것은 독립자들에게 엄격히 자발적인 것이고, 등급 미달로 영화를 개봉하는 것에 법적인 지장은 없다.하지만, TV 채널, 신문, 웹사이트와 같은 미디어 매체들은 부적절한 젊은 ^[11]관객들에게 영화를 상영하는 것을 피하기 위해 종종 자체적인 제한을 두기 때문에 마케팅에 있어 무평가 영화들은 장애물에 직면한다.

새로운 할리우드 및 독립 영화 제작

텔레비전과 파라마운트 케이스의 등장 이후, 주요 스튜디오들은 구경거리로 관객들을 유혹하려고 시도했다.Cinemascope, 스테레오 사운드, 3-D 등의 와이드스크린 프로세스와 기술적 개선은 줄어드는 시청자에게 실제보다 더 큰 경험을 제공함으로써 시청자의 수를 늘리기 위한 시도로 개발되었습니다.1950년대와 1960년대 초 할리우드는 뮤지컬, 역사 서사시, 그리고 이러한 발전으로부터 이익을 얻은 다른 영화들에 의해 지배되었다.이것은 1950년대 대부분 상업적으로 실행 가능한 것으로 판명되었다.그러나 1960년대 후반까지 관객 점유율은 놀라운 속도로 감소하고 있었다.클레오파트라(1963년)와 돌리 헬로!(1969년)를 포함한 몇몇 값비싼 실패작들은 스튜디오에 심각한 부담을 주었다.한편 1951년 변호사 출신의 프로듀서 아서 크림과 로버트 벤자민은 유나이티드 아티스트의 남은 주주들과 계약을 맺어 회사를 되살리려는 시도를 하고 만약 시도가 성공적이면 5년 후에 그것을 사들이기로 했다.

그 시도는 성공적이었고, 1955년에 United Artists는 실제 스튜디오가 없는 최초의 "스튜디오"가 되었다.UA는 Pickford/Fairbanks Studio에 공간을 임대했지만 스튜디오 부지를 소유하지는 않았습니다.이것 때문에, 그들의 많은 영화들은 현장에서 촬영될 것이다.주로 은행가로서 활동하면서, 그들은 독립 생산자들에게 돈을 제공했다.따라서 UA는 오버헤드, 유지보수 또는 다른 스튜디오의 비용이 증가하는 비싼 제작 인력이 없었습니다.1956년에 UA가 상장되었고, 다른 주류 스튜디오들이 쇠퇴함에 따라 UA는 빌리 와일더, 조셉 E. 레빈 등 미리쉬 형제들과 관계를 맺으며 번창했다.

1950년대 후반, RKO는 영화 제작을 중단했고, 나머지 5개의 영화 제작사 중 4명은 그들이 청소년 관객에게 어떻게 다가갈지 모른다는 것을 인식했다.이 관객들을 사로잡기 위해 스튜디오는 다수의 젊은 영화 제작자들을 고용했고, 상대적으로 스튜디오의 통제력이 거의 없는 영화를 만들도록 허락했다.워너 브라더스는 그의 영화 보니와 클라이드(1967)에서 최소 출연료 대신 첫 제작자인 워렌 비티에게 40%의 수익을 제공했다.그 영화는 1973년까지 전세계적으로 7천만 달러 이상의 수익을 올렸다.이러한 초기 성공은 스튜디오가 영화 학교 세대에 거의 완전한 통제권을 넘겨줄 수 있는 길을 열어주었고 미디어가 "뉴 헐리우드"라고 부르는 것을 시작했다."

미국 배우 데니스 호퍼는 Easy Rider (1969년)로 작가와 감독 데뷔를 했다.그의 프로듀서/공동 주연/공동 작가인 피터 폰다와 함께, 호퍼는 뉴 헐리우드의 최초의 완전한 독립 영화 중 하나를 담당했다.이지 라이더 칸에서 한 후 두개의 오스카 상에, 한가지 최선의 원래 시나리오를 위한 하나, 그리고 조지 핸슨, 미국 시민 자유 연합에 대한 알코올 중독인 변호사의 지원하는 역할에 Corman-alum 잭 니콜슨의 획기적인 공연 동안 받았던"1회 필름 상"(:프리 드 라 premiere oeuvre 프랑스)를 데뷔했다.[12]Easy Rider의 뒤를 이어 부활한 United Artists' Midnight Cowboy(1969년)가 등장했는데, Easy Rider와 마찬가지로 케네스 앵거와 프랑스 뉴웨이브에서의 그의 영향으로부터 많은 단서를 얻었다.이 영화는 아카데미 작품상을 수상한 최초의 유일한 X등급 영화가 되었다.미드나잇 카우보이는 또한 이미 뉴욕 독립 영화계의 군사적으로 반할리우드 풍토를 상징하는 많은 톱 워홀 슈퍼스타들이 카메오 역할을 하는 영예를 안았다.

한 달 만에 또 다른 젊은 코먼 연습생 프란시스 포드 코폴라는 그가 자신의 회사인 아메리칸 조트로프를 통해 제작한 영화인 레인 피플과 함께 도노스티아-산 세바스찬 국제 영화제(1969년)에서 스페인에서 데뷔했다.비록 레인 피플은 미국 관객들에 의해 대부분 무시당했지만, 조트로프는 뉴 할리우드에서 강력한 힘이 될 것이다.조트로프를 통해, 코폴라는 거대 스튜디오 워너 브라더스와 배급 계약을 맺었는데, 그는 이 계약을 통해 영화의 통제 하에 있지 않고 그의 영화를 위해 폭넓은 개봉을 달성할 수 있었다.이 세 편의 영화는 할리우드의 주요 스튜디오들에게 본받을 사례와 새로운 재능의 원천을 제공했다.조트로프의 공동 설립자 조지 루카스는 조트로프가 워너 브라더스와의 계약을 통해 공개한 THX 1138 (1971년)로 장편 영화에 데뷔했으며, 자신을 뉴 할리우드의 또 다른 주요 탤런트라고 발표했다.이듬해 두 명의 뉴 할리우드 감독은 코폴라가 파라마운트의 '대부'(1972년)를 감독할 수 있을 만큼 충분히 자리를 잡았고 루카스는 유니버설로부터 '아메리칸 그래피티'(1973년)를 위한 스튜디오 자금을 받았다.1970년대 중반, 할리우드의 주요 스튜디오들은 아이디어와 인력 모두를 위해 이 새로운 영화 제작자들을 계속 섭외했고, Paper Moon과 Taxi Driver와 같은 영화들을 제작했는데, 이 영화들은 모두 비평적이고 상업적인 성공을 거두었다.뉴 헐리우드 멤버들에 의한 이러한 성공은, 차례로, 그들 각자가 스튜디오에서 그리고 결국 관객들에게 점점 더 많은 사치스러운 요구를 하도록 이끌었다.

뉴 헐리우드 세대의 대부분의 멤버들이 독립 영화 제작자이거나 혹은 독립 영화 제작자로 시작했지만, 그들의 많은 프로젝트들은 주요 스튜디오에 의해 제작되고 개봉되었다.뉴 헐리우드 세대는 곧 그들의 영화의 개발, 제작, 배급에 자금을 대는 스튜디오 시스템의 부활된 화신에 확고해졌다.이러한 영화 제작자들 중 극소수는 독립적으로 자금을 대거나 그들 자신의 영화를 개봉하거나, 세대의 영향력이 최고조에 달했을 때 독립적으로 자금을 대는 제작에 참여한 적이 없다.Taxi Driver, The Last Picture Show와 같은 겉으로 보기에 독립적인 영화들은 스튜디오 영화였다: 대본은 스튜디오의 피치를 바탕으로 제작비가 지불되었고, 제작 자금 조달은 스튜디오에서 이루어졌으며, 영화의 마케팅과 배급은 스튜디오의 광고 대행사에 의해 디자인되고 통제되었다.비록 코폴라는 스튜디오의 영향력에 저항하기 위해 상당한 노력을 기울였지만, 회의적인 스튜디오 경영진과 타협하기 보다는 1979년 그의 위험한 영화 '아포칼립스 나우'에 직접 자금을 대기로 선택했고, 그와 같은 영화 제작자들은 성공을 위한 새로운 공식을 제공함으로써 오래된 스튜디오를 재정적인 파멸로부터 구했다.

사실 독립영화의 정의가 모호해진 것은 이 시기였다.미드나잇 카우보이는 유나이티드 아티스트에 의해 자금을 지원받았지만, 그 회사는 확실히 스튜디오였다.마찬가지로, Joetrope는 시스템 내에서 자금이 필요한 독립 이사를 위한 공간을 만드는 또 다른 "독립 스튜디오"였습니다.조지 루카스는 1971년 조트로프를 떠나 블록버스터 스타워즈와 인디애나 존스 프랜차이즈를 제작할 독립 스튜디오인 루카스필름을 만들었다.사실, 타협 없이 독립적이라고 묘사할 수 있는 이 운동의 유일한 두 영화는 처음에 이지 라이더와 마지막에 피터 보그다노비치의 '그들 모두 웃었다'이다.Peter Bogdanovich는 스튜디오에서 1980년 영화의 판권을 사들였고, 그의 배급 비용을 자신의 주머니에서 지불했습니다.그것은, 그 사진이 스튜디오가 믿고 있던 것보다 낫다고 확신했기 때문입니다.그 때문에, 그는 결국 파산했습니다.

돌이켜보면, 스티븐 스필버그의 죠스와 조지 루카스의 스타워즈(1977)가 뉴 할리우드의 종말의 시작을 알 수 있다.전례 없는 흥행으로, 이 영화들은 할리우드의 블록버스터 정신에 불을 지폈고, 이 변화하는 상업 환경에서 어떻게 돈을 벌 수 있는지에 대한 새로운 패러다임을 영화사들에게 주었다.고정 상품(장난감 등), 다른 매체(사운드 트랙 등)로의 스핀오프, 후속편(코폴라의 대부 2부)의 사용 등, 높은 컨셉의 장소에 초점을 맞추어 스튜디오가 새로운 환경에서 돈을 버는 방법을 보여주었다.

영화 제작으로 얼마나 많은 돈을 벌 수 있는지 깨닫자, 주요 기업들은 남은 할리우드 스튜디오들을 50년대에 RKO에 닥친 망각으로부터 구하며 인수하기 시작했다.결국 RKO가 부활하더라도 이들 회사가 영화 제작 사업에 가져온 기업 정신은 젊은 영화 제작자들의 독특한 면을 서서히 밀어내고 유연하고 상업적으로 성공을 거둘 수 있게 ^[13]될 것이다.

영화평론가 마놀라 다르기스는 이 시대를 "평소처럼 사업체보다 덜 혁명적이었고, 반란군들의 과장된 선전"^[14]이었던 10년 영화 제작의 "할시온 시대"라고 묘사했다.그녀는 또한 NY 타임즈 기사에서 "미국 영화가 성장했을 때(또는 적어도 옷을 덜 입은 여배우들이 출연했을 때), 감독들이 그들이 원하는 것을 했을 때(또는 적어도 브랜드로 변모되었을 때), 창의성이 지배했을 때(또는 적어도 종종 스튜디오의 돈 위에 있었지만)"라고 주장했다."^[15]

헐리우드

1970년대 동안 미국 영화에서는 성관계와 폭력에 대한 주제적 묘사의 변화가 일어났고, 특히 현실적 성관계와 폭력에 대한 묘사가 강화되었다.올드 할리우드의 주류 관객들에게 다가가기를 원했던 감독들은 그들의 영화를 혐오스럽거나 외설적인 것보다는 매력적이고 매력적으로 만들기 위해 이러한 주제를 스타일화하는 것을 빨리 배웠다.하지만 미국 뉴웨이브 영화계의 독불장군 학생들이 할리우드를 점령하기 위해 사용할 기술을 개발하고 있을 때, 많은 동료들은 다른 방향으로 영화를 만드는 스타일을 개발하기 시작했다.잉마르 베리만과 페데리코 펠리니, 노동 착취 shockers과 전위 영화(즉 조셉 P.Mawra, 마이클 핀리, 그리고 핸리 Pachard)와 같은 예술 외국인 집 감독에 의해 영향을 받아, 젊은 영화 제작자에게(케네스 분노, 마야 Deren와 브루스 Conner[16][17]) 많은 위반과 흥행의 무승부지 말고,로 실험을 시작했다.미술istic 행위존 워터스와 데이비드 린치와 같은 감독들은 1970년대 초에 그들의 영화의 특징인 기괴하고 종종 혼란스러운 이미지로 유명해졌다.

린치의 첫 장편 영화인 지우개헤드(1977년)가 린치를 제작자 멜 브룩스의 관심을 끌었을 때, 그는 곧 파라마운트의 5백만 달러짜리 영화 엘리펀트 맨(1980년)을 담당하게 되었다.비록 지우개헤드는 엄밀히 말해서 주머니가 두둑한 저예산 독립영화였지만, 린치는 전례 없는 우아함으로 이행을 했다.이 영화는 상업적으로 큰 성공을 거두었고,^[18] 린치의 감독상과 각색상을 포함하여 8개의 아카데미상 후보에 올랐다.그것은 또한 다소 어둡고 관습적이지 않지만 상업적으로 실행 가능한 할리우드 감독으로서 그의 입지를 확립시켰다.린치를 동료 스튜디오로 개조한 사람으로 보고, 지우개헤드의 팬이자 스튜디오의 총아인 조지 루카스는 린치에게 그의 다음 스타워즈 속편인 "Return of the Jedi" (1983)를 감독할 기회를 제공했다.하지만, 린치는 스튜디오 시스템을 없애려는 시도가 실패한 후 루카스와 그의 전우들에게 무슨 일이 일어났는지 보았다.그는 자신의 ^[19]프로젝트를 하는 것이 낫다고 말하며 그 기회를 거절했다.

린치는 대신 프랭크 허버트의 공상과학소설 '둔'을 이탈리아 프로듀서 디노 드 로렌티스의 '데 로렌티이스 엔터테인먼트 그룹'에 제작하는 조건으로 거액의 예산으로 각색하는 것을 선택했다.드 로렌티스는 이것이 다음 스타워즈가 되기를 바랐지만, 린치의 둔(1984)은 4천 5백만 달러의 예산에 반해 국내에서는 2천 7백 4십만 달러의 수익을 올리는 등 비판적이고 상업적인 실패작이었다.드 로렌티스는 이 영화가 상업적으로 실패했다는 것에 격분하여 린치가 원하는 어떤 영화라도 제작해야 했다.그는 만약 이 영화가 비용을 회수하지 못한다면 위험을 최소화하기 위해 린치에게 6백만 달러만 제시했지만, 영화 블루벨벳은 그에게 아카데미 감독상 ^[20]수상을 안겨주며 큰 성공을 거두었다.린치는 그 후 독립 영화 제작으로 돌아왔고, 10년 이상 다른 주요 스튜디오에서 일하지 않았다.

전자와 달리, 존 워터스는 그의 어린 시절 대부분의 영화를 자신의 제작사인 드림랜드 프로덕션을 통해 개봉했다.1980년대 초, 뉴 라인 시네마는 폴리에스테르(1981년)를 그와 함께 작업하기로 합의했다.1980년대 동안 워터스는 뉴욕에 기반을 둔 독립 영화 운동인 "Cinema of Transress"의 한 축이 되었다. 이 용어는 1985년 닉 제드가 슈퍼 8mm 영화와 비디오 아트에서 충격적 가치와 유머를 사용하여 같은 생각을 가진 뉴욕 예술가들의 느슨한 그룹을 묘사하기 위해 만든 용어이다.이 운동의 다른 주요 선수들로는 켐브라 팔러, 카산드라 스타크, 베스 B, 토미 터너, 리처드 컨, 리디아 런치가 있었다.영화 제작 협동조합과 앤솔로지 필름 아카이브와 같은 기관들을 중심으로 모인 이 새로운 세대의 독립주의자들은 "모든 영화 학교는 폭파되고 모든 지루한 영화는 ^[21]다시는 만들어지지 않을 것"을 제안하며, 현재 설립된 뉴 할리우드에 대한 도전으로 헌신했다.

독립 영화 운동

1978년, 스털링 반 워거넨과 찰스 게리 앨리슨은 회장 로버트 레드포드와 함께 유타로 더 많은 영화 제작자들을 끌어들이고 독립 영화의 가능성을 보여주기 위해 유타/미국 영화제를 설립했습니다.그 당시 이 행사의 주요 초점은 일련의 회고 영화들과 영화제작자 패널 토론들이었다. 그러나 그것은 또한 새로운 독립 영화들로 이루어진 작은 프로그램도 포함하고 있었다.1978년 축제의 심사위원은 게리 앨리슨이 맡았으며, 베르나 필즈, 린우드 게일 던, 캐서린 로스, 찰스 E 등이 포함되었다. 셀리어 주니어, 마크 라이델, 앤티아 실버트.마이클 치미노의 천국문(1980년)^[22] 이후 MGM에 인수된 유나이티드 아티스트가 독립영화인들의 공연장으로서 더 이상 존재하지 않게 된 바로 그 해인 1981년 스털링 반 바게넨은 로버트 레드포드와 함께 선댄스 연구소를 설립하는 것을 돕기 위해 영화제를 떠났다.1985년 스털링 반 바게넨이 이끄는 선댄스 인스티튜트가 경영난을 겪고 있던 미국 영화제의 경영권을 인수했다.게리 맥어와 스털링 반 와게넨은 프로그램 감독 토니 사포드와 행정 감독 제니 월즈 셀비를 포함한 제1회 선댄스 영화제 제작을 주도했다.

1991년, 이 영화제는 레드포드의 유명한 선댄스 ^[23]키드 역할의 이름을 따 선댄스 영화제로 공식적으로 이름이 바뀌었다.이 축제를 통해 독립 영화 운동이 시작되었다.케빈 스미스, 로버트 로드리게스, 쿠엔틴 타란티노, 데이비드 오와 같은 유명한 인물들. 러셀, 폴 토마스 앤더슨, 스티븐 소더버그, 제임스 완, 할 하틀리, 조엘과 에단 코엔, 짐 자무슈는 평단의 극찬을 받으며 전례 없는 박스 오피스 매출을 올렸다.2005년 미국 국내 박스 오피스 수익의 약 15%가 독립 스튜디오에서 ^[24]창출되었습니다.

코옵션

1990년대는 영화제 서킷뿐만 아니라 흥행에서도 독립영화의 부침과 성공을 거뒀고, 브루스 윌리스, 존 트라볼타, 팀 로빈스 같은 유명 배우들은 독립영화와 할리우드 스튜디오 ^[25]영화 모두에서 성공을 거뒀다.1990년 뉴라인 시네마의 닌자 거북이 10대 돌연변이는 미국에서 1억 달러 이상을 벌어들였고,^[26] 이는 지금까지 박스 오피스 역사상 가장 성공적인 인디 영화였다.Miramax Films는 Sex, Lies, and Video, My Left Foot, Salcers로 일련의 히트를 쳤으며, Miramax와 New Line Cinema는 독립 스튜디오의 성공을 위해 돈을 벌려는 대기업들의 눈에 띄었다.1993년 디즈니는 미라맥스를 6천만 달러에 인수했다.터너 방송사는 1994년에 뉴 라인 시네마, 파인 라인 피처스, 캐슬 록 엔터테인먼트를 인수했습니다.뉴라인이 The Mask and Dumm & Dumber를, Castle Rock이 The Shawshank Redemption을, Miramax가 Pulp Fiction을 ^[26]1994년에 출시함에 따라 이 인수는 Turner Broadcasting에 좋은 움직임임이 증명되었다.

할리우드의 소규모 스튜디오 인수는 독립 영화 산업을 인수하는 동시에 그들만의 "독립" 스튜디오를 시작하기 위한 계획이었다.다음은 모두 할리우드가 소유한 "인디" 스튜디오입니다.

• 소니 픽처스 클래식 (1992년 ~ 현재)
• 서치라이트 픽처스(1994~현재)
• 파라마운트 Vantage (1998-2013)
• 포커스 기능 (2002~현재)
• 워너 인디펜던트 픽처스(2003~2008)^[27]
  • 캐슬록 엔터테인먼트 (1987년 ~ 현재)

2000년대 초까지 할리우드는 세 가지 종류의 영화를 제작했다. 1) 거액의 예산을 들여 블록버스터, 2) 예술 영화, 2) 이 대기업 소유의 "인디즈"에 의해 제작된 특수 영화, 3) 진정한 인디 스튜디오와 제작사에서 제작된 특수 영화.세 번째 카테고리는 미국에서 출시되는 기능의 절반 이상을 차지하며,^[28] 보통 제작 비용은 500만 달러에서 1000만 달러 사이입니다.

할리우드는 세 종류의 다른 제작자를 통해 이 세 종류의 다른 장편 영화를 제작하고 있었다.우수한 제품은 6대 스튜디오 제작/배급사가 판매하는 대형 저가 블록버스터와 고가의 스타 차량이었다.메이저 스튜디오의 사진에 대한 예산은 평균 1억 달러였으며, 그 중 약 3분의 1은 대규모 개봉 캠페인 때문에 마케팅에 지출되었습니다.할리우드 장편 영화의 또 다른 등급은 예술 영화, 특수 영화, 그리고 대기업의 독립 자회사가 통제하는 다른 틈새 시장 영화들을 포함했다.2000년대 초 이들 인디영화의 예산은 개봉당 평균 4000만 달러였으며 마케팅에 1000만 달러에서 1500만 달러가 소요되었습니다(MPA, 2006:12).영화의 마지막 클래스는 장르와 전문 영화로 구성되었고, 그 개봉 캠페인은 엄선된 도시 시장에서 수십 개 또는 수백 개의 스크린만을 가진 독립 제작-배급자들에 의해 관리되었다.이러한 영화들은 보통 1,000만 달러보다 적게 들지만, 종종 500만 달러보다 적게 들며, 마케팅 예산은 특정 영화가 ^[29]상영될 때 증가하게 된다.

국제적으로

독립 영화 산업은 전 세계에 존재한다.세계^[30] 여러 도시에서 많은 명망 있는 영화제가 열린다.베를린 국제 영화제는 130여 개국을 끌어들여 세계에서 ^[31]가장 큰 영화제이다.다른 큰 행사로는 토론토 국제 영화제, 홍콩 국제 영화제, 파나프리칸 와가두구 ^[30]영화 및 TV 페스티벌이 있다.

유럽연합(EU)은 특히 ECVI(European Cinema and VOD Initiative)를 통해 극장 상영 이외의 주문형 비디오 서비스에 대한 증가하는 디지털 요구에 영화 산업을 적응시키기 위한 프로그램을 수립했습니다.이 프로그램을 통해 VOD 서비스는 전통적인 영화 ^[32]상영과 짝을 이룬다.또한 EU 국가 정부로부터 영화를 ^[33]포함한 예술의 모든 측면에 자금을 지원하라는 압박이 더해지고 있다.예를 들어, 유럽 문화 위원회에는 시청각 부문이 있는데, 그 역할은 유럽 전역에 영화와 축제를 배포하고 홍보하는 것을 돕는 것입니다.또한, 위원회는 "미디어 리터러시" 및 "디지털 ^[33]배포"에 대한 정책 결정, 연구 및 보고를 조직한다.

테크놀로지와

다른 미디어와 마찬가지로, 신기술의 이용은 영화 제작의 민주화와 독립 영화의 성장을 촉진했다.40년대 후반과 50년대, 새롭고 저렴한 휴대용 카메라는 독립 영화 제작자들이 스튜디오의 지원 없이 콘텐츠를 제작하는 것을 더 쉽게 만들었다.80년대에 캠코더의 등장은 새롭게 이용 가능한 기술로 실험하는 영화 제작자들의 풀을 넓혔다.최근에는 필름에서 디지털 카메라로의 전환, 저렴한 비선형 편집 및 인터넷을 통한 배급으로 인해 소외된 지역사회의 젊은이들과 개인들을 포함하여 더 많은 사람들이 자신만의 영화를 만들고 전시할 수 있게 되었습니다.이 사람들은 공식적인 기술이나 학술 교육을 거의 받지 않았을 수도 있지만, 대신 온라인 소스를 사용하여 기술을 배우는 오토디랙틱 영화 제작자들입니다.영화 제작자 지망생은 스마트폰이나 디지털 카메라에 쉽게 접근할 수 있는 사람부터 "스펙" 스크립트를 작성하고(스튜디오에 피칭), 적극적으로 네트워킹하며 크라우드소싱 및 기타 자금을 사용하여 영화를 전문적으로 제작하는 사람까지 다양합니다.종종, 야심찬 영화 제작자들은 그들의 대본과 아이디어를 독립 영화 제작사, 탤런트 에이전트, 그리고 부유한 투자자들에게 전달하는 동안 경제적으로 그들 자신을 부양하기 위해 다른 일용직이 있다.이 최근의 기술 중심의 르네상스는 "프로슈머" 카메라 부문과 덜 독단적인 사람들을 위한 영화 학교와 같은 다른 지원 산업들을 부채질하는 데 도움을 주었다.뉴욕의 NYU와 로스앤젤레스의 USC와 같은 대학의 영화 프로그램은 이러한 과도기적 ^[34]성장으로부터 혜택을 받았다.

크라우드 소싱된 자금

영화 제작의 경제적인 측면도 예전보다 덜 장애물이 됩니다. 왜냐하면 더 이상 필요한 영화 자금에 접근하기 위해 주요 스튜디오의 지원이 필요하지 않기 때문입니다.Kickstarter, Pozible, Tubestart와 같은 크라우드 펀딩 서비스는 사람들이 수천 달러를 모금하는 데 도움을 주었고, 이는 저예산으로 ^[35]제작되는 자신의 작품에 자금을 지원할 수 있을 만큼 충분했습니다.필름 제작, 편집 및 디지털 배급에 드는 기술 비용이 감소함에 따라, 영화 제작은 그 어느 때보다 광범위하게 접근할 수 있게 되었습니다.

선댄스 영화제, 슬램댄스 영화제, 사우스바이서스트 영화제, 레인댄스 영화제, 텔루라이드 영화제, 팜스프링스 영화제 ^[36]등의 영화제에서 장편 영화들이 종종 상영된다.이 전시회들의 수상자들은 주요 영화 배급사들에 의해 배급될 가능성이 더 높다.이와 같은 영화제 및 상영은 영화를 독립적으로 제작/개봉할 수 있는 옵션 중 하나에 불과합니다.

아날로그에서 디지털로

1990년대와 21세기 독립영화의 발전은 필름의 품질을 능가할 수 있는 저렴한 디지털 촬영 카메라와 사용하기 쉬운 컴퓨터 편집 소프트웨어의 개발 등 다양한 기술적 혁신에 의해 촉진되었습니다.디지털 대안이 나오기 전까지, 전문 영화 장비와 재고 비용은 그들만의 영화를 만들고 싶어하는 독립 영화 제작자들에게 큰 장애물이었습니다.Blair Witch Project와 같은 성공적인 영화들은 영화 제작 도구에 대한 새로운 접근성으로부터 나타났다.버라이어티에 ^[37]따르면 2002년 35mm 필름 재고 비용이 23% 올랐다.1985년 소비자 캠코더의 등장, 그리고 더 중요한 것은 1990년대 초 디지털 비디오의 등장으로 영화 제작에 대한 기술 장벽이 낮아졌다는 것이다.퍼스널 컴퓨터와 비선형 편집 시스템은 KEM과 같은 편집 스탠드의 사용을 없애고 포스트 프로덕션 비용을 대폭 절감했으며 DVD, Blu-ray Disc, 온라인 비디오 서비스 등의 테크놀로지로 배포가 간소화되었습니다.비디오 스트리밍 서비스에서는 F의 디지털 버전을 배포할 수 있게 되었습니다.실제 DVD나 필름 릴의 배송이나 보관을 필요로 하지 않고 국가 전체 또는 전 세계에 전달할 수 있습니다.저예산 독립 영화 제작자는 3-D 기술을 이용할 수 있습니다.21세기 후반까지 고품질 휴대폰 카메라는 사람들이 하나의 저렴한 기기로 영화를 만들고, 편집하고, 배급할 수 있게 했다.

영화 제작에 대한 이러한 새로운 인디 접근법의 예들 중 하나는 1999년 오스카 후보에 오른 다큐멘터리 영화 징기스 블루스이다. 징기스 블루스는 벨릭 형제가 두 대의 하이에잇 소비자 캠코더로 촬영하여 그 해 선댄스 영화제 다큐멘터리 ^[38]부문 관객상을 수상했다.당시 배급은 여전히 필름 기반이었기 때문에 영화는 인터레이스된 디지털 비디오 형식에서 기존의 초당 24프레임 속도로 상영되는 필름으로 "필름 아웃"되어야만 했기 때문에 인터레이스된 예술품들이 때때로 눈에 띈다.2004년 파나소닉은 필름과 같은 초당 24프레임의 촬영 속도를 특징으로 하는 DVX100 캠코더를 출시했다.이것은 독립 영화 제작자들에게 당시 영화의^[39] 표준으로 여겨졌던 프레임 레이트로 비디오를 촬영할 수 있는 능력을 주었고 깨끗한 디지털 프레임을 필름 프레임으로 변환할 수 있는 가능성을 열어주었다.이 카메라로 극찬을 받은 영화 몇 편이 제작되었습니다. 예를 들어 이라크 인 프래그먼트(Fragments)^[40] 등이 있습니다.최신 장치에서는 매우 높은 프레임률로 "필링"할 수 있으므로 아티팩트 없이 다수의 프레임률로 쉽게 분배할 수 있습니다.

Ari Alexa, RED Epic, 그리고 많은 새로운 DSLR과 같은 새로운 시네마 카메라들은 구입하는데 수천 달러가 들지만, 독립 영화들은 여전히 그 어느 때보다도 저렴하며, 같은 높은 비용 없이 35mm 필름처럼 보이는 영상을 만들어낸다.이 카메라는 필름에 비해 극도로 어둡거나 조도가 낮은 상황에서도 작동하기 때문에 기존 필름보다 성능이 우수합니다.2008년에 니콘은 비디오 촬영이 가능한 최초의 DSLR 카메라인 니콘 D90을 출시했습니다.기존의 캠코더보다 큰 센서로, 이러한 DSLR은, 화질의 깊이, 뛰어난 저조도 기능, 및 낡은 필름 카메라의 렌즈 등, 다양한 렌즈 교환을 가능하게 합니다.이러한 렌즈는 독립 영화 제작자가 오랫동안 갈망해 온 것입니다.가볍고 접근하기 쉬운 새로운 시네마 카메라가 만들어지면서 다큐멘터리는 큰 혜택을 누리게 되었다.이전에는 필름 카메라로 조작할 수 없기 때문에 대자연의 극치를 포착하는 것이 불가능했지만, DSLR의 개발로 다큐멘터리 영화 제작자들은 필름 ^[41]카메라로 얻을 수 없었던 것을 포착하기 위해 얻기 어려운 장소에 도달할 수 있었다.카메라가 심지어 동물들에게 부착되어 있어 그들이 이전에 보지 못한 장면을 촬영할 수 있게 해준다.

새로운 기술은 또한 20세기 초 줌 렌즈의 개발과 같이 독립영화에 유래한 새로운 영화 기법의 개발을 가능하게 했다.획기적인 '블레어 마녀 프로젝트'에서 인기를 끌었던 핸드헬드 샷의 사용은 또한 완전히 새로운 하위 장르인 '발견된 영화'로 이어진다.

독립 영화 제작도 새로운 편집 소프트웨어의 혜택을 받고 있습니다.편집을 위해 우체국이 필요한 대신, 독립 영화 제작자들은 영화를 편집하기 위해 편집 소프트웨어가 있는 개인 컴퓨터나 심지어 휴대전화를 사용한다.Avid Media Composer, Adobe Premiere Pro, Final Cut Pro, (Color Grading Software) DaVinci Resolve 등의 편집 소프트웨어를 이용할 수 있습니다.또한 이러한 프로그램을 사용하기 위해 필요한 다양한 포스트 프로덕션 기술을 가르치는 많은 무료 튜토리얼과 코스가 온라인에서 제공됩니다.이러한 새로운 기술은 독립 영화 제작자들이 고예산 영화에 필적할 만한 영화를 만들 수 있게 해준다.컴퓨터 생성 이미징(CGI)도 포스트 프로덕션 회사가 수행하는 고도로 전문화된 프로세스에서 독립 아티스트가 수행할 수 있는 작업으로 전환되면서 접근성이 향상되었습니다.

오랫동안 비선형 편집과 디지털 카메라와 같은 신기술의 옹호자였던 프랜시스 포드 코폴라는 2007년에 다음과 같이 말했다. "시네마는 금융업자의 통제에서 벗어나고 있으며, 그것은 놀라운 일이다.당신은 어떤 영화 배급사에 직접 가서 '제발 내가 영화를 만들 수 있게 해주겠니?"^[42]

독립영화 2010년 ~ 현재

최근 몇년에서, 생산량 증가와 주요 스튜디오편의 속편이 줄어들고 있어 관심을 끌고 더 독립적 더 많은 영화 주요한 상의 선두에서 이긴다 화가 나 최우수 작품상 오스카 Spotlight[43]2016년 시상식에, Moonlight[44]은 2017년 시상식에, Nomadland은 2021년 awards,[45]에 CODA의 2022년 어워드 had,에서 이긴다로 대립해 왔다.그리고 continu특히,^{[citation needed]} 이 시대의 주요 스튜디오 영화들에 대한 박스 오피스 수입에 큰 영향을 끼쳤다.

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• 영국 독립 영화상
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• 영화제 목록
• 필름의 개요
• 독립 애니메이션
• 미국 편심 영화

레퍼런스

추가 정보

• Lyons, Donald (1994). Independent Visions: A Critical Introduction to Recent Independent American Film. Ballantine Books. ISBN 0-345-38249-8.
• Vachon, Christine (1996). A Killer Life: How an Independent Film Producer Survives Deals and Disasters in Hollywood and Beyond. Simon & Schuster. ISBN 0-7432-5630-1.
• Redding, Judith; Brownworth, Victoria (1997). Film Fatales: Independent Women Directors. Seal Press. ISBN 1-878067-97-4.
• Levy, Emanuel (1999). Cinema of Outsiders: The Rise of American Independent Film. New York University Press. ISBN 0-8147-5123-7.
• Merritt, Greg (2000). Celluloid Mavericks: The History of American Independent Film. Thunder's Mouth Press. ISBN 1-56025-232-4.
• Biskind, Peter (2004). Down and Dirty Pictures: Miramax, Sundance, and the Rise of Independent Film. Simon & Schuster. ISBN 0-684-86259-X.
• Pierson, John (2004). Spike Mike Reloaded. Miramax Books. ISBN 1-4013-5950-7.
• Levy, Emanuel (2001). Cinema of Outsiders: The Rise of American Independent Film. NYU Press. ISBN 978-0-8147-5124-4.
• Hall, Phil (2009). The History of Independent Cinema. BearManor Media. ISBN 978-1-59393-335-7.
• King, Geoff (2005). American Independent Cinema. Indiana University Press. ISBN 9780253218261.
• Richard Dyer Maccann (Summer 1962). "Independence, with a Vengeance". Film Quarterly. University of California Press. 15 (4): 14–21. doi:10.1525/fq.1962.15.4.04a00060. JSTOR 1211185.

외부 링크

• 할리우드의 엣지 - 아넨버그 학습자