사일런트 영화

Silent film
멜 브룩스 영화의 경우 사일런트 무비를 참조하십시오.밴드에 대해서는 사일런트 필름을 참조하십시오.
1921년 묵시록의 네 명의 기수, 가장 많은 수익을 올린 무성영화 중 하나입니다.
찰리 채플린은 1919년 침묵 시대의 가장 상징적인 배우 중 한 명으로 널리 찬사를 받았다.

사일런트 필름은 동기화된 녹음된 음성이 없는 필름입니다(또는 일반적으로 청각적 대화 없음).사일런트 필름은 시각적으로 이야기와 감정을 전달하지만, 필요에 따라 다양한 줄거리 요소(설정이나 시대 등)나 대화의 주요 대사가 타이틀 카드를 사용하여 전달될 수 있습니다.

"사일런트 영화"라는 용어는 잘못된 명칭인데, 이러한 영화들은 거의 항상 라이브 사운드를 동반하기 때문이다.1890년대 중반부터 1920년대 후반까지 존재했던 침묵의 시대에는 피아니스트, 연극 오르간 연주자, 심지어 대도시에서는 작은 오케스트라가 영화에 반주하기 위해 음악을 연주하곤 했다.피아니스트와 오르간 연주자들은 악보나 즉흥 연주로 연주할 것이다.때때로 사람들은 청중들을 위해 인터타이틀 카드를 내레이션하기도 했다.그 당시에는 소리를 필름과 동기시키는 기술이 존재하지 않았지만 음악은 관람 경험의 필수적인 부분으로 여겨졌다.사일런트 필름은 싱크로나이즈드 사운드가 발명되기 이전의 영화 시대를 설명하는 역사적 용어로 쓰이지만, 자연스럽게 시티 라이트, 사일런트 무비, 아티스트 등 대화 대신 음악 전용 사운드 트랙이 곁들여지는 사운드 시대 영화에도 적용된다.

사일런트 필름이라는 용어는 레트로니임으로, 어떤 것을 이후의 전개와 소급하여 구별하기 위해 만들어진 용어입니다.1927년 재즈 싱어를 시작으로 초기 사운드 필름은 "토키", "사운드 필름" 또는 "말하는 그림"으로 다양하게 불렸다.녹음된 소리와 동영상을 결합해 생각은 영화(후에 에디슨은 1877년에 축음기를 소개해 거의 즉시 제안되었다)보다 몇가지 초기의 실험은 영사 기사를 수동으로 프레임률은 sound,[1]에 맞게 조정 했지만 기술적 어려움 관련된 싱크로나이즈의 도입 때문에 더 많다. 출신의.알로그는 1920년대 후반에야 Audion 앰프 튜브의 완성도와 Vitaphone [2]시스템의 등장으로 실용화 되었다.10년 안에 대중 엔터테인먼트를 위한 사일런트 필름의 광범위한 제작은 중단되었고, 산업은 영화가 음성 대화, 음악 및 음향 효과의 동시 녹음과 함께 동반되는 사운드 시대로 완전히 이동했다.

대부분의 초기 영화들은 그 시대에 사용된 질산염 필름은 극도로 불안정하고 인화성이 강했기 때문에 잃어버린 것으로 여겨진다.게다가, 많은 영화들이 이 시대에 무시할 수 있을 정도의 재정적 가치를 가지고 있었기 때문에 의도적으로 파괴되었다.수치 데이터가 부족하기 때문에 이러한 추정치가 부정확할 수 있지만,[3] 미국에서 제작된 무성 영화의 약 75%가 손실되었다고 종종 주장되어 왔다.

요소와 시작(1833~1894)

주요 기사:필름의 전구체
주요 기사:필름 기술의 역사
Eadweard Muybridge의 플레이트에서 애니메이션화된 The Horse in Motion은 경주 트랙을 따라 설치된 일련의 카메라로 제작되었습니다.
상영시간이 2초가 조금 넘는 라운드헤이가든씬은 1888년 촬영됐다.그것은 현존하는 세계 최초의 영화라고 믿어진다.검은 옷을 입은 노부인은 영화 제작자 루이 르 프린스의 장모인 사라 휘틀리이다. 그녀는 이 장면이 촬영된 지 열흘 만에 사망했다.

필름 투영은 대부분 유리 렌즈를 이용한 마술 랜턴 쇼와 유리 슬라이드의 이미지를 벽에 투사하기 위한 지속적인 광원(예: 강력한 랜턴)에서 발전했습니다.이 슬라이드들은 원래 손으로 그린 것이지만, 19세기 사진술의 등장 이후, 때때로 스틸 사진이 사용되었다.실용적인 사진기구의 [4]발명은 영화보다 약 50년 앞서 있었다.

1833년, 조셉 플라토는 그의 판타스코프와 함께 스트로보 애니메이션의 원리를 소개했습니다.6년 후, 루이 다게르는 최초의 성공적인 사진 시스템을 도입했다.처음에는 움직이는 피사체를 제대로 포착할 수 있을 만큼 빛에 민감하지 않았다.Plato는 1849년에 스톱 모션 기술을 사용하여 입체 사진을 애니메이션으로 만드는 초기 방법을 제안했다.Jules Duboscq는 1852년에 단순화된 장치를 만들었지만 그다지 성공적이지 못했다.1850년대 후반의 순간 사진술의 초기 성공은 애니메이션 (스테레오) 사진 시스템을 개발하려는 새로운 희망을 불러일으켰지만, 이후 20년 동안 몇 번의 시도는 다시 한번 스톱 모션 기술을 사용했다.

1878년, Eadweard Muybridge는 달리는 말을 기록하기 위해 12대의 카메라를 사용했고, 작은 정지화면이 줄지어 있는 The Horse in Motion 캐비닛 카드로 출판된 결과로 세상을 놀라게 했다.다른 많은 사람들은 크로노포토그래피로 작업하기 시작했고 그 결과를 애니메이션으로 만들고 투영하려고 했다.Ottomar Anschutz는 1887년부터 그의 Electrotachyscope로 큰 성공을 거두었는데, 작은 우유 유리 스크린이나 동전 슬롯 뷰어 안에 매우 선명한 애니메이션 사진 이미지가 표시되면서 1894년에 큰 화면에 영상을 투영하기 시작했다.그의 녹음은 몇 초밖에 지속되지 않았고, 에디슨 컴퍼니는 1893년부터 키네토스코프 핍박스 영화관람기에서 약 20초 동안 지속될 수 있는 영화와 경쟁하도록 영감을 주었다.

사일런트 영화 시대

연극: 에디슨 스튜디오의 1904년 1분짜리 영화는 그해 2월 9일 현재의 인천 앞바다에서 일어난 케물포만 전투를 재연했다.

Muybridge, Marey, Le Prince의 작업은 영화 카메라, 프로젝터, 투명 셀룰로이드 필름의 미래 발전의 토대를 마련했고, 이는 오늘날 우리가 알고 있는 영화의 발전으로 이어졌다.1878년에 사진 건판을 처음 제조한 미국의 발명가 조지 이스트만은 1888년에 안정된 형태의 셀룰로이드 필름으로 성공을 거두었다.

영화 예술은 "침묵의 시대"에 완전히 성숙했다.무성 시대의 전성기는 특히 예술적 혁신으로 가득 찬 알찬 시기였다.고전 할리우드의 영화 운동과 프랑스 인상주의, 독일 표현주의, 소련 몽타주 등이 이 시기에 시작되었다.20, 21세기 영화 제작의 거의 모든 스타일과 장르가 무성 시대에 예술적 뿌리를 두고 있을 정도로 무성 영화 제작자들은 예술 형식을 개척했다.사일런트 시대는 기술적인 측면에서도 선구적인 시대였다.3점 조명, 클로즈업, 롱샷, 패닝, 연속 편집은 모두 1920년대 후반 무성 영화가 말하는 사진이나 토크리로 대체되기 훨씬 전에 널리 퍼졌다.일부 학자들은 1930년대 초반 영화감독, 배우, 제작진이 1930년대 [5]중반 무렵 새로운 "토키"에 완전히 적응할 때까지 영화의 예술성이 몇 년 동안 감소했다고 주장한다.

특히 1920년대에 제작된 무성 영화의 시각적 품질은 종종 높았지만, 이 영화들이 원시적이거나 현대 기준으로 [6]볼 때 거의 볼 수 없다는 오해가 널리 남아 있다.이러한 오해는 일반 대중이 미디어에 익숙하지 않은 것과 업계의 부주의에서 비롯된다.사일런트 필름은 대부분 보존 상태가 좋지 않아 변질되고, 보존 상태가 좋은 영화는 잘못된 속도로 재생되거나 검열 컷과 프레임과 장면이 없어 편집이 [7][8]잘 안 되는 것처럼 보이는 경우가 많다.많은 무성영화는 2세대 또는 3세대 복사본으로만 존재하며, 종종 이미 손상되고 방치된 필름 [5]재고로 만들어진다.또 다른 널리 알려진 오해는 무성영화에 색채가 부족하다는 것이다.사실, 색상은 사운드 영화의 처음 몇 십 년보다 무성 영화에서 훨씬 더 널리 퍼져 있었다.1920년대 초반에는 영화의 80%가 어떤 색상으로 보여질 수 있었습니다. 보통 필름 틴팅이나 톤닝, 심지어 손색상의 형태로 보여질 수 있었습니다. 하지만 키네마콜라와 [9]테크니컬러와 같은 꽤 자연스러운 두 가지 색상의 과정도 있었습니다.기존의 색채화 프로세스는 사운드 온 필름 기술의 채택으로 중단되었습니다.기존의 필름 색칠은 모두 어떤 형태로든 염료를 사용하는 것이었고, 내장된 녹음 음성에 필요한 높은 해상도를 방해했기 때문에 폐기되었습니다.30년대 중반에 도입된 혁신적인 3색 테크니컬러 공정은 비용이 많이 들고 한계가 많았으며, 색상은 거의 40년 동안 사일런트처럼 필름에 널리 퍼지지 않았습니다.

인터타이틀

칼리가리 박사의 내각(1920년)은 스타일화된 인터타이틀을 사용했다.

영화 상영 시간이 점차 늘어나면서 관객들에게 영화의 일부를 설명해 줄 사내 통역사의 대체가 필요했다.무성영화는 대화를 위한 동기화된 사운드가 없었기 때문에, 화면의 인터타이틀은 이야기의 요점을 서술하고, 주요 대화를 제시하고, 때로는 관객들을 위한 액션에 대한 논평까지 하기 위해 사용되었다.타이틀 라이터는 사일런트 영화의 핵심 전문가가 되었고 종종 이야기를 만든 시나리오 작가와 별개였다.인터타이틀(또는 그 당시 일반적으로 불렸던 타이틀)은 종종 그래픽 요소 그 자체였으며,[10][11][citation needed] 액션에 대해 코멘트하는 일러스트나 추상적인 장식을 특징으로 했다.

라이브 음악 및 기타 사운드 반주

무성영화 상영은 1895년 12월 28일 파리에서 루미에르 형제의 첫 공개 상영을 시작으로 거의 항상 라이브 음악을 특징으로 했다.이것은 1896년 뉴욕시의 코스터와 비알 뮤직홀에서 열린 미국 최초의 영화 전시회에 의해 더욱 확대되었다.이 행사에서 에디슨은 모든 전시회에 [12]오케스트라가 함께해야 한다는 선례를 만들었다.처음부터, 음악은 필수적인 것으로 인식되었고, 기여하는 분위기였고, 청중들에게 중요한 감정적 신호를 주었다.음악가들은 비슷한 이유로 촬영 중에 종종 영화 촬영장에서 연주를 했다.그러나 전시장 규모에 따라 반주 규모가 [4]크게 달라질 수 있다.작은 마을과 인근 영화관에는 보통 피아니스트가 있었다.1910년대 중반부터 대도시의 극장에는 오르간 연주자나 합주단이 있는 경향이 있었다.단순한 피아노 독주자와 더 큰 오케스트라의 공백을 메우기 위해 고안된 거대한 극장 오르간은 다양한 특수 효과를 가지고 있었다.유명한 "마이티 워리처"와 같은 연극 기관들은 베이스 드럼과 심벌즈와 같은 여러 타악기 효과와 함께 몇몇 관현악 소리를 흉내 낼 수 있고, "열차와 보트 휘파람 소리부터 자동차 경적과 새의 휘파람 소리까지; 심지어 권총 소리, 전화벨 울리는 소리, 파도 소리, 말 울리는 소리까지 다양한 음향 효과를 흉내 낼 수 있다.도자기를 부수고 천둥과 비를 동반한다.[13]

초기 무성영화의 악보는 즉석 또는 클래식 또는 연극 레퍼토리 음악을 취합했다.하지만, 일단 완전한 기능이 보편화되자, 음악은 피아니스트, 오르간 연주자, 오케스트라 지휘자 혹은 영화 스튜디오 자체에 의해 포토플레이 음악에서 편집되었고, 영화에는 영화 큐시트가 포함되어 있었다.이 시트들은 종종 효과와 관찰해야 할 분위기에 대한 상세한 메모와 함께 장황했다.조셉 칼 브레이일이 D를 위해 작곡한 대부분 오리지널 악보부터 시작합니다. W. 그리피스의 서사시 The Birth of a Nation (1915년)에서 가장 많은 예산이 투입된 영화들이 독창적이고 특별히 작곡된 [14]악보를 가지고 전시관에 도착하는 것은 비교적 흔한 일이 되었다.하지만, 최초의 악보는 사실 1908년에 카밀 생-상스의 [15]기즈 공작 암살과 미하일 이폴리토프-이바노프의 스텐카 라진 암살에 의해 작곡되었다.

오르간 연주자나 피아니스트가 악보를 사용했을 때, 그들은 여전히 즉흥적인 흥을 더해 스크린에서 드라마를 고조시킬 수 있다.악보에 특수효과가 표기되지 않았더라도 오르간 연주자가 달리기와 같은 특이한 음향효과를 낼 수 있는 연극 오르간을 연주했다면 극적인 말 쫓기 장면에 사용했을 것이다.

침묵의 시대가 한창일 때, 영화는 적어도 미국에서는 기악 음악가들에게 가장 큰 고용원이었다.하지만, 거의 동시에 시작된 대공황과 함께, 토키의 도입은 많은 음악가들에게 파괴적이었다.

많은 나라들이 무성영화에 소리를 내는 다른 방법들을 고안했다.예를 들어, 브라질의 초기 영화에는 피타 칸타타(노래하는 영화)와 가수들이 스크린 [16]뒤에서 공연하는 오페레타가 등장했습니다.일본에서 영화에는 라이브 음악뿐만 아니라 해설과 캐릭터 목소리를 제공하는 라이브 내레이터인 벤시(benshi)도 있었다.벤시는 일본 영화의 중심 요소가 되었고, 외국([17]대부분 미국) 영화의 번역을 제공했다.벤시의 인기는 일본에서 1930년대까지 무성영화가 잘 유지된 이유 중 하나였다.반대로, 벤시 내레이션 영화는 종종 인터타이틀이 부족하기 때문에, 현대의 관객들은 때때로 전문 자막이나 추가 해설 없이 줄거리를 따라가기가 어려울 수 있다.

1980년부터 현재까지 복원 점수를 획득하다

무성시대부터 살아남은 영화 악보는 거의 없고 음악학자들은 남아 있는 악보를 정확하게 재구성하려 할 때 여전히 의문점에 직면해 있다.현재 무성영화의 재발행이나 상영에 사용되는 악보는 작곡의 완전한 재구성, 경우에 맞게 새로 작곡, 기존의 음악 도서관에서 조립, 또는 무성시대 연극음악가의 방식으로 즉석에서 즉흥적으로 작곡하는 것일 수 있다.

무성영화의 채점에 대한 관심은 1960년대와 1970년대에 다소 구식이었다.많은 대학 영화 프로그램과 레퍼토리 영화관에서 관객들은 음악에 방해받지 않는 순수한 시각 매체로써 사일런트 영화를 경험해야 한다는 믿음이 있었다.이러한 믿음은 그 시대의 많은 무성영화에서 발견되는 음악 트랙의 낮은 품질로 인해 고무되었을지도 모른다.1980년경부터, 고품질의 음악 점수를 가진 무성 영화를 선보이고자 하는 관심이 되살아났다(기간 악보나 큐시트의 재작성, 또는 적절한 오리지널 악보의 구성.이런 종류의 초기 노력은 1980년 케빈 브라운로우의 아벨 간스의 나폴레온 복원(1927년)으로, 칼 데이비스의 악보가 특징이다.브라운로우의 복원 작업을 약간 재편집하고 속도를 높인 버전이 나중에 프란시스 포드 코폴라에 의해 미국에서 배포되었고 그의 아버지 카마인 코폴라가 작곡한 오케스트라 악보가 실황으로 연주되었다.

1984년, 프로듀서 겸 작곡가인 조르지오 모로더에 의한 새로운 록 음악 악보와 함께 메트로폴리스의 편집된 복원판이 발표되었습니다.프레디 머큐리, 팻 베나타, 그리고 예스의 존 앤더슨의 팝송을 포함한 동시대 악보가 논란이 되었지만, 고전 무성 영화의 발표에 대한 새로운 접근의 문이 열렸다.

오늘날, 많은 수의 독주자, 음악 앙상블, 오케스트라가 국제적으로 [18]무성 영화를 위해 전통적이고 현대적인 악보를 연주한다.전설적인 연극 오르간 연주자 게이로드 카터는 2000년 사망하기 직전까지 그의 원래 무성영화 음악을 계속 연주하고 녹음했다. 그 음악 중 일부는 DVD 재발행으로 구할 수 있다.전통적인 접근방식의 다른 공급자로는 Dennis James와 같은 오르간 연주자와 Neil Brand, Günter Buchwald, Philip C와 같은 피아니스트가 있습니다.칼리, 벤 모델, 윌리엄 P. Perry. Stephen Horne과 Gabriel Tibaudeau와 같은 다른 현대 피아니스트들은 종종 보다 현대적인 방식으로 악보를 연주해왔다.

칼 데이비스와 로버트 이스라엘 같은 오케스트라 지휘자들은 수많은 무성 영화의 악보를 쓰고 편집했다; 그들 중 많은 수가 터너 클래식 무비에서 상영되거나 DVD로 개봉되었다.데이비스는 빅 퍼레이드(1925년)와 플레쉬 앤 더 데빌(1927년)과 같은 고전 사일런트 드라마의 새로운 악보를 작곡했다.이스라엘은 해롤드 로이드, 버스터 키튼, 찰리 체이스 등의 영화를 제작하며 주로 사일런트 코미디로 활동해왔다.티모시 브록은 새로운 악보를 작곡하는 것 외에도 찰리 채플린의 악보를 많이 복원했다.

현대 음악 앙상블은 다양한 음악 스타일과 접근 방식을 통해 고전 무성 영화를 더 많은 관객들에게 소개하는데 도움을 주고 있다.어떤 연주자들은 전통 악기를 사용하여 새로운 작곡을 하는 반면, 다른 연주자들은 관람 경험을 향상시키기 위해 전자 소리, 현대 화음, 리듬, 즉흥 연주 그리고 사운드 디자인 요소들을 추가한다.이 카테고리의 현대 앙상블 중에는 Un Drame Musical Instantané, Allie Orchestra, Club Foot Orchestra, Silent Orchestra, Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima, Caspervek Trio, RPM Orchestra 등이 있습니다.도널드 소신과 그의 아내 조안나 시튼은 무성영화에 보컬을 추가하는 것을 전문으로 하며, 특히 실제 노래를 듣는 것으로부터 혜택을 받는 스크린에서 노래를 부르는 것을 전문으로 한다.이 카테고리의 영화로는 그리피스의 레이디 오브 더 페이브먼트, 에드윈 카레웨의 돌로레스 델 리오, 루퍼트 줄리안 감독의 메리 필빈과 버지니아 [citation needed]피어슨이 출연한 오페라의 유령 등이 있다.

사일런트 필름 사운드 앤 뮤직 아카이브는 사일런트 필름용 악보와 큐시트를 디지털화하여 연주자, 학자, [19]매니아들이 사용할 수 있도록 합니다.

연기법

"미국 영화계의 퍼스트 레이디"인 릴리안 기쉬는 1912년부터 1987년까지 가장 긴 경력 중 하나로 침묵 시대의 주연 배우였다.

사일런트 영화 배우들은 몸짓과 표정을 강조하여 관객들이 스크린에서 느끼고 묘사하는 것을 더 잘 이해할 수 있도록 했다.많은 무성 영화 연기는 현대 관객들에게 단순하거나 진부한 인상을 주기 쉽다.멜로드라마의 연기 스타일은 어떤 경우에는 그들의 이전 무대 경험에서 옮겨온 습관적인 배우였다.보드빌은 많은 미국 무성 영화 [4]배우들에게 특히 인기 있는 기원이었다.1917년 마셜 닐런 감독이 "사진에 나온 무대 인물은 빨리 나올수록 사진에 더 좋다"고 격앙된 무대 배우들의 존재가 널리 퍼진 것이 그 원인이었다.다른 경우에서는, 존 그리피스 브레이와 같은 감독들이 그들의 배우들에게 강조를 위해 실제보다 더 큰 표현을 하도록 요구했습니다.1914년부터, 미국 시청자들은 스크린에서 더 [20]큰 자연스러움에 대한 그들의 선호도를 알리기 시작했다.

론 채니(1913년-1930년)는 역사상 가장 재능 있는 스피넷 캐릭터 배우 중 한 명이었다.신체적으로 가장 괴상한 캐릭터로 변신하는 그의 독특한 능력은 그에게 "천 개의 얼굴의 사나이"[21]라는 보편적인 이름을 갖게 했다.

무성영화는 무대와 스크린의 차이가 뚜렷해지면서 1910년대 중반에 덜 보드빌리즘적으로 변했다.D 등 감독님의 업무로 인해. 그리피스는 촬영이 무대처럼 되지 않았고 클로즈업의 발달로 절제되고 사실적인 연기가 가능해졌다.릴리안 기쉬는 무대와 스크린 연기의 결정적인 차이점을 인식하며 새로운 영화 연기 기법을 개척해 이 시기 그녀의 작품으로 영화의 "최초의 진정한 여배우"로 불려왔다.Albert Capellani와 Maurice Tourneur와 같은 감독들은 그들의 영화에서 자연주의를 주장하기 시작했다.1920년대 중반까지 많은 미국 무성 영화들이 보다 자연주의적인 연기 스타일을 채택했지만, 비록 모든 배우들과 감독들이 자연스럽고 절제된 연기를 바로 수용하지는 않았다; 1927년 후반까지, 메트로폴리스와 같은 표현주의적인 연기 스타일을 특징으로 하는 영화들이 여전히 [20]개봉되었다.1926년에 데뷔한 그레타 가르보는 자연주의 연기로 유명해졌다.

버클리 캘리포니아 대학의 무성 영화 학자인 Anton Kaes에 따르면, 미국 무성 영화는 독일 무성 영화에서 발견되는 기술에 영향을 받아 1913년과 1921년 사이에 연기 기법의 변화를 보기 시작했다.이는 바이마르공화국에서 영화감독, 프로듀서, 카메라맨, 조명, 무대기술자, 배우 등 이민자들이 유입된 것이 주된 원인이다.[22]

투영 속도

1926년부터 1930년 사이에 사운드 필름의 투사 속도가 초당 24프레임(fps)으로 표준화되기 전까지, 사일런트 필름은 연도 및 [23]스튜디오에 따라 12~40fps의 다양한 속도(또는 "프레임 레이트")로 촬영되었습니다."표준 사일런트 필름 속도"는 종종 루미에르 형제의 시네마토그래프의 결과로 16 fps라고 하지만, 업계 관행은 상당히 다양했다; 실제 표준은 없었다.에디슨의 직원인 윌리엄 케네디 로리 딕슨은 놀라울 정도로 빠른 [4]초당 40프레임에 만족했다.게다가 당시의 카메라맨들은 크랭킹 기술이 정확히 16fps라고 주장했지만, 현대의 필름 검사 결과 이는 잘못된 것이며, 종종 더 빨리 크랭킹된다는 것을 알 수 있었다.사일런트 필름은 의도된 속도로 조심스럽게 보여주지 않으면 부자연스럽게 빠르거나 느려 보일 수 있다.그러나 일부 장면은 특히 코미디와 [23]액션 영화의 경우 액션을 가속화하기 위해 촬영 중에 의도적으로 언더크랭크를 적용했다.

프랑스 뤼미에르 연구소의 시네마토그래프 루미에르 씨.그러한 카메라에는 오디오 기록 장치가 내장되어 있지 않았다.

셀룰로오스 질산염 베이스 필름의 느린 투사에는 각 프레임이 투사 램프의 강한 열에 장시간 노출되기 때문에 화재의 위험이 있었습니다. 그러나 필름을 더 빠른 속도로 투사해야 하는 다른 이유가 있었습니다.종종 투영사들은 배급사로부터 특정 릴이나 장면을 얼마나 빨리 [23]투영해야 하는지에 대한 음악감독의 큐시트에 대한 일반적인 지시를 받았다.드문 경우지만, 보통 대규모 제작의 경우, 프로젝터 전용으로 제작된 큐시트가 영화 상영에 대한 자세한 지침을 제공했습니다.또한 영화관은 수익을 극대화하기 위해 하루 중 시간이나 영화의 [24]인기에 따라 또는 정해진 [23]시간대에 영화를 맞추기 위해 다양한 투영 속도를 보이기도 했습니다.

모든 영화 필름 프로젝터에는 필름이 움직이는 동안 빛을 차단하기 위해 움직이는 셔터가 필요합니다. 그렇지 않으면 이미지가 움직이는 방향으로 흐려집니다.다만, 이 셔터는 화상의 흔들림을 일으켜, 흔들림이 적은 화상은 보기 매우 불쾌합니다.키네토스코프 기계에 대한 토마스 에디슨의 초기 연구에 따르면 초당 46개 이하의 영상 속도는 "눈을 피로하게 할 것"[23]이라고 밝혀졌으며, 이는 정상적인 영화 조건에서의 투영 영상에도 해당됩니다.Kinetoscope에 채택된 솔루션은 필름을 초당 40프레임 이상으로 구동하는 것이었지만, 이는 필름에 대한 비용이 많이 들었습니다.다만, 듀얼 블레이드 및 트리플 블레이드 셔터를 탑재한 프로젝터를 사용하면, 필름 프레임의 수보다 2, 3배 높은 플리커 레이트를 얻을 수 있습니다.각 프레임은 화면에 2회 또는 3회 플래시 됩니다.16fps 필름을 투사하는 세 개의 블레이드 셔터는 관객들에게 초당 48개의 이미지를 제공하면서 에디슨의 수치를 약간 능가할 것이다.사일런트 시대에는 프로젝터가 일반적으로 3블레이드 셔터를 장착했습니다.표준속도 24프레임/초의 2블레이드 셔터를 갖춘 사운드가 도입된 이후, 3블레이드 셔터는 16mm 및 8mm 프로젝터에서 표준으로 유지되고 있습니다.이 프로젝터는 아마추어 촬영 시 16프레임 또는 18프레임/초로 촬영하는 데 자주 사용되고 있습니다.35mm 필름 프레임률이 24fps이면 초당 [25]456mm(18.0인치) 필름 속도가 됩니다.1개의 1,000피트(300m) 릴은 24fps로 투영하는 데 11분 7초가 소요되며, 같은 릴의 16fps 투영에는 [23]16분 40초 또는 초당 304밀리미터(12.0인치)가 소요됩니다.

1950년대에, 많은 무성 영화들이 방송 TV를 위해 엄청나게 부정확한 프레임률로 변환되면서 [26]시청자들을 멀어지게 했을지도 모른다.영화 속도는 오늘날 사일런트 발표에서 학자들과 영화광들 사이에서 종종 골치 아픈 문제이며, 특히 2002년 메트로폴리스 [27]복원 때와 같이 복원된 영화의 DVD 출시와 관련하여 더욱 그렇다.

착색

주요 기사:필름 틴팅
프리드리히 페허 주연의 칼리가리 박사의 내각의 한 장면 - 호박색 영화의 예

무음시대의 영화들은 자연스러운 색채 처리가 부족하여 염료에 자주 담그고 다양한 색조와 색조를 염색하여 분위기를 나타내거나 하루 중 시간을 표현하였다.손 색칠은 에디슨이 엄선한 나비춤의 손으로 색칠한 판화를 발매하면서 미국에서 1895년으로 거슬러 올라간다.또한, 컬러 필름에 대한 실험은 1909년에 시작되었지만, 컬러 필름에 대한 실험은 산업에 의해 채택되고 효과적인 과정이 [4]개발되기까지는 훨씬 더 오랜 시간이 걸렸다.파란색은 야경을, 노란색이나 황색은 낮이라는 의미였다.빨간색은 불을, 녹색은 신비로운 분위기를 표현했다.마찬가지로 특수 용액에 의한 필름의 색조화(세피아 색조의 일반적인 사일런트 필름의 일반화 등)는 필름 스톡 내의 은 입자를 다양한 색상의 염료 또는 염료로 대체했다.틴팅과 토닝의 조합은 놀라운 효과로 사용될 수 있다.

에디슨 스튜디오의 아나벨 서펜타인 댄스 같은 몇몇 영화들은 손으로 그린 것이다.브로드웨이 출신의 젊은 댄서인 아나벨 휘트포드는 [28]춤을 추면서 색이 변하는 것처럼 보이는 하얀 베일을 입고 있다.이 기술은 1891년 시작된 Loie Fuller의 라이브 공연의 효과를 포착하기 위해 고안되었으며, 무대 조명과 컬러 젤이 그녀의 하얗게 흐르는 드레스와 소매를 예술적인 [29]움직임으로 변화시켰다.손 색칠은 유럽의 초기 "꼼수"와 판타지 영화, 특히 조르주 멜리에스의 영화에서 자주 사용되었다.멜리에스는 1897년부터 그의 작품을 손으로 물들이기 시작했고 1899 Cendrillion (신데렐라)와 1900 Jeanne d'Arc (Joan of Arc)는 그 색이 장면이나 미장센의 중요한 부분이었던 손으로 그린 영화의 초기 예를 제공한다; 그러한 정확한 색칠은 파리 여성 예술가들의 엘리자베스 트윌리에의 작업실을 사용했다.스텐실 [30]가공의 일반적인 공정(및 비용 절감)을 사용하지 않고 손으로 각 프레임에 색상의 층을 딩합니다.1902년에 발매된 멜리에스의 '달로 떠나는 여행'의 새로 복원된 버전은 이미지에 [31]질감과 흥미를 더하기 위해 고안된 풍부한 색채 사용을 보여준다.

1908년 필름 공급 카탈로그에 실린 한 미국 배급사의 논평은 초기 무성 시대 동안 프랑스가 수채화 영화 분야에서 계속 우위를 점했음을 더욱 강조한다.배급사는 Pathé, Urban-Eclipse, Gaumont, Kalem, Itala Film, Ambrosio Film 및 Selig의 "고급" 영화를 다양한 가격에 판매합니다.카탈로그에 수록되어 있는 더 길고 명망 있는 영화들 중 몇 편은 "수공으로 칠한" [32]색상과 함께 표준 흑백 "일반 재고"로 제공되고 있다.예를 들어 1907년 개봉된 벤 허의 일반 사본은 120달러(현재 미화 3,619달러)에 제공되며, 같은 1000피트 15분짜리 영화의 컬러 버전은 [32]피트당 15센트에 달하는 추가 컬러링 요금을 포함하여 270달러(8,143달러)에 판매된다.고객에게 추가 요금이 부과된 이유는 분명했지만, 유통업자는 카탈로그의 컬러 필름 가격이 상당히 비싸고 배송에 시간이 더 걸리는 이유를 설명합니다.또한 그의 설명은 1908년까지 미국의 일반적인 영화 컬러링 서비스 상태에 대한 통찰력을 제공합니다.

1908년 벤 허의 핸드 컬러 인쇄 가격

영화 필름의 색칠은 미국에서는 만족할 수 없는 작업이다.16개의 사진 하나하나를 발에 직접 손으로 그리거나 1,000피트의 영화마다 16,000개의 개별 사진을 그려야 하는 엄청난 양의 노동력을 고려하면, 극소수의 미국 컬러리스트들이 어떤 대가를 치르더라도 그 작업을 맡을 것이다.
프랑스에서 필름 착색이 다른 어느 나라보다 훨씬 더 빠르게 진행되었기 때문에, 우리의 모든 착색은 파리의 최고의 착색 시설에서 이루어졌으며, 우리는 심지어 다른 곳에서 [32]작업했을 때보다 미국제 필름에 착색하는 데 있어서도 더 좋은 품질, 더 저렴한 가격, 그리고 더 빠른 배송을 얻을 수 있다는 것을 알게 되었다.

1910년대 초, 장편 영화의 시작과 함께, 틴팅은 음악만큼이나 흔한 또 다른 분위기 조성제로 사용되었다.D감독님. W. 그리피스는 색에 대한 지속적인 관심과 관심을 보였고, 그의 많은 영화에서 색칠을 특수 효과로 사용했다.그의 1915년 서사시, 국가의 탄생은 호박, 파란색, 라벤더, 그리고 "애틀랜타의 불타기"와 사진의 절정에서 쿠 클럭스 클랜을 타는 것과 같은 장면에서 인상적인 붉은 색조를 포함한 많은 색들을 사용했다.그리피스는 나중에 컬러를 얻기 위해 화면의 영역에 컬러 라이트를 비추는 컬러 시스템을 발명했다.

사운드 온 필름 기술의 발달과 업계의 수용으로, 색칠 공정에서 사용되는 염료가 필름 [4]스트립의 사운드 트랙을 방해했기 때문에 색칠은 완전히 포기되었다.

초기 스튜디오

초기 스튜디오는 뉴욕 시에 위치해 있었다.Edison Studios는 뉴저지의 West Orange에 처음 있었고, 뉴욕 브롱크스로 옮겨졌다.Fox (1909)와 Biograph (1906)는 맨해튼에서 Staten Island의 St George에 스튜디오를 가지고 시작했다.다른 영화들은 뉴저지의 포트 리에서 촬영되었다.1908년 12월, 에디슨은 영화 산업을 통제하고 소규모 제작자들을 배제하기 위한 시도로 영화 특허 회사의 설립을 이끌었다.에디슨 트러스트는 에디슨, 바이오그래프, 에사네이 스튜디오, 칼렘 컴퍼니, 조지 클라인 프로덕션, 루빈 스튜디오, 조르주 멜리에스, 패테, 셀리그 스튜디오, 비타그래프 스튜디오로 구성되어 제너럴 필름 컴퍼니를 통해 독점 배급되었다.이 회사는 수직과 수평의 독점으로서 업계를 지배하고 있으며, 스튜디오의 서부 해안으로의 이주에 공헌하고 있습니다.1915년 10월 영화특허회사와 제너럴필름은 반독점법 위반으로 유죄판결을 받고 해산했다.

탄하우저 영화 스튜디오는 1909년 미국 연극계의 거장 에드윈 탄하우저에 의해 뉴욕 뉴로셸에 설립되었다.이 회사는 1910년에서 1917년 사이에 1,086편의 영화를 제작하고 개봉했는데,[33] 1914년에 개봉된 최초의 영화 시리즈인 밀리언 달러 미스터리를 포함한다.첫 번째 서부 영화는 스태튼 아일랜드 사우스 비치에 있는 프레드 스콧의 영화 목장에서 촬영되었다.카우보이 복장을 한 배우들과 아메리카 원주민들이 국경의 큰길, 다양한 무대 마차, 56피트 높이의 울타리가 있는 스콧의 영화 목장 세트장을 질주했다.그 섬은 사하라 사막과 영국 크리켓 경기장처럼 다양한 장소에 서비스 가능한 대역을 제공했다.전쟁 장면은 스태튼 섬의 그라미어 평원에서 촬영되었다.폴린의 위험과 훨씬 더 인기 있는 속편인 일레인의 익스플로잇은 주로 섬에서 촬영되었다.에드윈 S. 포터 컴퍼니가 제작한 1906년 블록버스터 영화 '라이프 오브 어 카우보이'도 1912년경에 서부 해안으로 영화를 옮겼다.

미국에서 가장 많은 수익을 올린 무성 영화

국가의 탄생을 위한 포스터 (1915년)
벤허 포스터 (1925년)

다음은 1932년 당시 가장 높은 총 수입을 올린 무성영화 시대의 미국 영화들이다.주어진 금액은 전시 [34]총액이 아닌 총 임대료(배급업자의 박스 오피스 점유율)입니다.

제목 연도 디렉터 총임대료
국가의 탄생 1915 D. W. 그리피스 $10,000,000
빅 퍼레이드 1925 비도르 왕 $6,400,000
벤허 1925 프레드 니블로 $5,500,000
더 키드 1921 찰리 채플린 $5,450,000
다운 이스트 1920 D. W. 그리피스 $5,000,000
시티 라이트 1931 찰리 채플린 $4,300,000
골드 러시 1925 찰리 채플린 $4,250,000
서커스 1928 찰리 채플린 $3,800,000
덮인 마차 1923 제임스 크루즈 $3,800,000
노틀담의 꼽추 1923 월리스 워슬리 $3,500,000
십계명 1923 세실 B.데밀 $3,400,000
폭풍의 고아들 1921 D. W. 그리피스 $3,000,000
제발. 1926 샘 테일러 $2,600,000
파멸의 길 1928 노턴 S. 파커 $2,500,000
세븐스 헤븐 1928 프랭크 보르자지 $2,500,000
어떤 가격 영광? 1926 라울 월시 $2,400,000
아비에의 아이리쉬 로즈 1928 빅터 플레밍 $1,500,000

사운드 시대에는

전이

비록 싱크로 사운드 모션 영화를 만들려는 시도는 1896년 에디슨 연구소로 거슬러 올라가지만, 1920년대 초반부터 진공관 앰프와 고품질 확성기와 같은 기본적인 기술이 사용 가능해졌다.이후 몇 년 동안 Photokinema(1921), Phonofilm(1923), Vitaphone(1926), Fox Movietone(1927) 및 RCA Photophone(1928)과 같은 여러 경쟁 사운드 온 디스크 및 사운드 온 필름 사운드 포맷을 설계, 구현 및 판매하기 위한 경쟁이 벌어졌습니다.

워너 브라더스는 영화 제작의 요소로서 사운드를 받아들인 최초의 스튜디오였으며,[4] 이를 위해 사운드 온 디스크 기술인 비타폰을 활용했다.그 후 스튜디오는 1927년에 재즈 싱어를 개봉했는데, 이것은 상업적으로 성공한 최초의 사운드 영화를 기록했지만, 무성 영화는 1927년과 1928년에 개봉된 대부분의 특징이었고, 소위 염소가 들어간 영화들, 즉 사운드 필름의 일부분이 삽입된 사일런트 영화들이었다.따라서 현대의 사운드 영화 시대는 1929년에 시작된 것으로 간주될 수 있다.

주목할 만한 사일런트 시대의 영화 목록은 영화 시작부터 1928년까지의 연도별 영화 목록을 참조하십시오.아래 목록은 소리 없는 특정 예술적 의도를 가진 사운드 시대에 제작된 영화만 포함합니다.

나중의 호메이지

찰리 채플린과 모던타임즈, 오손 웰즈, 무슈 훌로, 피에르 에타이와 멜 브룩스와 사일런트(1976년) 등 사일런트 시대의 희극에 경의를 표했다.대만 감독 허우샤오셴의 극찬을 받은 드라마 '3회'(2005)는 중간 3회 동안 인터타이틀이 완결된 침묵이다. 스탠리 투치의 '사기꾼'은 초기 사일런트 코미디 스타일로 오프닝 사일런트 시퀀스를 가지고 있다.브라질 영화감독 레나토 팔캉의 마가렛 축제(2003)는 조용하다.작가/감독 Michael Pleckaitis는 사일런트 (2007)로 장르에 자신만의 반전을 두었다.미스터 빈은 침묵하지 않지만, 이 드라마와 영화들은 비슷한 유머 스타일을 만들기 위해 주인공의 말을 하지 않는 성질을 사용했다.잘 알려지지 않은 예는 제롬 사바리의 La fille du garde-barrier (1975년)로, 중간 제목을 사용하고 코미디, 드라마, 노골적인 섹스 장면을 혼합한 무성 시대 영화에 대한 오마주이다.

1990년에 찰스 레인은 감성적인 무성 코미디, 특히 찰리 채플린의 "The Kid"에 대한 저예산 경례인 "보도 이야기"를 감독하고 주연했다.

독일 영화 투발루는 대부분 침묵이다.대화량이 적은 것은 유럽 언어들의 기묘한 혼합으로 영화의 보편성을 증가시킨다.Guy Maddin은 그의 단편 The Heart of the World로 소련 시대의 무성 영화에 대한 존경으로 상을 수상했으며, 그 후 그는 라이브 폴리 예술가, 내레이션, 오케스트라가 포함된 장편 무성 영화인 Brand Upon the Brain! (2006년)을 만들었다.뱀파이어의 그림자 (2000)는 프리드리히 빌헬름 무나우의 고전적인 침묵 뱀파이어 영화 노스페라투 (1922)의 촬영을 고도로 허구화한 작품이다.베르너 헤르조그는 같은 영화를 자신의 버전인 노스페라투에서 기렸다. 팬텀 데 나흐트(1979년).

무성영화 시대와 토키 시대를 정면으로 대비시키는 영화도 있다.선셋 대로(Sunset Boulevard)는 무성영화 스타 글로리아 스완슨이 연기하는 노마 데스몬드와 Singin' in the Rain의 캐릭터에서 두 시대의 단절을 보여준다.피터 보그다노비치의 1976년 영화 '니켈로디언'은 1910년대 초 할리우드의 무성 영화 제작의 혼란을 다루고 있으며, 이는 D의 개봉으로 이어졌다. W. 그리피스의 서사시 국가의 탄생(1915).

1999년 핀란드 영화감독 아키 카리스메키는 대화 대신 인터타이틀을 사용하여 무성영화의 스타일을 담은 흑백으로 후하를 제작했다.해외 유통을 [37]위해 여러 언어로 된 제목을 가진 특별 릴리즈 프린트가 제작되었습니다.인도에서 카말 하산이 주연한 영화 푸쉬팍은 대화가 전혀 없는 블랙 코미디였다.[38]호주 영화 닥터 플롱크는 롤프 드 헤어가 감독한 사일런트 코미디이다.무대극은 무성 영화 스타일과 소스를 이용해 왔다.배우이자 작가인 빌리 반 잔트와 제인 밀모어는 사일런트 스크린 [39]시대에 대한 라이브 액션 헌사로서 오프 브로드웨이 슬랩스틱 코미디 사일런트 로프를 무대에 올렸다.Geoff Sobelle과 Trey Lyford는 All Wear Bowlers(2004)를 제작하고 주연을 맡았습니다.이 영화는 로렐과 하디에 대한 오마주로 시작되었고, 이후 실제 액션과 [40]은막 사이를 오가는 Sobelle과 Lyford의 실제 크기의 사일런트 필름 시퀀스를 포함하도록 진화했습니다.음악을 배경으로 한 8개의 다른 애니메이션 영화 판타지아(1940년)는 대화와 관련된 단 한 장면만 있는 무성영화로 간주될 수 있다.첩보 영화 도둑은 음악과 음향 효과는 있지만, 1974년 티에리 제노의 꽃병 드 노체스와 1982년 패트릭 보카노스키의 천사처럼 대화는 없다.

2005년, H. P. 러브크래프트 역사 협회는 러브크래프트의 이야기인 Cthulhu의 호출의 무성 영화 버전을 제작했습니다.이 영화는 시대정확한 촬영 스타일을 유지했고, "지금까지 최고의 HPL 각색"과 "사일런트 영화"로 제작 결정을 언급하며 "훌륭한 자부심"[41]이라는 평가를 받았다.

미셸 하자나비시우스가 쓰고 감독한 프랑스 영화 아티스트는 무성영화로 상영되며 무성시대를 배경으로 하고 있다.그것은 또한 주인공들이 [42]출연하는 가상의 무성 영화의 일부도 포함하고 있다.

일본 흡혈귀 영화 상구식(2011)은 무성영화 스타일뿐만 아니라 관현악기 [43][44]실황으로 순회공연까지 했다.유진 채드본은 이 [45]영화를 위해 라이브 음악을 연주한 사람들 중 한 명이다.

블랑카니베스는 2012년 개봉한 스페인의 흑백 무성 판타지 드라마 영화이다.

2006년에 시작된 미국 장편 무성영화 '사일런트 라이프'는 이사벨라 로셀리니와 밀라 조보비치의 어머니 갈리나 조보비치가 2013년에 초연할 예정이다.이 영화는 할리우드 최초의 "위대한 연인"으로 알려진 무성 스크린의 아이콘 루돌프 발렌티노의 삶을 바탕으로 한다.긴급 수술 후 발렌티노는 현실을 제대로 파악하지 못하고 혼수상태의 관점에서 할리우드에서의 그의 삶의 기억을 현실과 [46][47]환상 사이의 마법의 관문인 영화 궁전에서 상영되는 무성 영화처럼 보기 시작한다.

피크닉은 2012년 2릴짜리 무성 멜로 드라마와 코미디 스타일로 제작된 단편 영화이다.그건 전시회의 일부였어요, 관객 없음: 스미소니언 아메리칸 아트 [48]뮤지엄의 렌윅 갤러리가 큐레이션한 2018-2019년 전시회 'The Art of Burning Man'입니다.이 영화는 12인승의 미니어처 아트 데코 영화 궁전 안에서 상영되었는데, 오클랜드 예술 집단인 파이브 톤 크레인이 만든 캐피톨 극장이라고 불린다.

2013년 사일런트 영화 코미디에 대한 오마주인 단편 영화가 있다.

2015년 영국 애니메이션 영화 숀 더 쉬프 무비가 긍정적인 평가를 받으며 흥행에 성공했다.땅만 애니메이션은 또한 다른 많은 무성 단편 영화뿐만 아니라 Morph와 Timmy Time을 제작했다.

미국 연극 오르간 협회는 무성 영화의 음악뿐만 아니라 그러한 음악을 연주한 극장 오르간에도 경의를 표합니다.75개 이상의 지역 지부가 있는 이 단체는 연극 오르간과 음악을 예술 [49]형태로 보존하고 홍보하고자 합니다.

Globe International Silent Film Festival(GISFF; 글로브 국제사일런트영화제)은 매년 영화 내 이미지와 분위기에 초점을 맞춘 행사로,[50] 이 분야에서 활약하는 영화인들의 영화를 선보이고 심사하는 플랫폼이다.2018년 크리스토퍼 애니노 감독은 현재 국제적으로 상을 받은 [51][52][53]사일런트 타임즈 장편 무성 영화를 촬영했다.이 영화는 데이비드 블레어가 연기한 키스톤 사무관과 찰리 채플린 역을 맡은 엔지오 마르첼로를 포함한 1920년대의 많은 인물들에게 경의를 표한다.사일런트 타임즈는 오니로스 영화제에서 최우수 무성영화상을 수상했다.뉴잉글랜드의 작은 마을을 배경으로 하는 이 이야기는 보드빌 극장 주인이 된 작은 사기꾼 올리버 헨리 3세(웨스터리 출신 제프 블랑셰트가 연기)를 중심으로 한다.영국에서 초라한 시작부터 그는 행복과 빠른 현금을 찾아 미국으로 이민을 간다.그는 그의 재산이 증가하고 그의 삶이 걷잡을 수 없이 돌아가면서, 화려한 연주자, 마임, 부랑자, 세련된 플래퍼걸에 이르기까지 모든 계층의 사람들을 알게 된다.

보존 및 유실 필름

상세 정보:유실 필름 및 필름 보존
재난의 생존자들이 등장하는 타이타닉호(1912년)의 스틸.그것은 이제 잃어버린 영화로 여겨지는 사람들 중 하나이다.

19세기 말과 20세기 초에 제작된 대부분의 무성 영화들은 잃어버린 것으로 여겨진다.미국 의회도서관이 2013년 9월 발간한 보고서에 따르면 미국 무성 장편 영화의 70%가 [54]이 범주에 속한다.이 수치가 높은 이유는 여러 가지가 있다.몇몇 영화들은 의도치 않게 손실되기도 했지만, 대부분의 무성 영화들은 고의로 파괴되었다.사일런트 시대의 종말과 홈 비디오의 출현 사이에, 영화 스튜디오들은 종종 그들이 점유한 공간의 양을 정당화하기 위한 문화적 관련성과 경제적 가치를 잃었다고 가정하면서, 그들의 기록 보관소에 저장 공간을 개방하려는 욕망으로 많은 사일런트 영화를 폐기하곤 했다.또, 사일런트 필름의 촬영이나 배포에 사용된 질산염 필름 스톡의 연약한 성질 때문에, 많은 동영상이 화재를 포함한 회복할 수 없는 열화, 또는 사고로 소실되고 있다(질산염은 인화성이 높고, 부적절하게 보관하면 자연발화 할 수 있기 때문에).이러한 사건의 예로는 1965년 MGM 금고 화재와 1937년 폭스 금고 화재 등이 있는데, 둘 다 영화의 비극적인 손실을 야기했다.완전히 파괴되지 않은 많은 필름들은 부분적으로만 남아 있거나 심하게 손상된 인쇄물로 남아 있다.MGM 화재로 소실된 런던 After Midnight (1927년)와 같은 일부 유실 영화들은 영화 수집가들과 역사학자들의 상당한 관심의 대상이 되었다.

분실된 것으로 추정되는 주요 무성 영화는 다음과 같습니다.

분실된 대부분의 무성영화는 절대 회수되지 않을 것이지만, 일부는 영화 기록 보관소나 개인 소장품에서 발견되었다.발굴·보존판은 1920~1930년대 주택임대시장용으로 제작된 판본으로 부동산 매매 등에서 [58]발견될 수 있다.적절한 보관을 통해 오래된 필름 스톡의 열화를 늦출 수 있으며, 필름을 안전한 필름 스톡 또는 디지털 미디어에 전송하여 보존할 수 있습니다.사일런트 필름의 보존은 역사학자들과 아카이브리스트들에게 [59]높은 우선 순위였다.

도슨 필름 찾기

캐나다의 유콘 지역에 있는 도슨 시는 한 때 많은 영화들의 배급 라인의 끝이었다.1978년,[59][60] 1903년 레크리에이션 센터에서 영화를 상영하기 시작한 도슨 아마추어 육상 협회(Dawson Amerature Athletic Association)가 있던 공터를 발굴하던 중 500리엘 이상의 질산염 필름 저장고가 발견되었다.펄 화이트, 헬렌 홈즈, 그레이스 큐나드, 로이스 웨버, 해롤드 로이드, 더글러스 페어뱅크스, 론 체이니 등의 작품이 다수 포함됐다.가연성 질산염이 폐기된 수영장의 매립지로 사용되던 1929년까지 지역 도서관에 보관되어 있었다.유콘강의 영구 동토층 아래에서 50년을 보낸 이 릴은 매우 잘 보존된 것으로 밝혀졌다.위험한 화학 [61]물질 휘발성 때문에, 과거 발견물은 군 수송을 통해 캐나다 도서관 및 기록 보관소와 미국 의회 도서관으로 이동되었다(그리고 안전 필름으로 옮겨졌다).이 발견에 대한 다큐멘터리 '도슨 시티: 프로즌 타임'은 [62][63]2016년에 개봉되었다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

각주

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참고 문헌

추가 정보

외부 링크

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