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춤

Dance
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A man and woman, mid-leap
두 명의 현대 무용수.
에 관한 시리즈의 일부
공연예술

춤은 종종 스포츠로 분류되는 예술 형식으로, 즉흥적이거나 의도적으로 선택된 미적이고 종종 상징적인 가치가 있는 신체 움직임의 시퀀스로 구성됩니다.[nb 1] 춤은 안무, 동작 레퍼토리, 역사적 시기 또는 출신지에 따라 분류되고 묘사될 수 있습니다.[3] 춤은 일반적으로 음악 반주와 함께 수행되며 때로는 무용수와 함께 악기를 사용하여 동시에 수행됩니다.

중요한 차이점은 연극 무용과 참여 무용 사이에서 도출되는 것이지만,[4] 이 두 범주가 항상 완전히 분리되어 있는 것은 아닙니다. 사회적, 의례적, 경쟁적, 에로틱, 무술적, 신성한 또는 전례적인 특수 기능을 모두 가질 수 있습니다. 무술, 체조, 치어리딩, 피겨스케이팅, 싱크로나이즈드 스위밍, 행진 밴드, 그리고 많은 다른 형태의 운동경기를 포함한 다른 형태의 인간 운동은 때때로 춤과 같은 자질을 가지고 있다고 말합니다. 춤은 운동과 때때로 다른 스포츠와 활동을 위한 훈련의 한 형태로 사용되기 때문에 춤은 공연에만 국한되지 않습니다. 춤은 일부 사람들에게 스포츠가 되었고, 전 세계에서 발견되는 춤 대회는 다양한 스타일과 기준을 보여줍니다. 춤은 많은 사람들에게 미적인 매력을 가지고 있습니다.[5]

연극과 참여무용

미국 재즈 댄스 회사의 멤버들은 콘서트 댄스 환경에서 공식적인 그룹 루틴을 수행합니다.

공연 또는 콘서트 댄스라고도 불리는 연극 춤은 주로 구경거리로, 보통 거장 무용수들에 의해 무대에서 공연됩니다. 마임, 의상, 풍경을 사용하여 이야기를 들려주거나, 극장 환경에서 특별히 구성되고 공연되는 음악 반주를 해석할 수도 있지만 필수 사항은 아닙니다. 서양 발레와 현대 무용, 바라타나탐과 같은 인도 고전 무용, 용춤과 같은 중국과 일본의 가무극이 그 예입니다. 대부분의 고전적인 형태는 춤에만 중점을 두지만, 퍼포먼스 댄스는 오페라와 다른 형태의 뮤지컬 극장에서도 나타날 수 있습니다.

참여무용은 민속무용이든 사교무용이든 선, 원, 체인, 스퀘어댄스 등의 단체무용이든, 서양의 무도회장춤과 같이 주로 사회적 상호작용이나 운동 등 공동의 목적으로 행하여지는데, 또는 구경꾼에게 어떤 혜택을 제공하기보다는 참가자의 유연성을 높이는 것입니다. 그런 춤은 서사가 거의 없습니다. 군무와 코르 드 발레, 사교 파트너 춤과 파드 드 뒤는 크게 다릅니다. 솔로 댄스나 해석 댄스도 오로지 무용수의 만족을 위해서만 진행될 수 있습니다. 참여 무용수들은 종종 모두 같은 동작과 스텝을 사용하지만, 예를 들어, 전자 댄스 음악의 격찬 문화에서는 광대한 군중들이 주변 사람들과 조화를 이루지 않고 자유로운 춤을 출 수 있습니다. 반면에 일부 문화권에서는 사람들이 참여할 수 있거나 참여해야 하는 특정 춤에 대해 엄격한 규칙을 제시합니다.

역사

주요 기사: 무용사
빔벳카의 중석기 무용수들

초기 춤에 대한 고고학적 증거로는 인도 마디아프라데시주의 빔벳카 바위 보호소에 있는 10,000년 된 [6]그림들과 기원전 3300년의 춤을 추는 인물들을 묘사한 이집트 무덤 그림들이 있습니다. 문자 언어가 발명되기 전에는 한 세대에서 다음 세대로 이야기를 전승하는 구술과 수행 방법에서 무용이 중요한 부분을 차지했다고 제안되었습니다.[7] 황홀한 무아지경 상태와 (오늘날 많은 동시대 토착 문화에서 관찰되는 것처럼) 치유 의식에서 춤의 사용은 춤의 사회적 발전의 또 다른 초기 요인이었던 것으로 생각됩니다.[8]

이란 사산 그릇에 담긴 무용수와 음악가들

춤에 대한 언급은 매우 초기 기록된 역사에서 찾을 수 있습니다; 그리스 춤(코로스)은 플라톤, 아리스토텔레스, 플루타르코스, 루시안에 의해 언급됩니다.[9] 성경과 탈무드는 춤과 관련된 많은 사건들을 가리키며, 30가지가 넘는 다양한 춤 용어들을 포함하고 있습니다.[10] 일찍이 신석기 시대의 중국 도자기에서는 여러 무리의 사람들이 손을 잡고 일렬로 서서 춤을 추는 모습이 묘사되어 있는데,[11] 가장 초기의 중국어 단어인 "춤"은 오라클 뼈에서 발견됩니다.[12] 춤은 뤼시춘추에 묘사되어 있습니다.[13][14] 고대 중국의 원시 무용은 주술과 무속 의식과 연관되어 있었습니다.[15]

이집트 알렉산드리아, 기원전 3-2세기, 베일에 싸인 가면을 쓴 무용수의 그리스 청동 조각상

인도에서 기원전 1천년 동안, 일상 생활의 측면을 성문화하려고 시도한 많은 텍스트가 구성되었습니다. 바라타 무니의 Natya Shastra (말 그대로 드라마투르기의 텍스트)는 초기 텍스트 중 하나입니다. 주로 인도 문화에서 무용이 중요한 역할을 하는 드라마를 다루고 있습니다. 춤의 강력한 지속적인 전통은 그 이후로 현대에 이르기까지 인도에서 계속되어 왔으며, 그곳에서 문화, 의식 및 발리우드 엔터테인먼트 산업에서 계속해서 역할을 하고 있습니다. 다른 많은 현대 무용 형태도 마찬가지로 역사적, 전통적, 의례적, 민족적 무용으로 거슬러 올라갈 수 있습니다.[citation needed]

음악

주요 기사: 댄스음악
불가리아 소피아에서 열린 한 대중음악 콘서트에서 두 여성이 춤을 추고 있습니다.

춤은 일반적으로 음악의 반주와 함께 공연되며, 그러한 음악에 맞춰 공연될 수도 있고, 공연되지 않을 수도 있습니다. 탭 댄스와 같은 일부 댄스는 음악을 대신하거나 음악에 추가하여 고유한 청각 반주를 제공할 수 있습니다. 많은 초기 형태의 음악과 춤은 서로를 위해 만들어졌고 자주 함께 공연됩니다. 전통적인 댄스-음악 커플링의 주목할 만한 예로는 지그, 왈츠, 탱고, 디스코, 살사 등이 있습니다. 어떤 음악 장르는 바로크 음악과 바로크 춤과 같은 평행한 춤 형태를 가지고 있습니다; 다른 다양한 춤과 음악은 명명법을 공유할 수 있지만 고전 음악과 고전 발레와 같이 별개로 발전했습니다. 안무와 음악은 서로를 보완하고 안무가와 무용수가 들려주는 이야기를 표현하기 위한 것입니다.[16]

리듬

리듬과 춤은 역사와 실천 속에 깊이 연결되어 있습니다. 미국 무용수 테드 숀은 다음과 같이 썼습니다: "춤에 대한 모든 연구의 기초가 되는 리듬의 개념은 우리가 영원히 이야기할 수 있는 것이고, 여전히 끝나지 않는 것입니다."[17] 음악적 리듬은 두 가지 주요 요소를 필요로 합니다; 첫째, 규칙적으로 반복되는 펄스("박" 또는 "촉자"라고도 함)가 템포를 설정하고, 둘째, 미터 또는 기본 리듬 패턴의 성격을 확립하는 악센트와 휴식 패턴 기본 펄스는 간단한 단계 또는 제스처와 거의 동일합니다.

기본 탱고 리듬

춤은 일반적으로 특징적인 템포와 리듬 패턴을 가지고 있습니다. 예를 들어, 탱고는 보통 분당 약 66 비트로 시간에 맞춰 춤을 춥니다. "슬로우"라고 불리는 기본적인 느린 걸음은 한 박자 동안 지속되며, 따라서 완전한 "우-좌" 걸음은 한 박자와 같습니다. 춤의 기본적인 앞과 뒤의 걸음걸이는 "느리다-느리다"로 계산되는 반면, 많은 추가적인 수치들은 "느리다-빨리 빨리"로 계산됩니다.[18]

반복적인 몸의 움직임은 종종 "강한" 근육의 움직임과 "약한" 근육의 움직임을 번갈아 사용하는 것에 의존합니다.[19] 좌우, 앞뒤, 상승-하강의 교대와 인체의 좌우 대칭을 고려할 때, 많은 춤과 많은 음악이 2중, 4중 미터에 있습니다. 망치를 들어 올리는 데 걸리는 시간이 타격하는 데 걸리는 시간보다 더 긴 것과 같은 일부 동작은 한 단계에서 다른 단계보다 더 많은 시간을 필요로 하기 때문에 일부 댄스 리듬은 3중 미터로 떨어집니다.[20] 때때로 발칸 반도의 민속 춤에서와 같이 춤 전통은 더 복잡한 리듬에 크게 의존합니다. 게다가, 고정된 일련의 단계들로 구성된 복잡한 춤들은 항상 그 순서에 수반되기 위해 일정한 길이의 악구들과 멜로디들을 필요로 합니다.

룰루룬드 – 춤추는 소녀 (그림과 비단 천) A.L. 발드리 1901, p. 107)의 비문에는 "춤은 리듬의 한 형태/ 리듬은 음악의 한 형태/ 음악은 생각의 한 형태/ 그리고 생각은 신성의 한 형태"라고 쓰여 있습니다.

음악적 반주는 가장 초기의 춤에서 생겨났기 때문에 고대 이집트인들은 춤의 기원을 신성한 아토투스에게 돌렸는데, 그는 종교 의식에 수반되는 음악이 참가자들을 리드미컬하게 움직이게 하고 이러한 움직임을 비례적인 조치로 가져왔다고 관찰했다고 말했습니다. 무용이 음악적 리듬에서 발생한다는 동일한 생각은 르네상스 유럽에서 발견되었는데, 무용가 굴리엘모 에브레오 다 페사로의 작품에서 춤을 내면에서 발생하고 표현하는 물리적 움직임으로 말하고, 인간의 귀에 떨어지는 "조화의 척도와 완벽한 일치"에 동의하는 반면,[19] 이전에는 마그데부르크의 메흐칠드는 예수님의 말씀에 "나는 파이프를 폈고 너희는 춤을 추지 않았다"고 예언된 거룩한 삶의 상징으로 춤을 잡았다고 기록합니다.[21]

당신이 주도하지 않으면 저는 춤을 출 수 없습니다. 만약 당신이 나를 봄이 되게 해 주신다면, 당신과 나는 사랑으로, 사랑에서 지식으로, 그리고 지식에서 황홀경으로, 인간의 모든 감각[22] 중에서 봄이 될 것입니다.

Thoinot Arbeau의 유명한 16세기 댄스 논문 Orchésographie는 실제로 80개 이상의 구별된 드럼 리듬에 대한 정의로 시작됩니다.[23]

헬렌 몰러
카밀 클라우델의 왈츠, 1905년 출연진

위에서 보여주었듯이 춤은 시대를 거쳐 음악에 대한 반응으로 나타났지만 링컨 키얼스틴이 암시했듯이 적어도 원시 음악이 춤에서 비롯되었을 가능성이 높습니다. 숀은 "춤은 인류의 첫 번째 예술이었고, 모든 다른 예술이 성장한 매트릭스"이며, "오늘날 우리 시의 미터조차도 몸의 움직임에 의해 필요한 억양의 결과"라고 말합니다. 춤과 암송이 동시에 수행되었기 때문에 [17]"발"이라는 용어가 시의 근본적인 리듬 단위를 설명하는 데 어느 정도 뒷받침되는 주장입니다.

무용수가 아니라 음악가인 스콜스는 이 견해를 지지하며, 음악의 꾸준한 측정, 마디에 대한 2, 3, 4박자, 동등하고 균형 잡힌 구절, 규칙적인 종지, 대조와 반복이 모두 음악에 대한 춤의 " 헤아릴 수 없는" 영향에 기인할 수 있다고 말합니다.[24]

주로 음악가이자 교사인 에밀 자크-달크로즈는 피아니스트들의 신체적 움직임에 대한 연구가 어떻게 그를 "리듬적인 본성의 음악적 감각이 유기체 전체의 근육과 신경 반응을 요구한다는 발견과" 연결시켰다. "신경 반응을 조절하고 근육과 신경의 조화를 효과적으로 만들기 위해 고안된 특별한 훈련"을 개발하고 궁극적으로 "음악 예술과 춤 예술" 사이의 연관성을 찾기 위해 그는 이것을 그의 유리듬 시스템에 공식화했습니다.[25] 그는 "음악적 리듬은 자발적으로 그리고 무의식적으로 감정을 표현하는 움직임과 역동성의 소리로의 전이일 뿐"이라고 결론지었습니다.[26]

따라서 숀이 주장하는 것처럼, 의심할 여지없이 "음악 없이 춤을 발전시키는 것은 꽤 가능하고... 음악은 춤의 도움 없이도 완벽하게 자립할 수 있습니다." 그러나 "두 예술은 항상 관련이 있을 것이고 그 관계는 춤과 음악 모두에 이익이 될 수 있습니다."[27] 한 예술이 다른 예술보다 우선하는 것은 무트 포인트입니다. 찬송가와 민요의 일반적인 발라드 척도는 춤에서 이름을 따온 것인데, 원래는 원 춤인 캐롤도 마찬가지입니다. 예를 들어, 많은 순수한 음악 작품들은 "왈츠" 또는 "미뉴에트"로 명명되었고, 2 및 3 파트 발명, 아담스 바이올린 협주곡 및 안단티노와 같은 추상 음악 작품을 기반으로 한 많은 콘서트 댄스가 제작되었습니다. 마찬가지로, 시는 종종 춤이나 음악 작품의 이름을 따서 구조화되고 명명되는 반면, 춤과 음악은 둘 다 시로부터 "척도" 또는 "미터"라는 개념을 이끌어 냈습니다.

숀은 음악 리듬의 예술이 "생리학적 법칙에 따라" 시간 지속 시간, 일시 정지 및 억양을 구별하고 결합하는 것으로 구성되어 있는 반면, "플라스틱 리듬"(즉, 춤)의 예술은 공간에서 움직임을 지정하는 것이며, 느린 동작으로 긴 시간값을 해석하고 빠른 동작으로 짧은 시간값을 해석하고, 다이버 연속에 의한 일시정지를 조절하고, 체중의 추가, 근육 내적인 변화를 통해 다양한 뉘앙스로 소리의 억양을 표현합니다."

그럼에도 불구하고 숀은 음악적 시간의 체계는 "인간이 만든, 인공적인 것... 제조된 도구"인 반면, 리듬은 항상 존재해왔고 전혀 인간에게 의존하지 않는 것이며, "인간의 마음이 편리한 단위로 분할하는 지속적인 흐르는 시간"이라고 지적합니다. 음악이 가치관으로의 회귀와 춤의 시간 perce 개념에 의해 되살아날 수 있다는 것을 암시합니다.

20세기 초 미국 무용수 헬렌 몰러는 "처음부터 음악, 시, 춤을 하나로 묶은 것은 조화와 색 이상의 리듬과 형태"라고 말했습니다.[29]

접근방법

당나라 여자 무용수

연극의

오페라와 마찬가지로 콘서트 댄스는 일반적으로 서사극적 구조에 따라 대규모 형태가 결정됩니다. 안무의 움직임과 제스처는 주로 줄거리에서 등장인물과 그들의 역할의 성격과 목표를 마임하기 위한 것입니다.[30] 그러한 연극적 요구는 비 서사적 춤 스타일에서 일반적인 것보다 더 길고 자유로운 움직임을 경향이 있습니다. 반면에, 19세기에 개발된 발레 블랑은 20세기에[31] 완전히 "플롯 없는" 발레로 발전하고 페티 알레그로와 같은 빠르고 리드미컬한 춤 단계를 허용하는 리듬 댄스의 막간을 허용합니다. 잘 알려진 예는 백조의 호수 2막에 나오는 시그넷의 춤입니다.

발레는 16세기와 17세기 프랑스와 이탈리아의 궁정적인 극적인 연출로부터 발전했고 한동안 댄서들은 각 춤과 밀접하게 일치하는 명확한 리듬에 의해 정의된 음악 모음에서 익숙한 사람들로부터 발전된 춤을 공연했습니다.[32] 이것들은 낭만주의 민족주의 시대에 캐릭터 춤으로 등장했습니다.

발레는 낭만주의 시대에 널리 유행했고, 리듬적인 명료함에 쉽게 의존하지 않는 더 큰 오케스트라와 더 웅장한 음악적 개념과 극적인 마임을 강조하는 춤을 동반했습니다. 루돌프 라반(Rudolf Laban)은 성격, 감정, 의도를 전달하는 움직임의 "리듬과 형태"를 의미하는 더 넓은 리듬 개념이 필요했지만,[33] 특정 장면만이 다른 춤 스타일에 필수적인 스텝과 음악의 정확한 동기화를 필요로 했기 때문에, 라반에게, 현대 유럽인들은 원시적인 과거의 원초적인 감정을 불러일으키는 새로운 리듬 언어로 이고르 스트라빈스키의 봄의례와 같은 작품들로 20세기에 변화하기 시작한 상황인 "[34]원초적인 리듬 움직임"의 의미를 완전히 이해할 수 없는 것처럼 보였습니다.[35]

인도 고전 무용 스타일은 발레와 마찬가지로 종종 극적인 형태를 띠고 있어서 서사적 표현과 "순수한" 춤 사이에 유사한 보완성이 있습니다. 이 경우 항상 별도로 수행되는 것은 아니지만 두 가지는 별도로 정의됩니다. 추상적이고 기술적인 리듬 요소를 nritta라고 합니다. 그러나 이 춤과 표현적 춤은 모두 리듬 체계(탈라)와 밀접한 관계가 있습니다. 선생님들은 볼(bol)이라고 불리는 구어 리듬 기억 체계를 무용수들의 요구에 맞게 각색했습니다.

가부키나 노와 같은 일본의 고전 무용극 양식은 인도 무용극과 마찬가지로 서사극과 추상무용극을 구분합니다. 가부키의 세 가지 주요 범주는 지다이모노(역사), 세와모노(국내), 쇼사고토(무용 작품)입니다.[36] 이와 유사하게 노씨는 줄거리의 발전과 행동의 내레이션을 바탕으로 한 게키 노씨와 곡예, 무대 속성, 다양한 캐릭터와 정교한 무대 액션을 포함하는 무용 작품인 후류 노씨를 구분합니다.[37]

참여형 및 사회형

유럽의 뿌리가 혼합된 참여형 사회민속춤의 한 형태인 콘트라댄스

관객을 위한 것이라기보다는 참여를 위한 것인 사회적 춤은 다양한 형태의 마임과 서사를 포함할 수 있지만 일반적으로 음악의 리듬 패턴에 훨씬 더 밀접하게 설정되어 왈츠와 폴카와 같은 용어는 춤 자체만큼 음악 작품을 나타냅니다. 무용수들의 발의 리듬은 탭 댄스에서처럼 음악의 필수적인 부분을 형성할 수도 있습니다. 예를 들어, 아프리카 춤은 고정된 기본 단계에 뿌리를 두고 있지만, 높은 수준의 리듬 해석을 허용할 수도 있습니다: 크로스 리듬은 어깨, 무릎 또는 머리에 의해 선택되고 최고의 댄서들은 동시에 폴리리듬 패턴의 모든 요소에 가소적인 표현을 합니다.[38]

문화적 전통

아프리카

"쿠두로" (앙골란 춤)
평화의 문화축전에서 우간다 청소년들이 춤을 춥니다.
본문: 아프리카 춤

아프리카의 춤은 사회에 깊이 통합되어 있으며 공동체의 주요 행사는 자주 춤에 반영됩니다: 춤은 출생과 장례식, 결혼식과 전쟁을 위해 공연됩니다.[39]: 13 전통춤은 종교적 전통과 성적 기준을 포함한 문화적 도덕성을 부여하고, 비탄과 같은 억압된 감정에 환기하고, 전쟁을 치르든 곡식을 빻든 공동체 구성원들이 협력하도록 동기를 부여하고, 정신적 의식을 제정하고, 사회적 응집력에 기여합니다.[40]

수천 개의 춤이 대륙 주변에서 공연됩니다. 이것들은 전통, 비전통, 고전 양식으로 나눌 수 있습니다: 특정 사회의 민속 춤, 전통 양식을 모방하여 최근에 만들어진 춤, 그리고 학교나 개인 교습에서 더 형식적으로 전해진 춤.[39]: 18 아프리카 춤은 유럽 선교사들과 식민지 정부들과 같은 많은 세력들에 의해 변화되어 왔으며, 그들은 종종 현지 춤 전통을 감초적이거나 산만하다고 억압했습니다.[40] 현대 아프리카 문화의 춤은 여전히 새로운 맥락에서 전통적인 기능을 수행합니다. 춤은 병원의 설립을 축하하고, 낯선 도시의 시골 이주민들을 위한 공동체를 구축하고, 기독교 교회 의식에 통합될 수 있습니다.[40][41]

아시아

참고 항목: 무용 § 아시아의 역사
인도의 고전 무용수
민타 극장(만달레이)에서 인와예술학교의 마스터 선생님이 전통적인 손동작을 시연합니다.

모든 인도 고전 춤은 나티아샤스트라에 뿌리를 둔 정도가 다양하기 때문에 공통적인 특징을 공유합니다. 예를 들어, 무드라(손 자세), 일부 신체 자세, 다리 움직임, 극적이거나 표현력 있는 연기 또는 아비나야 포함. 인도의 클래식 음악은 반주를 제공하고 거의 모든 스타일의 댄서들은 발목에 종을 차고 타악기를 보완합니다.

현재 인도 고전 무용의 지역적인 다양성이 있습니다. 오디샤 지역의 오디시(오리시)의 춤 형태인 미틸라는 수십 년간의 논쟁 끝에 오늘날까지 추적된 "오드라 마가디"와 같은 춤은 서로 다른 지역 간의 문화적 상호작용에서 춤의 영향력을 나타냅니다.[42]

인도와 파키스탄이 겹치는 펀자브 지역이 방그라의 발원지입니다. 그것은 음악의 양식이자 춤으로 널리 알려져 있습니다. 그것은 대부분 고대의 추수 기념 행사, 사랑, 애국심 또는 사회적 문제와 관련이 있습니다. 음악은 '돌'이라고 불리는 악기에 의해 조율됩니다. 방그라는 단순한 음악이 아니라 춤으로, 사람들이 돌(드럼)을 치고, 볼리얀(가사)을 부르고, 춤을 추는 수확의 축하 행사입니다. 시크교도들의 바이사키 축제로 더욱 발전했습니다.

스리랑카의 춤에는 악마의 춤(야쿤 나티마)이 포함되어 있는데, 이는 스리랑카의 불교 이전 과거로 거슬러 올라가는 신중하게 만들어진 의식으로, 질병의 원인에 대한 고대 "아유르베딕" 개념과 심리학적 조작을 결합하고 신할라 우주론을 포함한 많은 측면을 결합한 것입니다. 그들의 영향은 스리랑카의 고전 춤에서 볼 수 있습니다.[43]

인도네시아 발리 무용수

인도네시아 춤은 인도네시아 민족과 문화의 풍부함과 다양성을 반영합니다. 인도네시아에는 1,300여 개의 민족이 살고 있으며, 오스트로네시아와 멜라네시아 민족의 문화적 뿌리, 아시아와 서부의 다양한 문화적 영향을 볼 수 있습니다. 인도네시아의 춤은 의식적인 움직임과 종교적인 의식에서 비롯되며, 이러한 종류의 춤은 보통 전쟁 춤, 질병을 치료하거나 예방하는 무당 춤, 비를 부르는 춤 및 기타 종류의 춤과 같은 의식으로 시작됩니다. 인도네시아에서 1세기에 법 종교가 수용되면서 힌두교와 불교 의식이 다양한 예술 공연으로 치뤄졌습니다. 라마야나, 마하바라타, 그리고 판지와 같은 힌두교 서사시들은 서양 전통의 "발레"를 닮은 "센드라타리"라는 댄스 드라마에서 보여지게 된 영감이 되었습니다. 정교하고 고도로 양식화된 춤 방법이 발명되었고 특히 자바 섬과 발리 섬에서 오늘날까지 남아 있습니다. 자바인 와양웡 춤은 라마야나 마하바라타 에피소드에서 영상을 찍지만, 이 춤은 인도 버전과 매우 다르며, 인도네시아 춤은 인도 춤만큼 "무드라스"에 신경을 쓰지 않습니다. 즉, 현지 형태를 보여주기 위해서입니다. 자바의 신성한 의식무인 베드하야는 14세기 마자파히트 시대로 거슬러 올라가거나 그 이전에 처녀들이 시바, 브라흐마, 비슈누 등 힌두교의 신들을 숭배하기 위해 추는 의식무에서 비롯되었다고 여겨집니다. 발리에서 춤은 신성한 힌두교 법 의식의 필수적인 부분이 되었습니다. 일부 전문가들은 발리 춤이 자바의 오래된 춤 전통에서 유래했다고 믿고 있습니다. 14세기 동자바 사원의 부조는 오늘날 발리 춤에 사용된 머리 장식과 유사한 왕관과 머리 장식을 특징으로 합니다. 인도네시아 열도에 이슬람교가 전파되기 시작한 것은 토착 춤과 법무가 여전히 유행하던 때부터입니다. 예술가들과 무용가들은 여전히 이전 시대의 스타일을 사용하며, 이야기를 더 이슬람적인 해석과 이슬람의 가르침에 따라 더 폐쇄적인 옷으로 대체합니다.[44]

중동의 춤은 보통 어느 정도 현대화된 전통적인 형태의 서클 춤입니다. 그 중에는 다베케, 탐자라, 아시리아 민속 춤, 쿠르드 춤, 아르메니아 춤, 터키 춤 등이 포함됩니다.[45][46] 이 모든 형태의 춤은 보통 참가자들이 (춤의 스타일에 따라) 손이나 팔을 잡고 서로 관계를 맺는 것을 포함합니다. 그들은 댄스 플로어 주위를 휘어가면서 다리와 어깨로 리드미컬한 동작을 취하곤 합니다. 춤의 머리는 일반적으로 지팡이나 손수건을 들고 있었습니다.[45][47]

유럽과 북미

주요 기사: 콘서트 댄스
참고 항목: 유러피언
피에르 오귀스트 르누아르 (1883)의 부기발에서의 춤

민속 춤은 유럽 전역에 걸쳐 다양하고 수백 년 또는 수천 년 전으로 거슬러 올라갈 수 있지만, 많은 것들은 호출자에 의해 주도되는 그룹 참여, 참가자들 사이의 손잡기 또는 팔 연결, 캐롤이라고 알려진 고정된 음악 형식과 같은 공통점을 가지고 있습니다.[48] 메이폴 댄스와 같은 것들은 많은 나라들에게 흔하지만, 세일리드와 폴카와 같은 것들은 하나의 문화에 뿌리를 두고 있습니다. 스퀘어 댄스와 같은 일부 유럽의 민속 춤은 신세계로 옮겨졌고 그 후 미국 문화의 일부가 되었습니다.

두 명의 고전 발레 무용수들이 고전 무용의 가장 잘 알려진 작품 중 하나인 호두까기 인형의 연속 공연을 합니다.
수 버팔로 댄스, 1894

발레는 이탈리아에서, 그리고 프랑스에서 리듬, 드라마, 시, 노래, 의상, 그리고 춤을 결합한 호화로운 궁정 구경거리에서 발전했습니다. 궁정 귀족들은 공연자로 참여했습니다. 그 자신이 춤꾼이었던 루이 14세의 통치 기간 동안, 춤은 더 성문화되었습니다. 전문 무용수들이 궁정 아마추어들을 대신하기 시작했고, 발레 거장들은 프랑스 정부의 허가를 받았습니다. 최초의 발레 무용 아카데미는 1661년 파리에서 개설된 왕립 무용 아카데미(Académie Royale de Dance Academy)였습니다. 얼마 지나지 않아 아카데미와 관련된 최초의 제도화된 발레단이 결성되었고, 이 극단은 남성 중심의 합주단으로 시작했지만 1681년에 이르러 여성도 포함하게 되었습니다.[7]

20세기 콘서트 댄스는 더 자유로운 테크닉의 탐구를 특징으로 하는 댄스 스타일의 혁신의 폭발을 가져왔습니다. 현대 무용으로 알려지게 된 초기의 선구자들로는 로이 풀러, 이사도라 던컨, 메리 위그먼, 루스 세인트 등이 있습니다. 데니스. 음악과 무용의 관계는 에밀 자크-달크로즈가 고안한 유리듬의 기초가 되며, 이는 마리 람베르트 등의 예술가들을 통해 현대무용과 현대발레의 발전에 영향을 미쳤습니다. 루돌프 슈타이너(Rudolf Steiner)와 마리 슈타이너-본 시버스(Marie Steiner-von Sibers)가 개발한 에우리스미(Eurithmy)는 전통무용을 연상시키는 형식적 요소와 새로운 자유로운 양식을 결합하였으며, 무용에 복잡한 새로운 어휘를 도입하였습니다. 1920년대에 마사 그레이엄(Martha Graham)과 도리스 험프리(Doris Humphrey)와 같은 새로운 스타일의 중요한 설립자들이 그들의 작업을 시작했습니다. 이때부터 매우 다양한 춤 스타일이 개발되었습니다. 현대 무용을 참조하십시오.

아프리카계 미국인의 춤은 댄스 스튜디오, 학교, 회사가 아닌 일상적인 공간에서 발전했습니다. 탭댄스, 디스코, 재즈댄스, 스윙댄스, 힙합댄스, 린디홉, 로큰롤뮤직, 로큰롤댄스 등이 세계적인 영향을 미치고 있습니다. 고전 발레 기법과 아프리카계 미국인의 춤을 융합한 춤 스타일도 21세기에 등장했습니다.[49]

라틴 아메리카

본문: 라틴아메리카 무용
길거리 삼바 댄서들은 카니발 퍼레이드와 콘테스트에서 공연합니다.

춤은 라틴 아메리카의 사회 생활과 문화의 중심입니다. 브라질 삼바, 아르헨티나 탱고, 쿠바 살사는 국제적으로 인기 있는 파트너 댄스이며, 다른 국가 댄스들 - 메렝게, 쿠에카, 플레나, 자라베, 조로포, 마리네라, 쿰비아, 바차타 등은 각 나라의 문화를 구성하는 중요한 요소입니다.[50] 전통적인 카니발 축제는 거대한 축하 행사에 이러한 춤과 다른 춤을 통합합니다.[51]

춤은 라틴 아메리카의 많은 문화적 민족적 집단들 사이에서 집단적 정체성을 형성하는 데 중요한 역할을 했습니다.[52] 춤은 그 지역의 많은 아프리카, 유럽, 토착민들을 하나로 묶는 역할을 했습니다.[50] 카포에라와 같은 특정 춤 장르와 신체 움직임, 특히 특징적인 케브라다 또는 골반 스윙은 라틴 아메리카 역사에서 다양하게 금지되고 기념되어 왔습니다.[52]

교육

무용수는 고전 무용과 다른 많은 스타일의 훈련을 위한 주요 환경인 댄스 스튜디오에서 연습합니다.

무용학은 많은 고등 교육 기관의 예술 및 인문학 프로그램을 통해 제공됩니다. 일부 대학들은 예술 학사와 더 높은 무용 학사 학위를 제공합니다. 무용 연구 커리큘럼은 무용 연습과 공연, 안무, 민족 무용학, 운동학, 무용 표기법, 무용 치료 등 다양한 범위의 과정과 주제를 포함할 수 있습니다. 가장 최근에는 일부 학교에서 무용 및 움직임 치료가 학습 장애, 정서적 또는 행동적 장애를 가진 학생뿐만 아니라 주의력결핍 과잉행동장애(ADHD)를 가진 학생들을 위한 수학 수업으로 통합되었습니다.[53]

직업

주요 기사: 무용 직업 목록

댄서스

전문 무용수는 일반적으로 계약직이나 특정 공연 또는 프로덕션에 고용됩니다. 무용수의 직업 생활은 일반적으로 끊임없이 변화하는 업무 상황, 강력한 경쟁 압력 및 낮은 보수 중 하나입니다. 결과적으로, 전문 무용수들은 재정적인 안정을 이루기 위해 종종 수입을 보충해야 합니다. 미국에서 많은 직업 무용수들은 그들의 구성원들을 위해 근무 조건과 최저 임금을 설정하는 조합(예를 들어, 미국 음악 예술가 조합, 스크린 배우 조합 및 배우 지분 협회)에 속해 있습니다. 전문 무용수들은 많은 양의 운동 신경을 가지고 있어야 합니다. 성공적인 직업을 영위하기 위해서는 다양한 스타일의 춤에 다재다능하고 기술적 배경이 강하며 건강을 유지하기 위해 다른 형태의 신체 훈련을 사용하는 것이 유리합니다.[54]

선생님들

무용 교사들은 일반적으로 무용 공연을 가르치거나 경쟁력 있는 무용수들을 지도하거나 둘 다에 집중합니다. 그들은 일반적으로 그들이 가르치거나 코치하는 춤의 유형에 대해 수행 경험이 있습니다. 예를 들어, 댄스스포츠 선생님과 코치는 종종 토너먼트 댄서 또는 전직 댄스스포츠 공연자입니다. 무용 교사는 자영업을 할 수도 있고 무용학교나 일반 교육기관에 무용 프로그램을 가지고 취업을 할 수도 있습니다. 일부는 대학 프로그램이나 전문 클래식 댄스(예: 발레) 또는 현대 무용단과 관련된 다른 학교에서 일합니다. 다른 사람들은 다양한 종류의 춤에 대한 춤 훈련과 공연 코칭을 제공하는 소규모 개인 소유의 춤 학교에 고용됩니다.[55]

안무가

안무가들은 춤 안에서 춤 동작을 디자인하는 사람들이고, 그들은 종종 대학 교육을 받았고 일반적으로 특정 프로젝트에 고용되거나 특정 무용단의 상주 안무가로서 계약직으로 일하는 경우가 더 적습니다.[56][57]

대회

비엔나 왈츠가 참가하는 아마추어 댄스스포츠 대회

댄스 경연대회는 참가자들이 심사위원이나 심사위원 앞에서 춤을 추며 상을 받는 조직적인 행사이며, 경우에 따라 상금을 수여하기도 합니다. 춤 경연에는 여러 가지 주요 유형이 있으며, 주로 공연되는 춤의 스타일이나 스타일로 구별됩니다. 댄스 경연 대회는 업계 최고의 교수진, 심사위원, 안무가 및 경쟁 스튜디오의 기타 댄서들과 관계를 구축하기 위한 훌륭한 환경입니다. 젊은 예비 전문 무용수들을 위한 일반적인 댄스 경연대회는 지역 경연대회인지 전국 경연대회인지에 따라 2일에서 4일 사이에 어디에서나 지속될 수 있습니다.

무용 경연대회의 목적은 무용수들에게 재미있고 교육적인 장소를 제공하고 현재의 무용 시즌부터 안무된 루틴을 무대에서 공연할 수 있는 기회를 제공하는 것입니다. 종종 대회는 전문적인 환경에서 진행되거나 고등학교 극장과 같은 비공연 공간에 따라 달라질 수 있습니다. 그런 다음 무용수들의 결과는 신뢰할 수 있는 심사위원단에 의해 결정되고 점수가 주어진 것보다 그들의 공연에 대해 평가됩니다. 경쟁 부문에 관한 한 대부분의 대회는 춤 스타일, 연령, 경험 수준 및 루틴에서 경쟁하는 댄서의 수에 따라 카테고리를 기반으로 합니다.[58] 댄스 경연의 주요 유형은 다음과 같습니다.

댄스 외교

1950년대와 1960년대 동안 무용의 문화 교류는 특히 동아시아와 남아시아 국가들 사이에서 국제 외교의 공통된 특징이었습니다. 예를 들어, 중화인민공화국은 반식민적 연대의 표시로 인도네시아, 인도, 버마와 같은 과거 유럽 식민지였던 최근 독립된 국가들의 미적 전통을 배우고 존중하고자 하는 무용 외교의 공식을 개발했습니다.[59]

헬스

신발

대부분의 춤에서 발은 움직임의 원천이며, 춤의 종류, 움직임의 강도, 그리고 춤을 출 표면에 따라 무용수의 건강, 안전 능력을 돕기 위해 특정한 신발을 필요로 하는 경우도 있습니다.

댄스 신발은 잠재적으로 무용수의 움직임을 지원하거나 제한할 수 있습니다.[60] 신발의 효과는 발이 의도하지 않은 일을 하도록 돕거나 어려운 움직임을 쉽게 만들 수 있는 능력과 관련이 있습니다. 이러한 효과는 신체의 일반적인 이동성에 부자연스러운 장비의 기능으로 인해 건강 및 안전과 관련이 있습니다.

발레

포인트 슈즈
닳은 포인트 슈즈

발레는 발목과 발가락의 생체 역학으로 인한 부상 위험이 나머지 동작의 주된 버팀목으로 눈에 띕니다. 포인트 슈즈를 사용하여 특히 모든 발가락을 하나로 모아 발가락이 더 오랫동안 서 있을 수 있도록 디자인했습니다.[61]

발가락 패드, 발가락 테이프, 쿠션 등을 포함하여 춤을 추면서 부상을 완화하고 통증을 완화하는 데 도움이 되는 포인트 슈즈와 관련된 액세서리가 있습니다.[62]

본문 이미지

댄서들은 업계의 특정 틀에 맞추기 위해 자신의 신체 이미지에 매우 몰두하는 것으로 공공연히 생각됩니다. 연구에 따르면 무용수들은 많은 양이 예술 형식의 이상적인 체질량을 위해 노력함에 따라 식습관을 조절하는 데 더 큰 어려움을 겪는 것으로 나타났습니다. 일부 무용수들은 특정 이미지를 유지하기 위해 종종 욕설 전술을 사용합니다. 일반적인 시나리오에는 무용수들이 체중 조절을 위해 설사약을 남용하고 결국 건강하지 못한 섭식 장애에 빠지는 것이 포함됩니다. 연구에 따르면 많은 수의 무용수들이 과운동과 음식 제한을 포함한 적어도 한 가지의 체중 조절 방법을 사용하고 있습니다. 무용수들이 평균 이하의 체중을 유지해야 하는 압력은 그들의 식사 및 체중 조절 행동과 생활 양식에 영향을 미칩니다.[63] 무용수들은 예술적 특성상 적대적인 자기 비판적 성향이 많은 편입니다. 연주자들에게서 흔히 볼 수 있는 것처럼, 다양한 개인들이 자기 연민의 개념에 저항할 가능성이 있습니다.[64]

섭식장애

북미에서 섭식 장애는 공중 보건에 중대한 문제를 일으키며, 어린 소녀의 약 10%가 영향을 받습니다. 무용과 같은 미적인 스포츠에 종사하는 사람들은 날씬한 체격에 대한 강한 압박으로 인해 더 큰 위험에 직면합니다.[65] 무용수의 섭식 장애는 일반적으로 매우 흔합니다. 발표된 자료 분석과 연구를 통해 무용수들이 건강하지 못한 무질서한 식습관에 현실적으로 빠지는 비율과 정확도에 관한 충분한 자료를 추출했습니다. 일반적으로 무용수는 일반인에 비해 섭식장애 발생 위험이 높으며, 주로 거식증과 EDNOS에 빠집니다. 무용수들이 신경성 폭식증에 걸릴 위험이 더 높은 것과 관련된 직접적인 상관관계는 아직 연구되지 않았습니다. 연구에 따르면 무용수들은 전반적으로 섭식장애, 특히 거식증과 EDNOS에 걸릴 위험이 3배 더 높다고 합니다.[66]

소셜 미디어에서 춤을 춥니다.

춤은 틱톡(TikTok)을 포함한 많은 소셜 미디어 플랫폼에서 인기 있는 콘텐츠 형태가 되었습니다. 2020년 한 해 동안 틱톡 댄스는 고립된 개인들이 가상 형식을 통해 서로 교류하고 연결할 수 있는 기회를 제공했습니다.[67] 이 앱은 2017년 첫 선을 보인 이후 작지만 20~30대 초반의 전문 댄서들을 끌어들였습니다. 이 인구 통계학의 대부분은 무대에서 공연하는 데 더 익숙하지만, 이 앱은 전문적인 노출을 생성하기 위한 새로운 수단을 도입했습니다.

갤러리

동물에서

어떤 앵무새와 코끼리들은 음악의 박자에 따라 춤을 추는 것이 관찰되었습니다. 어떤 동물들은 인간에 의해 훈련되거나 이끌릴 수 있지만, 다른 동물들은 자발적으로 이것을 할 수 있는 능력이 부족해 보입니다.[69]

참고 항목

메모들

  1. ^ 춤에 대한 많은 정의가 제안되었습니다. 이 정의는 다음을 기반으로 합니다.

    "춤이란 미적 목적을 위해 창조되고 표현되는 인간의 움직임입니다. 춤은 또한 오락의 원천입니다."[1]

    "춤은 의도적이고 리드미컬하며 의도적인 (개인의 선택과 사회적 학습이 역할을 한다)"는 (춤을 추는 사람의 관점에서) 구성된 인간의 행동입니다. 그리고 문화적으로 패턴화된 비언어적 신체 움직임의 시퀀스는 일반적인 운동 활동에서 수행되는 것 이외에 대부분. (시간적, 공간적, 노력적으로) 동작은 고유하고 미적인 가치(무용수의 문화가 보는 적절성과 역량의 개념)와 상징적인 잠재력을 가지고 있습니다."[2]

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추가읽기

  • 에이브라, 앨리슨 "고잉 투 더 팰리스: 영국 춤과 댄스 홀의 사회 문화 역사, 1918-1960." 영국 현대사(2016년 9월) 30#3 페이지. 432-433.
  • 블로그, 마틴. 춤과 기독교 신앙: 앎의 형태, 루터워스 프레스(2011), ISBN 978-0-7188-9249-4
  • Carter, A. (1998) Routledge Dance Studies Reader. 루틀리지. ISBN 0-415-16447-8.
  • Cohen, S, J. (1992) 극장 예술로서의 춤: 1581년부터 현재까지 춤 역사의 출처 읽기. 프린스턴 북 ISBN 0-87127-173-7.
  • Daly, A. (2002) 비판적 제스처: 무용과 문화에 관한 글. 웨슬리언 대학 출판부. ISBN 0-8195-6566-0.
  • Miller, James, L. (1986) 지혜의 척도: 고전과 기독교 고대의 우주적 춤, 토론토 대학 출판부. ISBN 0-8020-2553-6.

외부 링크