춤을 추는 여자들

Women in dance
A. E. 샬론의 석판화 (왼쪽에서 오른쪽) 카를로타 그리시, 마리 타글리오니, 루실 그란, 패니 세리토의 파스 드 콰트레, 1845

춤에서 여성의 중요한 위치는 문명의 기원으로 거슬러 올라갈 수 있습니다.동굴 벽화, 이집트 프레스코화, 인도 조각상, 고대 그리스 로마 미술, 중국과 일본의 궁정 전통에 대한 기록들은 모두 여성들이 처음부터 의식과 종교적인 춤에서 했던 중요한 역할을 증명합니다.중세 시대에 발레라고 알려지게 된 것은 이탈리아 궁중 축제에서 여성들이 자주 남성의 역할을 맡으면서 시작되었습니다.그러나 파리 오페라가 최초의 유명한 발레리나들을 배출한 것은 17세기 말 프랑스였습니다.여성들이 18세기에 발레계를 지배하기 시작한 반면, 19세기에 낭만주의 발레의 출현으로 마리우스 쁘띠파의 작품에서 스타들이 주연을 맡으면서 그들은 논쟁의 여지가 없는 중심이 되었습니다.밀라노의 라 스칼라에서 상트페테르부르크의 마린스키 극장에 이르기까지 유럽 전역의 극장들에 출연하고 있습니다.최근에는, 여성들이 플라멩코와 표현주의 춤을 포함한 다양한 형태의 현대 춤을 발전시키는데 주도적인 역할을 하고 있습니다.

역사

여성은 초기 역사에서 발레로 발전한 15세기에 정식 춤이 등장하기 전까지 항상 춤에서 주요한 역할을 해왔습니다.[citation needed]

고대

기원전 6000년 전의 동굴 벽화는 춤추는 여자들의 장면을 제공합니다.예들은 팔레르모 근처의 아다우타 동굴과 카탈루냐의 로카델스 모로스에서 볼 수 있습니다.고대 이집트에서, 여성들은 파라오의 무덤에 프레스코화가 보여주듯이 장례식과 같은 종교적인 의식을 위해 의식적인 춤을 추었습니다.[1]조직적인 춤과 직업적인 여성 무용수들에 대한 가장 오래된 기록은 이집트에서 왔습니다.특히 구왕국에서는 여성들이 케너(khener)로 알려진 그룹으로 조직되었고, 남성들은 후기 단계에서만 합류한 것으로 보입니다.[2]

인도 아대륙에서도 춤을 추는 여성들에 대한 초기 증거가 있는데, 가장 유명한 것은 기원전 2500년경 인더스 계곡의 모헨조다로의 청동 조각상입니다.[3][4]남성들이 일찍이 춤의례에 참여한 것은 사냥과 싸움으로 연결된 것으로 보이지만, 여성의 춤은 무엇보다도 농업적으로나 인간적으로나 다산과 관련이 있었습니다.[5]

  • Dancing women, El Cogul caves, Lérida

    춤추는 여자들, 엘 코굴 동굴, 레리다

  • Dancing girl statuette from Mohenjo-daro, 2500-1500 BC

    모헨조다로의 춤추는 소녀상, 기원전 2500년-1500년

  • Ancient Egyptian dancer, c. 1200 BC

    고대 이집트 무용수, c. 기원전 1200년

  • Tomb of Nebamun c. 1400 BC

    네바문 무덤 c. 기원전 1400년

고전적인 크레타와 그리스의 춤은 고대 이집트의 춤에 영향을 받은 것으로 보입니다.[6]춤을 추는 여자들을 묘사한 기원전 6세기와 5세기의 고대 그리스 예술의 많은 예들이 있습니다.[5]델로스의 처녀들은 아폴로를[7] 기리기 위해 원을 그리며 춤을 췄고 테르피코레는 춤의 뮤즈였습니다.[8]기원전 6세기에, 그리스 화병에 자주 묘사되는 디오니시악으로 알려진 여성들이 술의 신 디오니소스를 기념하며 미친 듯이 춤을 추는 동안, 합창단은 그리스 연극의 지속적인 특징이 되었습니다.[9]고대 로마에서 여성 가수들과 댄서들은 오시리스의 부활을 나타내는 미스터리 연극을 포함한 이시스의 연례 행사에서 공연을 했습니다.[10]

  • Musician and dancer, Athens, 460 BC

    음악가이자 댄서, 아테네, 기원전 460년

  • Greek dancing girl, 5th century BC

    그리스 댄싱걸, 기원전 5세기

  • Greek terracotta statuette of a dancing Maenad, 3rd century BC

    그리스의 춤추는 마에나드의 테라코타 조각상, 기원전 3세기

  • Veiled dancer, terracotta, c. 100 BC

    베일에 싸인 댄서, 테라코타, c. 기원전 100년

  • Fresco of Dionysic initiation dance, Pompei, c. 60 BC

    디오니소스적 시작 춤의 프레스코, 폼페이, c. 기원전 60년

성경에는 여성들이 춤을 추고, 특히 홍해를 건넌 후 미리암이 주도한 축하 행사들이 여러 가지 기록되어 있는데, 여성들이 춤을 추고 손북을 쳤다는 이야기가 나옵니다.[11]다윗이 골리앗을 죽이고 돌아온 뒤에, 여자들이 나와서 노래를 부르고 춤을 추었습니다.[12]신약성경에서 마태오는 세례자 요한의 머리를 받기 위해 어떻게 살로메가 헤롯을 위해 춤을 추었는지에 대한 이야기를 들려줍니다.[13]

중국과 일본

중국에도 주나라 (기원전 1046년경–256년)가 당나라 (서기 618년–907년)에 절정에 이른 이후로 여성 무용수들의 역사가 오래도록 기록되어 있습니다.[14]주나라의 여성들이 추던 합창 춤은 xi로 알려졌습니다.바이시(baixi)라고 불리는 고대의 연극 구경거리는 아마도 비단 소매가 펄럭이는 드레스를 입은 춤추는 소녀들을 포함했을 것입니다.[15]춘추시대 (기원전 771년–476년)의 문헌에는 전문적인 춤을 추는 소녀들에 대한 설명이 있고, 리룽지 황제 (685년–762년)에 의해 만들어진 니상 유이 춤은 마법의 세계에 있는 것처럼 처녀들이 춤을 춘추시대 (기원전 771년–476년)의 문헌에는 전문적인 춤꾼들에 대한 설명이 있습니다.[16]1900년대 초, 현대무용은 프랑스 주재 청나라 외교관의 딸 넬리 유룽링에 의해 중국에 처음 소개되었습니다.[17]그녀는 청나라 궁정에 있을 때 동양의 미학과 서양의 기교를 결합한 일련의 춤 스타일을 발전시켰습니다.[18]12세기 일본에서 시라요시는 춤과 시로 유명했습니다.그 중 가장 유명한 것은 당시 일본 문학에 등장하는 궁중 무용가 시즈카였습니다.[19]

  • Chinese dancer from the Tang dynasty

    당나라 때의 중국 무용수

  • Statuettes of female musicians and a dancer, Sui dynasty (c. 600 AD)

    여악상과 무용수 수나라(서기 600년경)

  • Dancing figures, Tang dynasty, 7th century

    당나라, 7세기의 인물상

  • Female dancer from the Tang dynasty

    당나라의 여성 무용수

  • Female dancer, Han dynasty

    여류무인 한나라

  • Shizuka from 12th-century Japan

    12세기 일본의 시즈카

인디아

인도에는 9개의 고전무용이 있습니다.어떤 것들은 모히니아탐과 같은 여성들에 의해서만 공연됩니다.다른 것들은 카탁과 같은 남자들과 공연을 합니다.

중세 유럽

중세 시대에 기독교가 유럽 전역에 퍼지면서, 민속 축제, 특히 5월 초에 종종 춤이 있었지만, 교회는 일반적으로 춤에 눈살을 찌푸렸습니다.프랑스와 이탈리아에서는 4세기부터 14세기까지 캐롤과 같은 사슬 춤과 원형 춤이 유행했습니다.[20]그들은 대개 남녀가 손을 잡고 끼어드는 가운데 닫힌 원 안에서 춤을 추었습니다.[21]이탈리아에서, 나폴리의 활기찬 소금사렐로는 14세기와 15세기에 인기를 끌었습니다.남장을 한 여러 무리의 궁인들이 가면극에서 이 춤을 추었습니다.[22]

발레의 등장

15세기에 이탈리아의 궁중 축제는 더욱 정교해졌고, 종종 격식을 차리는 춤이 특징이었습니다.초기의 거장들 중 한 명은 도메니코 다 피아첸차 (1400년경–1470년경)로 춤의 매뉴얼을 편찬했습니다:두센디로 소금과 요리를 즐깁니다.[23]프랑스에서도 1580년대 초 퐁텐블로에서 무용수들이 프랑스의 헨리 3세를 위해 공연했을 때 전문적인 춤이 구체화되기 시작했습니다.더 많은 발표가 루이 13세를 위해 이루어졌는데, 그는 자주 직접 주요 부분을 맡았습니다.그러나 무엇보다도, 발레라고 알려진 것을 위한 기초가 세워진 것은 루이 14세 (1643–1715)의 통치 기간 동안이었습니다.그 왕은 춤의 규칙들을 적었을 뿐만 아니라, 1661년에 Académie Royale de Dance를 설립했고, 그것은 오늘날 파리 오페라 발레단으로 발전했습니다.[5]초기의 많은 발레들은 이탈리아계 프랑스인 작곡가인 Jean Baptiste Lully와 프랑스 안무가인 Pierre Beauchamp에 의해 만들어졌고, 종종 Molière의 도움을 받았습니다.[24]

처음에, 초기 발레의 여성 부분은 젊은 남자들이 맡았지만, 1681년에, 마드모아젤 드 라퐁텐으로 알려진 젊은 여성이 Lully의 "Le Triomphe de l'amour"에서 춤을 췄습니다.[25]그녀는 1681년과 1693년 사이에 파리 오페라에서 적어도 18개의 다른 작품에서 선두적인 발레리나가 되었으며, 발레에서 여성의 가장 중요한 중요성을 확립했습니다.[26]드 라퐁텐은 1699년 클로드 발롱과 함께 출연했을 때 런던에서 공연한 최초의 발레리나가 된 마리 테레즈 드 수블리니가 뒤를 이었습니다.[27]아름다운 눈과 아름다운 몸매로 당대 최고의 발레리나라고 일컬어지는 서브리니는 1688년부터 1707년 은퇴할 때까지 파리 오페라에서 춤을 췄습니다.[28]

오페라의 다음 주역 무용수는 정확성, 가벼움 그리고 우아함이 고전 발레에 많은 기여를 한 Françoise Prévost (1680–1741)였습니다.[29]그녀는 지휘자 장-페리 리벨에게 발레를 위한 특별한 스위트룸을 작곡하라고 설득했습니다.그의 카프리스, 부타데, 레 카락테레스 드 라당스, 라 테르프시코르는 그녀에게 상당한 성공을 가져다 주었습니다.특히, 카프리스의 단계에 대한 그녀의 개인적인 해석은 다른 솔로 가수들에게 본보기가 되었고, 카락테레를 남성과 여성 모두의 다른 유형의 연인을 보여주는 시퀀스로 변화시켰습니다.프레보스트는 두 명의 매우 성공적인 무용수인 마리 카마르고 (1710–1770)와 마리 살레 (1707–1756)를 훈련시켰는데, 그들은 각자 개성적인 스타일을 발전시키면서 그녀의 카락테레에 개인적인 선호를 더했습니다.그들은 그녀가 1730년에 오페라에서 은퇴한 후에 그녀의 발레리나 자리를 대신했습니다.[30][31]

카마르고는 그녀의 눈부신 발놀림(특히 그녀의 엔트레코드 à quatre)의 결과뿐만 아니라 약간 짧은 치마와 새로운 머리 스타일을 선보였기 때문에 엄청난 성공을 거두었습니다.[32]그녀는 또한 하이힐 신발을 버리고 더 힘든 일상을 실행할 수 있도록 댄싱 슬리퍼를 선보였습니다.[33]카마르고는 이전에 남자들만 추던 힘든 일상을 춤으로써 발레리나의 이미지를 더욱 공고히 했습니다.[34]

살레는 전통적인 발레를 지지하는 사람들이 선호하는 기술을 능숙하게 보여주는 것보다 발레에서 더 많은 것을 추구했습니다.그녀는 음악, 스텝, 장식, 의상이 모두 발레 액션이라고 알려진 것에서 팬터마임과 춤을 결합한 우아하고 표현적인 공연에 기여해야 한다고 믿었습니다.파리 오페라의 많은 사람들이 그녀의 견해를 공유하지 않았기 때문에, 그녀는 좀 더 자유로운 런던으로 옮기기로 결정했습니다.코벤트 가든에서 그녀는 1734년 그녀가 직접 안무한 발레인 피그말리온의 갈라테아로 센세이션을 일으켰습니다.발레리나의 일상적인 복장을 버리고, 그녀는 심플한 모슬린 튜닉을 입고 머리를 어깨 위로 자유롭게 내리는 것을 선택했습니다.[35]이듬해, 그녀는 큐피드 역할을 하면서 심지어 남자 옷을 입기로 결정했지만, 비평은 극도로 비판적이었습니다.그 결과, 그녀는 파리로 돌아왔고 그곳에서 33세의 젊은 나이로 1740년 은퇴할 때까지 오페라 극장에서 춤을 췄습니다.그 후, 그녀는 때때로 베르사유의 궁정을 위해 춤을 추었습니다.[30]

18세기 후반 동안 파리 오페라의 지배적인 스타는 마리 마들렌 귀마르였는데, 그는 살레의 기술이 없었을지 모르지만, 그럼에도 불구하고 그녀의 감각적인 움직임과 수많은 구혼자들 그리고 이국적인 의상으로 인정받았습니다.다른 스타들은 1756년 파리 오페라단에 입단한 마리 알라드 (1738–1802)를 포함하고 있는데, 그녀는 그곳에서 가에탄 베스트리스에게 훈련을 받았고, 에투아일 뿐만 아니라 그의 아내도 되었습니다.비록 그녀는 다소 통통하고 자주 임신을 했지만, 인상적인 발놀림으로 찬사를 받았습니다.[36]

낭만발레

여성 발레 무용수들에게 가장 성공적인 시기는 낭만주의 발레의 위대한 스타가 되었던 1830년대와 1840년대쯤입니다.이탈리아계 스웨덴인인 마리 타글리오니 (1804–1884)는 1832년에 라 실피데를 추었을 때 파리 오페라에서 뛰어났을 뿐만 아니라 1847년에 은퇴할 때까지 상트페테르부르크의 마린스키 발레단과 베를린, 밀라노, 런던 무대까지 그녀의 명성을 확장시켰습니다.유럽 전역에서 유행한 드레스와 헤어스타일링에 새로운 패션을 도입하면서 발레의 포인트(발가락 끝에서 춤을 추는 것)를 발전시킨 것은 그녀였습니다.오스트리아의 패니 엘슬러 (1810–1884)는 Le Diable Boiteux에서 바람둥이 스페인 카추차를 추면서 명성과 부를 얻었고, 오스트리아, 독일, 프랑스, 영국, 러시아뿐만 아니라 미국에서도 공연을 했습니다.그럼에도 불구하고, 1845년 그녀는 경쟁자인 마리 타글리오니, 카를로타 그리시, 패니 세리토, 루실 그란과 함께 쥘 페로의 파스 드 콰트레에서 춤을 추는 것을 거부했습니다.[37][38]

런던의 여왕 폐하의 극장에서 공연된, Pas de Quatre는 그 시대의 가장 위대한 4명의 발레리나들을 한데 모으면서 돌풍을 일으켰습니다.마리 타글리오니 외에도, 이탈리아의 그리시 (1819–1899)는 지젤로 파리와 상트페테르부르크에서 모두 유명해진 반면, 나폴리 출신의 세리토는 밀라노의 라 스칼라의 스타가 되었습니다.그란(1819–1907)은 보논빌에 의해 훈련을 받은 데인으로 파리에 기반을 두었지만 독일에 정착하기 전에 런던, 상트페테르부르크, 밀라노에서도 춤을 췄습니다.[37]

19세기 후반에 몇몇 유명한 이탈리아 발레리나들이 나타나 러시아에서 절정에 이르렀습니다.이탈리아 태생의 버지니아 주치 (1849–1933)는 이탈리아와 독일에서 처음 춤을 췄지만 러시아에서 마리우스 페티파의 발레에 대한 그녀의 해석은 매우 성공적이어서 차르는 상트페테르부르크의 마린스키 발레단에 합류해야 한다고 주장했습니다.1880년대 중반, 그녀는 코펠리아, 라필레 말 가르데, 그리고 라 에스메랄다에 출연했고, 그녀의 공연의 비범한 힘으로 러시아에서 발레에 혁명을 일으켰습니다.[39]밀라노 출신의 Pierina Legnani (1863–1930)도 비슷한 길을 따라 1892년부터 마린스키 극장에서 춤을 추었고 신데렐라, 백조의 호수, Raymonda를 포함한 Petipa의 발레에서 유명한 역할을 시작하여 prima ballerina as soluta라는 칭호를 얻었습니다.[40]역시 밀라노 출신인 Carlotta Brianza (1867–1930)는 La Scala에서 처음 명성을 얻었고, 그 곳에서 그녀는 미국을 순회했습니다.그녀는 무엇보다도 1890년 쁘띠파의 잠자는 숲속의 미녀 초연에서 오로라를 춤추며 기억되고 있습니다.[41][42]

  • Virginia Zucchi in La Esmeralda (1886)

    버지니아 주키 인 라 에스메랄다 (1886)

  • Pierina Legnani in La Perle (1896)

    피에리나 레그나니 인 라 페를레 (1896)

  • Carlotta Brianza in La Esmeralda (c. 1890)

    카를로타 브리아냐 인 라 에스메랄다 (c. 1890)

20세기 발레

발레에 대한 새롭고 더 역동적인 접근법은 20세기 초부터 발전했는데, 가장 영향력 있는 것은 안무가, 작곡가, 무용수 사이의 혁신적인 협력을 촉진하는 세르게이 디아길레프의 발레 루스입니다.[43]1909년 발레 뤼스에 입단하기 전 미하일 포킨이 안무한 '죽어가는 백조'를 추면서 명성을 얻은 안나 파블로바(1881–1931)가 초기 스타 중 한 명이었습니다.[44]그녀의 라이벌인 타마라 카르사비나는 발레 러스와 함께 공연을 하기도 했는데, 무엇보다도 포킨의 불새에서 주연을 맡았던 것으로 기억됩니다.[45]올가 스페시브체바 (1895–1991)는 상트페테르부르크에서 마린스키 가족과 춤을 췄고, 런던에서 디아길레프의 잠자는 공주 (1921)에서 오로라를 추며 발레 러스 가족과 함께 투어를 했습니다.[46]

런던에서도 발레가 발전하기 시작했는데, 이는 주로 두 여성의 노력 덕분입니다.폴란드 태생의 마리 램버트(1888–1982)는 발레 러스(Ballet Russes)와 함께 경험을 쌓았고 1926년 프레데릭 애슈턴(Frederick Ashton)과 같은 새로운 안무가들을 소개하며 발레 클럽(이후 램버트 무용단)을 설립했습니다.더욱 영향력이 큰 Ninete de Valois (1898–2001)는 1931년 런던의 Vic-Wells 발레단 (후에 왕립 발레단이 됨)을 만들기 전에 발레 러스와 3년을 보냈습니다. 그곳에서 Alicia Markova (1910–2004)는 마린스키의 고전 작품에서 발레에 출연했던 최초의 프리마 발레리나였습니다.Markova는 1937년에 그녀 자신의 여행 회사를 만들기 위해 떠났습니다.10년 후 마고 폰테인 (1919–1991)은 발레단의 수석 발레리나가 되었습니다.[47]그녀의 명성은 1961년에 그녀가 처음에 지젤에서 루돌프 누레예프와 동업을 시작한 후 1979년에 은퇴할 때까지 계속되었습니다.[48]

미국에서 발레가 발달하면서 미국 최초의 주요 발레리나인 마리아 톨치프(1925–2013)는 1942년 뉴욕의 몬테카를로 발레단에 입단했을 때 안무가 브로니슬라바 니진스카(1891–1972)에 의해 홍보되었습니다.그녀는 1944년 조지 발란치네의 '노르웨이의 노래' 편곡에서 솔로로 춤을 췄습니다.발란친의 아내로서 그녀는 곧 뉴욕 발레단의 스타가 되었습니다.[49]루시아 체이스(Lucia Chase, 1897–1986)는 1939년 아메리칸 발레 극장(American Ballet Theatre)의 공동 설립자였으며 40년 이상 동안 다양한 새로운 발레 제작을 감독하며 예술 감독이 되었습니다.[50]불과 17살 때 '불새'에서 주연을 맡았던 겔시 커클랜드(1952년생)[51]와 1965년 발란치네의 '돈키호테'의 주인공이었던 수잔 패럴(1945년생)을 포함한 여러 뛰어난 미국 발레리나들이 수년간 나타났습니다.[52]

다른 형태의 춤

플라멩코 댄서

여성들은 또한 대부분의 다른 형태의 춤, 특히 플라멩코, 현대무용, 표현주의 춤, 벨리댄스, 그리고 뮤지컬 연극으로 이어진 카바레에 상당한 기여를 했습니다.[53]

플라멩코

플라멩코 음악은 15세기에 스페인의 남쪽에서 시작되었는데, 아마도 인도에서 기원했을 가능성이 있는 무어인들의 영향 때문이었을 것입니다.18세기에 등장한 많은 가수들이 남성이었던 반면, 여성들은 점점 무용수로서 명성을 얻고 있습니다.[54]가장 초기의 사람들 중 한 명은 가수 실버리오 프랑코네티와 함께 세비야에서 처음 공연을 했지만 곧 스페인뿐만 아니라 유럽 전역에서 인기를 끌었던 후아나 라 마카롱(1860–1947)이었습니다.[55]롤라 플로레스(1923–1995)는 안달루시아의 민속, 특히 플라멩코, 코플라, 초티스를 노래하고 춤추는 것으로 기억됩니다.[56]안젤리타 바르가스(Angelita Vargas, 1946년 ~ )는 안달루시아 플라멩코 춤의 가장 위대한 스타 중 한 명으로 여겨지며 유럽, 미국, 일본, 호주를 순회합니다.[57]

미국의 현대무용

여성들에 의해 이끌려, 19세기 말에 다양한 양식의 현대 무용이 발전하기 시작했습니다.시카고 출신의 로이 풀러(Loie Fuller, 1862–1928)는 선구자 중 한 명이었습니다.그녀는 움직임과 즉흥성에 그녀만의 자연스러운 접근법을 사용했고, 나중에 파리의 폴리 베르제르에서 스타가 되었습니다.[58]그리스 예술에 영감을 받은 샌프란시스코 출신의 이사도라 던컨(1877–1927)은 고전 발레의 계율을 따르는 것보다 움직임을 통해 삶의 본질을 표현하는 것이 더 중요하다고 믿으며 현대 자유 무용 양식의 길을 열었습니다.[59]뉴저지의 한 농장에서 자란 루스 가. Denis (1879–1968)는 영성주의의 표현으로서 동양 무용에 대한 자신의 해석을 발전시켰습니다.[60]미국인 마사 그레이엄(1894–1991)은 뉴욕에 기반을 둔 마사 그레이엄 현대 무용 센터(Martha Graham Center of Contemporary Dance)를 통해 현대 무용의 발전에 상당한 영향을 끼쳤습니다.[61]20세기 중반의 발전에 기여한 다른 여성 인물들로는 아프리카계 미국인의 영혼을 안무한 도리스 험프리 (1895–1958)와 초기 뮤지컬을 안무하는 데 중요한 역할을 한 헬렌 타미리스 (1905–1966)가 있습니다.[62][63]브로드웨이 뮤지컬의 또 다른 주요 안무가는 메리 위그먼의 제자였던 독일 태생의 하냐 홈이었습니다.[64]

표현주의 댄스

독일인 메리 위그맨은 표현주의 춤의 창시자로 인정받고 있습니다.동양의 타악기에 영감을 받아, 그녀는 종종 마카브르를 강조했습니다.[65]역시 독일 출신인 헤르타 페이스트(Hertha Feist, 1896–1990)는 표현주의 무용수이자 안무가였습니다.비록 그녀의 야망은 나중에 나치에 의해 심각하게 축소되었지만, 그녀는 체조와 나체주의 그리고 춤을 결합하여 베를린에 그녀만의 학교를 세웠습니다.[66]Wigman의 동료이기도 한 Gret Palucca (1902–1993)는 1920년대와 1930년대에 독일에서 그녀 자신의 학교를 열었지만, 나중에 그녀의 유대인 혈통 때문에 학교는 문을 닫았습니다.[67]그녀의 학생 중 한 명인 Dore Hoyer (1911–1967)는 Mary Wigman의 동료였고, 독일, 네덜란드, 덴마크 그리고 스웨덴에서 2차 세계대전이 일어나기 전에 자신의 프로그램을 개발했습니다.전쟁이 끝난 후 그녀는 함부르크 국립 오페라 극장의 발레 감독이 되었습니다.[68]

벨리댄스

벨리댄스는 먼 과거에 그 기원이 있는 것으로 보이지만, 19세기 말에 유럽과 북미에 소개되었습니다.이집트의 몇몇 영화배우들은 1930년대와 1940년대의 뮤지컬에서 벨리댄스를 선보였습니다.[69]초창기의 스타들은 타히아 카리오카 (1919–1999), 사미아 가말 (1924–1994), 넬리 마즐룸 (1929–2003)을 포함했습니다.[70]1960년대부터, 벨리댄스는 달릴라(1936–2001), 달레나(1933–2007), 세레나(1933–2007)를 포함한 스타들과 함께 미국 전역에서 점점 인기를 끌게 되었습니다.[71]

카바레

여성들은 1890년대 파리의 카바레에서 노래와 춤을 추기 시작했는데, 가슴과 엉덩이를 강조하는 고혹적인 동작을 도입해 여성의 신체를 강조했습니다.폴리 베르제르에서 공연하기 위해 파리 오페라를 떠난 클레오 드 메로드(1875-1966)를 제외하고, 그들 대부분은 정식 훈련을 받지 않았습니다.[72]주요 안무가는 폴리 베르제르와 오페라 코미크의 발레 감독이 된 알제리 태생의 마리키타 (1830–1922)였습니다.그 시기의 스타들은 1890년 샤를 프랑코니의 서커스에서 명성을 얻었던 갈리시아 출신의 스페인인 라 벨 오테로,[73] 폴리 베르제르에서 춤을 춘 에밀리앙 달랑송 (1869–1946), 1905년 인도네시아에서 영감을 받은 사원 춤으로 유명해진 네덜란드 태생의 마타 하리 (1876–1917)를 포함합니다.처음에는 파리에서, 그 다음에는 다른 유럽의 수도에서.[72][74]라 굴루 (1866–1929)는 1890년대 물랭 루즈에서 캉캉을 추었던 것으로 기억됩니다.[75]

아프리카계 미국인의 춤

제2차 세계대전 이전에 인종차별은 무용에 극적인 영향을 미쳤습니다.이 기간 동안 그들은 흑인들이 부유한 백인들을 기쁘게 하기 위해 만든 스윙, 지터버그, 린디 홉과 같은 사교 댄스를 췄습니다.대공황 시절에 춤은 행복을 찾기 위한 방법이었고, 춤은 인종을 하나로 모았고, 심지어 보는 것만으로도 사람들이 이미 겪고 있는 것에 대해 기분이 좋아졌기 때문에 춤은 치료나 약물이었습니다.제2차 세계대전 이후, 춤은 이제 막 시작했을 때도 누구나 쉽게 배울 수 있는 것으로 변화되었습니다.그것은 모두가 즐길 수 있는 길거리 사교춤이 되어가고 있었고, 인종차별이 있었지만, 다른 방식으로 춤은 삶을 즐길 수 있는 하나의 방법이었고, 새로운 즐거움을 주는 방법이었습니다.찰스턴(Charleston), 패팅 주바(Pattin' Juba), 자이브(Jive), 스팽크 더 베이비(Bunke the baby), 부기 백(Boogie Back)과 같은 다른 춤들은 흑인 사회와 댄스 및 소셜 댄스의 많은 다른 공동체의 주요 댄스 주식이 되었습니다.이러한 춤 스타일들은 오늘날의 재즈 기법의 기초를 세웁니다.

참고 항목

참고문헌

  1. ^ "Egyptia Dance and Music". Kibbutz Reshafim. Retrieved 4 April 2014.
  2. ^ Patricia Spencer. "Female Dance in Ancient Egypt" (PDF). The Raqs Shardi Society. Retrieved 4 April 2014.
  3. ^ "Pre-History & Archaeology". National Museum, Janpath, New Delhi. Archived from the original on 6 January 2019. Retrieved 4 April 2014.
  4. ^ Elisabeth Gouet. "Les grands courants de la danse" (PDF) (in French). Académie de Bordeaux. Retrieved 2 April 2014.
  5. ^ a b c Michel Landry. "La Danse au fil des âges" (in French). CÉGEP du Vieux Montréal. Retrieved 2 April 2014.
  6. ^ "Dance in classical Greece". Encyclopædia Britannica. Retrieved 6 April 2014.
  7. ^ Calame, Claude (1 January 2001). Choruses of Young Women in Ancient Greece: Their Morphology, Religious Role, and Social Functions. Rowman & Littlefield. pp. 35–. ISBN 978-0-7425-1525-3.
  8. ^ "Terpsichire". Encyclopædia Britannica. Retrieved 6 April 2014.
  9. ^ "History of Dance: Dance and Music". History World. Retrieved 4 April 2014.
  10. ^ Edward I. Bleiberg, ed. (2005). "Women in Ancient Music: Arts and Humanities Through the Eras". Gale: Student Resources in Context. Retrieved 6 April 2014.
  11. ^ Carol Meyers. "Women with hand-drums, dancing: Bible". Jewish Women's Archive. Retrieved 4 April 2014.
  12. ^ "1 Samuel 18:6". Bible Hub. Retrieved 8 April 2014.
  13. ^ "John the Baptist Beheaded, Matthew 14-14". Bible Gateway. Retrieved 6 April 2014.
  14. ^ Zehou Li (2009). The Chinese Aesthetic Tradition. translated by Maija Bell Samei. University of Hawaii Press. p. 5. ISBN 978-0824833077.
  15. ^ The Early History of Chinese Theatre. Theatre Academy Helsinki. ISBN 978-952-9765-56-0. Archived from the original on 21 October 2017. Retrieved 6 April 2014.
  16. ^ Yaron Margolin. "Dance History of China". Israel Dance. Retrieved 6 April 2014.
  17. ^ Witchard, Anne (15 October 2019). "Dancing Modern China". modernismmodernity.org. Retrieved 20 February 2022.
  18. ^ Xiao, Huang (27 December 2021). "Alle origini della screendance in Cina: Visioni (Xiang 象) in trasformazione e forme (Xing 形) artistiche". Danza e Ricerca: Laboratorio di Studi, Scritture, Visioni (in Italian) (13). doi:10.6092/issn.2036-1599/14130. Retrieved 20 February 2022.
  19. ^ "History of the Geisha, Part One: 1100AD - 1750AD". Immortal Geisha. Retrieved 9 April 2014.
  20. ^ "Danses médiévales et renaissance" (in French). La Marotte. Retrieved 6 April 2014.
  21. ^ Mullally, Robert (2011). The Carole: A Study of a Medieval Dance. Farnham, Surrey, England: Ashgate. pp. 41–50. ISBN 978-1-4094-1248-9.
  22. ^ Caroso, Fabritio (1995). Courtly Dance of the Renaissance: A New Translation and Edition of the Nobiltà Di Dame (1600). Courier Dover Publications. pp. 43–. ISBN 978-0-486-28619-8.
  23. ^ "De arte saltandi et choreas ducendi". pbm.com. Retrieved 8 April 2014.
  24. ^ "History of Ballet". Northeastern University. Retrieved 8 April 2014.
  25. ^ "La Fontaine". Encyclopædia Britannica. Retrieved 9 April 2014.
  26. ^ "Mlle de Lafontaine". Oxford Reference. Retrieved 9 April 2014.
  27. ^ "Marie-Thérèse Subligny". Oxford Reference. Retrieved 9 April 2014.
  28. ^ "Le Triomphe de l'amour" (in French). Le magazine de l'opéra baroque. Archived from the original on 1 March 2014. Retrieved 9 April 2014.
  29. ^ "Françoise Prévost". Encyclopædia Britannica. Retrieved 9 April 2014.
  30. ^ a b Brooks, Lynn (2007). Women's Work: Making Dance in Europe Before 1800. Univ of Wisconsin Press. pp. 131–. ISBN 978-0-299-22530-8.
  31. ^ Greskovic, Robert (2005). Ballet 101: A Complete Guide to Learning and Loving the Ballet. Hal Leonard Corporation. pp. 19–. ISBN 978-0-87910-325-5.
  32. ^ "Marie Camargo". Encyclopædia Britannica. Retrieved 9 April 2014.
  33. ^ Kassing, Gayle (2007). History of Dance: An Interactive Arts Approach. Human Kinetics. pp. 113–. ISBN 978-0-7360-6035-6.
  34. ^ "La Danseuse : Evolution et Révolution: Les années 1700 à 1750: Les premières danseuses à l'Opéra" (in French). Mount Holyoke. Retrieved 10 April 2014.
  35. ^ Garfunkel, Trudy (2002). On Wings of Joy. E-reads/E-rights. pp. 20–. ISBN 978-0-7592-2862-7.
  36. ^ "La Danseuse: Evolution et Révolution: Les années 1750 à 1830" (in French). Mount Holyoke. Retrieved 11 April 2014.
  37. ^ a b "Romantic Ballet". Victoria and Albert Museum. Retrieved 16 April 2014.
  38. ^ "La Danseuse: Evolution et Révolution: Les années 1830 à 1848:La danse romantique" (in French). Mount Holyoke. Retrieved 16 April 2014.
  39. ^ "Virginia Zucchi". Oxford Index. Retrieved 17 April 2014.
  40. ^ "Pierina Legnani". Oxford Reference. Retrieved 17 April 2014.
  41. ^ "Carlotta Brianza". Oxford Index. Retrieved 17 April 2014.
  42. ^ Praagh, Peggy Van; Brinson, Peter (1963). The choreographic art: an outline of its principles and craft. Knopf.
  43. ^ Kirstie Brewer (13 October 2010). "Diaghilev's Golden Age of the Ballets Russes dazzles London with V&A display". Culture24. Retrieved 23 April 2014.
  44. ^ "The Legendary Anna Pavlova". Russian Ballet History. Retrieved 23 April 2014.
  45. ^ "Diaghilev's dancers". Russian Ballet History. Retrieved 23 April 2014.
  46. ^ "Olga Spessivtseva" (in French). Les étoiles de l'Opéra de Paris. Retrieved 23 April 2014.
  47. ^ "The Establishment of British Ballet". V&A. Retrieved 23 April 2014.
  48. ^ "Rudolf Nureyev and Margot Fonteyn, the perfect partnership". Rudolf Nureyev Foundation. Retrieved 23 April 2014.
  49. ^ Jack Anderson (12 April 2013). "Maria Tallchief, a Dazzling Ballerina and Muse for Balanchine, Dies at 88". New York Times. Retrieved 24 April 2014.
  50. ^ Anna Kisselgoff (19 January 1986). "Dance View: Lucia Chase Helped Create the Ballet World we Know". New York Times. Retrieved 24 April 2014.
  51. ^ "Gelsey Kirkland". Biography.com. Retrieved 24 April 2014.
  52. ^ "Suzanne Farrell Biography". Academy of Achievement. Retrieved 24 April 2014.
  53. ^ "Dance Forms: An Introduction". ArtsAlive.ca. Retrieved 17 April 2014.
  54. ^ "Flamenco: Evolución. Etapa Hermética. Primeros cantaores" (in Spanish). Andalucía.org. Retrieved 18 April 2014.
  55. ^ "La Macarrona" (in Spanish). Noticias y Ocio. Retrieved 18 April 2014.
  56. ^ "Lola Flores". Andalucia.com. Retrieved 18 April 2014.
  57. ^ "Angelita Vargas" (in French). Apsâra Flamenco. Retrieved 18 April 2014.
  58. ^ "Loie Fuller". Dance: National Arts Centre. Retrieved 18 April 2014.
  59. ^ "The Beginnings of Modern Dance". Miami Dade College. Retrieved 18 April 2014.
  60. ^ "Ruth St. Denis (1879—1968): America's Divine Dancer" (PDF). Dance Heritage Coalition. Retrieved 18 April 2014.
  61. ^ "Martha Graham". Oxford Reference. Retrieved 20 April 2014.
  62. ^ Henderson, Lol; Stacey, Lee (2014). Encyclopedia of Music in the 20th Century. Routledge. pp. 41–. ISBN 978-1-135-92946-6.
  63. ^ Pauline Tish. "Helen Tamaris". Jewish Women's Archive. Retrieved 20 April 2014.
  64. ^ Jennifer Dunning (4 November 1992). "Hanya Holm Is Dead at 99; Influential Choreographer". New York Times. Retrieved 20 April 2014.
  65. ^ "Expressionistic Dance: Mary Wigman". Twentieth Century Dance. Retrieved 18 April 2014.
  66. ^ Frank-Manuel Peter. "Feist" (in German). SK Stiftung Kultur. Retrieved 19 February 2014.
  67. ^ "Gret Palucca" (in German). Akademie der Künste. Retrieved 19 April 2014.
  68. ^ "Dore Hoyer (1911-1967)" (in German). SK Stiftung Kultur. Retrieved 19 April 2014.
  69. ^ "Bellydance Unveiled: A Brief History". Aleenah.com. Retrieved 20 April 2014.
  70. ^ Hammond, Andrew (2007). Popular Culture in the Arab World: Arts, Politics, and the Media. American Univ in Cairo Press. pp. 192–. ISBN 978-977-416-054-7.
  71. ^ Helen Waldie. "Belly Dance History ~ An American Odessey: A History of Modern US Bellydance". IAMED. Retrieved 20 April 2014.
  72. ^ a b "La Danseuse: Evolution et Révolution: Les années 1890 à 1914: La Belle Epoque". Mount Holyoke. Retrieved 21 April 2014.
  73. ^ "La Belle Otero, emblème de la Belle Époque" (in French). Histoire par l'image. Retrieved 21 April 2014.
  74. ^ "Mata Hari: Spy, Dancer (1876–1917)". bio. Retrieved 22 April 2014.
  75. ^ "Weber Louise, dit La Goulue (1866-1929)" (in French). Amis et Passionnés du Père-Lachaise. Archived from the original on 12 August 2014. Retrieved 22 April 2014.

문학.