캐릭터 댄스
Character dance |
캐릭터 댄스는 고전 무용의 특정한 세분이다.주로 유럽 국가에서 온 전통 민속 무용이나 민족 무용의 양식화된 표현이며 극장에 맞게 각색된 동작과 음악을 사용합니다.
캐릭터 댄스는 많은 고전 발레 레퍼토리에 필수적입니다.발레에서 캐릭터 댄스의 좋은 예는 백조의 호수 2막의 시작에서 일어나는 일련의 민족무용이다.발레 '돈키호테'는 또한 스페인 전통 무용에 기초한 많은 캐릭터 변형을 특징으로 한다.발레의 인기 있는 캐릭터 춤은 헝가리, 러시아, 폴란드, 이탈리아 그리고 스페인의 국가 무용인 csarrdas, mazurka, 타란텔라, 플라멩코 등을 포함한다.
수업요강에 캐릭터 댄스를 접목시킨 가장 잘 알려진 학교 중 하나는 Vaganova Ballet [1]Academy이다.러시아와 구소련 공화국 이외에는 캐릭터 댄스에 대한 훈련이 거의 없다.그러나 영국, 호주, 중앙 유럽(체코, 헝가리)에서는 여전히 널리 가르치고 있으며, 이곳은 왕립발레학교와 호주발레학교 학생들의 훈련에 필수적입니다.영국 왕립무용아카데미, Statni Konzervator Praha의 등급별 시험 요강 내에서 별도의 기술로 가르친다.다른 곳에 있는 대부분의 공연단이나 학교들은 이런 스타일의 역사나 기술에 익숙하지 않다.그러므로 캐릭터 댄스라는 용어는 발레 용어의 원래 정의와는 무관한 오해를 불러일으키는 방법으로 종종 사용된다.
유리 슬로님스키는 그의 책 볼쇼이 발레단(1960년 제2판, 페이지 8)에서 캐릭터 댄스의 역사에 대해 다음과 같이 쓰고 있다.
모스크바 극장은 처음에는 궁정의 후견으로부터 자유로웠기 때문에 번창했다.또 다른 중요한 요인은 모스크바 사람들 사이에서 다양한 박람회와 축제의 인기였다.민속 축제, 게임, 민속 오페라 댄스 장면에서 영감을 받아 새로운 장르가 탄생한 것은 19세기 초에 이곳이다.율레타데, 시로베타데 축제 등이 춤들은 전직 고아원 수감자였던 바실리 발라쇼프가 세인트루이스 코트 스테이지의 독주자로 만든 것이다.페테르부르크와 모스크바 페트로프스키 극장의 안무가.피터스버그의 안무가 이반 발버그, A.어거스트와 그 이후의 사람들은 발라쇼프의 방법을 차용하고 개발했다.그리고 1812-14년에 찰스 디델롯과 그의 동료들이 런던의 킹스 시어터에서 열린 "러시아의 우회"에서 러시아 민속춤을 성공적으로 선보였다.
민속 전통은 수 세기 동안 발레로 알려진 것에 통합되었지만, 마리우스 페티파의 조수 알렉산드르 시라예프가 되어서야 캐릭터 댄스가 고전 발레의 필수적인 부분으로서 정당한 자리를 차지하는 독특하고 체계화된 예술 형태가 되었다.
캐릭터 댄스는 보통 신발이나 부츠를 신고 추는데, 스웨이드 밑창과 작은 굽이 있다.남성들은 일반적으로 검은색 캐릭터 신발을 신고 여성들은 일반적으로 더 크고 여성스러운 굽이 있는 살색 신발을 신지만 때로는 검은색 신발도 신는다.
