B영화

다음에 대한 시리즈 일부
B 영화
저예산 영화 할리우드 골든 에이지 1950년대 전환 착취 붐 1980년대 이후 Z영화
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B영화나 B영화는 저예산 상업영화다.원래 용어로, 할리우드의 골든 에이지 시절에는 배급이 목적이었던 영화들을 이중 장편(녹음된 음악의 경우 B-side에 해당)의 덜 공개된 하위 부분으로 보다 정확하게 식별했다.그러나 제2의 장점으로 의도된 미국의 영화 제작은 1950년대 말에 대부분 중단되었다.당시 상업용 텔레비전이 등장하면서, 영화 스튜디오 B 영화 제작 부서는 저예산 영화와 시리즈에서 거의 같은 종류의 콘텐츠를 제작하는 텔레비전 영화 제작 부서로 바뀌었다.B영화라는 용어는 오늘날까지 더 넓은 의미로 계속 사용되고 있다.골든 에이지 이후의 사용법에는 애매모호한 측면이 있다: 한편으로, 많은 저가 착취 영화들의 주된 관심사는 초지적인 반면, 많은 B 영화들은 높은 수준의 공예와 미학적 독창성을 보여준다.

두 가지 용법 모두, 대부분의 B 영화는 특정한 장르를 대표한다. 서구는 골든 에이지 B 영화의 주요종목인 반면, 저예산 공상과학과 공포 영화는 1950년대에 더 인기를 끌었다.초기 B 영화는 종종 스타들이 같은 캐릭터를 반복해서 연기하는 시리즈의 일부였다.거의 항상 최고 권위의 장편 영화보다 짧았지만,^[1] 많은 영화들은 상영시간이 70분 이하였다.이 용어는 B 영화가 더 많은 예산을 투입한 헤드라이너들보다 열등하다는 일반적인 인식을 내포했다; B 개별 영화는 종종 비평가들에 의해 무시되었다.

최근 B 영화는 여전히 때때로 여러 속편을 자극하지만, 시리즈는 덜 흔하다.최고급 영화의 평균 상영시간이 늘어나면서 B 영화도 상영시간이 늘어났다.현재의 사용법에서, 이 용어는 다소 모순된 의미를 가지고 있다: 그것은 특정 영화가 ⑴ 최소한의 예술적 야망을 가진 장르 영화 또는 ⑵ 보다 값비싼 프로젝트에 부과되는 제약에 구속되지 않고, 그리고 putterpositively 진지한 독립영화의 관습에 의해 부담되지 않는 활기차고 활기찬 영화라는 의견을 나타낼 수 있다.이 용어는 또한 현재 일반적으로 전통적으로 B 영화와 연관된 장르에서 착취 스타일의 콘텐츠를 가진 몇몇 고예산 주류 영화를 지칭하기 위해 느슨하게 사용되고 있다.

B영화는 처음부터 오늘날까지 이 직업에 종사하는 사람들과 이력이 쇠퇴하고 있는 다른 사람들에게 기회를 제공했다.Anthony Mann과 Jonathan Demme과 같은 유명한 영화제작자들은 B 영화에서 그들의 기술을 배웠다.이들은 존 웨인, 잭 니콜슨 등 배우들이 처음 자리를 잡은 곳으로 빈센트 프라이스, 캐런 블랙 등 전직 A 영화배우들에게 작품을 제공한 바 있다.벨라 루고시, 에디 콘스탄티누스, 브루스 캠벨, 팸 그리어와 같은 일부 배우들은 대부분의 경력을 위해 B 영화에서 일했다.B배우라는 용어는 가끔 B그림에서 주로 또는 독점적으로 일을 찾는 연기자를 지칭하기 위해 사용된다.

역사

침묵의 시대 말기인 1927–28년에, 할리우드의 주요 스튜디오의 평균 피처 제작비는 폭스에서 19만 달러에서 메트로 골드윈 메이어에서 27만 5천 달러까지 다양했다.이 평균은 100만 달러 정도의 비용이 들 수도 있는 "특집"과 약 5만 달러에 빠르게 만들어진 영화 모두를 반영했다.이 값싼 영화들(아직 B영화라고 불리지 않음)은 스튜디오가 더 중요한 영화 제작 사이에 있는 시설과 계약된 스태프들로부터 최대한의 가치를 끌어낼 수 있게 해 주었고, 동시에 새로운 인원도 투입할 수 있게 해주었다.^[3]

컬럼비아 픽처스와 미국 영화 예약 사무소(FBO)와 같은 업계의 마이너 리그의 스튜디오들은 바로 그런 종류의 값싼 제작에 초점을 맞췄다.상영 시간이 비교적 짧은 이들의 영화는 임대료와 운영비를 절약해야 하는 극장들, 특히 소도시와 도시 근린 공연장, 즉 '나비'를 겨냥했다.'빈곤 로우' 스튜디오로 알려진 더 작은 제작사들도 3,000달러의 저렴한 비용으로 영화를 제작하여 더 큰 관심사가 남긴 틈새에서 그들이 얻을 수 있는 모든 예약을 통해 수익을 추구했다.^[4]

1929년 미국 극장에 사운드 필름이 널리 보급되면서, 많은 독립 전시자들은 당시 지배적이었던 프리젠테이션 모델을 삭제하기 시작했는데, 라이브 연기와 한 편의 장편 영화에 앞서 다양한 반바지가 포함되었다.뉴스레터, 줄임말 및/또는 연재물, 만화 등 곧 표준적인 관행이 된 새로운 프로그래밍 방식이 개발되었고, 그 다음에 이중 특집 기사가 나왔다.본 행사 전에 실제로 상영된 두 번째 특징은 반바지의 동등한 러닝 시간보다 전시자의 분당 비용이 적게 들었다.^[5]

메이저들의 소속 극장에 대한 '정확성' 규정으로 인해 독립 극장을 위한 최고 수준의 영화를 적시에 접할 수 없게 되었고, 두 번째 장편에서는 대신 수량을 홍보할 수 있었다.^[5]추가 영화는 또한 프로그램 "균형"을 제공했는데, 그것은 다양한 종류의 특징들을 조합하는 관행이 그들이 잠재 고객들에게 그들이 특별하게 계산서에 무엇이 들어있든 관심사에 의존할 수 있다는 것을 암시했다.따라서 1920년대의 저예산 그림은 헐리우드 황금기의 두 번째 장편인 B영화로 진화했다.^[6]

골든 에이지 오브 헐리우드

1930년대

주요 스튜디오들은 처음에는 이중 기능에 저항하다가 곧 기존의 모든 B 유닛을 개조하여 확장되고 있는 제 2형 시장을 위한 영화를 제공하였다.블록 예매는 일반적인 관행이 되었다: 스튜디오의 매력적인 A 사진에 접근하기 위해서, 많은 극장들은 회사의 전체 생산물을 한 시즌 동안 임대해야 했다.(A영화의 박스오피스 비율 기준이 아닌) 정액제로 대여된 B영화를 통해 모든 B영화의 수익성을 실질적으로 보장할 수 있게 되었다.블라인드 입찰의 병행적인 관행은 전공자들이 B의 품질에 대해 걱정하는 것을 대부분 자유롭게 해주었다. 심지어 계절이 채 안 되는 블록으로 예약할 때에도, 전시자들은 눈에 띄지 않게 대부분의 사진을 구입해야 했다.메트로 골드윈 메이어, 파라마운트 픽처스, 폭스 필름 코퍼레이션(1935년 현재 20세기 폭스), 워너 브라더스, RKO 라디오 픽처스(FBO의 후예) 등 5대 대형 스튜디오도 대규모 극장 체인을 보유한 회사 소속이어서 수익성을 더욱 확보했다.^[7]

가난의 행 스튜디오는 마스코트 픽처스, 티파니 픽처스, 소노 아트 월드 와이드 픽처스와 같은 수수한 의상에서부터 구두로 작업하는 작업까지, B 영화, 연재물, 기타 반바지를 독점적으로 제작하고, 완전히 독립적인 제작과 수입 영화도 배급했다.책을 직접 차단할 수 있는 위치에 있지 않은 그들은 대부분 지역 배급 배타성을 "권리" 회사에 팔았고, 이 회사들은 전시자들에게 영화 블록을 팔았고, 일반적으로 같은 스타가 등장하는 6개 이상의 사진들(빈곤란에 대한 상대적 지위)을 찍었다.^[8]유니버설 스튜디오와 떠오르는 컬럼비아 픽처스라는 두 개의 "주요 미니어처"는 최고의 영화 제작사보다 다소 나은 기부를 받았지만 거의 비슷한 생산라인을 가지고 있었다.빅파이브 전공자들과는 대조적으로 유니버설과 컬럼비아는 최고 수준의 영화 배급 교환을 했지만 극장이 거의 또는 아예 없었다.^[9]

표준 골든 에이지 모델에서는 업계 최고 상품인 A영화가 주요 도시의 소수 선별된 초점 주택에서 초연됐다.이런 명승지에서는 이중의 특징이 규칙이 아니었다.에드워드 엡스타인이 설명한 대로, "이러한 첫 상영 동안, 영화는 평을 얻고, 홍보를 얻었으며, 광고의 주요 형태 역할을 하는 입소문을 일으켰다."^[10]그 후, 그것은 이중 기능이 우세했던 후속 시장으로 넘어갔다.전공자들이 통제하는 더 큰 지역 공연장에서, 영화는 주 단위로 바뀔 수도 있다.수천 개의 소규모 독립 극장에서 프로그램은 종종 일주일에 두세 번 바뀐다.계속되는 B 신제품에 대한 수요를 충족시키기 위해, 빈곤층의 저조한 영화들은 60분을 훨씬 넘기지 않는 극소수 예산 영화들로 나타났다; 이것들은 4일이라는 짧은 시간 동안 빡빡한 제작 일정 때문에 "빠삐삐"^[11]로 알려져 있었다.

아잠 파텔은 "대도시 '그라인드 하우스'와 같은 극장에서 특정한 일정 없이 액션을 강조하는 연속적인 프로그램을 상영했으며, 때로는 매일 변하는 밤샘 쇼에서 니켈을 위한 6개의 퀵서비스를 제공하기도 했다"^[12]고 설명했다.많은 소규모 극장들은 거의 독점적으로 가난의 행 상품을 취급했던 주의 권리에 대한 우려로부터 그들의 영화를 얻으면서 큰 스튜디오 A 영화를 본 적이 없다.엡스타인은 물론 수백만 명의 미국인들이 자국 극장을 찾아갔는데, 예고편이나 스크린 프리뷰와 함께, "대부분의 영화가 광고한 광고로 새 영화의 제목과 지역 신문의 리스트를 구성했다"고 썼다.^[13]극장 자체 외에 B영화는 아예 광고가 안 될 수도 있다.

소리의 도입으로 비용이 더 많이 들었다: 1930년까지 미국의 평균 장편 영화는 제작하는데 375,000 달러가 들었다.^[14]다양한 영화들이 B 카테고리를 차지했다.일류 스튜디오들은 명확한 A와 B 영화뿐만 아니라 영화도 "프로그래머"("중간자" 또는 "중간자"로도 알려져 있다)로 분류할 수 있게 만들었다.타브스가 묘사한 것처럼 "극장의 위신과 복권 지폐에 있는 다른 재료에 따라 프로그래머가 마르퀴의 위나 아래쪽에 나타날 수 있다"고 했다.^[15]

빈곤퇴치에 대해, 많은 B들이 한 메이저 영화 A의 사소한 현금을 간신히 커버했을 예산에 대해 만들어졌고, 업계 최하위의 비용은 5천 달러까지 낮았다.^[11]1930년대 중반까지 이중 특징은 미국 전시모델이 지배적이어서 전공자들이 반응을 보였다.1935년 워너 브라더스사의 B 영화 제작은 스튜디오 생산량의 12%에서 50%로 상향 조정되었다.이 부대는 "B의 관리자"^[16]로 알려진 브라이언 포이가 지휘했다.제작 라인의 절반을 B영역으로 옮긴 폭스에서도 1930년대 후반 솔 M. 우르첼이 일년에 20편 이상의 영화를 담당했다.^[17]

다수의 최상위 빈곤층 기업들이 다음을 통합했다.소노아트는 10년 초 모노그램 픽처스를 만들기 위해 다른 회사에 입사했다.1935년에 모노그램, 마스코트, 그리고 몇몇 작은 스튜디오가 합쳐져 리퍼블릭 픽처스를 설립했다.모노그램의 전 대표들은 곧 그들의 공화국 주식을 매각하고 새로운 모노그램 제작소를 세웠다.^[18]1950년대에는 대부분의 리퍼블릭과 모노그램 제품이 메이저의 낮은 생산량과 거의 대등했다.덜 건실한 빈곤층 우려—정복, 엠파이어, 임페리얼, 그리고 비길 데 없는 것과 같은 거창한 술자리들을 좋아하기 때문에 – 계속해서 더러운 잡담들을 쏟아내고 있다.^[19]조엘 Finler 1938년에는(UnitedArtists, 훌륭한 영화의 독립적인 의상에서 유통에 관심을 기울인 한나라 활동 1936–40고, 거의 독립 p.을 빈곤하고 유사한 틈새를 점령했다 작은 생산된 Bproduction[20]에 스튜디오의 상대적인 강조하는지 여부를 나타내는 값 특징 자료의 평균 기간 분석을 해오고 있다.로드uctions^[21]:

스튜디오	카테고리	평균 기간
MGM	빅 파이브	87.9분
파라마운트	빅 파이브	76.4분
20세기 폭스	빅 파이브	75.3분
워너 브라더스.	빅 파이브	75.0분
RKO	빅 파이브	74.1분
유나이티드 아티스트스	리틀 스리	87.6분
컬럼비아	리틀 스리	66.4분
유니버설	리틀 스리	66.4분
그랜드 내셔널	가난의 행	63.6분
공화국	가난의 행	63.1분
모노그램	가난의 행	60.0분

타브스는 1930년대 8개 메이저가 제작한 영화의 절반이 B영화인 것으로 추정하고 있다.다수의 빈곤층 로어 회사들이 매년 만든 300여 편의 영화를 계산해 보면, 10년 동안 제작된 할리우드 영화의 약 75%인 4천 장이 넘는 영화들이 B로 분류된다.^[22]

1930년대와 1940년대 양쪽에서 서양은 단연 우세했던 B장르였다.^[23]Film historian Jon Tuska has argued that "the 'B' product of the Thirties—the Universal films with [Tom] Mix, [Ken] Maynard, and [Buck] Jones, the Columbia features with Buck Jones and Tim McCoy, the RKO George O'Brien series, the Republic Westerns with John Wayne and the Three Mesquiteers ...잘 만들어진 이야기의 독특한 미국적 완성도를 달성했다."^[24]영화 산업의 맨 끝에서, 빈곤층의 아약스는 당시 50대였던 해리 캐리가 주연한 오이터스를 내놓았다.와이스 의상은 레인지 라이더 시리즈, 아메리칸 러프 라이더 시리즈, 마운트된 모튼의 "북서부 액션 스릴러"가 있었다.^[25]이 시대의 저예산 영화 제작자는 스튜디오 시스템 밖에서 모든 미젯 출연을 한 서양인, 티니 타운의 테러(1938년)는 독립 예약에서 너무 성공적이어서 컬럼비아는 배급용으로 골랐다.^[26]

반복적이고 제목이 맞는 캐릭터나 이름 있는 배우들이 익숙한 역할로 등장하는 다양한 장르의 시리즈는 특히 사운드 영화 첫 10년 동안 인기가 있었다.예를 들어, 폭스의 많은 B 시리즈는 찰리 찬 미스터리, 리츠 브라더스 코미디, 아역 스타 제인 위더스와의 뮤지컬을 포함했다.^[27]이 시리즈 영화들은 때때로 같은 프로그램에 출연했던 짧고, 절벽으로 만들어진 연속물들과 혼동해서는 안 된다.그러나 연재물들과 마찬가지로, 많은 시리즈물들은 젊은이들을 끌어들이기 위한 의도였다. 즉, 쌍꺼풀 아르바이트가 "균형"되거나 전적으로 젊은 층을 지향하는 두 편의 영화를 상영할 수도 있고, 그리고 밤에는 좀 더 성숙한 관객들을 위한 한 편의 영화를 상영할 수도 있는 극장이다.한 업계 보고서에 따르면, "주부와 어린이들로 구성된 오후 영화 관람객들은 돈을 벌기 위해 양을 원하는 반면, 저녁 관객들은 '좋은 것, 너무 많이 벌지 않는 것'을 원한다"^[28]고 한다.

시리즈 영화는 종종 의심할 여지 없이 B 영화 범주에 위탁되지만, 여기에서도 애매한 점이 있다: 예를 들어 MGM에서는 앤디 하디와 킬더레-길레스피 연대기와 같은 인기 시리즈가 대부분의 작은 스튜디오에서 A급이 될 만한 스타와 예산을 가지고 있었다.^[29]많은 시리즈에서, 더 적은 소령들의 표준 B 예산조차 턱없이 부족했다: 가난의 행의 통합 사진들은 Melodramic Dog Features라는 자랑스러운 이름의 시리즈에 경찰견 타잔이 출연했다.^[30]

1940년대

1940년까지 미국 장식의 평균 제작비는 40만 달러로 10년 동안 거의 증가하지 않았다.^[14]야심찬 그랜드 내셔널을 포함한 다수의 할리우드 소규모 회사들이 10년 전으로 접어 들었지만, 새로운 회사인 PRC는 공화국과 모노그램에 이어 빈곤층 계층에서 3위로 부상했다.결코 보편적이지 않은 이중 장식은 여전히 지배적인 전시 모델이었다. 1941년, 50%의 극장이 독점적으로 더블빌링되었고, 다른 극장은 이 정책을 파트타임으로 채용했다.^[31]

1940년대 초, 법적 압력으로 스튜디오는 계절 블록 예약을 일반적으로 사진 5장으로 한정된 패키지로 바꾸어야 했다.전공자들이 블라인드 입찰을 강행할 수 있는 능력에도 제약을 가했다.^[32]이것들은 대부분의 빅 파이브가 A 영화 제작으로 전환한 진보적인 요인들로 인해 작은 스튜디오들이 B 영화 공급자로서 더욱 중요해졌다.공화국과 모노그램의 예산조차 20만 달러가 넘는 경우가 드물어 매우 저렴한 비용으로 제작된 장르영화는 빈곤층의 중추로 남아 있었다.8개 메이저가 독점적인 배급 교환을 하면서 많은 소규모의 Larvy Row 회사들은 현재 미국과 캐나다 박스 오피스 수입의 약 95%를 점유하고 있다.^[33]

1946년 독립 프로듀서 데이비드 O. 셀즈닉은 그의 비대해진 예산안을 담은 영화 '듀얼 인 더 선(Dule in the Sun)'을 전국적인 대대적인 홍보와 폭 넓은 개봉으로 시장에 내놓았다.영화의 질이 나쁘다는 인식이 널리 퍼졌음에도 불구하고 배급 전략은 큰 성공을 거두었다.^[34]듀엘 개봉은 1950년대 후반 B영화 산업에 기름을 부은 관행을 예상했는데, 그 후 20년 만에 할리우드 최고 영화사들이 기준을 만들자 B영화는 큰 타격을 받았다.^[35]

비용 이외에 고려하는 것들이 A와 B 영화의 경계를 모호하게 만들었다.B급 예산으로 촬영된 영화들은 때때로 A 사진으로 판매되거나 잠자는 히트작으로 떠올랐다: 1943년 가장 큰 영화들 중 하나는 20만 달러가 조금 넘는 RKO 스릴러물인 히틀러의 어린이였다.이 영화는 총 흥행 수입의 배급사 몫으로 300만 달러 이상의 임대료를 벌어들였다.^[36]특히 필름 누아르 영역에서는, 한 장의 사진이 일반적으로 값싼 영화와 관련된 시각적 스타일을 반영하기도 한다.유연한 전시 역할을 가진 프로그래머들은 정의상 모호했다.1948년까지 이 두 가지 특징은 인기 있는 전시 모드로 남아 있었다. 그것은 25%의 극장에서의 표준 정책이었고 36%^[37]의 추가 시간 동안 아르바이트를 사용했다.

대표적인 빈곤층 회사들은 그들의 범위를 넓히기 시작했다; 1947년, 모노그램은 대부분 독립 제작자들로부터 상대적으로 비싼 영화들을 개발하고 배급하기 위해 자회사인 Allied Artists를 설립했다.비슷한 시기에 공화국은 "프리미어" 루브릭 밑에서 비슷한 노력을 시작했다.^[38]1947년에도 PRC는 미국 시장 진출을 모색하는 영국 기업인 이글 라이온에 의해 합병되었다.Warners의 전 "B의 관리자" 브라이언 포이가 제작 책임자로 설치되었다.^[39]

1940년대에 RKO는 B 사진에 초점을 맞춘 것으로 업계의 빅 파이브에서 두각을 나타냈다.^[41]후기의 관점에서 보면, 주요 스튜디오의 골든 에이지 B 유닛 중 가장 유명한 유닛은 RKO의 Val Lewton의 공포 유닛이다.르윈은 캣피플(1942년), 좀비와 함께 걸었다(1943년), 자크 투르네우르, 로버트 와이즈 등이 감독한 <바디 스내처>(1945년) 등 변덕스럽고 미스터리한 영화들을 제작했다.^[42]현재 최초의 고전 영화 누아르로 널리 묘사되고 있는 이 영화는 RKO에서 제작되었는데, RKO는 비슷한 스타일리쉬한 분위기로 많은 멜로 스릴러를 추가로 출시했다.^[43]

다른 주요 영화사들도 1940년대 동안 현재 누아르로 밝혀진 많은 영화들을 제작했다.비록 가장 잘 알려진 많은 영화들이 A급 영화들이었지만, 대부분의 1940년대 사진들은 모호한 프로그래머 타입 중 하나이거나 혹은 지폐의 밑바닥을 향해 곧장 운명지어져 있었다.그 후 수십 년 동안, 이 값싼 오락물들은 일반적으로 그 당시에 폐기되었던 것들이 헐리우드 골든 에이지의 가장 귀중한 상품들 중 하나가 되었다.^[44]

1947년 한 샘플 해에, RKO는 몇 개의 누아르 프로그래머와 A 그림, 두 개의 연속 B 누아르와 함께 생산되었다.필사적이고 악마는 놀이기구를 탄다.^[45]그해 10개의 B누아르들은 공화, 모노그램, PRC/이글라이온의 빅3에서 나왔고, 하나는 작은 스크린 길드에서 나왔다.RKO 외에 3개 전공자가 총 5개를 더 기부했다.이 모호하지 않은 18명의 B 누아르와 함께, 12명 정도의 누아르 프로그래머들이 할리우드에서 추가로 나왔다.^[46]

그럼에도 불구하고 대부분의 메이저들의 저예산 생산은 여전히 대부분 무시되고 있다.RKO의 대표작으로는 멕시코 스핏파이어와 럼 앤 애브너 코미디 시리즈, 생과 팔콘이 등장하는 스릴러, 팀 홀트가 주연한 웨스턴스, 조니 와이즈멀러가 나오는 타잔 영화 등이 있다.장 허숄트가 닥터 역을 맡았다. 1939년과 1941년 사이에 여섯 편의 영화에서 기독교인이 나왔다.^[47]용기 있는 닥터 크리스천(1940년)은 표준 엔트리였다. "화면 상영시간 1시간 남짓에 성스러운 내과의사는 유행하는 척추수막염을 치료하고, 박탈당한 사람들에게 자비심을 보여주며, 젊은 날의 모범을 보이고, 음탕한 노처녀의 열정을 진정시키는 데 성공했다."^[48]

빈곤층에서는 낮은 예산으로 인해 완화적인 요금이 줄어들었다.공화국은 값싸고 적은 예산으로 많은 서구인들을 만들면서 메이저 리그의 존경심을 열망했지만, 청소년 범죄 폭로 같은 모노그램 '폭발 사진'과 감옥 영화 '본디지에서의 여성들'(1943)에 비하면 큰 스튜디오에서는 별로 없었다.^[49]1947년, PRC의 "악마 온 휠즈"는 십대, 핫 로드, 그리고 죽음을 불러 모았다.이 작은 스튜디오는 자신의 제작진과 비교적 자유로운 고삐를 가진 에드가 G 감독을 위한 자체적인 자가용 자동차를 가지고 있었다. 울머는 "PRC의 카프라"^[50]로 알려져 있었다.울머는 모든 일반적인 줄무늬를 영화로 만들었다: 그의 "걸스 인 체인즈"는 본디지의 여성들보다 6개월 전인 1943년 5월에 개봉되었다. 울머는 또한 십대를 주제로 한 뮤지컬 "지브 접속"과 사창가를 배경으로 한 남해의 "잊혀진 신들 섬"을 만들었다.^[51]

1950년대 전환기

1948년 연방대법원이 메이저들에 대한 독점금지 소송에서 내린 판결은 블록 예매를 금지했고 빅5가 극장 체인을 박탈하는 결과를 낳았다.관객들이 TV와 스튜디오로 소진되면서, 고전적인 이중 장식은 1950년대 동안 많은 미국 극장에서 사라졌다.주요 영화사들은 이전의 헤드라이닝 영화들을 전통적인 B 영화 대신에 두 번째 특징으로 제공하면서 재활용의 이점을 홍보했다.^[52]텔레비전이 많은 고전적인 서구인들을 방송하고 있고 자체적인 서부 시리즈를 제작하면서, 특히 B 오이터스의 영화 시장은 말라가고 있었다.1930년대에 겨우 나아간 후, 미국의 평균 장편 제작비는 기본적으로 1940년대에 비해 두 배가 되었고, 10년 대에 이르러서는 100만 달러에 달했는데, 이는 인플레이션에 적응한 후 93% 증가한 것이다.^[14]

변화하는 시장의 첫 번째 눈에 띄는 희생자는 1951년 마지막 영화를 개봉한 이글 라이온이었다.1953년까지 구 모노그램 브랜드는 사라졌고, 회사는 고급 자회사인 Allied Artists의 정체성을 채택했다.이듬해 앨라이드는 할리우드의 마지막 B시리즈 웨스턴스를 출시했다.비시리즈 B 웨스턴스가 몇 년 더 등장했지만, 값싼 세이지브러시 사가스와 오랫동안 연관되어 있던 리퍼블릭 픽쳐스는 10년 후가 되자 영화 제작에서 손을 뗐다.다른 장르에서 유니버셜은 1957년까지 마, 파 주전자 시리즈를 계속했고, 얼라이드 아티스트는 1958년까지 바워리 보이즈를 고수했다.^[53]수년간의 실정으로 약화된 RKO는 1957년에 영화계를 떠났다.^[54]

할리우드의 A 제품은 점점 길어지고 있었다. 1940년 개봉된 10대 박스 오피스 영화는 평균 112.5분이었다. 1955년 개봉된 10대 영화의 평균 길이는 123.4분이었다.^[55]그들의 겸손한 태도로 B가 뒤를 따르고 있었다.한 시간짜리 장편 영화의 시대는 지났다; 70분은 이제 거의 최소였다.골든 에이지 스타일의 두 번째 장르가 죽어가고 있는 동안, B 영화는 상대적으로 상속받지 않는 배우들(때로는 B 배우들)이 등장하는 저예산 장르 영화를 지칭하기 위해 여전히 사용되었다.그 용어는 그러한 영화들이 형식적인 줄거리, "주식" 캐릭터 유형, 그리고 단순한 액션이나 세련되지 못한 코미디에 의존한다는 이전의 제안을 유지했다.^[56]동시에 B영화의 영역은 진지하면서도 이국적인 실험의 영역으로 점점 비옥해지고 있었다.

주연 여배우 아이다 루피노는 할리우드의 유일한 여성 감독으로 자리매김했다.^[57]그녀의 제작사인 더 필메이커스(The Filmakers)를 위해 만들어진 저예산 사진들을 한마디로 요약하면, 루피노는 1950년대 <인란트>에서의 강간과 1953년 <자명한 비가미스트>에서의 강간과 같은 금기시되는 주제를 탐구했다.^[58]그녀의 가장 잘 알려진 감독적 노력인 1953년 RKO 개봉작인 "The Hitch-Hiker"는 이 장르의 고전 시대 여성 감독에서 나온 유일한 영화 누아르이다.^[59]그 해 RKO는 핵실험 범위 내에서 마무리되는 스플릿 세컨드를 출시했으며 아마도 최초의 "원자 누아르"^[60]일 것이다.

가장 유명한 영화인 "키스 미 페이탈"은 리차드 몰트비가 묘사하고 있는 것처럼 A와 B 사진 사이의 지속적인 암울한 중간지대를 전형적으로 묘사하고 있다. "이 영화는 이웃 극장의 이중지폐 중 어느 한쪽을 점유할 수 있는 프로그램 제작자로, 약 40만 달러의 예산이 책정되었다.[its] 배급사인 유나이티드 아티스트는 1955년에 10만 달러에서 40만 달러 사이의 제작 예산으로 약 25명의 프로그래머를 배출했다.^[61]이 영화의 길이는 106분으로 A급이지만, 스타인 랄프 미커는 이전에 단 한 편의 주요 영화에 출연했었다.그 근원은 미키 스필레인의 마이크 해머 소설 중 하나인 순수 펄프지만 로버트 올드리치의 방향은 자명하게 미학적이다.그 결과는 흔히 '폭탄'이라고 불렸던 것에 대한 현대의 불안감을 불러일으키는 잔인한 장르 그림이다.^[62]

소련과의 핵전쟁에 대한 두려움과 함께 미국 자체의 핵실험으로 인한 방사능 낙진에 대한 표현하기 어려운 거리낌이 줄어들면서 이 시대의 많은 장르 영화에 활력을 불어넣었다.공상과학 소설, 공포 영화, 그리고 두 사람의 다양한 잡종들은 이제 저예산 사업 종식에 중심적인 경제적 중요성이 있었다.유니버셜의 윌리엄 앨런드(1954년)와 컬럼비아의 샘 캣츠먼(1955년 바다 밑에서 온 생물 포함)이 제작한 영화처럼 대부분의 다운마켓 영화들은 비록 그들의 특수 효과가 인상적일 수 있지만 스릴 만을 거의 제공하지 못했다.^[64]

하지만 이것들은 주류 영화에서는 종종 만들기 어려운 다양한 문화적 관찰의 표지로도 환상적인 자연이 사용될 수 있는 장르였다.앨라이드 아티스트가 발표한 돈 시겔 감독의 <몸의 저격수들의 침략>(1956년)은 순응주의적 압력과 진부한 야만성을 잊혀지지 않는, 우화적인 패션으로 다룬다.^[65]버트 1세 감독이 연출한 어메이징 거물급 남자(1957년). 고든은 방사능 노출의 끔찍한 효과를 묘사한 괴물 영화다. 그리고 "한국을 자극하는 냉전시대의 맹렬한 우화, 육군의 강박관념, 그리고 전후 미국의 성장이 하나의 환상적인 전체로 발전한다."^[66]

어메이징 콜로살 맨은 예산보다 훨씬 더 큰 이름을 가진 새로운 회사에 의해 출시되었다.1956년 제임스 H가 설립한 아메리칸 인터내셔널 픽처스(American International Pictures, AIP)이다. 니콜슨과 사무엘 Z. 그들의 American Releaseing Corporation(ARC)의 조직 개편에서 아코프는 곧 B-cost 제작에 전적으로 전념하는 미국의 선도적인 스튜디오가 되었다.^[67]아메리칸 인터내셔널은 이 영화들을 쌍으로 묶어서 개봉한 쌍끌이 영화들을 살려두는데 도움을 주었다. 이 영화들은 저예산이었지만, 고정된 영화 대신에 A 영화처럼 백분율 단위로 대여되었다.^[68]

'나는 십대 늑대인간이었다'(1957)의 성공으로 AIP는 약 10만 달러에 벌어들인 200만 달러 이상의 수익을 올렸다.^[69]이 영화의 제목에서 알 수 있듯이, 이 스튜디오는 환상적인 장르 주제와 새롭고 십대 지향적인 각도에 모두 의존했다.핫 로드 강(1958)이 수익을 올렸을 때 핫 로드 공포는 드랙스트립 할로우(1959)의 유령이라는 시도를 했다.David Cook은 AIP가 "인구학적 착취, 표적 마케팅, 포화상태의 예약에서 이 모든 것이 1970년대 후반에 이르러 그들의 대중 시장 '이벤트' 영화를 기획하고 개봉하는 전공자들의 표준 절차가 되었다"^[70]고 평가했다.내용 면에서는 워너 브라더스 같은 청소년 범죄를 다룬 영화들이 상영되는 등 전공자들이 이미 자리를 잡고 있었다.'Untreamd Youth(1957년)와 MGM의 고등학교 기밀(1958년)은 모두 마미 반 도렌이 주연을 맡았다.^[71]

1954년, 로저 코먼이라는 젊은 영화제작자는 얼라이드 아티스트스 하이웨이 드라그넷의 작가 겸 부제작자로서 첫 스크린 크레딧을 받았다.코먼은 곧 자신의 첫 영화 '오션 플로어에서 온 괴물'을 1만2000달러의 예산과 6일간의 촬영 일정에 따라 독립적으로 제작했다.^[72]1955년 그가 작업한 6편의 영화 중 코먼은 아코프와 니콜슨의 첫 번째 쌍둥이자리 패키지의 절반인 첫 번째 ARC 개봉작인 아파치 우먼과 세계 종말의 날을 제작, 감독했다.코만은 1990년까지 50편이 넘는 장편 영화를 감독했다.2007년 현재 350편이 넘는 영화를 제작하는 등 프로듀서로 활발한 활동을 이어가고 있다.흔히 'B의 제왕'으로 불리는 코먼은 사진을 찍기 시작하면서 B의 전통영화가 사그라들면서 "내 생각으로는 평생 B 영화를 만든 적이 없다"고 말해왔다.그는 그의 영화를 "저예산 착취 영화"^[73]라고 묘사하는 것을 선호한다.후년에 AIP와 함께 그리고 자신의 회사의 수장으로서 코먼은 다른 많은 회사들 중에서도 프랜시스 포드 코폴라, 조나단 뎀프, 로버트 타운, 로버트 드 니로의 경력을 시작하는 것을 도왔다.^[74]

1950년대 후반, 윌리엄 캐슬은 B 영화 홍보 기법의 위대한 혁신가로 알려지게 되었다.Allied Artists가 배포한 8만 6천 달러짜리 작품인 Macabre(1958)의 관객들은 공포로 인한 사망 가능성을 커버하기 위해 보험에 가입하도록 초대받았다.1959년 영화 '팅글러'는 캐슬의 가장 유명한 요술 '페르셉토: 이 영화의 클라이맥스에서 엄선된 극장 좌석에 부착된 버저들이 예상치 못하게 몇몇 관객들을 놀라게 하여 적절한 비명이나 더욱 적절한 웃음을 유발했다.^[75]캐슬은 그런 영화들로 "컬럼비아와 유니버셜이 그들의 샘 캣츠만과 윌리엄 앨런드 패키지에 완벽히 담아낸 포화 광고 캠페인과 이전에 지역 전시관의 관점이 되었던 중앙집중적이고 표준화된 홍보 묘기와 속임수를 결합했다"고 말했다.^[76]

전후의 드라이브 인 극장 붐은 독립된 B 영화 산업의 팽창에 필수적이었다.1945년 1월, 미국에는 96개의 드라이브 인이 있었고, 10년 후, 3,700명 이상이 있었다.^[77]단순하고 친숙한 줄거리와 신뢰할 수 있는 충격 효과가 있는 꾸밈없는 그림은 모든 수행자의 주의가 산만해진 자동 기반의 영화 보기에 이상적으로 적합했다.드라이브인 영화의 현상은 1950년대에 미국 대중문화의 결정적인 상징 중 하나가 되었다.동시에 많은 현지 텔레비전 방송국들이 심야 시간대에 B장르 영화를 상영하기 시작하면서 심야 영화의 개념을 대중화하였다.^[78]

미국 장르의 영화들은 점점 더 저렴한 비용으로 획득한 외국 영화들과 함께 했고, 필요한 경우 미국 시장을 위해 더빙되었다.1956년 배급사 조셉 E. 레빈은 일본 공상과학 공포영화 고질라로 편집된 미국 배우 레이몬드 버와 함께 새로운 촬영장비를 지원했다.^[79]영국 해머 영화 제작사는 미래의 공포 영화 스타일에 주요한 영향을 미친 프랑켄슈타인의 저주(1957년)와 드라큘라(1958)를 성공시켰다.1959년, 레빈의 대사관 픽처스는 미국 태생의 보디빌더 스티브 리브스가 주연한 이탈리아 영화인 헤라클레스에게 전세계적인 권리를 사주었다.12만5000달러의 구매 가격에 이어 레빈은 광고와 홍보에 150만 달러를 썼는데 이는 사실상 전례가 없는 금액이다.^[80]

뉴욕타임스는 이 영화가 "영화 시장에서 하품보다 조금 더 하품을 했을 것"이라고 주장하면서 인상 깊지 않았다."^[81]전국에 [출시]되지 않았다면, 귀가 먹먹할 정도로 대대적인 홍보와 함께"레빈은 자신의 수익으로 첫 주 박스 오피스에 세어 "일주일 동안 가능한 한 많은 영화관에 들어가 가난한 입소문이 나기 전에 영화를 회수했다"^[82]고 예약했다.헤라클레스는 600개의 놀라운 극장에서 개봉했고, 그 전략은 놀라운 성공을 거두었다: 이 영화는 국내 임대료로 470만 달러를 벌어들였다.결론적으로 가치가 있는 만큼 해외에서도 더욱 성공적이었다.^[80]몇 십 년 안에 할리우드는 레빈과 매우 흡사한 영화와 착취 철학 둘 다에 의해 지배되었다.

이 기간 동안 라운드도 K였다. 1959년 멕시코 어린이 영화 산타클로스처럼 국제 영화 관람료를 배급하는 것으로 유명한 고든 머레이.^[83]

착취의 황금시대

1960년대

업계의 모든 변화에도 불구하고 1961년까지 미국 장편 영화의 평균 제작비는 여전히 200만 달러 밖에 되지 않았다. 인플레이션에 적응한 후, 1950년에 비해 10%도 안 더 늘었다.^[14]B영화의 이전과 후속 상영작인 A영화의 균형을 맞추는 전통적인 쌍둥이 영화는 미국 극장에서 크게 사라졌다.AIP 스타일의 듀얼 장르 패키지가 새로운 모델이었다.1960년 7월, 가장 최근에 수입된 조셉 E. 레빈 검과 모래톱인 헤라클레스 언체인트가 뉴욕의 근린 극장에서 개봉되었다.한 서스펜스 영화, 테러인가는 인간을 만들고, 착취 그런 상술 이제 익숙한 함께"co-feature":"dénouement 도움이 되도록 그렇게 민감한 그들의 눈 'close 수 있는 'warning 종'이 포함되었다.'"그 해에[84], 로저 코먼 AIP 새로운 길을 떠나 보내셨습니다."When 그들이 경기하기 2편 동시 상영, 나만큼 두 10일 흑백 공포 영화를 만들자고 했다.대신 공포 영화 한 편을 컬러로 제작하도록 설득했다.^[85]결과적으로 나온 어셔의 집은 B 그림 분류의 계속적인 모호성을 전형적으로 보여준다.그것은 코먼이 지금까지 누렸던 가장 긴 촬영 일정과 가장 많은 예산을 가지고 있는, 감독과 스튜디오 모두의 기준으로 볼 때 분명히 A 영화였다.그러나 이 영화는 일반적으로 B 영화로 보여진다: 그 일정은 아직 15일 밖에 되지 않았고, 예산은 20만 달러(산업 평균의 10분의 1),^[86] 그리고 B의 오래된 섬네일 정의에 가까운 85분 상영 시간: "80분 미만으로 상영되는 모든 영화"^[87]이다.

산업 검열 제약이 느슨해지면서 1960년대는 착취 영화라고 총칭하게 된 다양한 B 영화 하위 장르들의 상업적 생존 가능성이 크게 확대되었다.저속한 주제와 종종 수십 년 전의 터무니없는 이미지를 특징으로 하는 영화와 집중적이고 요술궂은 홍보를 결합한 이 용어는 원래 가난의 가장 깊은 곳이나 완전히 할리우드 체제 밖에서 만들어진 진정한 프린지 프로덕션을 정의했다.많은 사람들은 특히 "성 위생"을 비롯한 신중한 생활방식 선택을 촉진하는 맥락에서 죄의 임금을 그래픽으로 묘사했다.관객들은 살아있는 태생에서부터 의식적인 할례에 이르기까지 어떤 것이든 노골적인 영상을 볼 수 있을 것이다.^[88]이러한 영화들은 일반적으로 영화관의 정기적인 일정의 일부로 예약되지 않고 오히려 여행 로드쇼 프로모터들에 의해 특별 이벤트로 제시되었다. (이 영화들은 일반적으로 정규 일정이 전혀 없는 "그라인드하우스"의 사료로도 나타날 수 있다.)그러한 프로모터들 중 가장 유명한 크뢰거 밥은 "100% 포화 캠페인"으로 저예산, 선정주의 영화 마케팅의 선봉에 섰고, 거의 모든 상상 가능한 매체의 광고로 목표 관객들을 압도했다.^[89]전통적인 이중 장편 시대에는, 아무도 이러한 그래픽 착취 영화를 "B 영화"로 특징 짓지 않았을 것이다.전통 B 제작과 착취식 홍보가 업계 하류에서 표준 관행이 되면서 '발굴'은 저예산 장르영화의 전 분야를 지칭하는 방식이 됐다.^[90]1960년대는 착취 스타일의 주제와 이미지가 점점 B의 영역에 중심이 되는 것을 보았다.

남자친구의 난잡함이 성병으로 이어지는 한 젊은 여인에 대한 경고의 이야기인 1961년작 '손상된 상품'^[91]은 VD의 물리적 효과에 대한 거대하고 기괴한 클로즈업으로 완성되었다.동시에, 프린지 착취의 개념은 관련되고, 이와 유사하게 존경받는 전통과 합쳐지고 있었다: 누디스트 캠프 장면을 담은 영화나 베티 페이지와 같은 스트리피즈 아티스트들은 단순히 이전 수십 년의 소프트코어 포르노였다.1933년으로 거슬러 올라가면, 이 누드 월드는 "역대 가장 교육적인 영화"가 보장되었다.^[92]1950년대 후반, 더 많은 오래된 그라인드하우스 극장이 특별히 "성인" 상품에 전념함에 따라, 몇몇 영화제작자들은 음모에 더 많은 관심을 가지고 누드를 만들기 시작했다.가장 잘 알려진 것은 러스 마이어로, 1959년에 그의 첫 성공적인 이야기 누디인 코믹 비도덕적인 미스터 티스를 발매했다.5년 후, 마이어는 그의 획기적인 영화인 로나를 들고 나왔다. 로나는 섹스와 폭력, 극적인 줄거리를 결합한 영화였다.^[93]더 빨리, 푸시캣! 약 45,000달러에 만들어진 킬! 킬!(1965)은 결국 마이어의 성대모사 사진 중 가장 유명해졌다.끊임없는 티타임을 위해 제작되었지만 누드가 없는 이 영화는 아네트 푸니첼로와 프랭키 아발론이 주연한 비치 블랭킷 빙고(1965)와 와일드 비키니(1966)와 같은 윙크 타이틀로 AIP 10대 영화를 상영한 동일한 "열정 피트" 드라이브인 회로를 목표로 했다.^[94]베테랑 AIP/코먼 배우 잭 니콜슨이 쓴 '아메리칸 인터내셔널을 위한 로저 코먼의 여행'(1967)은 완전히 구부러지고, 칠하지 않은 가슴은 결코 보여주지 않지만, 전체적으로 나체로 허우적거린다.^[95]마이어와 코만 선이 점점 가까워지고 있었다.

그 시대의 가장 영향력 있는 영화들 중 하나는 B와 그 이상에서 파라마운트의 사이코였다.80만 달러의 제작비에 대한 850만 달러의 수익은 1960년 영화 중 가장 수익성이 높은 영화가 되었다.^[96]제작 법규 승인 도장이 없는 그것의 주류 배급은 미국 영화 검열을 약화시키는데 도움을 주었다.윌리엄 폴이 언급했듯이, 존경 받는 감독 알프레드 히치콕의 공포 장르로의 이 같은 움직임은, "그의 미국 경력 중 가장 저예산 영화와 가장 매력적이지 않은 스타들로, 의미심장하게 만들어졌다.초창기 최고의 충격은 슐록 호러 영화였다. 이 영화들은 각각 싸이코보다 더 무서운 영화라고 스스로를 비난하려 했다.^[97]캐슬이 사이코맥에서 처음으로 선보인 영화는 1970년대 후반에 이륙한 슬래셔 하위유전 개발의 초기 단계인 호미시달(1961년)이다.^[96]경험 많은 누드 제작자 허셸 고든 루이스가 약 2만 4천 달러를 들여 만든 인간의 토막과 요리 준비를 다룬 영화 블러드 페스티발(1963년)은 고어 또는 스플래터 영화라는 새롭고 즉각적으로 성공한 하위 장르를 설립했다.루이스의 사업 파트너 데이비드 F. 프리드먼은 영화관람객들에게 토사봉투를 나눠주면서 홍보에 박차를 가했는데, 이는 캐슬이 익힌 일종의 속임수인 셈이며, 플로리다 사라소타에서 이 영화에 대한 금지령을 마련하기 위해서였다. 이런 종류의 문제 착취 영화들은 프리드먼이 기획한 것 외에는 오랫동안 부딪쳐 왔다.^[98]이 새로운 종류의 총체적 영화는 "폭발"이라는 새로운 감각, 즉 전통적인 착취와 누드 요소를 공포로, 다른 고전적인 B 장르로, 그리고 저예산 영화 산업 전반으로 점진적으로 채택하는 것을 전형화했다.갈수록 노골화되고 있는 해머필름의 공포영화와 성도착과 초폭력을 혼합한 고도로 양식화된 이탈리아의 지알리의 수입이 이러한 추세에 기름을 부었다.^[99]

생산 강령은 1968년에 공식적으로 폐기되었고, 현대적인 등급 제도의 첫 번째 버전으로 대체되었다.^[100]그해 미국 영화가 향후 10년간 나아갈 방향을 예고하는 공포영화가 두 편 나왔고, B영화의 큰 결실을 맺었다.하나는 유명한 로마 폴란스키 감독이 연출한 고예산 파라마운트 제작이었다.B 호러 베테랑 윌리엄 캐슬이 제작한 '로즈매리의 아기'는 이 장르에서 30년 만에 처음으로 고급 할리우드 영화였다.^[101]그것은 결정적인 성공이었고 올해 7번째로 큰 히트곡이었다.^[102]다른 하나는 조지 A였다. 피츠버그와 그 주변에서 주말 11만4000달러에 제작된 로메로의 밤 '살아있는 죽음의 밤'.사회와 정치적 이슈에 대한 하위 텍스트 탐색에서 "Invisit of the Body Snatchers"와 같은 B 장르의 전임자들이 성취한 것을 바탕으로, 그것은 베트남 전쟁과 국내 인종 분쟁에 대한 매우 효과적인 스릴러와 날카로운 우화로 두 배가 되었다.그러나, 그것의 가장 큰 영향은 그것의 독창적인 장르적 진부한 버전과 그것의 착취 스타일 이미지, 저비용, 진정으로 독립적인 생산 수단 그리고 높은 수익성 사이의 연결에서 비롯되었다.^[103]코드는 사라지고 X 등급이 제정되면서 미드나이트 카우보이 같은 주요 스튜디오 A 영화는 이제 "성인" 이미지를 보여줄 수 있게 되었고, 반면 점점 더 하드코어 포르노 시장은 폭발적으로 증가했다.이러한 변화된 상업적 맥락에서, 러스 마이어와 같은 작업은 새로운 합법성을 얻었다.1969년, 마이어 영화 최초로 뉴욕 타임즈에서 Finders Keeperers, Loveers Wearers!가 리뷰되었다.^[104]곧 코먼은 '일용직 간호사'(1971년), '우리 안의 여자'(1971년) 등 나체로 가득 찬 성도착 사진을 만들고 있었다.^[105]

1969년 5월 칸 영화제에서 이 시대의 가장 중요한 착취 영화가 초연되었다.^[106]Easy Rider의 중요성의 상당 부분은 이 작품이 비록 다소 적지만 존경할 만한 예산을 위해 제작되었고 주요 스튜디오에 의해 공개되었다는 사실에 기인한다.이 프로젝트는 그것의 코코아 중 하나인 Peter Fonda에 의해 American International에 처음 맡겨졌다.폰다는 LSD를 복용하는 것과 마찬가지로 코먼이 감독한 <야생 천사>(1966년)와 <트립>에서 AIP의 톱스타가 되었다.폰다가 던진 아이디어는 이 두 가지 입증된 주제를 결합한 것이다.AIP는 그의 동료인 스튜디오 동창인 데니스 호퍼에게 무료 감독권을 주는 것에 흥미를 느꼈지만 주저했다.결국 그들은 콜럼비아와 금융 및 배급 계약을 주선했는데, 코만/AIP 착취 공장 졸업생 2명이 추가로 이 프로젝트에 참여했기 때문이다: 잭 니콜슨과 영화 제작자인 라즐로 코바흐스.^[107]이 영화는 50만 달러의 비용으로 (또 다른 인기 있는 착취 테마인 붉은목 위협과 상당한 누드화를 포함) 들여왔다.그것은 임대료로 1,910만 달러를 벌었다.^[108]역사학자 세스 카긴과 필립 드레이의 말을 빌리자면 이지 라이더는 "할리우드의 새벽부터 모든 억압된 경향과 70년대의 주류 영화 사이에 다리를 놓는 세미나를 제공하는 영화"가 되었다."^[109]

1970년대

1960년대 후반과 1970년대 초반에, 1950년대 이후 주축이 되어온 공상과학과 10대 주제뿐만 아니라 모든 다양한 착취의 선에서 끌어낸 저예산 영화사의 신세대들이 등장했다.로저 코먼의 신세계 픽처스, 캐논 필름스, 뉴 라인 시네마 등의 운영은 전국의 주류 극장에 착취 영화를 가져왔다.주요 스튜디오의 최고 상품은 러닝타임에 계속해서 부풀어 오르고 있었다. 1970년에 가장 많은 10명의 근로자들은 평균 140.1분이었다.^[110]B는 보조를 맞추고 있었다.1955년, 코만은 5편의 영화에서 평균 74.8분을 생산했다.그는 1970년에 개봉한 영화 5편, AIP 2편, 자신의 신세계 3편에서 비슷한 역할을 했다. 평균 길이는 89.8분이었다.^[111]이 영화들은 상당한 수익을 낼 수 있을 것이다.첫 번째 신대륙 개봉작인 폭주족 영화 '엔젤스 다이 하드'는 제작비가 11만 7천 달러나 들었고 박스 오피스에서 200만 달러 이상을 벌어들였다.^[112]

저예산 분야에서 가장 큰 스튜디오는 착취 성장의 선두주자로 남아 있었다.1973년 아메리칸 인터내셔널은 젊은 감독 브라이언 드 팔마에게 슛을 날렸다.Pauline Kael은 자매들을 검토한 결과, "limp 기술은 그들의 무료한 고어를 원하는 사람들에게 중요하지 않은 것 같다"고 말했다.[H]e는 1938년 최고의 공화국 사진처럼 들리지 않는 한 두 사람이 간단한 설명회 포인트를 만들기 위해 이야기하게 할 수 없다."^[113] 흑인들에 대한 고정관념 가득한 이야기와 마약, 강력 범죄, 매춘 등을 특징으로 하는 많은 블랙스플로팅 장르의 예는 AIP의 산물이었다.블랙스플로테이션의 가장 큰 스타 중 한 명은 팸 그리어로, 루스 마이어의 '인형의 계곡 너머'(1970)에서 약간의 파트로 영화 활동을 시작했다.잭 힐 감독이 연출을 맡은 '빅돌 하우스'(1971)와 '빅 버드 케이지'(1972) 등 몇 편의 신대륙 사진들이 뒤를 이었다.힐은 또한 두 편의 AAP 블랙스플로잉 영화인 코피와 폭시 브라운에서 그리어의 가장 잘 알려진 연기를 감독했다.^[114]

블락스플로테이션은 주요 스튜디오가 중심이 된 최초의 착취 장르였다.실제로 오시 데이비스 감독이 연출한 유나이티드 아티스트스 개봉 코튼이 할렘에게 온다(1970년)는 이런 유형의 첫 번째 의미 있는 영화로 평가받고 있다.^[115]그러나 블랙스플로팅 현상에 진정으로 불을 붙인 영화는 완전히 독립적이었다.스위트 스위트백의 바다섹스 송(1971)도 아마도 그 형식의 가장 터무니없는 예일 것이다: 광란의 실험, 경계선 포르노, 그리고 본질적으로 흑인 혁명을 위한 선언문.^[116]멜빈 반 피블스는 이 영화를 위해 작곡, 공동제작, 감독, 주연을 맡고 편집, 작곡을 했는데, 이 곡은 빌 코스비의 차용과 함께 완성되었다.^[117]배급사는 소규모 시네마 인더스트리였으며, 당시 이탈리아 몬도 지팡이의 "쇼크멘터리"와 스웨덴의 스킨 영화 "패니 힐"의 더빙 버전을 발매한 것뿐만 아니라, 사내에서 제작한 "The Man from O.R.G.Y"(1970)로도 잘 알려져 있다.^[118]이러한 종류의 영화들은 당시의 "그라인드하우스"에서 상영되었다. 그 중 많은 영화들이 노골적인 포르노 극장이 아니라 모든 종류의 착취 영화를 위한 장소였다.니켈 한 개에 여섯 개의 빨치산 시절은 지나갔지만, 영신의 연속성이 뚜렷했다.^[119]

1970년 미국 초연 감독인 바바라 로덴이 16mm로 촬영한 저예산 범죄극이 베니스 영화제에서 국제 비평가상을 수상했다.^[121]완다는 독립 영화 운동에서 중요한 사건이며 고전적인 B 그림이다.범죄에 기반한 줄거리와 종종 지저분한 환경은 직접적인 착취 영화나 구식 B 누아르에 적합했을 것이다.로덴이 6년 동안 모금에 사용한 ^[121]115,000달러의 제작비는 빈센트 캔비로부터 "그 효과의 절대적인 정확성, 관점의 품위, 그리고 ..."라는 찬사를 받았다.기술의 순수성".^[122]로메로나 반 피블스처럼, 그 시대의 다른 영화제작자들은 착취의 직감적인 오락과 신랄한 사회적 논평을 결합한 그림을 만들었다.래리 코헨, 본(1972년), 블랙 시저(1973년), 헬 업 인 할렘(1973년)이 연출한 첫 3가지 특징은 모두 명목상 블랙 시저 (1973년), 헬 업 인 할렘 (Hell Up in Harlem) 영화였지만 코헨은 이를 인종 관계와 개밥 자본주의의 임금에 대한 풍자적인 검토의 수단으로 이용했다.^[123]밥 클라크 감독이 연출한 고색창연한 공포 영화 데스드림(1974년)도 베트남 전쟁의 고뇌에 찬 항쟁이다.^[124]캐나다의 영화제작자 데이비드 크로넨버그는 진지한 마음으로 저예산 공포영화를 만들었는데 그 시사점은 심리적이고 실존적인 것만큼 이념적이지 않다.Shivers (1975년), Rabid (1977년), The Brood (1979년)^[125]개념적 엄격함을 지닌 이지 라이더, 즉 착취 콘텐츠와 예술적 대우가 나중의 적당한 예산으로 결합되는 방식을 가장 분명히 예견한 영화는 유나이티드 아티스트의 바이커를 테마로 한 엘렉트라 글라이드 인 블루 (1973)가 제임스 윌리엄 구에르시오 감독의 영화였다.^[126]뉴욕 타임즈 리뷰어는 "다른 의도에서 봤을 때, 코만이 일반적으로 구에르시오보다 더 흥미로운 감독들을 사용했음에도 불구하고, 괜찮은 등급의 로저 코먼 자전거 영화를 만들었을지도 모른다"고 대수롭지 않게 생각했다."^[127]

1970년대 초, 비주류 영화를 늦은 쇼로 상영하는 관행이 증가하면서, 컬트 영화 관객들을 양성하는 것을 목표로 하여, 심야 영화 컨셉을 영화관에 가져다 주었는데, 이제는 영화계의 역문화적 배경인 즉, 힙합을 위한 드라이브인 영화 같은 것이 되었다.^[128]1971년 새로운 서킷에 의해 채택된 최초의 영화들 중 하나는 3년 된 '살아있는 죽음의 밤'이었다.존 워터스 핑크 플라밍고스(1972)처럼 완전히 스튜디오 시스템 밖에서 만들어진 저예산 영화의 자정 성공은 영화 독립 운동의 발전에 박차를 가했다.^[129]20세기 폭스의 값싼 영화인 로키 호러 픽처쇼(1975년)는 B급 고전 영화 진부한 모든 것을 쏟아 부은 값싼 영화로, 초기 개봉 후 1년 만에 심야 쇼로 재출시되면서 유례없는 히트를 쳤다.록키 호러(Rocky Horber)가 자체적인 하위문화 현상을 일으키기도 했지만, 연극 심야영화의 메인스트림에 기여했다.^[130]

아시아의 무술 영화들은 1970년대부터 정기적으로 수입품으로 등장하기 시작했다.흔히 무술이라고 불리는 이 "쿵푸" 영화는 브루스 리의 홍콩 제작 영화에 의해 미국에서 대중화되었고 AIP와 뉴월드가 목표로 하는 같은 관객들에게 판매되었다.^[131]공포는 젊고 독립적인 미국 감독들을 계속해서 끌어들였다.1974년 한 리뷰에서 로저 에버트가 설명했듯이, "공포와 착취 영화는 적절한 가격으로 들여오면 거의 항상 이윤을 남긴다.그래서 그들은 더 많은 전통적인 프로젝트들을 현장에서 떼어낼 수 없는 야심찬 영화 제작자들이 될 수 있는 좋은 출발점을 제공한다."^[132]고려중인 영화는 텍사스 체인 톱 대학살이었다.토베 후퍼가 30만 달러도 안 되는 돈으로 만든 이 영화는 1970년대 가장 영향력 있는 공포 영화 중 하나가 되었다.^[133]32만 달러의 예산으로 제작된 존 카펜터스의 할로윈 (1978년)은 전세계적으로 8천만 달러 이상의 수익을 올렸으며, 향후 10년간 이 슬래셔 영화를 공포 영화의 기본 모드로 효과적으로 확립했다.후퍼가 로메로의 작품에서 배운 것처럼 할로윈도 데스드림 감독의 밥 클라크가 연출한 블랙 크리스마스(1974년)의 모델을 대체로 따랐다.^[134]

텔레비전에서는 프라임 타임 프로그래밍의 주역이 된 주간 시리즈와 그보다 이른 날의 할리우드 시리즈 영화의 유사성이 오래 전부터 뚜렷하게 드러나 있었다.^[135]1970년대에는 원작 장편 프로그래밍이 B영화의 반향을 불러일으키기 시작했다.1969년 ABC Movie of the Week의 도입으로 TV영화의 제작이 확대되면서 곧이어 다른 네트워크 슬롯을 원래의 특징으로 바꿈으로써 시간과 재정적인 요인들이 매체를 점차 B영화 영역으로 옮겨갔다.1979년 출소 한 달 만에 초연된 패티 허스트의 시련과 같은 최근의 스캔들에서 영감을 받은 텔레비전 영화들은 1920년대로 거슬러 올라가며, 인간 잔해와 사랑이 차가워지면, FBO 영화들은 연예인들의 불행을 계기로 빠르게 만들어졌다.^[136]마틴 쉰 주연의 캘리포니아 키드(1974년)와 같은 1970년대 TV 영화들은 현대 영화 B 제작에서 익숙한 유형의 액션 지향적인 장르 영화들이다.바담 카운티에서의 악몽(1976년)은 곧바로 도로 트립-소녀-적색-본드 착취의 영역으로 향했다.^[137]

Easy Rider의 반향은 그러한 그림들뿐만 아니라 많은 연극적 착취 영화에서도 느낄 수 있었다.그러나 B 영화의 운명에 가장 큰 영향을 미치는 것은 덜 직접적인 것이었다. 1973년까지 주요 영화사들은 한때 바겐 지하실에 주로 위탁되었던 장르의 상업적 잠재력을 포착하고 있었다.로즈마리의 아기는 큰 성공을 거두었지만, 착취 스타일과 거의 공통점이 없었다.워너 브라더스.'엑소시스트는 크게 홍보된 공포영화가 올해 최고의 흥행작이자 지금까지 만들어진 공포영화 중 단연 최고 흥행작이라는 것을 보여주었다.윌리엄 폴의 설명에 따르면, 이 영화는 또한 "진짜 주류 영화의 표현 방식으로서 총체적 입지를 다진 영화"이다.[P]ast 착취 영화들은 그들의 잔혹성 때문에 그들의 잔혹성을 이용하는데 성공했다.엑소시스트는 잔인함을 존경할 만하게 만들었다.10년이 지나자 수백~수천 개의 극장에서 동시에 영화를 개봉하는 착취 예약 전략이 표준 산업 관행이 됐다."^[138]작가 겸 감독인 조지 루카스의 미국 그래피티, 유니버설 프로덕션도 비슷한 일을 했다.폴에 의해 "본질적으로 훨씬 더 침과 광택이 나는 미국-국제 청소년 영화"라고 묘사된 이 영화는 1973년에 제작된 세 번째로 큰 영화였으며, 이와 마찬가지로, 지금까지 제작된 영화 중 가장 높은 수익을 거둔 10대를 주제로 한 영화였다.^[139]B 테마와 A급 재정 지원을 갖춘 역사적으로 더욱 의미 있는 영화들이 그 뒤를 이었다.

사양

1980년대

1980년대 초 현장의 재정 상황이 바뀌면서 착취시대 때 세운 B영화 제작사 대부분이 무너지거나 대기업에 의해 인수되었다.극장 개봉을 목표로 비교적 저렴하고 효율적으로 제작된 장르 그림조차도 수백만 달러의 비용이 들기 시작했는데, 주요 영화 스튜디오들이 값비싼 장르 영화의 제작에 꾸준히 뛰어들면서 화려한 액션 시퀀스와 현실적인 특수효과에 대한 관객들의 기대가 높아졌기 때문이다.^[140]이러한 경향의 암시들은 공항 (1970년)에서 특히 포세이돈 어드벤처 (1972년), 지진 (1973년), 우뚝 솟은 인페르노 (1974년)의 메가 슐록에서 분명히 나타났다.그들의 재난 음모와 대화는 기껏해야 B급이었다. 그러나 산업적인 관점에서 볼 때, 이것들은 스타들이 열광하는 화려한 전통에 뿌리를 둔 그림이었다.엑소시스트는 막대한 예산과 효과로 가득 찬 공포의 끌어당기는 힘을 보여 주었다.그러나 메이저들의 초점 전환은 크게 세 편의 영화의 엄청난 성공에 힘입은 바 크다.스티븐 스필버그의 피조물 조스(1975)와 조지 루카스의 우주 오페라 스타워즈(1977)는 각각 영화 사상 최고 흥행작이 됐다.1978년 12월에 개봉한 슈퍼맨은 한 스튜디오가 어린이 만화책 캐릭터에 관한 영화에 5천 5백만 달러를 쓰고 큰 수익을 올릴 수 있다는 것을 증명했다. 이 영화는 1978년 최고의 흥행작이었다.^[141]1933년 원작의 킹콩과 같은 블록버스터 판타지 안경들은 한때 예외적이었다; 새로운 헐리우드에서는, 점점 더 다산업적인 대기업들의 지배를 받고 있었다.^[142]

1961년부터 1976년까지 10년 반 동안 헐리웃의 평균 특집 제작비가 200만 달러에서 400만 달러로 두 배가 되는 데 소요되었는데, 이는 인플레이션에 맞춰 조정하면 감소하는 것이다.불과 4년 만에 다시 두 배 이상 증가해 1980년 850만 달러(약 25%의 지속적인 증가)를 기록했다.미국의 물가상승률이 완화되면서도 영화제작의 평균비용은 계속 치솟았다.^[145]현재 주요 영화관들이 천 개 이상의 극장에서 일상적으로 포화상태로 예약되면서, 작은 의상들이 수익을 내기 위해 필요한 전시약속을 확보하는 것이 점점 더 어려워지고 있었다.이중 형상은 이제 말 그대로 역사였다. 재생 주택 외에는 거의 찾아볼 수 없는 것이었다.신경제체제의 첫 번째 사상자 중 하나는 1979년 4월에 파산을 선언한 존경받는 B 스튜디오 얼라이드 아티스트였다.^[146]1970년대 후반, AIP는 매우 성공적인 아미티빌 호러와 1979년 참혹한 운석 같은 비교적 비싼 영화를 제작하는 쪽으로 방향을 틀었다.그 스튜디오는 1980년 말에 매각되어 영화 제작의 관심사로 해체되었다.^[147]

증가하는 재정적 압박, 배급 장애, 전반적인 위험에도 불구하고, 작은 스튜디오와 독립 영화 제작자들의 많은 장르 영화들이 여전히 극장에 도달하고 있었다.공포는 당대의 가장 강력한 저예산 장르였으며 특히 여성주의 작가 리타 메이 브라운이 쓴 <슬럼버 파티 학살>(1982)과 마찬가지로 슬래셔 모드에서는 더욱 그랬다.이 영화는 25만 달러의 예산으로 신세계에서 제작되었다.^[148]1983년 초에 코먼은 뉴월드를 매각했고 뉴호라이즌스, 후에 콩코드-뉴호라이즌스는 그의 1차 회사가 되었다.1984년, 뉴 호라이즌스는 페넬로페 스파헤리스가 쓰고 감독한 펑크 장면 속에서 비판적으로 박수갈채를 받은 영화 세트를 발매했다.뉴욕 타임즈 리뷰는 "수퍼비아는 좋은 장르 영화"^[149]라고 결론지었다.

래리 코헨은 영화평론가 크리스 쁘띠가 "시장에 없어서는 안 될 영화"라고 표현한 Q(Q: The Winged Serpent; 1982년)와 같은 작품에서 장르적 관행을 계속 비틀었다.그것에 대해 빈둥빈둥 떠들고 다니는 것"^[150]이라고 말했다.1981년 뉴 라인은 적은 예산과 구식 착취 기법을 가진 존 워터스 영화인 폴리에스테르를 내놓았다.오도라마.그 해 10월 디트로이트에서 개봉한 고어로 가득 차있지만 멋있는 공포 영화 '죽음의 책'은 디트로이트에서 개봉되었다.^[151]작가, 감독, 공동 프로듀서인 샘 레이미는 그의 스물두 번째 생일을 일주일 앞두고 있었고, 스타 겸 공동 프로듀서인 브루스 캠벨은 스물세 살이었다.뉴라인이 배급하기 위해 픽업하여 The Evil Dead를 리트레이팅하여 히트를 쳤다.한 신문 평론가의 말로, 그것은 "신기 여행의 힘"^[152]이었다.

가장 성공한 1980년대 B 스튜디오 중 하나는 1974년 설립된 트로마 픽처스(Troma Pictures)라는 착취 시대의 전성기 때의 생존자였다.크라스 오브 누케 '엠하이'(1986년), 레드넥 좀비(1986년), 서핑 나치 머스트 다이(1987년) 등 트로마의 가장 특징적인 작품들은 터무니없는 회전을 위해 착취한다.트로마의 가장 잘 알려진 작품은 독성 어벤져스 (The Toxic Abenger,1984)이다; 그것은 다정하게 톡시로 알려진 흉측한 영웅으로 세 개의 속편, 곧 리부팅될 리부팅 그리고 TV 만화 시리즈에 출연되었다.^[153]10년 동안 몇 안 되는 성공적인 B 스튜디오 스타트업 중 하나는 로마에 본사를 둔 엠파이어 픽처스였는데, 1985년 첫 제작사인 굴리스가 극장에 진출했다.비디오 대여 시장은 B 영화 경제의 중심이 되고 있었다.엠파이어의 금융 모델은 극장 렌탈이 아니라 나중에야 비디오 가게에서 수익을 보는 것에 의존했다.^[154]많은 콩코드-뉴 호라이즌 개봉작들도 이 경로를 거쳤으며, 극장에 잠깐 모습을 드러냈을 뿐이다.많은 B영화가 24시간 케이블 채널을 위한 "필러" 재료로 재빨리 끝나거나 그러한 목적으로 명백하게 만들어졌기 때문에 케이블 텔레비전 산업의 성장도 저예산 영화 산업을 지원하는 데 도움이 되었다.^[155]

1990년대

1990년까지 미국 평균 영화의 비용은 2,500만 달러를 넘었다.^[156]미국 박스 오피스에서 1억 달러 이상을 벌기 위해 그해 개봉한 9편의 영화 중 두 편이 1970년대 후반 이전까지는 엄격히 B-영화 소재였을 것이다.십대 돌연변이 닌자 거북이와 딕 트레이시.공상과학 스릴러 토탈 리콜, 액션으로 가득 찬 탐정 스릴러 다이하드 2, 그리고 올해의 가장 큰 히트작인 슬랩스틱 키디 코미디 '나홀로 집에'의 세 가지 더, 우리는 또한 고전적인 A급 주제보다 B급 전통무대에 훨씬 더 가깝다.^[157]부동산 압력과 함께 케이블과 위성 텔레비전에서 편집되지 않은 영화에 대한 접근과 홈 비디오의 인기가 높아지면서 독립적으로 제작된 장르 영화의 주요 소재지였던 소규모 또는 비 체인 극장의 생존이 더욱 어려워지고 있었다.^[158]드라이브인 스크린도 미국 풍경에서 빠르게 사라지고 있었다.^[159]

살아남은 B영화는 다른 방식으로 각색되었다.트로마에서 개봉된 영화들은 이제 종종 비디오로 곧장 넘어갔다.뉴 라인은 첫 10년 동안 저예산 독립영화 및 외국 장르영화의 거의 독점 배급사였다.200만 달러에 가까운 비용을 직접 지원했던 착취 베테랑 웨스 크레이븐의 엘름 스트리트에서의 본래의 악몽(1984년)이 대성공을 거두자, 회사는 꾸준히 고예산 장르 제작으로 옮겨가기 시작했다.1994년, 뉴 라인은 터너 방송국에 팔렸다; 그것은 곧 타임 워너 대기업 내에 워너 브라더스와 함께 광범위한 제품을 갖춘 중간 규모의 스튜디오로 운영되었다.^[160]이듬해 쇼타임은 콩코드-뉴호라이즌스가 제작한 13편의 직설영화 로저 코먼 프리젠츠를 출시했다.뉴욕 타임즈의 한 리뷰어는 "빈티지 코먼"이라는 자격을 얻은 초기 작품에는 여성 가슴살에서부터 토마스 만이 베니스에서 죽었다는 놀라운 인용구까지 모든 것이 들어있다는 것을 발견했다.^[161]

B영화의 전시장이 사라진 것과 동시에, 독립영화 운동이 싹트고 있었다; 그 결과들 중에는 저예산 장르 영화와 "소박한" 절지동물 사진 사이의 다양한 교차점이 있었다.The Driller Killer (1979년), Ms. 45 (1981년)와 같은 폭력적인 B 영화로 명성을 쌓은 아벨 페라라 감독은 90년대 초에 착취할 만한 성, 마약, 일반적 슬레이즈 묘사와 복잡한 명예와 구원의 시험에 결혼하는 두 작품을 만들었다: 뉴욕의 킹 (1990년)은 대부분 소규모 프로드 그룹의 지원을 받았다.upection 회사들과 180만 달러인 Bad Night(1992년)의 비용은 완전히 독립적으로 조달되었다.^[162]노 텔링(1991년)과 습관(1997년)과 같은 래리 페센덴의 초예산 몬스터 영화는 각각 프랑켄슈타인과 뱀피리즘이라는 고전 장르 주제를 재구성해 현대적 관련 이슈를 탐구한다.^[163]1000만 달러인 데이비드 크로넨버그의 크래쉬(1996년)의 예산도 여유롭게 A등급은 아니었지만 B등급도 거의 아니었다.이 영화의 이미지는 또 다른 문제였다: "이 영화의 스캔들 표면에서, 데이비드 크로넨버그의 크래쉬는 가장 불안하게 아픈 곳에 착취를 암시한다."라고 비평가 자넷 매슬린은 썼다.^[164]뉴욕 킹과 마찬가지로 제작사 컨소시엄에 의해 자금 지원을 받은 이 회사는 파인 라인 피쳐스에 의해 미국 배급에 선정되었다.이 결과는 이 영화의 앞다퉈 정의를 내리는 것을 반영했다.파인 라인은 뉴 라인의 자회사로, 최근에 타임 워너 제국에 합병되었다. 특히, 그것은 오래된 착취 유통업자의 절지동물 사업부였다.^[165]850만 달러의 예산으로 쿠엔틴 타란티노 감독이 연출을 맡은 펄프 픽션(1994)은 제임스 모트램이 "아트하우스 서사 구조, B-영화 주제, 할리우드 캐스팅으로 영화는 세 가지 뚜렷한 영화적 전통이 교차하는 축"이라고 묘사한 것처럼 여러 선을 넘나들며 큰 영향력을 발휘했다.^[166]

2000년대 이후 전환

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밀레니엄이 바뀔 무렵, 미국 장편의 평균 제작비는 이미 5천만 달러 선을 넘는 3년을 소비했다.^[156]2005년 미국 박스 오피스 상위 10개 영화에는 어린이 판타지 소설을 각색한 작품 3편이 포함되었다. 하나는 연장작이었고 다른 하나는 시리즈를 시작했다. (해리 포터와 불의 잔과 나니아 연대기: 《사자》, 《마녀》, 《옷장》, 아동 대상 만화(마다가스카르), 만화 각색(배트맨 비긴즈),^[168] 《공상과학 시리즈》(스타워즈: 에피소드 3 – 시스의 복수), 《세계의 전쟁》, 《킹콩》 리메이크작.코먼에게는 더딘 해였다. 그는 단지 한 편의 영화를 제작했는데, 이 영화는 미국의 극장 개봉이 없었다. 그는 지난 10년 동안 그가 관여했던 대부분의 사진들 중 사실이다.^[169]헐리우드 영화들이 더 많은 예산을 들여 전통적인 저렌트 장르를 탈취하면서, 친숙한 브랜드인 B 영화의 지속적인 생존능력은 심각한 의심에 휩싸였다.뉴욕 타임즈 비평가 A. O. Scott는 B 그림의 "치즈럽고, 야만적이고, 죄책감 있는 쾌락"의 "멸종"이 임박했다고 경고했다.^[170]

한편, 최근의 산업 동향은 비록 그 격차를 메우는 "프로그래머"가 적지만, 주요 스튜디오 생산에서 전통적인 A-B 분할과 같은 것이 다시 등장하고 있음을 시사한다.업계 분석가 알폰소 마론(Alfonso Marone)의 2006년 보고서에 따르면 할리우드 영화의 평균 예산은 현재 60m 정도로 국내 출시를 위한 마케팅 비용(미국만 해당)을 계산하면 100m로 늘어난다.그러나, 현재 우리는 영화 예산이 두 단계로 양극화되는 것을 목격하고 있다: 대형 제작비(120–150m)와 틈새 기능비(5–20m)이다.30~70만 달러의 출시 비용이 줄어들 것으로 예상된다."^[171]폭스는 10대 위주의 장르 영화에 집중하기 위해 2006년에 새로운 자회사 폭스 아토믹을 설립했다.경제모델은 적어도 주요 스튜디오 기준으로 볼 때 의도적으로 임대료가 낮았다.버라이어티 리포트에 따르면, "폭스 아토믹은 많은 영화들이 천만 달러 또는 그 이하로 유지되고 있다.그것은 또한 영화제작자들에게 디지털로 촬영하도록 장려하고 있는데, 이것은 더 거칠고 10대 친화적인 외모를 초래하는 더 저렴한 과정이다.별은 잊어버려아토믹이 발표한 9편의 영화 중 큰 이름을 가진 영화는 없다.^[172]B영화 사업부는 2009년에 폐쇄되었다.^[173]

버라이어티 리포트가 시사하듯이, 최근의 기술 발전은 정말로 저예산 영화 제작을 촉진한다.아날로그 비디오테이프에 녹화되는 비디오 카메라뿐만 아니라 슈퍼 8과 16mm 필름을 포함한 영화를 촬영할 수 있는 경제적인 수단이 항상 존재했지만, 이러한 미디어는 35mm 필름의 이미지 품질에 필적할 수 없었다.디지털 카메라와 포스트 프로덕션 방법의 개발은 이제 저예산 영화제작자들 조차도 반드시 "더 우아하고" 영상 화질과 편집 효과가 있는 것이 아니라 뛰어난 영화를 제작할 수 있게 한다.마론이 관찰한 바와 같이, "디지털 촬영에 필요한 장비 예산(카메라, 지원)은 필름의 약 1/10로, 독립적 기능의 제작 예산이 현저히 삭감되었다.이와 동시에 [2000년대 초반부터] 디지털 영화 제작의 질이 획기적으로 향상되었다."^[171]한 장르에서 일하든 관절내구 모드로 일하든 독립 영화제작자들은 디지털 엔드투엔드 배급 방식이 새로운 기회를 제공하지만 배급 채널에 접근하는 것은 계속해서 어렵다는 것을 알게 된다.비슷한 방식으로, 유튜브와 같은 인터넷 사이트들은 저예산 영화 상영을 위한 완전히 새로운 길을 열었다.^[174]

마찬가지로, 2000년부터는 컴퓨터 생성 이미지의 가속과 구현이 전례 없는 속도로 계속되었다.^[175]이것은 전통적인 방법으로는 비용이 너무 많이 든다는 것을 증명할 수 있는 효과의 창출에 도움이 되었다.특히 재난이나 생물의 특징과 같은 특정 장르에서는 CGI의 사용이 증가했다.결과적으로, 이러한 경향은 대중을 대상으로 한 B급 프로덕션에 박차를 가했다.이런 맥락에서, The Ascense와 같은 영화 회사들, 또는 Syfy와 같은 채널들은 이러한 영화들을 그들의 사업 모델의 핵심 부분으로 만들면서, B급 영화의 발전을 위해 함께 노력했다.^[176]그러나, 종종 그러한 많은 것들이 더 확립된 특징들의 성공을 활용하기 위한 노력의 일환으로 만들어졌다.게다가, 이 새로운 방향은 마찬가지로 로저 코먼과 짐 위노르스키와 같은 베테랑 B-영화 제작자들의 참여를 이끌어냈다.

관련 용어

C영화라는 용어와 좀 더 일반적인 Z영화는 B영화 카테고리의 저학년을 점진적으로 묘사하고 있다.구체적인 역사적 현상과 맞물려 등장한 드라이브인 영화와 미드나잇 영화라는 용어는 이제 B 영화의 동의어로 자주 쓰인다.

C영화

C영화는 B영화의 저편 끝에서 영화 등급으로, 혹은 일부 분류학에서는 그 아래에 있는 영화 등급이다.^[177]1980년대 케이블 텔레비전의 성장과 함께, C등급은 그 시장의 필러 프로그래밍으로 사용되는 저품질 장르 영화에 점점 더 빈번하게 적용되기 시작했다.그 다음 용어의 "C"는 "B"보다 낮은 품질뿐만 아니라 케이블의 초기 c를 언급하면서 이중 의무를 수행한다.C영화의 대중화를 도운 것은 TV 시리즈 미스터리 사이언스 시어터 3000(1988-99년)이 첫해 이후 전국 케이블 채널(첫 번째 코미디 센트럴, 그 후 Sci Fi Channel)에서 방영되었다.30여 년 전 TV 여주인이 소개한 컨셉트를 업데이트한 MST3K는 값싸고 저급 영화, 특히 1950년대와 1960년대의 공상과학 영화를 선보였고, 영화의 단점을 강조하는 음성 해설도 진행했다.에드 우드 감독은 Z영화(아래 참조)가 어쩌면 그의 작품에 더욱 적용이 될 수도 있지만, 이런 의미에서 'C-영화계의 거장'으로 불려왔다.^[178]1990년대와 2000년대 사이언 피(Sci Fi Pictures와 함께)와 HBO의 장르 채널과 같은 틈새 케이블과 위성 콘센트의 급속한 확장은 현대 C 영화의 시장을 의미하며, 이들 중 다수는 "케이블에 직접 연결"된 영화 - 극장에서 개봉된 적이 없는 소규모의 장르 영화들이다.^[179]

Z영화

Z영화(또는 Z등급 영화)라는 용어는 대부분의 B급 영화나 C급 영화보다 훨씬 낮은 품질 기준을 가진 저예산 영화들을 특징짓기 위해 일부에 의해 사용된다.Z영화라고 불리는 대부분의 영화들은 상업영화 산업의 근간에서 운영함으로써 아주 적은 예산으로 만들어진다.1930년대의 극소 예산 "퀵"은 상트레에 대한 Z영화로 생각될 수 있다.^[180]글렌이나 글렌다(1953년)나 아우터 스페이스의 플랜9(1959년) 같은 에드 우드 감독의 영화들은 고전적인^[181] Z급 영화를 잘 보여준다.후기 Zs는 종종 폭력적이고, 고색창연한 또는 성적인 내용으로 특징지어지며, 예술적 관심의 대부분은 그라인드하우스와 동등한 구독 TV로 예정되어 있다.^[182]

사이코트로닉 영화

사이코트로닉 영화는 영화 평론가 마이클 J. 웰던이 만든 용어인데, 동료 평론가는 "소외 영화의 역사학자"라고 일컬어진다. 이는 일반적으로 비판적인 기득권층에 의해 무시되거나 전적으로 무시되는 저예산 장르 그림의 종류를 의미한다.^[183]웰던이 이 용어의 직접적인 출처는 시카고 컬트 영화 <사이코트로닉 맨>(1980년)이었는데, 이 영화의 주인공은 심령 에너지를 이용해 살해하는 능력을 키우는 이발사다.웰던의 말에 따르면, "그 말을 가진 나의 원래 생각은 그것이 두 부분으로 나뉘어진 단어라는 것이다.'사이코'는 공포영화를, '트론'은 공상과학영화를 의미한다.어떤 종류의 착취나 B영화를 포함하도록 단어의 의미를 매우 빠르게 확장시켰다고 말했다.^[184]1980년대부터 웰던의 영화 사이코트로닉 백과사전, 사이코트로닉 비디오 가이드, 사이코트로닉 비디오 잡지 등의 출판물로 대중화된 이 용어는 이후 다른 비평가들과 팬들에 의해 채택되었다.이 용어를 사용하는 것은 자신을 캠프로서 감사하게 만드는 B영화에 대한 관심과 애정을 강조하는 경향이 있다.^[185]

B-텔레비전

B-텔레비전(B-television)은 독일 언론학자 하이데마리 슈마허(Heidemarie Schumacher)가 '진실에서, 좋은 것에서, 진실로 아름다운 상품으로 - 독일 "B-텔레비전" 프로그램에 대한 시청각 식별 전략 - '비-영화'와 유사하게 '미학'을 채택한 독일 상업용 텔레비전의 발전을 특징짓기 위해 사용하는 용어다."모든 참가자에 의해 복사되는 인조적 긍정성, 클립, 소프트 포커스, 캐치 뮤직 포함"과 함께 "제품 배치를 통한 상품화"^[186]가 포함된 ics.슈마허는 1984년 규제완화 이후 독일 공영TV가 클라이맥스를 지나쳐 소외된 것에 주목한다.사회 정통성의 부담 없이 운영되는 신설 상업 방송국은 오로지 수익성에 초점을 맞췄다.시청자의 충성도를 확립하고 유지하기 위해 이 방송국들은 리얼리티 쇼, 선정적인 저널리즘, 일일 연속극, 인포테인먼트 프로그램, 토크 쇼, 게임 쇼, 소프트 포르노를 방송한다.슈마허는 기고문에서 미국 문화평론가 닐 포스트먼이 광고의 파생상품으로 텔레비전 프로그래밍의 논문을 공식화하면서 "위장되거나, 무관하며, 단편적이거나, 피상적인 정보 등, 왜곡된 정보를 만들어 내는" 정보의 한 종을 만들어냈다.무엇을 알고 있지만 사실은 '알지 못하게 하는 것'에 대한 환상

슈마허는 포스트맨처럼 현대 텔레비전 광고가 종종 제품을 홍보하기보다는 브랜드 충성도를 강화하는 쪽을 택한다고 지적한다.이러한 역방향 마케팅 접근법은 텔레비전 방송사들이 방송국 자체를 광고하기 위해 사용한다.슈마허는 시청자의 관심을 사로잡는 것, 관객과의 감정적 관여를 확립하는 것, 시청자의 관심을 유지하는 것 등 3가지 구체적인 원칙을 열거하고 있다.한 상업적 RTL 방송국은 시청자의 충성을 긍정적으로 묘사했다. "RTL은 텔레비전을 위해 완전히 새로운 것을 발견했다.시청자"^[186]

슈마허는 시청자의 충성은 주로 익숙한 감정 상황과 시청자의 일상적 문제를 표현함으로써 확립된다고 주장하는데, 이는 개인 방송국이 사사로운 일을 주로 방송한다는 것을 의미한다.이러한 접근방식의 추가적 발전은 리얼리티 TV 쇼의 창조로 이어졌고, 리얼리티 TV 쇼는 참여자들의 실제 생활에 직접 개입함으로써 새로운 현실을 창출한다.텔레비전의 이러한 개인화와 극화는 리차드 세넷의 말로 "공공의 몰락"을 촉발시켰다.

감정적 감성을 통해 시청자의 충성을 불러일으키려는 전략은 '성별과 범죄 주제를 선호하고 감수성이 강한 해설 스타일, 클립 미학, 범죄 영화 장르에서 빌린 음악 반주'를 채용하는 스캔들 같은 '특보'에 반영된다.^[186]그 예로 슈마허는 1990년대 NBC가 매주 5회 방영한 인간의 성에 관한 토크쇼인 '리얼 퍼스널'을 들 수 있다.슈마허는 "제목 자체가 'B-TV'의 메시지를 캡슐화한 것"이라며 "실제 사람들과 그들의 '실제' 문제가 여기에 초점이 맞춰져 있다"^[186]고 심사숙고한다.

슈마허는 데이비드 레터맨과 제이 레노의 매우 성공적인 오락 프로그램을 언급하면서 매일 텔레비전 화면에서 보는 토크쇼 진행자가 거의 가족의 일부가 된다고 주장한다.진행자는 "미친 마음뿐 아니라 안정감도 확산"이라며 일일 연속극, 일일 인포테인먼트 쇼, 일일 게임쇼와 함께 "우리 일상의 고정된 부분을 제공한다"고 전했다.

슈마허는 "시청자 감정에 대한 호소와 소비자의 적극적인 참여는 'B-TV'의 시장 활용 능력을 높여준다"고 결론짓는다.

포트랜드 머큐리의 에릭 헨릭센은 스타게이트 아틀란티스 TV 시리즈를 검토할 때 "B-TV"라는 용어를 사용하여 "진짜 대단하지는 않지만" 막연하게나마 관객들을 즐겁게 하고, 매주 같은 인물들을 따라다니며, 보이를 쫓아다니며, 그저 효과가 있는" 쇼의 종류를 묘사했다.그럼에도 불구하고 재미와 재미와 산만함을 줄 수 있는 독창성과 독특함으로 가득 차 있다.^[187]

참조

원천

외부 링크

무료사전인 위키트리노리에서 b영화를 찾아봐.

• 컬리의 B 영화
• 마이클 C교수의 B-영화 몬스터의 생물학적 분석.시카고 대학교 라바베라
• 드와이트 클리블랜드의 포스터 컬렉션, 마가렛 헤릭 도서관, 아카데미 오브 영화 예술과 과학

B 영화 전문가 인터뷰

• 아스터링 B-몬스터
• Badmovies.org 인터뷰
• 로그 시네마
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