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공포 영화의 역사

History of horror films
Le Manoir duable 포스터 (1896), 때때로 최초의 공포 영화로 묘사됩니다.
이 주제에 대한 더 광범위한 보도는 공포 영화와 영화의 역사를 참조하십시오.
vampire, face of little green man, feather pen (quill) and fire-breathing dragon – to the right of that are scripted words "Speculative (over) Fiction"
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작가 지그베르트 솔로몬 프라워는 공포 영화의 역사를 영화의 상태, 관객 취향 및 현대 세계 사건을 기반으로 수십 년 동안 장르가 변화하면서 선형적인 역사적 경로로 읽기 어렵다고 설명했습니다.

초기 독일 표현주의 영화나 트릭 필름과 같은 1930년대 이전의 영화는 드라큘라(1931)가 개봉되기 전까지 장르가 성문화된 장르가 되지 않았기 때문에 소급하여 공포 영화로 묘사되었습니다. 드라큘라는 1940년대까지 공포 영화를 개발하고 대중화하기 위해 유니버셜과 다른 몇몇 미국 영화 스튜디오를 이끌면서 흥행에 성공했습니다. 1950년대까지, 공포는 종종 공상과학 영화 주제로 만들어졌고, 10년이 끝날 무렵에 공포는 더 일반적인 국제 제작 장르였습니다.

1960년대에는 고전 문학 대신 현대 작품을 기반으로 한 자료로 더 발전했습니다. Psycho, Black Sunday and Night of the Living Dead와 같은 영화들의 개봉은 장르 내에서 폭력과 에로틱한 장면들의 증가로 이어졌습니다. 1970년대는 이러한 주제로 확장되어 고리에 더 많은 사진을 탐구하는 영화와 포르노 하이브리드에 가깝거나 직선적인 영화로 확장되었습니다. 이 시대의 장르 순환에는 자연 공포 영화와 1980년대 초에 확장된 슬래셔 영화의 부상이 포함됩니다. 1990년대로 접어들면서 포스트모더니즘은 공포에 빠졌고, 10년 동안 가장 큰 히트작 중 일부는 반지(1998)의 성공과 함께 일본의 영화를 포함했습니다.

21세기에는 스트리밍 미디어가 공포 트렌드를 대중화한 반면, 트렌드에는 쏘의 성공에 영향을 받은 고문 포르노, "찾은 영상" 기법을 사용한 영화, 그리고 흥행에 성공한 겟 아웃, 세레모니, 인시디어스 시리즈와 같은 독립 제작물이 포함되었습니다.

배경

그의 책 칼리가리의 아이들에서: 공포영화는 직선적인 역사적 경로를 따르는 것으로 해석될 수 없다고 작가 지그베르트 솔로몬 프라우어(Siegbert Solomon Prawer)는 말했습니다. 카를로스 클라렌스(Carlos Clarens)와 같은 역사학자와 비평가들은 당시 일부 영화 관객들이 벨라 루고시(Bela Lugosi)가 주연을 맡은 토드 브라우닝(Tod Browning)이 만든 영화를 매우 진지하게 찍은 반면, 다른 나라의 다른 작품들은 패러디를 위한 자료 세트를 어린이들의 오락이나 향수를 불러일으키는 추억으로 여겼다고 언급했습니다.[1] 존 케네스 뮤어(John Kenneth Muir)는 20세기 후반까지의 공포 영화의 역사를 다루는 책에서 공포 영화가 "그들의 나이와 관객"의 불안을 반영한다고 말하면서 이 진술을 반복했습니다. "만약 공포가 일상 생활과 관련이 없다면... 소름 끼치진 않습니다."[2]

역사학자 게리 돈 로즈(Gary Don Rhodes)는 드라큘라(1931)가 개봉되기 전에 공포 영화의 아이디어가 성문화된 장르로 아직 존재하지 않았으며 비평가들이 드라큘라가 개봉되기 전에 리뷰에서 영화를 묘사하기 위해 "공포"라는 용어를 사용했지만, 이 용어는 장르의 이름으로서 지금까지 진정으로 발전하지 않았다고 설명했습니다.[3] 소설, 연극, 영화의 이야기가 초자연적인 것에 의존했음에도 불구하고 미스터리 영화 장르가 유행했고 드라큘라가 미스터리 영화로 홍보되었다는 초기 정보는 흔했습니다.[4]

초기 영향

프리필름

많은 태국 공포영화에서 두각을 나타낸 태국 문화의 유령 매낙 프라 카농을 모신 사당. 많은 문화권의 민속에서 나오는 전설들은 영화의 발전에 공포에 영향을 미칠 것입니다.

영화 장르가 되는 영화 제작의 형태는 1890년대 후반 토마스 에디슨이 키네토그래프를 고안하기 전에 대부분 다른 미디어에서 정의되었습니다.[5] 모험, 탐정 이야기, 서양과 같은 장르는 소설로 개발되었고 뮤지컬은 연극의 주요 요소였습니다.[5] 작가이자 비평가인 Kim Newman은 만약 어떤 것이 1890년에 공포 영화라고 언급되었다면, 아무도 그것이 특정 장르로서 의미하는 것을 이해하지 못했을 것이라고 말했고, 이러한 유형의 영화들이 만들어지고 있지만 그 당시에는 그렇게 분류되지 않았다고 후속 조치를 취했습니다.[5] 공포 영화에 영향을 미칠 초기 자료에는 영웅이 괴물과 싸우는 길가메시 서사시와 전염병과 종말론이 논의되는 성경에 나오는 섬뜩하거나 환상적인 요소가 포함되었습니다.[6] 유령, 악마, 초자연적인 것에 대한 믿음은 오랫동안 많은 문화와 종교의 민속에 존재해 왔으며, 이는 공포 영화의 필수 요소가 될 것입니다.[7][8] 예를 들어, 좀비는 아이티 민속에서 유래했습니다.[9] 아시안 호러에서 앤디 리처즈(Andy Richards)는 많은 아시아 문화에서 "초자연적인 힘에 대한 광범위하고 뿌리깊은 수용"이 있다고 제안하고, 이것이 불교와 신토교에서처럼 애니미스트(animist), 범신론(pantheism), 카르마(karmic) 종교 전통과 관련이 있다고 제안합니다. 이는 그 지역의 공포 영화에 강한 영향을 미칩니다.[8] 고전 드라마에는 복수심에 찬 망령, 발굴된 두개골, 다수의 찔림, 광기에 굴복한 등장인물을 포함하는 햄릿과 같은 공포 영화에 의해 나중에 확장된 요소도 포함됩니다.[10]

오트란토의 성 (1764)과 앤 래드클리프의 작품과 같은 초기 고딕 소설은 겉보기에는 초자연적인 행위와 성을 배경으로 하는 자기적이면서도 혐오스러운 악당들과 관련된 이야기를 다루었지만, 결국에는 초자연적인 가식으로 설명되는 경우가 많았습니다.[10] 이 고딕 소설들 중 가장 유명한 것은 프랑켄슈타인 (1818)으로 여러 편의 영화로 각색되었습니다.[11] 미국 작가 에드거 앨런 포(Edgar Allan Poe)는 1830년대와 1840년대에 미래에 영화 스크린으로 번역될 여러 이야기를 썼습니다. 여기에는 "검은 고양이", "루 영안실에서의 살인", " 구덩이와 진자", "어셔 왕가의 몰락", "붉은 죽음의 가면" 등이 포함되었습니다.[11][12] 포의 이야기들은 종종 죽은, 죽은, 또는 스펙트럼이 있는 여성들을 제시하고 그들의 남자 주인공들의 집착에 초점을 맞춥니다.[12]

'지킬 박사와 하이드 씨의 기묘한 사건'(1886), '도리언 그레이의 그림'(1890), '트릴비'(1894), '황색의 왕'(1895), '모로 박사의 섬'(1896), '드라큘라'(1897), '투명인간'(1897) 등 그 이전의 모든 세기보다 1800년대 후반과 1900년대 초반에 더 많은 주요 공포 텍스트가 제작되었습니다. 나사의 돌림 (1898), 바스커빌의 사냥개 (1902), 골동품의 유령 (1904), 오페라의 유령 (1911).[12] 이것들과 많은 유사한 소설들과 단편 소설들이 만들어지면서 초기 영화는 1890년대에 시작되었습니다.[5] 이 이야기들 중 많은 부분이 특별히 끔찍한 것에 초점을 맞춘 것이 아니라 영화의 필수 요소가 될 끔찍한 요소와 세트 작품으로 대중 문화에 남아 있었습니다.[13]

초창기 영화

악마의 집 (1896)


19세기에 "공포"라는 단어는 희귀하지만 일반적인 기호로 사용되기 시작했습니다. 초기 영화에서 트릭 필름은 때때로 다양한 용어로 묘사되었습니다: American Mutoscope and Biograph Company는 때때로 그들의 영화를 "환상적"이라고 불렀고, Selig Polyscope Company는 그러한 영화를 "신비하고 신비롭다"고 불렀고, Vitagraph Studios는 "신비하고" "마법적"이라고 불렀습니다.[14] 니켈로디언 전시회 시대에 전시업체들은 "이상하고 멋진" 프랑켄슈타인(1910)과 아르투로 암브로시오(Arturo Ambrosio)의 라마스체라 트라기카(1911)를 "이상한 이야기"로 광고했습니다.[15] 뉴먼은 조르주 멜리에스 마누아르 듀이블을 최초의 공포 영화로 묘사했는데, 그 이미지는 수세기 동안의 책, 전설 및 무대 연극에서 나온 것으로 악마, 유령, 마녀 및 해골과 악마로 변신하는 유령의 성에 대한 이미지를 특징으로 합니다.[16] 이 영화는 스토리가 없지만 일련의 트릭 샷과 보드빌 액션이 촬영되었습니다.[16] 멜리에스는 1886년에서 1914년 사이에 역사적 오락, 종교 영화, 드라마, 문학 각색 및 허위 뉴스 릴에 이르기까지 500편 이상의 영화를 만들었습니다.[16]

영화가 전 세계적으로 인기를 끌면서 20세기 초에 영화는 제작이 너무 바빠서 종종 이야기가 만들어졌었다가 서로 몇 달 안에 다시 만들어지기도 했습니다.[17] Poe와 함께한 작품의 각색은 Le Puits detle Pendule (1909)과 America with the Sealed Room (1909)과 같은 프랑스에서 종종 채택되었습니다. 까마귀(1912)와 구덩이와 진자(1913).[18] 에디슨의 프랑켄슈타인과 함께한 프랑켄슈타인의 괴물 (1910), 영혼이 없는 삶 (1915), 그리고 이탈리아 제작의 일모스트로 디 프랑켄슈타인 (1921)을 포함한 다른 유명한 공포 캐릭터들이 그 시대에 영화에 데뷔했습니다.[18] 덴마크 (도리안 그레이의 포르타에 (1910년), 러시아 (포르트레 도리아나 그레야 (1915년), 독일 (Das Bildnis des Dorian Gray), 헝가리 (Azélet királya (1918년)[18]를 포함하여, 도리안 그레이의 그림과 같은 다른 소설들의 몇몇 각색들이 전세계에서 각색되었습니다. 가장 많이 각색된 공포 이야기는 윌리엄 셀리그의 지킬 박사와 하이드 씨(1908)와 같은 초기 각색 작품을 포함한 지킬 박사와 하이드 씨의 기묘한 사건이었습니다. 그 뒤를 이어 영국판 이야기 (인간의 이중성 (1910), 덴마크 작품 (덴스크 æ 브네스방그레 옵핀델세 (1910), 그리고 1912년 지킬 박사와 하이드 씨의 또 다른 미국 영화를 포함한 여러 버전이 뒤따랐습니다. 1920년에는 J. 찰스 헤이든의 지킬 박사와 하이드, 존 S. 로버트슨의 지킬 박사와 하이드, F. 등 세 가지 버전이 만들어졌습니다. W. Murnau's Der Januskopf.[17]

소수의 배우와 감독들만이 그 장르를 특별히 전문으로 하기 시작했습니다. 여기에는 악마와 치명적인 도플갱어와의 거래에 대한 포와 같은 이야기인 The Student of Prague (1913)에서 발두인을 연기할 독일 배우이자 감독인 Paul Wegener가 포함되었습니다. 베게너는 종종 유대인 설화 캐릭터 골렘과 관련된 이야기를 작업하곤 했는데, 이는 골렘과 춤추는 소녀(1917)의 패러디이기도 했던 속편인 데어 골렘(1915)과 전편인 골렘: 그가 어떻게 세상에 들어왔는지(1920)와 함께 작업했습니다.[18] 독일 영화 칼리가리 박사 내각(1920)은 뉴먼에 의해 배우 베르너 크라우스와 콘래드 바이트에 의해 "획기적인 공연"을 했다고 묘사되었습니다. Veidt는 또한 The Der Graf von Cagliostro (1920), The Hands of Orlac (1924)에서 그리고 Veidt와 Krauss는 The Student of Prague (1926)와 Waxworks (1924)에서 함께 일했습니다. 그곳에서 Krauss는 각각 악마와 잭 더 리퍼를 묘사했습니다.[19] 이전에 지킬 박사와 하이드 씨를 각색했던 Murnau는 Nosferatu(1922)와 함께 드라큘라를 각색했습니다. 뉴먼은 이 각색 작품이 "드라큘라가 주로 공포에 관심이 있는 유일한 스크린 각색 작품으로, 캐릭터의 쥐 같은 이목구비와 마른 몸에서, 이 영화는 칼리가리보다 훨씬 더 공포 영화의 표본"이라고 선언했습니다.[19] 할리우드는 공포 영화 스타를 완전히 발전시키지는 못했지만, 배우이자 분장 예술가인 론 체이니는 종종 영화에서 괴물들을 묘사하곤 했습니다. 예를 들어 '블라인드 바겐'의 유인원 (1922), '노트르담의 꼽추 (1923)'의 콰지모도 (1923), '오페라의 유령'의 에릭 (1925), '런던 애프터 미드나잇'의 거짓 뱀파이어 (1927). Chaney는 진정한 공포 영화 스타가 아니었고 살인자를 연기하는 The Unknown (1927)과 같은 감독 Tod Browning과 함께 만든 멜로 드라마로 대부분 알려져 있었습니다.[20] 호러는 무명(1927)과 잔지바르 서부(1928)와 같은 론 체이니의 영화에 가끔 형용사로 제공되었습니다.[21] 이 용어는 '이브닝 스타'와 같이 다양한 해석과 함께 여전히 사용되었는데, 이는 " 전과자, 도적, 기차 강도 또는 기타 무법자의 활동"을 보여주는 영화의 주간 운송을 금지하는 미국 상원의원 토마스 고어의 법안을 언급한 것입니다.[22] 1928년, 펜실베니아의 워렌 트리뷴은 "Horror Film Thrills Auditors at Columbia"라는 제목의 기사에서 "Something Always Haffen (1928)"이라는 영화를 검토하고 박쥐 (1926)와 마법사 (1927)와 "같은 종류의 다른 영화들"을 비교했습니다.[22] Rhodes는 박쥐, 마법사, 고양이와 카나리아(1927)와 같은 영화에는 서로 다른 묘사가 사용되었지만 가장 일반적으로 미스터리 영화로 언급되었다고 언급했습니다."[23]

1930년대

참고 항목: 1930년대의 공포 영화 목록과 코드 이전의 할리우드 § 공포와 SF
1930년대 미국 공포영화의 물결을 만든 드라큘라(1931)의 영화 포스터

1924년, 영국의 제작자 해밀턴 딘은 영국 더비의 대극장에서 드라큘라의 무대 버전을 초연했습니다.[24] 미국판은 1927년 브로드웨이에서 초연되었고 드라큘라 백작 역으로 배우 벨라 루고시가 출연했습니다.[25][24] 로도스는 이 연극을 "미국의 폭풍"이라고 묘사했습니다.[26] 1930년 6월, 유니버설 스튜디오는 공식적으로 연극과 소설 드라큘라에 대한 판권을 모두 구입했습니다.[24][27] 드라큘라는 1931년 2월 12일 루고시를 타이틀롤로 다시 뉴욕 록시 극장에서 초연했습니다.[28][25] 드라큘라에 대한 현대의 비판적인 반응은 책 유니버설 호러의 저자인 톰 위버, 마이클 브루나스, 존 브루나스에 의해 "일률적으로 긍정적이고, 심지어 칭찬하기도 한다" 그리고 "유니버설 호러 영화 중 가장 비판적으로 받아들여진 영화 중 하나"로 묘사되었습니다.[29] 유니버설은 이 영화에 대한 강력한 박스 오피스와 비평가들의 찬사에 놀랐고, 1931-1932 시즌에 루고시가 주연을 맡은 프랑켄슈타인(1931)과 루가(Rue Morgue)에서의 살인(1932)의 비슷한 제작을 앞두고 있다고 알려졌습니다.[30][31] 영국의 영화 제작자 제임스 웨일은 괴물 역의 보리스 카를로프를 주연으로 한 프랑켄슈타인을 감독하여, 드라큘라와 프랑켄슈타인이 각각 루고시와 카를로프의 영화 배우가 되도록 한 유니버설의 히트작임을 증명했습니다.[32] 카를로프는 프랑켄슈타인에서 어떤 대화도 하지 않았지만 유니버설의 미라(1932)에서 연설할 수 있었습니다. 역사학자 그레고리 W. 맹크는 자신의 스타덤을 높이기 위해 프랑켄슈타인 이후 보리스 카를로프가 필요한 원투펀치라고 부르는 동안, 뉴먼이 묘사한 영화는 스튜디오가 드라큘라의 줄거리에 가깝게 영화를 패턴화하는 "그들이 무엇을 얻고 있는지"를 알고 있다고 묘사했습니다.[33][32] 루고시와 카를로프는 1930년대에 검은 고양이(1934)와 레이븐(1935), 그리고 보이지 않는 광선(1936)과 같은 다른 공포 영화들을 포함한 여러 포에 각색하여 함께 출연했습니다.[34]

드라큘라의 개봉 이후, 워싱턴 포스트는 이 영화의 흥행 성공이 유사한 영화들의 순환으로 이어졌다고 선언했고, 뉴욕 타임즈는 1936년 개요에서 드라큘라와 음향 영화의 도착이 "이 스펙트럼 스릴러들의 진정한 승리"를 시작했다고 말했습니다.[35] 다른 스튜디오들은 Metro-Goldwyn-Mayer가 Dr.를 만들면서 그들만의 공포 프로젝트를 개발하기 시작했습니다. 지킬 앤 미스터 하이드(1931)와 매드 러브(1935)와 파라마운트 픽처스 위드 로스트 소울즈(1932)와 동물원에서의 살인(1933), 워너 브라더스 위드 닥터 엑스(1932)[36]와 밀랍스 박물관의 미스터리(1933). 유니버설은 또한 고래의 오래된 어둠의 집(1932)과 보이지 않는 남자(1933), 프랑켄슈타인의 신부(1935)의 후속작이 되었습니다.[32][36] RKO 픽처스는 또한 뉴먼이 드라큘라-프랑켄슈타인 사이클보다 아서 코난 도일의 잃어버린 세계에 더 많은 것을 소유하고 있다고 느낀 킹콩 (1933)과 함께 그들만의 괴물 영화를 개발했습니다.[37] 그 외에 미국에서 독립영화를 제작한 Halperin Organization이 Rugosi와 함께 White Zombie(1933)를 제작한 것과 같은 작품들이 있었는데, 그들의 성공은 Drums O' Voodoo(1934), Black Moon(1934), 그리고 Wouanga와 같은 부두 관련 영화들의 연속으로 이어졌습니다.[34] 칼로프가 주연한 영국 영화 구울(1933)과 토드 살육 영화와 같은 미국 이외의 나라에서도 몇몇 제작이 이루어졌습니다.[38]

이 시대의 많은 공포 영화들은 대중의 분노를 불러일으켰고 검열관들은 프랑켄슈타인, 잃어버린 영혼의 섬, 그리고 검은 고양이와 같은 영화들에서 더 폭력적이고 섬뜩한 장면들을 많이 잘라냈습니다.[39][40] 1933년, 영국 영화 센서스 위원회는 "16세 미만의 어린이들을 겁먹게 하거나 겁을 줄 가능성이 있는 모든 영화"에 대해 "H" 등급을 도입했습니다.[41] 1935년, BBFC의 회장 에드워드 쇼트는 "비록 이러한 [끔찍한] 영화들에 대해 별도의 범주가 설정되었지만," 그들이 증가하고 있다는 것을 알게 되어 유감입니다...저는 제작자와 임대인들이 이 경고의 말을 받아들이고, 가능한 한 이런 종류의 주제를 억제하기를 바랍니다."[41] 영국이 할리우드의 중요한 시장이었기 때문에, 미국 제작자들은 쇼트의 경고에 귀를 기울였고, 1936년 할리우드에서 제작된 공포 영화의 수는 감소했습니다.[41] 무역지 버라이어티는 유니버설 스튜디오가 드라큘라의 딸(1936)을 개봉한 후 공포 영화를 포기한 것은 "유럽 국가들, 특히 영국은 이 유형의 제품에 대해 편견을 가지고 있다"고 보도했습니다.[41] 10년 후반에는 Karloff가 Monogram Pictures와 Lugosi를 위한 저예산 영화를 제작하고 복지 서비스를 제공하게 되었습니다.[38] 10년이 끝날 무렵, 드라큘라와 프랑켄슈타인의 수익성 있는 재개봉은 1940년대 중반까지 계속될 공포 영화의 부활을 시작으로 루고시와 카를로프가 모두 등장하는 프랑켄슈타인의 아들(1939)을 제작하도록 유니버설을 장려할 것입니다.[42]

1940년대

참고 항목: 1940년대 공포 영화 목록
새로운 스타일의 공포 영화를 만든 제작자 발 르튼이 만든 최초의 영화인 캣 피플(Cat People, 1942)의 영화 포스터

1939년 프랑켄슈타인의 아들(Son of Frankenstein)의 성공 이후, 유니버설의 공포 영화들은 공포 영화의 작가 릭 월랜드가 "제2의 바람"이라고 부르는 것을 받았고, 공포 영화들은 1940년대 중반까지 열광적인 속도로 계속 제작되었습니다.[43] Universal은 The Invisible Man Returns (1940)와 The Mirmy's Hand (1941)와 같은 새로운 후속작을 개발하기 위해 1930년대의 공포 속성을 조사했습니다.[44] 맨 메이드 몬스터(Man Made Monster, 1941)는 배우 론 체이니 주니어를 소개하며 유니버설의 공포 영화 제작에 중추적인 역할을 했습니다. 체이니 주니어는 '쥐와 남자의 레니 스몰'(1939)로 주목을 받았습니다. Universal은 Chaney가 A나 B 사진에서 두각을 나타내지 못했기 때문에 Karloff를 대체할 새로운 스타가 될 가능성을 보았습니다.[45] 체이니 주니어는 울프 맨 시리즈의 영화에서 10년 동안 공포 스타가 되었고, 미라 시리즈, 프랑켄슈타인의 유령 속의 괴물 (1942), 드라큘라의 아들 (1943)에서 드라큘라 백작으로 세 번이나 묘사되었습니다.[44] Universal은 또한 Captive Wild Woman (1943)을 시작으로, 유인원 Paula에 관한 세 편의 영화와 같은 새로운 공포 시리즈를 만들었습니다. 유니버설은 구어체로 "괴물 집회" 영화라고 불리는 그들의 공포 프랜차이즈를 건너기 시작했습니다.[46][44] 프랑켄슈타인의 몬스터가 늑대인간을 만나게 한 프랑켄슈타인(1943)을 시작으로, 드라큘라 백작을 포함한 더 많은 크로스오버는 1940년대에 프랑켄슈타인 왕가(1944)와 드라큘라 왕가(1945)로 계속되었습니다.[44] B-Picture 스튜디오는 Universal의 공포 출력 스타일을 모방한 영화도 개발했습니다. 카를로프는 '매드 닥터'(1939)를 시작으로 '매드 닥터'(Mad Doctor) 형태의 캐릭터로 다양한 영화에 출연하며 호흡을 맞췄고, 루고시는 '악마 박쥐'(1941)의 '프로듀서 릴리스 코퍼레이션'(PRC)과 '모노그램' 등 유니버설과 빈곤열 스튜디오를 오가며 9편의 장편 영화를 작업했습니다.[47]

1942년 3월, 제작자 발 레튼은 독립 제작자 데이비드 오와의 작업 관계를 종료했습니다. Selznick은 RKO Radio Pictures의 Charles Koerner에서 일하며 B-movie 공포 장편 영화를 개발하기 위해 만들어진 새로운 유닛의 책임자가 되었습니다.[48][49] Lewton의 첫 공포영화 Cat People (1942)의 시나리오 작가인 DeWitt Bodeen에 따르면, 보딘은 "우리가 하고 싶지 않은 것의 전형적인 것"[50]이라고 느낀 영미권의 공포 영화와 서스펜스 영화를 보았고, 감독 자크 투르뇌는 르튼이 "스튜디오가 기대했던 저렴한 공포 영화이지만 지적이고 좋은 맛의 영화"를 만들지 않기로 결정했다고 회상했습니다.[50] 뉴먼은 후에 캣 피플과 나는 좀비와 함께 걸었습니다(1943)와 일곱 번째 희생자(1943)와 같은 르튼의 다른 공포 영화들을 "완치되고, 파멸을 초래하며, 시적"이라고 묘사했고, 영화 평론가 로저 에버트는 1940년대에 르튼이 제작한 영화들은 "미국 영화 역사에 획기적인 것"이라고 묘사했습니다.[51] 캣피플로부터 빌린 1940년대의 몇몇 공포 영화들은 구체적으로 자신이 괴물로 변하는 경향을 물려받았다고 두려워하거나 영화의 그림자 같은 시각적 스타일을 복제하려고 시도하는 여성 캐릭터를 정글 우먼(1944), 괴물의 영혼(1944), 돌아온 여자(1945), 런던의 늑대(1946)와 함께 등장시킵니다. 고양이 크리프(1946)와 크리퍼(1948).[52]

1946년 4월, 할리우드 리포터는 공포 영화가 "더 무거운 성인 후원"을 얻고 있었고, 더 높은 예산과 더 높은 기준으로 인해 "보편적인 매력"을 받고 있다고 발표했습니다.[53] Rhodes와 Kaffenberger는 기사에서 공포라는 용어의 탄력성에 주목했고, 특히 The Spiral Stage와 Bedlam (1946)과 같은 영화를 언급했습니다.[54] 이 잡지는 또한 알프레드 히치콕의 스펠바운드와 같은 영화들과 소녀와 악마 (1944)와 데드 오브 나이트 (1945)와 같은 몇몇 외국 영화들을 이 용어로 언급했습니다.[54] 1946년, 울프 맨 (1941)과 같은 영화의 시나리오 작가인 커트 사이오드막은 "공포가 최고 제작의 금빛 문으로 들어올 때, 그것은 '심리 스릴러'로 미화됩니다. 하지만 다른 이름의 장미... [55]" 1947년에서 1951년 사이에 할리우드는 새로운 공포 영화를 거의 만들지 않았습니다.[56] 이 시기 사이에 미국 스튜디오들은 유니버설과 모노그램과 같은 스튜디오들의 공포 영화 제작 뒷 카탈로그를 다시 공개하고 있었습니다.[57] 극장 관람객 감소로 인해 박스오피스 수입이 급격히 감소하여 MGM, 파라마운트, RKO, 20세기 폭스, 유니버설, 워너 브라더스 및 PRC를 포함한 11개 주요 제작 배급사 중 7개 회사가 이전 시즌 영화를 다시 개봉할 것이라고 Motion Picture Herald가 보도했습니다.[57] 1947년에서 1951년 사이에 적어도 25편의 벨라 루고시 공포 영화가 극장에서 다시 개봉되었습니다.[58]

1950년대

참고 항목: 1950년대의 공포 영화 목록
공포영화를 1930년대 유니버설이 확립한 스타일에서 벗어나 다른 세계에서 온 것(The Thing From Another World, 1951)의 영화 포스터

드라큘라의 집 (1945)과 프랑켄슈타인의 저주 (1957)의 개봉 사이에 고딕 공포가 유행에서 벗어났다는 연구 결과가 있지만, 지킬 박사의 아들 (1951), 기묘한 문 (1951), 검은 성 (1952), 밀랍의 집 (1953)과 같은 영화에서 고딕 공포가 살짝 보였습니다.[59] 해머 필름 프로덕션(Hammer Film Productions)의 고딕 영화가 출시되기 전, 1950년대의 마지막 고딕 공포 영화는 종종 Ed Wood 또는 Reginald LeBorg와 같은 저예산 인디 영화 감독이나 Howard W. Koch와 같은 제작자가 만든 영화에 벨라 루고시(Bela Lugosi), 론 체이니 주니어(Lon Chaney Jr.), 보리스 카를로프(Boris Karloff)와 같은 나이든 스타를 등장시켰습니다.[60] 해머는 원래 1950년대 초에 미국 스타일의 공상과학 영화를 개발하기 시작했지만 나중에 그들의 컬러 영화 프랑켄슈타인과 드라큘라(1958)로 공포에 진출했습니다.[60][61] 이 영화들은 두 명의 공포영화 스타를 낳았습니다. 크리스토퍼 리와 피터 쿠싱.[61] 해머의 더 많은 공상과학 소설 시리즈인 Quatermass와 함께, 해머의 고딕과 공상과학 영화 모두 수년 내에 많은 유사한 영화들을 개발할 것입니다.[61]

1950년대의 가장 영향력 있는 공포 영화 중 하나는 The Thing From Another World (1951)인데, 뉴먼은 1950년대의 수많은 SF 공포 영화들이 그것의 스타일로 따라올 것이라고 말한 반면, The Man from Planet X (1951)라는 영화는 수염이 덥수룩한 과학자와 안개 낀 세트를 가지고 촬영하는 유니버설 공포 스타일에 여전히 빚을 지고 있었습니다.[62] "다른 세상에서 온 것"이 개봉된 후 5년 동안 외계인, 공룡 또는 방사성 돌연변이와 관련된 거의 모든 영화는 "다른 세상에서 온 것"에서 볼 수 있는 사실적인 캐릭터를 다루게 되었습니다.[62] 나이든 캐릭터들을 위해 각색된 영화들조차 뱀파이어 (1957), 늑대인간 (1956), 프랑켄슈타인 1970 (1958)과 같은 SF적 성향이 그 시대의 원자에서 영감을 받은 괴물들의 영향을 받았습니다.[63] 지킬 박사와 하이드의 기묘한 사건을 주제로 한 영화들도 네안데르탈인 (1953), 플라이 (1958), 캠퍼스의 괴물 (1958), 흉측한 태양의 악마 (1958)와 함께 등장했습니다.[63] 더 작은 동향에는 리치 우먼(1960)과 와스프 우먼(1959)과 같은 돌연변이와 같은 핀업 모델을 특징으로 하는 짧은 공포 영화의 물결을 만든 유니버설 인터내셔널(Universal-International)이 제작한 영화 컬트 오브 더 코브라(Cult of the Cobra)도 포함되었습니다.[60]

1950년대의 영화들은 그 시대의 영화 제작 스타일을 반영했습니다. 이것들은 3D로 촬영된 <미친 마술사> (1954), <루 시체 안치소의 유령> (1954), 그리고 <메이즈> (1953)와 같은 공포 영화들을 포함했습니다.[60] 윌리엄 캐슬 감독은 또한 영화관 내에서 일어나는 소품과 효과를 다룬 팅글러(1959)와 유령의 언덕 위의 집(1959)과 같은 속임수를 주제로 한 공포 영화로 공포 관객들을 매료시켰습니다.[61] 10대 괴물을 주인공으로 한 공포 영화는 1950년대에 미국 국제 영화 (AIP)의 여러 작품과 허먼 코헨과 나는 10대 늑대인간 (1957), 나는 10대 프랑켄슈타인 (1957)의 작품으로 인기를 끌었습니다.[61] 이것은 지킬 박사의 딸 (1957)과 프랑켄슈타인의 딸 (1958)과 같은 이후의 제작으로 이어졌습니다.[61] 공포영화는 1950년대에 멕시코 제작 엘밤피로(El vampiro, 1957)와 같은 국제적인 작품으로도 더욱 확장되었습니다.[61] 이탈리아에서 리카르도 프리다와 마리오 바바는 이 뱀피리 (1957)와 칼티키 – 불멸의 괴물 (1959)로 초기 이탈리아 공포 영화를 개발했습니다.[64] 제작은 또한 필리핀(Terror Is a Man (1959년), 독일(The Head (1959년), 거미섬의 공포 (1960년), 프랑스(Eyes Without Aface (1960년)[64]로 확장되었습니다.

1960년대

참고 항목: 1960년대의 공포 영화 목록
Psycho를 위한 영화 포스터 (1960). 블랙 선데이와 함께 1960년대 두 영화는 1960년대 이후 공포 영화의 분위기를 극적으로 변화시켰습니다.

공포영화가 1960년에 극적으로 바뀌었다는 뉴먼. 특히 로버트 블로흐의 소설을 바탕으로 한 알프레드 히치콕의 영화 사이코(1960)와 함께. 뉴먼은 이 영화가 행오버 스퀘어(1945)와 도시가 잠든 사이(1956)와 같은 초기 멜로드라마와 영화 누아르에서만 다루어진 미래 영화의 분위기를 조성하는 다중인격 연쇄 살인범의 아이디어를 높였다고 선언했습니다.[65][66] 사이코의 개봉은 베이비 제인에게 일어난 일(1962)과 윌리엄 캐슬이 쓴 블로흐 대본의 해협 재킷(1964)을 포함하여 등장인물들의 정신병에 대한 비슷한 그림들로 이어졌습니다.[66] 사이코의 영향은 공포의 맛 (1961), 편집증 (1962), 그리고 예쁜 독극물 (1968)에 이르는 영화들로 1970년대까지 계속되었습니다.[66] Psycho에 이어, Newman이 Jack Clayton의 The Innocents (1961)와 Robert Wise의 The Haunting (1963)과 같은 "우아하고, 맛이 있는" 공포 영화라고 묘사한 것이 잠깐 다시 나타났습니다.[67] 미국 밖에서 일본은 칸 영화제 심사위원 특별상을 포함한 국제적인 상을 수상하고 아카데미 시상식에서 최우수 외국어 영화상 후보에 오른 고바야시 마사키의 콰이단(1965)과 같은 비평가들의 찬사를 받은 영화들을 개봉했습니다.[68] 뉴먼은 로만 폴란스키의 로즈마리의 아기(1968)를 사이코 이후 1960년대의 또 다른 "사건" 공포 영화로 묘사했습니다.[69] 사탄을 주제로 한 로즈마리의 아기 이야기의 영향력은 엑소시스트 (1973)와 오멘 (1976)과 같은 영화에서 1970년대까지는 느낄 수 없었습니다.[69]

로저 코먼(Roger Corman)은 AIP에게 두 편의 저렴한 흑백 공포 영화를 개발하도록 설득했고, 이 두 영화의 예산을 컬러 영화 하우스 오브 어셔(House of Usher, 1960)를 만드는 데 사용했습니다. 이 영화는 칼로프와 체이니 주니어와 같은 나이든 공포 스타들에게 역할을 제공한 The Pit and the Pendus (1961), Tales of Terror (1962), The Raven (1963)을 포함하여 코먼에 의해 자신만의 Poe 각색 사이클을 만들었습니다. 이 영화들은 그들의 공포 스타 쿠싱과 피셔가 출연하는 영국 해머사의 영국 컬러 공포 영화들과 경쟁하기 위해 만들어졌습니다. 해머는 1958년에서 1973년 사이에 프랑켄슈타인 시리즈로 여러 편의 영화를 만들었지만 여전히 파충류 (1966)와 좀비의 역병 (1966)과 같은 일회성 영화를 제작했습니다. 해머 경쟁은 1960년대 중반 영국에서 닥터와 같은 아미쿠스 프로덕션과 함께 등장했습니다. 공포의 집 (1964)과 배우 쿠싱과 리도 출연했습니다.[65] 해머와는 달리 아미쿠스는 블로흐(스컬(1965년)와 고문 정원(1967년)과 같은 현대적인 소스에서 그림을 그려냈고, 이로 인해 해머는 데니스 휘틀리(악마는 밖으로 나간다(1968년)[65]의 작품을 각색했습니다.

마리오 바바의 블랙 선데이(1960)는 영화에서 스크린 폭력의 증가를 나타냈습니다.[70] 바바의 영화 이전에 피셔의 초기 해머 영화는 봉투를 밀어 넣으려고 시도했습니다. 프랑켄슈타인의 저주는 분장에 의존하여 괴물의 공포를 묘사했고, 드라큘라는 영국 영화 검열 위원회에 의해 더 끔찍한 장면들을 잘라냈고, 바스커빌의 사냥개(1959)의 뒷이야기의 폭력성은 대부분 내레이션을 통해 전달되었습니다.[71] 블랙선데이보다 일주일 먼저 공개된 사이코(1960)의 폭력은 빠른 컷팅을 활용한 유명한 '샤워 장면'으로 제안을 통해 그려졌습니다.[70] 이와는 대조적으로 블랙 선데이는 암시 없이 폭력을 묘사했습니다.[70] 이 정도의 폭력은 나중에 다른 이탈리아 장르 영화들, 예컨대 스파게티 웨스턴과 지알로에서 볼 수 있는데, 그 중에는 바바의 블러드 앤 블랙 레이스(1964)와 다리오 아르젠토와 루시오 풀치의 지알리도 포함됩니다.[70] 1960년대의 다른 독립적인 제작물들은 나중에 스플래터 영화라고 묘사되는 장르로 영화에서 보여진 고어를 확장했고, 블러드 피스트와 같은 허쉘 고든 루이스의 영화들은 앤디 밀리건과 테드 V. 미켈스와 같은 비슷한 생각을 가진 독립 감독들이 비슷한 작품을 만들도록 이끌었습니다.[69] 뉴먼은 이 독립 영화들의 진정한 돌파구가 조지 A라는 것을 발견했습니다. 권위 있는 인물들을 의심하는 공포영화에 대한 새로운 태도를 설정한 로메로의 살아있는 죽은 자들의 밤(1968)은 사회의 금기를 깨고 더 긴장감 있는 세트 작품들 사이에서 풍자되었습니다.[69]

블랙 선데이는 에로티시즘과 공포, 특히 고문당한 몸의 에로티시즘을 결합하는 데 초점을 맞추고 있는데, 이는 프랑스의 장 롤린이나 스페인의 헤수스 프랑코와 같은 다른 유럽 공포 영화 제작자들이 따를 추세입니다.[70] 프랑코는 1960년대부터 끔찍한 닥터 오를로프(1962)를 위해 얼굴 없는 눈(1960)의 줄거리를 차용하여 여러 편의 공포 영화를 만들었고, 시나리오 작가이자 배우인 자신토 몰리나(Paul Naschy)는 La Marca del Hombre Robo(1968)와 같은 유니버설 부동산의 캐릭터를 차용하여 스페인 공포 영화를 개발하기 시작했습니다.[66]

1970년대

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조지 A. 2009년 로메로. 로메로의 죽은 자들의 밤(1968)은 뉴먼이 1970년대에 독립적이고 사려 깊은 공포 영화에서 "느린 불타는 영향력"이라고 묘사한 것으로 이어졌습니다.[72]

역사가 존 케네스 뮤어(John Kenneth Muir)는 1970년대를 공포 영화에 대한 "진정으로 절충적인 시기"로 묘사하면서, 다른 것들은 1930년대와 1940년대 이후 등장한 오래된 캐릭터들의 부활이라고 언급했습니다.[73] '살아있는 죽은 자들의 밤'은 뉴먼이 그 시대의 공포 영화에 "느린 불타는 영향"이라고 묘사한 것을 가지고 있었는데, 어떤 이들은 맨체스터 영안실의 '살아있는 죽은 자들'(1974)과 같은 좀비 프레임워크를 각색했고, 다른 이들은 뉴먼이 "장르의 첫 번째 미인"이 되어 고래와 같은 이전의 위대한 장르 감독들을 찾았습니다. Lewton과 Terence Fisher는 스튜디오 환경에서 일했습니다.[74] 여기에는 존 카펜터, 토비 후퍼, 웨스 크레이븐, 브라이언 드 팔마와 같은 미국인 감독과 밥 클라크, 데이비드 크로넨버그, 다리오 아르젠토와 같은 미국 밖에서 일하는 감독이 포함되었습니다.[74] 살아있는 죽은 자들의 밤 이전에, 공포 영화의 괴물들은 영화가 끝날 때까지 쉽게 추방되거나 패배할 수 있었고, 로메로의 영화와 다른 영화 제작자들의 영화들은 종종 다른 공포가 크레딧 이후에도 여전히 남아 있다고 제안했습니다.[72]

공포 영화는 1970년대에 전 세계에서 계속 만들어졌습니다.[75] 영국에서 Amicus는 Tales from the Crypt (1972)와 같은 유머러스한 공포 문집에 제작을 집중했습니다.[76] 스튜디오는 1970년대 중반까지 공포 영화 제작을 중단하고 1977년에 문을 닫았습니다.[77] 1970년대까지 해머 필름은 뱀파이어가 뱀파이어 연인(1970), 뱀파이어를 위한 욕망(1970), 그리고 악의 쌍둥이(1971)에서 레즈비언으로 암시되는 그들의 새로운 시리즈와 같은 그들의 영화를 다른 방향으로 몰아갔습니다.[78] 해머의 드라큘라 시리즈는 드라큘라 A.D. 1972 (1972)와 그 후속편인 The Satanic Rites of Dracula (1973)와 함께 현대적인 설정으로 업데이트되었고, 그 후, 리는 드라큘라 역할에서 은퇴했습니다.[79] 해머는 1970년대에 장편 영화 제작을 중단했습니다.[76] 이탈리아 영화 산업의 다른 작은 붐에는 지알로 영화에 대한 이탈리아의 트렌드를 만든 아르젠토의 수정 깃털이 달린 새 (1970)가 포함되었습니다.[80][81] 식인종, 좀비, 나치와 관련된 영화와 같은 이탈리아의 다른 소규모 트렌드는 뉴먼이 "비판적인 미친 사람들"이라고 묘사했습니다.[75] 1970년대의 몇몇 영화들은 에로티시즘을 공포영화와 포르노 영화의 혼합물로 몰아붙였습니다.[74] 10년이 끝날 무렵 좀비 영화의 부상은 로메로의 죽음의 새벽(1978) 후속작에 의해 촉발되었습니다.[82]

의 리메이크는 1970년대 공포 영화의 인기 있는 선택으로 증명되었는데, 이는 1970년대 후반까지 존 바담의 드라큘라(1979)와 베르너 허조그의 뱀피레의 노세라투(1979)와 함께 계속된 드라큘라를 기반으로 한 영화들입니다.[83][84] 다른 미국 작품들도 흡혈귀들을 요르가 백작, 흡혈귀(1970), 블래큘라(1972)와 동시대의 환경에 놓았습니다.[79][85] Blacula는 Scream Blacula Scream(1973), Blackenstein(1973), Ganja and Hess(1973)와 같은 제목으로 블랙스플로테이션과 공포 영화를 결합하는 사이클을 시작했습니다.[85] 또한 유럽의 프로덕션은 드라큘라와 프랑켄슈타인을 계속해서 등장시켰는데, 폴 모리스시의 "드라큘라를 위한 피"(1974)와 "프랑켄슈타인을 위한 살"(1973)은 둘 다 그들의 이야기의 에로티시즘을 탐구했습니다.[85] 비록 공식적인 리메이크는 아니지만, 10년 만에 가장 많은 수익을 올린 공포 영화인 Alien (1979)은 It과 같은 영화에서 b-movie 요소를 가져갔습니다! 우주 너머에서 온 공포 (1958).[82]

엑소시스트(1973)는 뉴먼이 할리우드를 공포 영화 제작에 다시 참여시키는 것으로 묘사한 영화입니다.[75] '로즈마리의 아기'와 함께 뉴먼은 이 영화를 '미려한 공연'과 비스타 배우들이 출연한 이 시기의 뉴 할리우드 운동의 일부였던 '그릿함과 현실감'을 가지고 있다고 설명했습니다.[75] 엑소시스트의 종교적 모티브를 가진 몇몇 영화들이 애비(1974)와 오멘(1976)과 같은 영화들과 데보라를 위한 검은 리본(1974)과 같은 영화들로 이탈리아에서 70년대에 이어졌습니다.[75] 1988년, 뉴먼은 나중에 이 사이클이 "즉시 타버렸다"고 묘사했고, 대부분의 영화들은 로즈마리의 베이비에서 빌렸고, 엑소시스트에서 빌리기 위한 마지막 사이클은 아미티빌 II였습니다. 소유 (1982).[86]

1963년, Hitchcock은 1970년대에 유행으로 확장된 The Birds (1963)로 인류에 대한 복수를 하는 새로운 장르의 본성을 정의했습니다. 킬러 쥐에 관한 영화인 윌러드(1971)의 성공에 이어 1972년에는 스탠리(1972)와 공식 속편인 벤(1972)과 비슷한 영화를 만들었습니다.[87] 레푸스의 밤(1972), 개구리(1972), 버그(1975), 스퀴름(1976), 뮤어가 조스(1975)와 함께 장르의 "터닝 포인트"라고 묘사한 것과 같은 다른 영화들이 그 뒤를 이었습니다. 이 영화는 가장 높은 수익을 올린 영화가 되었고, 그리즐리 (1976)와 나이트 크리처 (1977), 오르카 (1977), 죠스 2 (1978)와 같은 더 적은 거대한 동물들과 더 많은 실제 생물들로 동물 공격 장르를 "덜 환상적인 길로" 옮겼습니다.[87][88][89] 뉴먼은 죠스를 기억에 남는 음악 주제와 텍사스 체인소 대학살(1974)과 같은 가족의 노먼 베이츠와 같은 사회적 산물이 아니라는 점에 주목하는 "충격의 협주곡"이라고 묘사했습니다. 이러한 요소들은 카펜터의 할로윈 (1978)[75]으로 옮겨졌습니다 뉴먼은 에일리언, 죠스, 할로윈과 같은 높은 수익을 올린 영화들이 "높은 시각적 정교함을 가진 끊임없는 서스펜스 기계"에 기반을 둔 히트작이라고 설명했습니다.[82] 또 다른 주류 히트 영화 드 팔마의 캐리(1976)와 함께 할로윈은 10대들이 공포 영화의 항상 존재하는 주인공이 되는 추세를 시작했고, 캐리 자체는 뉴먼이 초자연적인 줄거리에 "꿈의 논리"를 가지고 있다고 묘사한 영화였습니다. 그것은 Suspiria (1977)와 Inferno (1980)와 같은 Argento의 영화 줄거리로 확장되었으며, 그의 이야기 논리는 뉴먼이 그들의 줄거리를 "이야기가 의미가 없다"고 묘사할 때까지 밀려났습니다.[90]

1980년대

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A man's face with glasses
1980년대에는 스티븐 킹(사진)의 작품을 각색한 영화가 급증했습니다.

1980년대는 1960년대 초 이후 처음으로 훨씬 느슨한 조직적인 팬 커뮤니티를 가진 공포 영화 팬덤이 형성되었고, Shock Around 24시간, Dead by Dawn과 같은 공포 영화 축제가 발전함에 따라 시네판타스티크, 팡고리아, 스타버스트와 같은 잡지와 팬진의 출판이 증가하면서 상승했습니다.[91] 가정용 비디오가 등장하면서 영국에서는 공포 영화가 "비디오 내스티"로 공격을 받아 사람들은 수집품을 경찰에 압수당하고 일부 사람들은 공포 영화를 팔거나 소유한 혐의로 수감되었습니다.[92] 뉴먼은 비디오 고약한 문제에 대한 반응이 공포 영화가 "이전 10년보다 더 우울해졌다"고 설명했고, 비록 영화가 덜 고약하지는 않았지만, "더 가볍고, 덜 개인적인 작품이 되었다."고 말했습니다.[93][92] 뉴먼은 카펜터, 크로넨버그, 후퍼와 같은 1970년대에 독창적인 소재를 만든 감독들이 1950년대 공포 소재를 각색하거나 리메이크한 스티븐 킹과 함께 적어도 잠시 "안전하게 플레이"할 것이라고 언급했습니다.[94]

이탈리아에서 이탈리아 영화 산업은 점차 텔레비전용 영화를 만드는 방향으로 나아갔습니다.[95] 이 10년은 아르젠토의 인페르노(1980)의 고예산 제작으로 시작되었고, 마리오 바바의 죽음으로 풀시는 역사가 로베르토 쿠르티가 "1980년대 초 이탈리아에서 가장 유명한 공포 영화 감독"이라고 부르는 인물이 되었습니다.[96] 80년대 초반에 풀치와 다른 영화들로부터 몇몇 좀비 영화들이 국내에서 만들어졌고, 아르젠토는 람베르토 바바와 같은 다른 영화들을 위한 영화들을 계속 감독하고 제작했습니다.[96] 10년이 끝날 무렵 풀시의 건강이 악화되면서 많은 감독들이 조 다마토의 필미라지 회사, 독립 영화 또는 텔레비전과 가정용 비디오를 위한 공포 영화 제작에 눈을 돌렸습니다.[97][98]

1980년대에 드라큘라와 프랑켄슈타인의 괴물의 나이든 공포 캐릭터들은 몬스터 스쿼드 (1987)와 왁스워크 (1988)와 같은 향수를 불러일으키는 영화 밖의 영화에 거의 등장하지 않았습니다. 뱀파이어를 주제로 한 영화들은 앤 라이스와 같은 작가들의 전통에서 자주 이어졌는데, 뱀파이어는 역병이나 저주보다는 생활 방식의 선택이 됩니다.[99] 이것은 헝거 (1983), 로스트 보이즈 (1986), 니어 다크 (1986)와 같은 영화에 반영되었습니다.[99] 1980년대는 신체 변형과 남자가 늑대가 되는 것에 관한 여러 영화를 강조했습니다.[100] Rob Bottin과 Rick Baker와 같은 특수 효과와 메이크업 아티스트들은 The American Werewolf in London과 The Howling과 같은 영화의 늑대인간과 같은 생물체들을 위한 더 상세하고 그래픽적인 변형 장면들을 허용했고, 반면에 Modified States (1980)와 The Thing (1982)과 같은 영화들은 비디오드롬(1983)과 플라이(1986)는 다양한 형태의 변형으로 인체를 보여줍니다.[101] 1980년대에 깜짝 히트작인 Comin' at Ya! (1981) 이후 여러 후속편들이 3D 영화의 부활을 가져왔습니다. 여기에는 13부 3(1982년), 기생충(1982년), 죠스 3-D(1983년)의 금요일이 포함되었습니다.[102]

프랑켄슈타인의 괴물과 드라큘라를 대체한 새로운 인기 캐릭터들은 제이슨 부레스(13일 금요일), 마이클 마이어스(할로윈), 프레디 크루거(엘름 스트리트의 악몽)와 같은 더 일반적인 이름을 가지고 있었습니다. 뱀파이어였거나 미치광이 과학자들에 의해 창조된 과거의 인물들과 달리, 이 인물들은 겉보기에는 그 시대의 슬래셔 영화 장르를 발전시킨 공통된 소리 이름을 가진 사람들이었습니다.[103] 장르에 관한 그의 책에서, 작가 아담 로코프는 이 악당들이 "힘들고, 문제적이고, 치열하게 개인주의적인" 영화의 "불량 장르"를 나타낸다고 말했습니다.[104] 13일(1980년) 금요일의 재정적인 성공에 이어 1980년에만 최소 20편의 슬래셔 영화가 등장했습니다.[92] 이 영화들은 보통 다섯 가지 속성을 중심으로 전개됩니다: 독특한 사회 환경(캠프, 학교, 휴일)과 과거에 저지른 범죄(우발적 익사, 불륜, 경멸받는 연인) 및 이미 만들어진 피해자 그룹(캠프 상담사, 학생, 결혼식 파티).[105] 이 장르는 에버트와 같은 시대의 몇몇 현대 영화 비평가들에 의해 조롱을 받았고, 종종 박스 오피스에서 높은 수익을 올렸습니다.[106]

유령, 유령, 악마의 소유와 관련된 초자연적인 주제의 영화와 같은 다른 더 전통적인 스타일은 1980년대까지 계속되었습니다.[107] 이 스타일의 가장 인기 있는 영화 중에는 스탠리 큐브릭의 샤이닝(1980), 후퍼의 높은 수익을 올린 폴터가이스트(1982), 아미티빌 호러 영화 프랜차이즈의 영화가 포함되었습니다.[108] The Shining and Carrie와 같은 Stephen King의 책을 기반으로 한 영화들이 개봉된 후, Cujo (1983), Christine (1983), The Dead Zone (1983)과 Firestarter (1984), 그리고 Children of the Corn (1984)와 같은 그의 소설들이 더 영화화되었습니다.[109][110] 킹은 심지어 1986년에 맥시멈 오버드라이브로 자신의 영화를 감독했습니다.[111]

1990년대

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1990년대 최고의 수익을 올린 공포 영화 중 하나인 블레어 위치 프로젝트(1999)의 일부 출연진과 제작진.

1990년대의 공포영화들도 1960년대나 1970년대만큼 이 장르의 주요 신인 감독들을 많이 개발하지 못했습니다.[112] 케빈 스미스, 리차드 링클레이터, 마이클 무어, 쿠엔틴 타란티노와 같은 젊은 의도의 영화 제작자들은 선댄스 영화제와 같은 장르가 아닌 영화제에서 장르 밖의 영화관에 침입했습니다.[113] 뉴먼은 1990년대 초반은 "공포를 위한 좋은 시기가 아니었다"고 언급하며 엑소시스트 3세(1990), 아미티빌 1992(1992)와 같은 과도한 속편에 주목했습니다. '시간에 관한 것'(1992)과 '텍사스 체인소 대학살', '13일 금요일', '엘름 스트리트의 악몽'[114] 속편의 귀환. Muir는 냉전이 끝난 후인 1990년대에, 미국은 국제적으로 "심각한 적"이 실제로 존재하지 않았고, 공포 영화들이 주로 미국 정부, 대기업들과 함께, 허구적인 적들에 적응하도록 이끌었다고 논평했습니다. 조직화된 종교와 상류층은 물론 뱀파이어나 사탄주의자들이 1990년대의 공포 악당들을 채우는 초자연적이고 오컬트적인 아이템들.[115]

뮤어는 장르를 모호하게 만들고 기존 장르를 초월하기 전인 1990년대를 묘사했습니다. 이로 인해 미국 사회의 공포영화를 조사한 웨스 크레이븐의 뉴 나이트메어(1994), 현실을 공포영화로 바꾸는 광기의 입(1995), 과거의 공포영화를 여러 차례 언급한 스크림(1996) 등 포스트모던 공포영화가 탄생했습니다.[116] 케빈 윌리엄슨이 대본을 쓴 스크림의 개봉은 윌리엄슨이 대본을 쓴 지난 여름 (1997)을 포함한 슬래셔 영화의 짧은 부활로 이어졌습니다.[117] 1990년대에 인기를 끌었지만 스크림 이후의 영화들보다 가시성이 낮은 다른 스타일의 십대 지향 공포는 미러, 미러(1990), 슈렁큰 헤드(1994)와 같은 초자연적인 청소년에 관한 영화들이었고, 이 영화들 중 가장 인기 있는 것은 크래프트(1996)입니다.[118] 1990년대의 문화적 갈등은 그 시대의 여러 공포 영화의 배경이 되었습니다.[119] The Unborn (1991)과 Alien 3 (1992)와 같은 영화에서 볼 수 있는 낙태와 관련된 문제부터 정치적 올바름 (Body Snatchers (1993), The People Under The Staes (1991), Tales From the Hood (1995), 그리고 Village of the Dammed (1995)에서 볼 수 있는 긍정적인 행동, 복지 및 인종 관련 문제까지 다양합니다.[120] Inside Edition, America's Most Wanted, 그리고 The Jerry Springer Show, Geraldo and Donahue와 같은 다른 텔레비전 쇼의 부상, 공포 영화들은 종종 Man's Best Friend (1993), Scream (1996), 그리고 The Night Flier (1997)와 같은 영화들에서 앵커우먼들과 TV 타블로이드 진행자들을 주인공 또는 조연으로 등장시켰습니다.[121] 1990년대 인터넷과 함께 기술의 급속한 성장과 세상의 종말을 초래하는 2000년 문제에 대한 두려움은 잔디 깎는 사람 (1992), 브레인스캔 (1994) 및 엔드 오브 데이즈 (1999)와 같은 영화의 줄거리에 반영되었습니다.[122]

프랜시스 포드 코폴라 감독의 브람스토커의 드라큘라(1992)가 개봉된 후, 1990년대에 고예산 고딕 공포 로맨스 영화의 작은 물결이 개봉되었습니다.여기에는 뱀파이어와의 인터뷰(1994), 메리 셸리의 프랑켄슈타인(1994), 울프(1994), 메리 레일리(1996)가 포함되었습니다.[123] 1990년대 말까지 뉴먼이 "문화 현상"이라고 표현한 세 편의 영화가 개봉되었습니다.[124] 여기에는 한국 영화 '속닥속닥 회랑'(1998)과 함께 아시아 전역에서 속편 및 아시아 국가의 유사한 괴담으로 이어진 주요 히트작인 나카타 히데오의 반지(1998)가 포함되었습니다. 이 영화는 1990년대 이후에야 서구 세계로 건너갔습니다.두 번째 주요 히트작은 식스 센스(The Sixth Sense)인데, 뉴먼은 반전 엔딩의 "즉각적인 진부한" 이야기라고 묘사했습니다.[124] 마지막 히트작은 저예산 독립영화 블레어 위치 프로젝트 (1999)입니다.[124]

2000년대

참고 항목: 2000년대의 공포 영화 목록
루벤 플라이셔 감독과 2009년 샌디에이고 코믹콘에서 좀비랜드(2009) 출연진. 이 영화는 2000년대 후반 좀비를 주제로 한 많은 영화 중 하나였습니다.

뉴먼은 블레어 위치 프로젝트의 성공 이후 2000년대 공포 영화의 첫 번째 트렌드를 패러디 형식으로 묘사했습니다. Bogus Witch Project(2000), 블레어 언더우드 프로젝트(2000)와 포르노 영화 에로틱 마녀 프로젝트(2000). 다른 영화들은 세인트와 같은 비슷한 저예산 모방 영화들을 포함했습니다. 블레어 위치 프로젝트와 유사한 줄거리를 가진 프랜시스빌 실험(2000).[125] 알렉산드라 헬러-니콜라스(Alexandra Heller-Nicholas)는 2006년 유튜브와 같은 사이트의 인기가 아마추어 미디어에 대한 취향을 불러일으켰고, Rec(2007), Diary of the Dead(2007)와 함께 10년 후에 발견된 영상 공포 장르의 추가 영화 제작으로 이어졌다고 언급했습니다. 클로버필드(2008)[126]와 특히 재정적으로 성공한 초자연적 활동(2007). 초자연적 활동 이후, 이 스타일은 블레어 위치와 같이 진정성이 있을 수 있는 영상에 대해 알려지지 않았지만, 특정 영화 스타일에 더 가깝습니다.[126]

포스트모던 공포영화는 2000년대에도 체리폴스(2000)와 사이코비치파티(2000)와 함께 계속되었지만 곧 공포영화 시리즈와 13일 금요일 쉬릭(2000)으로 순수하게 코미디와 패러디 영역으로 표류했습니다.[127][118] 다른 10대 지향의 시리즈는 파이널 데스티네이션과 함께 시대에 시작되었고 1999년 윌리엄 캐슬 온 헌티드 힐의 리메이크의 성공은 10년 동안 일련의 리메이크로 이어졌습니다. Thi13en Ghosts (2001), Willard (2003), Dawn of the Dead (2004), 안개(2005), 프롬 나이트(2008), 라스트 하우스 온 더 레프트(2009).[128] 오랫동안 휴면 상태로 남아있던 몇몇 영화 시리즈들은 2000년대에 제이슨 X(2001), 비욘드 리 애니메이터(2003), 엑소시스트(Excodist)와 함께 부활했습니다. 비기닝(2004), 죽은 자의 땅(2005).'28일 후'(2002), '숀 오브 더 데드'(2004), '던 오브 더 데드'(2004) 등에서 볼 수 있는 좀비에 대한 인기와 혁신적인 접근법은 2000년대 들어 '아이 엠 레전드'(2007), '좀비랜드'(2009), '데드 스노우'(2009), '폰티풀'(2008) 등과 함께 부활한 좀비 영화로 이어졌습니다.[129][130][131]

1998년 링의 성공을 계기로 홍콩, 한국, 태국, 그리고 일본에서 몇 편의 영화가 왔습니다.[132] 이 영화들은 대부분 여성 형사들이 다양한 형태의 탐정 작품을 사용하여 악의적인 여성 귀신에 대한 미스터리를 배우는 것을 포함합니다. 여기에는 The Eye (2002), Dark Water (2002), Into the Mirror (2003)가 포함되었습니다.[132] 이러한 경향은 서구에서도 피어닷컴(2002)과 같은 영화들로 반향을 일으켰고, 그들(2002)과 고티카(2003). 할리우드는 또한 반지 (2002), 다크 워터 (2005)로 이 일본 영화들을 다시 만들기 시작했습니다.[133] 일본 괴담 외에 아시아 영화 산업계도 우즈마키(2000), 스테이시(2001), 미이케 타카시의 여러 영화와 함께 뉴먼이 묘사한 "엽기적인" 공포 영화를 개발하기 시작했습니다.[133]

뉴먼이 2000년대에 영국 공포 영화의 "최소한의 부활"이라고 선언한 것이 있었는데, 벙커(2001), 도그 솔져(2002), 할리우드가 제작한 베로우(2002)와 함께 전쟁 영화와 관련된 공포 영화의 작은 경향이 있습니다.[133] Dimension Films가 1990년대에 만들었던 공포 스타일을 시도하는 여러 독립 영화와 영화 밖에서, 뉴먼은 새로운 영국 공포의 시작점을 My Little Eye (2002), 28 Days Later (2002), Shaun of the Dead (2004), 그리고 The Descent (2005)라고 느꼈습니다.[133]

천년의 전환기에, 뉴 프렌치 익스트림(New French Extremeity)으로 알려진 프랑스 영화계의 한 운동은 영화 프로그래머 제임스 콴트(James Quandt)에 의해 영화로 명명되었으며, 처음에는 "모든 금기를 깨고 내장과 정자의 강을 건너고, 각 프레임을 살, 누빌, 또는 갈고리로 채우기로 결정했다"고 묘사했습니다. 그리고 그것은 모든 종류의 침투 변형과 오염의 대상이 됩니다."[134] 그녀의 책 "새로운 프랑스 극단의 영화들"에서, 알렉산드라 웨스트는 일부 감독들이 클레어 데니스의 Trouble Every Day (2001)와 Marina de Van의 In My Skin (2002)과 같이 여전히 그들의 아트 하우스 기준에 맞는 공포 영화를 만들기 시작했다는 것을 발견했습니다. 이로 인해 다른 감독들은 알렉산드르 아자의 하이텐션(2003)과 자비에 겐스의 프론티어(2007)와 같이 서구가 묘사한 "전면적인 공포 영화"를 더 많이 만들게 되었습니다. 신프랑스 극단주의 운동의 공포 영화들 중 일부는 정기적으로 순교자들(2008), 인사이드(2007), 하이텐션(High Tension)과 같은 "베스트 오브" 장르 목록에 올랐습니다.[135] West는 언론인과 팬들이 이 운동의 더 공포 지향적인 영화들을 "고문 포르노"라는 새로운 트렌드에 대한 "지적인 형제"로 보고 있다고 설명했습니다.[135]

뉴욕 타임즈의 데이비드 에델스타인(David Edelstein)은 2006년 기사에서 2003년 이후 40편이 넘는 영화에 대해 종종 소급하여 묘사되는 영화에 대한 레이블로서 "고문 포르노"라고 묘사한 장르에 대한 용어를 만들었습니다.[136] 에델스타인은 Saw(2004)와 같은 영화에 출연했습니다. 악마의 거부(2005)와 이 현수막 아래에 있는 울프 크릭(2005)은 관객들에게 "무언가를 느끼기 위해" "길들여지고 충격적인" 것을 암시하며 관객들을 타락의 변두리로 내몰았습니다.[137] 이 라벨은 불안한 반응을 일으키기 위해 "강력한 신체적 행위와 눈에 보이는 신체적 표현"으로 묘사되었습니다.[137] 케빈 웨트모어(Kevin Wetmore)는 Saw 영화 시리즈를 사용하여 이러한 영화가 제안한 9/11 이후의 비관주의, 구체적으로 "우리는 괜찮을 것이다"라는 비관주의에 대한 태도를 반영한다고 제안했습니다.[138] 뉴먼은 또한 다루기 어려운 현실을 다시 작업하거나 다시 하는 경향이 있는 9/11 이후의 이야기 경향에 주목했습니다. 식스센스나 매트릭스 같은 영화와 비슷합니다. 이 유행을 따르는 공포 영화들은 타인(2001)과 고아원(2007)과 같은 영화들과 함께 유령 이야기들을 포함했습니다.[132]

2010년대

참고 항목: 2010년대의 공포 영화 목록
스웨덴 감독 겸 시나리오 작가 요하네스 니홀름(오른쪽)이 2019년 부에노스아이레스 국제 독립영화제에서 공포영화 코코디 코코다를 선보이고 있습니다.

영화 스튜디오 Blumhouse가 Paranormal Activity (2007)로 성공한 후, 스튜디오는 2010년대에 영화 시리즈 인시디어스로 히트작이 된 영화를 계속했습니다. [139] 이로 인해 뉴먼은 "종종 결실을 맺은 주제적 위험에 대한 상업적 지식"에 대한 회사 정책으로 설명했으며, 여기에는 겟 아웃(2017), 인비저블 맨(2020), 해피 데스 데이(2017) 및 퍼지와 같은 시리즈가 포함되었습니다.[139][140] 로라 브래들리(Laura Bradley)는 베니티 페어(Banity Fair)에 기고한 글에서 공포영화나 장르영화를 전문으로 하지 않은 A24를 포함하여 크고 작은 영화 스튜디오 모두 블럼하우스의 성공을 알아차리기 시작했으며, 그들의 이름은 마녀(2015), 세습(2018), 미드소마르(2019)와 같은 영화에서 인기를 끌었다고 언급했습니다.[139] 브래들리(Bradley)는 어떻게 이러한 영화들 중 일부가 "우아한 공포"로 분류되었는지에 대해 언급하면서 "공포 애호가들과 일부 비평가들은 이 영화들이 완전히 새로운 것을 하고 있다는 생각에 반대했다"고 선언했습니다. 살아있는 죽음의 밤(1968)과 로즈마리의 아기(1968)와 같은 영화에서의 뿌리에 주목했습니다.[139]

2010년대 초, Virginie Sélavy가 1970년대의 실험과 그 하위 장르, 특히 민속 공포에 영감을 받은 사이키델릭 경향을 가지고 있다고 언급한 공포 영화의 물결이 있었습니다.[141] 이 유행은 두 편의 영화로 시작되었습니다: 엔터 더 보이드 (2009)와 비욘드 더 블랙 레인보우 (2010). 이 영화들 이후, Selavy가 "재앙적인 여행 혹은 소름 끼치는 꿈"이라고 묘사한 영화들이 연달아 개봉되었는데, 그 중에는 Berberian Sound Studio (2011), Under the Skin (2013), We Are the Flesh (2016), Climes (2018) 등이 있습니다.[141] 이 영화들이 항상 1960년대와 1970년대의 의식 확장 정신을 공유하는 것은 아닙니다.[141] 이러한 경향의 이유는 1970년대에 성장한 영화 제작자들뿐만 아니라 애로우 비디오, 파렴치한 그리고 핵 필름과 같은 가정용 비디오 배급사들이 원래 사이키델릭 시대의 더 이상하고 잊혀진 영화들을 복원한 것입니다.[141]

국제 스트리밍 미디어 서비스의 확장은 공포의 인기를 높인 것으로 생각됩니다.[142] The Hounting of Hill House와 같은 넷플릭스의 여러 공포 TV 시리즈는 플랫폼의 성공을 거두었고, Blumhouse는 배포를 위해 Amazon Prime Video와 파트너 관계를 맺었으며,[142] 주로 공포 타이틀만을 위한 스트리밍 서비스인 Shudder는 2015년에 출시되어 그 후 몇 년 동안 인기를 얻었습니다.[143] 스트리밍은 동남아시아 공포 영화, 특히 조코 안와르의 사탄의 노예와 임페티고레와 같은 인도네시아 영화,[144] 그리고 말레이시아의 노 감독에 대한 국제적인 관심을 증가시킨 것으로 언급되었습니다.[7]

스티븐 킹 소설을 각색한 잇(2017)은 미국에서 개봉 주말에 1억 2,310만 달러, 전 세계적으로 거의 1억 8,500만 달러의 수익을 올리며 공포 영화 흥행 기록을 세웠습니다.[145] It의 성공은 It Chapter Two(2019), Pet Sematary(2019), Doctor Sleep(2019)을 포함한 더 많은 King 소설이 각색되었습니다.[146] 한국 공포영화는 아시아 공포영화의 천년을 맞아 '부산행'(2016) '오드 패밀리: 좀비 온 세일'(2019) '반도'(2020) 등 좀비 영화와 통곡(2016) 등 좀비가 아닌 영화로 부활했습니다[clarification needed].[147]

2020년대

참고 항목: 2020년대의 공포 영화 목록
2021 칸 영화제 몸공포영화 '타이탄' 출연진과 함께한 줄리아 듀쿠르나우 감독(가운데). 타이탄은 이 행사에서 황금종려상을 수상했습니다.[135][148]

2020년부터 시작된 코로나19 팬데믹으로 영화계가 혼란에 빠지면서 '콰이어트 플레이스 2'(2020), '캔디맨'(2021) 등 공포영화 여러 편의 개봉이 연기됐고, '검열기'(2021) 등 다른 영화들은 제작이 중단됐습니다.[149] 봉쇄 기간 동안 가상의 종말론이 등장하는 영화의 스트리밍이 증가했습니다. [150] 2020년 격리 기간 동안 촬영되어 설정된 영화인 호스트(2020)와의 줌 미팅에서 데스크톱을 배경으로 한 영화에 영상 공포가 부과된 것을 발견했으며, 뉴먼은 이 장르의 "실제 일어난 일" 측면을 더욱 강화했다고 설명했습니다.[151] 더 많은 인터넷 문화를 기반으로 한 영화들이 대시캠(2021), 우리는 모두 세계 박람회에 간다(2021), 데드스트림(2022), 바디 바디즈(2022)와 같은 영화들로 몇 년 동안 이어졌습니다.[152] 뉴먼은 21세기 공포 영화의 가장 중요한 주제 중 하나가 붕괴에 관한 것이며, 끔찍한 효과와 이미지와 소리가 악몽의 논리에 찬성하여 기존의 스토리텔링을 압도한다고 선언했습니다.[153]

블럼하우스는 미이라(2017)의 개봉으로 다크 유니버스 시리즈의 출시가 중단된 후 투명인간(2020)과 같은 유사한 예산이 책정된 영화의 일정을 잡음으로써 유니버설 픽처스와의 관계를 더욱 발전시켰습니다.[140][154] 더 많은 프랜차이즈 회차와 옛날 이야기의 반복은 드라큘라, 엑소시즘, 그리고 이블 데드, 인시디어스, 스크림, 쏘와 같은 시리즈의 다른 출품작들을 포함한 계속된 영화였습니다.[153]

참고 항목

참고문헌

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