5중주미터

Quintuple meter

Quintuple meter 또는 Quintuple time은 5박자 단위로 특징지어지는 음악적 미터다.

그것들은 가변적으로 스트레스를 받거나 똑같이 스트레스를 받는 박자의 어떤 조합으로 구성될 수 있다.

더 흔한 듀플, 트리플, 쿼드러플 미터처럼, 각 박자가 3분의 1로 나누어져서, 각 박자가 반, 즉 화합물로 나누어져서 간단한 것일 수도 있다. 간단한 5중주 미터에 대한 가장 일반적인 시간 서명은 및 , 그리고 복합 5중주 미터는 에 가장 자주 쓰여진다.

표기법

15
8 3개 분과와 같이.
15
8 5개 분과와 같이.

단순한 제고 미터 54또는 58시간에,라 정기적으로, 예 24+34에 트리플 점프, 2배의미터의 엇갈린 술집을 사용하여 notated 될 수 있는 서면 수 있다.각각의 5박자를 세 부분으로 나뉘어 져로, 비슷하게, 간단한 제고 signa의 각 비트에 세 쌍둥이 쓰기를 통해 158의 서명을 notated 수 있제고 미터 조제를 잘못하다튜어 또는 + 와 같은 정기적으로 교대 계량기를 사용하여

또 다른 공칭 변종에는 복합 계량기가 포함되는데, 2-3개의 숫자가 예상 분자의 자리를 대신한다. 단순 5중주 미터에서는 5를 다음과 같이 교체할 수 있다.[1] 그러나, 시간의 서명이 반드시 음악이 복합 5중주 미터 안에 있다는 것을 의미하지는 않는다. 예를 들어, 그것은 각 박자가 다섯 부분으로 세분되는 3중 미터의 막대를 나타낼 수 있다. 이 경우 미터는 때로 "트리플 5중주 시간"으로 특징지어진다.[2]

또한 3+3+2+2+2+2 8음절의 묶음이나, 예를 들어 크레타의 메소메데스(Mesmedes)에 의한 태양과 네메시스(Nemesis)의 찬송가, 2+2+2+2+2+2+2+2+2와 같이 불규칙하거나 첨가된 계량형 패턴에 시간 서명이 사용되는 것도 가능하다.[3]

마찬가지로, 또는 미터기 서명이 있는 일부 막대가 있다고 해서 반드시 음악이 전체적으로 5중주 미터인 것은 아니다. 예를 들어 브루스 혼스비의 '탱고 킹'(Hot House 앨범에서)의 정기적인 교체는 전체 비업플 미터(5+4 = 9)로 이어진다.[4]

역사

아테나이우스의 아들 아테나이우스가 쓴 제1회 델피크 찬송가 개막식 필사본

20세기 이전에는 유럽의 콘서트 음악에서는 5중주기가 드물었지만, 다른 문화권에서는 더 흔하게 찾아볼 수 있다.

고대 그리스 음악

고대 그리스 음악의 리듬은 시적 미터에 밀접하게 묶여 있었으며, 오늘날 이해되고 있는 것을 5중주 문양으로 포함시켰다. 기원전 2세기의 두 개의 델픽 찬송은 둘 다 예를 제공한다. 아테나이우스의 아들인 아테나이우스의 첫 번째 델픽 찬송가는 전체 5중주 크레틱 미터 안에 있다. 리메니우스가 쓴 제2 찬송가 10구절 중 첫 9구절도 크레티크 미터기에 있다.[5]

In addition to the Cretic meter, which consisted of a long-short-long pattern, ancient Greek music had seven other quintuple meters: Bacchic (L-L-S), Palimbacchic (or antibacchic: S-L-L), four species of Paeanic (L-S-S-S, S-L-S-S, S-S-L-S—which is a composite of pyrrhic and trochee—and S-S-S-L), and hyporchematic (S-S-S-S-S).[6]

아시아, 트랜스사우카시아, 중동

아바스 초기 (AD 750–900) 아랍 이론가들은 이미 작가마다 분류법과 용어는 다르지만 5중주기를 포함하는 모달 리듬 사이클( (q'at)을 묘사했다. 이러한 리듬을 처음으로 설명한 인물은 아부 유수프 야큐브 알 킨드(ca 801–ca 866)로, 이들은 ṯaaqīl("무거운"이라는 뜻의 의미)과 khafīf("빛"이라는 뜻의 빠른 의미)라는 두 가지 넓은 범주로 나뉜다. 그의 ṯaaq modesl 모드 중 두 가지인 ṯqaqīl thannī("제2의 무거운", S-S-L-S)와 라말(L-S-L)과 1개의 khafīf 모드가 5중주 모드다.[7] 후기 압바스 시대(AD 900–1258)의 가장 중요한 작가는 아부 나흐르 알 파라브(d. 950)와 이븐 스나(d. 1037)이다. 알 파르바브는 그리스 고전 음악 이론에 대한 지식이 전혀 없이 지역 전통에 기반을 둔 또 다른 초기 압바스 음악가 이자크 알 마윌로가 한 세기 전에 확립한 리듬 체계를 정교하게 다듬었다.[8] Isḥaq와 al-Farabā의 체계는 8개의 리듬 모드로 구성되었으며, 그 중 3번째와 4번째는 ṯaaqīt th("제2의 무거운")로 불리는 5중주법과 khafff al-ṯaqīl thnī("제2의 가벼운 무거운")로 두 가지 모두 각각 짧은 짧은 길이와 느린 템포와 빠른 템포에서 짧은 길이였다.[9] 이 용어와 이러한 정의는 12세기 후반까지 무슬림 스페인에서 계속 발견되었는데, 예를 들어 압드-알라-알라-이븐 무아마드 이브 알-바아탈리아ws의 문서에서 찾아볼 수 있다.[10]

모로코 말슈엔 레퍼토리(안달루시안 음악과 밀접하게 연관된 도시 노래 스타일)에서는 리듬이 기본 미터로 도입되기도 한다.[11]터키 고전음악은 2~10시간 단위의 리듬 모드(usul이라 불림) 시스템을 채용하고 있다. 이 5박자 미터는 Türk Aksağ라고 불린다.[12]

서부 조지아에 있는 아자라의 전통 음악에는 5중주 미터인 코루미라는 고대 전쟁 춤이 포함되어 있다.[13]

타라라고 불리는 카르나틱과 힌두스탄 고전음악의 주기적인 반복적인 고정시간 주기에는 빠른 5중주기와 느린 5중주기가 모두 포함되어 있으며, 2중주기와 3중주기, 6중주기도 포함되어 있다.[14] 카르나틱 시스템에는 아주 오래된 타라스의 복잡한 "공식적" 시스템이 있고, "공식적" 시스템에서 선택된 타라, 그리고 Carpu라고 불리는 두 개의 빠른 타라로 구성된 좀 더 최근, 다소 단순한 "공식적" 시스템이 있다. 느린 오중주 타라는 정식 계통에서 나온 것으로 7+1+2 박자의 패턴으로 구성되며, 빠른 오중주 타라는 카하샤 카푸 또는 아라 자하파라고 하며 2+1+2 박자로 구성된다. 그러나 사이클의 회전을 표시하는 박자의 패턴이 반드시 내부의 리듬 조직을 나타내는 것은 아니다. 예를 들어, 가장 흔한 미라 품종에서 자하타 타라는 2+1+2의 지배를 받지만, 이 타라에서 가장 특징적인 멜로디의 리듬은 (2+3) + (2+3)이다.[15]

힌두스탄 음악의 탈라들은 다소 더 복잡하다. 우선, 그것들은 체계적으로 성문화된 것이 아니라, 여러 다른 레퍼토리의 잘못된 패턴들로 구성되어 있다. 둘째로, 각 타라의 계수 단위(matra)는 vibhag라고 하는 세그먼트로 분류되는데, 이것은 에서 나오는 속도가 느린 "beats"를 구성한다. 이 계산 단위의 1+1⁄2 ~ 5 셋째, 손깍지(탈l)로 표시된 소리 비바하그 외에 손의 파동으로만 표시된 비바하그(vibhaag)도 있는데, 이른바 칼리 박자(hallī bits)라고 한다. 이 레퍼토리의 두 5중주단은 Jhaptal - 2+3+(2)+3-과 Sulttal - 2+(2)+2+2+(2)이다. 둘 다 10마차 단위로 측정되지만, j타차는 5마차 중 2등분하여 불평등한 4마차(제3은 칼차박자)로 나뉘고, 술타차는 5마차 균등하게 5마차로 나뉘는데, 그 중 2와 5가 칼차다.[16]

한국 전통 궁중음악의 카사 레퍼토리는 한국 전통음악 용어로는 특별한 용어가 없음에도 불구하고 5중주기에 사이클을 적용하는 경우가 많다. 이 레퍼토리는 어떤 경우에는 15세기까지 거슬러 올라갈 수 있다. 5중주기는 민속 음악에서도 가끔 발견되는데, 아마도 가장 잘 알려진 예는 산조에서 자주 고용되는 어트모리 장단(長단)[17]일 것이다. Quintuple은 현존하는 한국 전통 계량기 중 가장 오래된 것이다.[18]

호주.

Quintuple 미터는 호주 원주민들의 일부 여성 댄스곡의 변형으로 발생하는데, 이 곡에는 가끔 기본 듀플이나 4비트 패턴의 곡이 삽입되기도 한다.[19]

아메리카 대륙

알래스카의 유픽의 전통 춤곡들은 길고 얇은 막대로 두들겨진 액자 북을 동반하는데, 가장 흔한 것은 4분의 1 점으로 된 크로셰 패턴이다.[20]

유럽의 민속 음악

유럽의 많은 민속과 전통 레퍼토리들 또한 5중주를 특징으로 한다. 이것은 특히 슬라브 문화 집단에게 해당된다. 예를 들어, 불가리아의 "유니쉬코" 춤은 2+3으로 계산된 5단계의 빠른 춤이다.[21] 폴란드 북동부(특히 쿠르피, 마수리아, 북부 포들라스키에)에서는 결혼 노래에서 5비트 바(beat bar)가 자주 발견되는데, 템포가 다소 느리고 춤이 동반되지 않는다. 러시아 전통 혼례곡도 5중주기다.[22] 폴란드와 러시아인들은 핀스, 샘스(랩스), 에스토니아인, 라트비아인과 5중주미터에 대한 이러한 성향을 공유한다.[23] 핀란드에서 칼발레어풍의 "runometric" 노래는 민속음악의 가장 독특한 특징이며, 이들 서사시곡의 가장 일반적인 선율은 5중주미터다. 이 선율은 1766년 룬고 노래에 대한 가장 오래된 연구에서 설명되었으나, 약 20년 후에야 처음으로 음악 필사본으로 출판되었다.[24] 남부 슬라브어의 한 예는 1714년 베네치아 무용의 거장 그레고리오 람브란지가 발표한 매뉴얼에 기록되어 있다. 그것은 "폴레사나"라는 제목의 포라나인데, 아마도 "폴라로부터"라는 뜻일 것이다. 오늘날에는 크로아티아의 일부분이지만 1947년까지 베네치아 소유의 일부분이다. 비록 람브란지가 이 춤을 제때에 공증하였지만, 그것의 반복적인 구절 구조는 그것이 복합 quintuple 시간 안에 있음을 보여주므로, 그것의 정확한 형태는 실제로 [25]에 쓰여진다.

그리스 민속 음악도 비대칭 미터에서 리듬이 나타나는 것이 특징이다. 예를 들어 펠로폰네세 레퍼토리에는 도리아어(차코니아어 참조)[26] 키노우리아(Kynouria)가 제때에 포함되어 있다. 그리스 북부의 에피루스 지역도 느린 5(2–3)의 댄스 멜로디를 가지고 있다.[27]

스페인 민속음악은 특히 카스티야 루에다와 바스크 조르츠히코 등 5중주계를 사용하는 것으로도 유명하지만, 스테파타두라, 아라곤, 발렌시아, 카탈로니아의 음악에서도 찾아볼 수 있다.[28] 비록 , , , , , , , , , [29], , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , 코체르스베르크의 알사티아 지방에서는 코체르스베르거 탄츠라고 불리는 농민 춤이 제때에 출 수 있고, 고르고 고르지 않은 막대(2
8과)[30]를 번갈아 하기 때문에 데르 즈위파체 또는 게라드 운게라드라고 불리는 바이에른의 어퍼 팔라티네이트의 춤과 비슷하다.

유럽의 미술 음악

중세 및 르네상스

유럽의 예술 음악에서, 단조롭거나 반전된 색채를 사용함으로써 모호하지 않게 5중주 리듬을 알리는 것은 14세기에야 가능해졌다.[31] 14세기 후반의 아르스 하위조 시대부터 어떤 예에서는 5중 구절이 발생하는데, 이 구절은 기성 계량기로 간주하기에 충분할 만큼 길다. 예를 들어, 익명의 2인칭 포춘(MS 파리, 비블리오테크 네셔널 이탤릭)의 세쿤다 파스에서 말이다. 568, fol. 3) 상부의 "명확하고 확실한 리듬"은 하부의 하부에 대해 설정된 미터기를 만든다.[32] 그러나 5중주기에 가장 일찍 완성된 유럽 작곡은 1516년에서 1520년 사이에 작곡된 칸시오네로 뮤지컬 데 팔라시오에 나오는 7개의 빌랑시코로 보인다.[33] 이 7개 조각의 5중주 미터 표기법은 다음과 같은 다양한 방법으로 달성된다.[34]

  • 후안 델 엔치나는 "Amor con fortuna"에서 mensionation을 사용하지만, "Tan buen ganadico"에서는 [clarification needed]의 서명을 사용한다.
  • 후안 드 안키에타는 "Con amores, mi madre"와 "Dos annades, madre"에 모두 (템퍼스 퍼펙텀, proposio 5중주)를 사용한다.
  • 익명의 "펜사드 오란 알"은 그 수화를 사용한다.
  • 페드로 데 에스코바르의 "Las mis penas madre"와 디에고 페르난데스 감독의 "De ser mal casada"는 둘 다 비율 부호만을 사용한다.

Other examples from the 16th century include the In Nomine "Trust" by Christopher Tye,[35] the "Qui tollis" section of Jacob Obrecht's Missa "Je ne demande", the "Sanctus" from the Missa Paschalis by Heinrich Isaac,[31] and the final "Agnus Dei" of Antoine Brumel's Missa "Bon temps".[36] 이 시기의 키보드 예로는 약 1530년경부터 영어 설정인 Felix Namque의 전반부와 프란시스코 코레아 데 아로코의 Libro de tientos (1626년) 41번 구절이 있다.[31]

바로크와 클래식

바로크 시대와 클래식 시대의 5중주기는 르네상스 시대보다 훨씬 덜 자주 접하게 된다. 클라우디오 몬테베르디의 로르페오 2막에서 오르페오의 아리아 '비 리코르다'에 선행하고 따르는 리토르넬로가 한 가지 가능한 예다. 그러나 이 표기법은 문제가 있으며, 여러 편집자(로버트 아이트너, 빈센트 디딘디, 휴고 라이히텐트리트, 칼 오르프)가 5중주 미터로 필사해 놓은 반면, 다른 사람들은 다르게 해석한다.[37] 《뮤직헤 ai voci》(1621년)에 발표된 지오반니 발렌티니의 마드리갈 콘 과르도 알토(Con guardo atto)의 시구는 《요하네 하인리히 슈멜저》가 적어도 1668년에 작곡한 자신의 하모니아 a 5에 27개의 척도의 한 부분을 포함시켰다.[38][39] 한델의 오페라 올랜도(1732년)의 "미친 장면"(2장 11절)에서 두 개의 짧은 구절이 나타나는데, 처음에는 "자아 솔코 론데" ("이미 나는 파도를 가르고 있다")라는 단어에서 정신나간 영웅이 스틱스호에서 샤론의 보트에 올라탔다고 믿을 때, 그 후 다시 두 개의 막대를 열었다.[31] 찰스 버니는 올랜도의 광기를 그린 초상화로서 이 장면 전체가 존경스럽다고 생각했지만, "핸델은 그러한 상황에서만 견딜 수 있는 시간의 분할인 교향곡 파편에 의한 영웅의 지성의 동요를 묘사하기 위해 노력해왔다"고 말했다.[40] 버니의 독일 현대인 요한 키른베르거도 "피곤한 무리 없이 5개 그룹, 심지어 7개 이하의 동일한 펄스를 연속으로 반복할 수 없다"[41]고 느꼈다.

또 다른 예외적인 18세기를 전체적인 아리아 54시간으로 구성되어,"슬(sortemi condanna"안드레아 Adolfati의 오페라 아리아나에서 발견되(1750년)[42]지만 영어 연극 작곡가 윌리엄 리브, 그의 집시의 글리(1796년)의 마지막 활동을 통해 그 말을(54시간에)사내 공로를 인정 받는", 너트로 볼을 얼룩지게 하다 또는 berry".gcompos실제 5중주 시간에서 예를 들면, "바를 보통 두 부분으로 나누는 대신, 그리고 , , 그리고 , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , 2와 3의 일반적인 교대로부터의 자유는 반주의 그룹화에 의해 잘 표현되며, 이는 움직임에 따라 달라진다…"[43]

19세기

작곡가들이 5중주 시간을 사용하게 하는 동기가 몇 가지 있었던 것 같다: 첫째는 타이와 코레아 드 아로보의 예에서처럼 기술적인 기술을 입증하기 위해서, 둘째는 대기 효과를 생산하기 위해서, 또는 헨델의 올랜도에서처럼 불안하거나 특이한 흥분을 제안하기 위해서. 19세기에는 민족주의 음악이 부상하면서 세 번째 동기가 발생하는데, 이 동기는 종종 민속 음악적 요소를 불러 일으킨다.[31] 어쨌든 19세기에는 5중주기가 훨씬 잦아진다(아직 흔하지는 않지만. Early examples include Fugue 20 (Allegretto) from Anton Reicha's Trente-six fugues for piano (1805),[44] the tenor aria "Viens, gentille dame" from act 2 of François-Adrien Boieldieu's opera La dame blanche (1825),[45] and the third movement (Larghetto, con molta espressione), from Frédéric Chopin's Piano Sonata No. 1 in C minor, Op. 4 (1828).[46] 비록 라이샤의 푸가가 아마도 기술력의 범주에 속할 것이지만, 작곡가는 알자스 코커스베르거 탄츠를 미터기의 모델로 삼는 것을 언급하고 있다.

러시아 작곡가 미하일 글링카의 오페라에서 국수주의적 영향력은 더 명확하다: 오페라 A Life for the Tsar (1834–[47]1836)의 3막에서 나온 "Nuptial corush and scene"은 러시아 결혼 노래의 오타실라비컬한 혈액을 좀 더 전통적인 것에 순응하는 대신에 5중 미터로 설정한 최초의 예술 음악 작곡가였다. 다음 오페라에서 루슬란과 루드밀라(1837–1842) 글링카는 1막의 오프닝에서 그 효과를 반복했는데, 여기서 후렴구가 슬라브적 사랑의 신 렐에게 다시 한번 5중창으로 에피탈라미움을 노래한다.[48] 후에 러시아의 예는 차이코프스키의 민요 설정에서 찾아볼 수 있다. 50명 러시아 민속 Songs피아노 four-hands에(1868–1869), 어린이 우크라이나와 러시아어 Folksongs(책 1:1872년, 2권:1877년), 그리고 Sixty-Six 러시아 민속 노래 목소리와 피아노(1872년)을 위한, 제고 미터 정기적으로 교대 서명에 의해 notated은 34살과 24.[49]또한 니콜라이 Rimski-Korsakov의 러시아 부활절 축제 서곡 이니셜만. 테마는 에 있다

헥터 베를리오즈의 음악에서도 짧은 구절이 나타난다. 라(1830년), 나중에 Lélio에 최종 편으로 통합된,"전체를 위해 제고, 화합물 duple에 notated.154의 'bars의 되풀이되는 리듬 패턴과 64으로 억양(6'bars의 289–306 술집을 다루면서에 의해 정의된다)"[50]고"컴뱃 드 ceste"(5위), 트로이 사람들(1856–1858)에서 "매력이 있tempête. 58구간, 단지 8개의 막대들".[50] 알렉산더 보로딘의 미완성 제3교향곡의 외부는 제때에, 바 36–38, 69–71, 180–182, 218–220, 352–354, 392–394에서 6번 중단되었고, 3바 그룹은 에 있다. 중앙 3인조 구역 b. 235~313이 제시간에 도착했다.[51]

세기의 중반부터, 카를 뢰베의 발라드 목소리와 피아노,"프린츠 오이겐,deredle 리터", Op.54 맞춰 92(페르디난트 프라일리 그라트 그 시를, 1844년에), throughout,[52]페르디난트 힐러의 피아노 트리오 제4, K.J. 비숍, 수상했다에 의해 Op.64(1855년)과 Rhythmische Studien piano,[31일]을 위한 현악 트리오.상 by 1853년 도이체 톤할레,[53] 그리고 벤자민 고다드의 바이올린 소나타 제4번 Op. 12 (1872)는 시간 내에 스크조를 포함하는 곡이다.[54] 그 피아노의 거장 샤를 발랑탱 알캉, 그리고 제고 시간에서 적어도 4키보드 조각으로 구성되어:특이한 율동적인 장치에 관심 처음 3은 Deuxième recueil d'impromptus, Op.32의 2(1849년), Andantino,는 알레그레토, Vivace(이 컬렉션의 4조각 7곱미터 정도인)[55]고 54"Zorzi을 보여 주었다.co다petit caprice, réconcilation, Op. 42 (1857)의 "nce" 에피소드.[56] 오페라에서 바그너는 트리스탄 und Isolde의 3막 (1856–1859)에서 "트리스탄, 데어 홀드, 주벨더 크래프트"에 여러 개의 막대를 삽입했다.[57] 안톤 루빈스타인의 "성스러운 오페라" 더 스럼 주 바벨 (The Tower of Babel), Op. 80 (1868–1869)에서 이 무렵의 또 다른 예가 발견된다.[31] 요하네스 브람스가 뒤늦게 모은 6개의 성악 사중주곡 Op. 112에서 두 번째 작품인 "네히텐스"는 전적으로 [58]에 있다. 세기의 막바지에 알바 버그는 테오도어 스톰의 시 "슐리제 미르 다이 아우겐 비이드"(1900)의 노래 설정 내내 미터기를 사용했다.[59]

3제고 미터의 교향곡 레퍼토리에 가장 잘 알려 진 예들의 19세기 중반 세계 대전을 통해에 도달한 신낭만 주의자.(또는post-romantic)기간, 늦게에서:차이코프스키의 교향곡 6번의 나단조,"Pathétique", Op의 2악장. 74(1893년)[60](한 저자가 바로 첫번째 예로 묘사되어 있습니다.나타나기ntuple meter in Western classical music),[61] Rachmaninoff's The Isle of the Dead, Op. 29 (1908),[62] and the opening movement, "Mars, the Bringer of War" of The Planets (1914–1916) by Gustav Holst. (The final movement, "Neptune, the Mystic", is also in quintuple meter, but this is less well known.)[63] 차이코프스키 교향곡 6번 첫 번째 테마 mvmt. II는 다음과 같다.

\relative c { \set Score.tempoHideNote = ##t \tempo 4 = 144 \set Staff.midiInstrument = #"cello" \clef bass \key d \major \time 5/4 fis4\mf(^\markup { \column { \line { Tchaikovsky's Symphony No. 6, mvmt. II, opening theme } \line { \bold { Allegro con grazia } } } } g) \tuplet 3/2 { a8(\< g a } b4 cis)\! d( b) cis2.\> a4(\mf b) \tuplet 3/2 { cis8(\< b cis } d4 e)\! \clef tenor fis(\f d) e2. \break g4( fis) \tuplet 3/2 { e8( fis e } d4 cis) fis8-. [ r16 g( ] fis8) [ r16 eis( ] fis2.) fis4( e) \tuplet 3/2 { d8( e d } cis4) b\upbow(\<^\markup { \italic gliss. } b'8)\ff\> [ a( g) fis-. ] e-. [ es-.( d-. cis-. b-. bes-.) ] a4\mf }

핀란드 작곡가 장 시벨리우스는 컬르보(Kullervo, 1891년–1892) 3악장에서 5중주법을 사용했는데, 여기서 "관현악단은 바에서 5박자의 패턴을 유지하고, 후렴구는 각각 15박자, 10박자, 8박자, 12박자의 구절로 대사를 길게 한다"[64]는 것이다. 시벨리우스의 음악에 민족주의를 반영하는 카렐리아 리듬이다. He used these quintuple meters as well in several male-chorus works: "Venematka" (no. 3 from Six Partsongs, Op. 18, 1893), the third movement, "Hyvää iltaa, lintuseni", from Rakastava, Op. 14 (1894), and "Sortunut ääni" (no. 1 from Six Partsongs, Op. 18, 1898).[65]

1895년, 영국 작곡가 사무엘 콜리지-테일러는 그의 판타지슈튀케의 2악장 "세레나데"를 제시간에 현악 4중주를 위해 작곡했다.[66] 그로부터 10여 년이 조금 지난 후 스코틀랜드의 작곡가 로버트 어니스트 브라이슨은 바일라라는 제목의 현악기 판타지를 적시에 썼다.[67]

피아노 레퍼토리에서 모데스트 무소르그스키의 전시회(1874년)의 "프로메나드"는 5가지 버전으로, 각 버전이 다른 미터와 정기적으로 또는 불규칙하게 혼합되어 있다.

  1. 5
    4     8개의 막대와 교대하고, 그 다음 2개의 + 쌍과 12개의 막대로 끝난다.
  2. 5
    4     전체(전체)와 정기적으로 교대하다.
  3. 최종 두 막대의 정기적인 교대 및 C
  4. , , , , , 의 불규칙한 혼합물 끝에 하나의 막대가 있음
  5. 4쌍의 규칙적인 교대로 그리고 , , , 그리고 끝부분의 불규칙한 혼합물.[68]

개방 조치는 다음과 같다.

{ \new PianoStaff << \new Staff << \new voice \relative c'' { \set Score.tempoHideNote = ##t \tempo 4 = 112 \clef treble \key bes \major \time 5/4 g4--_\f^\markup { \bold {Allegro giusto, nel modo russico; senza allegrezza, ma poco sostenuto. } } f-- bes-- c8--( f d4--) \time 6/4 c8--( f d4--) bes-- c-- g-- f-- \time 5/4 <bes, d g>4 <a c f> <bes d bes'> \stemDown <c a'> \stemNeutral <f a d> \time 6/4 \stemDown <c a'> \stemNeutral <f bes d> <d g bes> <e g c> <g, c g'> <a c f> } \new Voice \relative c'' { \time 5/4 s1 s4 \time 6/4 s1. \time 5/4 s2. \stemUp c8^( f d4) \time 6/4 \stemUp c8^( f d4) s1 } >> \new Staff << \clef bass \key bes \major \relative c { \time 5/4 R1*5/4 \time 6/4 R1*6/4 \time 5/4 <g g'>4 <a f'> <g g'> <f f'> <d d'> \time 6/4 <f f'> <bes bes'> <g g'> <c, c'> <e e'> <f f'> } >> >> }

같은 시기(그리고 러시아 전통에 따라)에도 '프리즈락'(팬텀)이 속해 있는데, 이 작품은 세르게이 프로코피예프의 '피아노 4곡'(1911년) 중 4번이다.[69]

이 예들은 모두 단순한 5중주 시간이다. 복합 5중주미터는 빈도는 적지만, 턴어라운드와 함께 들어온 브람스의 피아노 트리오 3번 C단조 Op 101(1886)의 3악장 '안단테 그라지오소'의 중간 부분에서 예가 발견된다.[70] 클로드 드뷔시의 관현악단 녹턴(1892–1899)의 제2악장 '페테스'도 2개의 막대가 반복되는 통로를 가지고 있는데, 주로 복합 트리플()9
8 막대의 맥락 속에 박혀 있다.[71] 플로렌 슈미트의 피아노 4핸드용 8단편(1907–1908) 중 7번째 작품인 "Complainte"는 가끔 막대기로 삽입되어 있다.[72] 니콜라이 메드너의 피아노 소나타 Op. 25번 E단조 ("Night Wind")의 제1절은 "아마도 현존하는 음악 중에서 가장 확장된 곡일 것이다.[73]

20세기

많은 민속음악 전통에서 5중주미터의 공통적인 발생은 20세기 초 민족주의적 경향을 가진 작곡가들의 작품에서 그것의 외모를 증가시켰다.[31] 예는 프리루드 유니슨에 제오르제 에네스쿠의 오케스트라 Suite1호에서, Op.9(1903년)[74]"Mixolydian Mode에서","불가리아 리듬(2)","6Dances 불가리아 리듬에"의 세번째, nos. 48,115,150가지의 버르 토크 벨러의 Mikrokosmos에서"샹송 épique", 모리스 라벨의 노래 주기 돈 Quichotte à에서 2(1926년, 1932–1939)[75].Dulcinée(1932~1933)[76]와 카를로스 차베스의 신포니아 인디아(1935~1936)의 첫 번째 테마 그룹(1935~1936)은 주로 시간상이지만 다른 미터와 혼합되어 있다.[77] 5중주기의 사용에 대한 또 다른 충동은 이교도와 특히 고대 그리스 문화를 환기시키는 것이었다. 라벨의 발레 다프니스 외 클로에(1909~1912)를 마무리한 바카나리아인 '댄스 게네랄'의 미터기가 특히 잘 알려진 예다.[78] 그의 첫 교향곡인 신포니아 데 안티고나(1933년)에서 카를로스 차베스는 장 콕토에 의해 각색된 소포클레스의 안티고네를 제작하기 위해 1932년에 작곡한 부수음악을 다시 작곡했다. 이 교향곡에서 차베즈는 그리스 페오닉(또는 크레틱) 미터를 광범위하게 사용했는데, 이 미터는 시간 내에 악보에 기록되어 있다.[79] 래벨의 현악4중주단의 4악장이자 마지막 악장은 대부분 시간과 여러 번 교대하는 인·타임이다.[80]

Ravel의 네 번째 예는 상징적인 목적을 위해 5중주를 잠깐 사용한다면 특히 강렬한 것이다. 이것은 리치오토 카누도의 요청으로 쓰여진 두 대의 피아노(1918년)의 프런티스피스로, S.P. 503, 르 푸에메 뒤 바르다르라는 제목의 제1차 세계대전에 관한 철학적 명상에 동행하도록 되어 있다. 카누도의 호칭에는 전투 사단의 우편 부문을 숫자로 표기하고 있으며, 래벨은 그 숫자를 작문의 기준으로 삼았다. 평지에서부터 샤프까지 수직으로 '진행'하는 5개의 음악은 5개의 손(3명의 플레이어)이 미터(, )와 "로 연주한다.[81]

피에르 로티의 연극 라문초의 바스크 설정은 가브리엘 피에르네가 1907년에 작곡한 부수음악에 바스크 전통 멜로디를 포함시키는 것을 당연한 선택으로 만들었다. 피에르네 행위 2끝에 있는 바스크 국가 Gernikako Arbola 호세 마리아 Iparraguirre는 zortziko rhythm,[82]그러나 그는 또한 개막"Ouverture sur 데 thèmes populaires basques"[83]뿐만 아니라"Rapsodie 바스크"를에서 전통적인 zortziko 멜로디뿐만 아니라 그들의 제고 리듬을 흉내내인용해 이같이 보도해의 배열을 포함했다.t을 제공하는s 2막의 첫 번째 표와 두 번째 표 사이의 막간으로서.[84] 이국주의에 대한 폭넓은 취향의 일환으로 5중주미터에 매력을 느낀 피에르네도 자신의 피아노 5중주곡인 Op. 41(1917), 판타지 바스크인 Op. 49(1927)에 바이올린과 오케스트라를 위해 5중주를 채용했다.[85] 5중주단의 2악장 바깥쪽 부분은 제시간에 맞춰져 있고,[86] 대조적인 중앙 부분은 제 시간에 겹쳐서 "4중주" 미터로 표시하였다.[87] 판타지에는 시작과 가까운 긴 구간이 제때에 있으며, "Rythme de Zortzico"라고 표시되어 있다.[88]

이고르 스트라빈스키의 이름은 종종 20세기의 리듬 혁신과 연관되어 있으며, 5중주미터는 그의 음악에서 발견되기도 한다. 예를 들어, 그의 옥텟의 2악장(1922–1923)에 나오는 푸가토 변주곡은 시간적으로 거의 균일하게 쓰여진다.[89] 그러나 훨씬 더 특징적으로 스트라빈스키의 점수에서 5중주 막대는 그의 발레 <봄의 제례>(1911–1913)에서처럼 끊임없이 계량기를 바꾸는 맥락에서 발견되는데, 여기서 그 물체는 불규칙한 그룹에서 2음표와 3음표 분절의 결합으로 보인다.[90]

스트라빈스키, <봄의 의식>의 "희생무용"(외부)

리듬의 이런 치료는 나중에 그렇게 스트라빈스키로 C1938–1940에 그의 교향곡을 작곡했다, 그는 제1악장 미터의 모든(비록 그 같은 일의 3악장의 운율적 비리 사이에서 가장 그의 전체 출력의 극단적이었다)에 어떠한 변화도 없었습니다를 관찰할 가치가 발견하는 습관이 되었다.[표창 필요한]

그래서 많은 다른 작곡가들이 불규칙한 계량기를 사용하는 데 있어서 스트라빈스키의 예를 따랐기 때문에 때때로 5중주 시간대의 바의 발생은 1920년대부터 두드러지지 않게 된다.[31] 5 대 1의 일정한 리듬을 가진 전체 동작은 종종 덜 마주친다. 구스타프 홀스트의 '두 바이올린과 오케스트라를 위한 이중 협주곡' 제2악장 'Lament'(1929년)가 그 예다.[91] 특히 주목할 만한 제2차 세계대전 전 5중주미터 작곡은 헤이터 빌라-로보스의 바키아나스 브라실리라스 5번 중 인기 있는 제1악장 '아리아(칸틸레나)'(1938년)이다. 소프라노와 첼로 오케스트라를 위한 이 아리아의 개폐부는 주로 에 있고, 중간 부분은 전적으로 그 미터기에 있다.[92] 힌데미스의 루두스 토날리스(1942)에는 5중주미터의 예가 여러 개 있다. 그것의 프릴루듐과 역행성 포스트루듐은 각각 솔렌느, 라르고 섹션이 있다.[93] G의 푸구 2세는 에 있고,[94] D의[95] 푸구 8세는 에 명기되어 있지만, 그것의 음악은 주로 에 명기되어 있기 때문에 공증된 계량기와 관련하여 각각의 척도를 한 박자씩 전진시킨다.[original research?] 월터 피스톤의 피아노용 Passacaglia는 5중주 미터다.[96]

In the post-war period, Gian Carlo Menotti used a quintuple-meter funeral march as an instrumental transition to the final scene of his opera The Consul (1950),[97] and Benjamin Britten set "Green Leaves Are We, Red Rose Our Golden Queen", the opening chorus from his opera Gloriana, Op. 53 (1952–1953, rev. 1966), in 5
4 time.[98] 드미트리 쇼스타코비치는 자신의 스물네 번의 서곡과 피아노의 서곡에서 12, 17, 19를 완전히 적시에 세웠고, 또한 이번에는 서곡 9, 20, 24의 다른 미터와, 그리고 같은 서곡에서 15, 16의 푸게스에 서명을 섞었다.[99] A♭ 장조의 푸가 17번은 "자연스럽게" 흐르는 음악의 슬라브 전통에 따라 5회에 걸쳐서 이어진다.[100]

5중주기는 특정한 작품 변형을 변형 형태로 특징짓기 위해 때때로 사용된다. 제3악장 '두 바이올린과 오케스트라를 위한 이중 협주곡'의 제3악장 '지상의 변주곡' 제49편(1929년), 구스타프 홀스트(의 11번과 18번 변주곡),[101] 제4부: 피아모소(당시)의 '불안시대' 제1부: 레오나드 번스타인의 교향곡 2번(1949년)[102] 브리튼은 "테마", "Variation IV", "Variation VI"로 칸티클 III("Still Falls the Rain"), Op. 55 (1954년)를 변형하여 작곡했다.[103] 이와 유사한 방식으로 확장된 단일 이동 구성은 대조적인 계량기를 사용하여 큰 부분을 연출할 수 있다. Quintuple 미터는 [104]롭 뒤 보이스가 그의 협주곡 '두 비올린과 오케스트라를 위한 협주곡'(1979년)에서 이런 방식으로 사용되는데, 여기서 바 160–175와 227–277이 있다.

1960년대 후반에 등장한 미니멀한 음악에서 5중주기는 자주 접하지 않는다. 스티브 라이히의 초기 작품인 리드 페이즈(1966년)는 5음 기본 단위가 꾸준히 반복되는 것을 바탕으로 한 작품에서 드문 예외를 발견한다.[105]

{ \override Score.TimeSignature #'stencil = ##f \relative c'' { \set Staff.midiInstrument = #"clarinet" \set Score.tempoHideNote = ##t \tempo 8 = 280 \clef treble \time 5/8 d8[ a' g c a] } }

라이치는 그 결과에 만족하지 못했는데, 주로 미터기가 그가 좋아하게 된 12비트 패턴에서 발견되는 종류의 리듬적 모호성을 만들어내지 못했기 때문이다.

그것은 매우 다른 방식으로 나눌 수 있다; 그리고 당신이 듀플에 있는지 트리플 타임에 있는지에 대한 모호함은 사실, 내 음악의 많은 리듬 있는 생명선이다. 이렇게 하면 듣는 사람의 마음이 음악적 천 안에서 앞뒤로 움직일 수 있는데, 그 천이 그것을 조장하기 때문이다. 그러나 그런 유연한 관점에서 건설하지 않는다면, 아주 평평하고 지루한 것으로 끝나게 된다.[106]

라이히의 1979년 옥텟(원래 플룻과 클라리넷으로 연주하는 2대의 피아노, 현악 4중주, 2대의 윈드 플레이어로 채점됨)은 전부 5중주기로 되어 있다.[107]

재즈와 대중음악

미국 대중음악을 조사한 결과 5중주미터에서 가장 많이 사용되는 악센트 패턴은 강약중약이라는 것이 밝혀졌다.[108]

뮤지컬 극장

제2차 세계대전 이후까지 5중주기는 미국 장르의 재즈와 대중음악에서 사실상 전무했다. 1944년 스트라빈스키가 빌리 로즈로부터 브로드웨이 레뷰인 《세븐 라이브 아츠》에 편입될 15분짜리 댄스 컴포넌트를 작곡했을 때 스트라빈스키는 안톤 돌린이 안무를 담당할 스켄스 드 발레단을 작곡했다. 로즈는 처음에 잉골프 달의 피아노 감소를 보고 새로운 악보에 열광했지만, 후에 오케스트라의 소리에 당황했고, 스트라빈스키가 "콜 포터의 작품까지도 강조한다"는 로버트 러셀 베넷에 의해 악보를 쳐서 작곡가의 기분을 상하게 했다."[109] 필라델피아 시사회에서는 이 시기의 브로드웨이 뮤지컬의 관습에 익숙해진 뉴욕 핏 뮤지션들이 스트라빈스키의 악보에 등장하는 바를 관리할 수 없었기 때문에 전체 악보를 줄여야 했다.[110]

십여 년 후 뉴욕의 뮤지컬 극장에서는 상황이 바뀌고 있었다. 레너드 번스타인의 칸디드는 1956년 12월 브로드웨이에서 개봉했으며, 빌리 로즈의 음악가들이 스트라빈스키의 음악만큼이나 불가능하다고 느꼈을 다양한 미터를 선보였다. 1막에서 4중주곡 "Universal Good"는 시간의 초랄이며, 2막의 "Eldorado의 발라드"의 주요 구절은 에 있으며, 턴어라운드는 또는 +. [111]Mary Rodger의 1959 Once Upon a Matrix가 "Sensitivity"[112]를 특징으로 한다. 뮤지컬 극장에서 나중에 예 지저스 크라이스트 슈퍼 스타(1971년)에서 앤드루 로이드 웨버, 54,[113]과"신사에 그들의 Sensitivities"주로 58.[114]손드 하임에 있는 스티븐 손드 하임의 스위니 토드(1979년)에서에 의해 그 노래"업타이트",, 또한 44(로 넘어가는 것을"는 바깥 출입을 못하는 사람처럼 사는"초에 54동안을 포함한다.)와 5464("에서.내가 꿈꿔왔던 모든 것은")이라는 노래의 "Follies's Eyes" (1971년)에 나오는 "In Buddy's Eyes"라는 곡에 나오는 것이다.[115]

재즈

1959년 데이브 브루벡 콰르텟은 특이한 미터의 음악을 담은 재즈 앨범인 타임 아웃을 발매했다. 그것은 제때에 폴 데스몬드의 "테이크 파이브"를 포함했다.[116] 브루벡은 프랑스 작곡가 다리우스 밀하우드와 함께 공부했는데, 그는 스트라빈스키의 강한 영향을 받았으며, 1960년대에 재즈와 대중음악에 대한 관심이 크게 치솟는 것을 촉발한 비대칭과 이동 리듬의 체계적 도입으로 인정받고 있다.[117]

1960년 Max Roach 앨범 We Charge!는 [118]을 사용한 3개의 트랙을 포함하고 있다.

1964년부터 트럼펫 연주자이자 밴드 리더인 돈 엘리스는 인도 음악, 근동 음악,[119] 발칸 음악에서 차용한 리듬에 전통적 빅밴드 스타일을 융합시키려 했다.[citation needed] 예를 들어, 그의 가장 큰 작품 중 하나인 트럼펫용 변주곡은 , , 및 [119]를 포함한 6개의 섹션으로 나뉜다. 엘리스의 또 다른 작곡은 전적으로 제시간에 맞춰진 것이다: "인디언 레이디"와 "5/4 Getaway"[120]이다.

1966년, 미국의 인기 있는 텔레비전 드라마 시리즈 미션: 임파서블은 '미션에서 온 테마: 영화 (영화) 쿨 핸드 루크의 "타 시퀀스"를 작곡한 [121]랄로 쉬프린의 "Expossible"이다.[citation needed]

1968년, 레너드 페더는 다운비트 잡지에서 피아니스트 조니 과르니에리를 인터뷰했다;[122] 과르니에리는 지난 몇 년간 재즈 표준의 편곡을 준비하면서 리듬으로 바꾸었다. Guarnieri는 "나는 앞으로 몇 년 안에 세상을 완전히 휩쓸고 5/4를 볼 수 있다"고 말했다. 그 직후, Guarnieri는 의 독창적인 작곡으로 구성된 5/4 의 BET 레코드에 관한 앨범을 발매했는데, 이 앨범은 , 재즈 표준은 , 그리고 Yesterday in [123]의 버전으로 바뀌었다.

록

1960년대 후반, 5중주기는 록-뮤직 컨텍스트에서도 어느 정도 주파수와 함께 나타나기 시작했는데, 여기서 진보적인 록의 특징 중 하나가 되는 것이 아닌 다른 미터의 탐사가 있었다. 가장 초기 사례 중 하나는 거북이들의 "사랑의 그리움 리퍼"[124]이다. 또 다른 초기 사례로는 비틀즈 병장에 녹음된 조지 해리슨의 "당신 없는 그대 안에서"가 있다. 1967년 페퍼의 Lonely Hearts 클럽 밴드 [125]LP 그 후 2년 동안 존 레논과 폴 매카트니의 또 다른 비틀즈 노래인 "행복은 따뜻한 총이다"[126]에서 계량기가 발생했다. (이절된 바는 또한 "Across the Universe"[127]의 구절도 끝맺는다.) 바이르드의 LP The Angious Byrd Brothers (1967년 하반기 녹음, 1968년 1월 발매)에는 5중주 미터인 "Get to You"와 "Tribal Mainting"[128]을 사용한 2곡이 수록되었다.

브루벡의 주문에 따라 에머슨, 레이크 앤 파머의 키스 에머슨은 거의 같은 시기에 특이한 미터를 탐사하기 시작했다. 그의 첫 5중주미터 곡은 1968년에 쓰여진 "아즈라엘, 죽음의 천사"로, 3년 후 타이틀 곡의 오프닝 악기 부분인 "Euption"과 앨범 Tarkus의 몇 구절에서 다시 미터기가 잘렸다.[129] 프랭크 자파(Frank Zappa)는 5번에서 자주 연주되었다. 두 가지 구체적인 문서화된 예는 1968년의 "꽃 펑크(Flower Punk)"(5번 4번, 7번 4번, 7번 4번 반복 패턴)와 "파이브 파이브 파이브 파이브("[131]의 바와 결합한 바)이다.[130] 자파는 심지어 라이브 공연 중 언제든지 5중주 미터로 빠르게 전환할 수 있는 신호를 밴드에 보낼 수 있었다.[132]

대중음악의 다른 예들

부분적으로 5중주 시간

메모들

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  • 프램튼, 존 로스 1926년 "평소 리듬의 자연스러움에 대한 약간의 증거" 뮤지컬 계간 12호, 3호 (7월): 400–405.
  • 안녕, 프랭크 1945년 "인류학과 음악" Man 45 (9~10월): 107–108.
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  • 네틀, 브루노 1953년 "북미 인디언 음악의 스타일리즘 버라이어티" 미국음악학회지 6호 2호 (여름): 160–168.
  • 네틀, 브루노 1965년 "이시의 노래: 야히 인디언의 음악 스타일"이라고 말했다. 뮤지컬 계간 51번, 3번 (7월): 460–477.
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  • 산체스 에키자, 카를로스 1991a. "엔 토르노 알 조르지코" Txistulari, 146번 (7월) : 44-53번.
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