리듬 모드

Rhythmic mode
페로틴, "Alleluia nativitas" 세 번째 리듬 모드로.

중세 음악에서, 리듬 모드는 길고 짧은 지속 시간(또는 리듬)의 패턴을 설정했다. 각 음의 값은 (더 최근의 유럽 음악 표기법에서와 같이) 쓰인 음의 형식에 의해서가 아니라, 오히려 "라이제이션"이라 불리는 단일 형상으로 쓰여진 음의 그룹 내의 그 위치, 그리고 다른 끈에 상대적인 끈의 위치에 의해서 결정된다. 모달 표기법은 1170년부터 1250년까지 노트르담 학파의 작곡가에 의해 발달되어 초기 다성음악과 플레인차트의 균일하고 측정되지 않은 리듬을 고전 시의 미터법 발에 기초한 패턴으로 대체하였으며, 근대적 감각 표기법의 발전을 향한 첫걸음이었다.[1] 노트르담 다성음악의 리듬 모드는 고대 이래 서양 음악에서 발달한 최초의 리듬 표기법 체계였다.

역사

율동적 모드를 사용하는 것이 노트르담 후기 음악, 특히 페로틴 작곡의 가장 특징적인 특징이지만, 13세기 중반 무렵까지 아르스 고대의 나머지 음악에서도 상당 부분 우세하다. 모달 리듬으로 스며든 작곡 종류로는 노트르담 오르가눔(가장 유명한 페로틴의 오르간 3중과 오르간 4중첩), 전도체, 불가분의 클로스쿨라 등이 있다. 세기의 후반부에 페트루스 드 크루체(Petrus de Cruce)의 모테트와 원소 클로스쿨레의 후손인 많은 익명의 작곡가들도 모달 리듬을 사용했는데, 종종 세기의 초기에 발견되었던 것보다 훨씬 더 큰 복잡성을 가지고 있었다. 예를 들어, 각각의 목소리는 때때로 다른 모드로, 다른 언어로 노래를 부르기도 했다.[citation needed]

대부분의 출처에는 약 1260년의 익명 논문에서 처음 설명했듯이, 데 멘수라빌리 음악(이전에는 요하네스 드 갈란디아에 귀속되어 있었는데, 현재는 그것을 자신의 편찬에 편입한 모라비아의 제롬을 위해 단지 13세기 후반에 편집한 것으로 생각된다.[2] 각 모드는 다음과 같이 계량발에 해당하는 긴 음과 짧은 음 값("longa" 및 "brevis")의 짧은 패턴으로 구성되었다.[3]

  1. 롱 쇼트(트로치)
  2. 짧은 길이(iamb)
  3. 롱 쇼트 쇼트(닥틸)
  4. 짧은 길이(해피스트)
  5. 긴 길이(스폰데)
  6. 짧은 단락(트리브라크)

6가지 모드의 이 체계는 중세 이론가들에 의해 인정받았지만, 실제로 처음의 3가지와 5번째 패턴만이 일반적으로 사용되었고, 첫 번째 모드는 단연코 가장 빈번했다.[4] 네 번째 모드는 거의 마주치지 않는다. 예외는 MS 울펜뷔텔 677, fol. 44의 럭스 마그나의 두 번째 클로스다.[5] 다섯 번째 모드는 일반적으로 3인 1조로 발생하며 가장 낮은 음성(또는 테너)에서만 사용되는 반면, 여섯 번째 모드는 대부분 상위 부분에서 발견된다.[5]

6가지 모드의 현대적 기록은 대개 다음과 같다.

  1. 쿼터(크로쳇), 여덟 번째(쿼버)(따라서 일반적으로 패턴이 짝수 반복되기 때문에 또는 )에서 금지된다.[6]
    Rhythmic mode 1.PNGAbout this sound놀이 ×4 (도움말/도움말)
  2. 8, 4분의 1(또는 )
    Rhythmic mode 2.PNGAbout this sound놀이 ×4 (도움말/도움말)
  3. 점, 점, 점, 점, 점, 점, 점, 점, 점( )
    Rhythmic mode 3.PNGAbout this sound놀이 ×2 (도움말/도움말)
  4. 8번째, 4번째, 점 4분의 1(에 표시됨)
    Rhythmic mode 4.PNGAbout this sound놀이 ×2 (도움말/도움말)
  5. 점 분기( 또는 )
    Rhythmic mode 5.PNGAbout this sound놀이 ×2 (도움말/도움말)
  6. 8번째(또는 )
    Rhythmic mode 6.PNGAbout this sound놀이 ×4 (도움말/도움말)
  • Cooper는 위와 같은 것을 주지만 길이가 두 배로 길어서 1)은 예를 들면 , 에서 금지된다quarter note.[7]
  • 리만은 또 다른 현대적인 예외로, 시간적으로 두 배나 긴 값을 주기도 하지만, 게다가 세 번째와quarter note 네 번째 모드는 정말로 현대적인 리듬을 나타내기 위한 것이었다고 주장한다.half notequarter notehalf note[8]

표기법

페로틴, 비데룬트 옴네즈(크리스마스 데이용 그라데알) 첫 리듬 모드로. 플로렌스, 비블리오테카 메디체아-로렌치아나, 플뤼테오 29.1, 2절 1직장

12세기 후반에 고안된 리듬모드의 표기법은 긴 음(긴 길이)과 짧은 음(브레브)의 패턴을 나타내기 위해 고정된 결합음(접합된 노트헤드)의 정형화된 조합을 사용하여 연주자가 주어진 구절을 위한 6개의 리듬모드 중 어느 것이 의도된 것인지 인식할 수 있게 했다.[9]

다음 그룹의 링크된 노트:[10]

3, 2, 2 등은 첫 번째 모드를 나타낸다.
2, 2, 2, 2, 2, … 3 두 번째 모드, 셋 두 번째 모드,
하나, 셋, 셋, 셋, 셋 등 세 번째 모드,
3, 3, 3, … 1 네 번째 모드,
3, 3, 3, 3 등 다섯 번째 모드,
그리고 4, 3, 3, 3 등 6번째 모드

리듬 모드를 이용하여 공증된 음악을 읽고 연주하는 것은 따라서 맥락에 근거한 것이었다. 여섯 가지 모드 중 어느 모드가 네메스의 통로에 적용되는지 인식한 후에, 가수는 일반적으로 구절의 끝, 즉 간성이 끝날 때까지 같은 모드로 계속된다. 중세 음악의 현대판에서는 그 안에 들어 있는 음표 위에 가로 괄호로 묶은 끈을 표현한다.

모든 모드는 3m의 3차 원리를 고수하며, 이는 각 모드는 숫자 3으로 분할할 수 있는 다수의 비트 세분화를 갖는다는 것을 의미한다. 일부 중세 작가들은 이를 성 삼위일체 완성에 대한 존경이라고 설명했지만, 이는 명분보다는 행사 후 나온 설명으로 보인다.[11] 추측이 덜하지만, 시스템 내에서 가능한 리듬의 유연성은 다양성을 허용하고 단조로움을 피한다. 주석을 더 짧은 단위(익명 IV에 의한 프랙티오 모디라고 함)로 나누거나 같은 모드의 두 리듬 단위를 하나의 단위(확장모디)로 결합할 수 있다.[12] 갈란디아에서 두 가지 유형의 변화에 대해 사용한 대체 용어는 "축소"[13]였다. 이러한 변경은 여러 가지 방법으로 이루어질 수 있다: 단일(의무 없는) 긴 노트 또는 보통보다 작은 결합을 삽입하여 확장 모드, 프랙티오 모디(practio modi)가 보통보다 큰 결합을 삽입하거나 특수 기호를 사용하여 수행할 수 있다. 이것들은 플리카와 기후판의 두 종류였다.[14]

플리카는 성가표기법의 주류 네움(cephalicus)에서 채택되었으며, 그 형태로부터 그 이름("접기"를 위한 라틴)을 받는데, 그 형태는 별도 음표로 쓰일 때 U 또는 반전 U의 모양을 하고 있었다. 그러나 모달표기법에서는 플리카는 보통 묶음 끝에 수직 획이 가해져 리가투라 플리카타가 된다. 플리카는 보통 약한 비트에 첨가된 양조장을 나타낸다.[14] 플리카가 가리키는 피치는 플리카가 부착된 노트의 피치와 그에 따른 노트에 따라 달라진다. 두 음이 같을 경우 줄기의 방향에 따라 플리카 톤이 위 또는 아래 이웃이 된다. 메인 노트 사이의 간격이 3분의 1이면 플리카 톤이 그것을 지나가는 톤으로 채운다. 두 개의 주요 음이 두 번째 간격 또는 네 번째 또는 그 이상의 간격에 있는 경우, 음악적 맥락은 플리카 톤의 음조를 결정해야 한다.[15]

기후판.
끈으로 묶인 기후판

클라이마쿠스는 단음 또는 끈으로 쓰여진 빠른 하강 눈금이며, 그 다음에 두 개 이상의 하강 로젠지가 연속적으로 나타난다. 익명 IV는 이러한 전류들을 (라틴어가 "달린다"고 불렀는데, 아마도 이전 모델인 아키타니아어와 파리의 다성음에서 발견된 유사한 수치들을 언급했을 것이다. 쾰른의 프랑코는 그것들을 "접속[주]"라고 불렀다. 단 3개의 음으로 구성되었을 때(구체적인 3개의 음) 그것은 리듬적으로 일반적인 3개의 음의 결합과 동일하지만, 더 많은 음을 포함할 때 이 수치는 리듬적으로 모호할 수 있고 따라서 해석하기 어려울 수 있다.[14] 난이도는 13세기 후반에 복합되었는데, 이때 반시브레브에도 로젠지 모양이 사용되게 되었다. 일반적인 규칙은 마지막 음은 롱가, 두 번째 음은 브레브, 그리고 함께 찍은 모든 선행 음은 롱가의 공간을 차지한다는 것이다. 그러나 이러한 그룹의 첫 번째 음의 정확한 내부 리듬은 문맥에 따라 약간의 해석을 필요로 한다.[16]

또한 1280년경에 글을 쓰면서 Anonymous IV에 의해 "혼합물"이라고 불리던, 한 모드에서 다른 모드로 쉬지 않고 바꾸는 것도 가능했다.[13]

모테의 테너 "호모, 루지!"/"호모 미제라빌리스"/"브루만 e모르즈" (13세기) 세 번째 리듬 모드, 음절 표기법.

한 글자 이상의 문자에 묶인 문자는 사용할 수 없기 때문에, 공칭 패턴은 멜리스마틱 구절에서만 발생할 수 있다. 음절이 자주 바뀌거나 음절이 반복되어야 하는 경우, 인어니머스 4에서 보도한 바와 같이, 흔히 가수들에게 난이도가 생기게 하는 소위 "음절 표기법"으로 묶인 작은 묶음이나 심지어 하나의 음으로 나누어져야 한다.[17][13]

오르도(plural ordines)는 한 가지 이상의 모달 패턴의 문장으로 구성된 구절로, 휴식으로 끝난다. 서수는 반복 횟수와 결론 휴식 위치에 따라 설명되었다. "완벽한" 서수는 패턴의 첫 음에 이어 패턴의 두 번째 반을 대체하는 쉼표로 끝났고, "불완전한" 서수는 패턴의 마지막 음에 이어 첫 번째 부분과 동일한 쉼표로 끝났다. 불완전한 서수는 대부분 이론적이고 실제적으로 보기 드물며, 완벽한 서수가 우세하다.[18]

리듬 모드의 주제를 다룬 다른 작가들로는 작곡가 레오닌과 페로틴의 이름을 언급하는 Anonymous 4세, 그리고 주요 작품들 중 일부를 언급하는 Annonymous 4세, 시스템의 한계를 인식하고 음의 지속시간을 파로 표현한다는 생각에 이름이 붙게 된 1260년경 쾰른의 프랑코 등이 있다.비록 사실 그 아이디어는 프랑코 이전에 알려져 있었고 사용되었었지만, 특히 공칭적인 형태들.[19] 램버터스는 9가지 모드를 설명했고 Anonymus 4세는 영국에서는 모든 일련의 불규칙 모드가 사용되고 있다고 말했다.[20]

참조

  • Apel, Willi. 1961. The Notation of Polyphonic Music, 900–1600, fifth edition, revised and with commentary. Publications of the Mediaeval Academy of America, no. 38. Cambridge, Mass.: Mediaeval Academy of America.
  • Hoppin, Richard H. (1978). Medieval Music. New York City: W. W. Norton & Co. ISBN 0-393-09090-6.
  • Hughes, Dom Anselm. 1954a. "Music in Fixed Rhythm". In New Oxford History of Music, vol. 2: "Early Medieval Music up to 1300", edited by Dom Anselm Hughes, 311–52. London, New York City, & Toronto: Oxford University Press.
  • Hughes, Dom Anselm. 1954b. "The Motet and Allied Forms". In New Oxford History of Music, vol. 2: "Early Medieval Music up to 1300", edited by Dom Anselm Hughes, 353–404. London New York City, & Toronto: Oxford University Press.
  • Reese, Gustave. 1940. Music in the Middle Ages. New York City: W. W. Norton & Company. ISBN 0-393-09750-1.
  • Sadie, Stanley; Tyrrell, John, eds. (2001). The New Grove Dictionary of Music and Musicians (2nd ed.). London: Macmillan. ISBN 9780195170672.
  • Seay, Albert. 1975. Music in the Medieval World, second edition. Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall, Inc. ISBN 0-13-608133-9 (cloth); ISBN 0-13-608125-8 (pbk).

각주

  1. ^ 1978년 호핀, 221페이지.
  2. ^ 뉴 그로브 지시. 2001, 레베카 A의 "Johannes de Garlandia [Johannes Galicus]" 발처.
  3. ^ 리스 1940, 페이지 207–9.
  4. ^ 아펠 1961 페이지 223.
  5. ^ a b 휴즈 1954a, 페이지 320.
  6. ^ 아펠 1961 페이지 221.
  7. ^ 쿠퍼, 1973년 폴 음악 이론의 관점: 역사 분석적 접근법 뉴욕: 도드, 미드. 30페이지. ISBN 0-396-06752-2.
  8. ^ 리만, 휴고 1962. 음악 이론의 역사책 I과 II: 16세기의 폴리포닉 이론, 레이먼드 H. 하그에 의한 서문과 해설, 음을 번역하였다. 링컨: 네브라스카 대학 출판부 135쪽 수정 2차 인쇄, 1966. 뉴욕시 재판: 다 카포 프레스, 1974. ISBN 0-306-70637-7.
  9. ^ Seay 1975, 페이지 97.
  10. ^ 휴즈 1954a, 323-4페이지.
  11. ^ 리스 1940, 페이지 274, 휴즈 1954a, 페이지 319–20.
  12. ^ Seay 1975, 페이지 98–9.
  13. ^ a b c 뉴 그로브 지시. 2001, 에드워드의 "리듬 모드 [모달 리듬]" H. 로즈너.
  14. ^ a b c 2001년 데이비드 힐리와 토마스 B의 "Notation, §III, 2: Polyphony and Veteric Monophony to c1260" 페인.
  15. ^ 아펠 1961 페이지 227.
  16. ^ 아펠 1961 페이지 240.
  17. ^ 아펠 1961 페이지 225.
  18. ^ 1978년 호핀, 223페이지.
  19. ^ 휴즈 1954b, 페이지 379-80.
  20. ^ 리스 1940, 페이지 288.

추가 읽기

  • Articles. 1980. "Rhythmic Mode", "Johannes de Garlandia", "Franco of Cologne". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, edited by Stanley Sadie. 20 vols. London, Macmillan Publishers Ltd. ISBN 1-56159-174-2.
  • Grout, Donald Jay, J. Peter Burkholder, and Claude V. Palisca. 2006. A History of Western Music, seventh edition. New York: W. W. Norton. ISBN 0-393-97991-1.
  • Hiley, David. 1984. "The Plica and Liquescence". In Gordon Athol Anderson (1929–1981) in memoriam: Von seinen Studenten, Freunden und Kollegen, 2 vols., 2:379–91. Wissenschaftliche Abhandlungen, no. 39. Henryville, PA: Institute of Mediæval Music.
  • Parrish, Carl. 1957. The Notation of Medieval Music. London: Faber & Faber.
  • Randel, Don Michael, and Willi Apel (eds.). 1986. The New Harvard Dictionary of Music. Cambridge, Massachusetts: Belknap Press of Harvard University Press. ISBN 0-674-61525-5.
  • Smith, Norman E. 1988. "The Notation of Fractio Modi". Current Musicology, nos. 45–47 (Fall: Studies in Medieval Music: Festschrift for Ernest H. Sanders, edited by Peter M. Lefferts and Leeman L. Perkins): 283–304.
  • Wellesz, Egon (ed.). 1957. New Oxford History of Music, vol. 1: "Ancient and Oriental Music". London & New York: Oxford University Press.