초상화

Portrait painting
초상화의 일반적인 주제는 초상화를 참고하세요.
포그 미술관 빈첸조 주스티니아니(1623-24)의 초상화를 그리는 니콜라스 레그니에의 자화상.

초상화는 특정한 인물을 표현하는 것을 목적으로 하는 그림 장르입니다.'초상화'라는 용어는 실제 그려진 초상화를 묘사할 수도 있다.초상화는 공공 및 개인에게 의뢰하여 작품을 만들 수도 있고, 주제에 대한 동경이나 애정에 의해 영감을 받을 수도 있다.초상화는 종종 중요한 국가나 가족의 기록, 그리고 추억의 역할을 한다.

역사적으로 초상화는 주로 부자들과 권력자들을 추모해 왔다.그러나 시간이 흐르면서 중산층 고객들이 그들의 가족과 동료들의 초상화를 의뢰하는 것이 더 흔해졌다.오늘날, 초상화는 여전히 정부, 기업, 단체, 클럽, 개인에게 위탁되어 있다.그림뿐만 아니라, 초상화는 판화(에칭과 석판 인쇄 포함), 사진, 비디오, 디지털 매체 등 다른 매체에서도 제작될 수 있다.

Frans Hals, 나중에 Pieter Codde에 의해 완성되었습니다.드 마제르 콤파니1637. 캔버스에 기름, 209×429cm.네덜란드 황금시대 그림에서 단체 초상화는 중요했다.

그린 초상화는 보는 사람이 알아볼 수 있는 시터의 초상화를 만드는 것을 의도하고 있으며, 이상적으로는 그들의 외모에 대한 매우 좋은 기록이다.사실 이 개념은 더디게 성장해 왔고, 다른 전통에 속하는 예술가들이 훌륭한 그림을 그리는 데 뚜렷한 기술을 습득하는데 수 세기가 걸렸다.

테크닉과

Anthony van Dyck, Charles I in Three Positions, 1635–1636은 이 모형에서 흉상을 조각하기 위해 로마의 베르니니에게 보낼 프로필, 전면 및 3/4 뷰를 보여줍니다.

잘 표현된 초상화는 단지 문자 그대로의 유사성이 아니라 대상의 내면을 보여주거나 (작가의 관점에서) 아첨하는 표현을 보여줄 것으로 기대된다.아리스토텔레스가 말했듯이, "예술의 목적은 사물의 겉으로 보이는 것이 아니라, 사물의 내적인 의미를 보여주는 것이다. 이것은, 겉으로 드러나는 방식과 세부사항이 아니라, 진정한 [1]현실을 구성하기 때문이다."예술가들은 그들의 주제를 묘사하는 데 있어 사진적 사실주의나 인상적 유사성을 추구할 수 있지만, 이것은 신체적 특징을 과장하여 성격을 드러내려는 캐리커처와는 다르다.Edward Burne-Jones가 말한 것처럼, 화가는 일반적으로 "위대한 초상화에서 허용되는 유일한 표현은 성격과 도덕성의 표현이지, 일시적이거나 [2]우연적인 것은 아니다."라고 대표 묘사를 시도한다.

대부분의 경우, 이것은 살짝 웃는 것 이상의 것은 역사적으로 꽤 드물며, 진지하고 입을 다물게 하는 결과를 낳는다.혹은 찰스 디킨스가 말했듯이, "초상화에는 오직 두 가지 스타일, 즉 진지한 것과 웃는 [3]것만이 있다."이러한 한계에도 불구하고, 조용한 위협에서 온화한 만족감까지 다양한 미묘한 감정이 가능하다.하지만 입이 비교적 중립적이기 때문에 얼굴표정의 상당부분은 눈과 눈썹을 통해 만들어져야 한다.작가이자 예술가인 고든 C.아이마르는 "눈은 그 주제에 대해 가장 완벽하고 신뢰할 수 있고 적절한 정보를 찾는 곳"이라고 말한다.그리고 눈썹은 "거의 한 손으로, 놀라움, 동정심, 두려움, 고통, 냉소, 집중력, 슬픔, 불쾌감, 그리고 기대감"을 무한한 변화와 [4]조합으로 기록할 수 있다.

그 대상을 할 수 .전체 길이" (전신), "반 길이" (머리부터 허리 또는 엉덩이까지), "머리와 어깨" (허리 및 어깨) 또는 머리만.피험자의 머리는 "전면"(전면도)에서 프로파일 뷰(측면도)로 바뀔 수 있다. "3/4 뷰"("3/3 뷰")는 거의 전면에서 거의 프로파일(부분은 프로파일[얼굴의 절반]과 다른 한쪽의 "4/4 페이스"[5]의 합) 사이에 있다.2⁄3, 즉, 이 부분 뷰는 반쪽 이상의 면임을 의미합니다.)앤서니 반 다이크가 찰스 1세를 3자세로 [6]그린 3중 초상화처럼 예술가들이 여러 방향에서 바라본 합성물을 만들기도 한다.심지어 피사체의 앞이 전혀 보이지 않는 초상화도 있습니다.Andrew Wyeth의 Christina's World(1948년)는 유명한 사례로, 장애여성이 보는 이를 등지고 있는 자세가 예술가의 [7]해석을 전달하기 위해 놓여 있는 설정과 조화를 이룬다.

1878년 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 샤펜티에 부인과 자녀들

다른 가능한 변수들 중에서, 피실험자는 옷을 입거나 나체로 입거나, 실내 또는 실외로 입거나, 앉거나, 뒤로 젖히거나, 심지어 말을 탈 수도 있다.초상화는 개인, 연인, 부모와 자녀, 가족 또는 동료 집단일 수 있습니다.유화, 수채화, 펜과 잉크, 연필, 숯, 파스텔, 혼합 매체 등 다양한 매체로 제작할 수 있습니다.예술가들은 피에르 오귀스트 르누아르의 Mme처럼 다양한 색상의 팔레트를 사용할 수 있다. 길버트 스튜어트의 조지 워싱턴 초상화(1796년)처럼 1878년 또는 대부분 백인 또는 흑인으로 제한되는 샤펜티에와 그 자녀들.

초상화의 전체적인 크기가 중요한 고려사항이 될 수도 있습니다.박물관 전시용으로 제작된 척 클로즈의 거대한 초상화는 집에 들어가거나 고객과 함께 쉽게 이동할 수 있도록 디자인된 대부분의 초상화와는 큰 차이가 있다.예술가는 종종 최종 초상화가 걸려 있는 장소와 주변 [8]장식물의 색상과 스타일을 고려합니다.

초상화를 작성하려면 상당한 시간이 걸릴 수 있으며, 일반적으로 여러 개의 착좌가 필요합니다.세잔은 극단적으로 자신의 [9]주제에 100개 이상 앉기를 고집했다.반면에 고야는 하루 종일 앉아 [10]있는 것을 선호했다.평균은 약 [11]4개입니다.초상화가들은 때때로 그들의 시터들에게 그림이나 사진의 포트폴리오를 제시하는데, 시터들은 조슈아 레이놀즈 경처럼 이 포트폴리오에서 선호하는 포즈를 선택한다.한스 홀바인과 같은 몇몇 사람들은 얼굴을 그린 다음,[12] 시터 없이 나머지 그림을 완성한다.18세기에는 완성된 초상화를 [13]고객에게 전달하는 데 보통 약 1년이 걸렸다.

시터의 기대와 기분을 관리하는 것은 초상화가에게 심각한 걱정거리이다.초상화의 겉모습에 대한 충실성에 대해서는 초상화 작가들의 접근 방식이 대체로 일치합니다.조슈아 레이놀즈 경을 찾는 고객들은 그들이 아첨하는 결과를 얻을 것이라는 것을 알고 있었고, 반면 토마스 에이킨스의 시터들은 사실적이고 아낌없는 초상화를 기대한다는 것을 알고 있었다.어떤 주제들은 강한 선호도를 나타내기도 하고, 다른 주제들은 전적으로 예술가가 결정하게 하기도 한다.올리버 크롬웰은 그의 초상화에 "당신이 보는 이 모든 거칠기, 여드름, 사마귀, 그리고 모든 것을 보여 달라. 그렇지 않으면 나는 그것에 [14]대해 한 푼도 지불하지 않을 것이다."라고 요구한 것으로 유명하다.

시터를 편안하게 하고 자연스러운 자세를 장려한 후, 작가는 시터의 본질에 대한 그의 개념을 만족시키는 여러 가능성 중 하나의 표정을 찾아 자신의 주제를 연구한다.피사체의 자세 또한 의상처럼 시터의 감정적, 신체적 상태를 드러내기 위해 신중하게 고려된다.시터가 계속 관여하고 동기부여를 받을 수 있도록, 능숙한 예술가는 종종 유쾌한 태도와 대화를 유지할 것입니다.엘리자베스 비제 르브룬은 동료 예술가들에게 자리에서 협조를 [14]얻기 위해 여성들에게 아첨하고 외모에 대해 칭찬하라고 조언했다.

초상화의 성공적인 실행의 핵심은 인체 해부학의 숙달이다.사람의 얼굴은 비대칭이고 능숙한 초상화가들은 이를 미묘한 좌우 차이로 재현한다.예술가들은 설득력 있는 초상화를 만들기 위해 뼈와 조직 구조에 대해 잘 알아야 한다.

토마스 게인즈버러, 앤드루스 부부는 1750년 경에 그들의 사유지에 있었다.

복잡한 구성의 경우, 예술가는 먼저 완전한 연필, 잉크, 목탄 또는 오일 스케치를 할 수 있습니다. 이것은 시터의 사용 가능한 시간이 제한되어 있을 때 특히 유용합니다.그렇지 않으면 대략적인 형태를 캔버스에 연필, 숯 또는 얇은 기름으로 스케치합니다.얼굴이 먼저 완성되고 그 후에 완성되는 경우가 많습니다.많은 위대한 초상화 화가들의 스튜디오에서, 거장은 머리와 손만 하고, 옷과 배경은 주요 견습생들에 의해 완성되었다.심지어[15] 커튼과 옷과 같은 특정한 물건들을 다루는 외부 전문가들도 있었다. 예를 들어, 과거의 몇몇 예술가들은 포즈와 [16]옷을 만들고 실행하는 것을 돕기 위해 평신도나 인형을 사용했다.시터 주위에 배치된 상징적 요소들(간판, 가재, 동물, 식물 포함)의 사용은 종종 주제의 도덕적 또는 종교적 특성 또는 시터의 직업, 관심사 또는 사회적 지위를 나타내는 기호로 그림을 부호화하기 위해 사용되었다.배경은 완전히 검은색일 수 있고 내용이 없을 수도 있고, 시터가 그들의 사회적 또는 레크리에이션적 환경에 놓이게 하는 완전한 장면일 수도 있습니다.

자화상은 보통 거울의 도움으로 그려지며, 완성된 결과는 시터와 화가가 마주 볼 때 일반적인 초상화의 반전인 거울상 초상화이다.자화상에서 오른손잡이 화가는 그림을 그릴 때 의도적으로 이미지를 수정하거나 두 번째 반전 거울을 사용하지 않는 한 왼손에 붓을 들고 있는 것처럼 보일 것이다.

때때로 의뢰인이나 의뢰인의 가족은 그 결과로 생긴 초상화에 대해 불만스러워하고 예술가는 돈을 받지 않고 초상화를 다시 만지거나 다시 그려야 하거나 커미션에서 철수해야 하며 실패의 굴욕을 겪는다.자크 루이 다비드는 전시회에서 널리 인기를 끌었던 레카미에 부인의 초상화를 축하했으나 시터에게 거절당했고, 존 싱어 사르제의 악명 높은 X 부인 초상화도 마찬가지였다.존 트럼불의 전신 초상화인 트렌튼의 조지 워싱턴 장군은 이 초상화를 [17]의뢰한 위원회에 의해 거절당했다.유명한 길버트 스튜어트는 아내의 초상화에 대한 고객의 불만에 대해 "감자를 가져왔는데 복숭아를 기대하시는군요!"[18]라고 쏘아붙이면서 대답한 적이 있다.

그러나 성공적인 초상화는 고객으로부터 평생의 감사를 받을 수 있다.발타자르 백작은 라파엘이 자신의 아내를 그린 초상화에 매우 만족하여 화가에게 "당신의 이미지만으로도 나의 걱정을 덜어줄 수 있습니다.그 이미지는 저의 기쁨입니다.저는 미소를 짓습니다.그것은 저의 [19]기쁨입니다.

★★★

세계

의 장례

초상화의 뿌리는 선사시대에 발견될 가능성이 높지만, 이러한 작품들 중 오늘날 남아있는 것은 거의 없다.비옥한 초승달의 고대 문명의 예술, 특히 이집트에서는 지배자와 통치자를 신으로 묘사하는 것이 많다.하지만, 이러한 것들은 대부분 매우 양식화된 방식으로 만들어졌고, 대부분 돌, 금속, 점토, 회반죽 또는 크리스탈에 대한 프로파일링으로 만들어졌다.이집트 초상화는 적어도 기원전 14세기 아케나텐 시대까지는 비교적 생김새에 중점을 두지 않았다.중국에서 유명한 인물들의 초상화는 아마도 기원전 1000년 이상으로 거슬러 올라가지만, 그 시대에는 아무도 남아있지 않다.현존하는 중국 초상화는 [20]서기 1000년 경으로 거슬러 올라가지만, 그 후 얼마간까지는 초상화에 큰 비중을 두지 않았다.

문학적인 증거로부터 우리는 고대 그리스 회화에 초상화가 포함되었다는 것을 알고 있다. 종종 작가들의 찬사를 믿을 수 있다면 매우 정확하지만, 그려진 예는 남아있지 않다.통치자의 조각된 머리와 소크라테스와 같은 유명한 인물들은 어느 정도 살아남고, 동전에 새겨진 헬레니즘 통치자들의 개인화된 흉상처럼, 그리스 초상화가 좋은 유사성을 얻을 수 있다는 것을 보여주고, 적어도 문학적 인물들의 소재는 비교적 약간의 아첨으로 묘사되었다 – 소크라테스의 초상화는 그가 왜 레푸를 가졌는지를 보여준다.못생겼기 때문에알렉산더 대왕의 후계자들은 그들의 동전에 그의 머리를 추가하는 관행을 시작했고, 곧 그들 자신의 머리를 사용하게 되었다.

로마 초상화는 에트루리아인과 그리스인 모두의 초상화의 전통을 채택했고, 로마 정치뿐만 아니라 그들의 조상 초상화의 종교적 사용과 관련이 있는 매우 강력한 전통을 발전시켰다.다시 한번 파염 초상화, 알리네 무덤, 세베란 톤도 등 로마 치하의 이집트 출신 몇 안 되는 유물은 분명 로마식이라기보다는 그리스식을 반영한 지방 작품이지만 중산층 무덤의 개인화된 초상화, 수천 종의 동전 항구를 포함한 조각된 머리들이 풍부하다.약탈하다

가장 많은 초상화들은 이집트 파얌 지역의 건조한 기후에서 살아남은 2세기에서 4세기까지의 장례 그림들이다.그리스 시대 초상화가 잘 확립되어 남녀 [21]화가 모두 실천한 것으로 알려져 있지만 프레스코를 제외하고 거의 유일하게 남아 있는 로마 시대의 그림들이다.플리니우스는 로마 초상화 예술의 쇠퇴에 대해 불평했다. "인물의 정확한 모습을 시대를 통해 전달해 주던 초상화는 완전히 사라졌다…"나태함이 [22][23]예술을 파괴했다.로마 이집트의 이 전면 초상화들은 운이 좋은 예외이다.그것들은 다소 사실적인 균형 감각과 개인의 디테일을 보여준다(눈이 일반적으로 너무 크고 예술적 기술은 예술가마다 상당히 다르다).파염 초상화는 나무나 상아에 밀랍과 수지색(밀랍) 또는 템페라로 그려서 미라 포장지에 넣어 영구히 시신과 함께 했다.

로마에서는 자유로운 초상화가 쇠퇴했지만, 로마 조각에서는 초상화의 예술이 번성했는데, 로마 조각에서는 시터들이 겉치레에 맞지 않더라도 사실주의를 요구했습니다.4세기 동안, 조각된 초상화는 그 사람의 생김새에 대한 이상적인 상징으로 후퇴하면서 지배적이었다. (로마 황제 콘스탄티누스 1세와 테오도시우스 1세의 초상화와 비교) 후기 골동품 시대에는 개인의 초상화에 대한 관심이 상당히 떨어졌고, 대부분의 초상화는 후기 로마 동전과 콘술라에 대한 것이다.초기 기독교 미술은 예수와 세례 요한과 성 베드로와 같은 기독교 미술의 다른 주요 인물들을 묘사하기 위해 상당히 표준화된 이미지를 진화시켰지만 rptychs는 전혀 개인화되지 않았다.

영국의 리처드 2세(1400년경)를 위한 작은 일병 윌튼 딥틱은 금색 바탕에 훨씬 더 짙은 남색 바탕에 도장을 찍었다.

대부분의 초기 중세 초상화는 기증자 초상화였고, 초기에는 로마 모자이크를 그린 교황들이 대부분이었고, 작가, 신비주의자, 과학자, 조명가, 그리고 빙겐의 음악가 힐데가르드(1152)의 [24]자화상이 그렸습니다.현대의 동전들과 마찬가지로, 유사성을 추구하는 시도는 거의 없었다.로마네스크 시대에 돌무덤 기념물이 퍼져나갔다.1350년에서 1400년 사이에 세속적인 인물들이 프레스코화와 판화에서 다시 나타나기 시작했는데, 예를 들어 테오도릭 사부의 찰스 4세가 [25]충성을 받는 장면에서 초상화는 다시 한 번 뚜렷이 닮아졌다.

20세기 말경, 작은 나무 판넬에 그려진 현대 개인들의 첫 번째 유화 초상화가 처음에는 프로필로, 그 다음에는 다른 시각으로 버건디와 프랑스에서 나타났다.1400년 경의 윌튼 딥티치는 현존하는 영국의 리처드 2세의 두 장의 패널 초상화 중 하나이며, 우리는 현대의 사례를 가지고 있다.

15세기 중세 말기에는 초기 네덜란드 그림이 개인화된 초상화의 발전에 핵심이었다.마스터스에는 얀 반 에이크, 로버트 캄팽, 로지에르 반 데르 바이덴 등이 포함되어 있다.실물 크기의 절반도 안 되는 작은 판화 초상화를 제작했는데, 궁중의 인물들뿐만 아니라 비교적 평범한 옷차림으로 보아 부유한 마을 사람들이었다.조명 원고의 축소판에는 개인화된 초상화, 보통 청장의 초상화도 포함되어 있었다.종교화에서는 기증자의 초상화가 현재로 나타나거나 주요 신성한 장면에 참여하기 시작했고, 더 많은 사적 궁정 이미지에서는 심지어 성모 마리아와 같은 중요한 인물로 피사체가 등장하기도 했다.

알브레히트 뒤러, 자화상, 1500년

자연계에 대한 관심과 고대 그리스와 로마의 고전 문화에 대한 관심에서, 그리고 부분적으로 그려진 초상화는 르네상스 사회에서 중요한 역할을 부여받았고 물건으로서, 그리고 지상의 성공과 지위에 대한 묘사로서 가치 있게 평가되었다.일반적으로 회화는 균형, 조화, 통찰력의 새로운 수준에 도달했고, 위대한 예술가들(레오나르도, 미켈란젤로, 라파엘)은 "천재"로 여겨져 상인의 지위를 훨씬 넘어 궁정과 교회의 [26]귀중한 하인까지 올라갔다.

만약 시인이 사랑으로 남자를 불타오르게 할 수 있다고 말한다면…
는 같은할 수 있는 있다.
가 설 수 점에서
의
종종 키스를 시키고 말을 걸기도 하죠

–Leonardo da Vinci[27]

다양한 형태의 초상화에서 많은 혁신이 이 비옥한 시기에 발전했다.사진 시대까지 유행했던 미니어처의 전통은 조명 원고에 나오는 미니어처 화가들의 기술에서 비롯되었다.고대 메달로부터 영감을 받은 프로필 초상화는 1450년에서 1500년 사이에 이탈리아에서 특히 인기가 있었다.메달은 양면적인 이미지와 [28]함께 르네상스 초기에 양면적인 그림에 대한 짧은 유행에 영감을 주었습니다.아폴로 벨베데레와 같은 고전 조각은 또한 르네상스 초상화가들이 사용한 포즈의 선택에 영향을 미쳤고, 몇 [29]세기 동안 계속 사용되어 왔다.레오나르도의 지네브라 데 c.벤치(1474–8)는 이탈리아 [27]미술에서 최초로 알려진 3/4 뷰 초상화 중 하나이다.

북유럽 화가들은 세속적인 대상의 사실적인 초상화를 주도했다.15세기 동안 북부 화가들의 더 큰 사실성과 디테일은 부분적으로 이탈리아와 스페인 화가들이 여전히 템페라를 사용하고 있는 동안 유채색으로 가능한 더 섬세한 붓질과 효과 덕분이었다.유화 기술을 발전시킨 최초의 화가 중 한 명은 얀 반 아이크였다.유채색은 더 많은 텍스처와 두께의 등급을 만들어 낼 수 있으며, 점점 더 두꺼운 층을 하나 둘씩 추가함으로써 더 효과적으로 층을 쌓을 수 있습니다(화가들에게 '날씬한 지방'으로 알려져 있습니다).또한, 유색은 더 느리게 마르고, 얼굴 디테일을 바꾸는 등 쉽게 변경할 수 있습니다.Antonello da Messina는 석유를 이용한 최초의 이탈리아인 중 한 명이었다.벨기에에서 훈련을 받은 그는 1475년경에 베니스에 정착했고, 지오반니 벨리니와 북부 이탈리아 [30]학파에 큰 영향을 끼쳤다.16세기 동안, 매개체로서의 석유는 유럽 전역에 널리 퍼졌고, 옷과 보석을 더 호화롭게 장식할 수 있게 되었다.또한 화상의 품질에 영향을 준 것은 나무에서 캔버스로의 전환으로, 16세기 초 이탈리아에서 시작해 다음 세기에 걸쳐 북유럽으로 확산되었다.캔버스는 나무보다 금이 잘 가고 색소가 잘 잡혀 준비도 덜 필요하지만 처음에는 나무보다 훨씬 더 무서웠다.

초기에 북유럽인들은 프로파일을 버리고 사실적인 부피와 원근법을 가진 초상화를 그리기 시작했다.네덜란드에서 얀 반 에이크는 대표적인 초상화가였다.아르놀피니 결혼(1434, 런던 내셔널 갤러리)은 서양 미술의 랜드마크이며, 풍부한 색채와 정교한 디테일로 훌륭하게 그려진 전신 커플 초상화의 초기 사례이다.하지만 마찬가지로 중요한 것은 반 아이크가 개척한 유화의 새로운 기법을 보여주고 있으며, 이는 예술을 혁신하고 유럽 [31]전역으로 퍼져나갔다.

한스 홀바인 소장 토마스 모어 경의 초상화, 1527년

루카스 크라나흐, 알브레히트 뒤러, 한스 홀바인 등 독일의 대표적인 초상화가들이 유화 기법을 익혔다.크래나흐는 실물 크기의 전신 판화를 그린 최초의 화가 중 한 명이었고,[32] 이는 그때부터 널리 알려진 전통이다.당시 영국에는 일류 초상화가들이 없었고 홀바인 같은 화가들은 영국 손님들의 [33]수요가 많았다.영국에서 그의 첫 번째 중요한 후원자인 토마스 모어 경(1527)의 그림은 [34]거의 사진과 같은 사실성을 가지고 있다.홀베인은 헨리 8세를 포함한 왕실을 그리는 데 큰 성공을 거두었다.뒤러는 뛰어난 제도가로 전면화를 포함한 일련의 자화상을 그린 최초의 주요 화가 중 한 명이었다.그는 또한 그의 종교화들 [35]중 몇몇에 그의 자화상을 (방관자로서) 배치했다.뒤러는 [36]13살에 자화상을 그리기 시작했다.나중에, 렘브란트는 그 전통을 증폭시킬 것이다.

이탈리아에서 마사치오는 좀 더 현실적인 관점을 채택함으로써 프레스코화를 현대화하는 데 앞장섰다.필리포 리피는 더 날카로운 윤곽과 구불구불한 선을[37] 개발하는 길을 닦았고 그의 제자 라파엘은 그의 기념비적인 [38]벽화로 이후 수십 년 동안 이탈리아에서 사실주의를 훨씬 더 높은 수준으로 확장시켰다.이 기간 동안 로렌조 [39]로또의 특별한 명물인 약혼 초상화가 인기를 끌었다.르네상스 초기 초상화는 일반적으로 작고 때로는 경첩이 달려 있거나 [40]미끄러져 있는 보호 덮개로 덮여 있었다.

르네상스 기간 동안, 특히 피렌체와 밀라노의 귀족들은 그들 자신을 좀 더 사실적으로 표현하기를 원했다.설득력 있는 전체 및 3/4 뷰를 만드는 과제는 실험과 혁신을 자극했습니다.산드로 보티첼리, 피에로 델라 프란체스카, 도메니코 기란다이오, 로렌조 디 크레디, 레오나르도 다빈치와 다른 예술가들은 이에 따라 그들의 기법을 확장하여 전통적인 종교적, 고전적 소재에 초상화를 추가했다.레오나르도와 피사넬로는 세속적인 [38]초상화에 우화적인 상징을 추가한 최초의 이탈리아 화가들 중 하나였다.

레오나르도 다빈치, 모나리자 또는 라 지오콘다, 1503–1505/1507

서양에서 가장 잘 알려진 초상화 중 하나는 모나리자라는 레오나르도 다빈치의 그림인데, 모나리자라는 이름은 플로렌스와 토스카나의 게라르디니 가문의 일원이자 부유한 피렌체 비단 상인 프란체스코 델 지오콘도의 아내인 [41][42][43]리사 델 지오콘도의 이름을 딴 것이다.유명한 모나리자 스마일(Mona Lisa smile)은 얼굴에 미묘한 비대칭을 적용하는 좋은 예이다.레오나르도는 자신의 수첩에서 초상화에서 빛의 성질에 대해 조언합니다.

어두운 방의 문간에 앉아 있는 사람의 얼굴에는 빛과 그림자의 매우 우아함이 더해지며, 관찰자의 눈은 방의 그림자에 가려진 얼굴의 그늘진 부분을 보고, 공기의 빛이 주는 얼굴의 밝은 부분을 본다.이러한 음영과 조명의 증가를 통해 얼굴의 [44]안도감은 더욱 커집니다.

레오나르도는 베로키오의 학생이었다.화가 조합원이 된 후, 그는 독립적인 위탁을 받기 시작했다.그의 폭넓은 흥미와 과학적 사고방식에 따라 완성된 예술적 성과는 적지만 드로잉과 예비연구의 성과는 어마어마하다.그의 다른 기억에 남는 초상화로는 귀족 여성 지네브라 데 벤치와 세실리아 갈레라니 [45]등이 있다.

라파엘의 초상화는 레오나르도의 초상화보다 훨씬 더 많고, 자세와 조명, 기법이 더 다양합니다.라파엘의 위대한 업적은 혁명적인 혁신을 낳기는커녕 르네상스 [46]미술의 진화하는 흐름을 강화하고 다듬는 것이었다.그는 특히 단체 초상화에 전문가였다.그의 걸작 아테네 학교는 레오나르도, 미켈란젤로, 브라만테, 라파엘로의 초상화를 고대 [47]철학자로 가장한 일류 그룹 프레스코화 중 하나이다.그것은 예술가들의 첫 번째 집단 초상화는 아니다.수십 년 전, 파올로 우첼로는 지오토, 도나텔로, 안토니오 마네티, 브루넬레스키를 [35]포함한 단체 초상화를 그렸다.그가 두각을 나타내면서 라파엘은 교황들이 가장 좋아하는 초상화가가 되었다.많은 르네상스 화가들이 초상화 의뢰를 간절히 받아들였지만, 몇몇 화가들은 거절했는데, 특히 라파엘로의 경쟁자인 미켈란젤로는 시스티나 [38]성당의 엄청난 의뢰를 대신 맡았다.

1500년경 베니스에서는 젠틸레 벨리니와 지오반니 벨리니가 초상화를 지배했다.그들은 국가의 지도층 인사들로부터 최고 위임을 받았다.벨리니의 도게 로레단 초상화는 르네상스 시대의 가장 훌륭한 초상화 중 하나로 여겨지며 새로 도착한 유화 [48]기법에 대한 화가의 숙달성을 훌륭하게 보여준다.벨리니는 또한 유럽에서 그들의 작품에 서명한 최초의 예술가들 중 한 명이지만,[49] 그는 그들과 거의 데이트를 하지 않았다.16세기 후반, 티티안은 특히 그의 왕족들의 다양한 자세와 앉는 자세를 확장함으로써 거의 같은 역할을 맡았다.티티안은 아마도 최초의 위대한 아동 [50]초상화가였을 것이다.티티아누스 이후, 틴토레토와 베로네세는 이탈리아 매너리즘으로 전환하는 데 도움을 주면서 베네치아의 주요 예술가가 되었다.매너리스트들은 아그놀로 브론지노와 자코포 다 폰토모의 작품에서처럼 재료의 풍부함과 우아하게 복잡한 자세를 강조한 많은 뛰어난 초상화를 남겼다.브론지노는 메디치 가문을 묘사하며 명성을 떨쳤다.그의 대담한 코시모 1세 데 메디치의 초상화는 갑옷을 입은 엄격한 통치자가 그의 극우를 주시하고 있는 것을 보여주는데, 이는 그들의 하인들이 온화한 [51]군주로 묘사되는 대부분의 왕실 그림과 뚜렷한 대조를 이룬다.12년 동안 베니스에서 훈련한 엘 그레코는 스페인 도착 후 외모의 [52]실체를 떨어뜨릴 정도로 시터에 대한 '내면의 시각'을 강조하며 더욱 극단적인 방향으로 나아갔다.16세기 이탈리아의 가장 훌륭한 초상화 작가 중 한 명은 크레모나 출신의 소포니스바 앵귀솔라로, 개인과 단체 초상화에 새로운 차원의 복잡성을 불어넣었다.

프랑스의 궁정 초상화는 플랑드르 예술가 장 클라우에가 1525년경 [53]프랑스의 프랑수아 1세의 화려한 초상화를 그리면서 시작되었다.프란시스 왕은 예술가들의 훌륭한 후원자이자 레오나르도 다빈치를 말년에 프랑스에서 살도록 초청한 탐욕스러운 미술 수집가였다.모나리자는 레오나르도가 죽은 [53]후 프랑스에 머물렀다.

바로크와 로코코

렘브란트의 단체 초상화, 옷감 만드는 길드 신디크스, 1662년.

바로크와 로코코 시대(각각 17세기, 18세기) 동안 초상화는 지위와 지위에 대한 더욱 중요한 기록이 되었다.강력한 법원에서 세속적인 지도자들이 점점 더 많이 지배하는 사회에서, 화려하게 차려입은 인물들의 이미지는 중요한 개인의 권위를 확인하는 수단이었다.플랑드르의 화가인 앤서니 반 다이크와 피터 폴 루벤스는 이런 종류의 초상화에 뛰어났으며, 얀 베르메르는 주로 중산층의 초상화를, 일과 실내에서 놀이에 그렸다.루벤스가 결혼식 복장을 한 자신과 첫 부인(1609)의 초상화는 커플 [55]초상화의 명작이다.루벤스는 자신의 예술을 뛰어넘는 명성을 누렸다. 그는 신하, 외교관, 미술품 수집가, 그리고 성공한 사업가였다.그의 스튜디오는 초상화뿐만 아니라 정물화, 풍경화, 동물화, 장르화 전문가들을 고용한 당시 가장 광범위한 스튜디오 중 하나였다.밴 다이크는 그곳에서 2년 [56]동안 훈련을 받았다.영국의 찰스 1세는 처음에 루벤스를 고용했고, 그 후 판 다이크를 궁정 화가로 수입하여 기사 작위를 수여하고 궁정적 지위를 부여했다.반 다이크는 루벤스의 제작 방법과 비즈니스 기술뿐만 아니라 그의 우아한 매너와 외모도 각색했다.기록된 바와 같이, "그는 항상 훌륭하게 옷을 입고, 다양하고 용감한 장비를 갖추고, 그의 아파트에 매우 고귀한 테이블을 유지해서, 왕자들이 더 이상 찾아오지 않거나, 더 나은 하인을 섬기지 않았다.[57]프랑스에서, Hyacinthe Rigaud는 5명의 프랑스 [58]왕의 초상화를 그리며 왕족 연대기 작가로서 거의 같은 방식으로 지배했다.

르네상스 미술의 혁신 중 하나는 다른 감정들을 동반하는 얼굴표정의 개선된 표현이었다.특히, 네덜란드의 화가 렘브란트는 인간의 얼굴의 많은 표정을 탐구했고, 특히 그가 평생 [59]60점 이상을 그린 최고의 자화상 화가 중 한 명이었다.인간의 얼굴에 대한 이러한 관심은 또한 이탈리아 볼로냐에서 16세기 후반 카라치 가문의 화가들에 의해 운영된 아카데미아 데글리 잉캄미나티의 공로를 인정받아 최초의 캐리커처를 만들었다.

벨라스케스, 교황 인노첸시오 10세, 1650년경, 로마 도리아 팜필지 갤러리

단체 초상화는 바로크 시대, 특히 네덜란드에서 많이 제작되었다.유럽의 다른 지역과 달리, 네덜란드 예술가들은 그러한 이미지를 금지한 칼뱅주의 교회나 사실상 존재하지 않는 귀족들로부터 어떠한 위임도 받지 않았다.대신, 시민 단체와 기업 단체에서 수수료가 나왔다.네덜란드 화가 프란스 할스는 그가 속한 시민 경비대의 초상화를 포함한 그의 단체 초상화에 활기를 불어넣기 위해 선명한 색의 부드러운 붓놀림을 사용했다.렘브란트는 이러한 의뢰와 정물화와 풍경화뿐만 아니라 초상화를 지지한 부르주아 고객들에 의한 예술에 대한 일반적인 감상으로부터 큰 혜택을 받았다.게다가,[60] 최초의 중요한 예술품 및 딜러 시장은 그 당시 네덜란드에서 번성했다.

수요가 많았던 렘브란트는 키아로스쿠로와 같은 파격적인 구성과 기술로 실험할 수 있었다.그는 카라바지오와 같은 이탈리아 거장들에 의해 개척된 이러한 혁신들을 보여주었고, 특히 그의 유명한 나이트워치 (1642년)[61]에서 가장 두드러지게 보여주었다.닥터의 해부학 수업 털프(1632년)는 렘브란트의 그룹 그림에 대한 숙달의 또 다른 좋은 예로서, 그는 옷과 배경이 검은색으로 합쳐져 외과의사와 학생들의 얼굴을 돋보이게 하는 동안 밝은 빛으로 시체를 목욕시킨다.이것은 또한 렘브란트가 그의 [62]풀네임으로 서명한 첫 번째 그림이기도 하다.

스페인에서 디에고 벨라스케스는 역사상 가장 유명하고 수수께끼 같은 집단 초상화 중 하나인 라스 메니나스를 그렸다.예술가와 스페인 왕실의 자녀들을 기리는 것으로,[63] 시터는 거울에 비친 비전으로 밖에 보이지 않는 왕실 부부인 것 같습니다.주로 풍속화가로 출발한 벨라스케스는 필립 4세의 궁정화가로 빠르게 두각을 나타냈고, 초상화, 특히 단체 [64]초상화의 복잡성을 확장하는 데 탁월했다.

풍부하고 복잡한 장식에 특히 관심이 많았던 로코코 예술가들은 세련된 초상화의 대가였다.그들의 옷과 질감의 세부사항에 대한 관심은 프랑수아 부셰가 부풀어 오른 실크 가운을 입은 마담 드 퐁파두르의 유명한 초상화에서 증명되었듯이, 세속적인 부의 증거로서 초상화의 효과를 증가시켰다.

Thomas Gainsborough, The Blue Boy, c.1770, 캘리포니아 산마리노 헌팅턴 도서관
프랑스의 루이 14세와 그의 가족은 장 [65]노크레가 그린 1670년 그림에서 로마의 신으로 묘사되었다.

영국 최초의 원주민 초상화 화가는 영국의 화가 토마스 게인즈버러와 조슈아 레이놀즈 경으로, 그들은 또한 그들의 대상을 눈길을 끄는 방식으로 옷을 입히는 것을 전문으로 했다.게인스버러 [66]블루보이는 파란 의상의 반짝이는 효과를 얻기 위해 매우 긴 붓과 얇은 유색으로 그려진 역사상 가장 유명하고 인정받는 초상화 중 하나이다.Gainsborough는 또한 그의 주제에 대한 정교한 배경 설정으로 유명했다.

두 영국 예술가는 조수들을 사용하는 것에 대해 반대 의견을 가지고 있었다.레이놀즈는 정기적으로 그들을 고용했고(때로는 자신이 그림의 20퍼센트만 그렸다) 반면 게인즈버러는 거의 [67]고용하지 않았다.때때로 의뢰인은 초상화가 피터 렐리(영국 반 다이크의 후계자)로부터 리차드 뉴드게이트 경처럼 화가로부터 서약을 받아내곤 했는데, 그는 초상화가 "처음부터 끝까지 내 [68]손으로 그려질 것"이라고 약속했다.플랑드르 거장들에 의해 채택된 정확성과 달리, 레이놀즈는 "은총, 그리고 우리가 덧붙일 수 있는 유사성은 [69]모든 특징의 정확한 유사성을 관찰하는 것보다 일반적인 공기를 취하는 데 더 많이 있다"고 말하면서 초상화에 대한 그의 접근을 요약했다.또한 영국에서 유명한 사람은 윌리엄 호가스로, 그는 자신의 초상화에 유머 감각을 도입함으로써 감히 전통적인 방식을 타파했다.그의 "퍼그와 함께 그린 자화상"은 분명 자기 방종한 [70]그림이라기 보다는 그의 애완동물을 유머러스하게 대하고 있다.

18세기에 들어서면서 여성 화가들은 특히 초상화 분야에서 새로운 중요성을 갖게 되었다.유명한 여성 화가로는 프랑스 화가 엘리자베스 비제 르브룬, 이탈리아 파스텔 화가 로잘바 카리에라, 스위스 화가 안젤리카 카우프만이 있다.또한 사진술이 발명되기 전인 그 세기 동안, 믿을 수 없을 정도로 정밀하게 그려지고 종종 금이나 에나멜 로케트로 둘러싸인 작은 초상화는 높은 평가를 받았다.

미국에서 영국식 교육을 받은 존 싱글턴 코플리는 사무엘 아담스와 폴 리비어의 초현실적인 그림으로 실물 크기 및 미니어처 초상화의 선두 화가가 되었다.코플리는 또한 유명한 [71]군인들의 단체 초상화와 함께 시도했던 학문적으로 더 존경받는 역사 그림과 초상화를 결합하려는 그의 노력으로 유명하다.마찬가지로 유명한 사람은 길버트 스튜어트로 1,000점이 넘는 초상화를 그렸고 특히 대통령 초상화로 유명했다.스튜어트는 조지 워싱턴의 모조품만 [72]100점 이상 그렸다.스튜어트는 빠르게 작업했고 코플리보다 부드럽고 세밀한 붓놀림을 사용하여 그의 주제의 본질을 포착했습니다.때때로 그는 고객을 위해 몇 가지 버전을 만들어서 시터가 그들이 [73]가장 좋아하는 것을 고를 수 있도록 했다.그의 장밋빛 뺨 톤으로 유명한 스튜어트는 이렇게 썼다. "플레시는 하늘 아래 다른 물질과 같지 않다.비단 가게의 화려함, 광택이 없고, 오래된 마호가니의 부드러움,[74] 슬픔이 없습니다.식민지 시대의 다른 유명한 미국 초상화는 존 스미버트, 토마스 설리, 랄프 얼, 존 트럼불, 벤자민 웨스트, 로버트 페크, 제임스 필, 찰스 윌슨 필, 그리고 렘브란트 필이었다.

19세기

르까미에 부인(1800년), 신고전주의 패션의 극치인 자크 루이 다비드

18세기 후반과 19세기 초, 신고전주의 예술가들은 주제를 최신 패션으로 묘사하는 전통을 이어갔고, 이것은 그 당시 여성들에게 고대 그리스와 로마의 옷 스타일에서 유래한 선명한 드레스를 의미했다.예술가들은 직사광선을 사용하여 얼굴과 사지의 단순한 둥근 모양과 질감을 정의했습니다.프랑스 화가 자크 루이 다비드와 장 오귀스트 도미니크 잉그르는 인물에 대한 예리한 안목과 함께 이 제도사 같은 기교에서 기교를 보여주었다.다윗의 제자 잉그레스(Ingres)는 피사체 뒤에 거울을 그려 [75]피사체의 뒷모습을 모방한 초상화로 유명하다.그가 황위에 오른 나폴레옹의 초상화는 왕가의 초상화의 투르 드 포스이다.(아래 갤러리 참조)

19세기 전반기에 활동한 낭만주의 화가들은 활기찬 붓놀림과 극적인, 때로는 분위기 있는 조명을 사용하여 영감을 주는 지도자, 아름다운 여성, 동요하는 대상의 초상화를 그렸다.프랑스 화가인 외젠 들라크루아와 테오도르 제리코는 특히 이런 유형의 훌륭한 초상화를 그렸는데, 특히 늠름한 [76]기수들을 그렸습니다.말타기 초상화를 실천한 폴란드의 낭만주의 시대의 화가 중 주목할 만한 예는 표트르 미샤워스키(1800–1855)였다.또한 주목할 만한 것은 제리코의 정신질환자 초상화 시리즈이다.스페인 화가 프란시스코 데 고야는 찰스 4세의 유명한 궁정 초상화뿐만 아니라 라 마자 데스누다 (1797년–1800년)를 포함하여 그 시대의 가장 탐색적이고 도발적인 이미지들을 그렸다.

1875년, The Gross Clinic, Thomas Eakins

구스타브 쿠르베와 같은 19세기의 사실주의 화가들은 하층민들과 중산층을 묘사하는 객관적인 초상화를 그렸다.그의 낭만주의를 보여주면서, 쿠르베는 다양한 분위기와 [77]표현으로 자신을 보여주는 몇 개의 자화상을 그렸다.다른 프랑스 현실주의자들로는 동시대 인물들의 캐리커처를 많이 그린 호노레 다음미에가 있다.앙리 드 툴루즈 로트렉은 제인 에이브릴을 포함한 극장의 유명한 배우들 중 몇 명을 움직이는 [78]모습을 담아 연대기화했다.프랑스 화가 에두아르 마네는 사실주의와 인상주의 사이에서 방황하는 중요한 과도기 예술가였다.그는 뛰어난 통찰력과 기법을 가진 초상화가였고, 스테판 말라르메를 그린 것이 그의 과도기적 양식의 좋은 예이다.그의 동시대의 에드가 드가는 주로 현실주의자였고 그의 그림 벨렐리 가족의 초상화는 불행한 가정과 그의 가장 훌륭한 [79]초상화 중 하나를 통찰력 있게 표현했다.

미국에서는 토마스 에이킨스가 최고의 초상화 화가로 군림하며, 특히 일하는 외과의사들뿐만 아니라 활동 중인 운동선수들과 음악가들의 초상화 두 장을 통해 사실주의를 새로운 차원의 솔직함으로 이끌었다."부인의 초상화"와 같은 많은 초상화에서.에디트 마혼"은 애처롭고 우울한 [80]감정을 과감하게 전한다.

빈센트 반 고흐, 자화상, 1887년

현실주의자들은 1870년대에 대부분 인상파에게 자리를 내주었다.부분적으로 그들의 부족한 수입 때문에, 많은 인상파 화가들은 그들을 위해 모델링을 하기 위해 가족과 친구들에게 의존했고, 그들은 야외나 밝은 실내에서 친밀한 그룹과 싱글 인물을 그렸다.반짝이는 표면과 풍부한 물감으로 유명한 인상파 초상화는 종종 눈에 띄지 않을 정도로 친밀하고 호소력이 있다.프랑스 화가 클로드 모네와 피에르 오귀스트 르누아르는 개별적인 시터들과 단체들의 가장 인기 있는 이미지들을 만들었습니다.프랑스에서 훈련하고 활동한 미국인 화가 메리 카사트는 르누아르와 [81]마찬가지로 엄마와 아이들의 매력적인 그림으로 오늘날에도 인기가 있다.후기 인상파 화가인 폴 고갱과 빈센트 반 고흐는 그들이 아는 사람들의 초상화를 드러내는 그림을 그렸는데, 색채가 소용돌이쳤지만 반드시 칭찬할 필요는 없었다.그들은 더까지는 아니더라도 똑같이 그들의 강력한 자화상으로 유명하다.

존 싱어 서젠트도 세기의 변화에 걸쳤지만, 그는 노골적인 인상주의와 포스트 인상주의를 거부했다.그는 그 시대의 가장 성공적인 초상화가로, 화려한 색채 사용으로 종종 고갈되는 거의 사실적인 기법을 사용했다.그는 개인 초상화와 단체 초상화, 특히 상류층의 초상화를 똑같이 잘 그렸다.Sargent는 이탈리아 플로렌스에서 미국인 부모 사이에서 태어났다.그는 이탈리아와 독일에서, 그리고 파리에서 공부했다.Sargent는 [81]반 다이크에서 시작된 영국 초상화의 마지막 주요 대표자로 여겨진다.해외에서 교육을 받은 또 다른 유명한 미국 초상화는 윌리엄 메리트 체이스였다.미국 사회화가 세실리아 보는 프랑스인 아버지에게서 태어나 유학한 뒤 전통적인 방식을 고수하며 고국에서 성공을 거뒀다.화려한 기법으로 사르겐트와 비교되는 또 다른 초상화는 드가와 휘슬러의 친구인 이탈리아 태생의 파리 화가 조반니 볼디니였다.

미국 태생의 국제 화가 제임스 애벗 맥닐 휘슬러는 유럽 화가들과 친분이 있었고 휘슬러의 [82]어머니로도 알려진 그의 가장 유명한 작품인 '회색과 검은색의 배치'를 그렸다.그의 초상화에도, 그의 음색 풍경화처럼, 휘슬러는 그의 그림에서 형태와 색의 조화로운 배열에 그의 시청자들이 집중하기를 원했다.휘슬러는 색상 균형과 부드러운 톤을 강조하면서 그가 의도한 효과를 내기 위해 가라앉은 팔레트를 사용했다.음악이 소리의 시인 만큼 시각의 시도 그리며 소재는 소리의 조화나 색의 [83]조화와는 무관하다.형태와 색상 또한 세잔의 초상화의 중심이었고, 앙드레 데랭과 앙리 마티스의 [84]초상화는 훨씬 더 극단적인 색과 붓놀림 기법이 지배적이었다.

19세기 사진술의 발달은 초상화에 큰 영향을 미쳤으며, 이전의 카메라 옵스쿠라를 대체했다.사진을 예술의 적이라고 선언했지만 사진의 솔직함과 [85]힘에 매력을 느낀 보들레르를 포함한 많은 근대주의자들이 그들의 초상화를 만들기 위해 사진 스튜디오로 몰려들었다.저렴한 대안을 제시함으로써, 사진술은 초상화의 가장 낮은 수준을 대체했다.토마스 에이킨스와 에드거 드가와 같은 몇몇 사실주의 예술가들은 카메라 사진에 열광했고 이것이 구성에 유용한 도움이 된다는 것을 알았다.인상파에서부터 초상화가들은 [86]초상화를 재해석하여 사진과 효과적으로 경쟁할 수 있는 수많은 방법들을 찾아냈다.Sargent와 Whistler는 카메라가 포착할 수 없는 효과를 내기 위해 기술을 확장하도록 자극받은 사람들 중 하나였다.

20세기

뉴욕 메트로폴리탄 미술관 거트루드 스타인의 초상화, 1906년.누군가가 스타인이 그녀의 초상화와 닮지 않았다고 말하자 피카소는 "그녀는 그럴 것이다"[87]라고 대답했다.

다른 20세기 초반의 예술가들도 초상화의 레퍼토리를 새로운 방향으로 확장했다.야수파 화가 앙리 마티스는 피부 톤을 위해 자연스럽지 않고 심지어 화려한 색을 사용하여 강력한 초상화를 그렸다.세잔느는 초상화의 매우 단순한 형태에 의존했고, 색 [88]병치를 강조하면서 세세한 부분까지 피했어요.오스트리아인 구스타프 클림트의 독특한 스타일은 그의 기억에 남는 초상화에 비잔틴의 모티브와 금색 페인트를 적용했다.그의 제자 오스카 코코슈카는 빈 상류층의 중요한 초상화 작가였다.다작의 스페인 화가인 파블로 피카소는 그의 정부들의 입체파 그림을 포함한 많은 초상화를 그렸는데, 이 초상화는 대상의 유사성이 일반적인 [89]캐리커처의 경계를 훨씬 넘어 감정적인 표현을 하기 위해 심하게 왜곡되었다.프랑스 인상주의와 연관된 20세기 전환기의 뛰어난 여성 초상화 화가는 올가 보즈나슈카(1865–1940)였다.표현주의 화가들은 지금까지 나온 것 중 가장 기억에 남고 설득력 있는 심리학적 연구들을 제공했다.오토 딕스와 막스 베크만과 같은 독일 화가들은 표현주의 초상화의 주목할 만한 예를 만들었다.베크만은 적어도 [90]27점을 그린 다작의 자화상 화가였다.아메데오 모딜리아니는 형태와 색채에 대한 엄격한 연구에 찬성하여 "내면의 인물"을 비하하는 그의 길쭉한 화법으로 많은 초상화를 그렸다.이를 달성하기 위해 그는 평소 표정이 풍부한 눈과 눈썹의 강조를 검게 그을린 틈과 단순한 [91]아치가 될 정도로 없앴다.

영국 미술은 20세기 초에 몇몇 주목할 만한 초상화를 그린 보르티시스트들에 의해 대표되었다.다다의 화가 프랜시스 피카비아는 독특한 방식으로 수많은 초상화를 그렸다.또한, 타마라 드 렘피카의 초상화는 그녀의 유선형 곡선, 풍부한 색채, 날카로운 각도로 아르데코 시대를 성공적으로 포착했다.미국에서 로버트 헨리와 조지 벨로우즈는 1920년대와 1930년대 미국 현실주의 학파의 훌륭한 초상화가였다.막스 에른스트는 1922년 그의 그림 All Friends [92]Together로 현대 동료 초상화의 예를 그렸다.

1930-2000년 초상화의 발전에 중요한 기여를 한 러시아 화가들은 주로 사실주의적이고 비유적인 회화의 전통에서 일했습니다.그들 중에는 이사크 브로스키, 니콜라이 페친, 아브람 아르히포프 [93]등이 있을 것이다.

유럽(러시아 제외)과 미국에서의 초상화 제작은 추상화와 비구상 예술에 대한 관심이 높아지면서 1940년대와 1950년대에 일반적으로 감소하였다.그러나 한 가지 예외는 앤드류 와이스로 그는 미국의 대표적인 사실주의 초상화가로 발전했다.와이스와 함께라면, 사실주의는 명백하지만, 그의 그림의 음색과 분위기에 뒤떨어진다.이것은 "헬가"[94] 그림으로 알려진 그의 기념비적인 그림 시리즈로 잘 나타나는데, 이것은 주요 화가가 그린 한 사람의 초상화 중 가장 큰 그룹이다.

1960년대와 1970년대에 초상화의 부활이 있었다.루시안 프로이트(지그문트 프로이트의 손자)와 프란시스 베이컨 같은 영국 화가들은 강력한 그림을 그렸다.베이컨의 초상화는 악몽 같은 화질로 유명하다.2008년 5월, 프로이트의 1995년 초상화인 '수면 혜택 감독자'가 뉴욕 크리스티 경매에서 3360만 달러에 낙찰되어 살아있는 [95]화가의 그림 판매 가치 세계 기록을 세웠다.

앤디 워홀, 알렉스 캣츠, 척 클로즈와 같은 많은 현대 미국 작가들은 인간의 얼굴을 작품의 초점으로 삼았다.

워홀은 20세기 가장 다작의 초상화가 중 한 명이었다.워홀의 작품인 마릴린 먼로의 오렌지샷 마릴린은 1960년대 작품 중 대표적인 초기 작품이고, 팝가수 프린스의 오렌지프린스(1984년)는 나중에 나온 작품으로 둘 다 워홀만의 독특한 그래픽 [96][97][98][99]스타일의 초상화를 보여준다.

클로즈의 특기는 사진 이미지를 바탕으로 한 거대한 초현실적인 벽 크기 "머리" 초상화였다.제이미 와이스는 그의 아버지 앤드류의 현실주의적 전통을 이어가면서 대통령부터 돼지까지를 주제로 한 유명한 초상화를 그렸다.

이슬람 세계와 남아시아

무굴 황제 자한기르는 종종 전례 없는 크기의 후광을 가지고 자신의 모습을 묘사했다.c. 1620

페르시아의 미니어처 전통은 우상숭배의 기미를 피하기 위해 종교적 이유로 오랫동안 인물에 개별화된 얼굴을 주는 것을 피했다.이슬람 세계의 통치자들은 결코 그들의 이미지를 그들의 동전에 넣지 않았고, 그들의 외모는 서양에서처럼 그들의 홍보 노력의 일부를 형성하지 않았다.황태자궁이 작업을 의뢰하는 장면이 분명하더라도, 황태자궁의 용모는 다른 모든 것과 마찬가지로 다소 중국적인 특징을 가지고 있다.이 오랜 전통은 몽골 일카니드 시대의 미니어처 전통이 시작된 것으로 보이지만 오래 지속되었다.

페르시아의 전통이 인도에서 무굴의 미니어처로 발전했을 때, 상황은 빠르게 바뀌었다.페르시아의 전임자들과는 달리, 무굴의 후원자들은 동물, 새, 식물과 같은 그들의 새로운 제국의 낯선 모든 자연 형태의 상세한 자연주의 유사성에 많은 중점을 두었다.그들은 초상화에 대해 같은 태도를 가지고 있었고, 개인 초상화는 보통 프로필에 있는 것이 전통에서 중요한 특징이 되었다.이는 난독증 환자였던 것으로 보이는 황제 아크바르 대제하에서 특히 강조되었고, 그는 거의 스스로 읽고 쓸 줄 몰랐다.그는 그의 거대한 궁정의 모든 주요 구성원들의 초상화로 만든 큰 앨범 (muraqa)을 가지고 있었고,[100] 그의 고문들과 제국 주변의 약속을 고려할 때 이것을 사용했다.

후대의 황제들, 특히 자한과 샤 자한은 자신들의 이상적인 미니어처 초상화를 선전의 한 형태로 많이 사용했고, 중요한 동맹국에 배포했다.이것들은 종종 어떤 종교적 인물에게 주어지는 것보다 더 큰 할로를 특징으로 했다.이러한 이미지들은 통치자의 초상화에 대한 생각을 작은 궁정들로 확산시켰고, 18세기에 이르러서는 많은 작은 왕자들이 왕족 활동을 즐기는 궁정 예술가들을 비공식적인 감각과 위엄을 결합한 다소 양식화된 이미지로 묘사했다.

오스만식 미니어처는 일반적으로 페르시아식 미니어처보다 더 개인화된 얼굴을 가진 인물들을 가지고 있었지만, 황실 출신의 남성들의 작은 초상화 장르가 발달했다.이것들은 매우 개별적이고 다소 과장된 특징을 가지고 있었고 일부는 캐리커처에 가까웠다. 아마도 매우 제한된 서클에서만 볼 수 있었을 것이다.

1781년부터 페르시아의 카자르 왕조는 유화로 된 대형 왕실의 초상화와 미니어처와 직물 옷걸이를 만들었다.이것들은 왕들의 웅장한 의상과 긴 수염에 의해 지배되는 경향이 있다.

중국 초상화

중국 초상화는 더디게 그려지거나 실제와 닮아졌다.많은 "초상화"는 과거의 유명한 인물들로, 그 사람이 어떻게 보여야 하는지에 대한 아이디어를 보여주었다.불교 승려들, 특히 조각 분야의 승려들은 예외적인 존재였다.황제의 초상화는 오랫동안 공공장소에 모습을 드러내지 않았는데, 부분적으로 그들을 잘못 다루면 황제의 명예를 더럽히거나 심지어 불운을 초래할 수도 있다는 두려움 때문이었다.대부분의 고위 대신들은 1년에 한 번 특별한 영예로 황실 초상화 전시관에 있는 불상에 경의를 표할 수 있었다.

한나라 (기원전 206년 ~ 서기 220년)

한대에는 인간을 우주와 사회의 중심으로 삼은 유교의 발흥이 심리학 연구에 초점을 맞췄다.그 사이 도교 학자들은 관상학을 연구하기 시작했다.인간의 심리적, 신체적 특징에 대한 관심이 결합되어 전기와 초상화의 성장을 야기했다.한나라 때 그려진 초상화는 중국 초기 초상화의 원형으로 여겨졌으며, 대부분 궁궐 벽, 무덤 방, 사당 등에서 발견되었다.예를 들어 기원전 3세기 허난성 서부의 무덤 기와에서 발견된 남자의 조각상은 생생한 인물상을 만들고자 하는 화가의 관찰력과 욕구를 보여준다.하지만 대부분의 벽화 초상화의 소재는 익명의 대화 상대입니다.생김새와 표정이 선명하지만 정체성이 없고 서술적 맥락에 얽매여 있어 한대 벽화를 특정 [101]인물의 실제 모습이 아닌 '실천 인물'로 분류하는 학자들이 많다.

진나라 (265년 ~ 410년)

진 왕조는 고대 중국 역사에서 가장 격동의 시기 중 하나였다.서기 184년부터 280년까지 위, 촉, 우의 세 나라 사이의 수십 년 간의 전쟁 후에, 사마옌은 결국 서기 266년에 서진 왕조를 세웠다.불안정한 사회 정치 환경과 쇠퇴하는 황권은 유교에서 성도로의 전환을 초래했다.사회적 위계질서와 예절을 깨는 태도가 발달하면서 지식인들 사이에서 자기표현과 개인주의가 커지기 시작했다.

대나무 숲과 용치 칠현자는 난징의 금나라 벽돌방 무덤에서 발견된 기와에 실타래를 그린 그림이다.부조물은 길이 96인치, 폭 35인치로 300개 이상의 벽돌을 가지고 있다.진나라에서 가장 잘 보존된 실타래 그림 중 하나로, 뛰어난 장인의 솜씨를 보여준다.부조에는 두 부분이 있고 각각 네 개의 초상화가 있어요.인물 옆에는 위에서 아래로, 왼쪽에서 오른쪽으로 용치, 환선, 유링, 샹슈, 지강, 환지, 산타오, 왕룽이 적혀 있다.용치 외에 나머지 7명은 금나라의 유명한 성도학자로 대나무 숲의 일곱 현자로 알려져 있다.그들은 문학, 음악 또는 철학에 정통한 저명한 지식인들이었다.부조에는 8명의 교양 있는 신사들이 숲에 앉아 다양한 활동을 펼치는 서사 장면이 묘사되어 있다.그 인물들은 맨발에 헐렁한 옷을 입고 느긋하고 자기 도취적인 자세로 묘사되었다.

인물 옆에는 역사적으로 기록된 이름이 새겨져 있어 '초상은 특정인을 나타낸다'[102]는 부조화 기능을 한다.또, 전기적인 것에 근거해, 각 인물의 도상적인 디테일이, 어느 정도 개성을 나타내고 있습니다.예를 들어, 진서에 나오는 유링의 전기에는 그의 알코올에 대한 집착이 기록되어 있다.부조화에서 류링의 모습은 무릎을 구부리고 편안한 자세로 앉아 술을 담그는 그릇인 얼베이를 들고 다른 한 손을 컵에 담가 음료를 맛보고 있다.이 초상화는 유링의 특징과 기질의 본질을 반영하고 있다.진서(金書)에 따르면 음악적 재능으로 유명한 환셴(anian)의 인물이 초상화에서 플루트를 연주한다.

동양 진의 가장 유명한 화가 중 한 명인 구카이지는 그의 책 "그림에 관한"에서 신체적인 특징을 정확하게 묘사함으로써 앉은뱅이의 특징을 반영하는 방법을 가르쳤다.그는 또한 [101]시터의 눈을 생생하게 묘사함으로써 시터의 정신을 포착하는 것을 강조했다.

당나라(618~907)

당나라 시대에는 초상화의 인간화와 개인화가 활발해졌다.불교가 유입되면서 특히 승려들의 초상화가 더욱 사실적으로 그려졌습니다.대승불교의 불멸의 '일시적 불결'에 대한 믿음은 이미지 속의 존재와 현실의 존재를 연결시켰다.초상화는 실제 인물의 시각적 구현이자 대체물로 여겨졌다.그래서 [101]승려들의 그림이나 조각상에서는 진짜 닮은 점이 높게 평가되었습니다.당나라 벽화 초상화는 정신의 자음을 통한 생명력을 중시한다.[103]

황실 초상화의 경우 당나라의 제2대 황제인 태종은 후계자의 정당화와 권력 강화를 위해 초상화를 사용했습니다.그는 역대 왕조 13명의 황제의 초상화를 연대순으로 담은 '세습황제 초상화'를 의뢰했다.선택된 황제들의 공통점은 그들이 왕조의 건국자들의 아들이라는 것이다.태종의 아버지인 고조가 당나라의 시조였기 때문에, 태종이 자신과 비슷한 위치에 이전 황제를 선택한 것은 정치적 암시로 작용했다.그의 왕위 계승은 그가 두 명의 형제들을 살해하고 그의 아버지에게 왕위를 물려주도록 강요했기 때문에 의심과 비난을 받았다.그는 역대 황제들의 집단 초상화를 의뢰함으로써 통치권 승계를 정당화하는 것을 목표로 하였다.또한, 묘사된 황제들의 의상의 차이는 태종의 의상에 대한 의견을 암시했다.약식 복장으로 묘사된 황제는 나약하거나 폭력적인 통치자의 나쁜 예시로 여겨진 반면, 정장을 입은 황제는 문무상의 성취를 이룬다고 여겨졌다.이 위원회는 타이종 황제의 간접적인 방법으로, 그의 업적이 이전의 황제들을 능가했다고 선언했습니다.태종은 또한 그가 황제가 되기 전에 유명한 학자들과 지식인들의 초상화 시리즈를 의뢰했다.그는 존경의 표시로 핑옌 정의 벽에 초상화를 걸어 지식인들과 친분을 쌓으려 했다.이 초상화는 또한 그가 그의 반대자들을 겁주기 위해 묘사된 유명한 학자들로부터 정치적 지지를 얻었다는 증거로도 작용했다.그의 통치 기간 동안, 태종은 자신의 군사적 [104]업적을 축하하고 홍보하기 위해 정복된 외국의 대사들로부터 제물을 받는 자신의 초상화를 의뢰했다.

송나라(960년~1279년)

1238년 선종 시판 초상화

송나라 때, 고종은 그의 친필 글씨를 써서 빈 땅에 공자와 72명의 제자 초상화를 의뢰했다.그 인물들은 생생한 선과 활기찬 몸짓으로 묘사되었고, 얼굴 표정은 서술적인 성질로 표현되었다.성자와 제자의 초상은 제자를 교육하기 위한 도덕규범으로 제국대학 담벼락의 비석에서 발견됐다.그러나 학자들은 고종의 진정한 목적은 그의 정책이 유교 [105]유산에 대한 통제뿐 아니라 유교의 지지를 받고 있음을 알리기 위한 것이라고 주장했다.

원나라(1271~1368)

원 왕조는 중국 역사의 분수령이었다.몽골 제국이 중국 본토를 정복하고 송나라가 멸망한 후 중국의 전통적인 지식인들은 외국 정부로부터의 은둔과 새로운 정치적 진로 중 하나를 선택해야 하는 딜레마에 빠졌다.당시 문화인의 초상화는 이런 딜레마를 반영하고 있다.예를 들어, 양천의 초상화는 그가 대나무 숲에 서 있는 모습을 묘사했다.대나무는 그의 도덕적 정당성을 상징하지만, 배경의 반쯤 닫힌 공간과 반쯤 열린 공간은 그가 은둔과 몽골 [106]정부에 봉사할 가능성을 암시한다.

1294년 몽골 황실 화가 아라니코의 쿠빌라이 초상화와 차비 초상화는 중국 전통 황실 초상화 기법과 히말라야-몽골의 미학적 가치가 융합된 작품입니다.쿠빌라이 칸은 몽골의 전통 의상을 입은 젊은 시절 차비 황후가 묘사된 반면, 쿠빌라이 칸은 노인으로 묘사되었다.아라니코는 잉크로 도형을 그려내고 색채로 도형을 보강하는 등 중국 초상화 기법을 채택한 반면, 차비 장신구의 색상은 같지만 가치가 가벼운 점은 히말라야 양식의 연장선상에 있는 것으로 드러났다.시터와 중앙의 제자의 완전한 정면 방향은 네팔의 미학과 스타일을 반영하는 시청자에게 대립적인 영향을 더한다.대칭성이 높은 구성과 머리, 옷의 경직된 묘사는 이전의 송나라 화풍과는 달랐다.시자의 도덕적 장점이나 성격에 대한 영향은 거의 없으며, 이는 시자와 떨어진다는 것을 나타내며,[107] 이는 송나라가 정신의 포착을 강조했던 것과 배치된다.

청나라(1636년-1912년)

청나라 때 양반들이 다양한 의상을 입고 다양한 활동을 하는 모습을 묘사한 18세기 유럽의 가면 궁정 초상화가 중국으로 수입되었다.영정황제와 그의 아들 건륭황제는 여러 가지 정치적 의미를 지닌 가면 초상화를 의뢰했다.영정황제의 가면무도 초상화에서 그는 유럽 신사의 양복과 같은 이국적인 의상을 입고 있다.초상화에는 명문이 없어 그의 의중이 불분명하지만, 일부 학자들은 이국적인 의상이 외국 문화에 대한 그의 관심과 세계를 지배하려는 욕구를 반영한 것으로 보고 있다.용정제의 애매한 태도에 비해 건륭제는 자신의 가면 초상화에 자신의 통치방식에 대한 철학을 새기고, 이를 숨기고 속여 부하와 적이 자신의 전략을 추적하지 못하도록 했다.용정제가 이국적인 의상에 열광했던 것에 비해 건륭제는 유학자, 도사, 승려 복장 등 중국 전통의상에 더 많은 관심을 보여 중국 전통문화의 정복에 대한 열망을 드러냈다.

건륭제는 아버지로부터 왕위를 물려받은 후 봄의 평화 사신을 의뢰했는데, 이 그림은 대나무 옆에 나란히 서 있는 전통적인 만주 예복 대신 유교 복장을 한 아버지와 함께 그린 이중 초상화이다.학자들은 위원회가 얼굴 구조, 똑같은 복장, 머리 모양 등 자신과 아버지 사이의 신체적 유사성을 강조함으로써 그의 왕위 승계를 정당화하려는 목적을 가진 것으로 보고 있다.배경의 대나무 숲은 전통적인 유교에서 제시한 도덕적인 의를 보여준다.이 초상화는 더 큰 규모의 영정제가 건륭제에게 꽃가지를 건네는 모습을 묘사하고 있다.건륭제는 또한 겸손한 [108]몸짓으로 유교에 의해 제안된 그의 효심을 선전했다.

예수회 화가 주세페 카스틸리오네는 1766년 사망하기 전까지 50년간 궁정에서 일했으며 세 명의 황제의 궁정 화가였다.그의 초상화는 다른 장르와 마찬가지로 중국 전통과 서양 현대화를 결합한 것이다.

한대부터 청나라까지의 여성 초상화

송나라 연회황후(1016~1079)의 궁중 초상화

중국 고대 여성의 초상화는 한나라에서 청나라(기원전 206~1912년)에 이르기까지 유교 가부장적 우주론의 영향을 받아 발전했지만, 각 왕조의 문화에 따라 소재와 스타일이 다양했다.

한나라 시대(기원전 206년~서기 220년)에는 초상화 속 여성이 특정 인물이라기 보다는 유형이었다.주요 주제는 정조, 아버지, 남편, 아들에게의 3배 복종 등 유교에서 촉발된 덕목을 지닌 모범적인 여성(거짓말)이었다.한대 직후에 만들어진 고개지(高開')의 수기( n記)는 이 장르를 대표한다.

당나라 (618-906)에서는 궁녀들이 일상적인 집안일이나 유흥을 하는 것이 인기 있는 주제가 되었다.궁궐 숙녀들의 여성미와 매력이 높이 평가되었지만, 주제는 "궁궐 숙녀들"이라는 그림 이름으로 명확하지 않았다.유교에서 고분고분하고 상냥한 성품을 미의 기준으로 삼았으며 초상화에서 강조하였다.화가는 앉은뱅이의 올바름과 닮음을 추구했고 영혼의 순수함을 드러내는 것을 목표로 했다.

송나라(960~1279년)에는 궁중 시인들이 쓴 사랑의 시를 바탕으로 여성의 초상화가 그려졌다.비록 호화로운 패션과 편안한 주거로 묘사되었지만, 그림 속의 여성들은 보통 남편들이 밖에 있으면서 그들의 직업을 추구하는 동안 버려지거나 집안일에 갇혀서 외롭고 우울하게 묘사되었다.일반적인 설정에는 텅 빈 정원길과 텅 빈 플랫폼 소파가 있어 남성 피규어가 없음을 암시합니다.공통적인 배경에는 아름다움과 관련된 꽃나무와 여성의 연약함을 상징하는 바나나나무가 있다.

명나라(1368-1644)에는 그림, 서예, 시가 결합된 문인화(文人華)가 엘리트들 사이에서 유행했다.문인화 속의 대부분의 여성들은 시각적인 은유 역할을 하는 추상적인 인물들이었고 실재하지 않았다.청나라(1644-1912)에는 문인화가 더 다양한 붓글씨와 밝은 [109]색채를 사용하였다.

  • Portrait of Ho Bun (何斌), a late Ming Dynasty Scholar-bureaucrat, late 16th century to early 17th century, Chinese

    16세기 후반에서 17세기 초 명나라 말 학자인 호분( (何)의 초상화

  • Three Beauties of the Present Day by Utamaro, 1793

    1793년 우타마로의 '오늘날의 세 가지 미녀'

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스 및 메모

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  107. ^ Jing, Anning (1994). "The Portraits of Khubilai Khan and Chabi by Anige (1245–1306), a Nepali Artist at the Yuan Court". Artibus Asiae. 54 (1/2): 40–86. doi:10.2307/3250079. JSTOR 3250079.
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메모들
  • 1918년 2월 28일의 뉴에이지 "아트 노트" 칼럼은 고대나 현대의 초상화를 보기 위한 통찰력 있는 기준 프레임인 B.H. 디아스(에즈라 파운드의 가명)의 초상화의 근거와 심미성에 대한 매우 합리적인 분석입니다.

추가 정보

  • 우달, 조안나초상화: 피사체에 직면하다.맨체스터 대학 출판부, 맨체스터, 1997년
  • West. S. 초상화(옥스포드 미술사), 옥스퍼드:옥스퍼드 대학교 출판부, 2004
  • Brilliant, R. Pictureiture(예술 및 문화 분야 평가), 케임브리지:하버드 대학교 출판부, 1991년
  • 크리스티안센, K.와 웨펠만, S., eds.르네상스 초상화: 도나텔로에서 벨리니까지, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, Yale University Press, 2011년 배포.

외부 링크

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