섬유 아트

Fiber art
섬유 예술과 혼동하지 말자.
William Morris가 그린 1876년 블루벨 또는 컬럼바인 인쇄 아트 패브릭의 디자인 세부 사항.
2009년 몬트리올에서 섬유 예술가인 올렉에 의한 실 폭탄 테러의 예.

섬유아트는 천연 또는 합성 섬유와 직물이나 실과 같은 다른 성분으로 구성된 미술을 말한다. 작품 의의의 일환으로 소재와 수작업에 초점을 맞추고, 실용성보다 미적 가치를 우선시한다.

역사

섬유 예술이라는 용어는 큐레이터와 미술사학자들이 제2차 세계 대전 이후 이 예술가-공예가의 작품을 묘사하기 위해 사용하게 되었다. 그 해에는 "예술의 직물"의 디자인과 생산이 급격히 증가했다. 1950년대에, 공예가들의 기여가 섬유뿐만 아니라 점토와 다른 매체에서 더 인정받으면서, 점점 더 많은 수의 예술가들이 섬유들을 비기능적인 형태로 결합하기 시작했다.[1]

1960년대와 70년대는 섬유 예술에 국제적인 혁명을 가져왔다.[2] 직조 외에도, 섬유 구조는 매듭짓기, 트위닝, 격자, 코일링, 주름, 래싱, 인터레이싱, 심지어 브레이딩 등을 통해 만들어졌다.[3] 미국과 유럽의 예술가들은 "2~3차원, 평면 또는 부피, 여러 층의 높이 또는 축소판, 비객관적 또는 비유적, 그리고 표현적 또는 환상"을 걸어 놓을 수 있는 작품을 개발하기 위해 직물의 자질을 탐구했다.[1] 영국에서 62 섬유 예술가의 설립은 예술적 맥락에서 섬유 미디어를 사용하는 것에 대한 관심의 증가와 일치했다. 같은 시대의 여성운동은 섬유아트의 발흥에 기여하는 데 중요한 역할을 했는데, 그 이유는 전통적으로 국내 영역에서 직물을 가지고 있는 여성들이 연관되어 있기 때문이다. 실제로, 가장 두드러진 섬유아티스트들 중 많은 수가 여성들이다.[2][4]

1980년대 이후 섬유 노동은 포스트모더니즘 사상의 영향을 받아 점점 개념화되었다. 섬유 예술가들에게 있어, 재료와 기술을 이용한 오랜 실험과 더불어, 이것은 "성 페미니즘, 가정성, 그리고 여성의 일과 관련된 반복적인 과제, 정치, 사회 및 행동 과학, 섬유와 관련된 물질 특정 개념과 같은 문화적 문제에 직면하는 일을 만드는 것에 새로운 초점을 맞추었다.의 부드러움, 투과성, 탄력성 등."[5]

섬유예술의 맥락 안에 있는 섬유

현대 섬유 예술은 수천 년 동안 세계적으로 행해져 온 섬유 예술로부터 그 맥락을 취한다. 전통적으로 섬유질은 식물이나 동물로부터 채취되는데, 예를 들어 목화씨 꼬투리에서 나온 면화, 아마 줄기에서 나온 린넨, 양털에서 나온 양털, 누에고치에서 나온 비단 등이 그것이다. 이러한 전통적인 재료 외에도 플라스틱 아크릴과 같은 합성 재료가 사용되고 있다.[citation needed]

꼬인 가닥을 이용한 직조 및 관련 접근법이 개발되기 전에는 동물 가죽과 같은 한 장의 재질로 직물을 만들었다. 펠팅은 양털로부터 직물을 만들 수 있게 한 발명품인데, 얇은 시트로 정렬하고, 빗고, 깔고, 깔고, 얇은 시트에 깔고, 섬유 위의 작은 바블이 뒤틀리고 연결될 때까지 다른 마찰과 함께 굴리거나 동요했다. 이 과정은 잘리거나 꿰매거나 다른 방법으로 사용할 수 있는 매끄러운 연결 직물을 만들었다. 흉악범죄의 증거는 기원전 7~8세기 시베리아의 매장 금고에 발견되었다.[6]

그러나 옷감을 짜는 것은 옷을 생산하는 지배적인 방법이었다. 어떤 문화권에서는 직조 형태가 사회적 지위를 증명한다. 직조가 복잡할수록 위상이 높아진다. 특정 기호와 색상도 등급과 위치를 식별할 수 있었다. 예를 들어, 고대 잉카 문명에서 흑백 디자인은 군사적 지위를 나타낸다.[7]

직조(식물이든 동물이든)에 사용될 섬유들이 천이나 옷감으로 만들어지기 위해서는 실이라고 알려진 가닥으로 돌돌 말아(혹은 꼬여)야 한다. 실을 준비하여 사용할 수 있도록 염색하면 여러 가지 방법으로 천으로 만들 수 있다. 뜨개질과 크로셰는 실을 옷감이나 직물로 비틀어 모양을 만드는 일반적인 방법이다. 옷감을 만들기 위해 실을 가장 많이 사용하는 것은 짜는 것이다. 직조할 때, 실은 베틀이라는 틀에 싸여 수직으로 팽팽하게 당긴다. 이것은 워프라고 알려져 있다. 그리고 또 다른 실 한 가닥이 워프 아래를 감싸고 왔다 갔다 한다. 이 포장된 실을 쐐기풀이라고 한다. 대부분의 예술 및 상업용 직물은 이 과정에 의해 만들어진다.[8]

유럽에서는 14~17세기 사이에 "테이피스트리"라고 불리는 직조된 작품들이 벽에 그려진 그림들을 대신했다. '유니콘 인 포획'은 프랑코 플랑드르에 의해 '유니콘의 사냥'으로 알려진 7개의 태피스트리 패널로 구성된 시리즈의 일부다. 그 당시 역사에서 많은 예술이 종교적인 주제를 가지고 있는 일반적인 민화를 말하는데 사용되었다. 마크 게틀린(Mark Gettlein)이 썼듯이, "타페스트리는 옷감 앞면에 무늬나 디자인을 만들기 위해 weft yarns를 자유자재로 조작하는 특수한 형태의 짜임새다...종종 weft yarns는 여러 가지 색으로 되어 있고 weaver는 화가가 캔버스에 색소를 사용하는 것처럼 거의 유연한 다른 색의 yarns를 사용할 수 있다."[7]

중동의 같은 시기에 섬유 예술가들은 태피스트리나 벽에 매달린 목걸이를 만들지 않고 대신 아름답게 만들어진 양탄자를 만들었다. 엮은 양탄자는 이야기 속의 장면을 묘사하지 않고 대신 상징과 복잡한 디자인을 사용했다. 이런 종류의 예술의 한 예는 Ardabil Carpets로 알려진 거대한 융단이다. 게틀린은 "대부분의 이슬람 카펫과 마찬가지로 털실로 된 개별 통을 엮은 땅에 매듭을 지어 만들었다"[7]고 썼다.

또 다른 섬유 예술 기법으로는 천을 겹겹이 꿰매는 퀼팅이 있다. 비록 이 기술은 직조하는 것만큼 오랫동안 존재하지 않았지만, 그것은 미국 역사에서 인기 있는 예술의 한 형태다. 최근 누비 섬유 아트 벽걸이 미술품 수집가들에게 인기를 끌고 있다. 이 비전통적인 형태는 종종 과감한 디자인을 특징으로 한다. 예술 형태로서의 퀼팅은 1970년대와 80년대에 대중화되었다.[9]

다른 섬유 예술 기법으로는 뜨개질, 양탄자 후크질, 중죄, 땋기 또는 격자질, 마크람, 레이스 만들기, 군중(혼합물) 등이 있다. 염료기술은 매우 다양하다. 때때로 청록형이나 태양인쇄기(일광인쇄기)가 사용된다.[citation needed]

섬유 예술가들은 모든 예술가들과 같은 딜레마에 직면한다; "예술이란 무엇인가?"를 결정하는 것이다. 섬유 예술과 수공예와 관련된 다른 매체들은 더욱 그러하다. 왜냐하면 그것들은 오랫동안 국내 또는 공리주의 생산과 연관되어 있기 때문이다. 전형적으로, 더 이상 아무것도 하지 않고 단지 패턴을 따르는 냄비 홀더와 같은 작품들은 섬유아트의 작품으로 여겨지지 않는다. 섬유 예술 작품들은 어떤 종류의 메시지, 감정 또는 의미를 전달하고 단지 재료의 문자적 의미를 넘어서는 예술 작품이다. 섬유 예술은 예술 작품의 메시지나 의미가 예술의 전반적인 작업에 기여하는 것이 아니라 사용된 재료와 그 역사에 대한 연구에 의해 가려질 때 도전에 직면한다.[10]

페미니즘과 섬유 예술

직물공사의 역사

바느질은 종종 여성의 일로 여겨져 왔고 선언할 만큼 중요한 것으로 여겨지지 않았다. 섬유는 문화적인 움직임과 함께 움직였다. [11] 서구 사회 내에서 직물은 보통 '직물' 또는 '섬유'로 묘사된다. 이 두 용어는 가정성과 여성의 창의성으로 식별된 아이디어를 가장 흔히 언급한다. 이 버전의 여성 창의성은 노동집약적이지만 여성의 일로 부당하게 평가절하되어 이질적인 가부장제 사회에서 보이지 않게 되고 비생산적인 것으로 묘사된다.[12]

산업혁명은 산업 전체를 변화시켰다. 여성들은 가게에서 잘 만들어진 옷을 사는 것이 더 저렴해졌기 때문에 덜 바느질하기 시작했다. 원단 소매상들은 여성들이 재봉틀로 돌아가도록 설득할 필요가 있다는 것을 발견했고, 그래서 기업들은 재봉틀을 활성화하기 위해 다양한 전략을 고안했다. 많은 소매업자들이 채용한 주제는 바느질이 돈을 아끼고 개인의 스타일을 탐구하게 할 뿐만 아니라 여성스럽고 우아한 모습을 보여주는 방법이라는 메시지를 전달하는 것이었다. 바느질은 좋은 엄마, 매력적이고 알뜰한 아내가 되기 위한 방법으로 그려졌다.[13]

케임브리지대 교수인 데보라 톰 박사는 참정권 운동 당시 여성들이 시위를 위해 수놓은 현수막을 만들던 중 섬유아트가 페미니즘으로 변모한 시기를 상세히 설명할 수 있도록 돕는다.[14]

섬유예술의 간척

1970년대에 바느질은 페미니스트 운동에 의해 되찾았다. 이것이 '하이아트'에 섬유와 섬유 재도입을 시작했다.

주디 시카고는 미국 최초의 페미니스트 예술 프로그램을 설립했고, 특히 그녀의 프로젝트인 '우먼하우스'에서 섬유 예술로 작업하는 많은 예술가들과 함께 '페미니스트 아트'라는 이름을 짓기 시작했다.[15] 시카고는 여성의 역사 속에서 바늘과 직물을 통합하고 기념하는 '하이 아트'의 첫 작품 중 하나인 '디너 파티'(1979년)를 만들었다. 1971년 린다 노클린 그녀의 획기적인 에세이 "왜 위대한 여성 예술가는 없었을까?"를 발표하면서 페미니스트 운동을 계속한다.

파괴 스티치

1984년, 로지카 파커는 "The Subversive Stitch: Mainte and makeing the womany"를 출판했다. 파커는 미술사와 심리치료에 관한 책을 출간했으며, '여성 작품'[16] 분석에 두 분야의 이론을 활용한다. 파커는 여성과 자수의 신념을 여성적이면서도 자연스러움, 그리고 실제로 사회적으로 구성되는 자연스러움의 외관을 고찰한다.[17] 페미니즘에 대한 그녀의 분석은 바느질 작업이 여성과 국내 영역의 관계를 의미한다는 것이 강하게 주장되고 있다. 그 개념은 자수나 직물 작업과 같은 다른 공예품들이 여성들에 의해 만들어졌던 1500년대로 거슬러 올라간다. [18]

많은 사람들은 페니나 바넷의 기사인 'The Subversive Stitch'에 기록된 1989년 7월 'The Subversive Stitch'와 'Women in Women in Womens Today'라는 두 개의 쇼를 통합한 전시회를 보고 감정적으로 감동한 것부터 깊은 망신까지 다양한 반응을 보였다. 여성이나 페미니스트의 평과 기사의 비판적 반응은 비슷했다. 이 두 쇼는 파커의 책에 바탕을 두고 있었다.[17]

바넷은 자수에 대한 대부분의 역사적 연구는 스타일과 기법에 관한 질문에 집중하는데, 이 전시회는 남녀가 모두 실천한 높은 예술형태로 여겨졌던 중세시대부터 현재의 '페미니네 공예'로서의 변모에 이르기까지 자수를 통해 여성에게 강요된 여성성의 사상을 추적하고 있다고 설명한다. 그러나 아마도 이 전시회는 역사적으로나 현대적으로나 볼 수 있는 전시회를 통해 보다 역사적인 대상에 새로운 아이디어를 불어넣을 수 있을 것이다. 물건의 제작에 이름과 날짜를 추가하면 다시 한번 예술계에 밀어넣는다. 계급, 인종, 성별에 따라 크게 달라지는 이 여성들이 일하는 문맥은 이름, 날짜, 심지어 시와 함께 현대적인 작품과 맞물려 이 매체를 들여다보는 언어와 새로운 비판적인 방법을 만들어냈다.[17]

앤 뉴디깃이 에세이 "킨다 아트, 분류 태피스트리: 서구의 정의, 언어, 제도, 태도, 위계, 이데올로기, 건축, 분류, 역사, 편견과 그 밖의 나쁜 습관에 대한 속기적 접근"에서 언급했듯이, <역동적 스티치>가 출간된 후 직물의 변화가 있었다.

1984년 로지카 파커의 '복습적인 스티치: 자수정과 여성스러움의 제작'이 직물을 중심으로 한 서양의 가장 보수적인 실무자들조차 저항할 수 없었던 때, 마침내 로우아트 영역에서 모더니즘이 붕괴되었다. 권능화 함의는 유럽의 섬유 예술가와 큐레이터, 교사, 예술 행정가들을 훨씬 더 넓은 서양의 맥락에서 초월하여 퍼져나갔다. 포스트모던의 영향력은 비록 몇 가지 사례에 지나지 않았지만, 계층적 구분의 확고하게 그려진 선들이 혼합되기 시작했다. 내가 예술을 천직으로 삼은 지 20년이 지난 후, 나는 논문을 쓰고 태피스트리의 이전 높은 예술적 지위로부터 태피스트리를 유럽 남성 관행으로 길들인 것을 조사하면서 별개의 구들의 반대적 코드가 서서히 잠식되는 것을 느끼기 시작했다.

— Ann Newdigate, Kinda art, sorta tapestry: tapestry as shorthand access to the definitions, languages, institutions, attitudes, hierarchies, ideologies, constructions, classifications, histories, prejudices and other bad habits of the West, New Feminist Art Criticism: Critical Strategies. Page 178.

섬유 예술 분야에서의 공예주의

공예주의는 여성의 정치적 목적을 위한 공예의 지속이다. 그것은 크게 제3의 물결 페미니즘과 음악 운동 라이엇 그롤과 같은 다른 페미니스트 운동과도 연결되어 있다. 공예주의라는 용어는 2003년 벳시 그리어가 창시한 것으로 공예주의 콜렉티브를 운영하고 있지만 엄밀히 말해 새로운 용어는 아니다.[19]

여성과 자연, 공예의 연계를 표방하는 제르메인 그리어는 여성공예가 죽은 남성문화를 대표하는 갤러리나 박물관이 아니라 살아있는 예술이기 때문에 가정에 있어야 한다고 주장했다. 그리어는 직물 사용을 다른 환경에서 지원하는데, 그 중 거의 항상 공예주의가 채용된다.[17]

가장 최근에는 공예주의와 섬유 예술이 사회 항의의 표현에 중요한 통로 역할을 하고 있는데, 그 예가 2018년 도널드 트럼프 대통령 당선 이후의 여성 행진과 푸시하트 현상이다.[20]

현대 공예가는 사람들이 항의를 하거나 항의를 할 때 정보를 전달하기 위해 수공예품을 사용하기 때문에 수공예로 알고 있다.

오늘날 섬유 예술

Hopla: 작가 리넨 프랭은 예기치 못한 자수의 예술로 현대 미술과 상업 디자인에 대한 세계 각국의 섬유 예술가들과의 인터뷰를 포함하고 있다. 각각의 인터뷰가 예술가 개개인에 맞춰져 있는 동안, 프랭은 항상 "당신은 당신의 성별이나 사회 계층이 바늘땀과 관련된 당신의 매력과 관련이 있다고 믿는가?"라고 묻는다. 전반적으로 답은 매체의 여성적 기원에 대한 인식과 매체가 지지하는 페미니스트적 태도에 대한 감상을 드러낸다. [21]

그러나 현대 섬유 예술은 그 역사에도 불구하고 엄격히 페미니스트적인 노력이 아니다. 카렌 로젠버그는 미술 디자인 박물관에서 열린 '프리키드: 익스트림 자수' 전시회에 대한 리뷰(2008년 1~4월)에서 미디어가 예술가들이 자신을 구별하기 위해 취할 수 있는 접근법이 많을 정도로 확대됐다고 지적한다. 그녀는 큐레이터들이 의도적으로 "과정"이나 "중요성" 같은 것에 초점을 맞추고 더 심각한 주제에 집중하기 위해 "공예"라는 단어를 피했다고 추측한다. 로젠버그는 전통 회화를 옹호하고 능가하는 바늘 세공 능력은 섬유 예술 이론이 더 이상 틈새 관행으로 간주되지 않는 것에 신빙성을 부여하고 있으며, 예술가들이 "미제와 장식 예술의 구분을 잠식하기 위해 많은 일을 했다"[22]고 지적한다.

Kate Walker는 "The Subversive Stitch: 자수정과 여성스러움의 제작"에서 다음과 같이 쓰고 있다.

그는 "자수의 여성성, 달콤함, 수동성, 순종과의 연관성이 내 작품의 페미니스트적 의도를 저버리지 않을까 걱정해 본 적이 없다. 여성스러움과 달콤함은 여성의 힘의 일부분이다. 게다가 수동성과 복종은 바늘땀에 지속적인 노력을 기울이는 데 필요한 자질과는 정반대다. 필요한 것은 신체적, 정신적 기술, 색채, 질감 및 구성의 미세한 미적 판단, 오랜 훈련 동안의 인내, 그리고 디자인의 확고한 개성(그리고 그에 따른 미적 관습의 불복종)이다. 조용한 힘은 쓸모없는 취약성으로 오인할 필요가 없다."

— Kate Walker, Rozsika Parker, The Subversive Stitch: Embroidery and the Making of the Feminine. 1984. Print

오늘날 섬유와 섬유아트의 전반적인 어조는 앤 뉴디게이트가 다음과 같이 말할 때 보통 페미니스트 이론과 전략과 비슷하게 들린다.

그는 "나에게 있어 스튜디오에서 하는 일이 예술이든 직물이든 단조로운 언어든 상관없다"고 말했다. 정의가 온다고 느낄 때마다, 나는 '누가 정의를 만들었는가?' '누가 반대편적 구분이 필요하고 그것들로부터 이익을 얻을 것인가?' '왜 내가 그러한 규범과 규약을 따라야 하는가?'라고 자문하는 것을 기억하려고 노력한다.

— Ann Newdigate, Kinda art, sorta tapestry: tapestry as shorthand access to the definitions, languages, institutions, attitudes, hierarchies, ideologies, constructions, classifications, histories, prejudices and other bad habits of the West, New Feminist Art Criticism: Critical Strategies, page 181

2013년 캐나다 화가 콜린 헤슬린은 그녀의 작품 '거의 젊음과 야생과 자유'로 전국적인 인정을 받았으며, 이 작품은 색감 있고 추상적인 색감의 캔버스를 만들기 위해 섬유와 공예품을 사용한 "전통적인 매체에 대한 신선한 접근법"으로 찬사를 받았다.[23]

저명한 섬유 예술가 목록

자원.

세계에는 많은 전문 직물 프로그램이 있다. 영국의 왕립 니들워크 학교는 섬유 예술만을 전담하는 유일한 학교다.[32]

섬유아트의 인지도와 발전을 지원하는 기반시설은 20세기에 걸쳐 증가했다. 섬유 예술 연구 그룹은 이 점에서 특히 중요한 것으로 입증되었다. 다음과 같은 두 가지 주의사항 그룹이 있다.

  1. 영국에 위치한 섬유 연구 그룹은 1973년에 설립되었다. 그것은 자수에 초점을 맞추는 것으로 시작되었고 섬유 예술, 특히 교육의 전달에 더 큰 초점을 두는 것으로 확대되었다. 회원은 선택성이 높아 지원자 개개인의 업무에 대한 면밀한 조사가 필요하다. 그것은 약 25명의 교사로 구성된 핵심 그룹을 유지하고 있다.
  2. 뉴욕의 섬유 연구 그룹은 광섬유 예술과 섬유 예술가의 감상을 폭넓게 지지한다. 1977년에 설립된 뉴욕 시 지역에서는 학년 동안 매달 회의가 열린다. 이 그룹의 임무는 예술가와 아프리시오나도를 격려하고 광섬유 예술의 기회를 구축할 네트워크를 지원하는 일에 폭넓은 관심을 가지고 있다.

두 그룹과 연관된 구성원들은 예술가, 교사, 작가로서 그 분야에 상당한 기여를 했다.

참고 항목

참조

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외부 링크