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로미오와 줄리엣이요.

Romeo and Juliet
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로미오와 줄리엣이요.
An 1870 oil painting by Ford Madox Brown depicting the balcony scene in Romeo and Juliet
연극의 발코니 장면을 그린 포드 매독스 브라운의 1870년 유화
작성자윌리엄 셰익스피어
성격.
날짜 초연1597[a]
원어영어
시리즈퍼스트 쿼토
제목사랑
장르.셰익스피어의 비극
설정이탈리아(베로나와 만투아)

로미오와 줄리엣은 윌리엄 셰익스피어가 생애 초기에 쓴 비극이다. 그의 죽음은 결국 그들의 반목하는 가족을 화해시키는 두 젊은 이탈리아 스타를 넘나드는 연인에 관한 것이다.이 작품은 셰익스피어의 일생 동안 가장 인기 있는 희곡 중 하나였으며 햄릿과 함께 가장 자주 공연되는 희곡 중 하나이다.오늘날, 주인공들은 전형적인 젊은 연인으로 여겨진다.

로미오와 줄리엣은 옛날로 거슬러 올라가는 비극적인 로맨스의 전통에 속한다.줄거리는 1562년 아서 브룩이 로마와 줄리엣의 비극적 역사로 번역하고 1567년 윌리엄 페인터가 쾌락궁전에서 산문으로 다시 번역한 이탈리아 이야기에 바탕을 두고 있다.셰익스피어는 양쪽으로부터 많은 돈을 빌렸지만, 특히 머큐티오와 파리 등 많은 조연 캐릭터를 개발하여 줄거리를 확장시켰다.1591년에서 1595년 사이에 쓰여진 것으로 여겨지는 이 연극은 1597년 4부작으로 처음 출판되었다.그러나 제1 쿼토 버전의 본문은 질이 좋지 않았고, 이후 판은 셰익스피어의 원문과 더욱 밀접하게 일치하도록 본문을 수정했다.

셰익스피어가 그의 시적 극적 구조(특히 긴장감을 고조시키기 위해 희극과 비극을 전환하고, 사소한 등장인물을 확장하고, 이야기를 장식하기 위해 하위 그림을 사용하는 것 같은 효과)를 사용한 것은 그의 극적 기술의 초기 신호라는 찬사를 받아왔다.그 연극은 다른 시적 형식을 다른 문자로 귀속시키고, 때로는 캐릭터가 발전함에 따라 형식을 바꾸기도 한다.예를 들어, 로미오는 연극이 진행되는 동안 소넷에서 더 능숙하게 성장한다.

로미오와 줄리엣은 무대, 영화, 뮤지컬, 오페라 공연장으로 수없이 각색되었다.영국 복원 동안, 그것은 부활되었고 윌리엄 데이비넌트에 의해 크게 수정되었다.데이비드 개릭의 18세기 버전도 여러 장면을 수정하여 소재를 제거한 후 외설적이라고 생각했고, 게오르크 벤다의 로미오 und 줄리는 액션의 상당 부분을 생략하고 해피엔딩을 사용했다.샤를로트 쿠스만의 작품을 비롯한 19세기 공연은 원문을 복원하고 더 큰 리얼리즘에 초점을 맞췄다.존 질구드의 1935년 판은 셰익스피어의 원문에 매우 가깝게 유지되었고 엘리자베스 여왕의 의상과 무대를 사용하여 극을 더욱 돋보이게 했다.20세기부터 21세기까지 이 연극은 조지 쿠코르의 1936년작 로미오와 줄리엣, 프랑코 제피렐리의 1968년판 로미오와 줄리엣, 바즈 루어만의 1996년 MTV에서 영감을 받은 로미오와 줄리엣처럼 다양한 버전으로 각색되었다.

성격.

주요 기사:로미오와 줄리엣의 등장인물
베로나의 지배층
카풀레트 왕가
  • 카풀렛은 카풀렛 가문의 족장이다.
  • 레이디 카풀렛은 카풀렛 집의 모계관이다.
  • 줄리엣 카풀렛은 연극의 여자 주인공인 카풀렛의 13살 된 딸이다.
  • 티볼트는 캐퓰렛 부인의 조카인 줄리엣의 사촌이다.
  • 그 간호사는 줄리엣의 개인 수행원이자 동료다.
  • 로잘린은 카풀레 경의 조카로, 이야기의 시작에 나오는 로미오의 사랑이다.
  • 피터, 샘슨, 그레고리는 카풀렛 집안의 하인이다.
몬태규 왕가
  • 몬태규는 몬태규 가문의 족장이다.
  • Montague 부인은 Montague 집의 모태공이다.
  • 몬태규의 아들인 로미오 몬태규는 이 연극의 남자 주인공이다.
  • 벤볼리오가 로미오의 사촌이자 가장 친한 친구다.
  • 아브람과 발타사르는 몬태규 가문의 하인이다.
다른이들
  • 로렌스 변호사는 프란시스칸의 변호사고 로미오의 측근이다.
  • 존은 로렌스 총리의 편지를 로미오에게 전달하기 위해 파견된다.
  • 마지못해 로미오 독을 파는 약사.
  • 코러스는 처음 두 가지 행동 각각에 대한 프롤로그를 읽는다.

시놉시스

Francesco Hayez의 L'ultimo bacio dato a Giulietta da Romeo.1823년 캔버스에 기름이 묻었어

이탈리아 베로나를 배경으로 한 이 연극은 몬태규와 주인처럼 맹세한 카풀레트 하인 사이의 거리 싸움으로 시작된다.베로나의 에스컬러스 왕자가 개입하여 평화에 대한 추가 침해가 사형에 처해질 것이라고 선언한다.이후 파리 백작은 카풀렛에게 딸 줄리엣과 결혼하는 것에 대해 이야기하지만, 카풀렛은 파리에게 2년을 더 기다려달라고 부탁하고 계획된 카풀렛 무도회에 초대한다.캐퓰렛 부인과 줄리엣의 간호사는 줄리엣이 파리의 구애에 응하도록 설득하려고 한다.

한편 벤볼리오가 최근 로미오의 우울증에 대해 몬태규의 아들인 사촌 로미오와 이야기를 나눈다.벤볼리오가 캐퓰렛의 조카 중 한 명인 로잘린이라는 소녀에 대한 짝사랑에 대한 분노에서 비롯되었다는 것을 발견한다.벤볼리오와 머큐티오의 설득을 받은 로미오는 로잘린을 만나기를 바라며 카풀레트 하우스의 무도회에 참석한다.그러나 로미오는 대신 줄리엣을 만나 사랑에 빠진다.줄리엣의 사촌 티볼트는 로미오가 공에 몰래 들어간 것에 대해 격분하고 있지만, 그의 집에서 피를 흘리기를 원하지 않는 줄리엣의 아버지에 의해 로미오를 죽이는 것을 막았을 뿐이다.공이 끝난 후, 지금 "발코니 장면"이라고 불리는 곳에서 로미오는 카풀레트 과수원에 몰래 들어가 자신의 창에서 줄리엣을 엿듣고 몬테규스에 대한 가족들의 증오에도 불구하고 그에게 사랑을 맹세한다.로미오는 그녀에게 자신을 알리고, 그들은 결혼하는 것에 동의한다.자녀들의 결합을 통해 두 가족의 화해를 바라는 로렌스 총리의 도움으로 그들은 다음날 비밀리에 결혼하게 된다.

한편 티볼트는 로미오가 카풀레 무도회에 몰래 들어갔다고 격분해 결투를 신청했다.로미오는 티볼트의 친족으로 간주되어 싸우기를 거부한다.머큐티오는 티볼트의 무례함과 더불어 로미오의 "비열한 복종"[1]에 불쾌해하며, 로미오를 대신해 결투를 받아들인다.머큐시오는 로미오가 싸움을 말리려 할 때 치명상을 입는다.슬픔에 잠겨 죄책감에 시달린 로미오는 티볼트와 맞서 싸운다.

벤볼리오씨는 로미오가 티볼트를 머큐티오를 살해한 혐의로 정당하게 처형했다고 주장한다.이제 전쟁 중인 가족의 불화로 한 명의 친족을 잃은 왕자는 베로나에서 로미오가 돌아오면 사형을 선고받고 풀려난다.로미오는 몰래 줄리엣의 방에서 밤을 보내고 그곳에서 그들은 결혼 생활을 완성한다.줄리엣의 슬픔을 잘못 간파한 카풀렛은 그녀를 파리 백작과 결혼시키기로 동의하고 그녀가 파리의 '즐거운 신부'가 되기를 거부하면 그녀를 부인하겠다고 협박한다.[2]그리고 나서 그녀가 결혼이 연기되기를 애원하자, 그녀의 어머니는 그녀를 거절한다.

줄리엣은 도움을 청하기 위해 로렌스를 방문하며, 그는 그녀에게 "2시간 40분" 동안 죽음과 같은 혼수상태나 강직 상태에 빠지게 할 물약을 제공한다.[3]프리아르는 로미오가 깨어나면 다시 합류할 수 있도록 계획을 알려주기 위해 전령을 보내기로 약속한다.결혼식 전날 밤, 그녀는 마약을 복용하고, 죽은 것으로 보이는 것을 발견했을 때, 그녀는 가족 지하실에 누워있다.

그러나 사신은 로미오에게 닿지 않고 대신 로미오는 그의 종 발타사르로부터 줄리엣의 명백한 죽음을 알게 된다.마음이 상한 로미오는 약제실에서 독약을 사서 카풀렛 지하묘지로 간다.그는 개인적으로 줄리엣을 애도하러 온 파리를 만난다.로미오가 반달이라고 믿은 파리는 그와 맞서고, 이어지는 전투에서 로미오는 파리를 죽인다.아직도 줄리엣이 죽었다고 믿고 독약을 마신다.그러자 줄리엣은 잠에서 깨어나 로미오가 죽었다는 것을 발견하고, 자신의 단검으로 자신을 찌르고 그와 함께 죽음에 이르게 된다.반목하는 가족과 왕자는 무덤에서 만나 세 사람 모두 죽은 사람을 찾는다.로렌스 주지사는 두 명의 "별그대 연인"에 대한 이야기를 들려준다.가족들은 자식들의 죽음으로 화해를 하고 그들의 격렬한 불화를 끝내기로 동의한다.이 연극은 연인들을 위한 왕자의 애처로움으로 끝을 맺는다: "그만큼의 슬픔은 없었다. / 줄리엣과 그녀의 로미오의 이야기보다."[4]

원천

로미오와 줄리엣은 고대로 거슬러 올라가는 비극적인 사랑이야기의 전통에서 차용된다.그 중 하나가 오비드의 메타모르포스의 피라무스와 이베인데, 이 피라무스는 셰익스피어의 이야기와 유사한 내용을 담고 있다: 연인들의 부모는 서로를 경멸하고, 피라무스는 자신의 연인 이베가 죽었다고 거짓으로 믿고 있다.[5]3세기에 쓰여진 에페소스의 제노폰의 에페시아카에도 연인들의 이별 등 극과 몇 가지 유사점이 있으며, 죽음과 같은 수면을 유도하는 물약이 들어 있다.[6]

몬태규와 카풀레트라는 이름에서 가장 먼저 언급된 것 중 하나는 단테의 신성한 희극에서 온 것인데, 그는 푸르게토리오의 여섯 칸에 있는 몬테크치(몬테규)와 카펠레티(카풀레트)를 언급하고 있다.[7]

와서 보시오, 방심하는 자,
몬테규스와 카풀렛, 모날디와 필리페스키
한 사람은 이미 슬퍼하고 다른 한 사람은 두려움에 떨고 있다.[8]

로미오와 줄리엣 이야기의 초기 버전인 마리오토 & 가노차자 (1476년)의 작가 마스치오 살레니타노.

그러나 이 언급은 플로렌스, 롬바르디, 이탈리아 반도 전체의 도덕적 부패에 대한 극악무도한 일부다; 단테는 그의 성격을 통해 이탈리아에 대한 자신의 책임을 소홀히 한 독일 국왕 알베르 1세를 꾸짖고, 순전히 정신적인 문제로부터 침해된 것에 대한 연이은 교황들을 꾸짖는다. 따라서 레.롬바르디에서 경쟁 정당들간의 끊임없는 말다툼과 전쟁의 풍토에 익숙하다.역사는 몬태규 가문의 이름을 베로나의 그런 정당에 빌려준 것으로 기록하고 있지만, 캐퓰렛 가문의 이름은 크레모네즈 가문 출신이라고 기록하고 있는데, 둘 다 베로나의 테두리 안에서보다는 롬바르디 전체의 갈등을 과시하고 있다.[9]경쟁 정파와 연합하여, 각 정당들은 비통해하고 있다. ("이미 비통해하고 있는 한 많은 사람들") 그들의 끝없는 전쟁으로 인해 양당이 모두 멸망하게 되었기 때문이지,[9] 연극이 전개하는 대로 불운한 자식들을 잃은 슬픔이 아니라, 이 맥락 안에서 오로지 시적인 창작으로 보여지기 때문이다.

셰익스피어의 희곡과 유사하게 가장 일찍 알려진 로미오와 줄리엣 이야기는 마스치오 살레니타노가 1476년에 출간한 그의 일노벨리노 33번째 소설에 나오는 마리오토와 가노자의 이야기다.[10]Salernitano는 시에나에 이 이야기를 배경으로 하며, 이 이야기가 자신의 생전에 일어났다고 주장한다.그의 이야기는 비밀 결혼, 결탁한 변호사, 저명한 시민이 살해되는 싸움, 마리오토의 망명, 가노자의 강제 결혼, 물약 음모, 그리고 빗나가는 결정적인 메시지를 담고 있다.이 버전에서 마리오토는 붙잡혀 참수되고 가노자는 슬픔으로 죽는다.[11][12]

1530년 루이지 다 포르투의 줄리에타 에 로미오의 프런트피스

루이지 다 포르토 (1485–1529)는 이 이야기를 줄리에타 에 로미오로[13] 각색하여 1524년에 쓰여 1531년에 베네치아에서 사후에 출판된 노빌리 아만티 (A New-Discovered History of Two Noble Lovely)에 수록하였다.[14][15]다 포르토는 피라무스와 이베, 보카치오의 데카메론, 살레르니타노의 마리오토 에 가노자 등을 그렸으나 그의 이야기 역시 자서전적인 것일 가능성이 높다.그는 1511년 2월 26일, 우디네에 있는 친베니스 사보르난 가문의 저택에서, 반대파 친임페리알 슈트루미에리 일족이 참석한 평화식에 이어 무도회에 참석한 군인이었다.그곳에서 다 포르토는 사보르난의 딸 루치나와 사랑에 빠졌지만 가정 불화는 그들의 구애를 좌절시켰다.다음날 아침, 사보르그난인들이 이 도시에 대한 공격을 주도했고, 스트루미에리 일당들이 많이 살해되었다.몇 년 후, 전투원으로부터 아직 반 패러디된 루이지가 몬토르소 비센티노에 있는 줄리에타 에 로미오(그로부터 베로나의 "캐슬"을 볼 수 있다)라고 썼고, 벨리시마 에 레기드라(아름답고 우아한) 루치나 사보르난의 중편 소설에 바쳤다.[13][16]다 포르투는 그의 이야기를 역사적으로 사실적인 것으로 제시하며, 베로나가 바르톨로메오 델라 스칼라[17](Escala 왕자로 인정받던 시절)에 살레르니타노가 있었던 것보다 적어도 한 세기 일찍 일어났다고 주장했다.

아서 브룩의 시 제목 페이지 로마우스와 줄리엣

다 포르토는 연인들의 이름, 몬테치·카풀레티(카펠레티)의 라이벌 가문, 베로나 소재지 등 현대적 형식에 가까운 서사를 선보였다.[10]그는 로렌스(프레이트 로렌초)의 이름을 짓고 머큐시오(마르쿠치오 구에르티오), 티볼트(테발도 카펠레티), 파리 백작(콘테 (파리드) 디 로드로네), 충실한 하인, 줄리에타의 간호사 등을 소개했다.다 포르토는 이야기의 남은 기본적인 요소들: 반목하는 가족들, 그의 정부가 남긴 로미오, 줄리에타를 그녀의 집에서 춤추는 장면에서 만나는 장면, (발코니 장면 포함), 절망의 시기, 줄리에타의 사촌을 죽이는 로미오, 그리고 연인들의 자살 이후 가족의 화해.[18]다 포르투의 버전에서 로미오는 독약을 먹고 줄리에타는 죽을 때까지 숨을 죽인다.[19]

1554년 마테오 반델로는 그의 소설 제2권을 출판했는데,[15] 이 책에는 아마도 1531년에서 1545년 사이에 쓰여진 그의 《Giuletta e Romeo》가 포함되어 있을 것이다.반델로는 줄거리를 늘리고 무게를 쟀지만 줄거리는 기본적으로 변함이 없었다(벤볼리오를 소개하긴 했지만).[18]반델로의 이야기는 1559년 피에르 보아이스투우에 의해 그의 히스토리 트라기크 제1권에 프랑스어로 번역되었다.보아이스투우는 많은 도덕성과 정서를 더하고 등장인물들은 수사적인 폭발에 빠져든다.[20]

아서 브룩은 1562년 서사시 《로마우스와 줄리엣의 비극적 역사》에서 보아이스투우를 충실하게 번역하였으나 초서의 트로이루스와 크리세이드의 일부를 반영하여 조정하였다.[21]작가들과 극작가들 사이에서는 이탈리아 소설에 바탕을 둔 작품들을 출판하는 경향이 있었다.-이탈리아 이야기들은 극장을 찾는 사람들 사이에서 매우 인기가 있었다-그리고 셰익스피어는 윌리엄 페인터의 1567년 이탈리아 이야기 모음인 "즐거움의 궁전"[22]을 잘 알고 있었을 것이다.이 컬렉션은 "로미오와 줄리엣의 진실하고 끊임없는 사랑의 좋은 역사"라는 제목의 로미오와 줄리엣 이야기의 산문에 있는 버전을 포함했다.셰익스피어는 이 인기를 이용했다.베니스의 상인, 아무것도 아닌 것에 대한 많은 이야기, 끝이 좋은 모든 것, 치수를 위한 측정, 로미오와 줄리엣은 모두 이탈리아 소설에서 왔다.로미오와 줄리엣은 브룩의 번역을 극화한 것으로, 셰익스피어는 그 시를 가까이서 따르되 몇 개의 대·소역자(특히 간호사와 머큐티오)에 디테일을 더한다.[23][24][25]

셰익스피어 시대에 쓰여진 비슷한 이야기인 크리스토퍼 말로우의 영웅과 레안데르, 카르타고의 여왕 디도는 비극적인 사랑 이야기가 번창할 수 있는 분위기를 조성하는 데 도움을 주었을지는 몰라도 직접적인 영향은 덜하다고 생각된다.[21]

날짜 및 텍스트

초판의 제목 페이지

셰익스피어가 정확히 언제 로미오와 줄리엣을 썼는지는 알 수 없다.줄리엣의 간호사는 그녀가 11년 전에 발생했다고 말하는 지진을 말한다.[26]이것은 1580년의 도버 해협 지진을 의미할 수 있는데, 그 지진은 1591년으로 거슬러 올라간다.영국과 베로나에서 발생한 다른 지진들은 다른 날짜를 지지하기 위해 제안되었다.[27]그러나 이 연극은 한여름 밤의 꿈과 다른 연극들과 양식적으로 유사하며, 1591년에서 1595년 사이에 작곡되었다.[28][b]한 가지 추측으로는 셰익스피어가 1591년에 초안을 작성하기 시작했을지도 모른다는 것인데, 이 초안은 1595년에 완성되었다.[29]

셰익스피어의 '로미오와 줄리엣'은 1623년 제1차 폴리오가 출간되기 전에 2쿼터짜리 판으로 출판되었다.이를 Q1과 Q2라고 한다.첫 번째 인쇄판인 Q1은 1597년 초에 존 댄터가 인쇄했다.이 책의 본문은 후기 판과 많은 차이점을 포함하고 있기 때문에 소위 '나쁜 4중주'라고 불린다. 20세기 편집자 T. J. B. 스펜서는 이 작품을 "혐오스러운 텍스트, 아마도 한 두 배우의 불완전한 기억에서 연극을 재구성했다"고 묘사하면서, 이 작품이 출판되기 위해 해적판화되었음을 암시했다.[30]Q1의 단점에 대한 대안적인 설명은 (당시 다른 많은 사람들과 마찬가지로) 연극이 공연 전에 심하게 편집되었을 수도 있다는 것이다.[31]하지만 '나쁜 쿼터'가 일부 배우들에 의해 기억에서 재구성됐다는 '알프레드 폴라드'가 공식화한 이론은 현재 공격을 받고 있다.대안 이론으로는 '나쁜 쿼토'의 일부 또는 전부가 셰익스피어의 초기 버전이거나 셰익스피어의 회사나 다른 회사를 위해 만들어진 약어라는 것이다."[32]어쨌든, 1597년 초의 그것의 출연은 1596년을 극작곡의 가장 최근의 가능한 날짜로 만든다.[27]

1623년에 인쇄된 첫 번째 폴리오의 제목 페이지

상급 Q2는 이 연극을 "로미오와 줄리엣의 가장 훌륭하고 한탄할 만한 비극"이라고 불렀다.1599년 토마스 크레데에 의해 인쇄되었고 커트버트 버비가 출판하였다.Q2는 Q1보다 800줄가량 길다.[31]제목 페이지에는 "새로운 수정, 증강 및 수정"이라고 기술되어 있다.학자들은 Q2가 셰익스피어의 사전 공연 초안(그의 반칙서라 불림)에 근거한 것으로 보고 있는데, 이는 작가에 의해 충격을 받았으나 형식 지정자에 의해 잘못 보존된 연설의 경우 '허위 시작'과 같은 문자적 괴리가 있기 때문이다.훨씬 더 완전하고 신뢰할 수 있는 텍스트로 1609년(Q3), 1622년(Q4), 1637년(Q5)에 다시 인쇄되었다.[30]사실상, 후기판(선하든 악이든 간에)의 Q2로부터의 일탈은 셰익스피어가 아닌 편집자나 작곡자로부터 발생할 가능성이 있다고 편집자들이 믿기 때문에, 로미오와 줄리엣의 모든 후기 쿼토스와 폴리오스는 모두 현대판과 마찬가지로 Q2에 근거하고 있다.[31]

1623년의 첫 번째 폴리오 텍스트는 주로 3분기에 기초했으며, 극본이나 1분기에 나온 설명과 수정사항이 있을 수 있다.[30][33]다른 폴리오 판본이 1632년(F2), 1664년(F3),[34] 1685년(F4)에 인쇄되었다.폴리오스와 쿼토스의 몇 가지를 고려한 현대판은 니콜라스 로우의 1709년 판과 함께 처음 등장했고, 알렉산더 포프의 1723년 판이 그 뒤를 이었다.포프는 2분기에 누락된 무대 방향 등의 정보를 1분기에 위치시킴으로써 추가하기 위해 극본을 편집하는 전통을 시작했다.이 전통은 낭만주의 시대 후반까지 계속되었다.완전한 주석을 단 판본은 빅토리아 시대에 처음 등장하여 오늘날에도 계속 제작되고 있으며, 극의 출처와 문화를 설명하는 각주로 극의 본문을 인쇄하고 있다.[35]

테마 및 모티프

학자들은 이 연극에 하나의 구체적이고 중요한 주제를 할당하는 것이 매우 어렵다는 것을 발견했다.주요 테마에 대한 제안은 인간이 완전히 선한 것도 아니고 악한 것도 아니고, 그보다는 다소 비슷해서 꿈에서 현실로,[36] 성급한 행동의 위험이나 비극적인 운명의 힘이라는 것을 등장인물들이 발견하는 것을 포함한다.이들 중 어느 것도 광범위한 지지를 받지 못하고 있다.그러나 전체적인 테마를 찾을 수 없다 하더라도, 연극은 복잡한 방식으로 얽혀 있는 몇 가지 작은 주제적 요소들로 가득 차 있는 것이 분명하다.학자들에 의해 가장 자주 논의되는 몇 가지 사항은 다음과 같다.[37]

사랑

로미오
만약 내가 나의 가장 가치없는 손으로 불경스럽게 한다면
이 거룩한 사당, 온화한 죄악은 다음과 같다.
내 입술, 얼굴을 붉히는 순례자 두 명, 준비된 스탠드
부드러운 키스로 그 거친 손길을 부드럽게 하기 위해서.
줄리엣
순례자여, 손을 너무 심하게 쓰시니
여기에 어떤 매너 있는 헌신이 나타나느냐.
성도들은 순례자의 손이 닿은 손을 가지고 있으므로
그리고 손바닥 대 손바닥은 거룩한 손바닥의 키스다."

—Romeo and Juliet, Act I, Scene V[38]

로미오와 줄리엣은 때때로 통일적인 주제가 없는 것으로 여겨져, 젊은 사랑의 주제가 될 수 있다.[36]로미오와 줄리엣은 젊은 연인들의 상징이 되었고 운명적인 사랑을 하게 되었다.연극의 너무나 분명한 주제인 만큼, 여러 학자들이 연극의 로맨스 뒤에 숨겨진 언어와 역사적 맥락을 탐구해 왔다.[39]

그들의 첫 만남에서 로미오와 줄리엣은 셰익스피어 시대에 많은 에티켓 작가들이 추천한 소통의 한 형태인 은유를 사용한다.성자와 죄의 은유법을 사용함으로써 로미오는 자신들에 대한 줄리엣의 감정을 위협적이지 않은 방법으로 시험할 수 있었다.이 방법은 발다사레 카스티글리오네(이 때까지 영어로 번역된 작품이 나온 것)가 추천한 것이다.그는 남자가 초대장으로 은유를 사용한다면 여자는 자신을 이해하지 못하는 척 할 수 있고, 그는 명예를 잃지 않고 물러날 수 있다고 지적했다.그러나 줄리엣은 은유에 참여하여 그것을 확장한다.'수축' '순례' '성인' 등의 종교적 은유법은 당시의 시에서 유행했으며, 성체라는 개념이 초년기의 천주교와 연관되어 있었기 때문에 신성모독보다는 낭만적인 것으로 이해될 가능성이 높았다.[40]극 후반 셰익스피어는 브룩의 로마누스와 줄리엣이라는 원작에서 발견한 무덤에서 그리스도의 부활에 대한 더 대담한 암시를 제거한다.[41]

2막의 존 메이시 라이트(John Masey Wright)의 수채화, 2장(발코니 장면)

후반부 발코니 장면에서 셰익스피어는 로미오가 줄리엣의 독백을 엿듣게 하지만 브룩의 이야기 버전에서는 그녀의 선언이 혼자 이루어진다.로미오를 현장으로 끌어들여 엿듣게 함으로써 셰익스피어는 일반적인 구애의 순서에서 벗어나게 된다.보통 여성은 구혼자가 진심인지 확인하기 위해 겸손하고 수줍음을 타도록 요구되었지만, 이 규칙을 어기는 것은 줄거리를 따라 속도를 내는 역할을 한다.그 연인들은 하룻밤만 알고 지낸 후에 결혼하기로 동의하면서, 구애하는 것을 건너뛰고 그들의 관계에 대한 담백한 이야기로 넘어갈 수 있다.[39]마지막 자살 장면에서, 메시지에는 모순이 있다. 가톨릭 종교에서, 자살은 종종 지옥을 선고받는 것으로 생각되는 반면, "사랑의 종교" 아래에서 그들의 사랑과 함께 죽기 위해 죽는 사람들은 파라다이스에서 그들의 사랑과 함께 한다.로미오와 줄리엣의 사랑은 가톨릭적인 관점보다는 사랑의 종교적인 관점을 표현하는 것 같다.또 다른 요점은 그들의 사랑이 열정적이지만 결혼생활에서 소모될 뿐이어서 관객들의 공감을 얻지 못한다는 점이다.[42]

그 연극은 사랑과 섹스를 죽음과 동일시한다.이 이야기를 통해 로미오와 줄리엣 모두 다른 등장인물들과 함께, 그것을 종종 애인과 동일시하면서 어두운 존재로 공상을 하게 된다.예를 들어, 그가 줄리엣의 죽음을 처음 발견했을 때, 카풀렛은 그것이 그의 딸을 더럽혔다고 묘사한다.[43]줄리엣은 나중에 로미오와 죽음을 에로틱하게 비교한다.자살 직전 로미오의 단검을 잡고 "오 행복한 단검이여!이것은 너의 칼집이다.녹이 슬고, 죽게 내버려두시오."[44][45]

운명과 찬스

"오, 나는 운명의 바보야!"

—Romeo, Act III Scene I[46]

극중 운명의 역할에 대해서는 학자들의 의견이 분분하다.등장인물들이 진정으로 함께 죽을 운명인지, 아니면 일련의 불운한 기회에 의해 사건이 일어나는지에 대해서는 의견이 일치되지 않는다.운명에 찬성하는 주장들은 종종 연인들의 표현을 "별그대"라고 부른다.이 구절은 스타들이 연인들의 미래를 미리 정해 놓았음을 암시하는 것 같다.[47]존 W. 드레이퍼는 네 가지 유머에 대한 엘리자베스의 믿음과 극의 주인공들 사이의 유사점을 지적한다.유머를 고려하여 본문을 해석하면 현대 관객들이 운에 맡긴 줄거리의 양이 줄어든다.[48]여전히 다른 학자들은 이 연극을 불운한 기회들의 연속이라고 보고 있다. 그들은 극을 비극으로 보지 않을 정도로 많은 사람들이 이 연극을 감정적인 멜로드라마로 보고 있다.[48]루스 네보는 로미오와 줄리엣이 등장인물보다는 우연성의 "더 적은 비극"을 이야기에서 강조하는 정도가 높다고 믿는다.예를 들어, 로미오가 티볼트에 도전하는 것은 충동적이지 않다; 그것은 머큐티오가 죽은 후 예상되는 행동이다.이 장면에서, 네보는 로미오를 사회적 규범, 정체성, 그리고 헌신들을 과시하는 것의 위험성에 대해 알고 있다고 읽는다.그는 비극적인 결점이 아니라 상황 때문에 살인을 선택한다.[49]

이중성(빛과 어둠)

"사랑의 싸움, 미움,
아무 것도 없는 것을 먼저 창조하라!
오 무거운 가벼움, 심각한 허영심,
시딩이 잘 된 형태의 혼란과
납의 깃털, 밝은 연기, 차가운 불, 아픈 건강,
아직도 깨우는 잠, 그런 게 아니야!"

—Romeo, Act I, Scene I[50]

학자들은 셰익스피어가 연극 전반에 걸쳐 빛과 어둠의 이미지를 널리 사용하고 있다는 점에 오랫동안 주목해 왔다.캐롤라인 스퍼건은 빛의 주제를 "젊은 사랑의 자연스러운 아름다움의 상징"으로 간주하고 있으며, 이후 비평가들은 이러한 해석에 대해 확대되었다.[49][51]예를 들어, 로미오와 줄리엣 둘 다 다른 하나를 주변의 어둠 속에서 빛으로 본다.로미오는 줄리엣이 마치 태양처럼, [52]횃불보다 밝고,[53] 밤에 반짝이는 보석처럼,[54] 어두운 구름 사이에서 밝은 천사처럼 묘사하고 있다.[55]쥴리엣은 로미오가 죽은 듯 무덤에 누워있을 때에도 "아름다움이 빛으로 가득 찬 잔치 장소"라고 말한다.[56] 줄리엣은 로미오를 "밤의 낮" "까마귀 등에 쌓인 눈보다 더 희다"[57][58]라고 묘사한다.빛과 어둠의 이러한 대비는 은유적인 방식으로 사랑과 증오, 젊음과 나이를 대비시키는 상징으로 확장될 수 있다.[49]때때로 이런 뒤얽힌 은유들이 극적인 아이러니를 만들어낸다.예를 들어 로미오와 줄리엣의 사랑은 주위 미움의 어둠 속에서 빛이지만, 그들의 모든 활동은 밤과 어둠 속에서 이루어지는 반면 모든 반목은 대낮에 이루어진다.이러한 이미지의 역설은 두 연인이 마주하고 있는 도덕적 딜레마에 분위기를 더한다. 가족에 대한 충성심 혹은 사랑에 대한 충성심이다.이야기의 끝에는 아침이 음침하고 슬픔, 빛, 어둠을 위해 얼굴을 숨긴 태양이 제자리에 돌아왔을 때, 연인에 대한 슬픔으로 가정 불화의 진실하고 내적인 어둠을 비추는 겉으로 보이는 어둠이 있다.모든 등장인물들은 이제 최근의 사건들에 비추어 그들의 어리석음을 인식하고 있으며, 로미오와 줄리엣의 사랑과 죽음 덕분에 상황은 자연적인 질서로 돌아간다.[51]극중 '빛' 테마는 셰익스피어가 해, 달, 별에 대한 묘사를 통해 시간의 흐름을 표현하는 편리한 방법이었기 때문에 시간의 주제와도 밀접한 관련이 있다.[59]

시간

"요즘 같은 시련은 구걸할 겨를이 없다."

—Paris, Act III, Scene IV[60]

시간은 연극의 언어와 줄거리에서 중요한 역할을 한다.로미오와 줄리엣 둘 다 자신들을 둘러싸고 있는 가혹한 현실 앞에서 시간의 허공을 상상의 세계를 유지하기 위해 고군분투한다.예를 들어, 로미오가 달 옆에서 줄리엣에게 사랑을 맹세할 때, 그녀는 "오, 맹세코 달로 맹세하지 마라, 달로 맹세하지 마라, 달로 맹세하지 마라, / 그녀의 원주 궤도에 매달 변화가 생긴다면, / 당신의 사랑이 이와 마찬가지로 가변적이라는 것을 증명하도록 하라"[61]고 항의한다.처음부터 연인들은 시간과 관련된 점성술적 믿음을 가리키는 "별 십자가"[62][c]로 지정된다.별들은 인류의 운명을 지배한다고 생각되었고, 시간이 흐를수록 별들은 하늘에서 그들의 진로를 따라 움직이며, 또한 아래에 인간의 삶의 진로를 도표로 나타내기도 했다.로미오는 극 초반 스타들의 움직임 속에서 느끼는 예감을 말하고, 줄리엣의 죽음을 알게 되면 스타들의 진로를 거역한다.[48][64]

또 다른 중심 주제는 성급함이다.셰익스피어의 '로미오와 줄리엣'은 4일에서 6일 정도 지속되는데, 브룩의 시는 9개월에 걸친 것과는 대조적이다.[59]G와 같은 학자들.토마스 탄셀레는 이 연극에서 시간이 "세익스피어에게 특히 중요하다"고 믿는데, 이는 "노후 세대"가 "죽음을 향해 곤두박질치는" 것을 강조하기 위해 "장기"를 언급하는 것과는 반대로 젊은 연인들을 위한 "짧은 시간"을 언급하는 것을 사용했기 때문이다.[59]로미오와 줄리엣은 그들의 사랑을 영원히 지속시키기 위해 싸우는 시간이다.결국 그들이 시간을 이기는 것처럼 보이는 유일한 방법은 예술을 통해 그들을 불멸의 존재로 만드는 죽음을 통해서이다.[65]

시간은 또한 빛과 어둠의 주제와도 연결된다.셰익스피어 시대에 연극은 대낮에 정오나 오후에 가장 자주 공연되었다.[d]이로 인해 극작가는 자신의 희곡에서 낮과 밤의 환상을 일으키기 위해 말을 사용할 수밖에 없었다.셰익스피어는 이 환상을 만들기 위해 밤과 낮, 별, 달, 태양에 대한 참조를 사용한다.그는 또한 이야기 속에서 시간이 흘렀다는 것을 관객들이 이해하도록 돕기 위해 종종 요일과 특정 시간을 언급하는 캐릭터를 가지고 있다.대체로 연극에서 시간에 대한 언급이 103개 못지 않게 발견되어, 그 통로의 착각을 더한다.[66][67]

비판과 해석

임계사

존 헤일스가 쓴 이 연극의 초기 기록 비평가인 사무엘 페피스의 초상화.1666년 캔버스에 기름이 묻었어

이 연극의 가장 일찍 알려진 비평가는 1662년 "내 인생에서 가장 최악의 연극"이라고 쓴 극본인 사무엘 페피스였다.[68]시인 존 드라이든은 10년 후 연극과 희극 캐릭터 머큐티오를 칭송하며 "셰이크페어 쇼는 그의 머큐티오에서 최고의 기량을 발휘했고, 그는 그에게 살해되는 것을 막기 위해 3막에서 그를 강제적으로 죽였다고 스스로 말했다"[68]고 썼다.18세기 연극에 대한 비판은 희소성이 적었지만, 그에 못지 않게 갈렸다.니콜라스 로에 출판사는 이 연극의 주제를 곰곰이 생각한 최초의 평론가로, 이 연극은 반목하는 두 집안의 정의로운 벌로 보았다.세기의 중반에 작가 찰스 길든과 철학자 케임즈 경은 이 연극이 고전적인 연극 규칙을 따르지 않았다는 점에서 실패작이라고 주장했다.그러나 작가 겸 비평가인 사무엘 존슨은 이 연극을 셰익스피어의 "가장 유쾌한" 연극 중 하나로 여겼다.[69]

18세기 후반과 19세기에 걸쳐 비판은 극의 도덕적 메시지에 대한 논쟁에 집중되었다.배우 겸 극작가 데이비드 개릭의 1748년 각색은 로잘린을 제외했다.줄리엣을 위해 그녀를 버린 로미오는 변덕스럽고 무모하게 보였다.찰스 디브딘 등 비평가들은 로잘린이 얼마나 무모한지를 보여주기 위해 극에 포함됐고 이것이 그의 비극적인 최후를 맞은 이유라고 주장했다.다른 사람들은 로렌스 목사가 지나치게 서두르는 것에 대한 경고에서 셰익스피어의 대변인일 수도 있다고 주장했다.20세기 초에, 이러한 도덕적 논쟁은 리처드 그린 몰튼과 같은 비평가들에 의해 논쟁되었다: 그는 어떤 성격상의 결함이 아닌 사고가 연인들의 죽음으로 이어졌다고 주장했다.[70]

극구조

로미오와 줄리엣에서 셰익스피어는 비평가들로부터 찬사를 받아온 몇 가지 극적 기법을 사용하며, 가장 두드러지게 코미디에서 비극으로의 갑작스러운 변화(예: 티볼트가 도착하기 직전에 벤볼리오와 머큐티오 사이의 농담 교환)를 들 수 있다.3막에서 머큐시오가 죽기 전, 이 연극은 대체로 희극이다.[71]그의 우연한 죽음 이후 연극은 갑자기 심각해져 비극적인 어조를 띠게 된다.로미오가 처형되기는커녕 추방되고 로렌스 목사가 줄리엣에게 로미오와 재회할 계획을 제시했을 때 관객들은 여전히 모든 것이 잘 끝나기를 바랄 수 있다.그들은 무덤의 마지막 장면의 오프닝으로 "숨이 막히는 긴장 상태"에 있다: 만약 로미오가 프리아가 도착할 때까지 충분히 지연된다면, 그와 줄리엣은 아직 구원받을 수 있을지도 모른다.[72]이런 것들이 희망에서 절망, 억압, 그리고 새로운 희망으로 옮겨가는 것은 마지막 희망이 실패하고 결국 두 연인이 모두 죽을 때 비극을 강조하는 역할을 한다.[73]

셰익스피어는 또한 주인공들의 행동을 더 명확하게 보기 위해 하위 그림을 사용한다.예를 들어 연극이 시작되면 로미오는 자신의 모든 접근을 거부한 로잘린과 사랑에 빠진다.로미오가 그녀에 대해 격분하는 것은 그가 나중에 줄리엣을 사랑했던 것과는 분명히 대조를 이룬다.이것은 관객들이 로미오와 줄리엣의 사랑과 결혼의 심각성을 볼 수 있는 비교를 제공한다.파리의 줄리엣에 대한 사랑도 줄리엣에 대한 줄리엣의 감정과 로미오에 대한 그녀의 감정 사이에 대조를 이룬다.그녀가 파리에서 사용하는 형식적인 언어와 그에 대해 간호사에게 말하는 방식은 그녀의 감정이 분명히 로미오에게 있다는 것을 보여준다.이를 넘어 몬태규-캐퓰리트 불화의 하위 플롯이 극 전체를 뒤덮어 극의 비극적 결말에 주효하는 증오 분위기를 제공한다.[73]

언어

셰익스피어는 연극 내내 다양한 시적 형식을 사용한다.그는 코러스가 말하는 셰익스피어 소네트 형태의 14행 프롤로그로 시작한다.그러나 로미오와 줄리엣의 대부분은 빈 시로 쓰여져 있고, 그 대부분은 엄격한 iambic 펜타미터로 쓰여져 있으며, 셰익스피어의 후기 연극의 대부분에 비해 율동적인 변화가 적다.[74]형식을 고를 때 셰익스피어는 시를 사용하는 인물과 일치시킨다.예를 들어 로렌스는 설교와 파송 형식을 사용하고 간호사는 구어체 언어와 매우 일치하는 독특한 빈 구절을 사용한다.[74]이러한 각각의 형태도 틀에 박혀 등장인물이 차지하는 장면의 감성과 일치한다.예를 들어, 로미오가 연극 초반에 로잘린에 대해 이야기할 때, 그는 페트라르칸 소네트 형식을 사용하려고 시도한다.페트라르칸 소네트는 로잘린과의 로미오의 상황처럼 남성들이 흔히 자신이 얻기 불가능한 여성의 아름다움을 과장하기 위해 이용되었다.이 소네트 형태는 캐퓰렛 부인이 파리 백작을 줄리엣에게 미남으로 묘사할 때 사용한다.[75]로미오와 줄리엣이 만나면 시적 형태가 페트라르칸(셰익스피어 시대에 고풍스러워지고 있던)에서 당시 보다 현대적인 소네트 형태로 바뀌어 '순례'와 '성인'을 은유법으로 사용한다.[76]마침내 두 사람이 발코니에서 만났을 때 로미오는 소네트 형식을 이용해 사랑을 다짐하려 하지만 줄리엣은 "사랑해?"[77]라고 말하며 이를 깨뜨린다.이렇게 함으로써 그녀는 그들의 사랑에 대한 시적인 과장보다는 진정한 표현을 찾는다.[78]줄리엣은 로미오와 단음절 단어를 사용하지만 파리에서는 형식적인 언어를 사용한다.[79]이 연극의 다른 형식으로는 줄리엣의 에피탈라미움, 머큐티오 여왕의 마브 연설에 나오는 랩소디, 파리의 엘레지 등이 있다.[80]셰익스피어는 가끔 머큐시오와 같은 다른 등장인물을 위해 산문 스타일을 사용하지만, 극중 서민들을 위해 산문 스타일을 가장 자주 저장한다.[81]유머 또한 중요하다: 학자인 몰리 마후드는 본문에서 적어도 175개의 말장난과 말장난들을 식별한다.[82]이 농담들 중 많은 것들이 본질적으로 성적인 것이다, 특히 머큐티오와 간호사와 관련된 농담들이다.[83]

정신분석적 비평

초기의 정신분석학 비평가들은 로미오의 충동성 측면에서 로미오와 줄리엣의 문제를 보았는데, 이는 머큐티오의 죽음과 이중 자살로 이어지는 "일부 통제되고 부분적으로 위장된 공격성"[84]에서 파생되었다.[84][e]로미오와 줄리엣은 심리적으로 극도로 복잡하다고 여겨지지 않으며, 연극의 동정심 있는 정신분석학적 독서는 비극적인 남성 경험을 병과 동등하게 만든다.[86]노먼 홀랜드는 1966년 저술한 로미오의 꿈을[87] 현실적 "로미오의 성인 세계와 단계적 구두, 팔릭, 외디팔에서의 가상의 어린 시절 둘 다 충족시키는 환상"으로 간주하면서 극적인 캐릭터는 저자와 분리된 정신적 과정을 가진 인간이 아니라는 것을 인정한다.[88]줄리아 크리스테바와 같은 비평가들은 이 증오가 로미오와 줄리엣이 서로에 대한 열정의 원인이라고 주장하며 가족 간의 증오에 초점을 맞춘다.그 증오는 연인들의 언어로 직접 나타난다.예를 들어 줄리엣은 "나의 유일한 사랑은 나의 유일한 증오에서 비롯되었다"[89]고 말하고 종종 로미오의 죽음에 대한 기대를 통해 그녀의 열정을 표현한다.[90]이것은 극작가의 심리에 대한 추측으로 이어지며, 특히 그의 아들 햄넷의 죽음에 대한 셰익스피어의 비탄에 대한 고려로 이어진다.[91]

페미니스트 비판

페미니스트 문학 비평가들은 가정 불화의 책임이 베로나의 가부장적 사회에 있다고 주장한다.예를 들어 코펠리아 칸에게 있어서 로미오에게 가해진 엄격하고 남성적인 폭력의 코드는 비극을 종식시키는 주동력이다.티볼트가 머큐티오를 죽였을 때, 로미오는 줄리엣이 그를 그렇게 "에페미니즘"[92]하게 만든 것을 후회하며 이 폭력적인 모드로 전환한다.이런 관점에서 볼 때, 어린 수컷들은 아버지를 대신하여 폭력을 행사하거나, 종들의 경우 주인을 대신하여 '남자가 된다'는 것이다.이 불화는 또한 처녀 적들에 대한 수많은 농담들이 적절히 보여주듯이 남성적인 남성성과도 연관되어 있다.[93][94]줄리엣은 또한 프리아와 같은 다른 사람들이 그녀를 위해 그녀의 문제를 해결하도록 허용함으로써 여성 의리의 규범에 제출한다.Dympna Callahan과 같은 다른 비평가들은 이 연극의 페미니즘을 역사주의적 각도에서 바라보면서, 이 연극이 쓰여질 때 봉건적 질서는 점점 중앙집권화된 정부와 자본주의의 도래에 의해 도전받고 있다고 강조한다.동시에 결혼에 관한 신흥 청교도 사상은 일찍이 있었던 시대보다 '여성 성리학의 악'에 덜 관심을 갖고 사랑매치에 대해 더 동정적이었다: 줄리엣은 아무런 감정도 없는 남자와 결혼하도록 강요하려는 아버지의 시도를 회피할 때, 그녀는 가부장적 질서에 도전하고 있는 것이다.더 이른 시기에 가능하다.[95]

퀴어 이론

데이비드 개릭 주연의 드루리 레인의 로얄 극장에서 1753년 작품에서 나온 플레이빌

많은 비평가들이 머큐시오의 캐릭터가 로미오에 대한 인정받지 못한 호모적인 욕망을 가지고 있다는 것을 발견했다.[96]조나단 골드버그는 르네상스 시대 (1994년)의 퀴링에서 퀴어 이론을 활용한 메르쿠티오와 로미오의 성리학을 조사하여 그들의 우정과 성애를 비교했다.[97]메르쿠티오는 친근한 대화에서 호모호테리즘의 흔적을 제시하며 로미오의 팔루스를 언급한다.[98]그의 농담 소원이 그 예다. "그의 정부 서클에 영을 올리는 것...그대로 놔두었다 /그녀가 그것을 깔고 그것을 고안해 낼 때까지." [99][100]로미오의 호모테리아주의는 멀리 떨어져 있고 이용할 수 없고 자손의 희망이 없는 여자 로잘린에 대한 태도에서도 찾아볼 수 있다.벤볼리오의 주장대로, 그녀는 보답할 사람으로 대체되는 것이 최선이다.셰익스피어의 생식소네트는 로미오와 같이 자손을 만드는 데 어려움을 겪고 있고 동성애자로 보여질 수 있는 또 다른 젊은 남자를 묘사하고 있다.골드버그는 셰익스피어가 로잘린을 출산이라는 동성애 문제를 수용할 만한 방식으로 표현하는 방법으로 이용했을 가능성이 있다고 보고 있다.이런 견해에서 줄리엣이 "장미라고 부르는 것은 다른 이름으로도 그렇게 달콤한 냄새가 날 것"[101]이라고 말할 때, 그녀는 남자의 아름다움과 여자의 아름다움 사이에 어떤 차이가 있는 것이 아닌가 하는 의문을 제기하고 있는지도 모른다.[102]

발코니 장면

발코니 장면은 1524년 다 포르투가 소개했다.그는 로미오가 종종 그녀의 집 옆을 지나가게 했고, "때로는 그녀의 방 창문까지 올라갔다"라고 썼다. "어느 날 밤, 사랑의 서약대로, 달이 유난히 밝게 빛났을 때, 로미오가 발코니에 오르는 동안, 그 젊은 아가씨가...창문을 열었고 밖을 내다보니 그가 보였다.[103]그 후 그들은 서로 영원한 사랑을 선언하는 대화를 나눈다.몇 십 년 후, 반델로는 익숙한 것에서 벗어나서 이 장면을 크게 확대했다: 줄리아는 간호사에게 로미오에게 밧줄 사다리를 들고 창가로 오라고 하는 편지를 전달하게 하고, 로미오는 하인 줄리아와 간호사(하인들도 이 후에 조심스레 철수한다)의 도움을 받아 발코니로 올라간다.[18]

그럼에도 불구하고 2014년 10월 로이스 레벤은 대서양에서 셰익스피어 원작의 연극에는 발코니가 들어 있지 않고 줄리엣이 창가에 나타난다고만 말했다.[104]발코니라는 단어는 셰익스피어가 죽은 지 2년이 지나도록 영어에 존재하지 않았던 것으로 알려져 있다.[105]그 발코니는 확실히 토마스 오트웨이의 1679년 희곡 《카이우스 마리우스의 역사와 몰락》에서 사용되었는데, 이 연극은 로미오와 줄리엣으로부터 많은 이야기를 빌려 두 연인을 발코니에 넣어 로미오와 줄리엣의 연설과 비슷한 연설을 읊었다.레벤은 18세기 동안 데이비드 개릭이 로미오와 줄리엣의 적응과 부활에 발코니를 사용하기로 선택했고 현대적인 각색은 이러한 전통을 이어왔다고 제안했다.[104]

레거시

셰익스피어 시대

리차드 버비지는 아마도 로미오를[106] 연기한 첫 배우일 것이다.

로미오와 줄리엣은 햄릿과 함께 셰익스피어의 가장 많이 공연된 희곡 중 하나로 꼽힌다.그것의 많은 각색은 그것을 그의 가장 오래 지속되고 유명한 이야기들 중 하나로 만들었다.[107]셰익스피어의 생애에도 그것은 매우 인기가 있었다.학자 게리 테일러는 이 작품이 크리스토퍼 말로우와 토마스 키드의 죽음 이후가 아니라 셰익스피어가 런던의 지배적인 극작가였던 벤 존슨이 즉위하기 전인, 셰익스피어의 희곡 중 여섯 번째로 인기 있는 것으로 평가한다.[108][f]첫 공연 날짜는 알 수 없다.1597년에 인쇄된 제1쿼토는 "그것은 종종 (그리고 큰 박수로) 격자무늬 퓌블리크하게"라고 쓰여져, 그 날짜 이전에 첫 공연을 세웠다.체임벌린 경의 부하들은 확실히 그것을 처음으로 수행했다.세익스피어와의 강한 유대감 외에도 제2 쿼토는 사실 5막의 줄에 피터 대신 윌 켐프라는 배우의 이름을 붙인다.리차드 버비지는 아마도 이 회사의 배우로서 첫 번째 로미오와 첫 번째 줄리엣인 로버트 고페(소년) 마스터였을 것이다.[106]초연은 The The The The Theatre에서, 다른 초기 작품들은 The Curtain에서 했을 것이다.[109]로미오와 줄리엣은 셰익스피어가 영국 밖에서 공연한 최초의 희곡들 중 하나이다: 1604년에 Nördlingen에서 짧고 간결한 버전이 공연되었다.[110]

복원과 18세기 극장

모든 극장은 청교도 정부에 의해 1642년 9월 6일에 폐관되었다.1660년 군주제가 복원되자, 두 개의 특허 회사(왕의 회사, 공작의 회사)가 설립되었고, 기존의 연극 레퍼토리는 그들 사이에 분단되었다.[111]

메리 손더슨, 아마도 줄리엣을 전문적으로 연기한 최초의 여성일 것이다.

듀크 컴퍼니의 윌리엄 데이비넌트 경은 1662년 각색을 무대에 올려 헨리 해리스가 로미오, 토마스 베터튼 머큐티오, 베터튼의 아내 메리 손더슨 줄리엣을 연기했다. 그녀는 아마도 이 역할을 전문적으로 연기한 최초의 여성이었을 것이다.[112]또 다른 버전은 데이브넌트의 각색을 면밀히 따랐으며 듀크 컴퍼니에 의해서도 정기적으로 공연되었다.이것은 두 연인이 살아남는 제임스 하워드의 비극적인 사건이었다.[113]

셰익스피어의 '복고' 각색 중 가장 극단적인 것 중 하나인 토마스 오트웨이의 '카이우스 마리우스의 역사와 몰락'은 1680년에 첫 선을 보였다.장면은 르네상스 베로나에서 고대 로마로 옮겨진다; 로미오는 마리우스, 줄리엣은 라비니아, 반목은 귀족들과 평민들 사이에 있다; 줄리엣/라비니아는 로미오/마리우스가 죽기 전에 그녀의 물약에서 깨어난다.오트웨이의 버전은 히트를 쳤고, 이후 70년간 연기되었다.[112]마무리 장면에서 그의 혁신은 훨씬 더 오래 지속되었고, 이후 200년 동안 각색에 사용되었다.테오필루스 시버의 1744년 각색, 데이비드 개릭의 1748년 각색 모두 여기에 변주곡선을 사용했다.[114]이 버전들은 또한 당시에 부적절하다고 여겨지는 요소들을 제거하였다.예를 들어, 개릭의 버전은 로잘린을 설명하는 모든 언어를 줄리엣으로 옮겨 충실한 생각을 고조시키고 선견지명이 있는 주제를 축소시켰다.[115][116]1750년 코벤트 가든에서 스프레인저 배리와 수산나 마리아 아르네(테오필루스 시버 부인)가 데이비드 개릭과 드루리 레인의 조지 앤 벨라미와 대결하면서 "로마오스의 전투"가 시작되었다.[117]

북미에서 가장 일찍 알려진 작품은 아마추어 작품이었다: 1730년 3월 23일, 요아치무스 베르트랑이라는 의사가 뉴욕의 가제트 신문에 광고를 게재하여 그가 약제제를 연주할 수 있는 작품을 홍보했다.[118]북미에서 이 연극의 첫 번째 프로 공연은 한람 사의 공연이었다.[119]

19세기 극장

1846년 로미오와 줄리엣으로 샬롯과 수잔이라는 미국의 쿠슈만 자매.

개릭의 변형된 연극은 매우 인기가 있었고, 거의 1세기 동안 공연되었다.[112]1845년이 되어서야 셰익스피어의 원작은 미국에서 수전 자매와 샬롯 쿠쉬만이 각각 줄리엣과 로미오로,[120] 그리고 1847년에 새들러 웰스 극장에서 사무엘 펠프스와 함께 무대에 복귀했다.[121]쿠쉬만은 셰익스피어 판을 고수하여 84회의 연주가 시작되었다.그녀의 로미오 연기는 많은 사람들에게 천재적인 것으로 여겨졌다.타임즈는 다음과 같이 썼다: "오랫동안 로미오는 하나의 관습이었다.쿠슈만 양의 로미오는 창조적이고 살아 숨쉬며 활달하고 열정적인 인간이다."[122][120]빅토리아 여왕은 일기에 "아무도 그녀가 여자라고 상상하지 못했을 것"[123]이라고 썼다.쿠쉬만의 성공은 가릭 전통을 깨고 나중의 공연이 원작의 이야기로 돌아갈 수 있는 길을 닦았다.[112]

19세기 중엽 셰익스피어의 전문적인 연기는 두 가지 특별한 특징을 가지고 있었다: 첫째, 그것들은 일반적으로 스타 차량이었으며, 중심 인물들에게 더 큰 중요성을 주기 위해 조연을 삭감하거나 소외시켰다.두 번째로, 그들은 "사진"으로, 화려하고 정교한 세트(장면 변경을 위해 긴 휴식이 필요함)에 액션을 배치했고, 탁자를 자주 사용했다.[124]헨리 어빙이 리슘 극장에서 1882년 제작한 작품(자신은 로미오, 엘렌 테리는 줄리엣)은 화보 스타일의 전형으로 꼽힌다.[125]1895년, 존스턴 포브스-로버트슨 경은 어빙으로부터 인계받아 오늘날까지 유행하고 있는 셰익스피어를 보다 자연스럽게 묘사할 수 있는 토대를 마련했다.포브스-로버트슨은 어빙의 과시성을 피하고 대신 현실적인 로미오를 그려내며 시적 대화를 사실적인 산문으로 표현하고 멜로 드라마의 번영을 피했다.[126]

미국 배우들은 영국 배우들과 경쟁하기 시작했다.에드윈 부스(John Wilkes Booth)와 메리 맥비커(곧 에드윈의 아내)는 1869년 2월 3일 호화로운 부스 극장(유럽 스타일의 무대 기계와 뉴욕 특유의 에어컨 시스템)에서 로미오와 줄리엣으로 개관하였다.일부 보도에 따르면, 이 작품은 미국에서 본 로미오와 줄리엣의 작품 중 가장 정교한 작품 중 하나라고 한다. 이 작품은 6주 이상 상영되고 6만 달러(2020년에는 100만 달러에 상당) 이상의 수입을 올리는 등 확실히 가장 인기 있는 작품이었다.[127][g][h]그 프로그램은 다음과 같이 언급했다: "그 비극은 모든 면에서, 세익스피어의 본문에 가깝게 따라, 역사적 타당성에 따라 엄격하게 만들어질 것이다."[i]

일본에서의 연극의 첫 프로 연주는 1890년 요코하마로 순회 공연한 조지 크라이튼 밀른의 회사 제작이었을 것이다.[128]19세기 내내, 로미오와 줄리엣은 전문적인 공연의 수로 측정되는 셰익스피어의 가장 인기 있는 연극이었다.20세기에 그것은 햄릿 다음으로 인기 있는 것이 되었다.[129]

20세기 극장

1933년, 이 연극은 여배우 캐서린 코넬과 그녀의 감독 남편인 구트리 맥클린틱에 의해 부활되었고 미국 전역에서 7개월간의 전국 순회공연을 했다.이 영화에는 오슨 웰즈, 브라이언 애런, 바질 래스본 등이 출연했다.그 연출은 다소 성공적이었고, 그래서 뉴욕으로 돌아오자마자 코넬과 맥클린틱이 그것을 수정했고, 처음으로 프롤로그를 포함한 거의 모든 장면들이 온전하게 연극을 선보였다.새 작품은 1934년 12월에 브로드웨이에서 개봉되었다.비평가들은 코넬이 "그녀의 시대의 가장 위대한 줄리엣", "끝없이 잊혀지지 않는" 그리고 "현대의 극장에서 본 가장 사랑스럽고 매혹적인 줄리엣"[130]이라고 썼다.

무대에서 로미오, 로렌스, 머큐시오를 연기한 20세기의 가장 유명한 배우 중 한 명이었던 존 질구드

1935년 존 지엘구드의 뉴시어터 작품에는 지엘구드와 로런스 올리비에가 로미오와 머큐티오 역을 맡았으며, 6주전에 페기 애쉬크로프트가 줄리엣 역을 맡았다.[131]질구드는 Q1과 Q2 문자의 학구적인 조합을 사용했으며 엘리자베스 시대에는 가능한 한 가깝게 일치하도록 세트와 의상을 조직했다.그의 노력은 흥행에서 큰 성공을 거두었고, 이후 작품에서 역사 리얼리즘을 증가시키는 계기를 마련했다.[132]올리비에르는 나중에 그의 공연과 지엘구드의 공연을 비교했다: "존, 모든 영, 모든 영, 모든 영, 모든 아름다움, 모든 추상적인 것; 그리고 모든 지구, 피, 인간으로서의 나 자신을...나는 항상 존이 하반신을 놓쳤다는 것을 느꼈고, 그것이 나를 다른 쪽으로 가게 만들었다.그러나 그것이 무엇이든 내가 로미오 1세를 횃불을 들고 있을 때 나는 셰익스피어에게 사실주의를 팔려고 하고 있었다."[133]

피터 브룩의 1947년 버전은 다른 스타일의 로미오와 줄리엣 공연의 시작이었다.브룩은 현실주의에는 덜 신경을 썼고, 연극을 현대 세계와 소통할 수 있는 형태로 번역하는 데 더 신경을 썼다.그는 생산은 정확성의 순간에만 옳고, 성공하는 순간에만 좋다고 주장했다.[134]브룩은 자신의 공연 텍스트에서 가족들의 마지막 화해를 제외했다.[135]

세기를 거치면서, 영화의 영향을 받은 관객들은 그들이 연기하고 있던 10대 캐릭터들보다 훨씬 나이든 배우들을 덜 받아들이게 되었다.[136]보다 젊은 시절의 캐스팅의 중요한 예는 1960년 프랑코 제피렐리의 올드 빅 프로덕션에서 존 스트라이드, 주디 덴치와 함께 그의 1968년 영화의 기반이 될 것이었다.[135]제피렐리는 브룩의 아이디어를 빌려 극본의 약 3분의 1을 삭제해 접근성을 높였다.그는 더 타임즈와의 인터뷰에서 이 연극의 "사랑과 두 세대 사이의 이해의 완전한 붕괴"가 현대적 관련성을 가지고 있다고 말했다.[135][j]

최근 공연들은 종종 현대 세계에서 연극을 설정한다.예를 들어, 1986년에 로열 셰익스피어 컴퍼니는 현대 베로나에서 연극을 상연했다.스위치블레이드는 칼을 대신했고, 향연과 공은 마약성 락파티가 되었고, 로미오는 피하주사로 자살했다.Neil Bartlett의 로미오와 줄리엣 연출은 1995년 런던 리릭 해머스미스에서의 삶을 시작한 뒤 웨스트요크셔 플레이하우스에서 독점 연출을 위해 이 연극을 매우 현대적인 모습으로 주제가 되었다.줄리엣 역에는 에밀리 우프, 로미오 역에는 스튜어트 번스, 메르쿠티오 역에는 세바스티안 하콤비, 티볼트 역에는 애슐리 아르투스, 레이디 카풀렛 역에는 수아드 페레스, 파리 역에는 실라스 카슨이 출연했다.[138]1997년, 폴거 셰익스피어 극장은 전형적인 교외 세계를 배경으로 한 버전을 제작했다.로미오는 줄리엣을 만나기 위해 캐퓰릿 바비큐 파티에 몰래 들어가고 줄리엣은 학교 수업 중에 티볼트의 죽음을 발견한다.[139]

이 연극은 때로 역사적 배경이 주어지며 관객들이 밑바탕에 깔린 갈등을 되돌아볼 수 있게 한다.예를 들어, 이스라엘과 팔레스타인의 갈등의 와중,[140] 남아프리카의 아파르트헤이트 시대,[141] 푸에블로 반란의 여파로 각색되었다.[142]마찬가지로 피터 우스티노프의 1956년 희극 각색인 로마노프와 줄리엣은 냉전의 구렁텅이에 있는 허구의 중유럽 국가를 배경으로 하고 있다.[143]로미오와 줄리엣의 마지막 장면(해피엔딩으로 로미오, 줄리엣, 머큐티오, 파리가 다시 살아나고 벤볼리오가 자신이 파리의 연인임을 위장한 채 드러내는)의 실물·모범·빅토리아 수정판이 1980년 연극 니콜라스 니클비의 '인생과 모험'의 일부를 구성한다.[144]조 칼라코가 쓴 셰익스피어의 R&J는 게이 10대들의 각성에 관한 현대 이야기에서 고전을 넘긴다.[145]최근 코미디 뮤지컬의 각색은 제2의 도시의 로미오와 줄리엣 뮤지컬이다. 국민 대 국민. 현대를 배경으로 한 로미오와 줄리엣을 죽인 남자 로렌스 신부.[146]

19세기와 20세기 셰익스피어의 로미오와 줄리엣은 자주 선택은 고전 극장 회사를 열거, 그 연극의 그의 극장에서 1869년 올드 빅의 1929년에 존 길구드, Martita 헌트, 레스와 마가렛 Webster,[147]뿐만 아니라 Rive과 새로 re-formed 회사에서 에드윈 부스의 취임 생산 시작과 함께 연기한다.rside 셰익스피어 컴퍼니는 1977년 뉴욕 시에서 창립된 작품에서 프랑코 제피렐리 감독의 1968년 영화를 영감으로 삼았다.[148]

2013년 로미오와 줄리엣은 9월 19일부터 12월 8일까지 리차드 로저스 극장에서 브로드웨이에서 올랜도 블룸, 콘돌라 라샤드가 주연을 맡은 가운데 8월 24일부터 시작되는 27회의 시사회를 거쳐 93회의 정기 공연을 가졌다.[149]

2018년 독립극단 계단웰극장은 농구테마 로미오와 줄리엣을 선보였다.

발레

가장 잘 알려진 발레 버전은 프로코피예프의 로미오와 줄리엣이다.[150]원래 키로프 발레단의 의뢰를 받은 프로코피예프가 해피엔딩을 시도했을 때 그들에게 거절당했고, 음악의 실험적 성격 때문에 다시 거절당했다.이후 '불후의 명성'을 얻었고, 그 중에서도 존 크랭코(1962년)와 케네스 맥밀런(1965)이 안무를 맡았다.[151]

1977년, 마이클 스무인이 이 연극에서 가장 극적이고 열정적인 춤 해석 중 하나를 연출한 작품은 샌프란시스코 발레단에 의해 그 전체로 데뷔되었다.이 작품은 PBS 시리즈 "위대한 공연:1978년에 방영되었다.[152]

남아공의 댄서 겸 안무가 다다 마실로가 로미오와 줄리엣을 새로운 현대적 시각으로 재해석했다.그녀는 이야기의 변화를 소개했는데, 특히 두 가족을 다인종이라고 표현했다.[153]

음악

"로미오는 줄리엣을 사랑했다.
줄리엣, 그녀도 똑같이 느꼈다.
그가 그녀를 팔로 감싸면
줄리, 자기야, 넌 내 불꽃이야
그 지베스트 열..."

—Peggy Lee's rendition of "Fever"[154][155]

적어도 24개의 오페라가 로미오와 줄리엣을 바탕으로 만들어졌다.[156]가장 이른 1776년 게오르크 벤다의 싱스피엘인 로미오와 줄리는 극의 액션과 등장인물 대부분을 생략하고 해피엔딩을 맞이한다.그것은 때때로 되살아난다.가장 잘 알려진 것은 고우노드의 1867년 로메오 엣 줄리엣(Jules Barbier와 Michelle Carré의 리브레토)으로, 오늘날 처음 공연되고 자주 부활했을 때의 결정적인 승리였다.[157][158]Bellini's I Capuleti e i Montecchi is also revived from time to time, but has sometimes been judged unfavourably because of its perceived liberties with Shakespeare; however, Bellini and his librettist, Felice Romani, worked from Italian sources—principally Romani's libretto for Giulietta e Romeo by Nicola Vaccai—rather than directly adapting Shakespeer의 [159]희곡이후의 오페라 중에는 하인리히 수터마이스터의 1940년 작품인 로미오와 줄리아가 있다.[160]

베를리오즈의 로메오 엣 줄리엣은 1839년 초연된 성악, 합창, 오케스트라 3부작의 대규모 작품인 '심포니 극작'이다.[161]차이코프스키의 로미오와 줄리엣 판타지-오베르튀르(1869, 1870, 1880)는 15분 분량의 교향시로서, '사랑의 테마'[162]로 알려진 유명한 멜로디가 수록되어 있다.무도회, 발코니 장면, 줄리엣의 침실, 무덤에서[163] 같은 음악적 주제를 반복하는 차이코프스키의 장치는 후속 감독들에 의해 사용되었는데, 예를 들어, 니노로타의 사랑 테마는 1996년 영화 데스리의 "키싱 유"와 마찬가지로 연극의 1968년 영화에서도 비슷한 방식으로 사용된다.[164]Other classical composers influenced by the play include Henry Hugh Pearson (Romeo and Juliet, overture for orchestra, Op. 86), Svendsen (Romeo og Julie, 1876), Delius (A Village Romeo and Juliet, 1899–1901), Stenhammar (Romeo och Julia, 1922), and Kabalevsky (Incidental Music to Romeo and Juliet, Op. 56, 1956).[165]

이 연극은 페기 리의 "Fever"[155]를 포함한 몇몇 재즈 작품에 영향을 주었다.듀크 엘링턴의 Souch Sweet Thunder는 테너와 알토 색소폰으로 대표되는 "별이 엇갈린 연인"[166]이라는 제목의 작품을 포함하고 있다: 비평가들은 줄리엣의 색소폰이 평등의 이미지를 제공하기는커녕 작품을 지배하고 있다고 지적했다.[167]이 연극은 The Supremees, Bruce Springsteen, Tom Waits, Lou Reed,[168] Taylor Swift의 작품을 포함하여 대중음악에 자주 영향을 끼쳤다.[169]가장 유명한 곡은 드레이크해협곡의 "로미오와 줄리엣"[170]이다.

가장 유명한 뮤지컬 극장 각색은 레오나드 번스타인의 음악과 스테판 손드하임의 가사가 있는 웨스트 사이드 스토리다.1957년 브로드웨이에서, 1958년 웨스트엔드에서 열렸으며, 1961년과 2021년에 두 차례 인기 영화로 각색되었다.이 버전은 이 설정을 20세기 중반 뉴욕시로, 그리고 전쟁 중인 가족들에게 인종 갱단으로 갱신했다.[171]그밖에 음악 각색 테런스 Mann의 1999년 락 뮤지컬 윌리엄 셰익스피어의 로미오와 줄리엣, 제롬 Korman과 co-written,[172]제라르 Presgurvic의 2001년 Roméo 에 줄리엣, 드 라 엔강 아 l'Amour, 리카르도 Cocciante의 2007년 Giulietta&Romeo[173]과 요한 Christher 쉬츠, 그리고 요한 Petterssons의 2013년 적응 카니발의 이야기(티브 족을 포함한다.olisaga), which는 여행하는 카니발에서 일어난다.[174]

문학과 예술

줄리엣 죽음의 로미오, 헨리 퓨즐리, 1809년

로미오와 줄리엣은 이후 문학에 지대한 영향을 끼쳤다.그 전에는 로맨스가 비극의 가치 있는 주제로 여겨지지도 않았다.[175]해롤드 블룸의 말에서 셰익스피어는 "죽음의 그림자에 의해 성적인 것이 에로틱이 된다는 공식을 발명했다"[176]고 했다.셰익스피어의 작품 중에서 로미오와 줄리엣은 산문과 운문, 연극, 오페라, 관현악과 합창 음악, 발레, 영화, 텔레비전, 회화 등 가장 다양한 적응법을 만들어냈다.[177][k]'로미오'라는 단어는 영어로 '남성애자'와 동의어가 되기도 했다.[178]

로미오와 줄리엣은 셰익스피어의 생전에 패러디되었다.헨리 포터의 '아빙돈의 분노한 두 여자'(1598)와 토마스 덱커의 블러트, 마스터 컨스터트(1607) 모두 남성 여주인공이 거친 말장난에 빠지는 발코니 장면을 담고 있다.[179]그 연극은 후대의 문학작품에 직접적인 영향을 미쳤다.예를 들어, 공연을 위한 준비는 찰스 디킨스의 니콜라스 닉클비에서 주요 줄거리를 형성한다.[180]

로미오와 줄리엣은 셰익스피어의 가장 인상적인 작품 중 하나이다.[181]첫 번째로 알려진 삽화는 엘리사 커칼이 만든 것으로 생각되는 무덤 장면의 목판화였는데,[182] 이 그림은 니콜라스 로우의 셰익스피어 희곡 1709판에 등장했다.[183]이 연극의 5개의 그림은 18세기 후반에 보이델 셰익스피어 갤러리에 의뢰되어 각 5개의 연극을 대표한다.[184]19세기 초, 헨리 톰슨은 판화인 가면무도를 본떠 줄리엣을 그렸다.그 중 하나는 1828년 문학 기념품에서 레티티아 엘리자베스 랜던의 시와 함께 출판되었다.19세기 '그림' 공연의 패션은 감독들의 영감 때문에 그림에 그림을 그리게 되었고, 이는 다시 화가들에게 극장의 배우들과 장면들을 묘사하도록 영향을 주었다.[185]20세기에 이 연극의 가장 상징적인 시각적 이미지는 인기 있는 영화 버전에서 파생되었다.[186]

데이비드 블릭스의 2007년 소설 '베로나의 달인'은 셰익스피어의 이탈리아 희곡에 나오는 인물들과 단테 시대의 역사적 인물들을 결합하여 유명한 카풀레-몬타규 불화의 기원을 상상한다.[187]블릭스의 후속 소설인 '팔콘의 목소리'(2010), '운명의 바보'(2012), '왕자의 죽음'(2014)은 머큐티오의 성년이 되면서의 삶을 따라 세계를 계속 탐험하고 있다.블릭스 스타크로스 시리즈의 더 많은 이야기들이 니스드 페이스: 스타크로스 단편 소설 (2015)과 페스트 문집 We All Fall Down (2020)에 등장한다.블릭스도 셰익스피어의 '비밀: 로미오와 줄리엣'(2018)을 저술했는데, 블릭스 감독은 이 연극이 구조적으로 '비극'이 아니라 '코미디-고극'이라고 주장한다.2014년 블릭스(Blixt)와 그의 아내인 무대감독 제니스 L 블릭스(Janice L Blixt)는 이탈리아 베로나시의 손님으로 단테의 후손이자 영화제작자 안나 레라리오와 함께 베로네즈 왕자 칸그란데 델라의 삶을 다룬 영화를 제작했다.[188][189]

로이스 리베렌의 2014년 소설 줄리엣의 간호사는 간호사의 관점에서 극중 사건까지 이어지는 14년을 상상했다.간호사는 원작 연극에서 세 번째로 많은 대사를 가지고 있다. 오직 극중 가장 많은 대사를 가지고 있는 인물들만이 더 많은 대사를 가지고 있다.[190]

이 연극은 옥스퍼드, 캠브리지, RSA Examination Board가 14,000명의 학생들을 대상으로 실시한 2017 GCSE(General Certificate of Secondary Education) 질문의 주제였다.위원회는 이 문제가 캐퓰리트와 몬태규를 혼동하는 것으로 보이자 언론의 광범위한 비판과 조롱을 이끌어 냈으며 시험 감독기관인 오펙은 이 오류를 용납할 수 없다고 묘사했다.[191][192][193][194]

로미오와 줄리엣은 출판사 우동엔터테인먼트의 만가클래식 각인으로부터 만가 포맷으로 각색되어 2018년 5월에 발매되었다.[195]

화면

주요 기사:로미오와 줄리엣이 스크린에 나온다.

로미오와 줄리엣은 역사상 가장 많이 제작된 연극일 것이다.[196]가장 주목할 만한 극장 개봉작은 조지 쿠코르의 멀티오스카 후보 1936년 작품, 프랑코 제피렐리의 1968년 작품, 바즈 루어만의 1996년 MTV에서 영감을 얻은 로미오 + 줄리엣이었다.후자의 두 영화는 둘 다, 그들 시대에, 셰익스피어 역사상 가장 많은 수익을 올린 영화였다.[197]로미오와 줄리엣은 비록 그의 영화가 지금은 없어졌지만, 침묵의 시대에 조르주 멜리에스에 의해 처음 촬영되었다.[196]이 연극은 존 길버트가 노르마 시어러 맞은편 발코니 장면을 낭송한 1929년 할리우드 리뷰에서 처음 영화에 나왔다.[198]

1936년 조지 쿠코르 감독의 MGM 영화에서 로미오 역의 레슬리 하워드와 줄리엣 역의 노마 시어러.

75세가 넘은 시어러와 레슬리 하워드는 조지 쿠코르의 MGM 1936 영화 버전에서 10대 연인 역을 맡았다.비평가도 대중도 열광적인 반응을 보이지 않았다.영화팬들은 이 영화가 1년 전 워너스의 <한여름 밤의 꿈>에서 그랬던 것처럼 멀리 떨어져 10년 넘게 할리우드가 바드를 포기하게 만들었다고 여겼다.[199]레나토 카스텔라니는 1954년 영화 로미오와 줄리엣으로 베니스 영화제에서 그랑프리를 수상했다.[200]그의 로미오, 로렌스 하비는 이미 노련한 스크린 배우였다.[201]이와는 대조적으로, 줄리엣으로, 수잔 션톨은 비서 학생으로, 런던의 한 술집에서 감독에 의해 발견되었고, 그녀의 "달콤한 피부와 꿀빛 머리"로 캐스팅되었다.[202][l]

스테판 오르겔은 프랑코 제피렐리의 1968년 로미오와 줄리엣을 "아름다운 젊은이들로 가득 차 있고, 카메라와 화려한 테크니컬러로 그들의 성적 에너지와 좋은 외모를 최대한 활용한다"[186]고 묘사한다.제피렐리의 10대 주연 배우인 레너드 휘팅과 올리비아 핫세이는 사실상 이전 연기 경험이 없었지만, 상당한 성숙도를 보이며 연기했다.[203][204]제피렐리는 결투 장면을 허세가 걷잡을 수 없는 허풍으로 표현해 특히 칭찬을 받았다.[m][206]이 영화는 올리비아 핫세이가 겨우 15살이었을 때 누드 웨딩 나이트 장면을[207] 포함시켜 논란을 일으켰다.[208]

바즈 루어만의 1996년 작 로미오 + 줄리엣과 함께 수록된 사운드 트랙은 성공적으로 "MTV 세대"를 겨냥했다: 이 이야기의 캐릭터들과 비슷한 나이의 젊은 관객들.[209]제피렐리 버전보다 훨씬 어두운 이 영화는 베로나 비치와 시카모어 그로브의 "괴롭고도 폭력적이고 피상적인 사회"를 배경으로 하고 있다.[210]레오나르도 디카프리오는 로미오였고 클레어 데인스는 줄리엣이었다.

그 연극은 TV와 영화로 널리 각색되었다.1960년 피터 우스티노프의 냉전 무대 패러디 로마노프와 줄리엣이 촬영되었다.[143]1961년 뉴욕 갱단들 사이에 세워진 웨스트 사이드 스토리는 제트를 셰익스피어의 몬테규스에 해당하는 백인 청년으로, 카풀렛에 해당하는 샤크스는 푸에르토리코인이라고 표현했다.[211]2006년, 디즈니의 고등학교 뮤지컬은 로미오와 줄리엣의 줄거리를 이용, 두 젊은 연인을 반목하는 가족 대신 다른 고등학교 집단으로 만들었다.[212]영화 제작자들은 로미오와 줄리엣의 장면을 연기하는 등장인물들을 자주 등장시켰다.[213][n]셰익스피어가 로미오와 줄리엣을 쓴다는 자만심은 셰익스피어가 자신의 불운한 연애를 배경으로 희곡을 쓰는 존 매든의 1998년 셰익스피어 인 러브 등 여러 번 쓰였다.[214][215][216][217]곤조와 SKY 퍼펙트 웰씽크가 제작한 애니메이션 시리즈인 로미오 x 줄리엣은 2007년 제작됐으며 2013년 버전은 이 연극을 바탕으로 한 최신 영어 영화다.2013년 산제이 릴라 반살리는 랑베르 싱과 디피카 파두코네가 주연으로 출연한 현대판 연극인 골리연 키 라슬렐라 람 릴라 감독을 맡았다.그 영화는 상업적이고 비판적인 성공을 거두었다.[218][219]2014년 2월 브로드웨이HD는 2013년 브로드웨이 리바이벌의 로미오와 줄리엣을 촬영한 버전을 공개했다.이 영화에는 올랜도 블룸과 콘돌라 라샤드가 출연했다.[220]

현대 소셜 미디어 및 가상 세계 프로덕션

2010년 4월과 5월, 로열 셰익스피어 컴퍼니와 머들라크 프로덕션 컴퍼니는 트위터를 통해 즉흥적으로 실시간 트윗 시리즈로 '그런 트윗 서러움'이라는 제목의 연극 버전을 선보였다.이 작품은 RSC 배우들이 관객들과도 호흡을 맞췄고, 전통적인 대본이 아닌 머들라크 제작진과 작가 팀 라이트, 베탄 말로우가 개발한 '그리드'를 선보였다.출연자들은 또한 유튜브와 같은 다른 미디어 사이트들을 사진과 비디오에 이용한다.[221]

천문학

천왕성의 달 중 두 개인 줄리엣과 마브는 이 연극의 이름을 따서 명명되었다.[222]

장면별

  • 1599년 출판된 로미오와 줄리엣의 제2 쿼토 타이틀 페이지

  • 제1막 프롤로그

  • 제1막 1장: 카풀렛과 몬태규의 다툼

  • 1막 2장

  • 1막 3장

  • 1막 4장

  • 1막 5장

  • 1막 5장: 로미오의 줄리엣 첫 인터뷰

  • 제2막 프롤로그

  • 2막 3장

  • 2막 5장: 줄리엣은 간호사를 간호한다.

  • 2막 6장

  • 3막 5장: 로미오가 줄리엣을 떠나다

  • 4막 5장: 줄리엣의 가짜 죽음

  • 4막 5장: 또 다른 묘사

  • 5막 3장: 줄리엣이 깨어나 로미오의 죽음을 발견하다

참고 항목

참고 및 참조

메모들

  1. ^ § 셰익스피어의 날을 보다.
  2. ^ 기븐스는 '한여름 밤의 꿈'뿐만 아니라 '러브스 노동당의 로스트'와 '리처드 2세'와도 평행선을 그린다.[28]
  3. ^ 레벤슨은 "별그대"를 "별그대"라고 정의한다.[63]
  4. ^ 여관의 중앙 마당과 글로브 극장과 같은 공공 극장에서 공연할 때 유일한 조명의 원천은 햇빛이었다.궁정에서 공연할 때, 귀족의 한 위풍당당한 집 안과 블랙프라이어스 극장 촛불 조명 같은 실내 극장에서는 밤에도 연극을 공연할 수 있었다.
  5. ^ 할리오는 여기서 칼 A를 인용한다. 메닝거의 '자기 자신에 대항하는 남자'(1938).[85]
  6. ^ 내림차순으로 더 인기 있는 5개의 연극은 헨리 6세, 파트 1, 리처드 3세, 페리클레스, 햄릿, 리처드 2세 이다.[108]
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  8. ^ 부스의 '로미오와 줄리엣'은 4년 전 '겨울의 정원'에서 자신만의 '백밤 햄릿'으로 인기를 끌었다.
  9. ^ 1869년 2월 3일 부스 극장에서 열린 로미오와 줄리엣의 개막 야간 공연 프로그램의 첫 페이지.
  10. ^ 레벤슨은 더 타임즈에 실린 제피렐리와의 1960년 인터뷰에서 인용한 말을 인용했다.[137]
  11. ^ 레벤슨은 이 장르 목록을 스탠리 웰스에게 돌렸다.
  12. ^ 브로드는 레나토 카스텔라니 말을 인용한다.
  13. ^ 브로드는 보그의 앤서니 웨스트와 뉴요커의 몰리 판터 다운스를 예로 들었다.[205]
  14. ^ 맥커넌과 테리스는 연극 자체의 영화를 포함하지 않고 로미오와 줄리엣의 39가지 사용 사례를 열거하고 있다.

참조

로미오와 줄리엣에 대한 모든 언급은 달리 명시되지 않는 한, 1599년 2분기 본문을 바탕으로 한 아르덴 셰익스피어 2판(기본, 1980)에서 따온 것이며, 1597년 1분기부터 원소를 가지고 있다.[223]로마 숫자를 사용하는 그것의 참조 시스템에서 II.i.33은 행위 2, 장면 2, 라인 33을 의미하며 장면 번호 대신 0은 행위에 대한 프롤로그를 의미한다.

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  17. ^ 다 포르토는 단테가 실제로 그의 콤미디어에서 카펠레티와 몬테크치를 언급하고 있다는 점에서 전자의 후원과의 연관성이 그를 아마도 약간 더 가능성 있게 만들지만 바르톨로메오 1세(regnat 1301–1304)나 바르톨로메오 2세(regnat 1375–1381)가 어떤 바톨로메오의 의도인지는 명시하지 않는다.
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로미오와 줄리엣의 판