셰익스피어의 연기.

Shakespeare in performance
존 길버트 경의 1849년 그림:윌리엄 셰익스피어의 연극은 420개의 장면과 여러 윌리엄 셰익스피어의 연극에 나오는 인물들을 다룬다.

윌리엄 셰익스피어의 연극은 16세기 말부터 수천 편의 공연이 무대에 올랐다.셰익스피어가 살아 있는 동안, 그의 많은 위대한 연극들은 글로브와 블랙프라이어스 [1][2]극장에서 체임벌린 경의 남자들과 왕의 남자 연기 극단들에 의해 공연되었다.이 오리지널 공연의 배우들 중에는 리처드 버비지 (햄릿, 오델로, 리처드 3세, [3]리어왕의 첫 공연에서 주인공 역할을 맡았던), 리처드 카울리, 그리고 윌리엄 켐프가 있었다.

셰익스피어의 연극은 그가 죽은 후에도 청교도 통치자들에 의해 대부분의 공개 무대 공연이 금지되었던 중간기(1642–1660)까지 계속 무대에 올랐다.영국 유신 이후 셰익스피어의 연극은 정교한 경관과 함께 연극장에서 공연되었고 음악, 춤, 천둥, 번개, 파도 기계, 불꽃놀이와 함께 공연되었다.이 기간 동안 텍스트는 무대를 위해 "개혁"되고 "개선"되었으며, 이는 후세에 충격적인 무례로 여겨져 왔다.

빅토리아 시대의 셰익스피어 작품들은 종종 "진짜" 역사적 의상과 세트장에서 그림 효과를 추구했다.안토니우스와 클레오파트라에서 보고된 바다 싸움과 바지선 장면을 무대에 올린 것은 하나의 멋진 [4]예였다.셰익스피어 희곡의 위치가 자주 바뀌는 그런 정교한 풍경은 종종 속도 저하로 이어졌다.19세기 말, 윌리엄 포엘은 이 무거운 스타일에 대한 반발을 이끌었다.스러스트 스테이지에서의 일련의 "엘리자벳" 작품에서 그는 드라마의 구조에 신선한 관심을 기울였다.20세기 초, 할리 그랜빌 바커는 몇 [5]컷이 없는 쿼토와 폴리오의 원작을 감독했고, 에드워드 고든 크레이그와 다른 사람들은 추상적인 스테이징을 요구했다.두 가지 접근법 [6]모두 오늘날 보여지는 다양한 셰익스피어 작품 스타일에 영향을 끼쳤다.

셰익스피어 생전의 공연

셰익스피어가 그의 초기 희곡을 썼던 극단은 확실히 알려져 있지 않다; 1594년판 티투스 안드로니커스의 타이틀 페이지는 그것이 세 개의 다른 [7]극단들에 의해 연기되었다는 것을 보여준다.셰익스피어의 연극은 1592~93년의 역병 이후 [8]템스강 북쪽 쇼디치의 The The The The The The The The The The The The The The The The The The The The The The Theater and the Curtain of the Camplein's Men에서 새롭게 창단한 새로운 극단인 Lord Chamberlain's Men에 의해 공연되었다.런던 시민들은 헨리 4세의 첫 부분을 보기 위해 몰려들었고, 레너드 디지는 "팔스태프, 할, 포인스, 그리고 나머지는... 그러면 방이 거의 [9]없을 것이다."라고 회상했다.극장의 주인이 회사의 임대 계약을 갱신하지 않겠다고 발표하자, 그들은 극장을 철거하고 목재를 사용하여 배우들이 만든 최초의 런던 연극장인 글로브 극장을 사우스워크의 [10]템즈강 남쪽 둑에 건설했다.1599년 가을, 줄리어스 시저와 함께 글로브가 개봉되었다.햄릿, 오델로, [11]리어왕을 포함한 셰익스피어의 1599년 이후의 가장 위대한 희곡 대부분은 지구본을 위해 쓰여졌다.

런던 글로브 극장 재건축

글로브는 런던의 다른 지붕이 열린 공공 극장들과 마찬가지로 천으로 덮인 돌출식 무대를 사용했다.무대 뒤쪽에 있는 2층짜리 정면은 지친 집을 가리고 정면의 꼭대기 근처에 있는 창문을 통해 로미오와 줄리엣과 같은 발코니 장면을 볼 수 있는 기회를 제공한다.파사드 하단의 문은 템페스트의 끝부분에서와 같은 장면을 발견하기 위해 사용되었을지도 모른다.햄릿의 유령과 관련된 것 처럼 무대 안의 함정 문은 무대 사업에 사용될 수 있다.이 트랩도어 지역은 '지옥'이라고 불렸는데, 그 위에 있는 캐노피가 '천국'이라고 불렸기 때문이다.

스테이징과 프로덕션의 다른 기능에 대해서는 거의 알려져 있지 않습니다.코스튬 연출은 가능한 한 정교했지만 무대 소품들은 미미했던 것으로 보인다.로미오와 줄리엣의 서문에서 언급된 "두 시간의 교통량"은 공상적이지 않았다; 시 정부의 적대감은 공연이 공식적으로 그 시간 안에 제한되었다는 것을 의미했다.기업들이 이러한 금지 명령을 얼마나 심각하게 받아들였는지는 알려지지 않았지만, 연극이 아슬아슬한 속도로 공연되었거나 현재 존재하는 연극 텍스트가 공연을 위해 잘려나갔거나 둘 다일 가능성이 있는 것으로 보인다.

셰익스피어의 원작이 공연된 또 다른 주요 극장은 리처드 버비지의 아버지 제임스 버비지와 체임벌린 경의 남자 임프레사리오에 의해 지어진 실내 극장인 제2의 블랙프라이어스 극장이었다.하지만, 이웃들의 항의로 인해 버비지는 수년간 체임벌린 경의 남자 공연을 위해 극장을 이용하는 것을 막았다.1603년 체임벌린 경의 부하들이 왕의 부하로 개명된 후, 그들은 제임스 왕의 새로운 궁정과 특별한 관계를 맺게 되었다.공연 기록은 다소 엉성하지만, 왕의 사람들은 1604년 11월 1일부터 1605년 10월 31일 사이에 궁정에서 [12]베니스의 상인 두 편을 포함한 셰익스피어의 희곡 7편을 공연한 것으로 알려져 있다.1608년에 왕의 부하들이 블랙프라이어스 극장을 점령했다.1608년 이후, 이 극단은 겨울에는 실내 블랙프라이어 극장에서,[13] 여름에는 글로브에서 공연을 했다.실내 환경은 호화롭게 꾸며진 가면극에 대한 자코바 유행과 결합되어, 셰익스피어가 보다 정교한 무대 장치를 도입할 수 있는 새로운 공연 조건을 만들었다.예를 들어 심벌린에서 주피터는 "천둥이 치고 번개가 치고 독수리 위에 앉아 낙뢰를 던진다.유령은 무릎을 [14]꿇고 쓰러진다.실내극장에서 제작된 연극도 효과음과 음악을 더 많이 사용한 것으로 추정된다.

해군 선장 윌리엄 킬링의 일기의 일부분이 남아 있는데, 그는 그의 선원들이 햄릿(1607년 9월 5일 시에라리온 앞바다와 1608년 [15]3월 31일 소코트라 앞바다)과 리처드 2세([15]1607년 9월 30일 시에라리온 앞바다)의 선상 공연을 상세히 설명하고 있다.발견된 후 한동안 이 조각은 위조된 것으로 의심되었지만, 현재는 일반적으로 [16]진품으로 받아들여지고 있다.이것들은 셰익스피어 [15]연극의 첫 번째 아마추어 공연이다.

1613년 6월 29일, Globe Theatre는 헨리 8세의 공연 도중 불길에 휩싸였다.공연 도중 터진 극장용 대포는 실탄으로 나무 들보에 불을 붙이고 초가지붕에 불을 붙였다.이 사건에 대한 몇 안 되는 문서 중 하나에 따르면, [17]에일병으로 불타는 바지를 꺼낸 한 남자를 제외하고는 아무도 다치지 않았다고 한다.그 사건은 셰익스피어 희곡의 연대를 보기 드물게 정확하게 짚어낸다.헨리 워튼 경은 이 연극이 "장엄과 [18]의식의 많은 특이한 상황으로 상연되었다"고 기록했다.그 극장은 재건되었지만 런던의 다른 모든 극장들과 마찬가지로, 글로브는 1642년에 청교도들에 의해 폐쇄되었다.

셰익스피어의 배우로는 리처드 버비지, 윌 켐프, 헨리 콘델, 존 헤밍스가 있었다.버비지는 리처드 3세, 햄릿, 오델로, [19]리어왕을 포함한 많은 셰익스피어 희곡의 첫 공연에서 주도적인 역할을 했다.인기 코믹 배우 윌 켐프는 로미오와 줄리엣에서 피터 역을 맡았고, 머치 아도 어바웃 낫싱에서 도그베리 역을 맡았다.그는 16세기 초에 로버트 아르민에 의해 대체되었는데, 로버트 아르민은 영화 "As You Like It"의 터치스톤과 [20]"Lear King"의 바보와 같은 역할을 맡았다.연기 스타일에 대해서는 확실히 알려진 것이 거의 없다.비평가들은 최고의 배우들의 자연스러움을 칭찬했다.햄릿이 가지고 있는 것처럼, 분노한 사람들과 "너덜너덜한 열정을 가진 사람들"에게 경멸이 쏟아졌다.또한 햄릿과 함께, 극작가들은 무대에서 즉흥적으로 연기하는 광대들에 대해 불평한다.리처드 탈튼과 함께 절정에 달했던 코미디의 오래된 전통에서, 종종 극단의 주요 관심사인 광대가 희극 바이 플레이를 창조하는 데 책임이 있었다.Jacobe 시대까지, 그런 종류의 유머는 언어 위트로 대체되었다.

인터빈룸 및 리스토어 퍼포먼스

위츠 (1662년)의 앞부분은 극적 익살스러움을 보여주며 팔스태프는 왼쪽 아래 구석에 있다.

셰익스피어의 연극은 그가 죽은 후에도 청교도 통치자들에 의해 대부분의 공개 무대 공연이 금지되었던 중간기(1642–1660)까지 계속 무대에 올랐다.무대, 의상, 장면의 사용을 거부한 반면, 배우들은 보통 어떤 종류의 지그로 끝나는 "드롤"이나 짧은 대형 연극을 연기함으로써 그들의 장사를 열심히 했다.셰익스피어는 이 장면들로 인해 그의 작품들이 약탈당한 많은 극작가들 중의 하나였다.셰익스피어에게서 따온 침방울 중에는 바텀 더 베이어 (한여름 밤의 [21]꿈에서 나온 바텀의 장면)와 더 그레이브 [22]메이커 (햄릿에서 나온 목축업자의 장면)가 있었다.

1660년 유신 때, 셰익스피어의 연극은 새롭게 허가된 두 개의 극단, 즉 토마스 킬리그루의 킹 컴퍼니와 윌리엄 데이번트의 공작 부하로 나뉘었다.라이선스 제도는 2세기 동안 우세했다; 1660년부터 1843년까지 오직 두 개의 주요 회사만이 런던에서 셰익스피어를 정기적으로 선보였다.존 로윈과 조셉 테일러와 같은 초기 Stuart 배우들을 알고 지냈던 데이브넌트는 초기 전통과 약간의 연속성을 확립한 주요 인물이었다. 따라서 그의 배우들에 대한 조언은 원래의 관행을 가능한 한 반영하는 것으로 흥미롭다.

그러나 전반적으로 볼 때, Restoration 회사들에게는 혁신이 오늘의 순서였습니다.존 다운스는 킹스맨에 처음에는 캐롤라인 배우들도 포함되었지만, 인터빈룸의 강제적인 중단으로 두 회사가 과거와 갈라졌다고 보도했습니다.복원 배우들은 종종 저녁 6시에서 9시 사이에 프로세니엄 무대에서 공연을 했다.세트 디자인과 소품들은 더욱 정교하고 다양해졌다.아마도 가장 눈에 띄는 것은 남자 선수들이 여배우로 대체되었다는 것이다.비교적 비싼 실내 극장의 관객들은 다양하고 종종 제멋대로인 글로브 관객들보다 부유하고, 더 나은 교육을 받았고, 더 동질적이었다.데이비넌트의 일행은 솔즈베리 코트 극장에서 시작되었고, 링컨의 인 필즈 극장으로 옮겼고, 마침내 도싯 가든 극장에 자리를 잡았습니다.킬리그루는 드러리 레인에 있는 크리스토퍼 렌의 새 극장에 정착하기 전에 기번 테니스 코트에서 시작했다.두 회사의 고객들은 엘리자베스 시대 사람들을 기쁘게 했던 것과는 상당히 다른 요금을 기대했다.비극을 위해 그들의 취향은 영웅극으로, 희극은 매너코미디로 이어졌다.그들은 셰익스피어를 좋아했지만 그의 희곡이 이러한 선호에 부합하기를 바랐던 것 같다.

햄릿 역의 복고 배우 토마스 베터턴은 아버지의 유령(햄릿과 거트루드 모두 현대 복장을 하고 있음)에 직면했다(1709)

복원 작가들은 셰익스피어의 희곡을 자유롭게 각색함으로써 그들에게 강요했다.윌리엄 데이번트와 나흠 테이트와 같은 작가들은 셰익스피어의 희곡 중 일부를 당시의 취향에 맞게 다시 썼는데, 이는 보몽과 플레처의 궁정적인 희극과 신 고전주의 [23]극의 규칙을 선호했다.1681년, 테이트는 셰익스피어의 원래 비극을 해피엔딩으로 변형한 리어왕의 역사를 출간했다.스탠리 웰스에 따르면, 테이트의 버전은 윌리엄 찰스 맥레디가 셰익스피어의 [25]원문을 줄여서 편곡한 리어를 연기했을 때 "1681년부터 [24]1838년까지의 모든 공연에서 셰익스피어의 희곡을 대체했다"고 한다.테이트는 "이것은 나의 행운"이라고 말했다. "이야기의 규칙성과 가능성에서 부족한 것을 바로잡을 수 있는 한 가지 방법, 즉 원작에서 서로 말을 바꾸지 않는 에드거와 코델리아 사이의 사랑 전체를 관통하는 것이었다."[26]

테이트의 리어는 셰익스피어의 비극적인 비전에 대한 무감각에서 비롯된 잘못된 적응의 한 예로 유명하다.테이트의 천재성은 언어가 아니라, 그의 삽입된 많은 대사들이 스캔도 하지 않는 구조였다. 그의 리어는 에드먼드 더 서자드의 첫 번째 이목을 끄는 연설로 훌륭하게 시작되었고, 리어가 감옥에서 코델리아를 구하고 왕좌를 되찾는 영웅적인 행위로 끝이 났다.테이트의 세계관과 그의 "해피엔딩" 버전의 바드의 비극적 작품들 (리어 왕, 로미오와 줄리엣과 같은)을 한 세기 이상 수용하고 요구했던 연극계의 세계관은 사회와 연극과 예술이 그 사회에서 해야 할 역할에 대한 완전히 다른 도덕감각에서 비롯되었다.테이트의 셰익스피어 버전은 연극의 책임을 우리의 저속한 본능에 대한 도덕적 거울을 들어줌으로써 긍정적인 변화를 위한 변혁의 주체로 본다.우리가 현재 바드의 위대한 작품들 중 일부라고 생각하는 것에 대한 테이트의 버전은 18세기 내내 무대를 지배했는데, 바로 계몽과 이성의 시대가 셰익스피어의 "비극적 비전"을 부도덕하게 여겼고 그의 비극적인 작품들은 흔들리지 않았기 때문이다.테이트는 오늘날 거의 공연되지 않지만, 1985년 리버사이드 셰익스피어 컴퍼니는 "로널드 [27]레이건의 시대를 위한 교훈"으로 알려진 셰익스피어 센터에서 리어왕의 역사를 성공적으로 제작했습니다.

아마도 유신의 개정의 목적의 더 전형적인 예는 데이븐넌트의 "연인에 대한 법"일 것이다. 이것은 측정의 주요 줄거리와 아무것도 아닌 것에 관한 많은 소동 줄거리를 결합한 1662년 코미디이다.그 결과는 유신만화 취향의 스냅사진이다.베아트리체와 베네딕은 클라우디오와 영웅을 병행한다.전반적으로 위트 있는 대화에 중점을 두고 있으며 욕망에 대한 셰익스피어의 주제적 초점은 꾸준히 과소평가되고 있다.연극은 세 번의 결혼으로 끝을 맺는다.베네딕은 베아트리스에게, 클라우디오는 영웅에게, 이사벨라는 안젤로에게, 이사벨라는 이자벨라의 미덕에 대한 시도가 책략이었다.데이비넌트는 많은 가교 장면을 썼고 셰익스피어의 시 대부분을 영웅 커플로 재연했다.

유신 무대 기법의 마지막 특징은 셰익스피어의 작품에 영향을 미쳤다.망명자들이 프랑스에서 발전시킨 오페라에 대한 취향은 셰익스피어에도 영향을 미쳤다.데이브넌트와 존 드라이든은 템페스트에서 오페라, 템페스트, 마법의 섬으로 작업했다. 그들의 작품에는 미란다의 여동생, 여자를 본 적이 없는 남자, 히폴리토, 그리고 마지막에는 또 다른 커플 결혼이 등장한다.그것은 또한 많은 노래, 화려한 난파 장면, 날아다니는 큐피드의 가면을 특징으로 했습니다.오페라적 치료를 받은 셰익스피어의 다른 작품으로는 한여름 밤의 꿈 (1692년 요정-여왕 역)과 찰스 길든의 치수를 위한 측정 (공들인 가면극)이 있다.

그러한 개정안이 지금 아무리 잘못 인도된 것처럼 보일지라도, 그것은 그 시대의 극작가들과 관객들에게 의미가 있었다.극작가들은 셰익스피어를 음유시인으로서가 아니라 연극 전문가로서 접근했다.1668년 드라이든은 "그들 중 둘은 셰익스피어나 존슨의 작품 중 하나를 위해 1년 동안 연기된다"[28]고 말했고, "그들의 작품은 이제 무대에서 가장 즐겁고 빈번한 오락이 되었다"는 보몽과 플레처와는 달리, 셰익스피어는 그들에게 날짜가 된 것처럼 보였다.하지만 거의 모든 면에서, 그들은 그를 갱신할 가치가 있다고 보았다.비록 이러한 개정된 작품들은 대부분 무대에서 실패했지만, 많은 작품들은 수십 년 동안 현재 무대에 남아있었다.예를 들어, 토마스 오트웨이의 로마 번안 로미오와 줄리엣은 셰익스피어의 원작을 1680년에서 1744년 사이의 무대에서 몰아낸 것으로 보인다.18세기 초 레퍼토리에서 선두를 차지한 것은 대부분 개정 셰익스피어였지만, 보몬트와 플레처의 점유율은 꾸준히 떨어졌다.[29]

18세기

18세기는 셰익스피어 연극의 연출에 세 가지 주요한 변화를 목격했다.영국에서 스타 시스템의 발달은 연기와 연출을 모두 변화시켰다; 세기 말에 낭만주의 혁명은 모든 예술에 영향을 미쳤듯이 연기에 영향을 미쳤다.동시에, 배우들과 제작자들은 유신 수정안을 서서히 제거하면서 셰익스피어의 본문으로 돌아가기 시작했다.마침내, 세기 말에 셰익스피어의 연극은 미국뿐만 아니라 많은 유럽 국가들에서 영국 이외의 레퍼토리의 일부로 확립되었다.

영국

리처드 3세 역의 데이비드 개릭윌리엄 호가스, 1745년워커 아트 갤러리보스워스 전투 전 텐트 장면: 리차드는 자신이 죽인 자들의 유령에 시달린다.

18세기에 셰익스피어는 런던 무대를 장악했고, 셰익스피어 작품은 스타 배우들을 위한 스타 턴의 창조로 점점 변모했다.1737년의 라이선스 법 이후, 상연되는 연극의 4분의 1은 셰익스피어에 의한 것이었고, 적어도 두 차례에 걸쳐 라이벌인 런던의 극장이 똑같은 셰익스피어 연극을 동시에 공연했고 여전히 관객들을 사로잡았다.이 사건은 연극 문화에서 셰익스피어 스타들의 중요성이 커지고 있다는 것을 보여주는 두드러진 사례였고, 가장 큰 매력은 코벤트 가든과 드루리 레인, 스프레인저 배리와 데이비드 개릭의 남자 주연들 간의 경쟁과 경쟁이었다.1740년대에, 말볼리오와 샤일록과 같은 역할의 찰스 맥클린과 1741년에 리차드 3세로 명성을 얻은 데이비드 개릭은 셰익스피어를 진정으로 [30]인기 있게 만드는데 도움을 주었다.게릭은 1747년에서 1776년 사이에 드루리 레인 극장에서 26편의 연극을 제작했고, 1769년에는 [31]스트랫포드에서 위대한 셰익스피어 주빌리를 열었다.그러나 그는 셰익스피어의 작품을 자유롭게 각색하며 햄릿에 대해 "나는 5막의 모든 쓰레기에서 그 고귀한 연극을 구할 때까지 무대를 떠나지 않겠다고 맹세했다.나는 무덤 파는 자의 속임수, 오스크릭과 펜싱 [32]시합을 하지 않고 그것을 꺼냈다.명백히 30대 후반에 배리와 개릭이 청소년 로미오를 연기하고 다음 시즌에는 노년층인 리어 왕을 연기하는 것에 있어 부조화는 인식되지 않았다. 18세기 진실의 개념은 보통 배우가 역할에 신체적으로 적합할 것을 요구하지 않았다, 로미오와 줄리엣의 1744년 작품에서 요약되는 사실당시 마흔이었던 우리 시버는 그의 10대 딸 제니의 줄리엣에게 로미오를 연기했다.

유럽 기타 지역

셰익스피어의 작품 중 일부는 심지어 그의 생전에 유럽 대륙에서 공연되었다; 루드비히 티크는 햄릿과 다른 연극의 독일판, 불확실한 기원을 지적했지만, 확실히 [33]꽤 오래되었다. 하지만 셰익스피어가 독일 [34]무대에 정기적으로 등장한 것은 다음 세기 중반이 지나서야였다.독일에서 레싱은 셰익스피어를 독일 민속 문학에 비교했다.괴테는 1771년 프랑크푸르트에서 셰익스피어 주빌리를 조직하여 극작가가 아리스토텔레스식 통일체들이 "감옥처럼 억압적"이며 "우리의 상상력에 대한 무거운 족쇄"임을 보여줬다고 말했다.허더도 마찬가지로 셰익스피어의 작품을 읽으면 "시간의 [35]모래에 부는 사건, 섭리, 세상의 책으로부터 나오는 잎"이 열린다고 선언했다.셰익스피어의 작품이 혼란스럽고, 넘치고, 모순된 세계를 드러내기 위해 모든 창조적인 경계를 허물고, 낭만주의 비평의 특징이 되었고, 나중에 빅토르 위고에 의해 표현된 그의 희곡 크롬웰의 서문에서 그는 셰익스피어를 비극적이고, 터무니없고, 사소한 장르인 그로테스크의 예술가로서 극찬했다.진지함과 진지함은 [36]뗄래야 뗄 수 없이 얽혀 있었다.

19세기

1813년 드루리 레인의 로열 극장.플랫폼 무대는 사라지고 오케스트라 피트는 배우와 관객 사이를 갈라놓습니다.

극장과 연극의 풍경은 19세기에 더욱 정교해졌고, 사용된 연기판은 속도와 행동을 [37]희생하면서 점점 더 많은 독백과 스타들을 강조하기 위해 점점 더 잘리고 재구성되었다.공연은 풍경을 바꾸기 위해 자주 중단해야 하는 필요성으로 인해 더 느려졌고, 공연 길이를 허용 가능한 범위 내에서 유지하기 위해 더 많은 컷이 필요하다는 인식이 생겼다. 셰익스피어의 연극은 상당한 컷 없이 공연되기에는 너무 길다는 것은 일반적으로 받아들여지는 격언이 되었다.17세기 배우들이 관객들과 접촉하기 위해 나섰던 무대인 앞치마는 사라지고, 배우들은 오케스트라에 의해 관객들과 더욱 떨어져 있는 네 번째 벽이나 프로세니엄 아치 뒤에 영구적으로 머물렀다(오른쪽 이미지 참조).

빅토리아 시대의 셰익스피어 작품들은 종종 "진짜" 역사적 의상과 세트장에서 그림 효과를 추구했다.안토니우스와 클레오파트라에서 보고된 바다 싸움과 바지선 장면을 무대에 올린 것은 하나의 멋진 [4]예였다.너무 자주, 결과는 속도 저하였다.세기말 무렵, 윌리엄 포엘은 이 무거운 스타일에 대한 반발을 이끌었다.스러스트 스테이지에서의 일련의 "엘리자벳" 작품에서 그는 드라마의 구조에 신선한 관심을 기울였다.

19세기를 거치면서, 전설적인 배우들의 이름이 점호되면서 그들이 출연하는 연극은 사라 시든스 (1755–1831), 존 필립 켐블 (1757–1823), 헨리 어빙 (1838–1905) 그리고 엘렌 테리 (1847–1928)가 거의 사라지게 되었다.합법적인 드라마의 스타가 된다는 것은 무엇보다도 위대한 셰익스피어 배우가 된다는 것을 의미하게 되었고, 남성에게는 햄릿, 여성에게는 맥베스 부인에 대한 유명한 해석과 함께, 특히 위대한 독백의 놀라운 전달을 의미하게 되었다.셰익스피어 공연의 극치, 스타, 독백의 절정은 1878년부터 1902년까지 런던 라이시엄 극장에서 종종 오케스트라 부수 음악과 함께 정교하게 무대에 오른 작품에서 배우 겸 매니저인 헨리 어빙과 그의 공동 주연인 엘렌 테리의 통치와 함께 찾아왔다.동시에, 셰익스피어의 원문의 뿌리와 무대 무대, 풍경의 부재, 그리고 엘리자베스 시대 극장의 유동적인 장면의 변화는 윌리엄 포엘의 엘리자베스 시대 [38]협회에 의해 영향을 받았다.

20세기

20세기 초, 할리 그랜빌 바커는 몇 [5]컷이 없는 쿼토와 폴리오의 원작을 감독했고, 에드워드 고든 크레이그와 다른 사람들은 추상적인 스테이징을 요구했다.두 가지 접근법 [6]모두 오늘날 보여지는 다양한 셰익스피어 작품 스타일에 영향을 끼쳤다.

20세기에는 셰익스피어의 희곡에 대한 시각적인 해석도 다양했다.

1911년 고든 크레이그의 햄릿 디자인은 입체파적 영향에서 획기적인 것이었다.크레이그는 심플한 평면으로 공간을 정의했습니다.단색 캔버스는 나무틀에 늘어져 있고, 그것들은 경첩으로 연결되어 있어 스스로 지탱할 수 있습니다.비록 이 아파트들의 건축이 독창적이지는 않았지만, 셰익스피어에 적용된 것은 완전히 새로운 것이었다.평면은 많은 구성으로 정렬될 수 있으며 유럽이나 아메리카의 모든 극장에 공통적인 공급과 방법으로 건축 또는 추상적인 석상 구조물을 시뮬레이션하는 기술을 제공했습니다.

셰익스피어의 20세기 풍경화의 두 번째 큰 변화는 배리 빈센트 잭슨이 1923년 버밍엄 하원의원에서 심벌린을 제작했을 때였다.이 작품은 현대 복장의 개념을 셰익스피어에 다시 도입했기 때문에 획기적인 것이었다.제1차 세계대전 이전에는 몇 가지 사소한 예가 있었기 때문에 현대 의복 제작이 처음은 아니었지만, 노골적으로 이 장치에 대한 관심을 환기시킨 것은 심블린이 처음이었다.Iachimo는 내기를 위해 이브닝 드레스를 입고, 궁정은 군복을 입고, 변장한 Imogen은 니커보커와 모자를 쓰고 있었다.비평가들이 "쉐이크스피어 인 플러스 4"[39]라는 캐치프레이즈를 만든 것은 이 작품을 위해서였다.실험은 적당히 성공적이었고, 감독 H.K. 에일리프는 2년 후 햄릿을 현대 복장으로 무대에 올렸다.이 작품들은 오늘날 우리에게 친숙한 현대식 셰익스피어 작품의 발판을 마련했다.

1936년, 오슨 웰스는 연방 극장 프로젝트에 고용되어 할렘에서 흑인 출연진과 함께 맥베스의 획기적인 제작을 감독했습니다.이 작품은 부두 맥베스로 알려지게 되었고, 웰스는 아프리카 [40]마술에 의해 철저히 통제된 사악한 왕이 운영하는 19세기 아이티로 설정을 바꾸었다.처음에는 적대적이었지만, 흑인 사회는 철저하게 제작에 착수했고, 라파예트 극장에 10주 동안 만원을 보장했고, 작은 브로드웨이 성공과 [41]전국 투어를 촉진했습니다.

셰익스피어의 희곡을 재배치하는 이러한 추세를 따르는 20세기의 다른 주목할 만한 작품들은 H.K.이다. 1928년 아일리프의 맥베스는 1차 세계대전의 전장을 배경으로, 1937년 뉘른베르크에서의 나치 집회에 바탕을 둔 웰스의 율리우스 시저, 1994년 사커의 코리올라누스는 프랑스 [42]대혁명과 같은 의상을 입었다.

1978년, The Taming of the Shrews는 파괴적인 버전의 The [43]Taming of the Traw가 로열 셰익스피어 극장에서 공연되었습니다.주인공은 객석을 지나 무대를 향해 걸어가며 술에 취한 척하고 성차별적인 발언을 외쳤다.언론 보도 이후에도 일부 관객들은 실제 [43]폭행 장면을 목격했다고 생각하며 공연을 피했다.

21세기

'오셀로' (5:05)
미국 배우 제임스 얼 존스가 2009년 5월 12일 백악관의 시, 음악, 구어 저녁 행사에서 셰익스피어의 오셀로의 1막 3장 독백을 공연하고 있다.
'오셀로
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영국의 로얄 셰익스피어 회사는 21세기에 두 개의 주요 셰익스피어 축제를 제작했다.첫 번째는 2006-2007년 셰익스피어의 모든 희곡과 [44]시를 상연했던 전집(RSC 페스티벌)이었다.두 번째는 2012년 세계 셰익스피어 페스티벌로, 런던 2012 문화 올림피아드의 일부로 전 세계 [45]수천 명의 연주자들이 참여하는 70여 개의 작품이 전시되어 있다.이 작품들 중 절반 이상이 글로브 투 글로브 페스티벌의 일부이다.이 축제의 각 작품은 셰익스피어 학자들, 연극 전문가들, 블로거들에 의해 셰익스피어의 해라고 불리는 프로젝트에서 리뷰되었다.

2009년 5월, 햄릿은 윈덤의 돈마 웨어하우스 웨스트 엔드 시즌에서 주드 로와 함께 타이틀 역할로 개봉했다.그는 론 쿡, 피터 에어, 길림 리, 존 맥밀런, 케빈 R 맥널리, 구구 음바타-로우, 맷 라이언, 알렉스 월드만, 페넬로피 윌튼과 함께 했다.제작은 공식적으로 6월 3일에 시작되었고 2009년 [46][47]8월 22일까지 계속되었다.2009년 8월[48] 25일부터 30일까지 덴마크 엘시노어 성에서, 그리고 뉴욕의 브로드허스트 극장 브로드웨이에서 공연되었다.

프로펠러 회사는 [49]전 세계에서 남성 출연진을 모두 섭외했다.필리다 로이드는 런던에서 [50][51][52]여성 출연자들로 구성된 셰익스피어 버전을 지속적으로 무대에 올려왔다.

영화 속 셰익스피어

주요 기사:윌리엄 셰익스피어 영화 각색 목록

셰익스피어의 연극은 20세기 초부터 420편 이상의 장편 영화 버전이 제작되었고,[53] 셰익스피어는 지금까지 가장 많이 영화화된 작가가 되었다.일부 영화 각색 작품들, 특히 10대 관객들을 대상으로 한 할리우드 영화들은 그의 대사보다는 줄거리를 사용하는 반면, 다른 영화들은 단순히 그의 희곡을 영화화한 것이다.

의상과 디자인

수세기 동안 셰익스피어가 어떻게 공연되어야 하는지에 대한 받아들여진 스타일이 있었는데, 이는 "엘리자벳"이라고 잘못 표기되었지만 실제로 셰익스피어가 죽은 직후부터의 디자인 경향을 반영했다.셰익스피어의 공연은 원래 현대 복장으로 공연되었다.배우들은 무대에서 입을 수 있는 의상을 입고 있었다.이것은 18세기 그루지야 시대까지 계속되었고, 그 시대에는 의상이 현재의 유행하는 옷이었다.그가 죽은 후 수 세기 후에, 주로 19세기에 이르러서야, 작품들은 뒤를 돌아보기 시작했고 셰익스피어 스타일에 "진정성"이 되려고 노력했다.빅토리아 시대는 역사적 정확성에 매료되었고 이는 교육받은 중산층의 관심을 끌기 위해 무대에 맞춰졌다.Charles Kean은 특히 역사적 맥락에 관심이 있었고 그의 작품을 위한 역사적 의상과 배경을 연구하는 데 많은 시간을 보냈다.이 가짜 샤케스피어 양식은 20세기까지 고정되었다.21세기 현재, 셰익스피어의 작품은 극소수인데, 그들은 여전히 "진짜" 시대의 옷을 입고 공연되고 있는 반면, 1990년까지 셰익스피어 연극의 거의 모든 실제 영화 버전은 정확한 시대의 의상을 입고 공연되었다.

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외부 링크