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템페스트

The Tempest
이 기사는 셰익스피어 연극에 관한 것입니다. 기타 용도에 대해서는 템페스트(동음이의한 설명)를 참조하십시오.
템페스트
First Folio에 있는 부분의 제목 페이지
편집자에드워드 블런트와 아이작 재가드
작가.윌리엄 셰익스피어
나라잉글랜드
언어영어
장르.셰익스피어 코미디
비극오미디

템페스트는 윌리엄 셰익스피어의 희곡으로, 아마도 1610-1611년에 쓰였을 것이고, 그가 혼자 쓴 마지막 희곡들 중 하나라고 생각됩니다. 폭풍이 몰아치는 동안 바다에 있는 배에서 벌어지는 첫 장면 이후, 나머지 이야기는 복잡하고 모순적인 인물인 프로스페로가 딸 미란다, 그리고 그의 두 하인인 야만적인 괴물 인물인 칼리반, 그리고 공기가 넘치는 영혼인 아리엘과 함께 사는 외딴 섬을 배경으로 합니다. 이 연극은 섬의 마법의 기운을 불러일으키는 음악과 노래를 담고 있습니다. 마법, 배신, 복수, 가족 등 많은 주제를 탐험합니다. 4막에서 결혼식 가면극은 놀이 속 놀이의 역할을 하며 스펙터클, 알레고리, 고급 언어에 기여합니다.

템페스트는 셰익스피어의 희극 중 첫 번째 작품으로 퍼스트 폴리오에 등재되어 있지만, 비극적인 주제와 코믹한 주제를 모두 다루고 있으며, 현대 비평은 이것과 셰익스피어의 후기 연극 중 다른 것들에 대한 로맨스의 범주를 만들었습니다. 템페스트는 예술과 창작의 우화로 보는 해석부터[citation needed] 셰익스피어를 대표하는 프로스페로, 셰익스피어의 무대 작별을 알리는 프로스페로의 마술 포기 등 유럽인들이 이국 땅을 식민지화하는 우화로 여기는 해석까지[1] 다양한 해석이 제시됐습니다.

성격.

  • 프로스페로 – 밀라노의 정통 공작
  • 미란다 – 프로스페로의 딸
  • 아리엘 – 프로스페로에게 봉사하는 정신
  • 칼리반 – 프로스페로의 하인이자 야만적인 괴물
  • 알론소 – 나폴리 왕
  • 세바스찬 – 알론소의 형
  • 안토니오 – 프로스페로의 동생 밀라노 공작
  • 페르디난드 – 알론소의 아들
  • 곤살로 – 정직한 늙은 의원
  • 아드리안 – 알론소 휘하의 영주
  • 프란시스코 – 알론소 밑에서 봉사하는 영주
  • 트린쿨로 – 왕의 농담
  • 스테파노 – 왕의 술 취한 집사
  • 주노 – 로마 결혼의 여신
  • 케레스 – 로마 농업의 여신
  • 아이리스 – 그리스 무지개의 여신이자 신들의 전령사
  • 마스터 – 선박의 마스터
  • 매리너스
  • 보트웨인 - 주인의 하인

줄거리.

1797년 벤저민 스미스가 조지 롬니의 그림을 본떠 판화한 1막의 난파선.

액트 아이

연극이 일어나기 12년 전, 밀라노 공작이자 재능있는 마법사였던 프로스페로는 나폴리의 왕 알론소의 도움으로 그의 배반한 형 안토니오에 의해 찬탈당했습니다. 어린 딸 미란다와 함께 배를 타고 탈출한 프로스페로는 마법을 사용하여 섬의 유일한 거주자인 괴물 칼리반에게 자신과 미란다를 보호하도록 강요하면서 그 이후로 살고 있는 외딴 섬으로 도망칩니다. 또한 그는 아리엘의 영혼을 자유롭게 하여 그를 영원한 노예로 묶습니다.

동생 안토니오를 태운 배가 근처를 지나가자, 프로스페로는 아리엘의 도움으로 폭풍을 일으켜 배를 파괴합니다. 안토니오는 알론소, 페르디난드 (알론소의 아들이자 왕위 계승자), 세바스찬 (알론소의 형), 곤살로 (프로스페로의 믿을만한 장관), 아드리안, 그리고 다른 궁정 구성원들과 함께 난파당합니다.

제2막과 제3막

프로스페로와 미란다, 윌리엄 모 에글리, c. 1850

프로스페로는 그의 찬탈자들에게 복수하고 그의 공작령을 되찾기 위한 정교한 계획을 세웁니다. 그는 마법을 이용해 난파선 생존자들을 섬에서 그룹으로 나누었습니다.

  • 페르디난드는 프로스페로와 미란다에게 구조되어 은신처가 됩니다. 프로스페로는 그 젊은이들을 미란다와의 로맨스로 성공적으로 조종하지만, 그는 처음에 그들이 진정으로 사랑하고 있다는 것을 깨닫지 못합니다.
  • 왕의 농담꾼인 트린쿨로와 왕의 술 취한 소령 스테파노가 칼리반과 조우합니다. 그의 비참한 상태를 인식한 세 단계는 프로스페로에 대한 실패한 "반란"을 겪습니다. 그들의 행동은 극의 "코믹한 안도감"을 제공합니다.
  • 알론소, 세바스티안, 안토니오, 곤살로, 그리고 두 명의 수행 영주(아드리안과 프란시스코). 안토니오와 세바스티안은 알론소와 곤살로를 죽이고 세바스티안이 왕이 될 수 있도록 음모를 꾸미는데, 프로스페로와 아리엘은 음모를 저지합니다. 나중에 아리엘은 하피의 모습을 하고 안토니오, 알론소, 세바스찬을 괴롭히며 그들이 프로스페로와 서로에 대한 죄를 뒤집어쓰게 합니다.
  • 살아남은 다른 선원들과 함께 마지막 행동까지 마법의 잠에 빠지는 배의 선장과 배를 얻어냅니다.

4막

프로스페로는 이제 15살이 된 미란다가 페르디난드와 결혼할 것을 의도하고, 그는 아리엘에게 다른 영혼을 가져와 가면을 만들도록 지시합니다. 가면에는 고전적인 여신인 주노, 세레스, 아이리스가 등장하며, 혼례를 축복하고 축하할 것입니다. 가면은 또한 젊은 부부에게 결혼에 대해, 그리고 그때까지 정조의 가치에 대해 가르쳐 줄 것입니다.

가면은 프로스페로가 자신의 삶에 반하는 음모를 잊어버렸다는 것을 깨닫고 갑자기 중단됩니다.

5막과 에필로그

프로스페로는 아리엘에게 귀족들의 음모를 다루라고 명령합니다. 칼리반, 트린쿨로, 스테파노는 사냥개 모양의 도깨비에 의해 늪으로 쫓겨납니다. 프로스페로는 목표를 달성하면 아리엘을 자유롭게 해주고, 다음과 같이 말하며 마법을 버리겠다고 맹세합니다.

직원들을 부술 테니까요
땅속에 어떤 무덤을 파묻고,
그리고 그 어느 때보다 더 깊은 곳에서 곤두박질치는 소리가
책을 물에 빠뜨릴 겁니다.[2]

아리엘은 알론소, 안토니오, 세바스찬을 데리고 옵니다. 프로스페로는 세 가지를 모두 용서합니다. 프로스페로의 이전 작위인 밀라노 공작이 복원되었습니다. 아리엘은 배에서 선원들을 데려오고, 그리고 칼리반, 트린쿨로, 스테파노를 데려옵니다. 캘리반은 후회로 가득 찬 것처럼 보이지만, 잘 될 것을 약속합니다. 스테파노와 트린쿨로는 놀림을 받고 프로스페로에 의해 수치심에 빠져 보내집니다. 재회한 그룹(귀족 캐릭터들과 미란다와 프로스페로)이 섬을 떠나기 전에, 아리엘은 왕의 배를 왕실 함대로 다시 안내하고 나서 페르디난드와 미란다가 결혼할 나폴리로 안내하기 위해 좋은 날씨를 제공하라는 지시를 받습니다. 이 일이 끝나면 아리엘은 자유로워집니다.

프로스페로는 에필로그에서 청중들이 박수를 치며 자신을 자유롭게 해달라고 요청합니다.

가면.

템페스트는 바다에서 폭풍으로 파괴된 배의 장관으로 시작되고, 이후 두 번째 장관인 가면극이 있습니다. 르네상스 시대 영국의 가면극은 음악, 춤, 정교한 세트, 의상 및 드라마를 제공하는 축제의 궁중 오락이었습니다. 종종 가면극은 "안티 가면극"으로 시작되는데, 예를 들어 사티르들이 미친 듯이 노래하고 춤추는 무질서한 장면을 보여주었습니다. 그런 다음 반가면은 화려한 문명에 휩쓸린 혼란과 악행을 보여주는 가면의 화려한 도착으로 극적으로 분산될 것입니다. 셰익스피어의 연극에서, 장면 1의 폭풍은 4막의 가면극에 대한 안티 가면극으로 기능합니다.[3][4][5]

템페스트에서의 가면극은 실제 가면극이 아니라, 가면극을 모방하고 환기시키기 위한 유사한 장면입니다. 가면극은 템페스트: 프로스페로가 자신의 찬탈자들에게 복수할 뿐만 아니라 밀라노 공작으로서의 정당한 지위를 되찾으려는 의도의 주요 행동의 정점입니다. 권력과 지위를 되찾으려는 그의 음모에서 가장 중요한 것은 나폴리 왕의 계승자인 페르디난드와 미란다를 결혼시키는 것입니다. 이 결혼은 프로스페로의 유산을 확보함으로써 그의 지위를 확보할 것입니다. 신부의 정조는 왕실 혈통에서 매우 중요하고 중요하게 여겨집니다. 이것은 프로스페로의 음모뿐만 아니라 특히 처녀 여왕 엘리자베스의 궁정에서도 사실입니다. 월터 롤리 경은 사실 새로운 세계 식민지 중 하나를 군주의 정조를 따 "버지니아"라고 이름 지었습니다. 또한 템페스트가 처음 제작되었을 때 왕 제임스가 손주들을 위해 정치적인 결혼을 주선했기 때문에 이를 이해했습니다. 프로스페로의 딸에 대한 계획에 문제가 될 수 있는 것은 자연입니다. 미란다는 젊은이들 사이에서 자연스러운 매력이 강력해지는 시기에 그녀의 삶에 막 도착한 젊은 여성이라는 사실입니다. 한 가지 위협적인 것은 24살의 칼리반으로, 그는 미란다를 강간하고 싶다고 말했고, "칼리반과 함께 이 섬에 사는 사람들"[6]이라고 말했고, 또한 술에 취한 스테파노에게 미란다의 시신을 제공했습니다.[7] 또 다른 위협은 서로에게 섣불리 굴복할 수도 있는 젊은 부부 자신이 대표합니다. 프로스페로는 다음과 같이 말합니다.

진짜인 것처럼. 얼라이언스를 주지 않음
너무 많은 고삐를 죄고 있어요. 가장 강한 맹세는 짚입니다.
이 불을 향해 나는 피를 흘립니다. 더 겸손하게
그렇지 않으면 당신의 맹세를 잘 자요![8]

이 모든 것을 잘 알고 있는 프로스페로는 미란다에게 가르쳐야 할 필요성을 느낍니다. 미란다.[9] 4막에서 프로스페로가 가면극을 만들 수 있도록 영감을 주는 것은 미란다에게 가르쳐야 할 필요성이며,[10] '정결의 가치'는 가면극이 행복한 결혼생활과 더불어 가르쳐야 할 기본적인 교훈입니다.[11][12][13]

날짜 및 출처

니콜라스 로(Nicholas Rowe)의 1709년판 셰익스피어 희곡의 1674년 각색 개막식 무대 방향 묘사

날짜.

템페스트가 정확히 언제 쓰였는지는 확실하게 알려지지 않았지만, 증거는 아마도 1610년 말에서 1611년 중반 사이에 작곡되었을 것이라는 생각을 뒷받침합니다. 셰익스피어가 혼자 쓴 마지막 희곡 중 하나로 여겨집니다.[14][15] 증거는 겨울 이야기 이전, 이후, 또는 겨울 이야기와 동시에 발생할 수 있는 구성을 뒷받침합니다.[14] 에드워드 블런트는 1623년 11월 8일에 역무원 등록부에 템페스트를 등록했습니다. 그것은 그 날짜에 Blound가 등록한 16개의 셰익스피어 연극 중 하나였습니다.[16]

동시대의 자료

실베스터 주르댕의 바르무다스의 발견

템페스트의 줄거리에 대한 명확한 단일 기원은 없으며, 주로 윌리엄 스트래시의 "훌륭한 여인에게 보내는 편지"를 포함한 여러 출처가 기여하여 만들어진 것으로 보입니다.[17] 18세기에 문헌학이 시작된 이래로, 연구자들은 에라스무스의 콜로키아 파밀리아(1518)[a]에 나오는 구어 중 하나인 "나우프라기움"("The Shipfragium")의 구절과 리처드 에덴의 1555년 번역된 피터 순교자의 데오르보 노보("Deorbo novo")의 구절을 제안했습니다.[19]

1609년 버뮤다 섬에서 버지니아를 향해 항해하던 중에 발생한 시 벤처호의 실제 난파선을 목격한 윌리엄 스트래시의 "마우스 게이츠 경의 랙과 구원에 대한 진실한 보고"는 오프닝 장면의 주요 출처로 여겨질 수 있습니다. 음모와 응징에 대한 극중 다른 언급들 뿐만 아니라.[20] 1625년까지 출판되지는 않았지만, Strachey의 보고서는 그의 "훌륭한 여성에게 보내는 편지"에서 처음 언급되었는데, 이 편지는 1610년 7월 15일자이며, 셰익스피어가 그 해 중 언제쯤 원본을 봤을 것으로 생각됩니다. E. K. Chambers는 True Reportory가 1625년에 출판되었음에도 불구하고 The Tempest에 대한 셰익스피어의 "주요 권위"라고 평가했습니다.[21] 극중 Strachey의 영향에 대해 Kenneth Muir는 "셰익스피어가 읽었다는 것은 거의 의심할 여지가 없다"고 말합니다. William Strachey의 True Reportory"와 다른 설명들은 "[버뮤다] 팜플렛의 언어적 반향의 정도가 과장되었다고 생각합니다. 역사나 소설에서 배가 화물을 가볍게 하지 않고, 승객들이 길을 잃은 것에 대해 포기하지 않고, 북풍이 날카롭지 않으며, 잔해에 매달려서 해안에 도착하는 사람이 없는 난파선은 거의 없습니다." 그리고 "난파선에 대한 Strachey의 설명은 머리카락 한 올도 죽지 않은 성 바울의 기억과 에라스무스의 구어체와 혼합되어 있다"[22]고 말합니다.

찰스 밀스 게이리(Charles Mills Gayley)에 따르면 셰익스피어는 스트래치의 이야기를 원본에서 거의 확실히 읽었다고 합니다. 게이리는 셰익스피어가 1610년 여름 토머스 게이츠 경이 영국에 가져온 스트래치의 원본 "훌륭한 여성에게 보내는 편지"에 접근할 수 있었다고 주장합니다. 여기에 대중에게 발표된 진실선언에 적합한 부분을 포함시켰습니다.그 편지는 Purchas가 그것을 손에 넣을 때까지[그리고 15년 후에 그것을 출판할 때까지] 항상 중요한 관계자들에게 보관되어 있었습니다. 셰익스피어가 그것을 읽을 수 있도록 허락된 것과, 그가 한 것처럼 정당한 차별과 적절한 분별력을 가지고 그것의 어떤 자료들을 연극에 사용하도록 허락된 것은 버지니아 회사의 애국자 지도자들에 대한 그의 친밀함을 잘 보여줍니다."[23]

스테파노의 성격은 나중에 메이플라워 컴팩트에 서명한 스티븐 홉킨스와 함께 확인되었습니다.[24]

또 다른 씨벤처 생존자인 실베스터 주르댕은 1610년 10월 13일자 바르무다스의 발견이라는 그의 책을 출판했습니다. 에드먼드 말론은 주르댕의 책과 1610년 11월 8일자 런던 버지니아 식민지 위원회의 1610-11일자 진정한 선언서를 주장합니다.[25]

미셸 드 몽테뉴의 에세이 "Of the Caniballes"는 곤살로의 유토피아적인 사색의 2막 1장과 문화 간의 차이를 언급하는 다른 대사의 출처로 여겨집니다.[20]

1609년 핌리코(Pimlyco) 또는 룬 레드캡(Runne Red-Cap)이라는 제목의 시가 팜플렛으로 출판되었습니다. 그것은 Hoxton에 있는 선술집을 찬양하기 위해 쓰여졌습니다. 이 시는 존 스켈튼이 쓴 초기 (1568년)의 시 엘리노르 림밍의 튜닝(The Tunning of Elynor Rymming)을 광범위하게 인용한 것을 포함하고 있습니다. 팸플릿에는 섬으로의 항해에 대한 목가적인 이야기가 담겨 있습니다. 셰익스피어가 이 팸플릿을 읽었거나, 알고 있거나, 사용했다는 증거는 없습니다. 하지만, 이 시는 템페스트가 쓰여질 무렵에 런던에서 그러한 주제들과 이야기들이 어떻게 해석되고 전해졌는지에 대한 연구자들에게 유용할 수 있습니다.[26]

기타출처

템페스트는 이탈리아 전통적인 미디어 델 아르테(dell'arte)에서 전체적인 구조를 가져왔을 수도 있는데, 이 미디어는 때때로 마법사와 그의 딸, 그들의 초자연적인 수행원, 그리고 다수의 촌스러운 사람들을 특징으로 합니다. 이 미디어에는 종종 알레치노(또는 그의 전임자 잔니)로 알려진 광대와 스테파노와 트린쿨로를 현저하게 닮은 그의 파트너 브리젤라(Brigella), 칼리반에 해당하는 쾌활한 나폴리 출신의 꼽추, 그리고 부유하고 교활한 아버지 판타론(Pantalone)을 둔 영리하고 아름다운 이사벨라(Isabella)가 등장했습니다. 미란다와 프로스페로의 관계를 반영하여 그녀를 위한 구혼자를 끊임없이 찾습니다.[27]

곤살로의 이상적인 사회에 대한 묘사(2.1.148–157, 160–165)는 1603년 존 플로리오가 출판한 판본에서 영어로 번역된 몬태인의 에세이 '캐니발레스에 대하여'를 주제적, 언어적으로 반향하고 있습니다. 몽테인은 카리브해 원주민들의 사회를 칭찬합니다. "그것은... 밀무역 같은 것도 없고, 문자도 없고, 숫자의 지능도 없고, 치안판사의 이름도 없고, 정치적인 우월성도 없는 나라입니다. 봉사나 부, 가난의 소용도 없고, 계약도 없고, 승계도 없고, 배당도 없고, 일을 하지 않고, 일을 하지 않고, 친척을 존중하지 않고, 평범하고, 자연스럽고, 땅을 가꾸지 않으며, 포도주, 옥수수, 기교를 사용하지 않습니다. 거짓말, 거짓, 역모, 모략, 탐관오리, 시기, 발각, 사면 등을 수입하는 바로 그 단어들은 그들 사이에서 들어본 적이 없습니다."[28]

프로스페로의 5막 연설에 대한 자료는 오비드의 시 "변신"에서 발견된 마법사 메데아의 호출입니다. 메디아가 다음과 같이 말합니다.

바람이 불고, 언덕이 있고, 개울이 있고, 숲이 있고,
서 있는 호수와 밤에, 여러분 모두에게 다가갑니다.
누구의 도움으로 (비뚤어진 은행들은 그것을 매우 궁금해합니다)
시냇물이 샘물로 흘러가도록 강요했습니다. (Ovid, 7.265–268)

셰익스피어의 프로스페로는 그의 초대를 시작합니다.

언덕, 개울, 서 있는 호수와 숲의 요정들,
그리고 인쇄되지 않은 발을 가진 모래 위의 그것.
파도치는 해왕성을 쫓아가서 날리세요
그가 돌아오면... (5.1.33–36)[29]

본문

1623년 제1편에 인쇄된 템페스트의 첫 페이지.

템페스트는 1623년 '제1의 폴리오'로 알려진 '윌리엄 셰익스피어의 희극, 역사, 그리고 비극; 진본과 원본에 따라 출판'이라는 제목의 셰익스피어의 희곡 중 36편의 모음집에 처음으로 출판되었습니다. 템페스트를 포함한 연극들은 존 헤밍스와 헨리 콘델에 의해 수집되고 편집되었습니다.[30][page needed]

템페스트의 손으로 쓴 원고는 킹스맨에 고용된 스크리너 랄프 크레인에 의해 준비되었습니다. (스크리너는 읽을 수 있는 원고를 만들기 위해 누비 펜과 잉크를 사용하는 재능이 있는 사람입니다.) 크레인은 아마도 셰익스피어의 대략적인 초고를 모방했을 것이고, 그의 스타일은 벤 존슨의 1616년의 폴리오를 기반으로 합니다. 크레인은 텍스트를 깔끔하게 정리하고, 연기와 장면의 구분을 편집했으며, 때로는 자신의 개선 사항을 추가했다고 생각됩니다. 그는 하이픈들과 단어를 연결하는 것을 좋아했고, 예를 들어 "w'th' King"을 읽기 위해 "w'th' King"을 바꿈으로써 아포스트로피들과 일직선을 사용하는 것을 좋아했습니다.[31] 템페스트에서의 정교한 무대 연출은 아마도 크레인 때문이었을 것입니다. 그들은 킹스 컴퍼니에 의해 어떻게 연극이 무대화되었는지에 대한 증거를 제공합니다.[32]

First Folio 프로젝트 전체가 시각장애인 프린터 William Jaggard에게 전달되었고, 인쇄는 1622년에 시작되었습니다. 템페스트는 이 출판물의 첫 번째 연극입니다. 그것은 특별한 주의를 기울여 교정되고 인쇄되었습니다; 그것은 36개의 연극 중에서 가장 잘 인쇄되고 깨끗한 텍스트입니다. 인쇄기에서 활자를 설정하는 작업을 하기 위해 세 개의 컴포지터가 더 템페스트에 사용되었습니다. 1960년대에 첫 번째 폴리오에 대한 획기적인 서지학 연구가 찰턴 힌먼에 의해 이루어졌습니다. 페이지에 인쇄된 단어들의 독특한 특이한 점들을 바탕으로, 이 연구는 작곡가들을 개별화할 수 있었고, 작곡가 B, C, F로 알려진 세 명의 작곡가들이 템페스트에서 작업했다는 것을 밝혀냈습니다. 작곡가 B는 템페스트의 첫 번째 페이지뿐만 아니라 6개의 다른 페이지도 작업했습니다. 그는 자가드의 인쇄소에서 경험이 풍부한 여행사였는데, 가끔은 부주의할 수도 있었습니다. 그는 또한 현대판이 쉼표를 사용하는 대시와 콜론을 좋아했습니다. 그의 역할에서, 그는 퍼스트 폴리오 전체에 대한 책임이 있었을지도 모릅니다. 나머지 두 명인 컴포지터 C와 F는 정규직으로 일했고 경험이 풍부한 프린터였습니다.[33][page needed]

당시 스펠링과 구두점은 표준화되지 않았으며, 각 작곡가가 개인의 선호와 스타일을 가지고 있었기 때문에 페이지마다 다를 것입니다. 최소한 4번 이상 언론행보가 중단돼 교정과 교정이 가능했다는 증거가 있습니다. 그러나, 오류가 있는 페이지는 폐기되지 않으므로, 프레스 실행에서 늦은 페이지가 가장 정확하며, 이와 관련하여 최종 인쇄된 폴리오는 각각 다를 수 있습니다. 이것이 당시 일반적인 관행입니다. 복면 페르디난트가 말한 후에, 글자(금속 종류 또는 종류)가 달리기 도중에 손상되어 (아마도) 단어의 의미를 바꾼 예도 있습니다.

1623년에 출판된 셰익스피어의 퍼스트 폴리오에 등장하는 페르디난트의 대사

여기서 살게 해주세요!
이상한 아버지와 현명한 사람은 드물어요
이곳을 천국으로 만듭니다! (4.1.122–124)

123행 끝에 있는 "현명한"이라는 단어는 "f"를 닮은 전통적인 긴 "s"와 함께 인쇄되었습니다. 그러나 1978년에 언론 진행 중에 활자에 있는 작은 십자형 조각이 떨어져 나갔고, 그 단어는 "아내"여야 한다고 제안되었습니다. 현대 편집자들은 합의에 이르지 못했습니다. Oxford는 "아내", Arden은 "현명한"이라고 말합니다.[34][35][36]

테마 및 모티프

더 씨어터

이제 우리의 폭로는 끝났습니다. 저희 배우분들은.
내가 말했듯이, 모든 영혼들과
공기 중으로, 얇은 공기 중으로 녹입니다.
그리고 이 비전의 근거 없는 천처럼
구름으로 뒤덮인 탑들, 멋진 궁전들,
장엄한 사원들, 거대한 세계 그 자체,
예, 그것이 물려받은 모든 것은 해산될 것입니다.
그리고 이 실속 없는 미인대회가 빛을 잃었듯이
랙을 남기지 마세요. 우리는 그런 존재입니다.
꿈이 이루어지면서 우리의 작은 삶이
수면으로 둥글게 되어 있습니다.

Prospero, Act 4, Scene 1.[37]

템페스트는 연극으로서의 자신의 본질에 명백하게 관심을 가지며, 프로스페로의 예술과 연극적 환상 사이의 연결고리를 자주 그립니다. 난파선은 안토니오와 세바스티안이 극단에 캐스팅되어 연기하는 동안 아리엘이 보여준 구경거리였습니다.[38] 프로스페로는 전 세계를 환상으로 묘사할 때 글로브 극장을 언급할 수도 있습니다. "위대한 세계는... 해체될 것입니다." 이 실속 없는 미인대회처럼"[39] 아리엘은 종종 프로스페로가 만들어내는 가면극과 반가면극에서 후자의 역할을 하는 님프, 하피, 세레스와 같은 고전 신화의 인물로 변장합니다.[40]

토머스 캠벨은 1838년에 프로스페로가 셰익스피어를 부분적으로 대표하기 위한 것이라고 처음 고려했지만, 템페스트가 초기 연극이라고 믿게 되면서 그 생각을 버렸습니다.[41]

셰익스피어의 마지막 솔로 연극이었기 때문에 템페스트는 종종 그의 경력에 대한 가치 있는 승리로 여겨져 왔는데, 특히 프로스페로우의 마지막 연설에서 그는 은퇴하기 전 마지막으로 무대에서 풀려날 [42]것을 요청하며 관객들에게 "당신의 면죄부가 나를 자유롭게 해주세요"라고 말했습니다.

마술

프로스페로는 마술사로 그의 마술은 유익한 "백색의 마술"입니다. 프로스페로는 자연에 관한 그의 책에서 공부하면서 마법을 배웠고, 그는 긍정적인 결과를 얻기 위해 마법을 사용합니다. 셰익스피어는 캘리반을 사용하여 그 반대를 나타냅니다. 사악한 흑마법. 등장하지 않는 칼리반의 어머니 시코락스(Sycorax)는 마법과 흑마술과 관련하여 이 시기 영국과 다른 곳에서 휘몰아쳤던 공포를 나타냅니다. 마술은 진지한 철학자들, 특히 독일의 Henricus Cornelius Agrippa에 의해 진지하게 받아들여지고 연구되었는데, 그는 1533년에 이탈리아 학자들이 마술을 주제로 한 작업을 요약한 그의 De Octla Philosophia를 3권으로 출판했습니다. 아그리파의 작품은 프로스페로처럼 과학과 철학뿐만 아니라 오컬트에 관한 많은 책을 소장하고 있던 영국인 존 디(1527–1608)에게 영향을 미쳤습니다. 마법에 대해 철학하기에 위험한 시기였습니다. 예를 들어, 조르다노 브루노는 템페스트가 쓰기 몇 년 전인 1600년에 이탈리아에서 화형을 당했습니다.[43]

아리엘 (Fuseli, 1800–1810)

프로스페로는 과학과 현실에 기반을 둔 마법을 사용하는데, 이는 아그리파와 디가 연구한 종류입니다. 프로스페로는 자신의 능력을 확장시킨 아리엘로 대표되는 힘을 연구하고 점차 발전시킬 수 있었습니다. 시코락스의 마법은 아리엘과 같은 것을 할 수 없었습니다: "아리엘은 지상적이고 혐오스러운 명령을 수행하기에는 너무 섬세한 영혼입니다."[44] 프로스페로의 이성적인 선함은 시코락스가 나무에 가둘 수밖에 없는 아리엘을 통제할 수 있게 해줍니다.[45] 시코락스의 마법은 파괴적이고 끔찍한 것으로 묘사되는데, 프로스페로의 마법은 경이롭고 아름답다고 합니다. 프로스페로는 자신의 마법을 통해 자신의 세계에서 일을 바로 잡으려 하고, 그렇게 되면 그는 그것을 포기하고 아리엘을 자유롭게 합니다.[43]

프로스페로가 마법으로 하려는 것은 템페스트에 필수적입니다. 그것은 행동의 통일입니다. 아리엘이 암살 시도를 저지할 때 그것은 프로스페로의 프로젝트 2막으로 언급됩니다.

나의 스승은 그의 예술을 통해 위험을 예견합니다.
그의 친구인 당신이 나를 데려가고, 나를 내보낸다는 것,
그렇지 않으면 그의 프로젝트는 죽게 될 것입니다. 그들을 살려 두기 위해서 말입니다![46]

프로스페로 5장은 다음과 같이 말하고 있습니다.

이제 내 프로젝트는 전면에[47] 모입니다.

프로스페로는 자신이 원하는 것이 무엇인지 정확하게 알고 있는 것 같습니다. 극의 상단에 있는 폭풍을 시작으로 그의 프로젝트는 일련의 단계로 전개됩니다. "풍운"[48]은 그에게 그의 운명과 그의 카운티와 가족의 운명에 영향을 줄 수 있는 기회를 주었습니다.[49]

그의 계획은 그가 12년 전에 착취당했을 때 했던 일을 되돌리기 위해 그가 할 수 있는 모든 것을 하는 것입니다. 먼저 그는 폭풍우를 이용하여 어떤 사람들로 하여금 그의 큰 힘을 두려워하게 하고, 그 다음에 모든 사람들이 상처받지 않고 살아남으면, 폭풍우를 겪으며 살아온 사람들을 다른 무리로 나눌 것입니다. 이러한 분리는 그가 각 그룹을 다르게 다룰 수 있게 해줍니다. 그리고 프로스페로의 계획은 페르디난드를 미란다로 인도하여 둘의 만남을 준비시키는 것입니다. 그의 마법 능력 밖에 있는 것은 그들을 사랑에 빠지게 하는 것입니다. 그러나 그들은 사랑에 빠집니다. 커플의 다음 단계는 테스트가 될 것입니다. 다른 사람들을 잠들게 만드는 마법 같은 일을 돕기 위해 말입니다. 다음은 부부를 교육하고 준비하는 가면입니다. 하지만 가면극이 중단되자 그의 계획은 궤도를 벗어나기 시작합니다.[50] 다음 프로스페로는 자신을 찬탈한 자들과 맞서게 됩니다. 그는 페르디난드와 미란다의 결혼을 통해 밀라노와 나폴리를 합병함으로써 자신의 공국과 "용감한 신세계"[51]를 요구합니다.[52]

프로스페로의 마법은 참회하지 않는 세바스찬과 안토니오에게 통하지 않았습니다. 프로스페로는 마법이 아니라 좀 더 일상적인 블랙메일을 다루는 안토니오를 다루게 됩니다.[53] 이 마법의 실패는 중요하며, 비평가들은 그것이 무엇을 의미하는지에 대해 의견이 다릅니다: 얀 코트는 그것을 프로스페로와 작가 모두에게 환멸이라고 생각합니다.[54] E. M. W. 틸야드는 그것을 사소한 실망으로 묘사합니다. 몇몇 비평가들은 세바스찬과 안토니오가 진짜 위협이 아니라 광대라고 생각합니다. 스티븐 오르겔은 프로스페로가 세바스찬과 안토니오를 잊어버림으로써 문제를 일으켰다고 비난하는데, 이는 프로스페로의 잠식된 점들에 대한 주제를 소개할 수 있습니다.[55] 데이비드 허스트(David Hirst)는 프로스페로의 마법의 실패에 대해 더 깊은 설명이 있을 수 있다고 제안합니다. 그는 프로스페로의 마법이 특정한 것(칼리반과 같은)에 전혀 영향을 미치지 않았고, 프로스페로는 이상주의적이고 현실적이지 않으며, 그의 마법이 프로스페로를 신처럼 만들지만, 또한 그를 인간이 아닌 다른 것으로 만든다고 제안합니다. 예를 들어, 프로스페로가 딸을 대하기에 성급하고 적합하지 않은 것처럼 보이는 이유는 다음과 같습니다. 문제가 그의 마법이 아니라 그의 인간성을 요구할 때. 예를 들어, 공국을 처음부터 희생시킨 "현실 세계"에 대한 그의 불만을 설명합니다. 결국 프로스페로는 인간의 가치를 배우고 있습니다.[52]

비판과 해석

장르.

로맨스: 셰익스피어의 낭만적인 서사는 등장인물 자체와 섬을 배경으로 등장합니다. 종종 로맨스는 템페스트에 있는 이 섬처럼 이국적이고 외진 곳을 포함합니다. 환경은 프로스페로와 미란다의 집입니다. 그것은 또한 난파된 인물 중 한 명인 페르디난드가 미란다와 사랑에 빠지는 배경이기도 합니다. 그러나 그들은 기사와 공주의 상황의 일부입니다.[56] 로맨스는 공주의 사랑을 얻기 위해 노력하는 기사라는 주제를 사용할 것입니다. 페르디난드는 그의 딸 미란다와 결혼하기 위해 프로스페로를 위해 일해야 하고 그를 사랑해야 하기 때문에 그런 역할에 적합한 예입니다.[citation needed]

코미디: 템페스트는 처음에 셰익스피어 희곡의 존 플레처에 의해 퍼스트 폴리오에서 비극적인 코미디의 한 형태로 제시되었습니다. 템페스트가 만들어내는 또 다른 형태의 코미디는 그리스어와 라틴어의 새로운 코미디라는 개념입니다. 레스터 E 바버의 기사 "The Temperest and New Comedy"는 The New Comedy가 부분적으로 아리엘과 칼리반의 등장인물들과 노예들의 이야기와 관련이 있음을 시사합니다. 두 캐릭터 모두 프로스페로의 손아귀에서 벗어나는 것이 목표이기 때문에 코미디 노예로 여겨집니다. 여기서 두 인물 모두 자신을 노예로 나타내는 방식이 다릅니다. 틀림없이 캘리반은 수녀원 차량으로 간주되기 때문에 뉴코미디의 일부가 아닌 캐릭터로 여겨지기도 합니다. 레스터 이 바버(Lester E Barber)는 수녀원 차량이 비참하게 실패하고 굴욕과 처벌을 받게 하는 비열하고 지적이지 않은 행동을 하는 노예라고 제안합니다. 칼리반은 프로스페로에 대한 증오와 불복종을 통해 이를 충족시킵니다. 노예로서의 아리엘은 전형적인 패러다임이기 때문에 자신에게 다른 접근을 합니다. 전형적인 패러다임은 다른 노예들보다 더 똑똑하고 주인을 지지하며 주인의 문제를 해결해줄 더 뛰어난 노예입니다. 아리엘은 프로스페로에게 매우 순종적이며, 프로스페로의 복수의 일환으로 난파된 희생자들에게 마법을 사용하고 싶어합니다.[citation needed]

극적 구조

'오류의 코미디'처럼, 폭풍은 대략 시간, 장소, 행동의 통일성을 고수합니다.[57] Shakespeare의 다른 연극들은 몇 마일 떨어져 있고 며칠 혹은 심지어 몇 년에 걸쳐 다른 장소에서 일어나는 세 개의 통일체를 거의 존중하지 않았습니다.[58] 연극의 사건들은 관객들 앞에서 실시간으로 펼쳐지는데, 프로스페로는 심지어 마지막 막에서 모든 일이 대략 세 시간 안에 일어났다고 선언했습니다.[59][60] 모든 행동은 하나의 기본적인 줄거리로 통일되어 있습니다: 프로스페로가 그의 공작령을 되찾기 위한 투쟁; 그것은 또한 많은 학자들이 지중해에 위치하기 위한 것이라고 동의하는 가상의 섬인 한 장소에 국한되어 있습니다.[61] 또 다른 읽기는 학자들이 극의 일부 부분이 아메리카 대륙의 유럽 식민지화와 유사성을 공유한다는 점에 주목했기 때문에 그것이 신세계에서 일어난다는 것을 암시합니다.[62] 또 다른 이들은 이 섬이 식민지가 된 모든 땅을 대표할 수 있다고 주장합니다.[63]

극의 결말에서 프로스페로는 파라바시스(관객에게 직접적인 주소)에 들어갑니다. 시인이자 문학평론가인 싯다르타 보스(Siddhartha Bose)는 그의 저서에서 프로스페로의 에필로그가 "영구적인 파라바시스(parabasis)"를 만들어낸다고 주장합니다. 로맨틱 아이언'.[64] 프로스페로, 그리고 셰익스피어의 연장선상에서, 그의 면전을 관객들에게 넘깁니다. 프로스페로가 아리엘과 칼리반에게 '주는' 해방과 속죄도 관객들에게 넘겨집니다. 그러나 프로스페로가 "다른 등장인물들이 그들의 경험에 대해 말할 수 있는 언어를 창조"함으로써 그의 힘을 이끌어내는 것처럼,[65] 연극의 역학과 관습도 관객들의 그 자체와 그 관계에 대한 이해를 연극과 현실로 제한합니다.

탈식민지

존 에버렛 밀레가 아리엘에게 유인한 페르디난드, 1850

셰익스피어의 시대에, 세계의 많은 부분은 여전히 유럽의 상인들과 정착민들에 의해 식민지화되고 있었고, 카리브해의 식인종들, 먼 에덴스, 먼 열대 유토피아에 대한 신화와 함께 아메리카 대륙에서 이야기들이 돌아오고 있었습니다. 칼리반(Caliban, 이름은 거의 식인의 애너그램이며 당시 서인도 원주민들에게 사용되었던 용어인 "카리반"과 유사함)이라는 캐릭터와 함께, 셰익스피어가 식민주의의 도덕성에 대한 심도 있는 논의를 제공할 것이라는 의견이[citation needed] 제기되었습니다. 곤살로의 유토피아, 프로스페로의 칼리반의 노예화, 칼리반의 뒤이은 분노 등 다양한 견해가 연극에서 발견됩니다. 탈식민주의 학자들은[citation needed] 칼리반이 자연계와 매우 많이 접촉하면서 극 중 가장 자연스러운 인물 중 하나로 보여지기도 한다고 주장했습니다. (그리고 현대 관객들은[citation needed] 작가의 원래 의도는 달랐을 수 있지만) 그를 그의 두 구세계 친구 스테파노와 트린쿨로보다 훨씬 고귀한 인물로 보기에 이르렀습니다. 셰익스피어가 템페스트를 집필하면서 유럽의 영향으로부터 고립된 사회의 가치를 논하는 몽테뉴의 에세이 '식인에 관한 이야기'에 그렸다는 증거가 있습니다.[66]

1950년경부터 옥타브 만노니의 '식민지 심리학'이 출판되면서 탈식민지 이론가들은 점점 더 템페스트를 탈식민지 이론에 비추어 재해석해 왔습니다. 텍스트를 바라보는 이 새로운 방식은 "집락화된" (아리엘과 칼리반)에 대한 "집락화된" (프로스페로)의 효과를 탐구했습니다. 아리엘은 종종 더 흥미로운 칼리반을 지지하기 위해 이러한 논쟁에서 간과되지만 그럼에도 불구하고 그는 그 논쟁의 필수 요소입니다.[67] 프랑스 작가 아이메 세자이어(Aimé Césaire)는 그의 연극 '유네 템페트(Une Tempéte)'에서 아리엘을 더 반항적인 칼리반(Caliban)과 달리 협상과 파트너십이 식민지에서 해방되는 길이라고 느끼는 물라토(mulatto)로 묘사했습니다. 페르난데스 레타마르(Fernandez Retamar)는 자신의 연극 버전을 쿠바로 설정하고, 아리엘을 반란과 협상 중 하나를 선택해야 하는 부유한 쿠바인으로 묘사합니다.[68] 또한 칼리반이나 프로스페로가 아닌 아리엘이 이 섬의 정당한 소유자라는 주장도 제기되었습니다.[69] 자메이카 작가인 미셸 클리프는 자신의 문화를 더 잘 대표하는 글쓰기 방법을 만들기 위해 자신의 내면에 칼리반과 아리엘을 결합하려고 노력한다고 말했습니다. 식민지 이후의 사상에서 아리엘을 사용하는 것은 드문 일이 아닙니다. 그 정신은 심지어 식민지 이후의 비평을 다루는 학술지의 이름과 같습니다.[67]

페미니스트

템페스트에 대한 페미니스트 해석은 성 역할과 무대 위 인물들 간의 관계라는 측면에서 극을 고찰하고, 텍스트에 의해 젠더의 개념이 구성되고 제시되는 방식을 고찰하며, 불균형과 부당에 대한 인식을 가지고 지지하는 의식과 이념을 탐구합니다. 템페스트에 대한 두 가지 초기 페미니스트 해석은 애나 제임스슨의 셰익스피어의 여주인공(1832)과 메리 클라크의 셰익스피어 여주인공의 소녀시대(1851)에 포함되어 있습니다.

윌리엄 해밀턴의 그림에서 프로스페로, 아리엘 그리고 잠자는 미란다

템페스트는 남성이 지배하는 문화와 사회에서 만들어진 연극으로, 극이 단 한 명의 주요 여성 역할인 미란다를 통해 은유적으로 탐구하는 성비 불균형입니다. 미란다는 열다섯 살, 지적이고, 순진하고, 아름답습니다. 그녀가 살면서 마주친 인간은 남자뿐입니다. 프로스페로는 자신을 그녀의 주요 선생님으로 보고 그들이 섬에 도착하기 전의 시간을 기억할 수 있는지 묻습니다. 그는 그녀가 기억할 수 없다고 생각합니다. 미란다가 "네 명 혹은 다섯 명의 여자들"이 자신의 어린 시절(1.2.44–47)을 돌본 기억이 있을 때, 그것은 자신을 유일한 선생님으로 그리고 자신의 역사의 절대적인 근원으로 묘사하기를 선호하는 프로스페로를 방해합니다. 그에 따르면, 미란다의 마음속에 그의 가르침 앞에 있는 그 어떤 것도 어두운 "아바시스"가 되어야 한다고 합니다(1.2).48–50) 미란다가 기억하는 "네 명 혹은 다섯 명의 여자"는 남자만이 아닌 다른 무언가를 원하는 어린 소녀의 욕망을 상징할지도 모릅니다.[12][73]

칼리반의 어머니 시코락스, 미란다의 어머니, 알론소의 딸 클라리벨 등 다른 여성들만 언급됩니다. 다른 셰익스피어 연극들에 비해 여성들이 이야기에서 차지하는 역할이 작기 때문에, 템페스트는 많은 페미니스트인 비판을 받았습니다. 미란다는 보통 아버지로부터 완전히 자유를 빼앗긴 것으로 여겨집니다. 그의 눈에 비친 그녀의 유일한 의무는 침착함을 유지하는 것입니다. 앤 톰슨은 미란다가 식민지 분위기의 여성들에게 전형적인 방식으로 자신을 아버지에 종속된 존재로 생각하면서 가부장적인 사물의 질서를 완전히 내면화했다고 주장합니다.[74]

시코락스에 대한 대부분의 이야기는 시코락스를 만난 적이 없는 프로스페로가 아리엘에게 배운 그녀에 대해 알고 있는 것이라고 말합니다. 미란다가 프로스페로에게 "선생님, 제 아버지가 아니십니까?"라고 묻자, 프로스페로는 이렇게 대답합니다.

네 엄마는 덕이야 그리고
당신이 내 딸이라고 했어요.[75]

이 놀라운 대답은 그들의 관계를 순수한 딸에 대한 단순히 영주의 아버지로 묘사하는 해석들에게는 어려웠고, 때때로 그 교환은 성과에서 단절되었습니다. 비슷한 예는 분노한 프로스페로가 형의 부모에 대해 문제를 제기하고 미란다가 프로스페로의 어머니를 옹호하는 경우입니다.

죄를 지어야 합니다.
나의 할머니를 고귀하게 생각하는 것;
착한 여인들은 나쁜 아들을 낳았습니다.[76][77]

연구 및 유전자 변형

알두스 헉슬리의 저서 용감한 신세계는 제목에서 템페스트를 언급하고, 유전자 변형 시민과 그에 따른 사회적 영향을 탐구합니다. 소설과 템페스트의 "용감한 신세계"라는 구절은 그 이후로 특히 인간과 관련하여 유전자 변형에 대한 인류의 이해와 사용에 대한 공개적인 논쟁과 관련이 있습니다.[78]

실적이력

셰익스피어의 날

1611년 11월 1일, 제임스 1세와 영국 왕실이 할로윈 밤 화이트홀 궁전에서 벌인 템페스트 공연에 대한 기록이 남아 있습니다.[79] 이 연극은 1612-13년 겨울 동안 엘리자베스 공주와 라인강 궁전의 선거인 프리드리히 5세의 결혼을 둘러싼 축제의 일부로서 여섯 편의 셰익스피어 연극 중 하나였습니다.[80] 복고 이전에 기록된 대중 공연은 더 이상 없지만, 존 드라이든은 1669년 드라이든/데이베넌트 버전의 서문에서 템페스트가 블랙프라이어스 극장에서 공연되었다고 말합니다.[81] 연극 내 무대 연출에 대한 세심한 고려가 이를 뒷받침하고 있으며, 이는 연극이 글로브 극장이 아닌 블랙프라이어스 극장을 염두에 두고 집필되었음을 강하게 시사합니다.[82][83]

유신과 18세기

셰익스피어의 원작이 아닌 희곡의 각색이 영국 유신 이후 19세기 중반까지 템페스트의 공연사를 지배했습니다.[84] 모든 극장은 영국의 식민지 시대 동안 청교도 정부에 의해 폐쇄되었습니다. 1660년 왕정복고에 따라 두 개의 특허회사, 즉 왕의 회사와 공작의 회사가 설립되었고, 기존의 연극 레퍼토리는 그들 사이에 나뉘었습니다. 윌리엄 데이베넌트 경의 듀크 컴퍼니는 템페스트를 공연할 권리가 있었습니다.[85] 1667년에 데번트와 존 드라이든은 그것을 심하게 깎아서 The Tempest, 즉 The Enchanted Island로 각색했습니다. 그들은 왕정주의적인 정치와 사회적인 이상을 강조함으로써 상류층 청중들에게 호소하려고 했습니다: 군주제는 정부의 자연적인 형태이고, 교육과 결혼에 있어서 결정적인 가부장적 권위, 그리고 재산의 상속과 소유에 있어서 두드러진 가부장적인 권위.[84] 그들은 또한 다음과 같은 캐릭터와 줄거리를 추가했습니다. 미란다에게는 도린다라는 이름의 여동생이 있고, 칼리반에게도 시코락스라는 이름의 여동생이 있습니다. 셰익스피어의 미란다/페르디난드 이야기와 유사한 것으로, 프로스페로에게는 여성에게 눈을 돌린 적이 없는 수양아들 히폴리토가 있습니다.[86] 히폴리토는 여배우들의 다리를 드러낼 수 있는 기회를 얻기 위해 복고 극장 경영진들에게 인기 있는 여성이 연기한 인기 있는 바지 역할이었습니다.[87] 학자 마이클 돕슨(Michael Dobson)은 드라이든과 데이베넌트의 템페스트(The Temperest) 또는 마법의 섬(The Enchanted Island)을 "전체 유신의 가장 빈번하게 부활한 연극"으로 묘사하고 여성에 대한 강화되고 추가된 역할의 중요성을 확립했습니다.[88]

미란다 역의 엠마 하트, 조지 롬니의 오일 스케치

1674년 토마스 샤드웰은 드라이든과 데이베넌트를 같은 이름의 오페라로 다시 각색했는데, 보통 노래하거나 춤출 섹션이 있는 연극을 의미합니다. 복원 연극 관람객들은 드라이든/데이베넌트/섀도웰 버전을 셰익스피어의 것으로 여겼던 것으로 보입니다. 예를 들어, 사무엘 페피스는 그의 일기에서 그것을 "셰익스피어의 오래된 연극"이라고 묘사했습니다. 페피스에 따르면 오페라는 매우 인기가 있었고 "너무나 좋은 다양성으로 가득 차 있어서 코미디에서 이보다 더 행복할 수 없다"고 합니다.[89] 이 버전의 프로스페로는 셰익스피어와 매우 다릅니다. 에크하르트 오벌렌은 그를 "폴로니우스처럼 지나치게 바쁜 아버지의 지위로 전락시켰고, 그들을 위해 유리한 왕조 결혼을 계획하면서 성적으로 순진한 두 딸의 정조를 지키려는 의도"라고 묘사합니다.[90] 오페라의 마법에 걸린 섬은 1675년 토머스 더핏이 킹스 컴퍼니를 위해 쓴 패러디 '모의 폭풍'이나 '마법에 걸린 성'을 불러일으킬 만큼 성공적이었습니다. 폭풍으로 보이는 것으로 문을 열었지만, 알고 보니 한 위안소의 폭동이었습니다.[91]

1757년 드루리 레인 극장 로얄의 템페스트 제작을 위한 극본

18세기 초, 드라이든/데이베넌트/섀드웰 버전이 무대를 지배했습니다. 아리엘은 두 가지 예외를 제외하고는 한 여성이 연기했고, 변함없이 우아한 춤꾼과 훌륭한 가수가 연기했습니다. 칼리반은 "어색한 몸매로 유명한" 배우들이 연기한 코미디언 역할이었습니다. 1756년, 데이비드 개릭은 존 크리스토퍼 스미스의 음악과 함께 "3막 축전"이라는 또 다른 오페라 버전을 공연했습니다.[92]

템페스트는 낭만주의 시대 연극 레퍼토리의 주요 요소 중 하나였습니다. 존 필립 켐블(John Philip Kemble)은 셰익스피어의 원작에 더 가까운 연기 버전을 제작했지만 그럼에도 불구하고 도린다(Dorinda)와 히폴리토(Hippolito)를 유지했습니다.[92] 켐블은 셰익스피어 텍스트의 고대 발음을 고집하는 것으로 많은 조롱을 받았는데, 여기에는 "aches"를 뜻하는 "auchs"가 포함됩니다. 관중들은 "그의 노래를 부르는 켐블의 '내가 너를 오래된 경련으로 잡아줄게 / 그들의 뼈를 모두 고통으로 채워줘'라는 전달을 즐기기 위해 그 구덩이를 가득 채웠다고 합니다."[93][94] 낭만주의 시대의 배우 겸 매니저들은 19세기 후반까지 셰익스피어 공연을 지배할 세트와 의상에서 화려함을 위한 패션을 확립했습니다: 예를 들어, 켐블의 도린다와 미란다는 "점박이 털로 장식된 흰색"으로 연주되었습니다.[95]

그의 오페라 버전이 첫 선을 보인 지 1년 후인 1757년, 데이비드 개릭은 드루리 레인에서 셰익스피어의 대본을 대폭 축소한 공연을 했고, 그것은 세기 내내 수익성 있게 부활했습니다.[92]

19세기

안젤리카 카우프만의 미란다와 페르디난드

1838년 윌리엄 찰스 맥레디의 영향력 있는 작품이 나오기 전까지 셰익스피어의 텍스트는 이전의 두 세기의 대부분 동안 인기 있었던 각색된 그리고 오페라적인 버전에 대한 우선권을 확립했습니다. 특히 캘리번 역의 조지 베넷의 연기는 패트릭 맥도넬에 의해 1840년에 출판된 "A Say on the Play of The Tempest"에서 "그의 마음속에 남아있는, 그 폭정에 대한 강한 저항"으로 묘사되었습니다.[96]

빅토리아 시대는 호화로운 세트와 시각적 스펙터클, 긴 장면 변화를 위한 공간을 마련하는 심하게 잘린 텍스트, 정교한 무대 효과를 바탕으로 후에 "화보적"으로 묘사되는 운동의 절정을 이루었습니다.[97] 찰스 킨의 1857년 작 템페스트에서, 아리엘은 불덩이 속으로 내려가는 모습이 여러 번 목격되었습니다.[98] 이 작품에 사용된 것으로 추정되는 140명의 무대 손들은 "전혀 볼 수 없었지만, 전례가 없었던 것처럼"이라고 문학 가제트는 설명했습니다. 한스 크리스티안 안데르센도 이 작품을 보고 아리엘을 "전기선에 의해 고립된" 것으로 묘사하며, 역할을 맡은 여배우를 향한 탄소 아크 램프의 효과를 언급했습니다.[99] William Poel과 Harley Granville-Barker를 포함한 차세대 제작자들은 더 날씬하고 텍스트 기반의 스타일로 돌아갔습니다.[100]

19세기 말과 20세기 초, 프로스페로가 아닌 칼리반은 템페스트의 스타 연기로 인식되었고, 배우-매니저들이 직접 선택한 역할이었습니다. 프랭크 벤슨은 동물원에서 원숭이와 개코원숭이를 보면서 그 역할을 연구했습니다; 무대 위에서, 그는 나무에 거꾸로 매달려 횡설수설했습니다.[101]

20세기 이상

1904년 제작된 캘리반 역의 허버트 비어봄 나무의 찰스 부첼이 그린 숯 그림.

19세기 후반의 전통을 이어가던 1904년 허버트 비어봄 트리는 허리까지 오는 머리카락과 깃털 모양의 베어링을 가진 칼리반을 연기하기 위해 털과 해초를 입었습니다. 이는 원시적인 부분-동물 부분-인간 진화 단계를 암시합니다.[101] 1934년 로저 라이브시가 흑인 분장을 한 최초의 배우가 될 때까지 칼리반에 대한 이러한 "실종 링크" 묘사는 제작에서 일반적인 것이 되었습니다. 1945년 캐나다 리는 뉴욕의 Theatre Guild에서 이 역할을 맡았고, 1960년 얼 하이먼과 1962년 제임스 얼 존스를 포함하여 흑인 배우들이 이 역할을 맡는 전통을 확립했습니다.[102]

1916년, 퍼시 맥케이(Percy MacKaye)는 뉴욕의 루이스온(Lewison) 경기장에서 공동체 가면극인 '캘리반 바이 더 옐로우 샌즈(Caliban by the Yellow Sands)'를 선보였습니다. 무용수들과 가면극의 거대한 출연진들 가운데, 이 미인대회는 칼리반의 반항적인 성격에 초점을 맞추지만, 더 많은 지식에 대한 그의 간청으로 끝이 납니다("I wear to build, thine Artist / and '그리고 별들 사이에 this thine Earth - / Beautiful!"). 셰익스피어가 등장인물로서 프로스페로의 "우리의 계시는 이제 끝났다" 연설을 읊으며 뒤따릅니다.[103][104]

존 질구드는 프로스페로를 여러 번 연기했고, 더글러스 브로드에 따르면 "보편적으로 다음과 같은 이름으로 알려졌습니다. [[20세기]] 세기의 가장 위대한 무대 프로스페로]"[105] 그가 이 역할에 처음 출연한 것은 1930년이었다: 그는 터번을 착용하고 나중에 단테를 닮고 싶었다고 고백했습니다.[102] 그는 1974년 왕립 국립 극장에서 마지막으로 세 번의 무대 제작에서 역할을 맡았습니다.[106] 2003년 데릭 자코비의 '노인 빅을 위한 프로스페로'는 나이를 먹는 동안 고립과 고통을 묘사한 것으로 찬사를 받았습니다.[107]

피터 브룩은 1968년 라운드 하우스에서 마임을 선호하는 텍스트를 "거의 완전히 포기"한 실험적인 연출을 지휘했습니다. 마거릿 크로이든의 리뷰에 따르면, 시코락스는 "얼굴과 몸을 훨씬 더 큰 비율로 확장할 수 있는 거대한 여성에 의해 묘사되었습니다. 그로테스크의 환상적인 상징이죠. 갑자기 끔찍한 소리를 지르고, 검은 스웨터를 머리 위에 걸친 칼리반이 그녀의 다리 사이에서 모습을 드러냅니다. 악은 태어납니다."[108]

흑인 배우가 백인 프로스페로와 대척점에 서서 칼리반을 연기하는 기존 전통에도 불구하고, 연극에 대한 식민지적 해석은 1970년대에 이르러서야 무대로 올라섰습니다.[109] 조너선 밀러와 클리포드 윌리엄스가 연출한 영국 공연에서 프로스페로를 식민지 개척자로 명시적으로 묘사했습니다. 데이비드 허스트(David Hirst)는 밀러의 작품을 "유럽의 침략과 식민지화의 결과로서 더 원시적인 문화의 비극적이고 필연적인 해체"를 묘사했습니다.[110][111] 밀러는 1988년 런던 Old Vic에서 막스 폰 시도우(Max von Sydow)가 프로스페로(Prospero) 역으로 출연하면서 이러한 접근 방식을 개발했습니다. 이것은 섬의 영혼과 생명체를 연기하는 인간과 흑인 배우들로 구성된 혼합 캐스팅을 사용했습니다. 마이클 빌링턴(Michael Billington)에 따르면, "본 시도우(von Sydow)의 프로스페로(Sprospero)는 돌연변이 흑인 칼리반(Caliban)을 조종하는 백인 지배자(white coverrador)가 되었고, 협력자인 아리엘(Ariel)은 섬의 침입자들의 몸짓을 예리하게 모방했습니다. 식민지 시대의 은유는 논리적인 결론으로 이어져서 마침내 아리엘은 프로스페로의 버려진 직원들의 조각들을 모으고 경외심에 사로잡힌 부족민들이 지켜보는 가운데 그들을 다시 맞춰 고정된 칼리반 앞에서 그의 지팡이를 높이 잡았습니다. 템페스트는 갑자기 셰익스피어가 예측하지 못했던 새로운 정치적 차원을 갖게 되었습니다."[112]

정신분석학적 해석은 무대 위에서 묘사하기가 더 어렵다는 것이 증명되었습니다.[111] 1979년 아메리칸 셰익스피어 극장에서 제작된 제럴드 프리드먼의 작품과 1982년 론 다니엘스의 로열 셰익스피어 컴퍼니의 작품은 모두 프로스페로의 정신에 반대되는 측면으로 아리엘과 칼리반을 묘사하려고 시도했습니다. 그러나 어느 것도 완전히 성공한 것으로 간주되지는 않았습니다. 프리드먼의 작품을 리뷰하는 셰익스피어 쿼털리는 "프리드먼 씨는 무대 위에서 이전에 들어본 적이 없는 관객들에게 그러한 개념을 분명히 하기 위해 아무것도 하지 않았다"[113][114]고 평했습니다.

1988년, 존 우드는 RSC에서 프로스페로를 연기하며 캐릭터의 인간적인 복잡성을 강조했습니다. 한 평론가는 "그의 착취에 대한 끓어오르는 분노와 그의 대체적인 천상의 힘에 대한 억제되지 않은 기쁨 사이에서 중단된 극장 섬의 퇴폐적인 무대 관리자"라고 묘사했습니다.[115][116]

일본의 극장 스타일이 템페스트에 적용되었습니다. 1988년과 1992년에 다시 니나가와 유키오는 The Temperest 버전을 영국으로 가져갔습니다. 노극의 리허설로 무대를 꾸몄는데, 무대 뒤에는 전통적인 노극 극장이 있지만, 노극 관습과 어긋나는 요소들을 사용하기도 했습니다. 1992년 후지타 미노루는 오사카와 도쿄 글로브에서 분라쿠 버전을 선보였습니다.[117]

샘 멘데스는 1993년 RSC 제작을 감독했는데, 사이먼 러셀 비일의 아리엘은 알렉 맥코웬의 프로스페로가 행사한 통제에 공개적으로 분개했습니다. 논란의 여지가 있지만, 달리기의 초기 공연에서 아리엘은 한때 자유를 허락했던 프로스페로에게 침을 뱉었습니다.[118] 조지 C는 전혀 다른 효과를 얻었습니다. 1995년 야외 뉴욕 셰익스피어 페스티벌 제작에서 울프는 패트릭 스튜어트의 프로스페로의 상대역인 아리엘 역에 오누에 엘리스를 캐스팅하여 에로틱한 긴장감으로 제작을 기소했습니다. 20세기 후반의 제작은 점차 등장인물들 사이의 성적 긴장에 초점을 맞추고 있는데, 여기에는 프로스페로/미란다, 프로스페로/아리엘, 미란다/칼리반, 미란다/페르디난드, 칼리반/트린쿨로 등이 포함됩니다.[119]

2014년 영국 세인트 앨번스의 OVO 극단에서 제작한 작품에서 아리엘이 바라보는 동안 프로스페로의 캘리배런츠

템페스트는 2000년에 Globe Theatre에서 Vanessa Redgrave가 Prospero 역을 맡아 남성도 여성도 아닌 "권위, 인간성, 유머"와 함께 공연되었습니다.[120] 관객들은 프로스페로를 존경했지만, 재스퍼 브리튼의 칼리반은 땅바닥에 물고기를 뱉고 굴욕적인 만남으로 그들 중 일부를 지목했음에도 불구하고 "그들의 사람이었다"(피터 톰슨의 말).[121] 2005년 말까지 BBC 라디오는 21편의 The Tempest를 방영했는데, 이는 셰익스피어의 다른 어떤 연극보다도 많은 양입니다.[122]

2016년에는 Royal Shakespeare Company에 의해 템페스트가 제작되었습니다. 그레고리 도란(Gregory Doran)이 감독하고 사이먼 러셀 빌(Simon Russell Beale)이 출연한 RSC 버전은 퍼포먼스 캡처를 사용하여 무대에서 실시간으로 아리엘을 투사했습니다. 이 공연은 Imaginarium과 Intel이 공동으로 진행했으며, 빛, 특수 효과 및 세트 디자인의 "아주 멋진 [그리고] 사용"[123]을 특징으로 했습니다.[123]

음악

칼리반, 스테파노 그리고 트린쿨로 춤, 요한 하인리히 람베르크의 그림의 세부사항.

템페스트는 다른 어떤 셰익스피어 연극보다 많은 음악을 가지고 있으며, 셰익스피어 연극의 대부분보다 작곡가들의 소재로서 더 인기가 있음이 증명되었습니다. 학자 줄리 샌더스(Julie Sanders)는 이를 연극의 "지각된 '음악성' 또는 서정성" 때문이라고 설명합니다.[124]

셰익스피어의 생전에 공연에 사용되었을 수 있는 템페스트의 두 곡이 남아 있습니다. 이것들은 1659년 출판된 경쾌한 아이레스 또는 발라드의 "Full Fathom Five"와 "Where The Bee Sucks There Sucks I"인데, 이 곡들은 정기적으로 킹스맨을 위해 작곡한 로버트 존슨에 기인합니다.[125] 제작자들이 이 두 곡의 현대 설정을 의뢰하는 것은 연극의 역사를 통틀어 흔한 일이었고, 또한 "Come To These Yellow Sands"도 마찬가지였습니다.[126]

템페스트는 민속과 히피 전통에서 쓰인 노래들에도 영향을 미쳤습니다: 예를 들어, 1965년에 마리안 페이스풀이 Come My Way를 위해 녹음한 "Full Fathom Five"의 버전과 위험한 노래들을 위해 피트 시거가 녹음했습니다!? 1966년에[127] 마이클 니먼의 아리엘 송은 영화 프로스페로의 책을 위해 그의 악보에서 가져온 것입니다.

루트비히 판 베토벤의 1802년 피아노 소나타 17번 D단조 Op. 31번 2번은 베토벤이 사망한 지 얼마 되지 않아 '황금'이라는 부제가 붙었는데, 소나타의 의미를 묻는 질문에 베토벤은 '황금을 읽으세요'라고 말했다고 주장되었기 때문입니다. 그러나 이 이야기는 종종 신뢰할 수 없는 그의 동료 안톤 쉰들러로부터 나옵니다.[128]

부수음악

템페스트에 부수적인 음악을 작곡한 사람들 중에는 다음과 같은 사람들이 있습니다.

오페라

템페스트를 소재로 한 오페라나 반오페라는 최소 46편이 존재합니다.[139] 위의 "복고와 18세기" 섹션에서 언급된 드라이든/데이베넌트와 개릭 버전 외에도 프레데릭 레이놀즈는 1821년 헨리 비숍 경의 음악과 함께 오페라 버전을 제작했습니다. 템페스트를 기반으로 한 다른 20세기 이전의 오페라로는 프로멘탈 헤레비의 라 템페스타 (1850)와 즈덴 ě크 피비히의 부 ř (1894)가 있습니다.

20세기에 쿠르트 애터버그의 스토멘은 1948년에, 프랭크 마틴의 더 스텀은 1955년에 초연되었습니다. 마이클 티펫(Michael Tippett)의 1971년 오페라 매듭 정원(The Knot Garden)은 템페스트에 대한 다양한 암시를 담고 있습니다. 3막에서 정신분석학자 망구스는 프로스페로 행세하며 셰익스피어 연극의 상황들을 그의 치료 시간에 사용합니다.[140] 1985년 존 이튼(John Eaton)은 앤드류 포터(Andrew Porter)의 리브레토(libretto)와 함께 라이브 재즈와 미리 녹음된 전자 음악의 융합을 만들었습니다. 마이클 니먼의 1991년 오페라 소음, 소리와 달콤한 공기는 카린 사포르타에 의해 오페라 발레로 처음 공연되었습니다. 이 오페라는 소프라노, 콘트라토, 테너 등 성악가 3명이 개별 인물이 아닌 목소리라는 점에서 독특하며, 테너도 소프라노처럼 미란다를 부르거나, 세 사람 모두 한 인물로 노래합니다.[141]

토마스 아데스의 21세기 오페라에서 아리엘 역을 부르는 소프라노는 기록부의 위쪽 끝에 늘어져 있어 역할의 남성미가 돋보입니다.[142][143] AP의 마이크 실버먼은 "아데스는 영혼 아리엘의 역할을 칼라투라 소프라노의 순회공연으로 만들었고, 그녀에게 대부분의 시간을 높은 C보다 훨씬 위에서 맴도는 보컬 라인을 주었습니다"[This quote needs a citation]라고 말했습니다.

루카 롬바르디의 프로스페로는 2006년 뉘른베르크 오페라 하우스에서 초연되었습니다. 아리엘은 4명의 여성 목소리(S,S,MS,A)로 불리며 무대 위에서 기악적인 분신(플루트)을 가지고 있습니다. 프로스페로에게도 기악적인 분신(첼로)이 있습니다.

카이자 사리아호는 1993년부터 2014년 사이에 템페스트의 여섯 조각을 반주 아리아로 설정하여 템페스트 송북으로[144] 출판했습니다. 이 작품은 음악 극장 작품으로 의도된 것은 아니지만, 2015년[145] 메트로폴리탄 박물관의 고담 챔버 오페라가 푸르셀의 작품으로[146] 추정되는 템페스트를 위한 부수적인 음악도 포함한 콜라주에서 무대에 올려졌습니다(사리아호의 작품은 현대 악기와 바로크 악기[147] 모두를 위한 설정으로 존재합니다).

합창 설정

템페스트에서 발췌한 합창곡에는 에이미 비치의 'Come To These Yellow Sands (SSAA, 세 곡의 셰익스피어 노래에서)', 매튜 해리스의 'Full Fathom Five', 'I Will No More to Sea', 그리고 '벌이 빨려 들어가는 곳'(SATB, 셰익스피어 노래에서), 라이언 켈리의 'The Tempest'(SATB, 연극 장면 1), Jaakko Mäntyjärvi의 Full Fathom Five and A Scurvy Tune (SATB, 네 개의 셰익스피어 노래와 더 많은 셰익스피어 노래 중에서), Frank Martin의 Songs of Ariel (SATB), Ralph Vaughan Williams의 Full Fathom Five and The Cloud-capp'd Towers (SATB, 세 개의 셰익스피어 노래 중에서), 그리고 David Willcocks의 Full Fathom Five (SSA).

관현악 작품

연주회를 위한 관현악 작품으로는 표트르 일리치 차이콥스키의 환상곡 '열풍'(1873), 피비히의 교향시 '부 ř'(1880), 존 놀스 페인의 교향시 '열풍'(1876), 벤자민 데일의 서곡(1902), 아서 호네거의 관현악 서곡(1923), 펠릭스 바인가르트너의 서곡 '더 스텀', 헤오리 마이보로다의 서곡, 그리고 Egon Wellesz의 Prosperos Beschwörungen (5개 작품 1934-36).

발레

발레 순서는 유신 시대부터 연극의 많은 공연에서 사용되어 왔습니다.[148] 안무가 알렉세이 라트만스키(Alexei Ratmansky)의 단막 발레가 2013년 10월 30일 뉴욕에서 장 시벨리우스(Jean Sibelius)의 부수적인 음악을 배경으로 아메리칸 발레 시어터(American Ballet Theatre)에 의해 초연되었습니다.

무대 뮤지컬

템페스트에서 파생된 무대 뮤지컬이 제작되었습니다. The Tempest: A Musical이라는 작품은 2006년 12월 뉴욕의 Cherry Lane Theatre에서 제작되었으며, Thomas Mehan의 컨셉과 Daniel Neiden(작곡을 하기도 했던)과 Ryan Knowles의 대본으로 인정되었습니다.[149] 나이든은 이전에 템페스트 토스(Tempest Toss'd)라는 제목의 다른 뮤지컬과 인연이 있었습니다.[150] 2013년 9월, The Public Theater는 200명이 넘는 출연진을 가진 Lear de Bessonet이 연출한 센트럴 파크의 들라코르테 극장에서 새로운 대규모 무대 뮤지컬을 제작했습니다.[151][152]

문학과 예술

셰익스피어 여주인공 그래픽 갤러리의 프레드릭 구달의 "미란다"

퍼시 바이쉬 셸리는 템페스트의 영향을 받은 초기 시인들 중 한 명이었습니다. 그의 "기타로, 제인에게"는 아리엘을 시인과, 그의 노래를 시와 동일시합니다. 이 시는 아리엘의 자연에 대한 친밀함을 전달하기 위해 단순한 사전을 사용하고 "셰익스피어의 원곡들의 직선적인 아름다움을 모방"합니다.[153] 진화에 대한 다윈의 생각이 출판된 후, 작가들은 세상에서 인류가 차지하는 위치와 신과의 관계에 대해 의문을 제기하기 시작했습니다. 이러한 생각들을 탐구한 한 작가는 로버트 브라우닝인데, 그의 시 "캘리반 온 세테보스" (1864)는 셰익스피어의 성격을 신학적이고 철학적인 질문들에 대해 숙고하는 것을 배경으로 합니다.[154] 프랑스 철학자 어니스트 르낭은 "Caliban"이라는 장막극을 썼습니다. 스위트 드 라 템페트 (캘리포니아: 템페스트의 속편), 1878년. 여기에는 프로스페로를 따라 밀라노로 돌아온 여성 아리엘과 프로스페로를 상대로 쿠데타를 일으킨 칼리반이 등장하는데, 성공한 후 그는 이전 주인의 미덕을 적극적으로 모방합니다.[155] W. H. 오든의 "긴 시" 바다와 거울은 템페스트의 조연들 각각이 그들의 경험에 대해 성찰하는 형태를 띠고 있습니다. 이 시는 프로이데적 관점을 취하며, 칼리반(장편이 산문시인)을 프로스페로의 성욕으로 보고 있습니다.[156]

1968년 프랑스계 카리브해 작가 아이메 세자이어는 칼리반이 흑인 반란군이고 아리엘이 혼혈이라는, 식민지 이후의 해석을 바탕으로 극을 급진적으로 각색한 '유네 템페트(Une Tempette)'를 출간했습니다. 캘리반의 모습은 우간다의 타반 로 리용, 시에라리온의 르무엘 존슨, 케냐의 응 ũ그 ĩ와 티옹고, 잠비아의 두 유 러브 미의 데이비드 월리스 등 1970년대 아프리카 문학 작품에 영향을 미쳤습니다. 비슷한 현상이 20세기 후반 캐나다에서도 일어났는데, 마거릿 로렌스의 디바인스, 콘스탄스 베레스포드 하우의 프로스페로의 딸, 사라 머피의 미란다의 척도 등 여러 작가들이 미란다에게 영감을 받은 작품을 제작했습니다.[158] 다른 작가들은 아리엘(마리나 워너의 소설 인디고)이나 칼리반(수니티 남조시의 시 스냅샷 오브 칼리반)을 여성화했습니다.[159]

윌리엄 호가스의 1735년의 템페스트 그림.

18세기 중반부터 템페스트를 비롯한 셰익스피어의 희곡들이 그림의 소재로 등장하기 시작했습니다.[160] 1735년경 윌리엄 호가스는 "반 다이크와 렘브란트의 스타일로 꾸며진 바로크, 감상적인 판타지"라는 그의 그림을 제작했습니다.[160] 이 그림은 셰익스피어의 텍스트를 바탕으로 한 것으로, 무대에 대한 표현이나 (데이베넌트-드라이든 중심) 당시의 무대 전통을 담고 있지 않습니다.[161] 헨리 훼슬리는 보이델 셰익스피어 갤러리(1789)에 의뢰하여 레오나르도 다빈치의 프로스페로를 모델로 한 그림을 그렸습니다.[162][163] 18세기에 묘사된 이 두 작품은 프로스페로가 도덕적 중심으로 간주되었음을 나타냅니다: 호가스와 푸슬리의 그림을 보는 사람들은 프로스페로의 지혜와 권위를 받아들였을 것입니다.[164] 존 에버렛 밀레의 아리엘에게 유인된 페르디난드 (1851)는 이 연극을 바탕으로 한 라파엘 전파 이전의 그림들 중 하나입니다. 19세기 후반, 예술가들은 조지프 노엘 패튼의 캘리반에서 증명된 것처럼 물고기나 유인원 같은 특징을 가진 다윈의 "실종 연결고리"로 묘사하는 경향이 있었고, 다니엘 윌슨의 책 캘리반에서 논의되었습니다. 실종 링크 (1873).[165][155][166]

조지프 노엘 패튼의 칼리반

찰스 나이트는 셰익스피어 작품의 그림판을 8권(1838-43)으로 제작했습니다. 작품은 연극의 내용을 그림 형식으로 번역하려고 시도했습니다. 이것은 행동뿐만 아니라 이미지와 비유로도 확장되었습니다: "황소처럼 이슬을 머금은 산악인들"에 대한 곤살로의 대사는 괴뢰를 든 스위스 농부의 그림으로 묘사되어 있습니다.[167] 1908년 에드먼드 둘락은 40개의 수채화 삽화로 호화롭게 묶고 삽화를 그린 아서 퀼러-쿠치의 학술적 줄거리 요약과 해설을 곁들인 셰익스피어의 "황금의 코미디" 판을 제작했습니다. 삽화는 연극의 어두운 면을 피하면서 동화적인 특성을 강조합니다. 40개 중 단 12개만이 극의 행동을 직접적으로 묘사하고 있습니다: 다른 것들은 극이 시작되기 전의 행동을 기반으로 하거나 "네 아버지가 다섯 가지 거짓말을 충분히 하라" 또는 "기쁨과 상처를 주지 않는 소리와 달콤한 공기"와 같은 이미지를 기반으로 합니다.[168]

판타지 작가 닐 게이먼(Neil Gaiman)은 그의 만화 시리즈인 샌드맨(The Sandman)의 한 [169]호(최종호)에서 연극에 대한 이야기를 바탕으로 했습니다. 이 만화는 이전에 발행된 한여름 밤의 꿈의 속편입니다.[170] 이 호는 셰익스피어가 꿈을 축하하는 두 개의 연극을 쓰기로 한 드림 킹과의 계약의 마지막 부분으로 그의 마지막 솔로 프로젝트로 명명된 이 연극을 쓰기 때문에 몇 달에 걸쳐 후속으로 발행됩니다. 이 이야기는 극중 인물들과 사건들, 그리고 당시 셰익스피어의 삶과 가족 관계 사이에서 많은 유사점을 끌어냅니다. 그는 딸 주디스 셰익스피어와 캘리반을 그녀의 구혼자 토마스 퀴니를 기준으로 미란다를 기준으로 삼았음을 암시합니다.[citation needed]

랜덤 하우스의 호가스 셰익스피어 시리즈의 현대 작가들에 의한 셰익스피어 연극의 현대적인 재창조의 일부로서, 마가렛 애트우드의 2016년 소설 해그 시드는 템페스트를 기반으로 합니다.[171] 캐서린 더켓의 2019년 소설 밀라노의 미란다 또한 연극이 끝난 후 일어날 수 있는 사건들을 새롭게 상상합니다.

화면.

더 템페스트 (1908)
칼리반 역의 표도르 파라모노프, 말리 극장 (모스크바), 1905

템페스트는 1905년에 처음으로 스크린에 등장했습니다. 찰스 어반(Charles Urban)은 허버트 비어봄 트리(Herbert Beerboom Tree) 버전의 오프닝 스톰 시퀀스를 여왕 폐하의 극장에서 촬영했습니다. 컬러 필름이 발명되기 훨씬 전에 개별 프레임을 손으로 tint한 2+1 ⁄ 2분 깜박임. 1908년에 퍼시 스토는 영국 영화 연구소의 사일런트 셰익스피어 모음집의 일부인 템페스트를 10분이 조금 넘는 시간 동안 감독했습니다. 그것은 셰익스피어 희곡의 축약된 버전을 인터타이틀로 연결된 일련의 짧은 장면에서 묘사합니다. 1911년 Edwin Thanhouser의 것 중 하나인 적어도 두 개의 다른 무성 버전이 존재했던 것으로 알려졌지만, 분실되었습니다.[172] 이 줄거리는 윌리엄 A가 감독한 웨스턴 옐로우 스카이를 위해 각색되었습니다. 음, 1946년에.[173]

1956년 공상과학 영화 자금성은 섬 대신 알테어 4세라는 우주의 행성을 배경으로 합니다. 모비우스 교수와 그의 딸 알타이라(안네 프란시스)는 프로스페로와 미란다 인물입니다(프로스페로와 모비우스는 둘 다 그들의 새로운 집에 사는 강력한 힘을 이용했습니다). 아리엘은 도움을 주는 로봇 로비로 대표되는 반면, 시코락스는 강력한 크렐 종족으로 대체됩니다. 칼리반은 위험하고 보이지 않는 "id에서 온 괴물"로 대표되는데, 이는 시코락스의 자궁 대신 크렐 기술에서 태어난 모비우스의 정신을 투영한 것입니다.[174]

더글러스 브로드는 침묵의 시대 이후 템페스트의 스크린 "퍼포먼스"가 단 한 번뿐이었다고 생각하며, 그는 다른 모든 버전을 "변주곡"이라고 설명합니다. 그 한 공연은 1960년의 Hallmark Hall of Fame 버전으로, George Schaefer가 감독하고, Sprospero 역의 Maurice Evans, Caliban 역의 Richard Burton, 미란다 역의 Lee Remick, 그리고 Ariel 역의 Roddy McDowall이 출연합니다. 그것은 극을 90분 미만으로 조금 줄였습니다. 비평가 버지니아 본은 "수플레처럼 가볍지만, 메인 코스로는 충분하다"고 극찬했습니다.[172]

1969년 TV 시리즈 스타 트렉의 "메투셀라를 위한 레퀴엠"은 우주에서 다시 이야기를 시작했습니다. 홀버그 917-G.[175] 프로스페로의 인물은 플린트(제임스 댈리)로, 인간성으로부터 스스로를 고립시키고 마법에 가까운 첨단 기술을 조종하는 불멸의 남자입니다. 플린트의 젊은 병동 레이나 카펙(루이즈 소렐)이 미란다 역할을 채우고, 플린트의 다재다능한 로봇 하인 M4는 아리엘과 평행을 이룹니다.[176]

1979년, 데릭 자먼은 셰익스피어의 언어를 사용했지만 셰익스피어로부터의 일탈로 가장 유명한 호모에로틱 영화 템페스트를 제작했습니다. 한 장면은 뚱뚱하고 벌거벗은 사이코락스(클레어 대븐포트)가 다 큰 아들 칼리반(잭 버켓)에게 젖을 먹이는 장면입니다. 이 영화는 엘리자베스 웰치가 "폭풍의 날씨"를 외치며 절정에 달합니다.[177][178] 중심 공연은 토야 윌콕스의 미란다와 히스코트 윌리엄스의 프로스페로, "자신의 하인 두 사람을 착취하는 것을 즐기는 어두운 음울한 인물"이었습니다.[179]

연극의 여러 텔레비전 버전이 방송되었습니다. 가장 주목할 만한 것은 1980년 BBC 셰익스피어 작품으로, 사실상 완성된 작품으로, 마이클 호던이 프로스페로 역을 맡았습니다.

아내 안토니아의 알론조와의 외도를 알게 된 후 딸 미란다와 함께 외로운 그리스 섬으로 후퇴하는 환멸을 느낀 뉴욕 건축가 필립 디미트리우스(프로스페로)와 함께 1982년 폴 마주르스키의 현대어 각색 템페스트는 등장인물들의 고립된 존재의 성적 긴장감을 솔직하게 다뤘습니다. 칼리반 캐릭터인 염소 칼리바노스는 필립에게 그들 중 누가 미란다와 성관계를 가질 것인지 물었습니다.[179] 존 카사베테스는 필립, 라울 줄리아 칼리바노스, 제나 롤랜즈 안토니아, 몰리 링왈드 미란다를 연기했습니다. 수잔 서랜던은 필립의 심심한 여자친구 아레사(Aretha)라는 아리엘 캐릭터를 연기합니다. 이 영화는 "너무 길고 횡설수설"이라는 비판을 받았지만, 특히 칼리바노스와 그의 염소들이 뉴욕의 칸더와 에브의 뉴욕에 맞춰 춤을 추는 순서에서 좋은 유머로 찬사를 받기도 했습니다.[180]

존 질구드는 템페스트의 영화에서 프로스페로를 연기하는 것이 그의 인생의 야망이라고 썼습니다. 수년에 걸쳐 그는 알랭 레스네, 잉그마르 베르그만, 구로사와 아키라, 오손 웰즈에게 감독을 맡겼습니다.[181] 결국, 이 프로젝트는 "87세의 존 질구드와 인상적인 양의 나체"를 특징으로 하는 프로스페로의 책(1991)을 감독한 피터 그리너웨이에 의해 맡겼습니다.[182] 프로스페로는 자신의 것뿐만 아니라 다른 등장인물들의 대사를 말하는 템페스트의 작가로 새롭게 상상됩니다.[105] 이 영화는 콴텔 페인트 박스를 사용하여 시각적 표식을 만들어 "전례 없는 시각적 복잡성"을 낳은 혁신적인 영화로 인정받았지만,[183] 이 영화에 대한 비판적인 반응은 종종 부정적이었습니다: 존 사이먼은 이 영화를 "모욕적이고 가식적"이라고 불렀습니다.[184][185]

1989년 스웨덴에서 제작된 애니메이션 영화 레산틸 멜로니아(페르 올린 감독)는 생태학적 가치에 초점을 맞춘 셰익스피어 연극을 각색한 작품입니다. 레산틸 멜로니아는 올린이 그린 놀라운 비주얼과 때로는 꽤 어둡고 악몽 같은 시퀀스로 비평가들의 찬사를 받았습니다. 비록 이 영화는 원래 어린이용으로 판매되었지만 말입니다.[citation needed]

Brode와 같은 비평가들의 관점에서 볼 때, 셰익스피어 원작의 정신에 더 가까운 것은 S4C의 1992년 셰익스피어를 위한 Leon Garfield의 희곡 요약입니다. 애니메이션 이야기 시리즈. 스타니슬라프 소콜로프가 연출하고 티모시 웨스트가 프로스페로의 목소리로 등장하는 29분짜리 이 작품은 스톱 모션 인형을 사용하여 극의 동화 같은 특성을 포착했습니다.[186]

1998년 NBC에서 제작된 또 다른 "오프비트 변주곡"은 잭 벤더의 "The Temperest"에서 남북전쟁 직전 형에 의해 농장에서 쫓겨난 남부 노예 소유주 기디언 프로스퍼 역으로 피터 폰다가 출연했습니다. 노예 중 한 명에게 예술을 배운 마술사인 프로스퍼는 10대 딸을 보호하고 연합군을 돕기 위해 마법을 사용합니다.[187]

Julie Taymor 감독의 2010년작 The Tempest는 Helen Miren을 프로스페로의 여성 버전으로 출연시켰습니다. 영국이 '템페스트'라는 주제의 올림픽 개막식을 개최한 해인 2012년,[188] 연출가 롭 커리와 앤서니 플레처는 케닝턴의 오벌 하우스 극장에서 연극 연출을 맡으면서 남런던의 한 청소년 클럽에 이어 연극 다큐멘터리를 공개했습니다. 각색은 런던 젊은이들의 인종적으로 혼합된 캐스팅을 특징으로 하는 연극의 식민지 이후 유산에 크게 초점을 맞추었습니다.[189]

2022년 일본 애니메이션 《모빌슈트 건담》. '수성에서 온 마녀'는 연극의 영향을 많이 받았으며, 프로스페로의 여성 해석인 '레이디 프로스페라', '건담 에어리얼'(프로스페로의 요정 아리엘의 해석), 그리고 프로스페라와 그녀의 어린 딸을 유일한 생존자로 남겨둔 암살 시도를 묘사한 프롤로그는 머큐리의 외딴 행성으로 그들을 피난처로 이끌었습니다. 이 시리즈는 또한 극과 유사한 서사 호를 따르며 몇 가지 주요 줄거리 포인트를 통합합니다. 가장 유명한 것은 프로스페라 부인이 그녀의 불행에 책임이 있는 베네리트 그룹의 후계자에게 딸의 약혼을 주선하는 것입니다. 시리즈는 또한 레이디 프로스페라가 복수를 위한 계획을 포기하고, 그녀의 딸과 베네리트 계승자의 궁극적인 결혼으로 끝납니다.[190]

비디오 게임

1999년 어드벤처 게임 워터마크의 책은 템페스트와 1991년 영화 프로스페로의 책에 기반을 두고 있습니다. 게임 디자이너인 타카시 고바야시는 이 게임에 대한 추가적인 영감이 1941년 단편 소설 '바벨의 도서관'에서 왔다고 말했습니다.[191]

참고사항 및 참고사항

메모들

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원천

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외부 링크