실내악

실내악은 전통적으로 궁궐의 방이나 큰 방에 들어갈 수 있는 작은 악기 그룹을 위해 작곡되는 클래식 음악의 한 형태이다.가장 광범위하게, 그것은 한 부분에 한 명의 연주자가 있는 소수의 연주자에 의해 연주되는 모든 예술 음악을 포함한다(각 현악 부분이 다수의 연주자에 의해 연주되는 관현악과는 대조적으로).단, 관례상 솔로 악기 연주에는 포함되지 않습니다.

실내악은 친밀한 성격 때문에 "친구들의 음악"^[1]으로 묘사되어 왔다.100년 이상 실내악은 주로 아마추어 음악가들이 집에서 연주했고, 실내악 공연이 집에서 공연장으로 옮겨온 오늘날에도 많은 음악가들이 그들의 즐거움을 위해 실내악을 연주한다.실내악 연주에는 독주나 교향곡 ^[2]연주에 필요한 기술과 다른 특별한 기술이 필요하다.

요한 볼프강 폰 괴테는 실내악(특히 현악 4중주 음악)을 "4명의 이성적인 사람들이 대화하고 있다"^[3]고 묘사했다.한 악기가 멜로디나 모티브를 도입하고 그 후 다른 악기가 비슷한 모티브로 반응하는 방식을 가리키는 이 대화 패러다임은 18세기 말부터 현재까지 실내악 작곡의 역사를 통해 짜여진 실타래가 되어 왔다.대화에 대한 비유는 실내악 작곡의 설명과 분석에서 되풀이된다.

역사

중세 초기부터 현재까지 실내악은 그것을 만든 기술과 사회의 변화를 반영해 왔다.

초기 시작

중세와 르네상스 초기에 악기는 주로 ^[4]가수들의 반주로 사용되었다.현악기 연주자들은 그 가수가 부른 멜로디 대사에 맞춰 연주했다.또한 순수하게 기악 앙상블도 있었는데, 종종 바이올린 계열의 현악 전구체들로, ^[5]콘소트라고 불렸다.

클래식 기악 앙상블의 기원을 쏘나타 다 카메라(챔버 소나타)와 쏘나타 다 시에사(교회 소나타)^[6]로 보는 분석도 있다.이것들은 하나에서 다섯 개 이상의 악기를 위한 구성이었다.쏘나타 다 카메라는 느리고 빠른 동작의 조합이었고, 춤곡들이 섞여 있었다. 쏘나타 다 치에사는 같았지만 춤은 생략되었다.이러한 형태는 점차 바로크의 3중주 소나타로 발전했습니다 – 두 개의 고음 악기와 베이스 악기로,^[7] 종종 하모니를 채우는 키보드나 다른 코드 악기(예를 들어 하프 또는 루트)가 있습니다.베이스 악기와 화음 악기는 모두 바소 콘티뉴오 파트를 연주합니다.

바로크 시대에는 실내악이 하나의 장르로 명확히 정의되지 않았다.종종, 작품들은 오케스트라나 실내 앙상블에서 모든 종류의 악기들로 연주될 수 있다.예를 들어 요한 세바스찬 바흐의 푸가의 예술은 건반 악기(합시코드 또는 오르간)나 현악 사중주 또는 현악 관현악단에 의해 연주될 수 있다.3중주 소나타의 연주 또한 종종 유연하게 지정되었다; 헨델의 소나타 중 일부는 "독일의 플루트, 호보이[오보에] 또는 바이올린"^[8] 베이스 라인에 악보를 붙이고, 때때로 서너 개의 악기가 일제히 베이스 라인에 합류했다.때때로 작곡가들은 실내악단의 악장과 오케스트라 악장을 섞었다.예를 들어 텔레만의 '타펠무식'(1733년)은 다양한 악기 조합에 대한 다섯 세트의 악장이 있으며, 완전한 오케스트라 ^[9]섹션으로 끝난다.

바로크 실내악은 종종 상반된 것이었다. 즉, 각각의 악기는 서로 다른 시기에 같은 멜로디 소재를 연주하여 복잡하고 뒤섞인 소리의 구조를 만들었다.각각의 악기는 기본적으로 같은 멜로디를 연주하기 때문에 모든 악기가 동일했다.3중주 소나타에는 종종 오르막이나 독주 악기가 없지만, 세 악기는 모두 같은 중요성을 가지고 있다.

키보드나 다른 화음 악기에 의해 연주되는 조화적 역할은 보조적이었고, 보통 키보드 부분은 심지어 쓰이지 않았다; 오히려, 곡의 화음 구조는 그림 베이스라고 불리는 베이스 라인 위에 숫자 코드로 지정되었다.

18세기 후반, 취향이 바뀌기 시작했다: 많은 작곡가들이 대척점의 ^[11]복잡함보다 "얇은 질감, ... 그리고 명확하게 정의된 멜로디와 베이스"를 가진 새롭고 가벼운 갤런트 스타일을 선호했다.이제 실내악의 새로운 형태를 탄생시킨 새로운 관습이 생겨났다: 세레나데.단골손님들은 거리 음악인들을 초대해 집, 친구, 연인들의 발코니 아래에서 저녁 콘서트를 열었다.단골손님들과 음악가들은 작곡가들에게 2명에서 5명 또는 6명으로 구성된 그룹을 위해 적절한 춤과 곡조를 작곡하도록 의뢰했다.이 작품들은 세레나데(sera=night), 야상, 데뷰티멘티 또는 캐스케이션(gasse=street)으로 불렸다.젊은 조셉 하이든은 이것들 ^[12]중 몇 가지를 쓰도록 의뢰받았다.

하이든, 모차르트, 그리고 클래식 스타일

조지프 하이든은 일반적으로 우리가 ^[13]알고 있는 현대 실내악의 형태를 창조한 것으로 알려져 있다.68개의 현악 4중주, 45개의 피아노 3중주, 그리고 수많은 현악 3중주, 듀오, 관악 앙상블에서 하이든은 다음 2세기 동안 실내악계를 지배할 회화적 작곡 스타일과 전체적인 형태를 확립했다.

회화 형식의 작곡의 예로는 하이든의 현악 사중주곡 Op. 20, D장조 4번이 있다.제1악장에서는 모든 악기가 주제의 설명을 한 후 제1바이올린은 제2바이올린, 비올라, 첼로의 지원을 받아 3중주 형상이 된다.첼로는 그들만의 세쌍둥이 형상과 비올라로 화답하고, 다른 악기들은 이 악장에 대해 부차적인 주제를 연주한다.각 부분이 다른 부분과 본질적으로 같은 멜로디 역할을 하는 대척점과 달리, 여기서는 각 악기가 자신의 성격과 발전하면서 음악에 대한 자신의 코멘트를 기여합니다.

하이든은 또한 그의 실내악 작곡의 전반적인 형태를 정했는데, 이것은 오늘날까지 약간의 변형과 함께 표준이 되었다.특징적인 하이든 현악 사중주는 네 악장이 있다.

• 소나타 형식의 오프닝 악장으로, 보통 두 개의 상반된 테마를 가지고 있으며, 그 후에 주제 소재를 변형하고 전치하는 개발 섹션이 이어지며, 처음 두 개의 테마의 반복으로 끝납니다.
• 느린 템포 또는 중간 템포의 서정적인 악장으로, 때로는 A-B-C-A-B-C 순서로 반복되며 때로는 일련의 변주곡으로 구성됩니다.
• 메인 섹션, 대비되는 트리오 섹션 및 메인 섹션의 반복을 포함한 3/4시간 동안의 가벼운 움직임인 미뉴에트 또는 스케르조.
• 론도 형식의 빠른 피날레 섹션, 주 후렴 섹션이 무브먼트를 개폐하고 각 섹션 간에 반복하는 일련의 대조 섹션.

그의 혁신으로 하이든은 "현악 ^[14]4중주단의 아버지"라는 칭호를 얻게 되었고, 그는 동시대인들로부터 그 시대의 선도적인 작곡가로 인정받았다.그러나 실내악의 새로운 방식을 개발한 작곡가는 결코 그뿐만이 아니었다.하이든 이전에도 많은 작곡가들이 이미 새로운 형태를 실험하고 있었다.지오반니 바티스타 삼마티니, 이그나즈 홀츠바우어, 프란츠 자베르 리히터는 현악 사중주단의 선구자를 썼다.

하이든이 회화적인 작곡 스타일을 만들었다면, 볼프강 아마데우스 모차르트는 어휘를 크게 늘렸다.그의 실내악은 실내악 레퍼토리에 수많은 걸작을 추가했다.모차르트의 피아노 3중주 7곡과 피아노 4중주 2곡은 실내악과 피아노에 대화 원리를 적용한 최초의 곡이다.하이든의 피아노 3중주곡은 기본적으로 피아노 소나타로, 바이올린과 첼로가 대부분 조연으로 연주되어 피아노 악보의 고음과 베이스 라인을 두 배로 늘렸다.그러나 모차르트는 현악기들을 피아노의 카운터로 사용하고 실내악 ^[15]회화에 그들의 개별 목소리를 더하는 독립적인 역할을 부여한다.

모차르트는 새롭게 발명된 클라리넷을 비올라, 클라리넷, 피아노를 위한 케겔슈타트 트리오와 클라리넷과 현악 4중주단을 위한 5중주단, 581과 함께 실내악 무기고에 도입했습니다.그는 바이올린을 위한 5중주, 두 개의 비올라, 첼로, 그리고 호른을 위한 K. 407, 플루트와 현을 위한 4중주, 그리고 다양한 관악기 조합을 포함한 다른 혁신적인 앙상블도 시도했다.그는 바이올린 2개, 비올라 2개, 첼로를 위한 6개의 현악 5중주곡을 작곡했는데, 이 곡들은 비올라들의 풍부한 테너 음색을 탐구하며 현악 4중주 대화에 새로운 차원을 더했다.

모차르트의 현악 사중주는 고전 예술의 정점으로 여겨진다.그의 친구이자 멘토인 하이든에게 바친 6개의 현악 4중주곡은 모차르트의 아버지에게 "나는 정직한 사람으로서 당신의 아들이 내가 아는 가장 위대한 작곡가라는 것을 신 앞에 말씀드린다.그는 취향을 가지고 있고,^[16] 게다가 작곡에 대한 가장 깊은 지식을 가지고 있다.

다른 많은 작곡가들이 이 시기에 유행했고 오늘날에도 연주되고 있는 실내악곡을 작곡했다.이탈리아 작곡가이자 첼리스트인 루이지 보체리니는 거의 100개의 현악 사중주곡을 작곡했고, 두 개의 바이올린, 비올라와 두 개의 첼로를 위해 100개 이상의 5중주곡을 작곡했다.나중에 슈베르트에 의해 사용된 이 혁신적인 앙상블에서, 보케리니는 자신의 연주를 위한 쇼케이스로 첼로 주 첼로에게 화려하고 훌륭한 독주를 선사합니다.바이올리니스트 칼 디터스 폰 디터스도르프와 첼리스트 요한 침례 반할은 하이든과 비올라 모차르트와 함께 픽업 쿼텟을 연주했다.

집에서 홀까지

19세기의 전환은 사회와 음악 기술의 극적인 변화를 보았고, 이는 실내악이 작곡되고 연주되는 방식에 광범위한 영향을 끼쳤다.

귀족 제도의 붕괴

18세기 내내, 작곡가는 보통 귀족의 직원이었고 그가 작곡한 실내악은 귀족 연주자들과 ^[17]청취자들의 즐거움을 위한 것이었다.예를 들어, 하이든은 니콜라우스 1세의 직원, 에스터하지 왕자의 음악 애호가이자 아마추어 바리톤 연주자로, 하이든은 그를 위해 현악 3중주곡의 많은 부분을 작곡했다.모차르트는 첼리스트인 프러시아의 왕 프레데릭 윌리엄 2세를 위해 3개의 현악 4중주를 작곡했다.베토벤의 사중주 중 많은 곡들은 후원자인 안드레이 라즈모프스키 백작과 함께 두 번째 바이올린으로 처음 연주되었다.보케리니는 스페인의 왕을 위해 작곡했다.

귀족의 쇠퇴와 유럽 전역의 새로운 사회 질서의 증가로 작곡가들은 점점 더 많은 돈을 그들의 작곡을 팔고 콘서트를 공연함으로써 벌어야 했다.그들은 종종 공연장을 빌리고 공연 영수증을 모으는 구독 콘서트를 열었습니다.점점 더 그들은 부유한 후원자들뿐만 아니라 돈을 내고 관객들을 위해 연주하는 전문 음악가들을 위해 실내악곡을 작곡했다.

현악기 구조 변화

19세기 초에, 루티어들은 바이올린, 비올라, 첼로를 만드는 새로운 방법을 개발했는데, 이 방법들은 이 악기들에게 더 풍부한 음색, 더 많은 볼륨,^[18] 그리고 더 많은 전달력을 주었다.또한 이 시기에 활 제작자들은 더 높은 장력 하에 더 굵은 리본의 머리카락으로 바이올린 활을 더 길게 만들었다.이 개선된 투영을 통해 새로운 활 기술이 가능해졌다.1820년, 루이 스포르는 바이올린 연주자들에게 더 빠른 기술을 위해 왼손으로 더 자유롭게 움직일 수 있는 턱받이를 발명했다.이러한 변화는 큰 홀에서의 공공 공연의 효과에 기여했고 실내악 작곡가들이 이용할 수 있는 기법의 레퍼토리를 넓혔다.

피아노포르테의 발명

바로크 시대 내내 하프시코드는 실내악에 사용된 주요 악기 중 하나였다.하프시코드는 가시를 이용해 현을 뽑았고 섬세한 소리를 냈다.하프시코드의 디자인으로 인해 연주자가 키보드를 연주할 때 가해지는 공격이나 무게에 따라 음량이나 톤이 달라지지 않았습니다.약 1750년에서 1700년대 후반 사이에 하프시코드는 점차 사용되지 않게 되었다.1700년대 후반까지, 피아노포르테는 연주를 위한 악기로서 더 유명해졌다.1700년대 초에 바르톨로메오 크리스토포리에 의해 피아노포르테가 발명되었음에도 불구하고, 피아노포르테의 구조상의 기술적 발전이 그것을 보다 효과적인 악기로 만들었던 그 세기 말까지 널리 사용되지 않았다.하프시코드와 달리 피아노는 연주자가 얼마나 세게 또는 부드럽게 ^[19]연주하느냐에 따라 부드럽고 큰 역동성과 날카로운 소르잔도 공격을 연주할 수 있었다.개량된 피아노 포르테는 모차르트와 다른 작곡가들에 의해 채택되었고, 모차르트는 피아노가 주도적인 역할을 하는 실내 앙상블을 작곡하기 시작했다.피아노는 19세기까지 점점 더 우세해져서 프란츠 리스트와 프레데릭 쇼팽과 같은 많은 작곡가들이 거의 독주 피아노만을 위해 작곡했다.

베토벤

루드비히 반 베토벤은 서양 음악의 거인으로서 이 변화의 시기를 걸었다.베토벤은 실내악의 내용을 변혁하고 연주자와 관객에 대한 기술적 요구도 변화시켰다.메이나드 솔로몬의 말을 빌리자면, 그의 작품은 "19세기 낭만주의가 그 성과와 실패를 ^[20]가늠한 모델"이었다.특히 그의 후기 4중주곡은 너무 위압적인 업적으로 여겨져서 그 이후의 많은 작곡가들이 4중주곡을 작곡하는 것을 두려워했다; 요하네스 브람스는 감히 작품을 발표하기 전에 20개의 현악 4중주곡을 작곡하고 분해하여 그가 "거대 행군"^[21]할 가치가 있다고 느꼈다.

베토벤은 세 개의 피아노 트리오 Op.1로 작곡가로 정식 데뷔했습니다. 베토벤이 겨우 22살이었을 때 작곡된 이 초기 작품들조차도 엄격히 고전적인 틀을 고수하면서 베토벤이 앞으로 만들어갈 새로운 길을 보여주는 징후를 보였습니다.출판 전에 그의 스승인 하이든에게 트라이오 원고를 보여주었을 때 하이든은 첫 번째 두 가지를 승인했지만 세 번째 트리오는 너무 급진적이라고 경고하면서 "...^[22] 대중들에게 이해되고 호의적으로 받아들여지지 않을 것"이라고 경고했다.

하이든은 틀렸다. 세 번째 3인조가 가장 인기가 있었고 하이든의 비평은 그와 민감한 베토벤 사이의 불화를 야기했다.이 3인방은 사실 하이든과 모차르트가 형성한 틀에서 벗어난 것이다.베토벤은 구절과 악장 내에서 템포를 극적으로 벗어난다.그는 현악기, 특히 첼로의 독립성을 크게 높여 피아노와 때로는 바이올린보다 높은 음역까지 연주할 수 있게 한다.

그의 작품 1번 3중주곡이 베토벤의 작품을 대중에게 소개했다면, 그의 9중주곡인 작품 20은 그를 유럽에서 가장 인기 있는 작곡가 중 한 명으로 자리매김시켰다.바이올린, 비올라, 첼로, 콘트라베이스, 클라리넷, 호른, 바순을 위해 악보를 받은 셉텟은 큰 인기를 끌었다.그것은 콘서트에서 계속 연주되었다.이 곡은 클라리넷, 첼로, 피아노를 위한 많은 조합으로 등장했고 베토벤이 그의 다른 작품들을 능가할까 두려워할 정도로 인기가 있었다.그래서 1815년까지 칼 체르니는 베토벤이 ^[23]"전반적인 박수 때문에 그의 신전을 견디지 못하고 화가 났다"고 썼다.셉텟은 두 개의 미니엣과 일련의 변주를 포함한 6개의 악장으로 된 고전적인 게일멘토로서 쓰여진다.콘트라바스를 포함한 모든 사람을 위한 솔로곡과 함께 기억하기 쉬운 곡들로 가득합니다.

베토벤은 56년 중 37년 동안 작곡한 17개의 현악 4중주곡에서 클래식 작곡가 우량에서 뮤지컬 낭만주의의 창시자로, 마지막 현악 4중주곡으로 고전주의와 낭만주의를 초월해 분류에 어긋나는 장르를 창조했다.스트라빈스키는 후기 4중주곡의 그로제 푸게를 "영원히 ^[24]현대적일 이 절대적으로 현대적인 음악"이라고 표현했다.

현악 사중주 1-6번, Op. 18은 하이든이 Op. 76 현악 사중주곡을 썼던 해에 고전적인 스타일로 쓰여졌다.여기서도 베토벤은 하이든과 모차르트가 개척한 형식적인 구조를 늘렸다.예를 들어 4중주곡 Op. 18, 1번, F장조에서는 첼로를 위한 길고 서정적인 독주가 있어 4중주곡 대화에서 첼로에게 새로운 형태의 목소리를 준다.그리고 Op. 18의 마지막 악장 6번인 "La Malincolia"는 매니시한 춤과 함께 느리고 우울한 부분을 섞으면서 새로운 형태의 형식적인 구조를 만들어낸다.베토벤은 이 형식을 이후의 4중주곡에서 사용하기로 되어 있었고 브람스나 다른 사람들도 그것을 채택했다.

1805년부터 1806년까지 베토벤은 첫 번째 연주에서 두 번째 바이올린을 연주한 라주모프스키 백작의 의뢰로 세 개의 4중주곡을 작곡했다.베토벤 중기의 이 4중주곡들은 낭만적인 스타일의 선구자들이었다.이러한 4중주단은 많은 구조 및 스타일의 혁신을 도입했을 뿐만 아니라 기술적으로도 훨씬 더 어려웠기 때문에 많은 아마추어 현악기 연주자들의 손에 닿지 않는 수준이었습니다.최초의 바이올리니스트 이그나즈 슈판지가 그들의 어려움을 호소하자 베토벤은 "귀신이 나를 감동시킬 때 내가 당신의 형편없는 바이올린을 신경 쓸 것 같습니까?"라고 쏘아붙였다.^[25]어려운 점으로는 복잡한 싱크로네이션과 크로스 리듬, 16, 32, 64 음표의 싱크로네이션 실행, 억양에 특별한 주의가 필요한 갑작스러운 변조 등이 있습니다.작품 59 사중주곡 외에도 베토벤은 중기 동안 두 개의 사중주곡을 더 썼다. 베토벤이 제1악장에서 피지카토 악장으로 만들어내는 특이한 하프 같은 효과로 이름 붙여진 작품 74번 "하프" 사중주곡과 작품 95번 "세리오소"이다.

세리오소는 베토벤의 후기, 즉 위대한 자기 성찰의 작곡 시기를 예고하는 과도기적인 작품이다.요제프 케르만은 "베토벤의 마지막 스타일의 특정한 내면성은 작곡가와 다른 한 명의 감사관에게만 음악이 들리는 것 같다"^[26]는 느낌을 준다.후기 4중주에서는 4중주 대화가 종종 흐트러져 의식의 흐름처럼 진행된다.멜로디는 끊어지거나 멜로디 라인의 중간에서 악기로 넘어갑니다.베토벤은 현악 사중주 문학에서 이전에 논술된 적이 없는 새로운 효과를 사용한다: 4중주곡의 두 번째 악장에서 하이 E 현과 오픈 A 현 사이의 열린 간격의 에테르적이고 꿈 같은 효과; 132번 악장의 프레스토 악장에서 부서지기 쉽고 긁힘이 많은 소리를 위해 설 폰티셀로 (바이올린의 브릿지에서 연주)의 사용.1; 200년 동안 서양 음악에서 거의 들을 수 없었던 리디아 모드의 사용, ^[27]132번의 피날레에서 첼로 선율이 다른 모든 현보다 높게 연주되었다.그러나 이러한 모든 분열에도 불구하고, 각각의 4중주단은 촘촘히 설계되어 있으며, 작품들을 하나로 묶는 매우 중요한 구조를 가지고 있다.

베토벤은 8개의 피아노 3중주, 5개의 현악 3중주, 2개의 현악 5중주, 그리고 윈드 앙상블을 위한 수많은 곡을 작곡했다.그는 또한 바이올린과 피아노를 위한 10개의 소나타와 첼로와 피아노를 위한 5개의 소나타를 작곡했다.

프란츠 슈베르트

베토벤이 그의 마지막 4중주곡에서 자신만의 방향으로 나아가자 프란츠 슈베르트는 계속해서 새로운 낭만주의 스타일을 확립했다.슈베르트는 31년 동안 15개의 현악 4중주, 2개의 피아노 3중주, 현악 3중주, 트라우트 5중주, 현악과 관악을 위한 옥텟, 그리고 그의 유명한 5중주 2개의 바이올린, 비올라, 2개의 첼로를 작곡하며 그의 삶의 대부분을 실내악에 바쳤다.

슈베르트의 음악은 그의 삶으로서 그의 시대의 대조와 모순을 예시했다.한편으로 그는 빈 사회의 총아였다: 그는 슈베르티아덴으로 알려지게 된 소이레에 출연했고, 그곳에서 그는 1820년대 비엔나의 보석 같은 예술품을 표현한 가볍고 매너 있는 작곡을 연주했다.반면 그의 짧은 인생은 가난과 병으로 고통받는 비극에 휩싸였다.실내악은 이 갈등을 표현하기에 이상적인 매개체였다. "그의 본질적으로 서정적인 주제와 극단적인 색상 ^[28]대비의 가능성을 제공하는 형태로 극적인 발언에 대한 그의 감정을 조화시키는 것"C, D.956의 현악 5중주단은 이 갈등이 음악으로 어떻게 표현되는지를 보여주는 예이다.느린 도입 후, 제1악장의 첫 번째 주제인 불꽃과 극은 긴장감의 가교로 이어지며, 갑자기 정점을 찍고 두 번째 주제인 낮은 ^[29]목소리의 릴링 듀엣으로 돌입한다.Sturm und Drang과 이완이 번갈아 계속됩니다.

이러한 경쟁적인 힘은 슈베르트의 다른 작품들 중 일부에서 표현된다: 4중주단인 죽음과 처녀와 로사문드 4중주단 그리고 폭풍우 치는 1악장 쿼츠, D. 703.^[30]

펠릭스 멘델스존

슈베르트와 달리 펠릭스 멘델스존은 평화와 번영의 삶을 살았다.함부르크의 부유한 유대인 가정에서 태어난 멘델스존은 자신이 신동임을 증명했다.16세 때, 그는 그의 첫 번째 주요 실내악곡인 현악 옥텟, Op. 20을 썼다.이미 이 작품에서 멘델스존은 그의 후기 작품들을 특징짓기 위한 독특한 스타일을 보여주었다; 특히 현악 4중주단의 칸조네타 악장, 작품 12번, 작품 49번 피아노 3중주단의 체르조로도 대표된다.

멘델스존이 개척한 또 다른 특징은 전체 구조의 순환 형태이다.즉, 주제 소재를 한 동작에서 다음 동작으로 재사용하여 전체 조각의 일관성을 확보합니다.그의 두 번째 현악 사중주곡에서 그는 A단조의 폭풍우 치는 제1악장과 대조되는 평화로운 아다지오 섹션으로 곡을 시작한다.마지막 힘찬 프레스토 악장이 끝나면 그는 오프닝 아다지오로 돌아가 작품을 완성한다.이 현악 4중주곡은 또한 베토벤에 대한 멘델스존의 오마주곡이기도 하다; 이 작품에는 베토벤의 중후반 4중주곡의 인용구가 가득하다.

멘델스존은 성인이 되는 동안 피아노 3중주 2곡, 현악 4중주 7곡, 현악 5중주 2곡, 옥텟, 피아노와 현악 6중주, 바이올린, 첼로, 클라리넷으로 피아노 소나타를 작곡했다.

로베르트 슈만

로버트 슈만은 순환 구조의 발전을 계속했다.슈만은 E플랫의 피아노 5중주곡 Op.^[31]44에서 피날레에 첫 악장과 마지막 악장의 주제를 사용하여 이중 푸가를 작곡했다.슈만과 멘델스존 모두 베토벤의 선례를 따라 바로크 시대부터 인기가 없었던 푸가를 부활시켰다.하지만 엄밀한 장황한 푸거를 쓰는 대신 실내악기 간의 또 다른 대화수단으로 대척점을 활용했다.슈만의 3개의 현악 사중주곡과 피아노 사중주곡을 포함한 많은 실내악곡들은 전체적인 구성 ^[32]질감에 서로 반격하는 부분들을 심리스하게 얽혀 있다.

19세기 전반의 작곡가들은 하이든과 모차르트에 의해 확립된 회화 패러다임을 예리하게 인식하고 있었다.슈만은 진정한 사중주곡에서 "누구나 할 말이 있다... 종종 진정으로 아름답고 종종 이상하고 혼탁하게 짜여진 대화"^[33]라고 썼다.그들의 인식은 작곡가이자 거장 바이올리니스트인 루이 스포르에 의해 예시된다.스포르는 그의 36개의 현악 4중주곡을 두 가지 유형으로 나눴다: 현악 3중주 반주가 있는 바이올린 협주곡인 4중주곡과 대화 ^[34]전통에서 4중주곡이다.

19세기 실내악과 사회

19세기에는 산업혁명에 의해 새로운 기술이 등장하면서 인쇄된 음악이 저렴해졌고, 이에 따라 국내 음악 제작이 널리 인기를 끌었다.실내악에 ^[35]대한 소비자의 욕구가 높아졌기 때문에 작곡가들은 이 오픈마켓에 어필하기 위해 새로운 요소와 테크닉을 그들의 작품에 적용하기 시작했다.악기의 발전이 실내악의 대중적 공연으로 이어졌지만, 그것은 연주되는 만큼 연주되는 음악의 형태로 남아있었다.아마추어 4인조 사회는 유럽 전역에 생겨났고, 독일이나 프랑스의 어느 중규모 도시도 없는 곳이 없었다.이 협회들은 하우스 콘서트를 후원하고, 음악 도서관을 편집하고, 4중주곡과 다른 ^[36]앙상블의 연주를 장려했다.유럽 국가들, 특히 독일과 프랑스에서는, 같은 생각을 가진 음악가들이 함께 모여 지역사회와 강한 유대관계를 발전시키기 시작했다.작곡가들은 관현악곡과 대중음악 레퍼토리의 ^[37]가장 큰 부분을 차지하는 독주곡에 큰 호감을 가졌다.카밀 생상스와 세사르 ^[38]프랑크를 포함한 초기 프랑스 작곡가들.

중앙의 오스트리아-독일 국가와는 별개로 영국 등 다른 지역에서도 실내악의 하위문화가 생겨났다.실내악은 관객이 ^[39]적은 사저에 마련된 비공식 앙상블 등 예상치 못한 환경에서 음악 실력이 떨어지는 중상류층 남성들에 의해 연주되는 경우가 많았다.영국에서 실내악 작곡의 가장 일반적인 형태는 현악 4중주곡, 감상적인 노래, 피아노 3중주곡으로, 전통적인 "빅토리안 음악 만들기"^[40]의 표준 개념을 묘사하고 있다.19세기 중반 페미니스트 운동이 일어나면서 여성들도 실내악에 참여할 수 있게 되었다.

수백 명의 작곡가에 의해 수천 개의 4중주곡이 출판되었다; 1770년과 1800년 사이에, 2000개 이상의 4중주곡이 ^[41]출판되었고, 다음 세기에도 그 속도는 줄어들지 않았다.19세기 내내 작곡가들은 오랫동안 방치되어 온 현악 사중주곡을 발표했다.조지 온슬로는 36개의 4중주곡과 35개의 5중주곡을 작곡했고, 개타노 도니제티는 수십 개의 4중주곡을 작곡했고, 안토니오 바지니, 안톤 라이샤, 칼 라이시거, 조셉 석과 다른 사람들은 4중주곡에 대한 만족할 수 없는 요구를 채우기 위해 썼다.게다가, 대중적이고 민속적인 곡, 피아노 작품, 교향곡, 오페라 아리아 ^[42]등의 현악 4중주 편곡에 대한 활발한 시장이 있었다.

그러나 반대 세력이 작용했다.19세기 중반에는 실내악에서 솔로 공연으로 관심을 끌었던 슈퍼스타 거장들이 부상했다.대량생산될 수 있는 피아노는 선호도가 높은 악기가 되었고 쇼팽과 리스트와 같은 많은 작곡가들이 ^[43]피아노만을 위한 것은 아니더라도 주로 작곡을 했다.

피아노와 교향곡의 등장은 단순히 선호의 문제가 아니라 이데올로기의 문제이기도 했다.1860년대에 낭만적인 음악가들 사이에서 음악의 방향을 둘러싼 분열이 일어났다.많은 작곡가들은 그들의 낭만적인 성격을 그들의 작품을 통해 표현하는 경향이 있다.그때가 되면, 이 실내 작품들은 반드시 특정 전용 작품만을 위한 것은 아니다.파니 멘델스존 D단조 피아노 트리오, 이플랫 장조 루트비히 반 베토벤 트리오, A단조 프란츠 슈베르트의 피아노 5중주 등 유명한 실내악곡들은 모두 ^[38]개인성이 강하다.리스트와 리하르트 바그너는 "순수한 음악"이 베토벤과 함께 진행되었고, 음악이 멜로디와 함께 "이미지"를 만들어내는 새로운 형태의 음악이 예술의 미래라고 주장하는 운동을 주도했다.이 학교의 작곡가들은 실내악에 쓸모가 없었다.이 견해에 반대하는 사람은 요하네스 브람스와 그의 동료들, 특히 강력한 음악 비평가 에두아르트 한슬릭이었다.이 로맨틱스 전쟁은 두 진영 간의 독설적인 교류, 콘서트 보이콧, 그리고 탄원서와 함께 그 시대의 예술계를 뒤흔들었다.

비록 아마추어 연주가 19세기 내내 번성했지만, 이 시기는 실내악 연주가 전문화된 시기이기도 했다.실내악 콘서트 무대를 전문 4중주단이 장악하기 시작했다.조셉 헬메스버거가 이끄는 헬메스버거 4중주단과 조셉 요아힘이 이끄는 요아힘 4중주단은 브람스와 다른 작곡가들에 의해 많은 새로운 현악 4중주곡을 선보였다.또 다른 유명한 4인조 연주자는 레이디 할레로도 알려진 Ballmina Norman Neruda였다.사실, 지난 3분의 1세기 동안, 여성 연주자들이 콘서트 무대에서 자리를 차지하기 시작했다: 에밀리 시너가 이끄는 여성 현악 4중주단과, 모두 여성인 루카스 4중주단이 주목할 만한 ^[44]두 가지 사례였다.

20세기를 향해

20세기를 향한 낭만주의 음악의 횃불을 든 사람은 요하네스 브람스였다.로베르트 슈만이 ^[45]'새로운 길'을 개척한 것으로 알려진 브람스의 음악은 클래식에서 현대로의 가교다.한편 브람스는 바흐와 ^[46]모차르트의 음악적 전통을 보존하는 전통주의자였다.그의 실내악 내내, 그는 푸거와 캐논을 풍부한 대화와 조화로운 질감에 접목시키는 전통적인 대척점 기법을 사용한다.반면 브람스는 실내악의 구조와 화음 어휘를 확장해 전통적인 음조 개념에 도전했다.브람스의 두 번째 현악기 Op.^[47]36에 그 예가 있다.

전통적으로 작곡가들은 곡의 첫 번째 주제를 곡의 키로 썼고, 그 키를 곡의 강장제 또는 집 키로 확고히 확립했다.Op.36의 오프닝 테마는 강장조(G장조)에서 시작하지만, 세 번째 척도에 의해 이미 E-Flat 장조의 관련 없는 키로 변경되었다.주제가 발전함에 따라 강장조 G장조로 돌아오기 전에 여러 가지 키를 거친다.스와포드가 ^[48]설명한 바와 같이 이 "조화적인 대담성"은 보다 과감한 실험을 할 수 있는 길을 열어주었다.

브람스는 화음뿐만 아니라 전체적인 음악 구조에서도 혁신가였다.그는 Arnold Schoenberg가 "변형을 개발하는 것"^[49]이라고 묘사한 기술을 개발했다.브람스는 따로따로 정의된 구절보다는 구절과 구절 사이를 이어가며 멜로디적 동기를 혼합해 연속적인 멜로디의 구조를 만들어낸다.12음 구성의 창시자인 쇤베르크는 그의 에세이 "진보적인 브라질"^[50]에서 그의 모더니즘의 뿌리를 브람스에서 추적했다.

브람스는 현악 4중주 3곡, 피아노 3중주 5곡, 현악 5중주곡 Op.34 등 실내악 24곡을 발표했다.그의 마지막 작품 중에는 클라리넷 5중주곡인 Op. 115와 클라리넷, 첼로, 피아노를 위한 3중주가 있었다.그는 피아노, 바이올린, 호른의 특이한 조합을 위한 3중주곡을 작곡했다.그는 또한 알토 가수를 위한 두 곡, 비올라와 피아노, Op. 91을 작곡하여 바로크 이후 사실상 버려졌던 현악 오블리가토로 목소리의 형태를 되살렸다.

브람스가 시작한 음색과 구조에 대한 탐구는 프랑스 학파 작곡가들에 의해 계속되었다.1879년에 작곡된 세사르 프랑크의 F단조 피아노 5중주는 세 악장 각각에 동일한 주제 소재를 사용하여 슈만과 멘델스존이 최초로 탐구한 순환 형식을 더욱 확립했다.클로드 드뷔시의 현악 4중주곡 Op.10은 실내악사의 분수령으로 꼽힌다.4중주단은 순환 구조를 사용하며, 고전적 조화의 규칙에서 최종적인 분리를 구성한다.드뷔시는 "어떤 조합이든, 어떤 연속이든 그 어떤 소리도 그 이후로는 음악적 연속성에 자유롭게 사용될 수 있다"고 ^[51]썼다.Pierre Boulez는 드뷔시가 실내악이 "엄격한 구조, 얼어붙은 수사학, 경직된 미학"^[51]으로부터 자유로워졌다고 말했다.

모리스 라벨과 가브리엘 포레의 현악 4중주곡과 같은 드뷔시의 4중주곡은 실내악의 새로운 음색, 인상주의 ^[52]운동과 관련된 색과 질감을 만들어냈다.클리블랜드와 세쿼이아 4중주단의 비올리스트 제임스 던햄은 라벨 4중주단에 대해 이렇게 쓰고 있습니다. "저는 단지 음성의 소용돌이, 끊임없이 변하는 색채의 감각에 압도되었습니다."^[53] 이 작곡가들에게 실내악단은 이러한 분위기를 전달하는데 이상적인 수단이었고, 실내악곡은 그들의 작품 대부분을 구성했습니다.

실내악의 민족주의

새로운 음색과 질감을 추구하는 경향과 병행하여 실내악의 또 다른 새로운 발전인 민족주의의 부상도 있었다.작곡가들은 영감과 소재를 위해 점점 더 고국의 리듬과 음조에 눈을 돌렸다.알프레드 아인슈타인은 "유럽은 음악에 있어서 국경을 점점 더 날카롭게 설정하려는 낭만주의 경향에 의해 추진되었다"고 썼다."오래된 전통적인 멜로디 보물을 수집하고 선별하는 것...창조적인 예술 음악의 ^[54]토대가 되었다."많은 작곡가들에게 실내악은 그들의 국민성을 표현하는 자연스러운 수단이었다.

체코의 작곡가 안토닌 드보르사크는 실내악에서 그의 고향인 보헤미아의 음악을 위해 새로운 목소리를 만들었다.14개의 현악 4중주, 3개의 현악 5중주, 2개의 피아노 4중주, 1개의 현악 6중주, 4개의 피아노 3중주 및 기타 수많은 실내악곡에서 Dvoáak는 포크 음악과 모드를 그의 작곡의 필수적인 부분으로 통합합니다.예를 들어, A장조 피아노 5중주곡인 Op.81에서 느린 악장은 느린 표현 노래와 빠른 춤을 번갈아 부르는 슬라브 민속 발라드인 Dumka이다.드보르작의 국가 예술 음악 설립에 대한 명성은 뉴욕의 자선가이자 음악 ^[55]감식가인 Jeannette Thurber가 미국 음악 스타일을 확립할 음악원을 이끌도록 그를 미국으로 초대했을 정도로 대단했다.그곳에서 드보르작크는 현악 4중주곡인 '미국인'이라는 별명을 가진 작품 96을 작곡했다.Dvoáak는 작품을 작곡하는 동안 토착 춤과 노래를 연주하는 키카푸 인디언 그룹에 의해 접대를 받았고,^[56] 이 노래들은 4중주단에 포함되었을지도 모른다.

또 다른 체코인인 베두이치 스메타나는 피아노 3중주와 현악 4중주를 작곡했는데, 이 두 곡 모두 체코 고유의 리듬과 멜로디를 포함하고 있다.러시아에서는 19세기 후반 작곡가들의 작품에 러시아 민속음악이 스며들었다.표트르 일리치 차이코프스키는 그의 현악기 '플로렌스 기념품, 작품 70'의 마지막 악장에서 전형적인 러시아 민속 춤을 사용합니다.알렉산더 보로딘의 두 번째 현악 사중주단은 포크 음악에 대한 언급을 담고 있으며, 이 사중주단의 느린 녹턴 악장은 러시아 남부의 이슬람 지역에서 현재 행해지고 있던 중동의 모드를 떠올리게 한다.에드바르 그리그는 G단조 Op.27 현악 4중주곡과 바이올린 소나타에서 고국 노르웨이의 음악 스타일을 사용했다.

헝가리에서는 작곡가 졸탄 코달리와 벨라 바르토크가 민속음악에 대한 최초의 포괄적인 연구 중 하나를 수행함으로써 민족음악학의 과학을 개척했다.그들은 마자르 지방을 가로질러 수만 개의 포크 멜로디를 ^[57]녹음하고 분류했다.그들은 이 곡들을 작곡에 사용했는데, 이는 그 음악의 비대칭 리듬과 모달 하모니를 특징으로 한다.그들의 실내악 작곡과 체코 작곡가 레오시 야나체크의 작곡은 민족주의 경향과 20세기의 새로운 음색을 추구했다.야나체크의 현악 사중주곡은 체코 포크 음악의 톤을 포함할 뿐만 아니라 체코어의 리듬도 반영하고 있습니다.

새로운 세상을 위한 새로운 소리

브람스에 의해 미묘하게 시작되었고 드뷔시에 의해 명백해진 서양의 음조의 종말은 20세기 작곡가들에게 위기를 가져왔다.서양 화음의 기초가 된 디아토닉 스케일을 대체할 새로운 형태의 화음과 멜로디 시스템을 찾는 것만이 문제가 아니었다; 서양 음악의 전체 구조 – 악장 사이의 관계와 악장 내의 구조적 요소들 사이의 관계는 다른 키 ^[58]사이의 관계에 바탕을 두고 있었다.그래서 작곡가들은 음악을 위한 완전히 새로운 구조를 만드는 데 어려움을 겪었습니다.

이것은 자동차, 전화, 전등, 세계 대전의 발명을 본 시대가 새로운 표현 방식을 필요로 한다는 느낌과 결합되었다.드뷔시는 "^[59]비행기의 세기는 음악을 들을 만하다"고 썼다.

포크 음악에서 영감을 얻음

새로운 음악을 찾는 데는 여러 가지 방향이 있었다.바르토크가 이끈 첫 번째 곡은 포크 음악의 음색과 리듬감 있는 구성을 지향했다.헝가리와 다른 동유럽과 중동의 포크 음악에 대한 바르토크의 연구는 그에게 장음계도 단음계도 아닌 음계와 콘서트 홀과는 다른 복잡한 리듬으로 만들어진 음악 세계를 보여주었다.$예$를 들어, 그의 다섯 번째 4중주곡에서 바톡은 "클래식적으로$훈련$된 음악가에게는 시작하지만 포크 음악가에게는 ^[60]두 번째$"$라는 3$2$8의 $시간$ $서명$을 사용합니다.구조적으로도, 바르토크는 종종 민속 모드를 발명하거나 차용한다.예를 들어, 여섯 번째 현악 사중주곡에서 바르토크는 각각의 악장을 느린 엘레지아크 선율로 시작하고, 이어서 악장의 주요 선율 재료로 시작하고, 이 우아함에 전적으로 기반을 둔 느린 악장으로 4중주를 마무리한다.이것은 많은 민속 음악 문화에서 흔한 형태이다.

바르토크의 6개의 현악 사중주는 베토벤의 후기 ^[61]사중주곡과 종종 비교된다.그 속에서 Bartok은 새로운 음악 구조를 만들고, 클래식 음악에서 이전에 만들어지지 않았던 음성을 탐색하며(예를 들어 연주자가 현을 들어 지판을 다시 두드리는 스냅 피지카토), 이러한 작품들을 다른 작품들과 구별하는 표현 모드를 창조한다.분석가 존 허셜 ^[62]바론은 "발톡의 마지막 두 사중주단은 당시의 반인륜적 위험에도 불구하고 생명, 진보, 인류의 승리를 선언한다"고 쓰고 있다.바르토크가 새롭고 불확실한 미국에서의 삶을 위해 나치의 헝가리 침공에서 탈출할 준비를 하고 있을 때 쓰여진 마지막 4중주는 종종 그의 시대의 비극에 대한 자전적인 진술로 보여진다.

바르토크만이 민속음악을 탐험한 것은 아니었다.이고르 스트라빈스키의 현악 4중주곡 3곡은 고전 현악 4중주곡이 아닌 러시아 포크송 3곡으로 구성됐다.스트라빈스키는 바르토크처럼 실내악 전반에 걸쳐 비대칭 리듬을 사용했다; 스트라빈스키는 클라리넷, 바이올린, 피아노를 위해 편곡한 Histoire du soldat는 끊임없이 2, 3, 4, 5박자 사이의 시간 신호를 바(bar)로 옮긴다.영국에서는 작곡가 랄프 본 윌리엄스, 윌리엄 월튼, 벤자민 브리튼이 실내악의 대부분을 영국 민속음악으로 그렸다.Vaughan Williams는 그의 첫 현악 4중주곡에 포크송과 컨트리를 접목시켰다.미국인 작곡가 찰스 아이브스는 분명히 미국적인 음악을 작곡했다.Ives는 그의 실내악의 많은 부분에 프로그램적인 제목을 붙였습니다; 예를 들어, 그의 첫 현악 사중주단은 "구세군으로부터"라고 불리고, 여러 곳에서 미국 개신교 찬송가를 인용합니다.

시리얼리즘, 폴리톤성 및 폴리리듬

새로운 음색을 찾는 두 번째 방향은 12음 연속주의였다.Arnold Schoenberg는 전음계가 제공하는 구조의 대안으로 12음 구성 방법을 개발했습니다.그의 방법은 반음계의 12음표 중 일련의 음표를 사용하여 곡을 만들고, 그것을 허용하고, 그 위에 겹쳐 작곡하는 것이다.

쇤베르크는 즉시 연속법에 도달하지 않았다.그의 첫 번째 실내악곡인 현악기 Verklérte Nacht는 변조 사용에는 대담했지만 대부분 후기 독일 낭만주의 작품이었다.솔직히 무조적인 첫 번째 작품은 두 번째 현악 사중주곡이었다; 소프라노를 포함한 이 사중주곡의 마지막 악장은 키 서명이 없다.쇤베르크는 피에로 루네어와 함께 가수, 플루트 또는 피콜로, 클라리넷, 바이올린, 첼로, 피아노를 위한 무조성을 더 탐구했다.그 가수는 스피치와 노래의 중간쯤에 스피치 스팀이라고 불리는 기법을 사용한다.

12음 기법을 개발한 후, 쇤베르크는 2개의 현악 4중주, 현악 3중주, 관악 5중주 등 많은 실내악 작품을 썼다.그 뒤를 이어 많은 12음 작곡가들이 있었는데, 그들 중 가장 눈에 띄는 사람은 현악 4중주를 위한 리릭 스위트를 작곡한 알반 버그와 현악 4중주를 위한 5악장을 작곡한 안톤 웨버른이었다.

12색 기법만이 음색에 대한 새로운 실험은 아니었다.Darius Milhaud는 다른 악기들이 동시에 다른 키로 연주되는 음악인 다조성의 사용을 발전시켰다.밀하우드는 18개의 현악 사중주곡을 작곡했다; 14번과 15번은 각각 혼자 연주할 수 있도록 쓰이거나 두 개의 현악 사중주곡을 동시에 연주할 수 있다.밀하우드는 또한 클라리넷, 바이올린, 피아노를 위한 스위트룸에서와 같이 재즈 숙어를 사용했다.

미국의 작곡가 찰스 아이브스는 실내악곡에서 폴리톤뿐만 아니라 폴리미터도 사용했다.$첫$ 번째 현악 4중주곡에서 그는 첫 번째 $바이올린$과 비올라가$3박자$$,$$$두 번째 $바이올린$과 $첼로$가$$로 $연주$되는 부분을 $작곡$한다$.$

신고전주의

20세기 1/4분기에 음악이 취했던 과도한 방향은 많은 작곡가들의 반작용으로 이어졌다.스트라빈스키가 이끄는 이 작곡가들은 영감과 안정을 위해 고전주의 이전 유럽의 음악에 주목했다.스트라빈스키의 신고전주의 작품들 - 현악 4중주를 위한 더블 캐논 - 이 현대적으로 들리지만, 그것들은 바로크와 초기 클래식 형식 – 캐논, 푸가, 그리고 바로크 소나타 형식을 모델로 합니다.

폴 힌데미스는 또 다른 신고전주의자이다.그의 많은 실내 작품들은 많은 불협화음을 사용하지만 본질적으로는 음조적이다.힌데미스는 다른 실내 작품들 중에서 7개의 현악 4중주곡과 2개의 현악 3중주곡을 썼다.작곡가들이 아마추어 음악가의 손을 벗어나 점점 더 복잡해지는 작품을 쓰고 있을 때 힌데미스는 아마추어 음악 제작의 중요성을 분명히 인식하고 의도적으로 비전문 ^[63]연주자의 능력 범위 내에서 곡을 썼다.

이 작곡가가 8곡의 확장곡 모음집인 캄메르무시크로 요약한 작품들은 대부분 바흐의 브란덴부르크 협주곡에 버금가는 협주곡으로 구성돼 있다.

드미트리 쇼스타코비치는 15개의 현악 4중주, 2개의 피아노 3중주, 피아노 5중주, 그리고 다른 수많은 실내악 작품을 작곡한 20세기 실내악 작곡가 중 가장 다작 중 한 명이었다.쇼스타코비치의 음악은 소련에서 오랫동안 금지되었고 쇼스타코비치 자신은 시베리아로 추방될 위기에 처했다.그의 여덟 번째 4중주는 그의 배척으로 인한 깊은 우울감을 표현한 자전적 작품입니다:^[64] 그것은 이전 작품들을 인용하고 작곡가의 이니셜인 4음 모티브 DSCH를 사용합니다.

한계를 넓히다

세기가 지나면서, 많은 작곡가들이 작은 앙상블을 위한 작품을 만들어 냈는데, 그것들은 형식적으로는 실내악으로 여겨질 수 있지만, 지난 150년 동안 그 장르를 정의했던 많은 근본적인 특징에 도전했다.

친구들의 음악

집에서 연주할 수 있는 음악을 작곡한다는 생각은 대부분 포기되었다.바톡은 이 아이디어를 최초로 포기한 사람들 중 한 명이었다."바톡은 이러한 4중주곡을 개인 공연용으로 생각한 것이 아니라 대규모 대중 콘서트용으로 ^[62]구상했습니다."많은 현대 작품들이 거의 극복할 수 없는 기술적 어려움들을 제외하면, 그들 중 일부는 좁은 방에서의 연주에 거의 적합하지 않다.예를 들어 Steve Reich의 "Different Trains"는 라이브 현악 4중주곡과 녹음 테이프를 위해 작곡되었으며, 이 녹음 테이프는 신중하게 조율된 음성 콜라주, 녹음된 기차 소리, 그리고 세 개의 현악 ^[65]4중주곡을 하나로 묶었다.

작곡가와 연주자의 관계

전통적으로 작곡가는 음표를 쓰고 연주자는 그것을 해석했다.하지만 이것은 많은 현대 음악에서는 더 이상 해당되지 않는다.슈톡하우젠은 Für Kommende Zeiten(For To Come)에서 연주자가 연주해야 할 것을 설명하는 구두 지시를 쓴다."별자리/공통점/그리고 떨어지는 별자리...갑작스러운 종료"는 ^[66]샘플입니다.

작곡가 테리 라일리는 현대음악에 전념하는 앙상블 크로노스 4중주단과 어떻게 작업하는지에 대해 다음과 같이 설명합니다. "내가 그들을 위해 악보를 쓸 때, 그것은 편집되지 않은 악보입니다.나는 약간의 역동성과 표현표시를 넣었을 뿐이다.음악을 형성하고 형성하기 위해 여러 가지 아이디어를 시도하는데 많은 시간을 소비합니다.그 과정이 끝날 때, 그것은 연주자들이 실제로 음악을 소유하게 만든다.그게 작곡가와 음악가가 ^[67]교류할 수 있는 가장 좋은 방법이에요.

새로운 소리

작곡가들은 19세기 실내악의 특징이었던 현악기, 피아노, 목관악기의 전통적인 혼합과는 거리가 먼 새로운 음계를 찾는다.이러한 탐색은 실내악 작곡에 테르민과 신시사이저와 같은 새로운 악기의 통합으로 이어졌다.

많은 작곡가들이 전통 악기의 틀 안에서 새로운 음계를 찾았다.음악사학자 제임스 맥칼라는 ^[68]"작곡가들은 새로운 음색과 새로운 추골의 조합을 듣기 시작하는데, 이는 소위 기능적인 음조의 붕괴만큼이나 20세기의 새로운 음악에 중요하다"고 쓰고 있다.예를 들어 바르토크의 피아노와 타악기를 위한 소나타(1937), 쇤베르크의 삐에로 루나르, 샤를 아이베스의 피아노 두 대를 위한 쿼터톤 피스 등이 있다.다른 작곡가들은 새로운 공명을 창조하기 위해 전자공학과 확장된 기술을 사용했다.예를 들어 조지 크럼의 '블랙 엔젤스'는 전기 현악 사중주곡이다.연주자들은 증폭된 악기를 숙일 뿐만 아니라 골무로 두들겨 패고 클립으로 뽑아 브리지의 반대편이나 손가락과 ^[69]너트 사이에서 연주한다.여전히 다른 작곡가들은 전형적인 오케스트라 합주곡과 자주 연관되지 않는 악기들을 포함함으로써 만들어진 음계를 탐구하려고 노력해왔다.예를 들어, 로버트 데이비네는 아코디언, 플루트, 클라리넷, ^[70]바순을 위해 그의 데베르티멘토에서 전통 관악 3중주곡에 포함될 때 아코디언의 오케스트라 음색을 탐구한다. 그리고 칼하인츠 스톡하우젠은 헬리콥터 현악 ^[71]4중주를 썼다.

이러한 변화는 실내악의 미래에 어떤 영향을 미칠까?「^[72]기술의 진보와 함께, 음악에 있어서의 미학이나 사회학적 변화에 관한 질문이 오고 있습니다」라고 분석가 Baron은 쓰고 있습니다."이러한 변화들은 종종 기술이 실내악을 파괴했고 기술의 진보는 음악적 가치와 반비례한다는 비난을 불러왔습니다.이러한 공격들의 맹렬함은 이러한 변화가 얼마나 근본적인지를 강조할 뿐이며, 인류가 그것들로부터 이익을 얻을 수 있을지는 오직 시간만이 말해줄 것입니다.

현대사회에서

분석가들은 지난 50년 동안 실내악의 역할이 크게 바뀌었다는 데 동의하지만, 그 변화가 무엇인지에 대해서는 거의 합의가 이루어지지 않았다.한편으로, Baron은 "가정에서 실내 음악은 2차 세계대전까지 유럽과 미국에서 매우 중요했고, 그 후 라디오와 녹음의 침입이 증가하면서 그 범위가 ^[73]상당히 축소되었다"고 주장한다.이 견해는 주관적인 인상으로 뒷받침된다.지휘자이자 피아니스트인 다니엘 바렌보임은 "^[74]오늘날에는 수백만 명이 음악을 듣고 있지만, 단지 음악을 즐기기 위해 실내악 연주를 하는 사람은 훨씬 적다"고 말한다.

그러나 최근 조사에 따르면 반대로 홈 뮤직 메이킹의 부활이 나타나고 있다.2005년부터 방영된 라디오 '아마추어스 헬프 체임버 뮤직 라이브'에서 테레사 시아본 기자는 미국 내 현악기 판매가 늘고 있다는 갤럽 여론조사를 인용했다.NAMM(National Association of Music Manufacturers)의 회장인 Joe Lamond는 은퇴가 다가온 성인들에 의한 가정용 음악 제작의 증가에 기인하고 있습니다.그는 인터뷰에서 "저는 베이비붐 세대의 인구 통계를 정말로 기대하고 있습니다"라고 말했다.이 사람들은 "그들에게 중요한 무언가를 찾기 시작했다"음악을 ^[75]연주하는 것만큼 그들을 즐겁게 하는 것은 없다.

1996년 유럽 음악 사무소에 의한 연구는 나이 든 사람들만이 음악을 연주하는 것이 아니라는 것을 보여준다."오늘날 음악을 한 청소년들의 수는 1960년 이전에 태어난 청소년들에 비해 거의 두 배 가까이 증가했습니다."라고 이 연구는 보여준다.^[76]연구에 따르면 이러한 성장의 대부분은 대중음악에 있지만 일부는 실내악과 예술음악에 있다.

실내악 연주자 수에 대한 합의는 없지만 아마추어들의 연주 기회는 확실히 늘어났다.아마추어가 주말이나 한 달 동안 만나 함께 연주할 수 있는 실내악 캠프와 수련회가 급증했다.아마추어 플레이를 촉진하기 위한 단체인 Music for the Love of It은 2008년^[77] 24개국에서 500개 이상의 아마추어 워크샵 목록을 발행합니다.ACMP(Associated Chamber Music Players)는 실내악 ^[78]세션에 파트너를 환영하는 전 세계 5,000명 이상의 아마추어 연주자 디렉토리를 제공합니다.

아마추어 연주자가 늘든 줄어들든 최근 20년간 서양 실내악 콘서트는 크게 늘었다.콘서트 홀이 콘서트 장소로 집을 대체했다.Baron은 이러한 급증의 이유들 중 하나는 "관현악 콘서트의 치솟는 비용과 유명 솔로 연주자들이 요구하는 천문학적인 비용 둘 다 대부분의 ^[79]관객의 범위를 벗어났기 때문"이라고 말한다.이들 콘서트의 레퍼토리는 거의 보편적으로 19세기의 고전이다.하지만, 현대 작품들은 점점 더 프로그램에 포함되고, 크로노스 4중주단과 같은 일부 그룹은 거의 전적으로 현대 음악과 새로운 작곡에 전념하고 있다; 그리고 클래식, 재즈, 록 그리고 다른 스타일을 크로스오버 음악을 만들기 위해 결합하는 터틀 아일랜드 현악 4중주단과 같은 앙상블과 같은.첼로 퓨리와 프로젝트 트리오는 표준 실내 앙상블에 새로운 방향을 제시합니다.첼로 퓨리는 3명의 첼리스트와 드러머로 구성되며 프로젝트 트리오는 플루티스트, 베이시스트, 첼리스트로 구성된다.

클래식 혁명과 심플한 조치와 같은 몇몇 단체들은 클래식 실내악이 공연장에서 나와 거리로 나오게 했다.시애틀(미국 워싱턴)에 있는 실내악사들의 그룹인 Simple Measures는 쇼핑센터, 커피숍, ^[80]전차에서 콘서트를 연다.프로비던스 현악 4중주단은 프로비던스의 가난한 동네 ^[81]중 한 곳에서 즉석 콘서트와 레슨을 제공하는 "Storefront Strings" 프로그램을 시작했습니다.첼리스트이자 Simple Measures의 설립자인 Rajan Krishnaswami는 "이것이 나를 진정으로 만드는 것이다."라고 말했다. "관객의 반응은...관객의 피드백을 ^[82]받을 수 있습니다.

성능

실내악 연주는 전문 분야로 심포닉이나 솔로 음악 연주에 통상 필요하지 않은 많은 기술을 필요로 한다.많은 연주자들과 작가들은 성공적인 실내악가가 되기 위해 필요한 전문적인 기술에 대해 썼다.실내악 연주, M.D. 기록Herter Norton은 "개인은 하나의 통일된 전체를 만들되 개인은 남아 있어야 한다.독주자는 완전히 자기 자신이며 오케스트라에서는 개성이 수적으로 상실된다..."^[83]

'친구들의 음악'

많은 연주자들은 실내악 연주의 친밀성이 특정한 성격적 특성을 필요로 한다고 주장한다.

엔델리온 콰르텟의 첼리스트 데이비드 워터먼은 이 실내악가가 "주장성과 유연성의 균형을 ^[84]맞출 필요가 있다"고 쓰고 있다.좋은 관계는 필수입니다.과르네리 4중주단의 첫 번째 바이올리니스트인 아놀드 스타인하트는 많은 프로 4중주단이 잦은 연주자 교체로 어려움을 겪고 있다고 지적한다."^[85]많은 음악가들이 매년 같은 세 사람과 함께 마노로 가는 부담을 감수할 수 없습니다."

지난 세기 초에 카이젤 4중주단과 함께 연주하는 4중주단을 공부했던 바이올리니스트 메리 노튼은 4중주단의 다른 파트의 연주자들이 다른 성격을 가질 정도로 멀리까지 간다."전통적으로 제1바이올린이 리더입니다." 그러나 "이는 거침없는 우세를 의미하는 것은 아닙니다."두 번째 바이올리니스트는 "조금 모두의 하인" "각 멤버의 예술적 기여는 ^[86]그가 가지고 있어야만 흥미를 가질 수 있는 개성을 주장하거나 억제하는 기술에 의해 측정될 것입니다."

해석

「개인에게 있어서 해석의 문제는 충분히 도전적입니다」라고 워터맨은 쓰고 있습니다.하지만, 음악 문헌에서 가장 심오하고 친밀하며 진심 어린 작곡에 임하고 있는 4인조에게 있어서, 의사결정의 공통성은 종종 결정 ^[87]자체보다 더 시험적입니다.

음악적인 문제에 대한 합의를 찾는 문제는 각각의 연주자들이 다른 역할을 하고 있다는 사실 때문에 복잡하며, 이는 같은 구절에서 다른 부분의 역동성이나 제스처를 요구하는 것처럼 보일 수 있다.때로는 이러한 차이가 점수에 명시되기도 합니다. 예를 들어, 교차 역학을 나타내는 경우, 한 악기는 점점 커지는 반면 다른 악기는 점점 부드러워집니다.

리허설에서 해결해야 할 문제 중 하나는 작품의 각 지점에서 누가 앙상블을 지휘하느냐이다.보통, 첫 번째 바이올린은 앙상블을 이끈다.리드함으로써 바이올리니스트는 각각의 악장과 템포의 시작을 그녀의 손짓이나 절하는 손짓으로 표시한다는 것을 의미한다.하지만 다른 악기가 리드해야 하는 부분이 있습니다.예를 들어 과르네리 4중주단의 제2바이올리니스트 존 달리 씨는 "우리는 종종 첼리스트에게 피지카토의 악절을 리드해 달라고 부탁할 것이다.첼리스트의 피지카토 준비 동작은 ^[88]바이올리니스트보다 크고 느립니다.

플레이어는 리허설에서 해석에 대한 문제를 논의하지만, 종종 중간 공연에서 플레이어는 다른 플레이어가 실시간으로 응답하도록 요구하면서 즉흥적으로 행동합니다.비올리스트 마이클 ^[89]트리는 "과르네리 4중주단에서 20년을 보낸 후, 나는 때때로 내가 생각하는 연주자가 무엇을 할지, 또는 그가 특정 구절에서 어떻게 반응할지에 대해 완전히 틀렸다는 것을 깨닫고 기쁘게 놀란다"고 말한다.

앙상블, 블렌드, 밸런스

함께 연주하는 것은 실내악 연주자들에게 큰 도전이다.헤미올라, 싱코페이션, 빠른 유니언 악절, 동시에 울리는 음표 등 조율에 어려움을 겪는 악곡이 많다.하지만 단순히 리듬감이나 억양의 관점에서 함께 연주해야 하는 어려움 너머에는 함께 좋은 소리를 내야 하는 더 큰 도전이다.

통합된 실내악 사운드를 만들기 위해서는 연주자가 자신의 기술에 대한 세부 사항을 조율해야 합니다.그들은 비브라토를 언제 얼마나 사용할지 결정해야 한다.그들은 종종 통일된 소리를 내기 위해 절을 하고 구절 사이에 "숨쉬기"를 조율할 필요가 있다.그들은 스피카토, 술맛, 술폰티셀로 등과 ^[90]같은 특별한 기술에 대해 합의할 필요가 있다.

밸런스는 각 계측기의 상대적인 부피를 말합니다.실내악은 대화이기 때문에 어떤 악기는 눈에 띄고 어떤 악기는 다른 악기가 눈에 띄어야 한다.앙상블의 구성원들이 연주 중에 적절한 균형을 결정하는 것은 항상 간단한 문제가 아닙니다; 종종 그들은 악기들 사이의 관계가 올바르다는 것을 그들에게 알려주기 위해 외부 청취자나 리허설의 녹음을 요구합니다.

억양

실내악 연주는 특별한 억양 문제를 일으킨다.피아노는 음계의 12음계가 정확히 같은 간격으로 조율된다.이 방법은 피아노가 어떤 키로든 연주할 수 있게 한다. 그러나 옥타브를 제외한 모든 간격은 매우 약간 음이 맞지 않는다.현악기 연주자는 억양만으로 연주할 수 있습니다.즉, 정확히 조율된 특정 간격(예: 5초)을 연주할 수 있습니다.게다가 현악기와 관악기 연주자는 표현적인 억양을 사용하여 음의 음높이를 변화시켜 음악적인 효과나 극적인 효과를 낼 수 있다."현악 억양은 같은 성질의 피아노 ^[91]억양보다 더 표현적이고 민감합니다."

그러나 진실하고 표현적인 억양을 사용하는 것은 다른 연주자들과의 세심한 협조가 필요하며, 특히 어떤 곡이 조화로운 변조를 거치고 있을 때는 더욱 그러합니다."현악 사중주 억양에서 어려운 점은 주어진 순간에 당신이 가진 자유도를 결정하는 것입니다."라고 스타인하트는 ^[92]말합니다.

실내악 체험

아마추어와 프로를 불문하고 실내악 연주자들은 앙상블 연주로 독특한 매력을 증명한다."내 앞에 마법의 세계가 펼쳐졌다고 해도 과언이 아닙니다."라고 코벳의 열렬한 아마추어 음악가이자 '실내악 사이클로페딕 조사'^[93]의 편집자인 월터 윌슨 코벳은 쓰고 있다.

앙상블은 음악 경험의 긴밀한 친밀감을 발전시킨다."진정한 친밀감의 순간이 발생하는 것은 콘서트 무대입니다."라고 스타인하트는 쓰고 있다."공연이 진행 중일 때, 우리 네 명 모두 함께 우리의 음악 스탠드 사이의 마법의 영역에 들어가 통로, 메신저, 선교사가 됩니다.그것은 너무 개인적인 경험이지만, 우리 관계의 모든 측면, 모든 선의의 음악 대결, 모든 전문적인 가십, 최신 비올라 ^[94]농담에 영향을 미칩니다."

실내악 연주는 픽션과 논픽션 모두에서 수많은 책에 영감을 주었다.Vikram Seth의 Equal Music은 가상의 4인조인 Maggiore의 두 번째 바이올리니스트의 삶과 사랑을 탐구한다.이야기의 중심은 4인조 멤버 4명 사이의 긴장과 친밀감이다."이상한 복합적인 존재입니다. 더 이상 우리 자신이 아닙니다. 하지만 마지오레는 많은 분리된 부분으로 구성되어 있습니다. 의자, 스탠드, 음악, 활, 악기, 음악가..."^[95] 나단 ^[96]샤함의 로젠도르프 4중주단은 이스라엘 건국 전 팔레스타인의 현악 4중주단의 시련을 묘사합니다.Wayne^[97] Booth의 "For the Love of It"은 첼로 연주와 실내악에 대한 작가의 로맨스에 관한 소설이 아니다.

실내악 협회

많은 사회가 실내악의 격려와 공연을 위해 헌신하고 있다.그 중 몇 가지는 다음과 같습니다.

• Associated Chamber Music Players (ACMP) – 아마추어 및 전문 실내악 연주를 장려하는 국제 기구인 실내악 네트워크.ACMP는 실내악 프로젝트를 지원하기 위한 기금을 가지고 있으며 전 세계 실내악사 디렉토리를 발행하고 있습니다.
• 챔버 뮤직 아메리카는 거주지와 수수료 조성금, 수상 프로그램 및 전문 개발 프로그램을 통해 전문 실내악 그룹을 지원합니다.
• Cobett Association for Chamber Music Research는 잊혀진 실내악 작품을 재발견하기 위한 단체이다.
• Music for the Love It은 전 세계 아마추어 실내악 활동에 관한 뉴스레터를 발행하고 있으며, 아마추어를 위한 음악 워크숍 가이드도 발행하고 있습니다.
• 오타와 실내악 협회(Ottawa Chamber Music Society)는 실내악에 대한 대중의 참여와 감상을 장려하는 비영리 단체이다.OCMS는 ^[98]1994년부터 세계에서 가장 큰 실내악 축제인 오타와 실내악 페스티벌을 개최해왔다.
• Musica Viva Australia는 호주 전역에서 활동하는 대형 비영리 실내악 프로모터로 실내악 페스티벌과 젊은 아티스트 육성 프로그램을 운영하고 있습니다.

이들 국가 및 국제 기구 외에도 실내악을 지원하는 수많은 지역 및 지역 단체들이 있다.미국의 대표적인 실내악 앙상블과 조직은 다음과 같습니다.

• 뉴욕 링컨 센터 실내악 협회
• 로스앤젤레스에 본부를 둔 사우스웨스트 실내악
• 시카고 체임버 뮤직
• 뉴욕과 토론토에 거점을 둔 캐나다 브라스
• 줄리어드 현악 사중주단
• 크로노스 현악 사중주단
• 에머슨 현악 사중주단

축제

앙상블

이것은 실내악에서 볼 수 있는 앙상블의 일부 목록입니다.실내악 앙상블의 표준 레퍼토리는 풍부하고, 악보 형태로 인쇄된 실내악의 총체성은 거의 무한하다.레퍼토리의 예는 각 악기 조합에 대한 문서를 참조하십시오.

연주자 수	이름.	공통 앙상블	인스트루먼트[instr 1]	평.
2	듀오	피아노 듀오	피아노 2대
		인스트루멘탈 듀오	모든 악기와 피아노	바이올린, 첼로, 비올라, 호른, 오보에, 바순, 클라리넷, 플루트 소나타 등 특히 악기 소나타로 사용됩니다.
			모든 악기와 바소 콘티뉴오	피아노보다 앞선 바로크 음악에서 흔히 볼 수 있다.바소 콘티뉴오는 리듬과 반주를 제공하기 위해 항상 존재하며 종종 하프시코드로 연주되지만 다른 악기들도 사용할 수 있다.그러나 동시에 그러한 작품은 듀오가 아니라 솔로라고 불렸다.
	듀엣	피아노 듀엣	피아노 1개, 손 4개	모차르트, 베토벤, 슈베르트, 브람스(원곡과 그의 작품들의 많은 필사본); 다른 장르의 많은 필사본이 있는 인기 있는 국내 음악 형식입니다.
		보컬 듀엣	보이스, 피아노	'거짓말'이라는 예술곡에서 흔히 쓰입니다.
		인스트루멘탈 듀엣	2개의 계측기가 동일하거나 동일하지 않은 경우	모차르트의 vn과 va의 듀엣 KV 423과 424와 bsn과 vc의 소나타 KV 292; 베토벤의 va와 vc의 듀엣, 바르토크의 2vn의 듀엣.
3	트리오	현악 3중주	vln, vla, VC	모차르트의 Divertimento KV 563은 중요한 예입니다. 베토벤은 그의 경력 초기에 5개의 트리오를 작곡했습니다. 2개의 Vln과 vla 트리오는 Dvoák, Bridge와 Kodaly에 의해 쓰여졌습니다.
		피아노 3중주	vln, vc, pno	하이든, 모차르트, 베토벤, 슈베르트, 쇼팽, 멘델스존, 슈만, 브람스, 드보르작, 그리고 많은 다른 것.
		성악, 비올라, 피아노	음성, vla, pno	소프라노, 비올라, 피아노를 위한 윌리엄 볼콤의 3중주 "Let Evening Come"과 콘트랄토, 비올라, 피아노를 위한 브람스의 Zwei Génge, Op.91
		클라리넷-비올라-피아노 트리오	cl, vla, pno	모차르트의 3중주 K498, 기타 슈만과 브루흐의 작품
		클라리넷-첼로-피아노 트리오	cl, vc, pno	베토벤의 3중주곡 Op. 11과 그의 필사본 Op. 20; 루이스 파렌츠와 페르디난드 리에 의한 3중주곡, 브람스의 3중주곡 Op. 114, 알렉산더 폰 젬린스키의 3중주곡, 로버트 무친스키의 판타지-리오
		음성, 클라리넷, 피아노	voice, cl, pno	슈베르트의 "바위 위의 양치기", D965; 스포어의 거짓말쟁이
		플루트, 비올라, 하프	fl, vla, hrp	드뷔시와 백스의 유명한 작품들.20세기 발명품인데 놀랄 만큼 다양한 레퍼토리가 있어요.플루트, 첼로, 하프가 변종이다.
		플루트, 오보에, 잉글리시 호른	fl, ob, E hrn	니콜라스 로셀라의 플루트, 오보에, 잉글리시 호른을 위한 데베르티멘토
		클라리넷, 바이올린, 피아노	cl, vln, pno	바르토크, 이베스, 베르그, 도날드 마르티노, 밀하우드, 하카투리안(모두 20세기)의 유명한 작곡
		호른 트리오	hrn, vln, pno	브람스와 리게티의 두 걸작
		음성, 호른, 피아노	voice, hrn, pno	슈베르트의 "Auf Dem Strom"
		리드 트리오	ob, cl, bsn	빌라-로보스와 같은 20세기 작곡가들은 이 전형적인 조합을 확립했고, 모차르트의 바셋 호른 3중주(베토벤의 2중주 + 영국 호른 3중주)의 전사에 매우 적합하다.
4	사중주	현악 사중주	2 vln, vla, VC	매우 인기 있는 형태입니다.하이든(그 창시자), 모차르트, 베토벤, 슈베르트, 그리고 다른 많은 주요 작곡가들의 수많은 주요 예시들.
		피아노 사중주	vln, vla, vc, pno	모차르트의 KV 478과 493; 베토벤 청년곡; 슈만, 브람스, 포레
		바이올린, 클라리넷, 첼로, 피아노	vln, cl, vc, pno	희귀하고 유명한 예:Messiaen's Quatuor pour la fin du temps; 덜 유명:힌데미스(1938), 월터 라블(Op. 1; 1896).
		클라리넷 4중주	3 B♭ 클라리넷 및 베이스 클라리넷	20세기 작곡가
		색소폰 4중주	s. sax, a. sax, t. sax, b. sax 또는 a. sax, a. sax, t. sax, b. sax	예:외젠 보자, 폴 크레스턴, 알프레드 데센클로스, 피에르 막스 뒤보아, 필립 글래스, 알렉산더 글라주노프, 데이비드 마스란카, 플로렌스 슈미트, 장 밥티스트 싱겔레, 이안니스 크나키스
		플루트 4중주	4 fls 또는 fl, vln, vla 및 vlc	예로는 프리드리히 쿨라우, 안톤 라이차, 외젠 보자, 플로렌트 슈미트, 조셉 융겐 등이 있다.20세기:시게루칸노
		타악 4중주	4 타악기	20세기.작곡가는 존 케이지, 데이비드 랭, 폴 랜스키를 포함한다.'So Percusion' 참조
		관악기와 현악기 3중주	vn, va, vc 및 fl, ob, cl, bsn	모차르트의 플루트 4중주곡 4개와 오보에 4중주곡 1개. 크롬머의 플루트 4중주곡(예: 곡 75), 클라리넷 4중주곡 및 바순 4중주곡(예: 곡 46)데비엔의 바순 사중주, 외르크 두다의 핀란드 사중주
		아코디언과 윈드 트리오	acc, fl, cl, bsn	로버트 데이비네의 플루트, 클라리넷, 바순, 아코디언을 위한 데베르티멘토
		피아노와 관악 3중주	pno, cl, hrn, bsn	프란츠 베르발트의 작품 1(1819)
		성악 3중주	음성, pno, vn, VC	베토벤과 요제프 하이든이 민속 멜로디를 바탕으로 한 리더 설정에 사용
5	5중주	피아노 5중주	2 vln, vla, VC, pno	슈만의 작품 44, 브람스, 바르토크, 드보르작, 쇼스타코비치 등
			vln, vla, vc, cb, pno	프란츠 슈베르트가 트라우트 5중주단에서 사용하고 요한 네포무크 험멜과 루이스 파렌츠도 사용한 희귀한 악기입니다.
		풍향 5중주	fl, cl, ob, bsn, hrn	19세기(레이차, 댄지 등)와 20세기 작곡가(칼 닐슨의 작품 43).
		현악 5중주	2 vln, vla, vc (vla, vc 또는 cb 추가 포함)	두 번째 vla: 미하엘 하이든, 모차르트, 베토벤, 브람스, 브루크너, 두 번째 VC: 보케리니, 슈베르트, cb: Vagn Holmboe, Dvoák.
		관악 5중주	ob, cl, vln, vla, cb	프로코피예프, G단조 5중주곡 Op.396악장으로. (1925년)
		금관 5중주	2 tr, 1 hrn, 1 trm, 1 tuba	대부분 1950년 이후에요
		클라리넷 5중주	cl, 2 vn, 1 va, 1 VC	모차르트의 KV 581, 브람스의 작품 115, 베버의 작품 34, 사무엘 콜리지-테일러의 작품 10, 힌데미스의 5중주(클라리넷 연주자는 B♭와 E♭ 악기를 번갈아 연주해야 함), 밀턴 바빗의 클라리넷 5중주 등.
			cl, pno 왼손, vn, va, vc	슈미트의 실내악곡은 (왼손으로만 연주한) 피아니스트 파울 비트겐슈타인을 위한 것이지만, 오늘날에는 거의 항상 프리드리히 귄허에 의해 편곡된 양손 버전으로 연주된다.
		피아노와 관악 4중주	pno, ob, cl, bsn, hrn	모차르트의 KV 452, 베토벤의 작품 16, 그리고 니콜라이 림스키 코르사코프와 안톤 루빈스타인의 두 곡을 포함한 많은 다른 작품들.(4개의 관악기가 다를 수 있음)
		삐에로 앙상블	fl, cl, vln, vc, pno	아놀드 쇤베르크의 피에로 루네르의 이름을 따서 지은 건데, 이 악기가 최초로 요구된 작품이에요.다른 작품으로는 조앤 타워의 페트로르쉬케이트, 세바스찬 큐리에의 스태틱, 엘리엇 카터의 트리플 듀오가 있다.피에로 루네어 같은 몇몇 작품들은 목소리나 타악기로 앙상블을 강화한다.
		리드 5중주	ob, cl, a. sax, bs cl, bsn	20세기와 21세기.
		관악기와 현악 4중주	관악기, 2 vn, va, vc	모차르트의 클라리넷과 현을 위한 5중주, 프란츠 크로머의 플루트와 현을 위한 5중주, 작품 66, 박스의 오보에와 현을 위한 5중주
6	육각	스트링 육각 세트	vln x 2, vla x 2, VC x 2	이 중 중요한 것은 브람스의 작품 18번과 작품 36번, 그리고 쇤베르크의 작품 4번인 베르클래르테 나흐트입니다.
		풍속 육각	2 ob, 2 bsn, 2 hrn 또는 2 cl, 2 hrn, 2 bsn	모차르트에 의해 두 가지 유형이 있다; 베토벤은 cl이 있는 것을 사용했다.
		피아노와 관악 5중주	fl, ob, cl, bsn, hrn, pno	예를 들어 풀랑크 섹스텟, 루드비히 투이레의 또 다른 작품 등이 있다.
		피아노 육중주	vln, 2 vla, VC, cb, pno	예를 들어 멘델스존의 Op. 110, 레슬리 바셋의 Op. 110입니다.([2])
			cl, 2 vln, vla, vc, pno	프로코피예프의 히브리 주제에 관한 서곡 Op.34, 코플랜드의 6대곡.
7	셉텟	바람과 현악기	cl, hrn, bsn, vln, vla, vc, cb	베토벤의 9월 20일, 베르발트, 그리고 다른 많은 곡들에 의해 대중화되었습니다.
8	옥텟	풍현 옥텟	cl, hrn, bsn, 2 vla, vc, cb 또는 cl, 2 hrn, vln, 2 vla, vc, cb	슈베르트의 옥텟 D. 803 (베토벤의 셉텟에서 영감을 얻어)와 스포르의 옥텟, Op.32.
		스트링 옥텟	4 vln, 2 vla, 2 vc (4 vln, 2 vla, vc, cb)	멘델스존의 String Octet Op. 20에 의해 대중화되었습니다.다른 작품들(브루흐의 작품, 볼드마르 바기엘, 조지 에네스쿠의 현악 옥텟, Op.7, 쇼스타코비치의 작품)이 그 뒤를 이었다.
		이중 사중주	4 vln, 2 vla, 2 VC	두 개의 현악 사중주단이 반음향으로 배열되어 있다.Spohr가 선호하는 장르입니다.밀하우드의 작품 291 옥텟은 오히려 두 개의 현악 4중주(그의 14번째와 15번째)가 동시에 연주된다.
		윈드 옥텟	2 ob, 2 cl, 2 hrn, 2 bsn	모차르트의 KV 375와 388, 베토벤의 작품 103, 프란츠 라흐너의 작품 156, 라이네케의 작품 216 등 많은 작품들이 프란츠 크롬머에 의해 쓰여졌습니다.스트라빈스키가 작곡한 것과 구노드가 작곡한 유쾌한 쁘띠 심포니를 포함해서요.
		보컬 옥텟	2 Sop, 2 Alto, 2 Ten, 2 베이스	Robert Lucas de Pearsall의 Lay a Garland와 Purcell의 Hear My Prayer.
9	비넷	관악기 및 현악기	fl, ob, cl, hrn, bsn, vln, vla, vc, cb	스탠포드의 '세레나데'와 '패리의 바람'은 스포르, 보후슬라프 마르틴, 알로이스 하바가 각각 작곡한 하나의 예다.
10	데케트	이중풍 5중주	2 ob, 2 영어 hrn, 2 cl, 2 hrn, 2 bsn(Mozart 세트) 또는 2 fl, ob, Eng hrn, 2 cl, 2 hrn 및 2 bsn(Enescu 세트)	18세기에 쓰여진 이중 풍향 5중주단은 거의 없지만, 19세기와 20세기에는 많다.가장 일반적인 악기는 플루트 2개, 오보에 2개, 클라리넷 2개, 뿔 2개, 바순 2개입니다.19세기 최고의 작품으로는 에밀 베르나르 디베르티션, 아서 버드 스위트, 살로몬 자다손 세레나데 등이 있다.에네스쿠가 1906년에 쓴 Decet/dixtuor, Op. 14는 20세기에 잘 알려진 예이다.표준 이중 관악기 5중주에는 종종 추가적인 베이스 악기가 추가된다.이 악기와 관련 [99]악기에 대한 500여 편의 작품이 집필되었습니다.
^ 키: vln – 바이올린; vc – viola; 첼로; cb – 더블베이스; pno – 피아노; 플룻; 오보에; Enghrn – 영어 호른; 클라리넷; s. s. sax – 소프라노 색소폰; a. sax – alto 색소폰; t. t. sax – b. saxon - barbiton – bason - bason saxopsopsocuspon; bason; bason; bason; baspon; baspon; baspon – baspon – bas

메모들

참고 문헌

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추가 정보

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