영화 점수

Film score
작곡가가 녹음하고 있는 필름 악보와 작은 앙상블. 그 영화는 참고자 역할을 하기 위해 스크린에서 상영되고 있다.

영화 악보영화와 함께 하기 위해 특별히 쓰여진 독창적인 음악이다. 점수는 큐스라고 불리는 오케스트라, 악기 또는 합창곡으로 구성되는데, 이 곡들은 문제의 장면의 극적인 서술과 감정적 영향을 강화하기 위해 영화 중 특정 지점에서 시작하고 끝나는 시간대에 맞춰진다.[1] 악보는 한 명 이상의 작곡가에 의해 영화감독이나 제작자의 지도 하에 작성되며, 그 후 대개 오케스트라(심포니 오케스트라)나 밴드, 기악 솔로 연주자, 합창단 또는 보컬리스트로 구성된 앙상블에 의해 연주된다 - 재생가수와 레코드로 알려져 있다.음향 기사에 의해 움직이다.

영화 점수는 그들이 동행하는 영화의 성격에 따라 엄청나게 다양한 스타일의 음악을 포괄한다. 대다수의 점수는 서양 고전음악에 뿌리를 둔 관현악 작품이지만, 재즈, , , 블루스, 뉴에이지주변 음악, 그리고 다양한 민족 음악 스타일과 세계 음악 스타일의 영향도 많이 받는다. 1950년대 이후 점점 더 많은 수의 점수는 전자적 요소도 점수의 일부로 포함시켰으며, 오늘날 쓰여진 많은 점수는 관현악기와 전자악기의 혼합을 특징으로 한다.[2]

디지털 기술오디오 샘플링의 발명 이후 많은 현대 영화들이 디지털 샘플에 의존하여 살아 있는 악기의 소리를 흉내낼 수 있었고, 많은 점수는 작곡 소프트웨어, 신디사이저, 샘플러, MIDI 컨트롤러 등을 이용하여 작곡자 스스로가 전적으로 창작하고 공연한다.

팝송이나 록송과 같은 곡들은 보통 영화 점수의 일부로 여겨지지 않지만,[3] 곡들은 또한 영화의 사운드 트랙의 일부를 형성한다.[4] 특히 뮤지컬에서 일부 곡은 악보(또는 그 반대)에서 나온 주제적 사상에 바탕을 두고 있지만, 합창단이나 솔로 연주자가 큐의 일부로 부를 때를 제외하고는 보통 악보에는 가사가 없다. 마찬가지로, 영화의 특정 장면으로 "필요하게 떨어뜨려" 강조를 더하기 위해, 또는 장면 배경의 일부로 묘사되는 팝송(예: 캐릭터의 자동차 라디오에서 재생되는 노래)은, 비록 스코어의 작곡가가 때때로 그들의 테마를 바탕으로 독창적인 팝송을 쓰지만, 수(su)는 점수의 일부로 간주되지 않는다.Ch는 Celine Dion을 위해 쓰여진 타이타닉의 제임스 호너의 "My Heart Will Go On"으로 쓰여졌다.

용어.

영화 점수는 배경 음악, 배경 음악, 영화 사운드트랙, 영화 음악, 화면 구성, 스크린 음악 또는 부수 음악이라고도 할 수 있다.[5]

생성과정

스폿팅

작곡가는 대개 영화가 편집되는 것과 거의 동시에 촬영이 끝날 무렵에 창조적인 과정에 들어가게 되는데, 비록 어떤 경우에는 전체 영화 촬영 중에 작곡가가 손을 잡고, 특히 배우들에게 오리지널 다이제틱 음악을 연주하거나 의식하도록 요구될 때 그러하다. 작곡가는 편집이 완료되기 전에 영화의 다듬지 않은 '루컷'을 보여주며, 스타일과 톤 면에서 영화에 어떤 종류의 음악이 필요한지에 대해 감독이나 프로듀서에게 이야기한다. 감독과 작곡가는 어떤 장면에 오리지널 음악이 필요한지 주목하며 영화 전체를 관람할 예정이다. 이 과정에서 작곡가는 각 큐가 얼마나 오래 지속되어야 하는지, 어디서 시작하는지, 어디에서 끝나는지, 그리고 음악이 특정한 방식으로 일치해야 하는 장면 동안 특정한 순간들을 알 수 있도록 정확한 타이밍 노트를 작성할 것이다. 이 과정은 "스팟팅"[6]이라고 알려져 있다.

때때로, 한 영화제작자는 작곡가가 마지막 컷까지 그들의 악보를 편집하게 하기 보다는 음악의 흐름에 맞게 자신의 영화를 편집한다. 고드프리 레지오 감독은 작곡가 필립 글라스의 음악을 바탕으로 그의 영화 코야니스카츠시와 포와카츠시를 편집했다.[7] 마찬가지로 세르지오 레오네 감독과 작곡가 엔니오 모리코네의 관계는 <좋은 놈>, <나쁜 놈>, <추악한 놈>의 피날레와 <원스 어폰 어 타임 인 더 웨스턴>, <원스 어폰타임아메리카>의 영화들이 영화 제작이 끝나기 몇 달 전에 준비했던 대로 모리코네의 악보로 편집되는 정도였다.[8]

다른 예로, 스티븐 스필버그 E.T.의 피날레는 그의 오랜 협력자 존 윌리엄스의 음악에 맞춰 편집되었다: DVD의 동반 다큐멘터리에서 언급했듯이, 스필버그는 윌리엄스에게 음악과 함께 완전한 자유를 주고 사진 없이 큐를 녹음해 달라고 부탁했다; 그리고 나서 스필버그는 장면을 다시 편집했다.음악에 맞추다

어떤 상황에서는 작곡가가 영화 자체를 보지 않고 대본이나 스토리보드에 대한 인상을 바탕으로 작곡을 의뢰하게 되고 특정 장면의 감정적인 호를 반영하거나 고수할 필요 없이 음악을 창작할 수 있는 자유가 더 많아진다. 이 접근법은 일반적으로 영화의 특정 장면이나 뉘앙스에 대한 음악적 코멘트를 특별히 원하지 않는 감독이 취하며, 제작 후 과정 중에 감독이 원하는 어떤 시점에서든 영화에 삽입될 수 있다. 작곡가 한스 짐머2010년 크리스토퍼 놀란 감독의 영화 인셉션에서 이런 방식으로 음악을 작곡해 달라는 요청을 받았다.[9] 작곡가 구스타보 산타올라라브로크백 마운틴에서 오스카 상을 받은 악보를 작곡할 때도 이와 같은 일을 했다.[10]

동기화

영화를 위한 음악을 작곡할 때, 한 가지 목표는 스크린에서 일어나는 극적인 사건들과 음악적인 사건들을 점수에 넣는 것이다. 음악과 그림을 동기화하는 방법에는 여러 가지가 있다. 여기에는 시간을 계산하기 위해 시퀀싱 소프트웨어를 사용하는 것, 수학 공식과 참조 시간을 포함한 자유 타이밍이 포함된다. 작곡가들은 동기화를 위해 SMPTE 타임코드를 사용한다.[11]

음악을 그림과 동기화할 때 일반적으로 3~4프레임의 여유는 작곡가가 매우 정확할 수 있게 한다. 지휘자는 프리 타이밍이라는 기술을 사용하여 (a) 스톱워치 또는 스튜디오 크기 스톱 클럭을 사용하거나 (b) 미리 정해진 타이밍에 맞춰 음악가를 지휘하면서 스크린이나 비디오 모니터로 영화를 본다. 이것들은 수직선(스트림어)과 펀치라고 불리는 빛의 폭발로 시각적으로 표현된다. 이것들은 작곡가가 지정한 지점에서 뮤직 에디터에 의해 영화에 올려진다. 두 경우 모두 클럭의 타이밍이나 필름에 표시된 라인에 해당하는 타이밍이 있으며, 이 타이밍은 작곡가/컨덕터 점수에서도 특정 지점(비트)에 있다.

쓰기 클릭 트랙

서면 클릭 트랙은 일관된 시간 값(예: :02⅔초의 4박자)으로 음악의 막대를 작성하여 메트로놈 값(예: 88Bpm) 대신 일정한 템포를 설정하는 방법이다. 만약 그들이 라이브 공연자들을 지휘할 계획이라면 작곡가는 서면 클릭을 사용할 것이다. 메트로놈과 같은 다른 방법을 사용할 때, 지휘자는 자신이 수행하는 귀에 찰칵 소리가 완벽하게 나도록 한다. 이것은 더 느리게 표현되는 단조로 딱딱하고 생기가 없는 공연을 할 수 있다. 표준 BPM 값을 서면 클릭으로 변환할 수 있는데, 여기서 X는 막대당 비트 수를 나타내고 W는 초 단위의 시간을 나타낸다.

서면 클릭은 1/3초 단위로 표시되므로 다음 단계는 소수점을 0, 1/3 또는 2/3초로 반올림하는 것이다. 88 BPM의 예는 다음과 같다.

2.72라운드에서 2.66회전, 따라서 서면 클릭은 :02초 이내에 4박자가 된다.

작곡가가 그들이 음악적으로 동기화하고 싶은 영화의 위치를 파악한 후에, 그들은 이 사건이 일어나는 음악적 비트를 결정해야 한다. 이를 찾기 위해 bpm은 분당 비트, sp는 실시간의 동기화 포인트(즉, 33.7초), b는 1/3 증분(즉, 49㎛)의 비트 수(beat number)라는 다음 방정식을 사용한다.

글쓰기

일단 스폿팅 세션이 끝나고 각 큐의 정확한 타이밍이 결정되면 작곡가는 악보를 쓰는 작업을 하게 된다. 악보를 쓰는 방법은 작곡가마다 다르다. 어떤 작곡가는 전통적인 연필과 종이를 가지고 작업하는 것을 선호하고, 어떤 작곡가는 스태프에게 손으로 노트를 쓰고 피아노로 감독을 위해 진행 중인 작품을 연주하며, 다른 작곡가들은 디지털 퍼포먼스, 로직 P와 같은 정교한 작곡 소프트웨어를 사용하여 컴퓨터에 글을 쓴다.Ro, Finale, Cubase 또는 Pro Tools.[12] 소프트웨어로 작업하는 것은 작곡가들이 최종 관현악 녹음 전에 영화제작자의 검토를 위해 MIDI 모의고사라고 불리는 MIDI 기반의 단서 데모를 만들 수 있게 한다.

작곡가가 작곡을 해야 하는 기간은 프로젝트마다 다르며, 제작 후 일정에 따라 작곡가가 작곡을 하는데 2주나 3개월이 걸릴 수도 있다. 정상적인 상황에서 실제 글쓰기 과정은 보통 처음부터 끝까지 6주 정도 지속된다.

영화 점수의 실제 음악적 내용은 전적으로 점수를 매기는 영화의 종류와 감독이 음악이 전달하기를 바라는 감정에 달려 있다. 영화 점수는 말 그대로 수천 가지의 다양한 조합의 악기를 포함할 수 있는데, 여기에는 다수의 민족적, 세계 음악의 영향, 솔로 연주자, 보컬리스트, 합창단, 전자적 질감 등이 포함된다. 작곡되고 있는 음악의 스타일도 프로젝트마다 엄청나게 다양하며, 영화가 설정되는 시기, 영화의 액션의 지리적 위치, 심지어 등장인물들의 음악적 취향에 영향을 받을 수 있다. 악보를 쓰기 위한 준비의 일환으로 작곡가는 종종 특정 프로젝트에 적합한 다양한 음악 기법과 장르를 연구할 것이다. 따라서, 기성 영화 작곡가들이 수십 가지의 다른 스타일로 음악을 작곡하는 것은 드문 일이 아니다.

오케스트레이션

일단 악보가 작곡되면, 앙상블이 연주할 수 있도록 편곡되거나 조정되어야 한다. 오케스트레이션의 성격과 수준은 프로젝트마다, 그리고 작곡가마다 다르지만, 오케스트라의 기본 형태로는 작곡가가 작곡한 싱글 라인 음악을 가져다가 오케스트라의 각 멤버가 연주할 수 있는 악기별 악보로 "flesh it out"하는 것이 오케스트라의 업무다.

엔니오 모리코네와 같은 일부 작곡가들은 추가 오케스트라를 사용하지 않고 그들 스스로 자신의 악보를 조율한다. 일부 작곡가들은 이것이 어떻게 이루어지기를 원하는지에 대한 복잡한 세부사항을 제공하며, 조정자에게 어떤 악기가 어떤 음을 연주하도록 요청받고 있는지 요약한 풍부한 노트를 제공할 것이며, 조정자에게 적절한 경우 다른 종이에 음악을 재음지하는 것 외에 어떠한 개인적인 창조적 입력도 주지 않을 것이다. 다른 작곡가들은 디테일이 적고, 종종 오케스트레이터들에게 "빈칸을 채우라"고 요구하여 앙상블의 구성에 그들만의 창의적인 입력을 제공하고, 각 악기가 쓰여진 대로 음악을 연주할 수 있도록 보장하며, 심지어 점수를 높이기 위해 연주 기법과 번창까지 할 수 있도록 한다. 많은 경우, 작곡가가 허용된 시간 범위 내에서 모든 필요한 작업을 완료하는 것이 불가능하기 때문에, 영화의 제작 후 일정에 의해 결정되는 시간 제약은 작곡가들이 그들 자신의 점수를 조정하는지 여부를 좌우한다.

수년에 걸쳐 몇몇 오케스트라 연주자들은 종종 다른 작곡가가 없이는 일을 하지 않을 정도로 한 특정한 작곡가의 작품과 연결되었다. Examples of enduring composer-orchestrator relationships include Jerry Goldsmith with Arthur Morton and Alexander Courage; John Williams with Herbert W. Spencer; Alan Menken with Danny Troob and Michael Starobin; Carter Burwell with Sonny Kompanek; Graeme Revell and Michael Giacchino with Tim Simonec; Alan Silvestri with James B. Campbell and William Ross; Miklós Rózsa with Eugene Zador; Alfred Newman with Edward Powell, Ken Darby and Hugo Friedhofer; Danny Elfman with Steve Bartek; Mark Isham with Ken Kulger; David Arnold with Nicholas Dodd; Randy Edelman with Ralph Ferraro and Stuart Balcomb; James Horner and Basil Poledouris with Greig McRitchie; and Elliot Goldenthal w로버트 엘하이 입니다. 다른 사람들은 고용을 위해 오케스트레이터가 되었고, 그들의 경력에 따라 많은 다른 작곡가들과 함께 일한다; 유명한 영화 음악 오케스트라의 예로는 피트 앤서니, 제프 애트마지안, 브래드 데히터, 브루스 파울러, 뉴펠드, 토마스 파사티에리, 콘래드 포프, 닉 레인, 그리고 J.A.C가 있다. 레드포드

오케스트레이션 프로세스가 완료되면, 한 명 이상의 음악 카피스트에 의해 악보가 물리적으로 종이에 인쇄되어 연주 준비가 된다.

녹음

음악이 작곡되고 조정되면, 오케스트라나 앙상블이 연주하는데, 종종 작곡가가 지휘한다. 이러한 앙상블을 위한 음악가들은 종종 영화나 앨범에서 보증되지 않고 개별적으로 계약된다(그리고 만약 그렇다면, 오케스트라 계약자는 영화나 사운드트랙 앨범에서 인정된다). 하지만, 일부 영화들은 최근 미국 음악인 연맹과 협약을 맺고 할리우드 스튜디오 심포니라는 이름으로 음반에 계약된 음악가들을 신용하기 시작했다. 그 밖에 자주 채용되는 공연 앙상블으로는 런던 심포니 오케스트라(1935년 이후 공연하는 영화음악) 프라하 필하모닉 오케스트라([13]대부분 녹음에만 전념하는 오케스트라), BBC 필하모닉, 노스웨스트 신포니아 등이 있다.[citation needed]

오케스트라는 영화를 묘사한 대형 스크린 앞에서 연주한다. 지휘자와 음악가들은 미터기와 템포에 따라 변하는 클릭 트랙이라고 불리는 일련의 클릭 소리를 내는 헤드폰을 습관적으로 착용하고 있어 음악과 영화의 조화를 돕는다.[14]

더 드물게 감독은 촬영이 시작되기 전에 작곡가와 이야기를 나누어서 작곡가에게 시간을 더 주거나 최종 점수에 따라 (명곡이나 댄스 장면) 촬영이 필요하기 때문이다. 때때로 감독은 "임시(임시) 음악"을 사용하여 이 영화를 편집했을 것이다: 이미 출판된 작품들은 감독이 특정 장면에 적합하다고 믿는 캐릭터가 있다.

영화 점수 요소

대부분의 영화들은 45분에서 120분 사이의 음악을 가지고 있다. 하지만, 어떤 영화들은 거의 음악이 없고, 다른 영화들은 거의 지속적으로 연주되는 악보를 특징으로 할 수 있다.

온도 트랙

어떤 경우, 영화 작곡가들은 감독으로부터 템페스트 트랙에 존재하는 특정한 작곡가나 스타일을 따라 해달라는 요청을 받았다.[15] 다른 경우에 감독들은 임시직 점수에 너무 애착을 갖게 되어 그것을 사용하기로 결정하고 영화 작곡가가 쓴 원래 점수를 거부한다. 가장 유명한 사례들 중 하나는 스탠리 큐브릭2001년: A Space Odyssey인데, 쿠브릭은 프랭크 코델을 고용하여 점수를 매겼음에도 불구하고,[16] 알렉스 노스(Alex North)의 점수보다는 작곡가 뇨르지 리게티의 곡을 포함한 고전 작품들의 기존 음반들을 선택했다. 다른 예로는 Turn Curtain (Bernard Herrmann),[17] Troy (Gabriel Yaraded),[18] 블랙 펄저주([19]앨런 실베스트리), 피터 잭슨의 킹콩(하워드 쇼어),[20] 아이덴티티(카터 버웰) 등이 그것이다.[21]

구조

영화는 종종 중요한 등장인물, 사건, 아이디어 또는 사물에 대해 다른 주제를 가지고 있는데, 바그너레트모티프 사용과 관련된 생각이 종종 있다.[22] 이것들은 부수적인 음악들 사이에 흩어져서 그들이 나타내는 상황에 따라 다른 변주곡으로 연주될 수 있다. 특정 문자나 위치에 대한 테마는 보통 트랙의 나머지 부분을 특정 모티브 중심으로 하고, 모티브에 맞춰 트랙이 전개되는 모티브로 알려져 있다.

이 흔한 기술은 종종 평범한 영화팬들에게 눈에 띄지 않게 지나갈 수 있지만, 장르 애호가들 사이에서는 잘 알려져 있다. 대표적인 예가 스타워즈 사극의 존 윌리엄스의 점수와 다스 베이더, 루크 스카이워커, 레이아 공주와 같은 개별 캐릭터와 관련된 스타워즈 음악의 수많은 주제들이다.[23] 마찬가지로, 반지의 제왕 영화 시리즈의 음악들은 많은 주인공들과 장소들을 위한 반복적인 주제를 특징으로 했다. 다른 주목할 만한 예는 스타트랙제리 골드스미스클링온 테마다. 이후 스타 트렉 영화 시리즈의 작곡가들이 클링온 모티브에 인용한 영화 (The Motion Picture, 1979)는 프랜차이즈의 가장 유명한 클링온 캐릭터인 월프를 위한 테마로 수많은 경우에 포함되었다.[24] 마이클 지아치노는 2009년 애니메이션 영화 의 사운드 트랙에서 캐릭터 테마를 고용했는데, 이 곡은 아카데미 최우수 작품상을 받았다. TV 시리즈 로스트의 관현악 사운드트랙도 인물과 상황별 주제에 크게 의존했다.

소스 음악

"소스 음악"(또는 "소스 큐")은 실제로 볼 수 있거나 추론할 수 있는 온 스크린 소스에서 나온다(학술 영화 이론에서 그러한 음악은 "디게티" 또는 "스토리 월드"에서 나오는 것처럼 "디게틱" 음악이라고 불린다). '소스 음악'의 예로는 마이클 시미노의 ' 디어 헌터'에서 프랭키 발리 곡 'Can't Take My Eyes Off You'를 사용한 것이 있다. 알프레드 히치콕 감독의 1963년 스릴러 ' 버드(The Birds)'는 전혀 지루하지 않은 음악이 없는 할리우드 영화의 한 예다.도그메 95》는 1995년 덴마크에서 시작된 영화제작 운동으로, 자국 영화에 비 일탈적인 음악을 전혀 사용하지 못하도록 하는 선언문을 가지고 있다.

예술적 가치

음악 비평

영화음악의 예술적 장점은 자주 논의되고 있다. 에리히 볼프강 코른골드, 애런 코플랜드, 버나드 헤르만 등이 쓴 음악 등을 지적하며 높이 평가하는 비평가도 있다. 어떤 이들은 영화음악이 다른 어떤 음악보다 더 자주 듣는 고전음악의 브랜드이기 때문에 20세기 후반에 영화음악을 정의하는 장르로 여긴다. 어떤 경우에는 영화 테마가 클래식 음악의 캐논으로 받아들여졌다. 이것들은 대부분 이미 악보를 이룬 유명한 작곡가들의 작품들이다. 예를 들어, 알렉산더 넵스키에게 세르게이 프로코피예프의 악보를, 남극스콧에게 본 윌리엄스의 악보를 들 수 있다. 다른 이들은 영화음악의 대부분을 무가치한 것으로 본다. 그들은 많은 영화음악이 이전 작품에서 많이 차용되는 파생음악이라고 생각한다. 영화 점수의 작곡가들은 전형적으로 일년에 약 3, 4개의 작품을 만들 수 있다. 존 윌리엄스와 같은 작곡가들의 가장 인기 있는 작품들은 일부 고전 작곡가들과 평론가들 사이에서 윌리엄스와 같은 작곡가들의 광범위한 기여에 대한 감상이 증가하고 있지만, 예를 들어 노르웨이의 현대 고전 작곡가 마커스 파우스가 그가 c.Onsiders 윌리엄스"더 큰 성조의 틀 안에서를 구체적으로 부조화, 기술의 아주 만족스러운 방법을 발견했다"이 있고 또 그 어느 작곡가의 오래 된Schoenbergian 유토피아는 미래의 아이들 12-tone줇 것을 실현하는데 가장 가까운 올 수도 있" 다른어떤세기의 위대한 작곡가의"."[25] 그렇다 하더라도, 그것들이 종종 일반 대중에게 알려진 클래식 음악의 가장 인기 있는 현대적인 작곡이라는 것을 고려하면, 주요 오케스트라들은 팝 오케스트라와 같이 때때로 그러한 음악의 콘서트를 공연한다.

보존 노력

1983년, 비영리 단체인 영화음악보존회가 결성되어, 작곡과 녹음 과정에서 생성된 음악 원고(필름 음악)와 기타 문서와 스튜디오 녹음 등 영화음악의 창작에 따른 '부산물'을 보존하기 위해 설립되었는데, 경우에 따라 이 음반들은 mo에 의해 폐기되었다.영화 스튜디오.[26] 음악 프로그램에서 음악을 연주하고 그 음악을 새로 녹음하기 위해서는 쓰여진 음악이 유지되어야 한다. 때때로 수십 년이 지난 후에야 CD로 영화 악보에 대한 기록적인 기록이 발표된다.

역사

커트 런던에 따르면, 영화음악은 "예술적 충동의 결과물이 아니라 프로젝터가 만들어내는 소음을 가라앉힐 수 있는 무언가가 절실히 필요하다"고 한다. 그 시간 동안 투영기와 강당 사이에는 아직 음을 흡수하는 벽이 없었다. 이 고통스러운 소음은 적지 않게 시각적 즐거움을 방해했다. 본능적으로 영화 소유주들은 음악에 의지했고, 그것은 듣기 좋은 소리를 사용하여 덜 듣기 좋은 사람을 무력화시키는 올바른 방법이었다."[27]

영화에 녹음된 음의 시대 이전에는, 대개 사내 피아니스트나 오르간 연주자의 서비스를 통해 영화에 적합한 음악을 제공하기 위해 노력했고, 경우에 따라서는 전체 오케스트라에서 일반적으로 큐시트를 가이드로 제공하기도 했다. 1895년 뤼미에르 형제의 첫 영화상영에는 피아니스트가 참석했다.[28] 1914년, 오즈 필름 제조 회사루이 F에 의해 장편 점수를 보냈다. 고트샬크는 그들의 영화에 출연한다. 이 밖에도 1915년 빅토르 허버트가 <민족의 탄생>에서 <민족의 몰락>(The Fall of a Nation)으로 부른 곡과 1908년 <마이스킹 공작 암살>을 위한 카밀 생상스의 음악이 있다. 나다니엘 D가 선행했다.이 <페어릴로그>와 <라디오-플레이>를 4개월이나 채점했지만, 그것은 오래된 마술등 쇼의 전통에서 상호 관련되는 무대와 영화 연주가 혼합된 것이었다.[29] 이 시기에 대부분의 반주들은, 그럼에도 불구하고, 연구를 포함한 유명한 작곡가들의 작품을 구성했다. 이것들은 흔히 포토플레이 음악의 카탈로그를 형성하는데 사용되었는데, 그것은 '무드'와 장르에 의해 분해된 다른 하위섹션들을 가지고 있었다: 어둡고 슬픈, 서스펜스, 액션, 추격 등.

무성영화 시대에 영향력이 컸던 독일 영화관프리츠 랑의 영화 '디 니벨룽겐'(1924년), 메트로폴리스(1927년) 등 일부 원곡을 제공했는데, 이 때 역시 피아노 반주를 쓴 고트프리드 후퍼츠가 작곡한 원곡 전곡 관현악과 레트모티픽 악보를 곁들여 작은 곳에서 연주하도록 했다.영화관에서 [citation needed]상영하다 프리드리히 W. 무르나우 감독의 영화 노세라투(1922년–한스 에르드만 음악)와 파우스트 – 아인 도이체 볼크사주(1926년– 베르너 리차드 헤이만 음악)도 원곡을 썼다. 무르나우의 데르 레츠테 만과 같은 다른 영화들은 독창적인 작곡(이 경우 주세페 베체)과 도서관 음악/민속곡의 혼합을 포함했는데, 이 곡들은 작곡가에 의해 예술적으로 악보에 포함되었다.

프랑스에서는 토크쇼가 등장하기 전, 에릭 사티가 레네 클레어 감독의 아방가르드 쇼트 엔트락트(1924년)의 첫 '프레임 바이 프레임' 동기 영화 스코어를 작곡했다.[30][31] 무성영화 상영에서 "스팟팅" 기법과 투영 속도의 불일치를 예상한 사티는 각 시퀀스에 대해 정확한 타이밍을 잡았고, 필요에 따라 반복되고 템포가 변화할 수 있는 짧고 발광적인 모티브의 유연하고 알레아틱한 점수를 만들었다.[32] 미국 작곡가 버질 톰슨애런 코플란드사티의 엔터액트 음악을 그들 자신의 영화 채점 활동에 주요한 영향을 끼친 것으로 꼽았다.[33]

영화에 소리가 나오자 프리츠 랭 감독은 더 이상 영화에 음악을 거의 사용하지 않았다. 피터 로레가 에드바르드 그리그피어 갠트의 짧은 곡을 휘파람으로 불린 것 외에 랭의 영화 M – Eine Stadtt thatt einen Mörder는 완전히 음악 반주가 부족했고 Das Tattent des Mabuse 박사는 한스 에르드만이 극 초반과 후반에 연주한 영화에 쓰일 원작을 한 편만 포함시켰다. 영화에서 음악이 나오는 드문 경우 중 하나는 등장인물 중 한 명이 부르는 노래인데, 랭은 M에서 휘파람을 사용하는 것과 비슷하게 그 남자의 광기를 강조하기 위해 사용한다.

Max Steiner가 David O를 위해 작곡한 악보에서 영화 속의 액션과 음악 동기화에서의 획기적인 사건이 달성되었다. 셀즈닉의 1933년 킹콩. 그 좋은 예가 원주민 족장이 원주민의 신성한 의식을 촬영하고 있는 스컬 아일랜드에 원치 않는 방문객들에게 천천히 다가가는 것이다. 그가 점점 더 가까워질수록, 각 발바닥은 배경 화음으로 강화된다.

"1940년대 서사적 특징의 점수는 콘서트 음악 분야의 기술 혁신에 수십 년 뒤떨어졌지만,"[34] 1950년대는 모더니즘 영화 점수의 상승을 보았다. 엘리아 카잔 감독은 재즈 영향과 불협화음 스코어링에 대해 개방적이고 알렉스 노스(Alex North)와 함께 일했는데, 의 <욕망이라는 이름의 전차> 점수는 불협화음을 블루스와 재즈의 요소와 결합시켰다. 카잔도 레너드 번스타인에게 접근해 '워터프런트'(1954년)를 득점했고, 결과는 '재즈 기반 하모니와 신나는 첨가 리듬'으로 아론 코플랜드이고르 스트라빈스키의 앞선 작품들을 연상시켰다.[34] 1년 후, 아놀드 쇤베르크로부터 영감을 받은 레오나드 로젠만은 에덴동쪽 (1955년)과 이유 없는 반란 (1955년)을 위한 그의 점수에 무차별성을 실험했다. 베르나르 헤르만은 알프레드 히치콕과 10년 동안 협력하면서, 베르티고(1958년)와 사이코(1960년)에서 아이디어를 실험했다. 재즈 스타 듀크 엘링턴오토 프레밍거의 <살인해부학>(1959년)을 작곡한 것과 같은 비파괴적 재즈의 사용은 또 다른 모더니즘적 혁신이었다.

작곡가

아카데미상 후보 및 수상자

기타 수상 후보 및 수상자

박스오피스 챔피언

다음 목록에는 역대 최고 흥행 영화 100편 중 1편을 기록했지만, 주요 상(오스카, 골든 글로브 등)에 후보에 오른 적이 없는 모든 작곡가가 포함된다.

[35]

이사와의 관계

때때로, 작곡가는 같은 감독의 많은 영화에 대한 점수를 작곡함으로써 감독과 단결할 수도 있다. 존 윌리엄스스티븐 스필버그, 조지 루카스와의 프로페셔널한 관계는 윌리엄스가 스필버그의 영화 5편을 제외한 나머지 5편의 작품과 루카스의 블록버스터급 프랜차이즈(스타워즈인디아나 존스)의 모든 분량을 기록하면서 영화 역사상 가장 두드러진 것 중 하나이다. 윌리엄스는 두 사람과의 공동 작업에서 5개의 오스카상을 모두 수상했다. 게다가 대니 엘프먼은 에드 우드(하워드 쇼어)와 스위니 토드를 제외한 팀 버튼 감독의 모든 영화에 대해 점수를 매겼다. 플리트 가악마 이발사 (Stephen Sondheim의 점수)


Further examples include Bernard Herrmann with Alfred Hitchcock; Jerry Goldsmith with Joe Dante and Franklin Schaffner; Ennio Morricone with Sergio Leone; Mauro Bolognini with Giuseppe Tornatore; Alan Silvestri with Robert Zemeckis; Angelo Badalamenti with David Lynch; James Newton Howard with M.나이트 샤말란, 에리크 세라 뤽 베송, 패트릭 도일 케네스 브래너와 하워드 쇼어 데이비드 크로 넌 버그, 피터 잭슨과 마틴 스콜세지는, 카터 버웰 조엘 &amp과 에단 코엔, 한스 짐머 크리스토퍼 놀런과 해리 Gregson-Williams 토니 스콧, 클린트 만셀 대런 아로노프스키와 트렌트 레즈너와 애티 커스 로스 David와. 휜cher;[36]John Lasseter with Randy Newman; Andrew Stanton with Thomas Newman; Joe Kraemer with Christopher McQuarrie; Michael Giacchino with J. J. Abrams and Brad Bird; James Horner with James Cameron and Ron Howard; Akira Ifukube with Ishirō Honda; A. R. Rahman with Mani Ratnam; and Joseph Trapanese with Joseph Kosinski.

프로덕션 음악

많은 회사들이 다양한 영화, TV, 상업 프로젝트에 음악을 유료로 제공한다. 때때로 도서관 음악이라고 불리기도 하는 이 음악은 제작 음악 도서관이 소장하고 있으며, 영화, 텔레비전, 라디오 그리고 다른 매체에서 사용할 수 있도록 고객에게 허가되었다. 회사의 예로는 워너 샤펠 프로덕션 뮤직, 징글 펑크, 연합 프로덕션 뮤직, 퍼스트콤 뮤직, 비디오헬퍼, 익스트림 뮤직 등이 있다. 일반적으로 작곡에서 저작권의 50% 미만을 소유하고 있는 대중음악출판사들과 달리, 음악제작도서관은 일반출판사로부터 음악을 라이선스할 때 필요하듯이 작곡자의 허가를 받지 않고도 저작권을 모두 소유하고 있다. 사실상 음악도서관을 위해 만들어진 모든 음악은 고용을 위한 작업으로 이루어지기 때문이다.[citation needed] 따라서 제작 음악은 미디어 제작자들에게 매우 편리한 매개체로서, 그들은 도서관의 어떤 음악이라도 합리적인 비율로 허가할 수 있을 것이라고 확신할 수 있다.

프로덕션 음악 도서관은 일반적으로 광범위한 음악 스타일과 장르를 제공하게 되어, 프로듀서와 편집자들이 같은 도서관에서 필요한 많은 것들을 찾을 수 있게 된다. 음악 도서관은 수백 개의 트랙에서 수천 개의 트랙까지 크기가 다양하다. 최초의 제작 음악 도서관은 1927년 드 울프 뮤직이 사운드의 등장으로 설립했는데, 이 회사는 원래 무성 영화에 사용하기 위해 음악을 작곡했다.[37] 또 다른 음악 도서관은 1930년대에 Boosey & Hawkes Music Publishers의 Ralph Hawkes에 의해 설립되었다.[38] 미국 최대 도서관인 APM은 25만개가 넘는 트랙을 보유하고 있다.[39]

참고 항목

영화 음악 단체

영화 음악 리뷰 사이트

독립 전문가 오리지널 사운드트랙 레코딩 라벨

저널스

참조

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추가 읽기

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  • 도르셸, 안드레아스(에드) 편도선. Musik im Film: Fallstudien 1994–2001. 유니버설 에디션, 비엔나 2005(Studien jur Wertungsforschung 46). ISBN 3-7024-2885-2. 20세기에서 21세기의 전환기에 있는 영화 점수 관행을 면밀히 조사한다. 독일어로.
  • 엘알, 새미, 크리스티안 듀퐁(에드스). "점수필름의 필수품" 최소 노이즈. 덴마크 코펜하겐.
  • 해리스, 스티브. 영화, 텔레비전, 그리고 스테이지 뮤직 on Filmograppography. 노스캐롤라이나 주 제퍼슨: 맥팔랜드 주식회사, 1988년 ISBN 0-89950-251-2.
  • 맥도날드, 로렌스 E. (1998) 영화음악의 보이지 않는 예술: 포괄적인 역사. 허수아비 프레스. ISBN 9781461673040.
  • 홀리 로저스와 제레미 바햄, '실험 영화의 음악과 소리' 옥스퍼드: 옥스퍼드 대학 출판부, 2017.
  • 슬로우익, 마이클 사일런트 후: 초기 사운드 시대의 할리우드 영화 음악, 1926-1934. 뉴욕: 컬럼비아 대학 출판부, 2014.
  • 스판드, 로버트 1996년 미니애폴리스 " 정권 영화 음악 이론"
  • 스토페, 세바스찬, 에드 협연된 영화: 영화 악보와 클래식 음악과의 관계. 글뤼크슈타트:Verlag Werner Hülsbusch, 2014년. ISBN 978-3-86488060-5.
  • Stubblevine, Donald J. Cinema Sheet Music: Scow Man(1914)부터 Batman(1989년)까지 출판된 영화음악의 포괄적인 목록. 노스캐롤라이나 주 제퍼슨: McFarland & Co., 1991. ISBN 0-89950-569-4.
  • 다양한 기여자[위키] "심각한 전자음향 콘텐츠[permanent dead link] 있는 영화". eContact! 8.4 — Resources éducentials / Educational Resources(2006년 9월) 몬트레알: CEC.

외부 링크

영화 음악 단체
저널(온라인 및 인쇄)
교육
언어