마지막 웃음(1924년 영화)

최후의 웃음(독일어: 더레츠 만, 라스트 맨)은 카를 메이어가 쓴 각본에서 독일 감독 F. W. 무르나우가 감독한 1924년 독일 무성영화다. 이 영화에는 에밀 재닝스와 말리 델샤프트가 출연한다.

스티븐 브로크만은 이 영화의 줄거리를 "이름 없는 호텔 도어맨이 일자리를 잃는다"^[1]고 요약했다. 세트와 액션보다 캐릭터의 심리를 강조한 하층 중산층의 짧고 희박한 연극 스타일을 그대로 답습한 캄머스피엘프(Kammerspielfilm) 장르의 영화적 사례다. 장르는 비주얼 자체가 대부분의 의미를 담고 있어야 한다는 믿음에서 대부분의 무성영화를 특징짓는 구어 대화나 설명의 인터타이틀(제목 카드)을 피하려고 했다.

1955년 한스 앨버스가 주연한 이 영화는 리메이크되었다.

플롯

제닝스가 맡은 캐릭터는 업무와 지위에 큰 자부심을 갖는 유명 호텔의 도어맨이다. 그의 매니저는 도어맨이 호텔의 이미지를 보여주기에 너무 늙고 허약해졌다고 판단하고, 그래서 그를 덜 까다로운 직업인 세면실 종업원으로 전락시킨다. 그는 친구들과 가족들에게서 자신의 좌천성을 숨기려 하지만 수치스럽게도 그는 발각된다. 그의 친구들은 그가 자신의 명망 있는 직업에 대해 줄곧 거짓말을 해 왔다고 생각하면서 그의 가족들이 부끄러워서 그를 거부하는 동안 그를 무자비하게 조롱한다. 도어맨은 충격을 받고 믿을 수 없는 슬픔에 빠져 호텔로 돌아와 자신이 일하는 화장실에서 잠을 잔다. 그에게 친절하게 대할 사람은 잠에 들면서 외투로 감싸주는 야경꾼밖에 없다.

이어 이 영화의 유일한 타이틀 카드가 등장하는데, "여기서 우리의 이야기는 정말로 끝나야 한다, 실생활에서, 이 고독한 노인은 죽음 외에는 거의 기대할 것이 없을 것이다. 그러나 저자는 그를 불쌍히 여겨 상당히 그럴듯한 에필로그를 제공했다."^[2]

마지막에 도어맨은 신문에서 A. G. 머니라는 멕시코 백만장자로부터 거액의 재산을 상속받았다고 읽는다. A. G. 머니라는 사람은 호텔 화장실에서 그의 품에 안겨 죽은 후원자였다. 도어맨은 친절함을 보여준 야경꾼과 함께 즐겁게 식사를 하는 호텔로 돌아온다. 마차로 가는 길에 도어맨은 호텔에서 온 모든 서비스 요원들에게 팁을 주는데, 그들은 재빨리 길을 따라 줄을 선다. 영화의 마지막 장면에서 도어맨과 야간 경비원이 모두 마차에 있을 때 거지가 도어맨에게 돈을 좀 달라고 한다. 도어맨은 거지를 마차에 초대하고, 이제는 손님들을 안으로 데려오는 일을 맡고 있는 새 도어맨에게 팁까지 준다.

캐스트

• 에밀 제닝스는 호텔 도어맨으로 일한다.
• 조카로서 말리 델샤프트
• 신랑으로 막스 힐러
• 신랑 이모 역의 에밀리 쿠르즈
• 호텔 지배인으로 한스 언터커처
• 어린 손님으로서의 올라프 스톰
• 헤르만 발렌틴은 배꼽을 가진 손님으로
• 야간 경비원으로서 게오르크 존
• 마른 이웃으로서의 에미 와이다

생산

F. W. Murnau 감독은 독일에서의 영화 활동 전성기에 있었고 UFA와의 첫 영화에 대한 높은 야망을 가지고 있었다.^[3] 그는 "우리의 모든 노력은 영화의 진정한 영역이 아닌 모든 것을 추상화하는 방향으로 향해야 한다"고 말했다. 사소하고 다른 출처로부터 획득한 모든 것, 무대와 책에서 물려받은 모든 요령과 장치, 진부한 것들."^[4] 무르나우는 시나리오 작가 칼 메이어를 '시네마의 진정한 영역'에서 일했던 사람으로 부르며 메이어와 영화감독 루푸 픽이 싸우고 픽이 영화를 떠난 후 데르 레츠 만을 만들기로 합의했다.^[5] 이 영화는 1923년 영화 섀튼의 아서 로비슨 감독뿐만 아니라 메이어와 픽 온 셔벤, 실베스터 감독이 몇 년 전에 했던 인터타이틀을 사용하지 않는 것으로 유명하다. 그 영화는 전적으로 UFA 스튜디오에서 촬영되었다. 무르나우와 영화제작자 칼 프룬드는 이 영화를 위해 정교한 카메라 움직임을 사용했는데, 이 기술은 후에 "엔테셀테 카메라"(무정 카메라)라고 불렸다. 한 장면에서 프룬드는 자전거를 타고 엘리베이터로 들어가 아래 거리로 나오자 카메라가 그의 가슴에 묶여 있었다. 또 다른 장면에서는 카메라가 창문에서 아래 거리로 전선을 내려보내고 나중에 편집을 반대로 한다. 프랑스 영화제작자 마르셀 카네는 이후 "카메라가... 글라이드, 상승, 줌, 위브스가 이야기가 어디로 가는지 보여준다"고 말했다. 더 이상 고정된 것이 아니라 액션에 참여해 드라마 속 캐릭터가 된다고 말했다.^[5] 수년 후 칼 프룬드는 무르나우가 함께 만든 영화에 대한 무르나우의 기여를 일축하며 무르나우는 조명에 관심이 없고 카메라를 통해 본 적도 없으며, "칼 메이어는 프레임에 비해 훨씬 더 많은 관심을 가져왔었다"고 주장했다.^[5] 이 영화의 세트 디자이너 로버트 허스와 월터 뢰릭은 이 진술을 부인하며 무르나우를 옹호했다. 무르나우는 이 영화의 촬영기법을 "방법에 따라"라고 설명했다. [사설]을 배치하거나 사진을 찍었는데, 그들의 이미지는 비주얼 드라마다. 다른 사물과의 관계나 등장인물과의 관계에서 그들은 영화의 교향곡에 나오는 단원이다."^[5]

무르나우는 "세면실 직원이 도어맨보다 더 많은 것을 만든다는 것은 누구나 알고 있다"^[6]는 이유로 이 이야기가 터무니없다고 언급했다.

이 영화의 표지판은 알프레드 히치콕이 에스페란토로 찍은 상상 속의 언어로 쓰여 있다.^[7]

영화와 예술적 기법

카메라 위치의 이동, 화면 일부분 흐림, 집중력 및 탈착, 서로 다른 각도를 사용한 결합이 시청자의 새로운 시각과 인상을 만드는 데 기여했다.^[8] 장면들을 하나로 묶는 데 사용된 몽타주 역시 선구적이었는데, 무르나우의 기술은 초기 장면에서 부드럽고 빠른 컷을 사용한 뒤 도어맨이 굴욕을 당하는 장면에서 재잘거리는 컷을 사용하는 것이었다. 술에 취한 도어맨의 사적인 시야를 보여주는 장면에는 왜곡과 이미지 중첩의 조합이 사용됐다.^[9] 영화의 예술적인 부분은 문지기 역을 맡은 에밀 제닝스의 연기에 있었다. 재닝스는 그의 표정, 자세, 동작을 창의적으로 사용했는데, 카메라맨은 클로즈업과 카메라의 위치를 이용하여 시청자가 도어맨의 눈을 통해 거의 볼 수 있는 방식으로 개선점을 제공했다.^[8]

대조적인 환경의 장식과 표현도 인상적인 연출에 큰 의미가 있었다. 애틀랜틱 호텔의 풍부한 환경과 하층민 주거의 대조는 상황을 사실적으로 보여주는 느낌을 준다. 더 레츠테 만의 장식가는 로버트 헐스와 월터 뢰릭이었다.^[10] 또 다른 대비의 사용은 존경과 본질적으로 유니폼의 힘을 도어가 강등 후 겪은 조롱과 무시와 결합한 삽화였다.^{[citation needed]}

독일 문화에서 제복의 위력은 존 휴즈의 학술적 기사에서 분석되었다.^[11] 유니폼을 입는 것은 그 사람의 남성성을 향상시키는 것으로 보이며 착용자가 그 자신과 해당 기관을 동일시하기 때문에 어느 정도 제도적 힘을 제공한다. 따라서 유니폼은 더 레츠테 만에서 예시된 바와 ^[11]같이 개인적인 자신감과 다른 사람들의 존경을 제공한다. 나치가 빠른 속도로 권좌에 오른 것도 그들이 광범위하게 제복을 사용했기 때문이라고 볼 수 있다.^[12] 영화 더 레츠 만은 장식된 유니폼을 입는 것과 관련된 자신감과 개인적/제도적 힘의 이러한 효과를 명확하게 보여준다.^{[citation needed]}

역사적 맥락

이 영화는 1924년 바이마르 공화국 시대에 만들어졌다. 독일에 부과된 전쟁 배상금은 치솟는 인플레이션, 경제 붕괴, 식량 부족, 빈곤, 영양실조와 배고픔을 야기시켰다.^[13] 쁘띠 부르주아 독일인들은 그들의 경제 상황의 개선을 위한 어떤 희망을 찾고 있었다. 심지어 누군가로부터 돈을 상속받는 것과 같은 비현실적인 가능성조차도 약간의 희망을 가져왔다. 이러한 희망의 필요성과 일반 대중의 기대에 대한 감독의 지식은 데르 레츠 만이 비록 비현실적이긴 하지만 행복한 에필로그를 한 이유였다.^[14]

독일 영화관은 할리우드 제작자들과 협동 벤처 사업을 시작하였고, 이로 인해 상호 영향을 받게 되었고, 1926년 독일 제작자들은 헐리우드와 계약을 맺었고, 이로 인해 독일 배우들과 감독들이 할리우드로 이주하기 시작했다. 그 효과는 전 세계 과학자들의 뇌가 미국으로 유출된 이후 관찰된 것과 유사했다.^[15]

이 초기 협력의 결과 중 하나는 알프레드 히치콕 감독이 베를린으로 가서 프리드리히 무르나우와 함께 일하기 시작했다는 것이다. 히치콕은 무르나우의 절제되지 않은 카메라 기법에 깊은 인상을 받았고 무르나우와의 협력이 "엄청나게 생산적인 경험"이었고, 더 레츠 만은 "거의 완벽한 영화"^[16]라고 말했다. 무르나우와의 협력은 본질적으로 히치콕을 위한 "핵심 기준점"^[17]이었다. 히치콕은 무르나우의 카메라 포인트 오브 뷰와 주인공과의 '청중 식별'을 제공하는 주관적인 촬영에 대해서도 감사의 뜻을 전했다.^[18] 얀 호락은 할리우드의 더 레츠 만이 "할리우드는 단순히 최후의 웃음으로 극찬했다"고 평했다.^[19]

리셉션 및 레거시

이 영화는 비판적이고 재정적인 큰 성공을 거두었고 머나우에게 그 직후 두 편의 큰 예산의 영화를 만들 수 있게 해주었다.^[3] 비평가들은 이 영화의 스타일과 예술적인 카메라 움직임을 칭찬했다. 영화평론가 폴 로타는 "이 영화를 독립된 표현의 매체로 확립했다"고 말했다. 말해야 할 모든 것들이... 카메라로 전부 말해졌지..."The Last Laugh"는 가장 순수한 형태의 시네픽션으로, 영화에 적절한 리듬 구성의 모범이 되었다."^[5] 몇 년 후 C. A. Lejune은 이 영화를 "가장 선정적이지 않고 확실히 무르나우 영화들 중 가장 중요한 영화"라고 불렀다. 그것은 카메라를 새로운 영역, 새로운 자유를 주었다... 그것은 영화 촬영의 미래에 영향을 끼쳤다... 전 세계에 걸쳐서, 그리고 방법의 혁명을 제안하지 않고, 칼리가리처럼 비판적인 의견을 쏟아내지 않고, 그것은 기술적인 관심을 실험 쪽으로 돌렸고, 자극했다... 이야기의 끝이 확실한 새로운 종류의 카메라 사고 ^[5]방식 롯데아이즈너는 "반사, 비, 빛으로 흐르는 옥외 표면: 자동차 창문, 반짝이는 검은 방수복을 입은 도어맨의 실루엣을 반사하는 회전 문의 유려한 나뭇잎, 불이 켜진 창문과 젖은 포장, 반짝이는 웅덩이 등 어두운 집 덩어리들... 그의 카메라는 가로등에서 떨어지는 여과된 반 빛을 포착했다... 지하실 창문을 통해 난간을 뚫는다."^[5]

이 영화의 스토리와 내용 또한 비평가들로부터 찬사를 받았는데, 아이즈너는 "이것은 분명히 독일의 비극이며, 신을 말하는 것이 아니라 유니폼이 왕인 나라에서만 이해할 수 있다"고 말했다. 독일인이 아닌 사람은 비극적인 의미를 모두 이해하는데 어려움을 겪을 것이다."^[4] 지그프리드 크라카워는 "모든 세입자들, 특히 여성 세입자들은... 최고 권위의 상징으로서 [제복을 입고] 그것을 경외할 수 있게 되어 기쁘다."^[5]

2000년에 로저 에버트는 그것을 그의 위대한 영화 목록에 포함시켰다.^[2]

참고 항목

• 독일의 영화사
• F. W. 무르나우
• 1919-32년 독일 영화 목록
• 카머스피엘필름
• 언체인드 카메라 기법
• 영화 리뷰 집계 웹사이트인 로튼 토마토의 100% 등급 영화 목록

참조

외부 링크

• IMDb의 마지막 웃음
• The Last Laugh는 인터넷 아카이브에서 무료로 다운로드할 수 있다.
• 올무비에서의 마지막 웃음
• 마지막 웃음의 문학
• 더레츠만, 유튜브 4부작
• 썩은 토마토를 먹고 있는 데르 레츠 만