재생(테레)
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연극은 연극의 작품으로, 보통은 단순히 읽는 것 보다는 연극 공연을 위한 인물 간의 대화로 주로 구성된다.연극의 작가는 극작가다.
연극은 영어권 세계에서 가장 높은 수준의 상업 연극인 런던의 웨스트엔드와 뉴욕시의 브로드웨이에서부터 지역 연극, 지역 연극, 지역 연극, 그리고 대학이나 학교 공연에 이르기까지 다양한 수준에서 공연된다.무대극은 공연되고 쓰여지는 연극으로, 방송이나 영화로 만들어지는 것이 아니라 무대에서 공연하는 것이다.무대극은 관객 앞에서 어떤 무대에서든 공연되는 연극이다.드물게 연극을 하는 사람들이 있는데, 특히 조지 버나드 쇼는 그들의 연극이 공연되었는지 아니면 읽었는지에 대해 별로 선호하지 않았다.연극이라는 용어는 극작가의 필적과 극작가의 완전한 연극 공연 모두를 지칭할 수 있다.[1]
코미디
코미디는 유머러스하게 만들어진 연극이다.코미디는 재치 있는 말, 특이한 캐릭터, 이상한 상황 등으로 가득 찬 경우가 많다.어떤 코미디 영화들은 다양한 연령층을 대상으로 한다.희극은 비극과 함께 고대 그리스의 두 가지 독창적인 연극 유형 중 하나였다.희극의 예로는 윌리엄 셰익스피어의 희곡 "한여름 밤의 꿈"이 있으며, 보다 현대적인 예로 토요일 밤 라이브의 촌극이 있다.[2][3]
익살부리다
일반적으로 터무니없는 장르의 놀이는 종종 연기되고 종종 유머를 수반한다.희극의 예로는 윌리엄 셰익스피어의 희곡 <오류의 희극>이나 마크 트웨인의 희곡 <그가 죽었는가?
풍자적
풍자극은 시사 문제를 코믹하게 보는 동시에 정치나 사회적 발언을 시도한다. 예를 들어 부패를 지적한다.풍자의 예로는 니콜라이 고골의 <정부 조사관>과 아리스토파네스의 <리시스트라타>가 있을 것이다.풍자극은 일반적으로 가장 인기 있는 희극의 한 종류로, 전적으로 그들만의 장르로 여겨지는 경우가 많다.
왕정복고 시대의 희극
복원코미디는 남녀 관계를 탐구한 장르로, 그 시대에는 리스퀘어로 여겨졌다.[4]복원 코미디에 등장하는 인물들은 모든 종류의 고정관념을 포함했고, 이와 같은 고정관념은 이 장르의 대부분의 연극에서 발견되어 대부분의 연극은 메시지와 내용이 매우 유사했다.그러나, 복원 코미디는 관계에서 무언의 측면을 다루었기 때문에, 관객과 공연 사이에 더 비공식적이고 사적인 형태의 연결고리를 만들어냈다.
복원 코미디는 몰리에르의 희극 이론에 기원을 두고 있지만 의도와 어조가 다르다는 것이 공통적으로 동의하고 있다.[5]복원코미디의 도덕성과 시대적 도덕성의 모순은 이 장르를 연구하는 과정에서 자주 발생하는 것이다.이것은, 원래의 성공에도 불구하고, 17세기에 왜 복원 코미디가 오래 지속되지 않았는지에 대한 단서를 줄 수 있다.그러나 최근 몇 년 사이, 자신만의 공연 규약이 있는 연극 스타일을 찾아보는 연극 이론가들의 관심거리가 되고 있다.[6]
비극
이 연극들은 죽음과 재난과 같은 어두운 주제를 담고 있다.종종 그 연극의 주인공은 비극적인 결함을 가지고 있는데, 이것은 그들의 몰락을 초래하는 특성이다.비극적인 연극은 모든 감정을 전달하고 매우 극적인 충돌을 일으킨다.비극은 고대 그리스의 두 가지 원래의 놀이 형태 중 하나였다.비극의 예로는 윌리엄 셰익스피어의 햄릿과 존 웹스터의 희곡 말피 공작부인이 있다.[2]
역사적
이 연극들은 실제 역사적 사건에 초점을 맞춘다.그것들은 비극이나 코미디가 될 수 있지만, 종종 이것들 중 어느 것도 아니다.별도의 장르로서의 역사는 윌리엄 셰익스피어에 의해 대중화되었다.역사극의 예로는 프리드리히 실러의 데메트리오스와 셰익스피어의 왕 존이 있다.[7]
뮤지컬 극장
당시 대중적인 연극 스타일이었던 발라드 오페라는 미국 식민지에서 공연된 최초의 뮤지컬 스타일이었다.미국 최초의 뮤지컬은 1767년 필라델피아에서 초연되었고, "실망"이라고 불렸지만, 이 연극은 결코 제작에 성공하지 못했다.
현대 서양의 뮤지컬 극장은 빅토리아 시대에 등장했는데, 영국의 길버트와 설리번, 미국의 해리건과 하트의 작품들에 의해 많은 구조적 요소들이 확립되었다.1920년대 즈음에, 극장 스타일은 좀더 명확하게 정의되기 시작하고 있었다.뮤지컬 극장의 경우 이는 작곡가들이 연극의 모든 곡을 창작할 권리를 얻었다는 것을 의미했고, 이 새로운 연극들은 32개의 바 노래와 같은 좀 더 구체적인 컨벤션에 의해 개최되었다.대공황이 닥치자 많은 사람들이 할리우드로 브로드웨이를 떠나 브로드웨이 뮤지컬의 분위기가 크게 달라졌다.비슷한 상황이 1960년대에도 발생했는데, 당시 작곡가가 부족했고 뮤지컬에도 바이브레이션과 오락적 가치가 부족했다.
1990년대에는 영화나 소설을 재창조하는 것이 많았기 때문에 브로드웨이 오리지널 뮤지컬은 거의 없었다.
뮤지컬 제작에는 그 이야기를 설명하고 연극의 아이디어를 전달하는 데 도움이 되는 곡들이 있다.그들은 보통 춤을 춘다.뮤지컬은 설정과 배우 공연에서 매우 정교할 수 있다.뮤지컬 제작의 예로는 위디드와 지붕 위의 피들러가 있다.
잔혹극장
이러한 연극 스타일은 1940년대 안토닌 아르토우가 "사회적으로 조건화된 사상에 의해"가 아니라 신체를 통해 표현하는 효과에 대해 가설을 세우면서 시작되었다.1946년 그는 자신의 작품에 서문을 썼는데, 이 서문을 통해 자신이 어떻게 무엇을 하게 되었는지, 어떻게 했는지에 대해 설명했다.
무엇보다 아르토우는 언어를 의사소통 수단으로 신뢰하지 않았다.잔인함의 극장 장르 내에서의 연극은 관습과 내용면에서 추상적이다.Artaud는 그의 희곡들이 효과를 발휘하여 무언가를 이루기를 원했다.언어가 효과적일 수 있다고 믿지 않았기 때문에 육체적 수행을 통해 잠재의식을 상징화하려는 것이 그의 의도였다.아트하우스는 자신의 연극을 재공연이라기 보다는 제정이라고 여겼는데, 이는 자신의 배우들이 현실을 재공연하기보다는 현실 속에 있다고 믿는 것을 의미했다.
그의 연극은 정신병동 환자와 나치 독일과 같은 무거운 문제를 다루었다.이러한 공연을 통해 그는 "고난의 원인을 귀담아듣고 싶었다"고 하지만, 원래 관객들은 그들이 본 것에 너무 당황해서 반응이 좋지 않았다.그의 작품 대부분은 그 당시 프랑스에서 금지되었다.
아르투는 당시의 전통적인 극장이 관객들에게 카타르시스를 경험하게 하고 제2차 세계대전의 상처를 치유하는 데 도움을 줄 것이라고는 믿지 않았다.이 때문에 그는 관객들이 상상력을 발휘해 듣고 있는 말을 몸에 연결시킬 수 있는 라디오 기반의 극장으로 나아갔다.이것은 그의 작품을 훨씬 더 개인적이고 개성 있게 만들었고, 그는 고통을 묘사하는 것의 효과를 증가시킬 것이라고 믿었다.[8]
황당극장
이 장르는 일반적으로 실존적 거리낌과 질문의 형이상학적 표현을 포함한다.황당한 것의 극장은 합리성을 부정하고, 인간 상태의 심연에 빠지는 필연성을 포용한다.그러나 이런 문제들을 논하는 대신, 황당무계한 연극은 그들에 대한 시범이다.이로 인해 관객들은 스스로 연극의 내용에 대해 토론하고 의문을 품게 된다.
터무니없는 연극의 주요 측면 중 하나는 언어에 대한 물리적 모순이다.종종 등장인물들 간의 대화는 직접적으로 그들의 행동에 반대할 것이다.
이 장르 내의 유명한 극작가로는 베케트, 사르트르, 이오네스코, 아다모프, 지네테 등이 있다.[9]
용어.
"놀이"라는 용어는 일반적인 용어일 수도 있고, 더 구체적으로 비뮤지컬 연극을 지칭할 수도 있다.때로는 '직접놀이'라는 말이 등장인물들이 부르는 음악, 춤, 노래에 바탕을 둔 연극을 가리키는 '뮤지컬'과 대조적으로 쓰이기도 한다.짧은 연극의 경우 '놀이장'이라는 말이 쓰이기도 한다.
"스크립트"라는 용어는 연극의 글로 쓰여진 텍스트를 가리킨다.제목이나 작가와 같은 앞부분의 문제가 끝난 후, 그것은 일반적으로 극본적인 페르소나로 시작된다: 극본의 각 주인공들을 이름별로 보여주는 목록, 그리고 그 뒤에 간단한 인물화(예: ")가 뒤따른다.스테파노, 술취한 버틀러")
뮤지컬 연극(오페라, 경극, 뮤지컬)의 경우 '스크립트' 대신 '리브레토'라는 말이 통용된다.
연극은 보통 연극으로 나뉘는데, 소설에 나오는 장과 비슷하다.단막극은 단막극으로만 구성될 수 있으며, 그 후 "단막극자"라고 부른다.행위는 장면으로 세분된다.행위에는 번호가 매겨져 있고 장면도 매 다음 행위마다 장면 번호 매기는 1에서 다시 시작되므로, 제4막 제3장 제5막 제1장이 뒤따를 수 있다.각 씬(scene)은 씬(scene)의 시작 부분에 있는 스크립트에 표시된 지정된 위치에 설정된다(예: "scene 1").프로스페로의 감방 앞에.")).장소를 바꾸려면 보통 풍경을 바꾸어야 하는데, 이것은 단순히 그림을 그린 배경일지라도 시간이 걸리고 장면 사이에만 할 수 있다.
배우들이 말할 텍스트 옆에 대본에는 "스테이지 디렉션"이 포함되어 있다(그 용어를 블로킹에 사용하는 것, 스테이지 전체에 걸쳐 특정한 움직임을 가진 배우들의 스테이징과 혼동하지 말 것).가장 흔한 유형은 배우의 출입을 위한 것으로, 예를 들어, "[탈출 칼리반, 스테파노, 트린쿨로]"(출출출구는 라틴어의 출구 복수형으로, "[그들은] 떠난다"는 뜻이다.)이다.다른 스테이지 방향은 "[사이드]"나 "[싱]"과 같이 텍스트 전달 방식을 나타내거나 "[Thunder]"와 같이 무대 밖에서 생성될 소리를 나타낼 수 있다.
참고 항목
 | 위키미디어 커먼즈에는 시어터와 관련된 미디어가 있다. |
목록
참조
- ^ "재생": Dictionary.com 웹 사이트.2008년 1월 3일에 회수됨.
- ^ a b "THE ANCIENT GREEK DRAMA & THEATRE HISTORY PAGE". anarchon.tripod.com. Retrieved 2008-06-16.
- ^ "Origin of Comedy". www.theatrehistory.com. Retrieved 2008-06-16.
- ^ Vernon, P.F. (1962). "Marriage of Convenience and the Moral Code of Restoration Comedy". Essays in Criticism (4): 370–387. doi:10.1093/eic/XII.4.370.
- ^ The Ornament of Action. Cambridge University Press. 1979. ISBN 9780521220484.
- ^ Styan, J.L. (1986). Restoration Comedy in Performance. Cambridge University Press.
- ^ Saul, Nigel (2006). The Three Richards: Richard I ... - Google Book Search. ISBN 978-1-85285-521-5. Retrieved 2008-06-17.
- ^ Finter, Helga; Griffin, Matthew (1997). Antonin Artaud and the Impossible Theatre: The Legacy of the Theatre of Cruelty. MIT Press. pp. 15–40.
- ^ Esslin, Martin (2001). Theatre of the Absurd. ISBN 1-4000-7523-8.
외부 링크
Wikiversity에서 Collaborative_play_writing과 관련된 학습 자료
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