더블 베이스

Double bass
더블 베이스
AGK bass1 full.jpg
프랑스식 활이 달린 모던 더블베이스의 측면과 정면도
현악기
기타 이름베이스, 직립 베이스, 스트링 베이스, 어쿠스틱 베이스, 어쿠스틱 베이스, 콘트라베이스, 콘트라베이스, 콘트라베이스 비올, 베이스 바이올린, 스탠드업 베이스, 불피들, 도그하우스 베이스, 베이스 바이올린, 베이스 피들, 베이스 피들
분류 현악기(보우 또는 당김)
혼보스텔-삭스 분류321.322-71
(복음기가 활로 울림)
발달된15~19세기
플레이 레인지
Range contrabass.png
관련 계기
뮤지션
사운드 샘플
보행용 베이스라인을 재생하는 더블 베이스의 샘플.

단순히 베이스(또는 다른 이름으로도 알려진 더블 베이스)는 현대 교향악단에서 가장 크고 가장 낮은 음의 현악기[1](또는 뽑은)이다(옥토바스 같은 비정기적인 추가는 제외).[2]첼로와 비슷한 구조로, 때때로 5개의 현이 있지만, 4개의 현이 있다.

베이스는 바이올린, 비올라, 첼로 등과 함께 오케스트라 현악부의 표준 멤버로, 연주 악단은 물론 서양의 클래식 음악에서 협주곡, 솔로, 실내악으로 연주된다.[4]베이스는 재즈, 1950년대 스타일의 블루스로큰롤, 로커빌리, 사이코빌리, 전통 컨트리 음악, 블루그래스, 탱고, 포크 음악 등 다양한 장르에서 사용된다.

베이스는 전치 기구로, 일반적으로 스태프 아래의 과도한 원장 라인을 피하기 위해 튜닝된 것보다 한 옥타브 높게 표기된다.더블베이스는 5단이 아닌 4단[5](베이스기타비올처럼)으로 튜닝된 유일한 현대식 활주현악기로, 보통1 E, A1, D2, G2 튜닝된 현악기가 있다.

이 악기의 정확한 혈통은 아직도 어느 정도 논쟁의 여지가 있으며, 학자들은 이 베이스가 비올린 계열에서 유래된 것인지 아니면 바이올린 계열에서 유래된 것인지에 대해 의견이 분분하다.

더블 베이스는 활(아코)이나 현(피지카토)을 잡아당겨 연주하거나 다양한 확장 기법을 통해 연주한다.관현악 레퍼토리와 탱고 음악에서는 아르코와 피치카토 둘 다 고용되어 있다.재즈, 블루스, 로커빌리에서는 피치카토가 일반적이다.클래식 음악과 재즈는 전통적인 블루그래스처럼 악기에 의해 음향적으로 생성되는 자연적인 소리를 사용한다.펑크, 블루스, 레게, 관련 장르에서는 더블 베이스가 증폭되는 경우가 많다.

설명

오슬로 재즈 페스티벌에서 공연하는 엘렌 안드레아

더블 베이스는 스크롤에서 엔드핀까지 180cm(6피트) 정도 된다.[6]그러나 다음과 같은 다른 사이즈는 사용할 수 있다.선수의 키와 손 크기를 수용하는 역할을 하는 ½ 또는 34.이러한 크기는 전체 크기 또는 4/4 베이스에 상대적인 크기를 반영하지 않는다. 1/2 베이스는 4/4 베이스 길이의 절반은 아니지만 약 15% 더 작을 뿐이다.[7]그것은 일반적으로 등에는 단풍나무, 팽이나무, 손가락판에는 흑단을 포함한 여러 종류의 나무로 만들어진다.이 악기가 비올라 감바의 후손인지, 바이올린의 후손인지는 확실치 않지만, 전통적으로 바이올린 계열과 정렬되어 있다.이중 베이스는 다른 바이올린 계열 악기와 구조가 거의 동일하지만, 오래된 바이올린 계열에서 발견되는 특징도 구현한다.

열린 현악기의 음은1 E1, A2, D2, G로 어쿠스틱 기타나 일렉트릭 베이스 기타와 같다.그러나 바이올린과 같은 구조와 긴 스케일의 길이와 결합한 목재의 공명은 활 사용능력에 더해 더블 베이스가 베이스 기타보다 훨씬 풍부한 음색을 선사하는 반면, 애태우지 않는 핑거보드는 부드러운 글리산도레가토를 수용한다.

플레이 스타일

다른 바이올린이나 비올리 계열 현악기와 마찬가지로 이중 베이스도 활(아코)으로 연주하거나 현악(피지카토)을 잡아 당기는 방식으로 연주된다.활을 사용할 때, 플레이어는 활을 전통적으로 사용하거나 활의 나무를 현에 부딪힐 수 있다.관현악 레퍼토리와 탱고 음악에서는 아르코와 피치카토 둘 다 고용되어 있다.재즈, 블루스, 로커빌리에서는 고개를 숙여야 하는 현대 재즈에서 일부 솔로와 가끔 쓰여진 부분을 제외하고는 피치카토가 일반적이다.

고전적인 교육학에서 거의 모든 초점은 활로 연주하는 것과 좋은 활로 소리를 내는 것에 있다; 중요한 피지카토 기술을 개발하기 위한 작업은 거의 없다.[citation needed]악기의 가장 낮은 악보에 있는 절은 포티시모 다이나믹으로 연주할 때 어둡고 무겁고 강렬하거나 심지어 위협적인 효과를 내지만, 섬세한 피아니시모와 함께 연주되는 것과 같은 낮은 음은 소닉하고 감미로운 반주 라인을 만들어 낼 수 있다.클래식 베이스 학생들은 데타체, 레가토, 스타카토, 스포르자토, 마르텔레, 술폰티첼로, 술티첼로, 트레몰로, 스피카토, 사우틸레와 같은 다른 현악 부문 연주자들(예: 바이올린과 첼로)이 사용하는 활의 발음을 모두 배운다.예를 들어, 설 폰티셀로와 트레몰로의 조합은 섬뜩하고 유령 같은 소리를 낼 수 있다.클래식 베이스 연주자들은 오케스트라에서 피치카토 파트를 연주하지만, 이러한 파트는 빠른 구절보다는 일반적으로 간단한 노트(쿼터 노트, 하프 노트, 전체 노트)를 필요로 한다.

더블 베이스는 블루그래스 그룹의 표준 악기다.

클래식 연주자들은 비브라토를 사용하여 활과 피자를 연주하는데, 비브라토는 현악기에 닿는 왼손 손가락을 흔들거나 떨면서 생긴 효과로, 그 다음에 음조로 굴절된 음을 전달한다.비브라토는 스트링 플레이에 표현을 추가하는 데 사용된다.일반적으로 매우 시끄럽고 낮은 구절은 비브라토가 거의 또는 전혀 없는 상태로 연주되는데, 낮은 구절의 주 목표는 현악 부분의 명확한 기본 베이스를 제공하는 것이기 때문이다.중간 및 상위 등록 멜로디는 일반적으로 더 많은 비브라토로 연주된다.비브라토의 속도와 강도는 연주자에 의해 감성적이고 음악적인 효과를 얻기 위해 다양하다.

재즈, 로커빌리, 기타 관련 장르에서, 대부분의 혹은 모든 초점이 피치카토 연주에 맞춰져 있다.재즈와 점프 블루스에서는 베이시스트들이 빠른 피지카토 워킹 베이스라인을 장시간 연주해야 한다.재즈와 로커빌리 베이시스트들은 빠르게 움직이는 트리플트와 16번째 음표를 통합한 빠른 솔로를 연주할 수 있는 거장 피치카토 기술을 개발한다.대표적인 재즈 전문가들이 연주하는 피지카토 베이스라인은 표준 관현악 문헌에서 클래식 베이스 연주자들이 접하는 피지카토 베이스라인보다 훨씬 어려운 것이 보통 통음, 반음, 사분음, 이따금 8음절 구절이다.재즈나 관련 스타일에서 베이시스트들은 종종 반 퍼커션적인 "고스트 노트"를 베이스라인에 추가해서 리듬감을 더하고 베이스라인에 충만감을 더한다.

더블 베이스 연주자는 서 있거나 높은 걸상에 앉아 악기를 몸에 기대어 약간 안쪽으로 돌려 현을 편안하게 손이 닿는 곳에 놓는다.이러한 자세는 바이올린 계열의 다른 멤버들과 구별되는 베이스의 경사형 어깨의 주요 원인이다. 즉, 폭이 좁을수록 더 높은 레지스터의 현악 연주가 용이하다.[6]

역사

몇몇 초기 베이스들은 현존하는 비올론의 변형이었다.이 1640년 그림은 비올론이 연주되고 있는 것을 보여준다.

더블 베이스는 일반적으로 15세기 유럽에서 유래한 현악기 계열의 현대적인 후예로 여겨지고 있으며, 이와 같이 베이스 바이올린으로 묘사되어 왔다.[8]20세기 이전에는 비올 계열의 악기나 바이올린 계열의 4개의 악기의 전형적인 5~6개의 현과 대조적으로 많은 더블 베이스는 3개의 현만 가지고 있었다.더블 베이스의 비율은 바이올린과 첼로의 비율과 다르다. 예를 들어, 더 깊다(앞에서 뒤까지의 거리는 바이올린보다 비례적으로 훨씬 크다).게다가 바이올린의 어깨가 불룩하지만, 대부분의 더블 베이스는 비올리과의 멤버들처럼 더욱 급경사가 새겨진 어깨를 가지고 있다.많은 아주 오래된 더블 베이스들은 현대적인 테크닉으로 연주하는 것을 돕기 위해 그들의 어깨를 자르거나 기울였다.[9]이러한 개조 이전에 그들의 어깨 디자인은 바이올린 계열의 악기에 더 가까웠다.

더블 베이스는 현대적인 활로 된 유일한 현악기로 5단이 아닌 4단(비올처럼)으로 튜닝되어 있다(아래 튜닝 참조).악기의 정확한 혈통은 아직 어느 정도 논쟁의 여지가 있으며, 더블 베이스가 비올 계열의 직계 후손이라는 가정은 완전히 해결된 것이 아니다.

폴 브런은 의 '더블베이스새로운 역사'에서 더블베이스가 바이올린 계열의 진정한 베이스로 기원을 두고 있다고 주장한다.그는 더블 베이스의 외관은 비올라 다 감바와 비슷할 수 있지만, 더블 베이스의 내부 구조는 바이올린 계열의 악기와 거의 동일하며, 비올의 내부 구조와는 매우 다르다고 말한다.[10]

더블베이스 교수 래리 허스트는 "현대 더블베이스는 바이올린이나 비올리 계열의 진정한 멤버가 아니다"라고 주장한다.그는 "비올라과의 첫 번째 일반적인 형태는 비올라과의 가장 큰 형태일 것"이라고 말했다.초창기 베이스 익스텐트의 일부는 비올론(C자 모양의 사운드 홀 포함)으로, 현대적인 트라핑이 적용되었다."[11]가스파로 살레에 의한 것과 같은 현존하는 몇몇 악기들은 16세기 6줄 콘트라베이스 비올로니에서 개종되었다.[4]

용어.

재즈 베이스 연주자 론 카터는 쾰른의 "알테스 판다우스"에서 4중주단과 함께 연주하는 모습을 그렸다.

이 악기를 연주하는 사람을 '바시스트', '더블베이스 연주자', '더블베이스 연주자', '컨트라베이스 연주자', '컨트라베이스 연주자' 또는 '바스 연주자'라고 부른다.콘트라베이스더블베이스라는 명칭은 악기의 범위를 가리키며 첼로보다 한 옥타브 낮음(즉 첼로를 더블링)을 사용한다.[12][13]클래식 연주자들 사이에서 이 악기의 용어는 콘트라베이스(악기의 이탈리아식 이름, 콘트라바소), 현악 베이스(Tubas와 같은 콘서트 밴드의 브라스 베이스 악기와 구별하기 위해) 또는 단순한 베이스다.

재즈, 블루스, 로카빌리 등 클래식 음악 이외의 장르에서 이 악기는 보통 (대개 전기) 베이스 기타와 구별하기 위해 직립 베이스, 스탠드업 베이스 또는 어쿠스틱 베이스로 불린다.민속음악블루그래스 음악에서 이 악기는 "바스 바이올린" 또는 "바스 바이올린"(또는 더 드물게 "바스 바이올린" 또는 "바스 바이올린"[14]이라고도 한다.)이라고도 한다.악기의 바이올린 계열의 일원으로서, 직립 베이스의 구성은 어쿠스틱 베이스 기타와는 상당히 다른데, 후자는 전기 베이스 기타의 파생품이며, 보통은 더 크고 튼튼한 어쿠스틱 기타의 변종처럼 만들어지기 때문이다.

더블 베이스는 때때로 혼란스럽게 비올론, 베이스 바이올린 또는 베이스 비올이라고 불린다.다른 색깔의 이름이나 별명은 다른 언어에서 발견된다.헝가리어로 더블 베이스는 nagybőgő이라고 하는데, 그 큰 목소리를 가리켜 대략 "큰 crier"로 번역된다.

디자인

부세토 모양의 더블 베이스의 예: 루마노 솔라노의 마티아스 클로츠(1700)를 리메이크한 것
더블 베이스의 주요 부분

일반적으로 더블 베이스의 디자인 아웃라인 형태에 대한 주요한 접근방식은 바이올린 형태(건설 부분의 라벨 그림에 표시)와 비올라 감바 형태(이 글의 머리글 사진에 표시) 두 가지가 있다.부세토 모양이라고 불리는 세 번째 덜 흔한 디자인도 찾을 수 있는데, 훨씬 더 희귀한 기타 모양이나 배 모양도 그렇다.악기의 뒷면은 바이올린과 비슷하게 깎은 둥근 모습부터 비올라와 비슷한 납작하고 각진 등까지 다양하다.

더블베이스는 현을 받쳐주는 나무로 조각된 다리, 두 개의 f홀, 현의 끝부분이 삽입된 꼬리 부분(끝핀 마운트에 고정된 꼬리 부분), 페그박스 부근의 장식용 두루마리, 각 현에 홈이 있는 너트 등 바이올린 계열과 유사한 부분이 많다.핑거보드와 페그박스의 접합 부분, 그리고 악기 윗부분의 진동을 텅 빈 몸체까지 전달하고 끈 장력의 압력을 지지하는 견고하고 두꺼운 사운드 포스트.나머지 바이올린 계열과는 달리, 더블 베이스는 여전히 비올리 악기 계열, 특히 비올리 계열의 가장 낮은 음률과 가장 큰 베이스 멤버인 비올리 계열의 영향을 반영하고 있으며, 부분적으로는 파생되었다고 볼 수 있다.예를 들어 바이올린 그룹의 표준인 5단보다 비올리처럼 4단위로 베이스가 튜닝된다.또한 '어깨'들이 비올린들 사이에서 보이는 날카로운 각도가 아니라 커브에서 목과 만난다는 것을 주목하라.활로 연주하는 다른 바이올린과 비올리 계열 악기와 마찬가지로(그리고 기타처럼 주로 뽑거나 고른 악기와는 달리, 더블 베이스의 다리는 호 모양의 곡선을 가지고 있다.이는 활로 된 악기로 플레이어가 개별적인 현악기를 연주할 수 있어야 하기 때문이다.더블베이스가 평평한 다리를 가지려면 A와 D 현을 개별적으로 절하는 것이 불가능할 것이다.

또한 더블 베이스는 어깨가 전형적으로 경사져 있고 등이 각진 경우가 많다는 점에서 바이올린 계열의 멤버들과도 다르다(둘 다 특히 상위 레인지에서 악기에 쉽게 접근할 수 있도록 하기 위해).전통적인 나무 마찰 페그들이 여전히 튜닝의 주요 수단인 바이올린 계열의 다른 것과 대조적으로 기계 튜너가 항상 장착되어 있다.설계 표준화의 부족은 하나의 더블 베이스가 다른 베이스와 매우 다르게 소리내고 보일 수 있다는 것을 의미한다.

건설

이중 베이스는 비올린에 가장 가깝지만 비올린 계열의 가장 크고 가장 낮은 음의 멤버인 비올론("큰 비올")과 몇 가지 주목할 만한 유사점을 가지고 있다.그러나 비올론과 달리 더블 베이스의 핑거보드는 미완성이며, 더블 베이스는 현이 적다(비올론은 대부분의 비올과 마찬가지로 일반적으로 5~4개의 현이 있지만, 일부 표본은 일반적으로 6개의 현이 있었다.핑거보드는 고급 악기에 흑단으로 만들어지고, 값이 싼 학생 악기에는 다른 나무를 써서 칠하거나 검은색으로 칠하기도 한다('ebonizing'이라 불리는 과정).핑거보드는 곡선을 이용하여 방사하는데, 이는 다리가 휘는 것과 같은 이유로 핑거보드와 다리가 평평하게 되어 있다면 베이시스트가 내측 두 줄을 개별적으로 절할 수 없을 것이다.굽은 다리와 구부러진 핑거보드를 이용하여 베이시스트는 네 줄 중 어느 하나에나 활을 맞추어 개별적으로 연주할 수 있다.바이올린이나 비올라와는 달리 첼로와 마찬가지로 베이스 핑거보드는 E 스트링(첼로 위의 C 스트링) 밑에 다소 평평하게 펴져 있는데, 이것은 흔히 롬버그 베벨이라고 알려져 있다.대부분의 핑거보드는 연주자가 조정할 수 없다. 모든 조정은 루티어가 해야 한다.전문가들을 위한 매우 적은 수의 값비싼 베이스는 조절 가능한 핑거보드를 가지고 있는데, 이 핑거보드 높이를 올리거나 내리는 데 나사 메커니즘을 사용할 수 있다.

더블 베이스와 바이올린 계열의 다른 멤버들 사이의 중요한 구별은 페그박스의 구성과 튜닝 메커니즘이다.바이올린, 비올라, 첼로가 모두 튜닝 조정(현악의 피치를 올리거나 내리기 위해 현악 장력을 조이고 이완시키는 것)을 위해 마찰 페그를 사용하는 반면, 더블 베이스는 금속 기계 헤드와 기어가 있다.튜닝 페그와 관련된 어려움 중 하나는 나무 페그와 페그 구멍 사이의 마찰이 페그 구멍을 제자리에 고정하기에 불충분할 수 있다는 것이다. 특히 페그 구멍이 마모되고 커지면 더욱 그러하다.더블 베이스의 튜닝 머신의 열쇠는 금속 을 돌리게 되는데, 이것은 스트링을 감는 웜 기어를 구동한다.키를 한 방향으로 돌리면 스트링이 팽팽해지고(투구를 올리는 경우), 키를 반대 방향으로 돌리면 스트링의 장력이 감소한다(투구를 낮추는 경우).이러한 발전은 테일피스의 미세한 튜너를 불필요하게 만들지만(바이올린, 비올라, 첼로 연주자에게는 중요한데, 그들의 악기가 주요 피치 조절을 위해 마찰 페그를 사용하기 때문이다) 그럼에도 불구하고 극히 소수의 베이스 연주자들이 그것을 사용한다.베이스에 미세 튜너를 사용하는 한 가지 이유는 C 확장자가 낮은 계측기의 경우, 긴 문자열의 도르래 시스템이 키의 회전을 문자열 장력/피치의 변화로 효과적으로 전달하지 못할 수 있다는 것이다.더블 베이스의 밑면에는 엔드핀이라고 하는 스파이크나 고무로 된 끝이 달린 금속 막대가 있는데, 이 막대는 바닥에 놓여 있다.엔드핀은 일반적으로 첼로의 그것보다 더 두껍고 튼튼하다. 왜냐하면 악기의 더 큰 질량 때문이다.

완전히 조각된 베이스(전문 오케스트라 베이스 연주자와 솔로 연주자가 사용하는 유형)의 더블 베이스 구조에 가장 많이 쓰이는 재료는 단풍(뒷면, 목, 갈비), 스러브(위), 흑단(손가락판, 꼬리편)이다.테일피스는 다른 유형의 목재 또는 비 목재 재료로 제작될 수 있다.저가의 베이스는 일반적으로 라미네이트(합판) 상판, 등받이, 갈비뼈 등으로 제작되거나 라미네이트 된 등과 옆면, 단단한 나무 상판을 조각한 하이브리드 모델이다.일부 2010년대의 중저가 베이스는 버드나무로 만들어지고, 20세기 중반에는 섬유유리로 제작된 학생 모델이 제작되었으며, 일부(일반적으로 상당히 비싼) 베이스는 탄소 섬유로 제작되었다.

이 사진은 더블베이스(녹색 동그라미)의 두꺼운 사운드 포스트를 보여준다.

음악학교, 청소년 오케스트라, 대중음악과 민속음악 설정(로커빌리, 사이코빌리, 블루스 등 포함)에서 널리 사용되는 라미네이트(합판) 베이스는 습도와 열에 대한 저항력이 매우 강하며, 학교 환경(또는 블루스, 포크 뮤지션의 경우)에서 접하기 쉬운 신체적 학대에도 매우 강하다.바(bar)에서 공연하는 것.또 다른 옵션은 등받이에 라미네이트 처리된 등받이와 조각이나 단단한 나무 상판을 가진 하이브리드 보디 베이스다.완전히 조각된 베이스보다 비용이 적게 들고 (적어도 등에 대해서는) 다소 연약하지 않다.

사운드 포스트와 베이스 바는 내부 구조의 구성 요소다.이중 베이스의 모든 부분은 현악 장력에 의해 제자리에 고정되어 있는 사운드포스트, 브릿지, 테일피스를 제외한 모든 부분이 접착되어 있다(일반적으로 악기의 현을 풀거나 제거할 때, 베이스가 등에 고정되어 있는 한 사운드 포스트는 제자리에 유지된다).일부 루티어들은 사운드 포스트가 떨어질 위험을 줄이기 위해 한 번에 하나의 문자열만 변경할 것을 권장한다.사운드 포스트가 떨어지면, 사운드 포스트를 다시 제자리에 놓기 위해 루티어가 필요하며, 이는 f-홀에 삽입된 공구로 해야 하기 때문이다. 더욱이, 사운드 포스트를 브리지 아래에 정확히 배치하는 것은 계측기가 최고의 소리를 내기 위해 필수적이다.나무 한 조각으로 기본 교량을 조각하여 각 악기 상단의 모양에 맞게 맞춤 제작하였다.학생용 악기에 가장 저렴한 다리는 악기의 상단의 모양에 맞게 발을 샌딩하는 것만으로 맞춤 제작할 수 있다.전문 베이스 연주자의 악기에 있는 다리는 루티어가 경구적으로 새길 수 있다.

전문 베이스 연주자들은 금속 나사 메커니즘을 가진 조절 가능한 다리를 가질 가능성이 더 높다.이를 통해 베이스 연주자는 변화하는 습도나 온도 조건을 수용하기 위해 문자열의 높이를 올리거나 낮출 수 있다.금속 튜닝 기계는 금속 나사로 페그박스 측면에 부착되어 있다.튜닝 메커니즘은 일반적으로 고음의 관현악기와는 다르지만, 일부 베이스는 첼로나 바이올린의 튜닝 페그를 모방하여 페그박스 측면으로부터 돌출된 비기능적이고 장식적인 튜닝 페그를 가지고 있다.[citation needed]

유명한 더블 베이스 제작자들은 전세계에서 왔고 종종 다양한 국가적 특성을 나타낸다.가장 많이 찾는 악기는 이탈리아산이며, 조반니 파올로 마기니, 가스파로 살레, 테스토레 가문(카를로 안토니오, 카를로 주세페, 겐나로, 조반니, 파울로 안토니오), 셀레스티노 푸올로티, 마테오 고프릴러가 만든 베이스를 포함한다.유명 메이커의 프랑스어 베이스와 영국식 베이스도 선수들이 찾는다.[citation needed]

여행용 기구

2010년 현재 여러 제조사가 여행용 악기를 제작하고 있는데, 이중 베이스는 항공사의 여행 요건을 충족시키기 위해 악기의 크기를 줄이는 특징을 가지고 있다.여행용 베이스는 음악가들을 순회하기 위해 고안되었다.한 종류의 여행용 베이스는 보통 때보다 훨씬 작은 몸집을 가지고 있지만, 여전히 연주에 필요한 모든 기능을 유지하고 있다.이러한 작은 몸집의 악기들이 전기 직립 베이스와 비슷하게 보이지만, 차이점은 작은 몸집의 여행 베이스들은 여전히 상당히 큰 빈 어쿠스틱 사운드실을 가지고 있는 반면, 많은 EUB들은 단단한 몸체이거나 작은 빈 방만 가지고 있다는 것이다.두 번째 타입의 트래블 베이스는 경첩이나 탈부착 가능한 목과 규칙적인 크기의 몸을 가지고 있다.경첩이나 탈착식 목은 기구를 운반하기 위해 포장할 때 기구를 작게 만든다.

줄들

교량 및 현악의 상세 정보
굿 현

더블 베이스의 역사는 오버워드 굿 스트링의 출현으로[12], 오버워드 굿 스트링이 비 와운드 스트링보다 작은 전체 스트링 직경 내에서 낮은 음을 얻음에 따라, 처음에 보다 일반적으로 실용적으로 기구를 렌더링한 오버워드 굿 스트링의 출현이었기 때문에 스트링 기술의 발달과 밀접하게 결합되어 있다.[15]래리 허스트 교수는 "1650년대에 오버워드 굿 스트링의 외관이 없었더라면 더블 베이스는 확실히 멸종했을 것"[11]이라고 주장한다. 왜냐하면 일반 굿 스트링에 필요한 두께는 저음 스트링을 거의 재생할 수 없게 만들었고, 저음 스트링의 발달을 방해했기 때문이다.

20세기 이전에, 더블 베이스 현은 보통 캣굿으로 만들어졌지만, 강철 현은 그들의 음정을 더 잘 유지하고 활로 연주할 때 더 많은 양을 생산하기 때문에, 강철은 그것을 대체했다.[16][17][18]내트 스트링도 습도와 온도 변화에 더 취약하고, 강철 스트링보다 더 쉽게 부러진다.

굿 현은 오늘날 바로크 앙상블, 로커빌리 밴드, 전통 블루스 밴드, 블루그래스 밴드에서 공연하는 베이스 연주자들이 주로 사용한다.낮은 E와 A는 은으로 감겨 질량을 더하는 경우도 있다.굿 스트링은 1940년대와 1950년대 녹음에서 들리는 어둡고 "쿵쿵"한 소리를 제공한다.블루스 직립 베이스 연주자인 고 제프 살리는 "1950년대부터 강철 현을 위한 베이스의 목을 리셋하기 시작했다"고 말했다.[19]록커빌리와 블루그래스 베이스 연주자들 역시 내장을 선호하는데, 내장은 뽑은 손가락을 크게 다치지 않기 때문이다.내트 스트링에 대한 대안이 덜 비싼 것은 나일론 현이다; 높은 문자열은 순수한 나일론이고, 낮은 문자열은 철사로 싸여 있어 현에 질량을 더하여 진동을 늦추고, 따라서 낮은 투구를 용이하게 한다.

내장에서 강철로 바뀐 것도 지난 100년 동안 악기의 연주 기법에 영향을 미쳤다.스틸 스트링은 핑거보드에 가깝게 설정할 수 있으며, 추가로 스트링을 하단 스트링의 높은 위치에서 재생할 수 있으며, 여전히 선명한 음색을 낼 수 있다.고전적인 19세기 프란츠 시만들 방법은 높은 위치에서 낮은 E 문자열을 사용하지 않는다. 왜냐하면 손가락판 위에 높게 설치된 오래된 장 문자열이 이러한 높은 위치에서 분명한 음색을 낼 수 없었기 때문이다.그러나 현대적인 강철 스트링으로 베이스 연주자들은 특히 현대적인 라이터 게이지, 저연장 강철 스트링을 사용할 때 낮은 E와 A 스트링의 높은 위치에서 분명한 톤으로 연주할 수 있다.

더블 베이스 은 두 가지 뚜렷한 형태(아래에 표시)로 나타난다.'프랑스어' 또는 '오버핸드' 활은 관현악기 계열의 다른 멤버들에게 사용되는 활과 모양과 구현이 유사하며, '독일어'나 '버틀러' 활은 전형적으로 더 넓고 짧으며, '핸드 쉐이크'(또는 '해크사우') 자세로 치러진다.

프랑스 활과 독일 활 비교

이 두 활은 팔을 움직이고 현에 힘과 무게를 분배하는 다른 방법을 제공한다.프랑스 활을 지지하는 사람들은 선수가 활을 잡는 각도 때문에 활을 더 조작할 수 있다고 주장한다.독일 활을 옹호하는 사람들은 그것이 그 선수가 현에 더 많은 팔 무게를 가할 수 있게 한다고 주장한다.그러나 둘의 차이는 능숙한 연주자에게 분량이며, 주요 오케스트라의 현대 연주자들은 두 활을 모두 사용한다.

독일 활

독일식 활

독일식 활(버틀러 활이라고도 함)은 두 가지 디자인 중 더 오래된 것이다.활의 디자인과 잡는 방식은 오래된 비올리 악기 계열에서 내려온다.나이 든 비올과 함께 개구리가 활을 조이는 나사산이 생기기 전, 선수들은 머리카락의 긴장을 유지하기 위해 막대기와 머리카락 사이에 손가락 두 개로 활을 잡았다.[20]독일 활 사용 찬성론자들은 독일 활이 많은 힘을 필요로 하는 무거운 스트로크에 사용하기 쉽다고 주장한다.

프랑스 활에 비해 독일 활은 키가 더 큰 개구리를 가지고 있으며, 플레이어는 비올가의 꼿꼿한 멤버들과 마찬가지로 손바닥을 위로 꺾은 채 들고 있다.전통적으로 올바른 방식으로 잡았을 때, 엄지손가락은 원하는 소리를 내기 위해 필요한 힘을 가한다.검지는 개구리가 막대기와 만나는 지점에서 활과 만난다.집게손가락은 활을 기울일 때 개구리에 상향 토크를 가하기도 한다.새끼손가락(또는 "핑키")은 개구리를 밑에서 받치고, 약지와 중지는 머리카락과 축대 사이의 공간에 안착한다.

프렌치 활

프랑스식 활

프랑스 활은 19세기 거장 지오반니 보테시니가 채택되기 전까지 널리 인기를 끌지 못했다.이 스타일은 더 작은 현악기들의 전통적인 활과 더 비슷하다.손바닥이 베이스 쪽을 향하게 하여 연주자의 옆에 손을 얹고 있는 것처럼 잡는다.엄지손가락은 활의 축, 개구리 옆에 놓이고 다른 손가락은 활의 반대쪽에 걸친다.다양한 스타일은 조각의 스타일과 마찬가지로 손가락과 엄지손가락의 곡선을 좌우한다; 활을 보다 뚜렷하게 잡고 가볍게 잡는 것은 거장이나 더 섬세한 조각에 사용하는 반면, 평탄한 곡선과 더 튼튼한 활의 그립은 탈부착, 스피카토, 스타카토와 같은 스트로크에서 더 쉬운 제어를 위해 약간의 힘을 희생한다.

프랑스 활을 들고 있는 베이스 연주자; 엄지손가락이 개구리 옆에 있는 활의 축에 어떻게 놓여 있는지 주목하라.

활 시공 및 재료

더블 베이스 활의 길이는 60cm에서 75cm(24~30인치)까지 다양하다.일반적으로 베이스 활은 첼로 활보다 짧고 무겁다.브라질우드라고도 불리는 페르남부코는 우수한 품질의 스틱 소재로 평가받고 있지만, 그 희소성과 비용 때문에 다른 재료들이 점점 더 많이 사용되고 있다.값싼 학생 활은 단단한 섬유 유리로 구성될 수 있는데, 이것은 활을 나무 활보다 훨씬 가볍게 만든다(어떤 경우에는 좋은 음색을 내기에는 너무 가볍다).학생 활은 또한 브라질 목재의 덜 가치 있는 품종으로 만들어질 수도 있다.스네이크우드탄소섬유는 다양한 품질의 활에도 사용된다.이중 베이스 활의 개구리는 보통 흑조로 만들어지지만, 뱀목재와 버팔로 뿔은 일부 루티어에 의해 사용된다.개구리는 손잡이로 조이거나 풀 수 있기 때문에 움직일 수 있다(모든 바이올린 가족의 활처럼).연습회나 공연이 끝나면 활이 느슨해진다.활은 선수가 선호하는 팽팽함에 도달할 때까지 경기 전에 조인다.훌륭한 활을 쓴 개구리는 진주 상감 어머니로 장식되어 있다.

활은 개구리 근처의 활의 나무 부분에 가죽으로 싸여 있다.가죽포장과 함께 질 좋은 활에 금이[citation needed] 으로 만든 철사포장도 있다.머리카락은 보통 말발톱이다.활의 정기적인 유지관리의 일부는 신선한 말발톱을 가진 루티어에 의해 활을 "모주"로 하고 가죽과 철사 포장을 교체하는 것이다.더블 베이스 활은 다른 현악기의 활에 사용되는 관습적인 흰 말발굽과는 반대로 흰 말발굽이나 검은 말발굽, 또는 두 말발굽("소금과 후추"로 알려져 있다)의 조합으로 매어진다.일부 베이시스트들은 약간 거칠어진 검은 머리카락이 무겁고 낮은 현을 "그래브"하는 것이 더 낫다고 주장한다.[citation needed]또한, 일부 베이시스트들과 루티어들은 화이트 버라이어티로 더 부드러운 소리를 내는 것이 더 쉽다고 믿는다.[citation needed]붉은 머리(체스넛)도 일부 베이시스트에 의해 사용된다.[citation needed]가장 질이 낮고 비용이 적게 드는 학생 활 중 일부는 합성 털로 만들어진다.합성 털은 진짜 말갈이가 가지고 있는 아주 작은 '막대'를 가지고 있지 않기 때문에 끈을 잘 묶거나 로진을 잘 가져가지 않는다.

로신

다양한 로진 종류

현악기들은 활모양에 로신을 바르기 때문에 현악기가 현을 "그립스"하고 진동하게 한다.더블베이스 로신은 일반적으로 바이올린 로신보다 부드럽고 끈끈하게 붙어서 머리카락이 굵어진 현을 더 잘 잡을 수 있지만, 플레이어는 날씨, 습도, 선수 선호도에 따라 상당히 단단한 것(바이올린 로신처럼)부터 상당히 부드러운 것까지 다양한 종류의 로진을 사용한다.일반적으로 사용되는 양은 연주자의 개인적 취향뿐만 아니라 연주되는 음악의 종류에 따라 달라진다.베이시스트들은 섬세한 실내 작품보다 대형 오케스트라(예: 브람스 교향곡)의 작품에 더 많은 로진을 적용할 수 있다.[citation needed]위도프트나 팝의 더블베이스 로진과 같은 몇몇 브랜드의 로진은 더 부드럽고 더운 날씨에 녹기 쉽다.칼슨이나 나이만하츠 더블베이스 로진과 같은 다른 브랜드는 더 단단하고 녹기 쉽다.[citation needed]

음향생산 메커니즘

직경이 비교적 작기 때문에 끈 자체는 공기를 많이 움직이지 않기 때문에 스스로 많은 소리를 낼 수 없다.현악기의 진동 에너지는 어떻게든 주변 공기로 전달되어야 한다.이를 위해 현이 다리를 진동시키고 이것이 차례로 상단 표면을 진동시킨다.브리지의 진폭은 매우 작지만 상대적으로 큰 힘 변화(진동 문자열의 주기적 변화 장력으로 인해)는 베이스의 브리지와 본체의 조합에 의해 더 큰 진폭으로 변환된다.브릿지는 높은 힘, 작은 진폭 진동을 베이스 본체 상단의 높은 진폭 진동을 낮은 힘으로 변형시킨다.윗부분은 소리 기둥을 이용해 뒤쪽으로 연결돼 있어 뒷부분도 진동한다.앞뒤 모두 진동을 공기로 전달하고 진동하는 문자열의 임피던스와 공기의 음향 임피던스를 일치시키는 작용을 한다.

특정 사운드 및 톤 생성 메커니즘

어쿠스틱 베이스는 비프레트 악기이기 때문에 당김이나 굽힘으로 인한 스트링 진동은 손가락판과 손가락판 사이에 있는 스트링의 진동으로 인해 가청음이 발생할 수 있다.이 버스킹 소리는 그 음의 성격을 말해준다.

피치

베이스 (또는 F) clef는 대부분의 더블 베이스 음악에 사용된다.

더블 베이스의 최저 음은 약 41Hz의 E1(표준 4현 베이스 기준) 또는 C1( (33Hz) 또는 때로는 B( strings31Hz)로0 5개의 문자열을 사용한다.이것은 인간의 평균 귀가 구별되는 음으로 인식할 수 있는 최저 주파수보다 약 1 옥타브 이내에 있다.계측기의 핑거보드 범위의 상단은 이 글의 머리부분에서 볼 수 있는 범위 그림에서와 같이 일반적으로 D에5 가깝고, G 문자열(G2)의 개방 피치 위로 두 옥타브와 다섯 번째에 가깝다.손가락판 끝을 넘어 노는 것은 줄을 옆으로 살짝 당기면 된다.

더블 베이스 교향곡 부분은 때때로 연주자가 일반적인 방법으로 손가락 판에 누르지 않고 가볍게 현을 만지는 조화(플레고레톤이라고도 함)를 연주해야 한다는 것을 나타내기도 한다.현대 음악에서 활로 된 하모닉은 "유리" 사운드로 사용된다.엄지손가락이 음을 멈추고 상대 노드 포인트의 문자열을 가볍게 터치하여 옥타브 또는 기타 고조파가 활성화되는 자연 고조파인공 고조파 모두 계측기의 범위를 상당히 확장한다.자연과 인공의 하모닉은 더블 베이스의 많은 거장 협주곡에 사용된다.

표준 클래식 레퍼토리의 관현악 파트는 더블1 베이스가 E에서 G까지 2옥타브와 마이너3 3차 범위를 넘는 것을 거의 요구하지 않으며, 때때로 표준 레퍼토리에 A가 나타난다3(이 규칙의 예외는 3옥타브와 완벽한 4번째를 요구하는 오르프의 카르미나 부라나이다).이 범위의 상한은 20세기, 21세기 관현악 파트(예: 프로코피예프키제 스위트 중위(c.1933) 베이스 솔로로 D와4 E♭4만큼 높은 음을 요구한다.거장 솔로 연주자가 자연적, 인공적 하모닉을 이용해 달성할 수 있는 상위 범위는 특정 연주자의 기량에 따라 달라지기 때문에 정의하기 어렵다.이 글의 머리부분에서 볼 수 있는 범위 일러스트의 고조화는 규범적이라기보다는 대표적으로 받아들여질 수 있다.

5현악기에는 일반적으로 E현(B0) 아래의 낮은 B로 튜닝된 추가 현이 있다.드물게 G 문자열(C3) 위의 C에 맞춰 조정된 높은 문자열이 대신 추가되는 경우도 있다.4열 계측기는 E 문자열의 범위를 C1(때로는 B0)까지 아래로 확장하는 C 확장을 특징으로 할 수 있다.

전통적으로 더블 베이스는 전치 악기다.더블 베이스의 레인지의 상당 부분이 표준 베이스 클라이프 아래에 있기 때문에, 스태프 이하의 과도한 원장 라인을 사용할 필요가 없도록 하기 위해 소리보다 한 옥타브 높게 표기한다.따라서 많은 모차르트와 하이든 교향곡에서 사용되는 것처럼 더블 베이스 연주자와 첼리스트가 결합된 베이스 셀로 파트에서 연주할 때, 그들은 첼로 아래 한 옥타브 베이스로 연주할 것이다.이 전환은 베이스 연주자들이 테너트레블 클립(독주 및 일부 관현악 부분에 사용된다)을 읽을 때에도 적용된다.테너 클립은 첼로와 낮은 황동 부분에도 작곡가가 사용한다.테너 또는 트리블 클립을 사용하면 계측기의 상한 범위를 메모할 때 스태프 이상의 과도한 원장 라인을 피할 수 있다.다른 표기법 전통이 존재한다.이탈리아의 솔로 음악은 일반적으로 소리나는 음정에 쓰여져 있으며, "구" 독일식 방법은 음조에서 음악이 쓰여진 삼단음표를 제외한 표기법이 아래 옥타브를 울린 것이다.

튜닝

정규 튜닝

더블 베이스 연주자 비비안 개리는 1947년 뉴욕에서 공연을 했다.

더블 베이스는 일반적으로 관현악 현악 계열의 다른 멤버들과 대조적으로 4단으로 튜닝된다(예를 들어 바이올린의 네 현은 최저음부터 최고음까지: G–D–A–E이다).베이스에 대한 표준 튜닝(최저음에서 최고음까지)은 E가 두 번째 낮은 C(콘서트 피치) 이하에서 시작하는 E–A–D–G이다.이는 베이스 기타의 표준 튜닝과 동일하며, 표준 기타 튜닝의 4개 최저음 현보다 1 옥타브 낮다.19세기 이전에는, 많은 더블 베이스들이 3개의 현만 가지고 있었다; "Giovanni Bottesini (1821–1889)는 당시 이탈리아에서 인기 있었던 3현악기를 선호했다."[11] 왜냐하면 "3현악기가 더 음색 있는 것으로 여겨졌기 때문이다."[21]카탈루냐의 많은 코블라 밴드들은 여전히 전통적인 3현 더블 베이스로 튜닝된 A–D–G를 사용하는 선수들을 보유하고 있다.[22]

클래식 레퍼토리를 통틀어 표준 더블베이스의 범위에 못 미치는 음이 있다.낮은 E 아래의 음들은 바로크 음악의 나중에 배열과 해석에서 발견되는 더블 베이스 부분에 정기적으로 나타난다.클래식 시대에는 일반적으로 더블 베이스가 첼로 부분을 1 옥타브 아래 2배, 때로는 4현 더블 베이스의 E 아래로 C까지 하강해야 하는 경우가 있었다.낭만주의 시대와 20세기에는 바그너, 말러, 부소니, 프로코피예프 등의 작곡가들도 낮은 E 이하의 음을 요청하였다.

플레이어가 이러한 노트를 사용할 수 있도록 하는 몇 가지 방법이 있다.표준 더블 베이스(E–A–D–G)를 가진 플레이어는 "E" 아래의 음을 한 옥타브 더 높게 연주하거나 이것이 어색하게 들릴 경우 전체 구절을 한 옥타브 위로 바꿀 수 있다.플레이어는 낮은 E 스트링의 음을 D 또는 C에 필요한 가장 낮은 음으로 조절할 수 있다.4열 베이스에는 "저-C 확장"을 장착할 수 있다(아래 참조).또는 플레이어는 C에 맞춰 튜닝된 추가 하현 또는 (현대에 더 많이 사용됨) B, 3 옥타브, 중간 C 이하의 세미톤을 사용하여 5현 악기를 사용할 수 있다.유럽의 몇몇 주요 오케스트라는 5번째 현악기가 있는 베이스를 사용한다.[23]

C연장

C♯, D, E 또는 E에서 문자열을 정지시키는 목재 기계식 "손가락"이 있는 Low-C 익스텐션.낮은 E로만 내려가는 관현악 구절의 경우, 너트의 "손가락"은 대개 닫힌다.

대부분의 전문 관현악 연주자들은 C연장이 있는 4현 더블 베이스를 사용한다.이것은 베이스 머리에 장착된 핑거보드의 추가 부분이다.가장 낮은 문자열 아래에 핑거보드를 확장하고 추가로 4개의 하방범위를 부여한다.가장 낮은 현은 일반적으로 첼로의 가장 낮은 음보다 한 옥타브 낮은 C로1 조정된다(베이스 부분은 첼로 부분을 한 옥타브 더 낮게 두 배로 하는 것이 꽤 일반적이기 때문이다).관현악 레퍼토리의 몇몇 작품에서는 레스피기의 <로마의 소나무>와 같은 B가 필요하기 때문에 이 현을 낮은 B에0 맞추게 되는 경우는 더 드물다.드문 경우지만 B가 가장 낮은 음으로 나오는 B연장이 낮은 선수도 있다.확장에는 몇 가지 종류가 있다.

가장 간단한 기계적 연장에서는 손가락판 연장부에 부착된 기계적 보조장치는 E노트의 잠금 너트 또는 "게이트"를 제외하고 없다.확장 노트를 재생하려면 플레이어가 스크롤 아래의 영역 위로 손을 뻗어 문자열을 핑거보드로 누른다.이 '손가락' 연장의 장점은 연장에 정지된 모든 노트의 억양을 플레이어가 조정할 수 있고, 금속 키와 레버에서 발생하는 기계적 소음이 없다는 점이다.'손가락' 연장의 단점은 G와1 D를1 빠르게 교대하는 베이스라인 등 연장의 저음부와 일반 핑거보드의 음을 빠르게 교대하기 힘들 수 있다는 점이다.

가장 간단한 형태의 기계적 보조는 끈을 눌러 C wooden, D, E♭, E노트를 조바심 나게 하기 위해 닫을 수 있는 나무 "손가락"이나 "게이트"를 사용하는 것이 가장 간단하다.이 시스템은 기계식 손가락으로 노트를 제자리에 잠그면 가장 낮은 문자열이 열린 상태에서 다른 음을 울리기 때문에 낮은 D와 같은 반복 페달 포인트가 있는 베이스라인에 특히 유용하다.

익스텐션과 함께 사용하기 위한 가장 복잡한 기계적 보조 장치는 기계라는 별명을 가진 기계식 레버 시스템이다.이 레버 시스템은 바순과 같은 갈대 기구의 키잉 메커니즘과 표면적으로 닮은 것으로, 연장 핑거보드에서 금속 "손가락"을 원격으로 작동시키는 일반 핑거보드(너트 부근, E 스트링 측면) 옆에 레버를 장착한다.가장 비싼 금속 레버 시스템은 또한 나무로 만든 "손가락" 시스템과 마찬가지로 연장 핑거보드의 노트를 "잠금"할 수 있는 능력을 준다.이러한 장치에 대한 한 가지 비판은 이러한 장치가 원치 않는 금속성 딸깍 소리를 유발할 수 있다는 것이다.

목제 '손가락' 연장의 기계식 '손가락'이나 금속 '손가락' 기계 연장의 '손가락'이 잠기거나 눌리면 손끝 연장으로 가능한 미세 톤 피치 조절이나 글리산도 효과를 내기가 쉽지 않다.

가장 일반적인 확장 유형은 C 확장이지만, 드물게 가장 낮은 문자열이 보통 낮은 B인0 5행 베이스의 소유자는 낮은 A를 제공하는 2개의 세미톤 확장자 또는 매우 드문 낮은 G 확장자를 사용할 수 있다.

기타 튜닝 변형

소수의 베이스 연주자들은 첼로처럼 5단으로 줄을 조율하지만 옥타브 더 낮게(C1–G1–D2–A2 low to high)한다.이 튜닝은 재즈 연주자 레드 미첼이 사용했으며 몇몇 클래식 연주자들, 특히 캐나다의 베이스 연주자 조엘 퀘링턴이 사용한다.5단계의 베이스 튜닝 지지자들은 다른 오케스트라 현악은 모두 5단(바이올린, 비올라, 첼로)으로 튜닝되기 때문에 베이스도 같은 튜닝 방식에 놓이게 된다고 지적한다.5번째 튜닝은 (연장 없이) C에서1 A까지2 범위가 넓기 때문에 베이시스트가 표준 E–A–D–G 베이스보다 넓은 피치 범위를 제공한다.5번 타임을 사용하는 5번 타임을 사용하는 선수 중에는 하이3 E 스트링(최하위부터 최고위까지: C–G–D–A–E)을 추가로 사용하는 선수도 있다.4현악기만 가지고 있고 독주적인 작품을 주로 공연하고 있는 일부 5번 튜닝 베이시스트들은 G-D-A-E 튜닝을 사용하므로 낮은 C 스트링은 생략하고 높은 E를 획득한다. 5번 스트링을 사용하는 5번 튜닝 베이시스트들은 더 작은 스케일의 악기를 사용하므로 운지법이 다소 쉬워진다.베를리오즈-스트라우스 계측기 연구(1844년 처음 출판)는 "좋은 오케스트라는 여러 개의 4현 더블바스를 가져야 하며, 그 중 일부는 5와 3분의 1로 튜닝해야 한다"고 명시하고 있다.그 다음 이 책은 아래에서1 위로 E–G1–D2–A2)의 튜닝을 보여준다.4단에 조율된 다른 더블베이스와 함께 개방형 현악 조합을 사용할 수 있게 되어 오케스트라의 소닉이 크게 증가할 것이다.그러나 6현 더블 베이스는 5초(C1–G1–D2–A2–E3–B3)로 튜닝할 수 있으며, 이는 훨씬 더 큰 범위다.[citation needed]

고전적인 솔로 연주에서 더블 베이스는 보통 전체 톤을 더 높게 조정한다(1FRB-B-E-A122).이 더 높은 튜닝은 "솔로 튜닝"이라고 불리는 반면, 일반 튜닝은 "오체스트랄 튜닝"이라고 알려져 있다.솔로 튜닝 문자열은 일반적으로 일반 문자열보다 얇다.현악 장력은 솔로와 관현악 튜닝의 차이가 너무 커서 종종 다른 현악 세트가 사용되어 게이지가 가벼운 경우가 많다.현악은 항상 솔로 또는 관현악 튜닝을 위해 라벨을 붙이고, 발표된 솔로 음악은 솔로 또는 관현악 튜닝을 위해 배열된다.쿠세비츠키 협주곡과 같은 몇몇 인기 있는 솔로와 협주곡은 솔로와 관현악 튜닝 편곡으로 이용할 수 있다.솔로 튜닝 문자열은 오케스트라 피치에서 연주할 수 있도록 음조를 조절할 수 있지만, 현악은 오케스트라 튜닝에서 투사가 부족한 경우가 많고 그들의 피치가 불안정할 수 있다.

일부 현대 작곡가들은 고도로 전문화된 스코르다투라(열린 현악기의 튜닝을 의도적으로 변경)를 특정한다.열린 문자열의 피치를 변경하면 페달 포인트와 고조파로서 다양한 음을 사용할 수 있다.예를 들어 베리오는 플레이어에게 세켄자 XIVb에서 자신의1 현을 E–G–D21G로2 조정하도록 요청하고, 셀시Nuits에서 F1–A1–D2–E와2 F1–A1–F2–E를2 모두 요청한다.[citation needed]일부 동유럽 국가에서 사용되는 변형되고 훨씬 덜 보편적으로 사용되는 단독 튜닝 형식은 (A1–D2–G2–C3)인데, 관현악 튜닝에서 낮은 E 문자열을 생략한 다음 높은 C 문자열을 추가한다.5행 베이스를 가진 베이스 연주자 중에는 낮은0 B행 대신 높은3 C행(C행)을 5행으로 사용하는 사람도 있다.하이 C 스트링을 추가하면 높은 테시투라(레인지)로 솔로 레퍼토리의 연주가 용이하다.또 다른 옵션은 낮은 C(또는 낮은 B) 확장자와 높은 C 문자열을 모두 활용하는 것이다.

오현

다섯 번째 문자열로 베이스를 선택할 때 플레이어는 더 높은 음의 문자열(높은 C 문자열)과 더 낮은 음의 문자열(일반적으로 낮은 B) 중 하나를 추가할 수 있다.추가 5번째 줄을 수용하기 위해 손가락판은 보통 약간 넓어지고, 윗부분은 약간 두꺼워져서 늘어난 장력을 감당한다.따라서 대부분의 5행 베이스는 표준 4행 베이스보다 크기가 크다.일부 5현악기는 4현악기로 전환된다.이들은 더 넓은 핑거보드를 가지고 있지 않기 때문에, 일부 선수들은 손가락과 절을 하는 것이 더 어렵다고 생각한다.변환된 4현 베이스는 일반적으로 늘어난 장력을 보상하기 위해 새롭고 두꺼운 상단 또는 더 가벼운 스트링이 필요하다.

육현

6현 더블베이스는 하이 C와 로우 B를 모두 갖추고 있어 매우 유용하며, 여러 번 업데이트한 후 더욱 실용화되고 있다.연주 범위가 더 넓어 독주 및 관현악 연주에 이상적이다.많은 사람들이 6줄짜리 비올론에서 더블 베이스 스트링으로 다시 돌려 튜닝0 B-E-A-A-D-G-C를11223 만들면서 이를 달성했다.

재생 및 성능 고려 사항

신체 및 손 위치

프랑스 더블베이스 연주자 겸 작곡가 레나우드 가르시아폰스

이중 베이스 연주자는 일어서거나 앉아 악기를 연주한다.악기의 높이는 선수가 활이나 당기는 손으로 원하는 현악기 연주 구역에 도달할 수 있도록 엔드핀을 조정하여 설정한다.서고 절을 하는 베이시스트들은 비록 이 점에서 표준화는 거의 없지만, 눈 높이에 첫 번째 손가락이나 반쪽 위치를 맞추어 엔드핀을 세우기도 한다.앉아있는 선수들은 일반적으로 선수의 바지 길이만큼의 걸상을 사용한다.

전통적으로 더블 베이스 연주자들은 단독 연주를 위해 서있었고 오케스트라나 오페라 구덩이에서 연주하기 위해 앉았다.지금은 연주자가 두 가지 포지션에 똑같이 능숙하게 구사하는 것은 드문 일이기 때문에 (조엘 퀘링턴, 제프 브래데티치, 티에리 바베 등과 마찬가지로) 일부 독주자들이 앉아 있고, 일부 관현악 베이스 연주자들이 서 있다.

악기의 상한 범위(G3, 중간 C 이하 G)에서 연주할 때, 플레이어는 손을 목 뒤쪽에서 움직여 평평하게 펴서 엄지손가락의 옆면을 이용하여 줄을 누른다.첼로에서도 사용되는 이 기술을 엄지손가락 자세라고 한다.엄지손가락 자세로 연주하는 동안 네 번째(작은) 손가락은 대개 너무 약해서 믿을 수 없는 음색을 낼 수 없기 때문에(이것은 첼리스트들에게도 해당된다) 특히 현대 음악에서 일부 극한 화음이나 확장된 테크닉이 그 사용을 요구할 수 있지만, 네 번째(작은) 손가락은 거의 사용하지 않는다.

물리적 고려사항

로커빌리 스타일은 손가락 판에 "슬래핑"을 사용하는 로커빌리 때문에 당기는 손에 매우 까다로울 수 있다.베이스로 연주하는 것은 상대적으로 장력이 높기 때문에 신체적으로 어려울 수 있다.또 손가락판 위의 음표간격은 축척 길이와 끈 간격 등으로 공간이 넓어 선수들이 낮은 위치의 음표를 위해 손가락을 따로 떼고 자주 시프트를 해야 베이스라인을 연주할 수 있다.모든 비프레트 현악기와 마찬가지로 연주자들은 정확한 음조를 내기 위해 손가락을 정확하게 놓는 법을 배워야 한다.팔이 짧거나 손이 작은 베이시스트의 경우 투구 사이의 공간이 크면 상당한 난제가 발생할 수 있으며, 특히 음 사이의 공간이 가장 큰 최저 범위에서 더욱 그렇다.그러나 낮은 장력에서 라이터 게이지 스트링을 사용하는 등 엄지손가락 위치나 베이스의 변형 등 연주 기법의 사용이 증가하면서 악기 연주에 어려움을 덜게 되었다.

베이스 부품은 레인지에서 빠른 통로, 더블 스톱 또는 큰 점프가 상대적으로 적다.첼로는 이러한 기술들을 더 쉽게 수행할 수 있는 작은 악기이기 때문에, 이 부분들은 보통 첼로 부분에 주어진다.

1990년대까지만 해도 아동용 더블베이스는 널리 보급되지 않았고, 큰 사이즈의 베이스는 아이들이 키와 손 사이즈로 자랄 때까지 악기를 연주하지 못하게 해 34 크기 모델(가장 흔한 크기)을 연주할 수 있게 했다.1990년대부터 작은 ½, ½, ½, ½8, ½16 크기의 악기들도 더 널리 보급되어 아이들은 더 젊게 시작할 수 있었다.

볼륨

악기의 크기에도 불구하고, 그것은 낮은 음률 때문에 다른 악기들보다 크지 않다.대형 오케스트라에서는 보통 4~8명의 베이스 연주자가 한 목소리로 같은 베이스라인을 연주해 충분한 음량을 만들어 낸다.가장 큰 오케스트라에서 베이스 섹션은 10명 또는 12명 정도의 연주자를 가지고 있을 수 있지만, 현대의 예산 제약은 베이스 섹션을 이렇게 크게 만든다.

관현악이나 실내악에서 베이스에 대한 솔로 구절을 쓸 때 작곡가들은 일반적으로 오케스트레이션이 가벼워서 베이스가 모호하지 않도록 한다.클래식 음악에서는 증폭을 거의 사용하지 않지만, 베이스 솔리스트가 풀 오케스트라와 협주곡을 연주하는 경우에는 음향 증강이라는 미묘한 증폭을 사용할 수도 있다.고전적인 환경에서 마이크와 증폭기를 사용하는 것은 고전적인 공동체 내에서 논쟁을 불러 일으켰다. "...정통주의자들은 주어진 홀에서 [클래식] 목소리[또는] 악기의 자연적인 음향 사운드를 변경해서는 안 된다고 주장하기 때문이다.[24]

호튼 히트 목사와 함께 무대에 선 사이코빌리 베이스 연주자 짐보 월리스 씨는 15인치 캐비닛, 4인치의 10인치 캐비닛, 앰프 "머리"로 구성된 의 큰 베이스 스택을 주목한다.

재즈블루스와 같은 많은 장르에서 플레이어는 전문 증폭기와 확성기를 통해 증폭을 사용한다.압전 픽업은 ½인치 패치 케이블로 앰프에 연결된다.블루그래스와 재즈 플레이어는 일반적으로 블루스, 사이코빌리, 잼 밴드 플레이어보다 증폭을 적게 사용한다.후자의 경우, 다른 증폭기와 계측기의 높은 전체 부피는 원치 않는 음향 피드백을 유발할 수 있으며, 이는 베이스의 넓은 표면적과 내부 부피에 의해 악화된다.피드백 문제는 전자 피드백 제거 장치(필수적으로 피드백이 발생하는 주파수를 식별하고 감소시키는 자동 노치 필터)와 같은 기술적 해결책과 전기 직립 베이스와 같은 기구로 이어졌다. 이 기구는 더블 베이스와 같은 재생 특성을 가지고 있지만 보통 사운드 박스는 거의 또는 전혀 가지고 있지 않기 때문에 F가 된다.에드백은 덜 가능성이 있다.일부 베이스 연주자들은 무대 위의 볼륨을 낮추거나 베이스 앰프 스피커에서 더 멀리 떨어진 곳에서 연주함으로써 피드백 문제를 줄인다.

록커빌리와 사이코빌리에서는, 토론적으로 손가락 판에 현을 찰싹찰싹 때리는 것은 베이스 연주 스타일의 중요한 부분이다.압전 픽업은 현이 손가락판에 찰싹찰싹 부딪히는 소리를 재현하는 데 서툴기 때문에 이러한 장르의 베이시스트들은 압전 픽업(낮은 베이스 톤을 위해)과 미니어처 콘덴서 마이크(과속적인 슬래핑 소리를 집어내기 위해)를 모두 사용하는 경우가 많다.이 두 신호는 신호가 베이스 앰프로 전송되기 전에 간단한 믹서를 사용하여 함께 혼합된다.

교통

더블 베이스의 큰 크기와 상대적인 파괴한도는 취급과 운반이 번거롭다.대부분의 베이시스트들은 이동 중에 기기를 보호하기 위해 긱이라고 불리는 부드러운 케이스를 사용한다.학생들이 사용하는 값싸고 얇은 무첨가 케이스(스크래치와 비로부터만 보호)부터 프로선수를 위한 두꺼운 패딩 버전까지, 돌기와 충격으로부터도 보호한다.어떤 베이스 연주자들은 딱딱한 활 케이스에 그들의 활을 들고 다닌다; 더 비싼 베이스 케이스는 활 케이스에 큰 주머니를 가지고 있다.플레이어는 또한 베이스를 이동하기 위해 작은 카트와 엔드 핀 부착 휠을 사용할 수 있다.일부 고가 패딩 케이스에는 바퀴가 달려 있다.고가의 패딩 케이스에서 볼 수 있는 또 다른 옵션은 기구를 쉽게 휴대할 수 있도록 백팩 스트랩이다.

더블 베이스의 하드 플라이트 케이스

하드 비행 케이스는 탄소 섬유, 흑연, 섬유 유리 또는 케블라의 내부와 단단한 외부를 완충시켰다.좋은 케이스에 드는 비용(수천 달러)과 그것들을 운송하는 데 드는 높은 항공료는 관광 전문가들에게 그들의 사용을 제한하는 경향이 있다.

악세사리

음을 어둡게 하기 위해 베이스 브릿지에 부착된 나무 음소거

더블베이스 연주자들은 공연과 리허설을 돕기 위해 다양한 악세사리를 사용한다.관현악에는 세 가지 종류의 뮤트가 사용된다: 다리 위로 미끄러져 올라가는 나무 벙어리, 다리에 붙이는 고무 벙어리, 다리 위에 맞는 놋쇠 무게의 와이어 장치.플레이어는 이탈리아어 명령 콘 소르디노("음소거 포함")가 베이스 부분에 나타날 때 음소거를 사용하고, 명령 센자 소르디노("음소거 없음")에 대응하여 음소거를 제거한다.음소거를 켠 채 베이스의 음색은 더욱 조용하고 어둡고 침울하다.벙어리가 있는 굽은 베이스 부분은 비음이 있을 수 있다.플레이어는 무거운 고무 연습용 벙어리인 세 번째 타입의 벙어리를 사용하여 다른 사람을 방해하지 않고 조용히 연습한다(예: 호텔 방).

떨림은 활을 잡는 부속품이다.종종 가죽으로 만들어지며, 넥타이나 끈으로 브릿지와 테일피스에 부착된다.그것은 플레이어가 피치카토 파트를 연주하는 동안 활을 잡는 데 사용된다.

늑대 톤 제거기는 특정 음에 톤 문제를 일으킬 수 있는 다리와 테일피스 사이의 끈 부분에서 원하지 않는 교감 진동을 완화하기 위해 사용된다.옆면을 잘라낸 고무 튜브로, 옆면에도 구멍이 있는 원통형 금속 슬리브와 함께 사용된다.금속 실린더에는 나사와 장치를 끈에 고정시키는 너트가 있다.끈을 따라 실린더를 다르게 배치하면 늑대 톤이 발생하는 빈도가 영향을 미치거나 제거된다.그것은 본질적으로 반향에서 잘라내는 문자열(및/또는 기기 본체)의 고유 주파수를 약간 이동시키는 감쇠기이다.[25]늑대 톤은 다리 아래의 현이 가끔 현악기의 연주 부분에 있는 음에 가까운 음에 공명하기 때문에 발생한다.의도된 노트가 다리 밑의 끈을 동정적으로 진동시키면 불협화음인 "늑대 노트" 또는 "늑대 톤"이 발생할 수 있다.늑대의 어조가 '비팅'하는 소리가 들릴 정도로 강한 경우도 있다.늑대 톤은 종종 베이스에 G이라는 음과 함께 발생한다.[26][27]

오케스트라에서 악기는 오부이스트가 연주하는 A에 맞춰 조율한다.오보이스트의 튜닝 A와 베이스의 오픈 A 스트링 사이의 3옥타브 간격(예를 들어, 440Hz로 튜닝되는 오케스트라에서 오보이스트는 A를4 440Hz로, 베이스의 오픈1 A는 55Hz로 연주한다) 때문에 오보이스트가 튜닝노트를 연주하는 짧은 시간 동안 귀로 베이스를 조율하는 것이 어려울 수 있다.반면에 바이올린 연주자들은 오보이스트의 튜닝 노트와 같은 주파수로 그들의 A 스트링을 조율한다.D 문자열에서 A 고조파(오보에 A보다 1 옥타브만 아래)를 재생한 다음 다른 문자열의 고조파를 일치시켜 이 맥락에서 더블 베이스를 조율하는 데 일반적으로 사용되는 방법이 있다.그러나 일부 베이스의 고조파 음이 열린 현과 완벽하게 조화를 이루지 못하기 때문에 이 방법은 바보 같은 방도가 아니다.베이스가 잘 맞는지 확인하기 위해 일부 베이스 연주자는 작은 디스플레이의 피치를 나타내는 전자 튜너를 사용한다.블루스, 로커빌리, 재즈 등 베이스 앰프를 사용하는 스타일로 연주하는 베이시스트들은 튜닝 도중 베이스 픽업을 음소거하는 스탬프박스 형식의 전자 튜너를 사용할 수 있다.

더블 베이스 스탠드는 악기를 제자리에 고정시키고 그것을 땅에서 몇 인치 높이는데 사용된다.다양한 스탠드를 이용할 수 있고, 흔한 디자인이 하나도 없다.

클래식 레퍼토리

더블 베이스용 솔로 작업

1700년대

독주악기로서의 더블베이스는 18세기 동안 인기시대를 누렸으며, 그 시대의 가장 인기 있는 작곡가들이 더블베이스의 곡을 많이 썼다.그 때 종종 비올론이라고 불리는 더블 베이스는 지역마다 다른 곡조를 사용했다."Viennes tuning12"(A–D–F♯–2A2)이 인기를 끌었고, 어떤 경우에는 다섯 번째 문자열 또는 심지어 여섯 번째 문자열이 추가되기도1 했다1(F–A–D2–F♯–2A2).[28]이 악기의 인기는 레오폴드 모차르트의 비올린슐 2판에 기록되어 있는데, 그는 "5현 비올론으로 어려운 구절을 더 쉽게 이끌어낼 수 있고, 협주곡, 트리오스, 솔로 등의 유별나게 아름다운 연주를 들었다"고 쓰고 있다.

이탈리아의 베이스 거장 도메니코 드래건티는 작곡가들이 그의 악기에 더 어려운 부분을 주도록 격려하는데 도움을 주었다.

더블 베이스로 가장 일찍 알려진 협주곡은 1763년 조셉 하이든이 작곡했으며, 아이젠슈타트 도서관에서 화재로 분실한 것으로 추정된다.현존하는 협주곡 중 가장 일찍 알려진 것은 칼 디터스디츠도르프가 작곡한 것으로 더블 베이스는 2개의 협주곡과 비올라와 더블 베이스는 신포니아 협주곡이다.이 시기부터 협주곡을 작곡한 작곡가로는 요한 침례교 반할, 프란츠 안톤 호프마이스터(3명), 레오폴트 코젤루치, 안톤 짐머만, 안토니오 카푸지, 웬젤 피칠(2명), 요하네스 마티아스 슈페르거(18명) 등이 있다.이 이름들 중 많은 수가 그 시대의 음악 대중들에게 선도적인 인물들이었지만, 일반적으로 현대 관객들에게는 알려지지 않았다.볼프강 아마데우스 모차르트의 콘서트 아리아, 페르 퀘스타 벨라 마노, 베이스용 K.612, 더블베이스 오브블리가토, 오케스트라에는 그 시대의 솔로 더블베이스에 대한 인상적인 작사가 담겨 있다.그것은 오늘날에도 가수들과 더블 베이시스트들 모두에게 인기가 있다.

더블 베이스는 결국 낮은 음과 더 큰 소리가 필요한 오케스트라의 필요에 맞게 진화했다.요제프 케프퍼, 프리드리히 피셀베르거, 요하네스 마티아스 슈페르거 등 18세기 중후반의 대표적인 더블 베이시스트들이 '빈어' 튜닝을 채용했다.더블베이스의 협주곡을 작곡한 베이시스트 요한 힌들(1792~1862)은 더블베이스와 솔로 작품에서의 역할의 전환점을 맞은 4단에 베이스 튜닝을 개척했다.베이시스트 도메니코 드래곤네티는 유명한 음악가였으며 하이든과 루트비히베토벤의 지인이었다.그의 연주는 그의 고향인 이탈리아에서 러시아의 차르돔까지 알려져 있었고 그는 런던 필하모닉 협회와 함께 공연하는 유명한 장소를 발견했다.베토벤과 드래곤네티와의 우정은 제5교향곡 제3악장의 인상적인 구절, 제7교향곡 제2악장, 제9교향곡 제9악장 등 교향곡에서 더블베이스의 어렵고 분리된 부분을 쓰도록 영감을 주었을 것이다.이 부분들은 첼로 부분의 두 배가 되지 않는다.

Dragonetti는 더블 베이스를 위한 10개의 협주곡과 베이스와 피아노를 위한 많은 솔로 작품을 썼다.1824년 여름 로시니가 런던에 머무는 동안 그는 첼로를 위한 듀엣토와 드래곤에티와 첼리스트 데이비드 살로몬스를 위한 더블 베이스 작곡을 했다.드래곤네티는 위에서 아래로 G–D–A를 튜닝한 세 스트링 더블 베이스로 자주 연주했다.상위 3개의 현악기만을 사용한 것은 19세기 들어 베이스의 나무 꼭대기에 가해지는 압력을 줄였기 때문에 베이스 솔리스트와 주요 베이스 연주자에게 인기가 있었는데, 이는 보다 공명적인 소리를 낼 수 있다고 생각되었기 때문이다.또한 19세기에 사용된 낮은 E-스트링은 내장으로 만들어진 두꺼운 끈으로 튜닝과 플레이가 어려웠다.

1800년대

19세기의 거장 겸 작곡가인 지오바니 보테시니는 1716년 카를로 안토니오 테스토레 베이스로 연주했다.

19세기에 오페라 지휘자, 작곡가, 베이시스트 지오반니 보테시니는 바이올린 거장 겸 작곡가를 지칭하는 말로 당대 '더블 베이스의 파가니니'로 여겨졌다.보테시니의 베이스 협주곡은 19세기 이탈리아의 대중적인 오페라 스타일로 작곡되었는데, 더블 베이스를 사전에 볼 수 없는 방식으로 활용한다.그들은 자연과 인공의 조화 영역으로까지, 심지어 기계의 가장 높은 등록부까지 거장적인 달리기, 그리고 위대한 도약들을 요구한다.19세기에서 20세기 초까지 많은 베이시스트들은 이러한 작곡을 연주할 수 없다고 여겼으나 2000년대에는 자주 공연된다.같은 시기 체코 지역의 저명한 베이스 연주자 학교가 생겨났는데, 프란츠 시만들, 테오도르 알빈 핀다이센, 요제프 히라베, 루트비히 만놀리, 아돌프 미셰크 등이 여기에 포함되었다.시만델과 히라베도 2000년대에 사용 중인 방법서와 연구가 남아 있는 교육서였다.

1900년대-현재

20세기 초 더블베이스의 주역은 보스턴 심포니 오케스트라의 지휘자로 가장 잘 알려진 세르게 쿠세비츠키(Searge Koussevitzky)로 현대에 더블베이스가 솔로 악기로 대중화되었다.스틸 스트링이 있는 더블 베이스와 더 나은 셋업으로 인해, 현재 베이스는 이전보다 더 발전된 수준에서 연주되고 있으며, 점점 더 많은 작곡가들이 더블 베이스의 작품을 썼다.In the mid-century and in the following decades, many new concerti were written for the double bass, including Nikos Skalkottas's Concerto (1942), Eduard Tubin's Concerto (1948), Lars-Erik Larsson's Concertino (1957), Gunther Schuller's Concerto (1962), Hans Werner Henze's Concerto (1966) and Frank Proto's Concerto No. 1 (1968).

'솔로 콘트라베이스'는 존 케이지의 '피아노 앤 오케스트라를 위한 콘서트'의 한 부분으로, 솔로 또는 오케스트라 및/또는 피아노와 함께 연주될 수 있다.마찬가지로 관현악 작품 아틀라스 에클립티컬리스의 그의 단독 콘트라베이스 파트도 솔로로 공연할 수 있다.케이지의 변주곡 I, 변주곡 II, 폰타나 믹스, 카트리지 뮤직 등 불확실한 작품들은 단독 콘트라베이스 연주자를 위해 편곡할 수 있다.스트링 플레이어를 위한 그의 작품 26.1.1499는 바이올리니스트, 비올리스트 또는 첼리스트에 의해서도 연주될 수 있지만, 종종 솔로 콘트라베이스 연주자에 의해 실현된다.

1960년대부터 세기말까지 게리 카는 독주악기로서 더블 베이스의 선도적인 지지자였으며, 그를 위해 특별히 수백 편의 신작과 협주곡을 의뢰하거나 집필하는 데 적극적이었다.카르는 올가 쿠세비츠키로부터 쿠세비츠키의 유명한 솔로 더블베이스(Double Bass)를 선물받아 40년 전부터 전 세계 콘서트에서 연주해 재능 있는 솔로 연주자들이 연주에 활용할 수 있도록 국제바시스트 협회에 악기를 선물했다.이 시기의 또 다른 중요한 연주자인 베르트람 투레츠키는 300개 이상의 더블 베이스 작품을 의뢰하고 초연했다.

세르게이 쿠세비츠키는 현대에 더블 베이스를 솔로 악기로 대중화했다.

In the 1970s, 1980 and 1990s, new concerti included Nino Rota's Divertimento for Double Bass and Orchestra (1973), Alan Ridout's concerto for double bass and strings (1974), Jean Françaix's Concerto (1975), Frank Proto's Concerto No. 2, Einojuhani Rautavaara's Angel of Dusk (1980), Gian Carlo Menotti's Concerto (1983), Christopher Rouse's Concerto(1985년), 헨리 브랜트의 고스트 그물(1988년), 프랭크 프로토의 「더블 베이스와 오케스트라를 위한 카르멘 판타지」(1991년), 「피카소 이후의 4 장면」 협주곡 3번(1997년)이다.이중 베이스와 오케스트라를 위한 피터 맥스웰 데이비스의 서정적인 스트라스클라이드 협주곡 7번은 1992년부터 시작되었다.

In the first decade of the 21st century, new concerti include Frank Proto's "Nine Variants on Paganini" (2002), Kalevi Aho's Concerto (2005), John Harbison's Concerto for Bass Viol (2006), André Previn's Double Concerto for violin, double bass, and orchestra (2007) and John Woolrich's To the Silver Bow, for double bass, viola and strings (2014).

라인홀드 글리에르는 더블 베이스와 피아노의 인터메초와 타란텔라를, Op. 9, 1, 2번과 더블 베이스와 피아노의 프롤루듐과 셰르조를, Op. 32번과 2번. 폴 힌데미스는 1949년에 리드미컬하게 도전하는 더블 베이스 소나타를 작곡했다.프랭크 프로토는 더블 베이스와 피아노의 소나타 "1963"을 작곡했다.소련에서는 1971년 미에츠스와프 와인버그가 더블베이스 솔로로 소나타 1번을 썼다.지아신토 스셀시는 1972년에 Nuits라고 불리는 두 개의 더블 베이스 곡을 썼고, 1976년에는 더블 베이스, 콘트라바순, 튜바와 같은 저음 악기를 위한 곡인 Mak농란을 작곡했다.빈센트 페르시체티는 많은 악기를 위해 그가 "파라블"이라고 부르는 솔로 작품을 썼다.그는 1974년에 더블 베이스의 패러블 XVII, Op. 131을 썼다.소피아 구바둘리나는 1975년에 더블 베이스와 피아노를 위한 소나타를 만들었다.1976년 미국의 미니멀리스트 작곡가존슨은 "실패 - 솔로 스트링 베이스에 매우 어려운 곡"을 작곡했는데, 이 곡은 얼마나 어려운 곡인지, 그리고 얼마나 그 곡이 성공적으로 공연을 마치지 않고 끝낼 가능성이 낮은지를 동시에 암송해야 한다.과오를 범하다

1977년 네덜란드-헝가리 출신의 작곡가 게자 프리드스코르다투라 더블베이스와 현악 오케스트라를 위해 생상스의 르 카르나발 애니모에 나오는 코끼리에 대한 변주곡을 썼다.1987년에 로웰 리버만은 콘트라베이스와 피아노 연습곡 24번을 작곡했다.페르난도 그릴로는 더블베이스(1983/2005년)를 위한 '수이트 넘버원'을 썼다.Jacob DruckmanValentine이라는 제목의 솔로 더블 베이스 작품을 썼다.미국의 더블베이스 솔리스트 겸 작곡가 베르트람 투레츠키(Bertram Turezky, 1933년 출생)는 그를 위해 쓴 300여 곡의 작품을 공연하고 녹음했다.그는 실내악, 바로크 음악, 클래식, 재즈, 르네상스 음악, 즉흥 음악, 세계 음악을 작곡한다.

미국의 미니멀리스트 작곡가 필립 글라스는 팀파니와 더블베이스에서 자신이 득점한 하급 레지스터에 초점을 맞춘 서곡을 썼다.1930년대부터 21세기 첫 10년간 작곡 경력을 가진 이탈리아 작곡가 실바노 부소티는 1983년 콘트라바소당 네이키드 엔젤 페이스라는 제목의 베이스 독주곡을 썼다.동료 이탈리아 작곡가 프랑코 도나토니는 같은 해에 콘트라바소를 위해 렘이라는 곡을 썼다.1989년 프랑스 작곡가 파스칼 뒤사핀(1955년생)이 더블베이스용 솔로곡 In et Out을 썼다.1996년 소르본에서 훈련받은 레바논 작곡가 카림 하다드는 라디오 프랑스 프레즌스 페스티벌을 위해 세규 공방 단스 롬브르 사크레("신성한 그림자 속에서 자는 자")를 작곡했다.레나우드 가르시아폰스(1962년 출생)는 프랑스의 더블 베이스 연주자 겸 작곡가로, 오리엔탈 베이스(1997년 출생)와 같은 곡의 녹음으로 재즈, 포크, 아시아 음악을 그린 것으로 유명하다.

솔로 베이스를 위해 쓰여진 두 개의 중요한 최근 작품에는 더블 베이스와 전자 사운드를 위한 마리오 다비도프스키의 싱크로니즘스 11번과 솔로 더블 베이스의 엘리엇 카터의 피그먼트 3번이 있다.독일 작곡가 게르하르트 스테블러코위 코발트(1989–90)를 작곡했는데, "...더블 베이스 솔로와 그랜드 오케스트라를 위한 음악"이다.샤를르 우오리넨은 레퍼토리에 몇 가지 중요한 작품을 추가했고, 더블베이스, 바이올린, 콘가 드럼을 위한 스핀오프 트리오, 베이스 인스트루먼트 더블베이스, 튜바, 베이스 트롬본 을 위한 트리오, 2007년에는 더블베이스, 호른, 오보에, 클라리넷 등을 팀파니와 스트링으로 추가했다.우크라이나 작곡가 알렉산더 셰친스키의 더블베이스와 피아노(2005년)용 스위트 '세븐 스크린샷'은 파격적인 연주법이 다수 포함된 솔로 베이스 파트를 갖고 있다.독일 작곡가 클로스 쿠넬Offene Weite / Open Brown (1998년)과 나흐츠워즈 미어, 링섬 (2005년)을 더블 베이스와 피아노로 썼다.1997년 조엘 퀘링턴은 미국/캐나다 작곡가 레이몬드 루에데케에게 자신이 토론토 심포니 오케스트라와 함께 연주한 곡인 "더블 베이스와 오케스트라를 위한 콘서트"를 사스카툰 심포니 오케스트라와 협연했으며, 소규모 오케스트라를 위한 버전으로 노바스코샤 심포니 오케스트라와 협연했다.[29]작곡가 레이먼드 루에데케도 파블로 네루다의 글과 함께 '문제의 서'라는 내레이션으로 더블 베이스, 플루트, 비올라를 위한 작품을 작곡했다.[30]

2004년 이탈리아의 더블 베이시스트 겸 작곡가 스테파노 스코다니비오는 루치아노 베리오의 2002년 솔로 첼로 작품 세첸차 XIVB의 더블 베이스 배열을 새로운 타이틀로 했다.

더블 베이스의 실내악

더블 베이스가 포함된 기성 기악 앙상블이 없기 때문에, 실악 4중주피아노 3중주 등의 앙상블에 대한 문학만큼 그 용도가 철저하지 못했다.그럼에도 불구하고 작은 앙상블과 큰 앙상블에 더블 베이스가 접목된 실내 작품들이 상당히 많다.

피아노, 바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스의 악기 연주로 피아노 5중주를 위해 쓰여진 작은 작품들이 있다.가장 유명한 것은 슈베르트의 디 포렐레 4악장에서의 변주곡으로 "송어 5중주곡"으로 알려진 프란츠 슈베르트의 A장조 피아노 5중주곡이다.거의 같은 시기의 이 계측기를 위한 다른 작품으로는 요한 네포무크 험멜, 조지 온슬로우, 얀 라디슬라프 뒤섹, 루이스 파렌치, 페르디난드 리스, 프란츠 림머, 요한 침례교 크레이머, 헤르만 괴츠 등이 있다.이 5중주단의 실내 작품을 쓴 후에 작곡가들은 랄프 윌리엄스, 콜린 매튜스, 존, 프랭크 프로토, 그리고울리히를 포함한다.피아노, 현악 4중주, 더블 베이스용으로 쓰인 조금 더 큰 6중주단은 펠릭스 멘델스존, 미하일 글링카, 리처드 웨닉, 찰스 이브스가 썼다.

현악 5중주 장르에서는 더블베이스의 현악 4중주를 위한 작품이 몇 편 있다.Antonín Dvořák's String Quintet in G major, Op.77 and Wolfgang Amadeus Mozart's Serenade in G major, K.525 ("Eine kleine Nachtmusik") are the most popular pieces in this repertoire, along with works by Miguel del Aguila (Nostalgica for string quartet and bass), Darius Milhaud, Luigi Boccherini (3 quintets), Harold Shapero, and Paul Hindemith.또 다른 예는 솔로 소프라노의 주요 파트를 포함하고 있는 Alistair Hinton의 String Quintet (1969–77)이다; 거의 170분 동안, 그것은 거의 확실히 레퍼토리에서 그러한 작품들 중 가장 큰 것이다.

더블 베이스로 약간 작은 현악 작품으로는 조아치노 로시니의 6개의 현악 소나타가 있는데, 1804년 3일 동안 12살 때 작곡한 바이올린 2종, 첼로, 더블 베이스가 있다.이 작품들은 그의 가장 유명한 기악곡으로 남아 있으며 풍력 4중주곡으로도 각색되었다.프란츠 안톤 호프마이스터는 D장조에서 솔로 더블베이스, 바이올린, 비올라, 첼로를 위한 4개의 스트링 쿼텟을 썼다.프랭크 프로토는 바이올린, 비올라, 더블베이스의 트리오(1974년), 바이올린과 더블베이스의 듀오 2편(1967년과 2005년), 오보에/잉글리쉬 혼과 더블베이스의 10월 게임(1991년)을 썼다.

더블 베이스가 접목된 대형 작품으로는 베토벤의 E장조 9절곡인 Op. 20이 있는데, 이 작품은 클라리넷, 뿔, 바순, 바이올린, 비올라, 첼로, 베이스로 구성되어 있다.클라리넷 연주자 페르디난트 트로이어가 프란츠 슈베르트의 유사한 힘에 대한 작품을 의뢰했을 때, 그는 F장조 D.803의 옥텟을 위해 바이올린 하나를 더 추가했다.폴 힌데미스는 자신의 옥텟을 위해 슈베르트와 같은 도구를 사용했다.심지어 더 큰 작품의 영역에서 모짜르트는 그의 "그란 파르티타" 세레나데, K.361을 위해 12개의 관악기 외에 더블 베이스도 포함시켰고 마르티네트는 바람 5중주, 바이올린, 비올라, 첼로, 더블 베이스에 더블 베이스도 사용했다.

Other examples of chamber works that use the double bass in mixed ensembles include Sergei Prokofiev's Quintet in G minor, Op. 39 for oboe, clarinet, violin, viola, and double bass; Miguel del Aguila's Malambo for bass flute and piano and for string quartet, bass and bassoon; Erwin Schulhoff's Concertino for flute/piccolo, viola, and double bass; Frank Proto's Afro-American Fragments for bass clarinet, cello, double bass and narrator and Sextet for clarinet and strings; Fred Lerdahl's Waltzes for violin, viola, cello, and double bass; Mohammed Fairouz's Litany for double bass and wind quartet; Mario Davidovsky's Festino for guitar, viola, cello, and double bass; and Iannis Xenakis's Morsima-피아노, 바이올린, 첼로, 더블베이스의 아모르시마.타임 포 쓰리, 프로젝트 트리오 등 더블 베이스를 활용한 새로운 음악 앙상블도 있다.

관현악 구절과 솔로


\new Score {
  #(set-default-paper-size "b6")
  \new Staff {
    \relative c, {
      \set Staff.midiInstrument = #"cello"
      \time 3/4
      \key c \minor
      \clef "bass_8"
      \omit Staff.ClefModifier
      \tempo 4 = 240
      \omit Score.MetronomeMark
      \partial 4 g^\markup { \halign #-0.5 \bold "Allegro" }(\pp | c ees g | c2 ees4 | d2 fis,4) | g2.~ | g2.
    }
  }
}
베토벤 교향곡 5번 제3악장의 오프닝은 베이스 오디션을 할 때 발췌한 관현악으로 자주 사용된다.

바로크 시대와 고전 시대에 작곡가들은 관현악 구절에서 첼로 부분을 두 배로 하는 더블 베이스가 전형적으로 있었다.주목할 만한 예외는 하이든이 자신의 교향곡 6번마틴, 7번 르 미디, 8번 르 소아르, 31번 혼 시그널, 45번 작별에서 더블 베이스의 솔로 구절을 작곡했지만, 그 외의 다른 방법으로 베이스와 첼로 파트를 함께 묶은 것이다.베토벤은 낭만주의 시대에 더 흔해진 이중 베이스 파트를 분리할 수 있는 길을 닦았다.베토벤 제5교향곡스크조3중주곡베토벤 제9교향곡 제4악장 초창기의 재구성이 그러하듯이 발췌한 유명한 관현악곡이다.많은 19세기 교향곡과 협주곡에서, 베이스와 첼로 파트가 분리되어 나타나는 전형적인 영향은 베이스 파트가 단순해지고 첼로 파트가 멜로디 라인과 빠른 통로를 얻는 것이었다.[citation needed]

현대 오케스트라의 더블 베이스 섹션은 일반적으로 8명의 더블 베이스 연주자를 사용하며, 대개는 일치한다.더 작은 오케스트라는 4개의 더블 베이스가 있을 수 있으며, 예외적인 경우 베이스 섹션은 10명의 멤버가 있을 수 있다.더블베이스 연주자가 C 확장자가 낮고, 일반(E) 베이스가 있는 경우, C 확장자가 낮은 연주자는 일반 더블베이스보다 옥타브 아래 일부 구절을 연주할 수 있다.또한 일부 작곡가들은 베이스를 위해 분할(divisi) 파트를 쓰는데, 여기서 음악에서 상하의 파트는 '아웃사이드'(관객에 가까움)와 '내부' 플레이어에 할당되는 경우가 많다.베이스를 위해 디비시 파트를 쓰는 작곡가들은 옥타브와 5번째와 같이 완벽한 간격을 쓰는 경우가 많지만, 어떤 경우에는 3분의 1과 6분의 1을 사용한다.


\layout {
  indent = 0
  ragged-right = ##t
}
\new Score {
  #(set-default-paper-size "b6")
  \new Staff {
    \relative c, {
      \set Staff.midiInstrument = #"cello"
      \set Score.currentBarNumber = #92
      \time 4/4
      \key d \major
      \clef "bass_8"
      \omit Staff.ClefModifier
      \tempo 2 = 60
      \omit Score.MetronomeMark
      \bar ""
      fis2\p^\markup { \halign #-0.5 \bold "Allegro assai" }( g4 a) | a4( g fis e) | d2( e4 fis) | fis4.( e8) e2 | \break
      fis2( g4 a) | a4( g fis e) | d2( e4 fis) | e4.( d8) d2
    }
  }
}
베이스는 4악장의 주제를 연주한다.
베토벤 교향곡 제9번 중 하나야

작곡이 솔로 베이스 파트를 요구하는 경우, 주 베이스는 변함없이 그 파트를 연주한다.단장(또는 단장)은 또한, 종종 콘서트 마스터가 정한 활을 바탕으로 활을 결정한다.경우에 따라 베이스 연주 요건을 충족시키기 위해 메인 베이스는 콘서트 마스터와 약간 다른 활을 사용할 수 있다.또한 기본 베이스는 일반적으로 입구 앞에 활을 들어 올리거나 손을 빼거나 머리와 함께 입구를 표시하여 베이스 섹션의 입구를 유도하여 섹션이 함께 시작되도록 한다.주요 프로 오케스트라에는 일반적으로 보조 주임 베이스 연주자가 있는데, 주임 교장이 없을 경우 솔로를 연주하고 베이스 부문을 이끈다.

관현악 베이스 솔로는 다소 드물지만 몇 가지 주목할 만한 예가 있다.아버지가 더블베이스 연주자였던 요하네스 브람스는 그의 교향곡에서 더블베이스의 어렵고 두드러진 부분을 많이 썼다.리처드 스트라우스는 더블 베이스 대담한 파트를 배정했고, 그의 교향시와 오페라는 악기를 한계에 다다르게 한다.카밀 생생존스의 '동물카니발'의 '코끼리'는 더블베이스의 풍자적인 초상화로 미국의 거장 게리 카르레오나드 번스타인이 지휘하는 뉴욕 필하모닉과 함께 '백조'(원래 첼로를 위해 작곡)를 연주하며 TV로 데뷔했다.구스타프 말러의 첫 교향곡 제3악장은 단조로 전환된 어린이 노래 프레 자크를 인용한 더블 베이스의 솔로가 특징이다.세르게이 프로코피예프키제 스위트 중위는 '로망스' 운동에서 어렵고 매우 높은 더블 베이스 솔로가 특징이다.벤자민 브리튼의 <젊은이들의 오케스트라 안내서>에는 더블 베이스 섹션의 눈에 띄는 구절이 실려 있다.

더블 베이스 앙상블

비교적 드물기는 하지만 전체적으로 이중 베이스로 구성된 앙상블도 존재하며, 여러 작곡가들이 그러한 앙상블을 위해 작사 또는 편곡하였다.Compositions for four double basses exist by Gunther Schuller, Jacob Druckman, James Tenney, Claus Kühnl, Robert Ceely, Jan Alm, Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto, Joseph Lauber, Erich Hartmann, Colin Brumby, Miloslav Gajdos and Theodore Albin Findeisen.러시아 국립 오케스트라가 의뢰한 데이비드 A. 자페의 "누가 제일 먼저인가?"[31]는 5개의 더블 베이스에 대해 점수를 매긴다.베르톨드 험멜은 8개의 더블베이스에 대한 신포니아 피콜라[32] 썼다.Larger ensemble works include Galina Ustvolskaya's Composition No. 2, "Dies Irae" (1973), for eight double basses, piano, and wooden cube, José Serebrier's "George and Muriel" (1986), for solo bass, double bass ensemble, and chorus, and Gerhard Samuel's What of my music! (1979), for soprano, percussion, and 30 double basses.

콘트라베이스 앙상블 L'Orchestre 드 Contrebasses(6명)[33]배스 본능 Bassiona Amorosa(6명)[34](6명)[35]을 포함하는 시카고 베이스 앙상블(4+명)[36]라틴어로 Gravis 다니엘레 Roccato과 스테파노 Scodanibbio, Bass는 갱은 런던 더블 베이스 앙상블(6명)이들에 의해 설립된(4명)[37]에 의해 설립된다. 필 하모니아 OrchestRa런던의 런던 더블 베이스 앙상블에 의해 브루 턴 음악 기록, 브르노 DoubleBass는 오케스트라(14명)Janáček 음악원과 공연 예술에 브르노 필하모닉 오케스트라 – Miloslav 옐리네크에서 더블 베이스 교수 및 더블 베이스 연주자에 의해 설립되고, 볼주립의 앙상블에 LP[38]음악 Interludes를 생산했다.University(12명), Shenandoah University, Hartt School of Music.텍사스주 아마릴로의 아마릴로 베이스 베이스에는 한때 52명의 더블 베이시스트가 등장했고,[39][40] 칼라 레코드에 CD를 발매한 런던 더블 베이스 사운드는 10명의 플레이어가 있다.[41]

시카고 심포니 오케스트라의 로어 와커 컨비던스 등 일부 오케스트라의 더블 베이스 부분이 앙상블 역할을 한다.[42]더블 베이스 앙상블에 대한 편곡과 편곡이 점점 늘어나고 있으며, 국제 베이스 연주자 협회는 정기적으로 더블 베이스 앙상블(더 작은 앙상블뿐만 아니라 매우 큰 "매스 베이스" 앙상블)을 컨퍼런스에서 특징으로 하고 있으며, 2년마다 열리는 데이비드 월터 컴포지션 대회를 후원하고 있다.s 더블 베이스 앙상블 작품 부문

재즈에 사용

1890년경부터 시작된 초기 뉴올리언스 재즈 앙상블(행진, 래그타임, 딕시랜드의 혼합 연주)은 처음에는 베이스 라인을 공급하는 튜바수사폰(혹은 베이스 색소폰)이 있는 행진 밴드였다.음악이 술집과 사창가로 이동하면서, 직립 베이스는 1920년대를 전후하여 점차 이러한 관악기를 대체하였다.[43]많은 초기 베이스 연주자들은 그 당시 악기들이 종종 언급되었듯이 황동 베이스 (tuba)현악 베이스 둘 다에 두 배로 올랐다.베이스 연주자들은 즉흥적으로 "걷는" 베이스 라인 즉, 화음 진행의 윤곽을 나타내는 스케일과 아르페지오 기반의 라인을 연주했다.

일반적으로 무암페어 직립 베이스는 재즈 밴드에서 가장 조용한 악기이기 때문에 1920년대와 1930년대의 많은 연주자들은 손가락판에 리듬감 있는 "슬랩" 소리를 내기 위해 슬랩 스타일을 사용하면서 줄을 치고 당겼다.슬랩스타일은 단순히 줄을 잡아당기는 것보다 밴드의 소리를 더 잘 잘라내고, 그 당시의 녹음 장비가 낮은 주파수를 선호하지 않았기 때문에 초기 사운드 녹음에서 베이스의 소리를 더 쉽게 들을 수 있게 했다.[44]슬랩 스타일에 대한 자세한 내용은 아래의 모던 플레이 스타일을 참조하십시오.

재즈 베이스 연주자 찰스 밍구스는 또한 영향력 있는 밴드 리더이자 작곡가로 음악적 관심사가 비밥부터 자유재즈까지 다양했다.

재즈 베이스 연주자들은 주어진 화음 진행을 위해 반주 라인이나 솔로를 즉흥적으로 연주할 것으로 예상된다.그들은 또한 다른 스타일(예: 아프로-쿠반)에 적합한 리듬 패턴을 알 것으로 예상된다.큰 밴드에서 연주하는 베이시스트들도 일부 편곡에서 베이스 파트를 썼기 때문에 필기한 베이스 라인을 읽을 수 있어야 한다.

많은 직립 베이스 연주자들이 재즈의 진화에 기여했다.듀크 엘링턴과 함께 뛰었던 지미 블랜턴, 비밥에서 악기의 용도를 개척한 오스카 페티포드 등 스윙 시대 선수들이 대표적이다.(유명Kind of Blue 앨범에서 마일즈 데이비스와 함께 작업한) 폴 챔버스(Paul Chambers)는 활과 함께 비밥 솔로곡을 연주한 최초의 재즈 베이시스트 중 한 명으로 명성을 얻었다.테리 플러머리는 아르코(궁창) 솔로의 발전을 꾀하여 뿔 같은 기술적 자유와 명확하고 목소리가 큰 절규를 이루었고, 오넷 콜먼과의 작업으로 가장 잘 알려진 찰리 하덴은 프리 재즈에서 베이스의 역할을 정의했다.

레이 브라운, 슬램 스튜어트, 닐스 헤닝 외스테드 페데르센 등 다수의 베이시스트들이 재즈 역사의 중심이었다.비보퍼들에게 인기가 많았던 스튜어트는 옥타브 콧노래와 결합된 활로 솔로곡을 연주했다.특히 샤를 밍구스는 기술적 기교와 강력한 사운드로 유명한 베이시스트일 뿐만 아니라 높은 평가를 받는 작곡가였다.[45]Scott LaFaro는 음악가 세대에 영향을 끼친 음악가 세대에 영향을 끼쳤다. 그 대신, 솔로 연주자들 뒤에 있는 상대적인 "걷기"로부터 베이스를 해방시킴으로써, 상호작용적이고 대화적인 멜로디를 선호했다.[46]1950년대 베이스 앰프의 상용화 이후 재즈 베이스 연주자들은 증폭기를 사용해 악기의 자연적 볼륨을 높였다.

전기 베이스 기타가 1951년대부터 재즈에서 간헐적으로 사용되었던 반면, 1970년대 베이시스트크랜쇼를 시작으로 색소폰 연주자 소니 롤린스와 함께 연주되었으며, 퓨전 선구자 자코 파스토리우스스탠리 클라크는 보통 베이스 기타를 직립 베이스로 대체하기 시작했다.그러나 재즈 퓨전이나 라틴의 영향을 받은 재즈의 재즈 스타일을 제외하면, 이 직립 베이스는 여전히 재즈의 지배적인 베이스 악기다.뽑은 직립 베이스의 소리와 음색은 초조해 하는 베이스 기타와는 구별된다.꼿꼿한 베이스는 베이스 기타와는 다른 소리를 낸다. 왜냐하면 그 줄은 금속으로 조이는 것에 의해 멈추지 않고, 대신 중단되지 않는 손가락 판에 연속적인 톤 레인지를 가지고 있기 때문이다.또한 베이스 기타는 보통 단단한 나무로 된 몸체를 가지고 있는데, 이는 직립 베이스의 음향 반향 대신 현악의 진동을 전자적으로 증폭시켜 소리가 나는 것을 의미한다.

솔로 더블 베이스의 사운드와 재즈의 기술적 용도의 실증적 예는 데이브 홀랜드의 솔로 음반 에메랄드 티어스(1978년)나 미로슬라프 비투스에메랄드 티어스(1986년)에서 들을 수 있다.홀랜드는 첼로로 가끔 전환하면서 배어 필립스와 함께 연주하는 대표 타이틀인 'Music from Two Basses'(1971)로 앨범도 녹음했다.

블루그래스 및 국가에서 사용

현악 베이스는 블루그래스 음악에서 가장 흔하게 사용되는 베이스 악기로 일부 현대 블루그래스 베이스 연주자들도 활을 사용했지만 거의 항상 뽑혀 있다.블루그래스 베이스 연주자는 리듬 섹션의 일부분이며, 빠르든 느리든, 혹은 시간이든, 꾸준한 박자를 유지하는 역할을 담당한다.베이스는 또한 화음 진행과 조화를 유지한다.엥겔하르트-링크(옛 케이) 브랜드의 합판 라미네이트 베이스는 블루그래스 베이스 연주자들에게 오랫동안 인기 있는 선택이었다.블루그래스 베이스 연주자는 대부분 34 사이즈의 베이스를 사용하지만, 풀사이즈와 58 사이즈의 베이스도 사용된다.

블루그래스 그룹이 사용하는 직립 베이스, 압전 픽업용 케이블이 다리에서 뻗어나가는 것을 볼 수 있다.

초기 블루그래스 이전의 전통음악은 첼로를 동반하는 경우가 많았다.첼로 연주자 나탈리 하스는 "...미국에서 첼로가 있는 미국의 현악대의 오래된 사진들과 심지어 오래된 녹음 파일들을 찾을 수 있다"고 지적한다.그러나 "민속음악에서는 첼로가 시야에서 멀어졌고, 오케스트라와 인연을 맺게 되었다."[47]첼로는 1990년대와 21세기 첫 10년이 되어서야 블루그래스에 다시 등장했다.일부 현대 블루그래스 밴드는 전기 베이스가 크고 다소 연약한 직립 베이스보다 이동하기 쉽기 때문에 선호한다.그러나 베이스 기타는 음악 소리가 다르다.많은 음악가들은 직립 베이스의 느린 공격과 과묵하고 목적인 음색이 전기 베이스보다 더 "지질" 혹은 "자연적인" 소리를 낸다고 느끼고 있는데, 특히 직립 현을 사용할 때 말이다.

블루그래스 베이스 연주의 일반적인 리듬은 시간상 1박자와 3박자, 시간상 1박자와 2박자, 시간상 다운비트(왈츠시간)를 당기는 것을 포함한다.블루그래스 베이스 라인은 대개 간단하며, 일반적으로 대부분의 노래에서 각 화음의 5분의 1과 루트에 머무른다.이 규칙에는 크게 두 가지 예외가 있다.블루그래스 베이스 연주자들은 종종 디아토닉 워크업이나 워크다운을 하는데, 거기서 그들은 보통 화음 변화가 있을 때 한두 개의 바에 대해 바의 모든 박자를 연주한다.또 베이스 연주자에게 솔로가 주어지면 매 박자에 음이 달린 워킹 베이스 라인을 연주하거나 펜타톤 스케일 인플루언스 베이스라인을 연주할 수 있다.

2008년 오클라호마 폰카 시티에서 공연한 컨트리 음악 베이스 연주자 "Too Slim"(Fred LaBour of Liers in the Sky)

초창기 블루그래스 베이스 연주자는 1944년 빌 먼로의 블루 그래스 보이즈와 함께 연주한 하워드 와츠(일명 세드릭 빗물)이다.[48]클래식 베이스 연주자인 에드거 마이어뉴그래스, 구시대, 재즈, 그리고 다른 장르로 진출했다.2005년 4월 유니온 스테이션 베이스 연주자 배리 베일스가 발표한 "내가 가장 좋아하는 것은 토드 필립스"이다."그는 블루그래스를 생각하고 연주하는 전혀 다른 방법을 가져왔다.[49]

직립 베이스는 전통적인 컨트리 웨스턴 음악에서 표준 베이스 악기였다.직립 베이스가 컨트리 음악에서 여전히 가끔 사용되는 반면, 전기 베이스는 컨트리 음악에서 특히 1990년대와 2000년대에는 새로운 나라와 같이 대중적인 영향을 많이 받은 컨트리 스타일에서 더 큰 사촌을 대체했다.

슬랩 스타일 베이스

슬랩 스타일의 베이스는 때때로 블루그래스 베이스 연주에 사용된다.블루그래스 베이스 연주자들이 현이 손가락판에 부딪힐 때까지 잡아당겨 뺨을 때리거나 현을 손가락판에 부딪힐 때, 낮은 음의 베이스 노트에 고음의 퍼커션 '클랙' 또는 '슬랩' 소리를 더하여 탭댄서의 클랙과 많이 흡사하게 들린다.매질은 블루그래스 장면에서 사소한 논란의 대상이다.심지어 마이크 버브와 같은 때리는 전문가들조차 "매회 매회 때리지 말라"고 말하거나, 적절하지 않은 노래에서 말한다.또한, 라이브 쇼에서 슬랩스타일을 하는 블루그래스 베이스 연주자들은 종종 레코드를 덜 친다.Bub와 그의 멘토 Jerry McCoury는 녹음에서 랩 베이스를 거의 하지 않는다.잭 쿡과 같은 베이시스트들이 때때로 더 빠른 "클린치 마운틴 보이즈"에 베이스를 칠하는 반면, 진 리비바, 미시 레이니스, 제니 킬, 배리 베일스와 같은 베이스리스트들은 래리처럼 베이스로 칠한다.[50]

'중간 블루그래스 베이스 DVD에서 슬랩 베이스를 가르치고 있는 블루그래스 베이스 연주자 마크 섀츠는 슬랩 베이스가 스타일리시하게 내가 녹음한 음악에서 우위를 차지하지 못했다는 것을 인정한다'고 말했다.그는 "전통적인 블루그래스 슬랩 베이스에서도 산발적으로만 나타나고 내가 한 대부분의 일은 그 보다 현대적인 측면(토니 라이스, 팀 오브라이언)에 있었다"고 지적했다.샤츠는 "녹음보다는 라이브 상황에서 (슬랩을) 사용할 가능성이 더 높다"고 말했다. 솔로곡이나 곡조에서 특정 장소를 구두로 연주하거나 내가 누군가의 솔로곡을 지워버리지 않을 것이다."[51]또 다른 블루그래스 방식인 얼 글래틀리의 '블루그래스 베이스 연주 배우기'도 블루그래스 슬랩 베이스 기법을 가르친다.독일의 베이시스트 디디 벡은 이 비디오에서 보여지듯이 빠른 트리플트 슬랩을 연주한다.[52]

대중음악에 사용

1950년대 초, 직립 베이스는 로큰롤 음악의 새로운 스타일의 표준 베이스 악기였는데, 빌 헤일리 & 히스 혜성마샬 리틀이 한 예에 불과하다.1940년대에 리듬 블루스라고 불리는 새로운 스타일의 댄스 음악이 발전하여 이전 스타일의 블루스와 스윙의 요소들을 통합하였다.이 스타일의 첫 번째 혁신자인 루이 조던은 그의 그룹인 Tympany Five에서 직립 베이스가 특징이었다.[53]

직립 베이스는 1950년대 내내 팝 라인업의 필수적인 부분으로 남아있었는데, 새로운 장르의 로큰롤은 주로 리듬과 블루스의 모델에 기초하여 만들어졌기 때문이며 재즈, 컨트리, 블루그래스에서도 파생된 강한 요소들이 있다.그러나 이러한 맥락에서 악기를 사용하는 직립 베이스 연주자들은 본질적인 문제에 직면했다.그들은 더 큰 호른 악기와 경쟁할 수 밖에 없었다(그리고 후에 전기 기타를 증폭시켜 베이스 부분을 듣기 어렵게 만들었다.직립형 베이스는 큰 공연장 설정에서 확장이 어려운데, 이는 울부짖는 소리를 피드백하기 쉽기 때문이다.[54]또한 직립형 베이스는 크고 운반이 어색해 투어 밴드들의 교통 문제도 야기했다.일부 단체들에서, 뺨을 때리베이스 밴드 타악기로 드러머 대신에, 늦은 1952년까지 공연 기록들이 모이는 드러머를 사용하지 않았습니까 그의 Saddlemen(theComets의 전신 그룹),;전 이 뺨을 때리베이스에 타악기, 헤일 같은 녹화 등 의존했다는 BillHaley및 함께 이와 같은 경우 활용되었다.y의"Rock the Joint"와 "Rocket 88"의 버전.[55]

1951년 레오 펜더는 상업적으로 성공한 최초의 전기 베이스 기타인 정밀 베이스를 발매했다.[56]전기 베이스는 내장된 마그네틱 픽업으로 쉽게 증폭되었고, 이동성이 용이하며(전기 기타보다 1피트도 더 길지 않음), 수직형 베이스보다 음정에 맞게 연주하는 것이 금속의 애달픔 덕분에 쉽게 증폭되었다.1960년대와 1970년대에 밴드는 더 큰 음량으로 연주하고 더 큰 장소에서 공연을 하고 있었다.전기 베이스는 이 시대의 팝과 록 음악이 요구하는 거대하고 고도로 증폭된 경기장을 채울 수 있는 베이스 톤을 제공할 수 있었고, 직립 베이스는 대중 음악계의 주목에서 벗어났다.

베이시스트 Miroslav Vitous 사진:

직립 베이스는 1980년대 중반부터 대중음악에 재기하기 시작했는데, 부분적으로 루트 아메리카나 트렌드의 일부로서 초기 형태의 포크음악과 컨트리음악에 대한 새로운 관심 때문이다.1990년대에는 전기음향 수평 및 직립 베이스에 대한 픽업과 앰프 설계가 개선되어 베이스 연주자들이 음향 기기에서 좋고 분명한 증폭음을 쉽게 얻을 수 있었다.일부 인기 밴드들은 바레네이크 레이디스처럼 전기 베이스 대신 직립 베이스로 소리를 고정시키기로 결정했다.록 밴드들이 오로지 음향 악기로만 공연하는 MTV의 '플러그드(unplugged)' 공연 트렌드는 더 나아가 직립 베이스와 어쿠스틱 베이스 기타에 대한 대중의 관심을 높이는 데 도움이 되었다.

2009년 쇼에서 찍은 바레네이크 레이디스의 짐 크리건

바레네이크 레이디스의 짐 크리그건은 밴드의 활동 내내 베이스 기타를 연주하는 경우가 많아졌지만, 주로 직립 베이스 연주를 한다.얼터너티브 록 그룹 올빼미크리스 와이즈는 전기 베이스와 더블 베이스의 조합을 사용한다.호주의 포크/팝 그룹 The Requires의 아톨 가이(Athol Guy)는 직립 베이스 연주를 한다.호주의 포크 록 그룹인 "The John Butler Trio"의 섀넌 버치올은 직립형 베이스를 광범위하게 사용하며, Betterman과 같은 노래에서 연장된 라이브 솔로곡을 연주한다.[57]인디/팝 밴드인 이글스 부서의 2008년 앨범 In Ear Park에서, "Teenagers"와 "In Ear Park"의 곡에 절뚝거리는 직립 베이스가 상당히 두드러지게 등장한다.노르웨이의 옴파 록 밴드 카이저 오케스트라는 라이브와 레코딩 둘 다 직립 베이스만을 사용한다.[58]

프랑스 컨템포러리 팝 듀엣 '왓 어데이(What day)'는 보컬과 타입 작가가[59] 더블 베이스 확장 피치카토 기법을 사용한다.

행크 윌리엄스 3세의 베이스 연주자(Jason Brown, Joe Buck, Zach Shedd, 가장 주목할 만한 것)는 국내뿐 아니라 행크 3세의 라이브 공연의 헬빌리 세트에서도 녹음을 위해 직립 베이스를 사용한 적이 있다.

1970년대 후반에 록커빌리-펑크 장르인 사이코빌리는 슬랩 베이스라는 록커빌리 전통에 따라 계속되었고 확장되었다.킴 네크로만, 제프 크레스게 등 베이시스트들이 빠른 슬랩 베이스 연주 능력을 키워 사실상 베이스를 타악기로 만들었다.

모던 플레이 스타일

작은 재즈 공연에서 더블 베이스를 증폭시킬 때 사용하는 중간 크기의 베이스 앰프

대중음악 장르에서 이 악기는 보통 증폭으로 연주되며 거의 전적으로 손가락, 피자카토 스타일로 연주된다.피치카토 스타일은 선수와 장르에 따라 다르다.어떤 선수들은 특히 걷는 베이스라인과 느린 템포의 발라드의 경우, 한 손가락, 두 손가락, 세 손가락의 옆구리로 연주하는데, 이는 더 강하고 단단한 톤을 만들어 내기 위한 것으로 알려져 있기 때문이다.어떤 연주자들은 손가락의 더 민첩한 팁을 이용하여 빠르게 움직이는 솔로 구절을 연주하거나 조용한 곡조를 위해 가볍게 잡아당긴다.증폭기를 사용하면 베이스 연주자가 일부 주파수(높은 주파수)를 디센트(높은 주파수)하면서 특정 주파수(흔히 베이스 주파수)를 강조할 수 있는 균등화 조정기가 있기 때문에(흔히 높은 주파수 때문에 손가락 노이즈가 적음)를 더 적게 할 수 있다.

증폭되지 않은 어쿠스틱 베이스의 음색은 악기의 텅 빈 본체의 주파수 응답성에 의해 제한되며, 이는 매우 낮은 음이 높은 음의 소리만큼 크지 않을 수 있다는 것을 의미한다.앰프와 이퀄라이제이션 장치로 베이스 플레이어는 낮은 주파수를 올릴 수 있어 주파수 응답을 바꿀 수 있다.또한 앰프를 사용하면 악기 지속력을 높일 수 있어 발라드 중 반주와 음이 유지된 멜로디 솔로에 특히 유용하다.

전통 재즈, 스윙, 폴카, 로커빌리, 사이코빌리 음악에서는 슬랩 스타일로 연주되기도 한다.이것은 현이 베이스 라인의 메인 노트 사이 손가락 판에 "슬래핑"되어, 올가미 드럼과 같은 퍼커션 사운드를 내는 활기찬 버전의 피치카토다.메인 음은 정상적으로 재생되거나, 혹은 손가락판에서 끈을 당겨 손가락판에서 튕겨 나오도록 풀어 예상 피치 외에 독특한 퍼커티브 공격을 연출한다.뛰어난 슬랩 스타일 베이스 연주자, 그 기법의 사용은 종종 고도로 동기화되고 거장적이었다. 때때로 베이스 라인의 음 사이에 두, 세, 네, 혹은 그 이상의 슬랩을 삽입했다.

" 때리다 스타일", 리는 60대 중반(특히 래리 그레이엄 교활한과 패밀리 스톤)에서, 기술을 개발한 전기 베이스 기타 players[표창 필요한]에 영향을 미칠 타격과plucking 손의 문자열을 때리지만 여전히 지수나 중등 finge 노트 울린의 소리를 내고 엄지 손가락을 사용했다 팝.는 발모의 r위에서 설명한 팝 사운드를 달성하면서 프레트 보드에 닿도록 끈을 다시 당기십시오.모타운 베이스 연주자 제임스 제이머슨은 녹음된 트랙의 사후 제작("감미")에서 전기 베이스의 향상을 위해 일상적으로 더블 베이스를 사용했으며, 그 반대의 경우도 많았다.[citation needed]

더블 베이시스트

역사적

모던

현대(1900년대)

고전적인

더블 베이스 솔리스트 게리 카

가장 영향력 있는 현대 고전 더블 베이스 연주자들 중 몇몇은 이스트맨 음악 학교에서 가르친 것으로 잘 알려진 미국의 베이스 연주자 오스카 지머만(1910~1987)과 미시건과 프랑스 바시의 인터로첸 국립 음악 캠프에서 44 여름 동안 연주하는 것과 같이 교육학에 기여한 것으로 많이 알려져 있다.손가락판 전체를 6개의 위치로 나누는 새로운 베이스 방법을 개발한 성 프랑수아 랍바스(b. 1931년)이다.독창적인 독주 실력으로 유명한 베이시스트로는 미국의 페다고그와 연주자 게리 카(b. 1941), 핀란드 작곡가 테포 하우타 아호(b. 1941), 이탈리아 작곡가 페르난도 그릴로, 미국 선수 겸 작곡가인 에드거 마이어 등이 있다.더 긴 목록은 현대 클래식 더블 베이스 플레이어 목록을 참조하십시오.

재즈

1940년대부터 1950년대까지 유명한 재즈 베이스 연주자로는 듀크 엘링턴 스윙 밴드(1918~1942)에서 짧은 기간 동안 악기를 위한 새로운 멜로디와 조화로운 솔로 아이디어를 선보인 베이시스트 지미 블랜턴(1918~1942)과 베보퍼스 디지 길레스피, 오스카 피터슨, 아트 등을 후원한 것으로 유명한 베이스 연주자 레이 브라운(1926~2002)이 있다. Tatum and Charlie Parker, and forming the Modern Jazz Quartet; hard bop bassist Ron Carter (born 1937), who has appeared on 3,500 albums make him one of the most-recorded bassists in jazz history, including LPs by Thelonious Monk and Wes Montgomery and many Blue Note Records artists; and Paul Chambers (1935–1969), a member of the Miles Davis Quintet (명품 모달 재즈 레코딩 Kind of Blue 포함)와 많은 다른 1950년대와 1960년대 리듬 섹션은 그의 거장적인 즉흥 연주로 알려져 있었다.

재즈계의 새로운 '젊은 사자' 중 한 명인 크리스티안 맥브라이드(1972년생)가 그래미상을 네 차례 수상했다.

실험적인 포스트 1960년대, 그리고 자유 재즈와 재즈 록 퓨전은 몇몇 영향력 있는 베이시스트들을 배출했다.작곡가 겸 밴드 리더였던 찰스 밍구스(1922~1979)는 하드밥과 블랙 가스펠 음악, 프리 재즈, 클래식 등을 융합한 음악을 제작했다.프리 재즈와 포스트 밥 베이스 연주자 찰리 하덴(1937~2014)은 색소폰 연주자 오넷 콜먼과의 오랜 인연으로, 실험 그룹인 1970년대 레볼루션 뮤직 오케스트라에서 활약한 것으로 가장 잘 알려져 있다.각각에반스오스카 피터슨과 함께 연기한 에디 고메스조지 미즈는 둘 다 피지카토의 유창함과 멜로디 표현에 대한 기대를 저버린 것으로 인정받고 있다.퓨전 거장 스탠리 클라크(1951년생)는 직립 베이스와 전기 베이스 모두에서 손재주가 돋보인다.테리 플러머리는 뿔피리 같은 아르코 유창함과 보컬 톤으로 유명하다.

1990년대와 21세기 첫 10년간 새로운 '젊은 사자' 중 한 명이 바로 크리스티안 맥브라이드(1972년생)로, 맥코이 타이너부터 퓨전 구루스 허비 핸콕, 칙 코레아까지 다양한 베테랑들과 함께 공연하며 2003년 '수직비전' 의 앨범을 발매한 바 있다.또 다른 주목할 만한 젊은 베이스 연주자는 에스페란자 스팔딩(1984년생)으로 27세의 나이에 그래미상을 수상한 바 있다.

기타 인기 장르

스콧 오웬, 호주 록 밴드 리빙엔드의 더블 베이스 연주자

에드가 마이어는 유명한 클래식 연주자일 뿐만 아니라 블루그래스뉴그래스 서클에서도 잘 알려져 있다.토드 필립스는 또 다른 뛰어난 블루그래스 선수다.잘 알려진 로커빌리 베이스 연주자들로는 빌 블랙, 마샬 리틀(빌 헤일리 & 히스 혜성), 로커(80년대 로커빌리 부흥운동가 스트레이 캣츠) 등이 있다.

Notable rockabilly revivalists and psychobilly performers from the 1990s and first decade of the 21st century include Scott Owen (from the Australian band The Living End), Jimbo Wallace (from the US band Reverend Horton Heat), Kim Nekroman (Nekromantix), Patricia Day (HorrorPops), Geoff Kresge (Tiger Army, ex-AFI).윌리 딕슨(1915~1992)은 리듬 블루스 역사상 가장 주목할 만한 인물 중 한 명이었다.직립 베이스 연주자일 뿐 아니라 R&B 히트곡을 수십 번 쓰고 프로듀서로 활동했다.그는 또한 수많은베리의 로큰롤 히트곡에 베이스 연주를 한다.엘 리오 트리오(네덜란드 출신)와 같은 많은 록커빌리 밴드들도 이 악기를 작품에 사용한다.대중음악의 더블 베이시스트 목록도 참조하십시오.

교육학 및 훈련

더블베이스에 대한 교육학 및 훈련은 장르별, 국가별로 매우 다양하다.고전적인 더블 베이스는 학생들이 왼손의 지구력과 정확성을 기르도록 돕는 교습 매뉴얼, 공부, 진보적인 운동, 굽이굽이 치는 손의 조절 등 수세기를 거슬러 올라가는 교육학의 역사를 가지고 있다.고전적인 훈련 방법은 나라마다 다르다: 유럽의 주요 국가들 중 다수가 구체적인 방법(예: 프랑스의 에두아르 유모 방법 또는 독일의 프란츠 시만들 방법)과 연관되어 있다.고전적인 훈련에서, 오른손에 대한 대부분의 가르침은 활로 톤의 생산에 초점을 맞추고 있다; 피치카토 톤의 다양성을 연구하는 데 거의 시간을 소비하지 않는다.

이와는 대조적으로, 재즈나 블루스와 같이 주로 또는 독점적으로 피치카토(plucking)를 사용하는 장르에서는, 다른 스타일의 템피 음악에 사용되는 다양한 피치카토 스타일의 다양성을 배우는데 많은 시간과 노력이 집중된다.예를 들어 재즈에서 베이시스트 지망생들은 손가락의 옆구리를 이용하여 발라드를 위한 완전하고 깊은 사운드를 만들고, 빠른 걸음의 베이스라인이나 솔로를 위해 손가락 끝을 사용하고, 음소거되거나 부분적으로 음소거된 현을 갈아서 다양한 퍼커티브 고스트 음을 연주하는 등 폭넓은 피치카토 톤을 연주하는 법을 배워야 한다.

정식교육

재즈 가수/베이스 연주자 에스페란자 스팔딩이 2009년 12월 10일 노벨 평화상 음악회에서 공연하고 있다.

모든 장르 중에서 클래식과 재즈는 가장 확립되고 포괄적인 교육훈련 시스템을 가지고 있다.고전적인 환경 속에서, 아이들은 이 악기에 대한 개인 교습을 받고 어린이 오케스트라나 청소년 오케스트라에서 공연하기 시작할 수 있다.전문 클래식 베이스 연주자가 되기를 열망하는 청소년들은 대학, 음악원, 대학 등 다양한 공식 훈련 환경에서 학업을 계속할 수 있다.대학들은 베이스 연주 자격증과 졸업장을 제공한다.

프랑스와 퀘벡(캐나다)의 표준 뮤지컬 훈련 시스템인 음악원은 더블베이스 연주자를 위한 레슨과 아마추어 관현악 체험을 제공한다.대학들은 학사학위, 음악 석사학위, 음악 예술 박사학위를 포함한 다양한 더블 베이스 프로그램을 제공한다.또한 클래식 여름 캠프와 오케스트라, 오페라, 실내악 훈련 축제 등 다양한 훈련 프로그램이 있어 학생들에게 폭넓은 음악 연주 기회를 제공한다.

베이스 연주 학사 학위(B라고 함)무스(Mus. 또는 B.M.)는 개별 베이스 레슨, 아마추어 오케스트라 체험, 음악사, 음악 이론, 교양 강좌(예: 영문학)의 순서가 포함된 4년제 프로그램이다.보통 베이스 연주 학생들은 협주곡, 소나타, 바로크 수트 등 여러 곡의 독주곡을 연주한다.

더블베이스 연주에서의 음악 석사(M.mus)는 개인 레슨, 앙상블 체험, 관현악 더블베이스 파트 연주 코칭, 음악사 및 음악 이론 대학원 과정과 한두 개의 독주회로 구성된다.음악 석사학위(M이라고 한다)Mus. 또는 M.M.)은 종종 대학이나 음악원의 더블 베이스 교수가 되기를 원하는 사람들에게 필요한 자격증이다.

맨해튼 음악학교 교수 티모시 콥은 2000년대 후반에 베이스 수업을 가르쳤다.그의 베이스는 C연장이 낮고 연장선상에 투구할 수 있는 버튼이 달린 메탈 '머신'이다.

Doctor of Musical Arts(D.M.A, DMA, D.로 칭함)뮤지션이나 A.더블 베이스 연주에서의 Mus.D.) 학위는 최고 수준의 예술적, 교육학적 수준에서 고급 학습의 기회를 제공하며, 보통 석사 학위(학사 학위 이상의 약 30학점) 이상의 추가 학점이 필요하다.이 때문에 입학은 선택성이 높다.음악사 시험, 음악 이론, 귀 훈련/강제 시험, 입학시험 등록이 필요하다.학생들은 박사학위 논문, 심화과정, 그리고 최소 B학점 등 다수의 리바이칼라(약 6개)를 수행한다.

재즈의 초기 역사를 통틀어 더블 베이스 연주자들은 비공식적으로 악기를 배우거나 론 카터나 찰스 밍거스의 경우처럼 일찍부터 고전적인 훈련을 받는 것으로부터 악기를 배웠다.1980년대와 1990년대에 대학들은 재즈 공연에 졸업장과 학위를 도입하기 시작했다.재즈 졸업장이나 음악 학사 프로그램 수강생들은 개별 베이스 수업을 받고, 경험이 많은 선수로부터 코칭으로 작은 재즈 콤보 경험을 쌓고, 재즈 빅 밴드에서 연주한다.클래식 트레이닝 프로그램과 마찬가지로 재즈 프로그램에도 음악사와 음악 이론의 교실 강좌가 포함되어 있다.재즈 프로그램에서, 이 과정들은 재즈 역사의 다른 시대들에 초점을 맞춘다.스윙, 비밥, 퓨전 등이론 강좌는 재즈 즉흥 연주와 재즈 컴핑(반주)에 사용되는 음악적 기술과 재즈 곡의 구성에 초점을 맞춘다.재즈 여름 캠프와 훈련 축제/세미나도 있어 학생들에게 새로운 기술과 스타일을 배울 수 있는 기회를 제공한다.

비공식 교육

블루스, 록커빌리, 사이코빌리 같은 다른 장르에서는 교육학 체계와 훈련 순서가 그렇게 정형화되고 제도화되지 않는다.블루스 베이스 연주 학위는 없고, 록커빌리 베이스의 다년 졸업장을 제공하는 음악원도 없다.그러나, 다양한 책, 놀이 방법, 그리고 1990년대 이후부터 교육용 DVD(예: 로커빌리 스타일의 슬랩 베이스 연주 방법에 관한 것)가 있다.이와 같이, 이러한 다른 장르의 연주자들은 베이스 메서드나 DVD를 이용한 비공식 학습, 개인 레슨과 코칭, 음반과 CD로부터 배우는 등 다양한 경로에서 오는 경향이 있다.어떤 경우에는 블루스나 로커빌리 베이스 연주자들이 클래식이나 재즈 교육학 시스템(예: 유스 오케스트라나 고등학교 빅 밴드)을 통해 초기 훈련을 어느 정도 획득했을 수도 있다.굽은 구절을 많이 사용하는 탱고, 재즈식 피치카토 라인과 같은 장르에서 베이시스트들은 클래식이나 재즈 트레이닝 루트에서 나오는 경향이 있다.

경력들

더블 베이스의 경력은 장르와 지역 또는 국가에 따라 매우 다양하다.대부분의 베이시스트들은 공연과 교직의 혼합으로 생계를 유지한다.대부분의 공연 직업을 얻기 위한 첫 번째 단계는 오디션에서 뛰는 것이다.재즈 지향적인 무대 밴드 같은 일부 음악 스타일에서는 베이시스트들에게 인쇄된 음악을 읽도록 하거나 앙상블과 함께 표준곡(예: Now's the Time과 같은 재즈 표준)을 연주하도록 요구할 수 있다.마찬가지로, 록이나 블루스 밴드에서는 오디션 참가자들에게 다양한 록이나 블루스 표준을 연주하도록 요구할 수 있다.블루스 밴드를 위한 직립 베이스 연주자 오디션은 스윙 스타일의 워킹 베이스라인, 록커빌리 스타일의 "슬래핑" 베이스라인, 그리고 긴 악보를 가진 1950년대 발라드를 연주하도록 요청받을 수 있다.어떤 스타일의 팝이나 록 음악에서 베이시스트 역할을 위해 오디션을 보는 사람은 백업 가수로서 하모니 보컬을 수행할 수 있는 능력을 보여줄 것으로 기대될 수 있다.일부 팝과 록 그룹에서는 베이스 연주자에게 전기 베이스, 키보드 또는 어쿠스틱 기타와 같은 다른 악기를 연주하도록 가끔 요청할 수 있다.밴드가 클래식 록이나 신곡을 연주할 경우를 대비해 컨트리 그룹에서도 일렉트릭 베이스 연주 능력이 크게 기대된다.

1952년 독일의 더블 베이스 섹션.왼쪽에 있는 선수는 독일 활을 사용하고 있다.

클래식 음악

클래식 음악에서 베이시스트들은 오케스트라에서 직업을 연주하고 대학이나 음악원 프로그램이나 학위에 입학하기 위해 오디션을 본다.클래식 베이스 오디션에서 연주자는 일반적으로 독주 첼로를 위한 J.S. 바흐 스위트(J.S. Bach suit)의 동작이나 베이스 협주곡의 동작, 관현악 문헌의 다양한 발췌곡을 연주한다.발췌문은 관현악 문헌에서 일반적으로 베이스 부분과 베이스 솔로의 기술적으로 가장 어려운 부분이다.Some of the most commonly requested orchestral excerpts at bass auditions are from Beethoven's Symphonies Nos. 5, 7 and 9; Strauss's Ein Heldenleben and Don Juan; Mozart's Symphonies Nos. 35, 39 and 40; Brahms' Symphonies Nos. 1 and 2; Stravinsky's Pulcinella; Shostakovich's Symphony No. 5; Ginastera's Variaciones Concertante;Tchaikovsky's Symphony No. 4; Mahler's Symphony No. 2; J. S. Bach's Suite No. 2 in B; Berlioz's Symphonie Fantastique, Mendelssohn's Symphony No. 4; and the bass solos from Verdi's opera Otello, Mahler's Symphony No. 1, Britten's The Young Person's Guide to the Orchestra and Prokofiev's Lieutenant Kije Suite.[60]

참고 항목

참조

  1. ^ Slatford, Rodney; Shipton, Alyn (2001). "Double bass". Oxford Music Online: Grove Music Online. doi:10.1093/gmo/9781561592630.article.46437. ISBN 978-1-56159-263-0. Retrieved 6 December 2019.
  2. ^ "Ludwig-van.com – The Octobass Is An Instrument Capable of Playing Below Human Hearing Range".
  3. ^ The 오케스트라: 2011년 12월 29일 웨이백 머신에 보관된 사용 설명서, Andrew Hugill with Philhamonia 오케스트라
  4. ^ a b Alfred Planyavsky, " 더블 베이스 아카이브의 챔버 음악" 1996년 9월 웨이백 머신에 2021년 8월 25일 아카이브
  5. ^ "Bass basics". Archived from the original on 30 January 2020. Retrieved 30 January 2020.
  6. ^ a b 더블 베이스 사이징 FAQ, Bob Gollihur
  7. ^ "Bass Sizes". www.amromusic.com.
  8. ^ 더 더블 베이스, 제이콥 헤드
  9. ^ "Aventallearning.com". Archived from the original on 4 August 2020. Retrieved 27 October 2019.
  10. ^ "A New History of the Double Bass". Paulbrun.com. Retrieved 21 July 2012.
  11. ^ a b c "A Brief History of the Double Bass". Oocities.org. Retrieved 23 December 2015.
  12. ^ a b "A Brief History of the Double Bass, Lawrence Hurst, Professor of Double Bass, School of Music, Indiana University". 27 October 2009. Archived from the original on 27 October 2009. Retrieved 21 July 2012.
  13. ^ Maitland, José Alexander; Wodehouse, Adèle H. (1879). A Dictionary of Music and Musicians (1480-1880). p. 458.
  14. ^ "bull fiddle". TheFreeDictionary.com. Retrieved 4 April 2019.
  15. ^ 현, 스탠딩파, 고조파 2010년 6월 15일 웨이백머신보관, 교수.뉴사우스웨일스 대학교 조 울프
  16. ^ 더블 베이스 워크샵에 의한 베이스 스트링에 관한 기사 2012년 3월 25일 웨이백 머신보관
  17. ^ "Double Bass Strings". www.juststrings.com. Retrieved 13 April 2021.
  18. ^ "The Evolution of Double Bass, Acoustic, and Electric Bass Strings". Strings by Mail. 28 August 2013. Archived from the original on 13 April 2021. Retrieved 13 April 2021.
  19. ^ "Jeff Sarli". Jeff Sarli. Archived from the original on 24 August 2012. Retrieved 21 July 2012.
  20. ^ "Viola da Gamba". musicolog.com. Retrieved 15 July 2012.
  21. ^ Chisholm, Hugh, ed. (1911). "Double Bass" . Encyclopædia Britannica (Eleventh ed.). Cambridge University Press – via Wikisource.
  22. ^ 코블라 바익스 요브레가트 코블라밴드 웹사이트에 3줄 더블베이스
  23. ^ "Bill Bentgen – 5 String Basses". Billbentgen.com. Retrieved 21 July 2012.
  24. ^ "Sound Systems- Why?!". Harada-sound.com. Retrieved 21 July 2012.
  25. ^ Freiberg, Sarah (13 May 2005). "How to Tame Annoying Howling Wolf Tones / CARE & MAINTENANCE / Instruments / All Things Strings". Allthingsstrings.com. Retrieved 23 December 2015.
  26. ^ Dünnwald, H. (1979). "Versuche zur Entstehung des Wolfs bei Violininstrumenten". Acustica. 41 (4): 238–45.
  27. ^ Firth, Ian M. (1973). "The wolf in the cello". The Journal of the Acoustical Society of America. 53 (2): 457–463. Bibcode:1973ASAJ...53..457F. doi:10.1121/1.1913343.
  28. ^ 데이비드 채프먼."4차에서의 더블 베이스 악기 조정에 대한 역사적이고 실질적인 고려사항" – 페이지 228–229, 갈핀 소사이어티 저널, 제56권, (2003년 6월), 페이지 224–233.
  29. ^ 흄, 크리스토퍼."그리고 이 베이스는 혼자 서 있다" "토론토 스타" 2018년 4월 7일 웨이백 머신보관되었다.1997년 11월 10일 토론토.2018년 11월 5일에 검색됨.
  30. ^ "The Book of Questions". YouTube. Archived from the original on 30 October 2021.
  31. ^ "Who's on First? for five double-basses". Terra Non Firma Press. Archived from the original on 2 April 2015. Retrieved 22 March 2014.
  32. ^ "Bertold Hummel work commentaries". Bertoldhummel.de. Retrieved 15 July 2012.
  33. ^ L'Orchestre de Contrebasses 공식 웹사이트 웨이백머신2012년 3월 11일 보관
  34. ^ "Bass Instinct – Live in Vienna by none on DVD". LOVEFiLM.com. 16 April 2007. Archived from the original on 27 September 2007. Retrieved 21 July 2012.
  35. ^ "bassiona-amorosa.de". bassiona-amorosa.de. Archived from the original on 6 July 2009. Retrieved 21 July 2012.
  36. ^ "Chicago Bass Ensemble – Home". Chicagobassensemble.com. Retrieved 21 July 2012.
  37. ^ Pighi Andrea. "The Bass Gang". Thebassgang.org. Retrieved 21 July 2012.
  38. ^ 음악 간섭
  39. ^ 도노반.stokes/volumone[데드링크] home.mchsi.com
  40. ^ "Bassgirls". Bassgirls. 21 August 1974. Retrieved 15 July 2012.
  41. ^ "The London Double Bass Sound: Gary Karr, Ernest Bloch, Paul Desmond, Edward "Duke" Ellington, Jerome Kern, John & Paul McCartney Lennon, Niccolo Paganini, Cole Por". Amazon. Retrieved 21 July 2012.
  42. ^ "Wacker Consort and Northwestern Music Faculty to Perform". Northwestern University. 27 March 2007. Retrieved 21 July 2012.
  43. ^ Siemers, Brian. "Double bass". Grove Music Online. Oxford Music Online. Retrieved 17 September 2015.[영구적 데드링크]
  44. ^ "Historic Jazz Fotos". Peterunbehauen.de. Retrieved 21 July 2012.
  45. ^ Hentoff, Nat (April 1999). "Charles Mingus -A musician beyond category". Gadfly Online. Retrieved 21 July 2012.
  46. ^ Yanow, Scott. "AllMusic Guide, Scott LaFaro". Retrieved 3 November 2009.
  47. ^ 커밍아웃 라지: 첼로가 유명한 바이올린 연주자의 이야기와 무슨 관계가 있지? 나탈리 하스 2011년 1월 3일 웨이백 머신보관
  48. ^ 하워드 "시드릭 빗물" 와츠, 스튜어트 에반스
  49. ^ Johnston, Richard. "Barry Bales Expands The Spectrum With Alison Krauss & Union Station". Guitar Player. NewBay Media, LLC. Archived from the original on 31 January 2017. Retrieved 18 January 2017.
  50. ^ "Bluegrass Music: iBluegrass.com, Your #1 Source for Bluegrass". 11 May 2003. Archived from the original on 11 May 2003.
  51. ^ "Learn How to Play Bass Guitar With Free Online Lessons". Rockabillybass.com. 10 April 2015. Retrieved 23 December 2015.
  52. ^ "The Art of Slap Bass Presents DIDI BECK". 31 March 2010. Archived from the original on 30 October 2021. Retrieved 23 December 2015 – via YouTube.
  53. ^ 댈러스 바틀리 Small town boy: 미주리 주립 대학교 특별 수집 및 기록 보관 부서, 밴드에서 연주
  54. ^ Lanphier, B. W (February 2012). "Recording Upright Bass, Part 1: Mics & Pickups". Bass Player. 23 – via ProQuest.
  55. ^ BBC 라디오 2, Just Keep on Rockin'은 2004년 4월 17일에 방송되었다.이 라디오 다큐멘터리에서 진행자 Suzi QuatroRock the Joint의 녹음에서 드럼이 연주되지 않았다는 불신을 표현한다.
  56. ^ 일렉트릭 기타: 안드레스 세고비아에서 커트 코베인으로 가는 방법 2016년 6월 23일 모니카 M의 웨이백 머신보관되었다.스미스
  57. ^ "호주에서는 존 버틀러 트리오가 최근 역사상 가장 성공적인 독립행위 중 하나로 자리매김했다.이들의 미국 데뷔작인 선라이즈 오버 씨(Sunlight Over Sea)는 힙합과 애팔래치안 포크(Apalachian folks)의 요소인 음색하고 소울한 보컬이 돋보인다.존 버틀러 트리오의 프레쉬 블렌드
  58. ^ "Kaizers Orchestra official web page". Kaizers.no. Archived from the original on 5 July 2012. Retrieved 21 July 2012.
  59. ^ 멋진 날 – 옷장
  60. ^ Jason (3 December 2006). "Double Bass Orchestral Audition Lists – A Survey – Jason Heath's Double Bass Blog". Doublebassblog.org. Retrieved 23 December 2015.

외부 링크

추가 읽기

일반

  • 그로드너, 머레이, 더블 베이스용 책, 녹음비디오의 종합 카탈로그.블루밍턴 IN, Murray Grodner, 2000.
  • Praetorius, Michael, Syntagma Musicum, Band II, Kasel, Bérenreiter, 2001. (1619년 초판 리프레트)ISBN 978-3-76181527-4

역사

  • 빌레, 이사아, 글리아트루멘티 ad arco e i ro culturi.로마, 아우소니아.1928. pdf 이용 가능: https://www.vitoliuzzi.com/news-for-a-new-and-authentic-history-of-the-classic-bass/
  • 보이든, 데이비드 B, 외, 바이올린 가족, The New Grove Instruments Series, London, Macmillan, 1989년.ISBN 0-393-30517-1.
  • 브런, 폴, 더블 베이스의 새로운 역사, 씰런스 소스 다겐스, 폴 브런 프로덕션, 2018.ISBN 2-9514461-0-1
  • 엘가르, 레이몬드, 더블 베이스 소개, 1960년 바다의 세인트 레오나르드 작가 출판.
  • 엘가르, 레이몬드, 더블 베이스에 대하여많이, 1963년 바다 위의 세인트 레오나르드에 의해 출판되었다.
  • Elgar, Raymmd, Looking at the Double Bass, 저자인 St Leonards on Sea, 1967년에 출판된 "Legar, Raymod, Looking at the Double Bass,
  • Lohse, Jonas, Das Kontrabass-Buch, Friedberg, Jonas Lohse Verlag, 2020.ISBN 978-3-9822602-0-4
  • 마틴, 토마스, 마틴 로렌스, 조지 마틴, 영국 더블베이스. 밴버리, 아르페지오 출판사, 2018.
  • 파머, 피오나 M. (1997)영국의 도메니코 드래곤네티 (1794년-1846년) : 더블 베이스 거장의 경력.옥스퍼드, 클라렌던 출판사, 1997.ISBN 0-19-816591-9
  • Planyavsky, Alfred, Geschichte des Kontrabasses, Tutzing, Verlag Hans Schneider, 1984.
  • 스탠튼, 데이비드 H, 스트링 (더블) 베이스.Evanston IL, The Instrumentist Company, 1982.
  • 웨스트, 크리스 "더블베이스의 파가니니 - 영국의 보테시니"독립 출판 2021년.ISBN 979-8747194595.

지시방법 및 성과

  • 브래데티치, 제프더블 베이스: 궁극의 도전.Denton, TX: Music for All to Hear, 2016.
  • Cruft, Eugene, The Eugene Cruft School of Double Bass Playing: 레퍼토리가 있는 방법.옥스퍼드, 옥스퍼드 대학 출판부, 1966.
  • 고슬라프, 요안, 라 콘트레바스: 우네 철학 듀 쥬, 히스토리, 페다고기, 테크닉 / 더블 베이스: 연주 철학, 역사학, 교육학, 테크닉.레비스, 퀘벡 주: 도베르만-이판, 2003.
  • Goldsby, John, The Jazz Bass Book: 기술과 전통.샌프란시스코, 백비트 북스, 2002.
  • 오브라이언, 오린.더블베이스 노트북: 완벽한 전문가를 위한 아이디어, 팁 및 조언.뉴욕: 칼 피셔, 2016.ISBN 978-0825888830
  • 시만들, 프란츠 더블 베이스의 새로운 방법칼 피셔, 1984년
  • Tambroni, Peter, Double Bass Playing 소개.Oak Park IL, www.MostlyBass.com, 2014.
  • 트레비, 알프레도 "Il Contracabbasso - novissimo manuale semiserio."밀라노, Casa Musicale Sonzogno, 2007.ISBN 978-88-87318-40-1
  • 투레츠키, 버트람.컨템포러리 콘트라베이스.1989년 캘리포니아 대학교 출판부의 버클리.