파스칼 뒤사핀

파스칼 조르주 뒤사핀(Pascal Georges Dusapin, 1955년 5월 29일 출생)은 프랑스의 작곡가다. 그의 음악은 미세한 음색, 긴장감, 그리고 에너지로 특징지어진다.

뒤사핀은 이아니스 제나키스와 프랑코 도나토니(Franco Donatoni)의 제자로 바레스의 숭배자로 1970년대 파리 1대학과 파리 8세(Paris 8세)에서 공부했다. 그의 음악은 "로맨틱 제약"으로 가득 차 있다.^[1] 피아니스트임에도 불구하고 그는 1997년까지 피아노 작곡을 거부했다. 그의 멜로디는 순전히 기악적인 작품에서도 가창력이 있다.^[2]

두사팽은 여러 오페라뿐만 아니라 솔로, 실내, 관현악, 보컬, 합창 작품들을 작곡했으며, 수많은 상과 상을 받았다.^[3]

교육과 영향

낸시 태생인 뒤사핀은 1970년대 초 파리 1대학과 파리 8세 대학에서 음악학, 플라스틱 예술, 미술과학을 공부했다. 에드가르드 바레스의 아르카나(1927년)를 듣고 어떤 '충격'을 느꼈고,^[4] 1972년 이아니스 제나키스의 멀티미디어 공연 폴리토페 드 클루니(Polytope de Cluny)에 참석했을 때도 비슷한 충격을 느꼈지만, 후자 작곡가에게는 '언니의 프록시메 플러스 그란데'("더 큰 친밀감)를 느꼈다.^[5] 제나키스의 음악에 대한 그의 매력 때문에 뒤사핀은 파리 소르본느에서 작곡가와 함께 공부했고, 그곳에서 1974년부터 1978년까지 학생으로 남아 있었다. 제나키스와의 수업에는 미학과 과학과 같은 과목이 포함되어 있었다.^[6] 뒤사핀은 1976년 빈센스 대학(파리 8세)에 초청된 이탈리아 작곡가 프랑코 도나토니와도 함께 공부했다.

두사핀이 이 작곡가들과 함께 한 연구가 그의 작곡 연구, 특히 음량에 대한 이해를 위한 기초를 형성하는 동안, 그는 자신만의 음악 언어를 발전시켰다. 내 말에 의하면. 스토우노바, "혹시 ...에 붙어 있기는 하지만... 바레스, 제나키스, 도나토니, 뒤사핀은 그의 유산을 알고 있을 뿐만 아니라 그의 멘토들과 그를 분리하는 거리, 즉 미적 질서와 감성의 창조적 거리, 소리 속에 존재하는 방식 등을 알고 있기 때문에 그럼에도 불구하고 완전히 고독하다.^[7] 그는 이러한 작곡가들의 스타일과 아이디어를 흡수하고 나서 자신의 음악적 필요에 맞게 그것들을 변형시켰다.

두사핀의 음악은 음량을 다룬 바레세나 제나키스 같은 작곡가의 영향을 받은 것 외에도 재즈를 포함한 다른 음악적 전통의 영향을 보여준다. 사실, 그는 한때 재즈 피아니스트였지만, 1997년까지 그는 그의 작곡에 피아노를 포함하기를 거부했다.^[8] 1980년대 후반 그의 작품 악스(1987년)로 시작해 1990년대까지 이어진 뒤사핀은 프랑스 민속 음악을 그의 음악 언어에 접목시켰다. 소시에테 데 아미스 뒤 뮤지스 등 전통 대중들이 의뢰한 악스에서 뒤사핀은 즉시 민요를 인용하지만, 나머지 작품은 민요와는 독립적으로 작곡된다.^[9] 1990년대 두사핀의 작품은 분명한 톤 중심지가 없는 경우가 대부분이지만 드론을 자주 사용하고 제한된 모드를 사용함으로써 민속음악의 영향을 더욱 잘 보여준다.^[10] 영감의 다른 원천은 그래픽 예술과 시를 포함한다.^[11]

음악 스타일

계측

뒤사핀이 다른 현대 작곡가들보다 두드러지는 한 가지 방법은 그가 어떤 악기를 선택하고 다른 사람들에 대한 거부감이다. 제나키스와는 달리 그는 음악에 전자제품과 기술을 사용하는 것을 피한다.^[12] 마찬가지로, 그는 그의 작품에서 팀파니 이외의 타악기 사용을 없앴다. 최근까지 뒤사핀은 오르간과^[10] 재즈 피아노를 연주한다는 사실에도 불구하고 키보드 악기의 사용을 거부했다.^[13] 두사핀이 이러한 악기를 거부하는 가능한 이유로 스토오노바는 "피아노의 저울과 정적인 음색, 그리고 타악기의 시끄럽고 획일적인 질감이 두사핀이 그의 미시적 관점에 어렵게 접목되어 그의 역동적인 멜로디즘의 본질을 규정하는 듯 하다"^[14]고 제안한다. 그러나 스토오노바는 뒤사핀이 피아노, 바이올린, 클라리넷, 첼로를 위해 트리오 롬바흐(1997년)를 완성하기 4년 전에 이 글을 썼다. 이 피아노 트리오는 뒤사핀이 피아노를 접목한 최초의 작품이며,^[13] 2001년이 되어서야 솔로 피아노인 9월 에투데스(1999–2001)의 곡을 완성했다.

미소음도

뒤사핀의 음악 역시 마이크로 글리산디와 마이크로 인터랙션(세미톤 1개 미만의 인터랙션)의 통합을 통해 종종 달성되는 마이크로 톤성으로 특징지어진다.^[15] 뒤사핀은 마이크로 인터벌과 규칙적인 간격을 모두 멜로디 라인으로 결합해 청취자가 다음에 무엇을 기대해야 할지 전혀 알지 못한다. 그렇더라도 뒤사핀은 마이크로 톤을 사용하는 것이 완전히 자연스러움을 느끼게 해 준다. 스토우노바의 설명대로, "마이크로 인터랙션과 마이크로 글리산디... 비올라를 위한 Inside(1980), 첼로를 위한 Incisa(1982)와 같은 기악 작품들에서는, 사실상, 매우 유연한 멜로디 진행에서, 완전히 '자연적인' 요소들에 의해 완전히 다른 것처럼 완전히 통합되어 있다.^[15] 청취자는 옥타브의 균일한 구획을 같은 간격으로 이미 잘 알고 있다; 뒤사핀은 옥타브를 덜 전통적인 숫자로 나누는 것에 불과하다.

음악 형식

뒤사핀은 대부분의 유럽 음악의 위계적이고 이진적인 형태를 거부하지만 그의 음악도 에일리언은 아니다. 뒤사핀은 유럽의 '상속적' 형태를 변주적인 관점에서 사고방식으로 특징짓기 때문에, 어떤 부분은 항상 다른 부분보다 더 중요하다.^[16] 두사팽은 이런 식으로 작곡하는 대신 다음에 그곳에 도착하면 어떤 일이 일어나기를 원하는지 결정하면서 치수에 의한 치수를 구성하는 것 같다.^[17] 이 과정은 약간 우연적인 측면의 알레르기를 암시하지만 뒤사핀의 음악은 너무나 정밀하게 구성돼 있어서 진정한 알레르기가 될 수 없다. 스토오노바는 "두사핀의 음악에 관해서 우리는 알레르기의 교란의 통합이나 동화를 통해 구성체계의 자동 구성과 복잡성의 원리를 관찰할 수 있다"^[18]고 쓰고 있다. 다시 말해서 뒤사핀은 음악을 제자리에 놓아주면서, 여전히 모든 것을 하지 않고 그의 음악에 대한 통제력을 유지하면서, 종종 알레한 관용구들을 환기시킨다. 그는 반복을 피하고 음악의 안정성과 중복성을 거부하는데, 이것은 그의 음악의 또 다른 특징이다.^[19]

긴장, 에너지 및 운동

아마도 뒤사핀의 음악에서 가장 두드러지고 독특한 요소는 그 내재된 긴장과 에너지, 그리고 움직임의 감각일 것이다. 실제로 줄리안 앤더슨은 뒤사핀에 대한 기사에서 두사핀 초기 음악의 양 극단으로 '긴장감'과 '폭발적 비행'을 꼽으며 이러한 관용어가 작곡가의 음악을 매우 개성 있게 만드는 것이라고 주장한다.^[20] 스토오노바는 또한 뒤사핀의 초기 작곡에 존재하는 에너지를 강조하여 뒤사핀이 극한 레지스터, 플리잉 혀, 트릴, 마이크로 인터랙션, 글리산디, 멀티호닉, 빠른 발음, 극한 역학, 지속적인 호흡의 사용을 인정한다.^[21] 이러한 독특한 특징들은 뒤사핀의 음악을 믿을 수 없을 정도로 강렬하게 만들고 그것의 연주자들에게 요구하게 만든다. 사실 그 강도는 두사핀이 의식적으로 뮤시크 포로가(1980년)와 같은 곡들을 만들 정도로(이 경우 3분) 음악가나 청취자 모두 완전히 지쳐버리기 때문이다.^[21]

후기 특성

위에서 논의된 많은 특징들은 특히 두사핀의 초기 작품들, 특히 1980년대 작품들에서 널리 퍼져 있다. 다음 10년 동안 두사핀의 작품은 점점 더 큰 조화롭고 선율적인 단순함으로 옮겨갔다.^[22] 폴 그리피스는 1990년대 두사핀의 작품들이 그의 이전 음악보다 조화롭게 구상되고 있으며, 드론의 사용과 모드 사용 등 더 많은 민속적 전통을 포함하고 있다고 지적한다. 그는 더 나아가 뒤사핀이 21세기로 접어들면서 계속해서 음악을 단순화시켰으며, 작곡가가 여전히 이음계를 피하면서도 두 음 사이를 진동하는 기법과 끊임없이 변화하는 작은 패턴과 같은 기법을 사용한다고 제안하는데, 이는 그의 과거 음악보다 더 많은 반복을 수반한다.^[10]

어크로슈 노트와의 협업

뒤사핀의 음악의 계기는 종종 가용한 연주자에 기반을 두고 있으며, 1980년대와 1990년대에는 가수와 클라리넷 연주자가 설립한 스트라스부르에 기반을 둔 새로운 음악 그룹인 ^[23]앙상블 악크로체 노트에서 자주 글을 썼다.^[24] 이안 페이스는 이 그룹의 클라리넷 연주자 아르망 앤스터의 영향이 이 시기부터 뒤사핀의 많은 음악에서 클라리넷이 두드러진 이유가 될 수 있다고 제안한다.^[24] 그리피스 역시 뒤사핀이 첫 오페라인 로메오 엣 줄리엣(1985–89년)을 완성한 뒤 쓴 짧은 작품 시리즈에서 클라리넷의 중요한 역할을 주목한다.^[10] 두사핀이 특정 기악가(이 경우 클라리넷 연주자 앙스터)를 위해 글을 쓰는 경향은 작곡가의 실용적이고 현실적인 면을 드러낸다.

주목할 만한 작품

무시크 포로(1980)와 무시크 도망자(1980)

같은 해에 작곡된 두사핀의 초기 작품 중 두 편인 무시크 포로가(1980년)와 무시크 도망자(1980년)는 둘 다 불안정하고 어떤 종류의 반복도 피하고자 한다는 점에서 함께 연구될 수도 있을 것이다. 그러나 동시에, 조각들은 두 가지 매우 다른 방법으로 이러한 목표를 달성하는 것을 계속한다. 뮤시크 캡티브는 9개의 관악기(피콜로, 오보에, 소프라노 색소폰, 베이스 클라리넷, 콘트라베이스 클라리넷, 콘트라베이스 클라리넷, 콘트라바순, 트럼펫 2개, 베이스 트롬본)용으로 쓰여져 있으며, 스토우노바가 암시하는 바와 같이 연주자에 대한 긴장과 높은 요구는 그 작품이 더 이상 지속될 수 없을 정도로 단 3분 동안 지속된다.^[21] 스토오노바는 더 나아가 이 작품을 내면적으로 파괴하는 것으로 묘사하며, "트레몰로 텍스쳐, 떠오르는 색채, 폭력적인 크레스켄디, 확대되는 디테일의 덩어리 등 이 작품의 음악적 사상을 묘사하고 있다.—서로 공격하거나 더 정확히 말하면 서로를 섬멸할 수 있다."^[25] 따라서 뒤사핀은 많은 음악적 아이디어를 한데 모이게 되는데, 이것은 페이스가 프리 재즈와 관련 있다는 개념이다.^[24] 결과적으로 나오는 음악은 매우 불안정하고 단순히 3분 이상의 지속시간을 견딜 수 없다. 이 작품은 1981년 7월 프랑스 라로셸에서 처음 공연되었다.

반면 뮤시크 도망자는 뮤지컬 '붕괴'^[18]를 통해 불안정을 이뤄낸다. 현악 3중주를 위해 쓰여진 이 작품은 전통적인 진술과 변주 과정을 피하여 어떠한 일체감과 연속성으로부터도 탈피한다. 뒤사핀은 한 가지 생각을 진술한 다음 갑작스런 침묵이나 새로운 음악적 진행의 도입을 통해 갑작스럽게 코스를 변경함으로써 이러한 효과를 얻는다.^[25] 1980년 6월 프랑스 아이작센 프로방스에서 초연된 뮤시크 도망자는 "사실상 프랑스에서 레퍼토리 작품이 됐다"^[26]고 주장한다. 이 곡의 아르디티 현악 사중주 녹음은 스포티파이를 통해 들을 수 있다.^[27]

라 리비에르 (1979년)와 라벤 (1980년–81)

줄리안 앤더슨에 따르면 라 리비에르(1979)와 라벤(1980~81)은 자연에 대한 사상을 바탕으로 한 두 개의 관현악곡으로 '두사핀 양식의 보다 활달하고 폭력적인 면'^[20]을 과시하고 있다고 한다. 두 작품 모두 물의 특성에 초점을 맞추고 음악을 통해 물의 유동성과 힘을 상징한다. 첫 곡은 물처럼 오케스트라 전체를 '스프레드'하고 '흡수'하는 독주 첼로로 시작된다.^[28] 실제로 이 작품에서 뒤사핀은 "속도의 변화, 흐름의 강도의 이동"^[28]을 실현하는 것을 목표로 하고 있다. 반면 L'Aven은 물이 천천히 떨어지고 돌에 움푹 파인 곳을 여는 모습을 포착한다. 플루트와 오케스트라를 위한 협주곡인 이 작품은 플루트가 오케스트라 위에서 겨우 들릴 뿐이지만, 작품의 두드러진 목소리가 될 때까지 점차 관현악 질감을 통해 밀고 나간다.^[12] 따라서 피리는 떨어지는 물을, 오케스트라는 돌을 상징한다. 플루트는 10분 동안 쉬지 않고 연주하며, 항상 오케스트라를 밀어내고 결국 정상에 오른다.^[28] 두 작품 모두 1979년 11월 프랑스 메츠: 라 리비에르, 1983년 11월 리벤에서 초연을 받았다.

니오베우 르 로처 드 시필레 (1982)

Niobé ou le Rocher de Sypile (1982) is a thirty-eight-minute work for twelve mixed voices, solo soprano (Niobé), and eight instruments (oboe doubling English horn, two clarinets [the second doubling bass clarinet], two bassoons [the second doubling contrabassoon],trumpet and two tenor trombones), with a neo-Latin text by Martine Irzenski. 이르젠스키의 본문은 라틴 문학 작품의 단편에서 따온 것으로, 반드시 그리스 신화의 니오베 신화의 연대기를 따르는 것은 아니다.^[29] 뒤사핀 자신도 이 작품을 오페라나 뮤지컬 극장이 아닌 '스테이지 오라토리오'로 분류하고 있으며, 그 속에서 다시 한번 반복과 연속성을 피하고 자유롭게 문학적 연계를 도모한다.^[30] 솔로 소프라노 목소리는 작품 과정 내내 여러 가지 다른 목적을 위해 봉사하는 혼성 합창단의 12명의 목소리에 맞서 때로는 니오베 목소리의 음색을 확장하기도 하고, 때로는 본문과 관련하여 움직이기도 한다.^[29] 앤더슨은 뒤사핀에 대한 글에서 합창의 마이크로톤 화음과 작품 말미의 모노딕 소프라노 라인 등 오라토리오에서 사용되는 다양한 보컬 기법과 텍스쳐를 강조하기도 한다.^[22] 비선형 텍스트와 다중 텍스처 레이어를 통해 '니오베 르 로처 드 시필레'는 두사핀의 초기 챔버 작업과 동일한 불연속감을 유지한다. 이 작품은 1984년 6월 16일 파리에서 처음 공연되었다.

로메오 외 줄리엣(1985-88년)

뒤사핀의 첫 번째 오페라인 이안 페이스에 따르면 로메오 엣 줄리엣(1985–88)은 작곡가 경력에 있어서 "절대적인 작품"이라고 하는데, 이 작품에서 그는 먼저 자신의 서술 사상을 연극 영역에 "적절하게" 결합한 것이다.^[31] 푸긴은 두사핀의 오페라를 니오베의 '더 알찬' 스타일로의 회귀로 보고, 두사핀의 성악곡 미미(1986–87), 일리코(1987), 아나콜루테(1987)를 첫 오페라 창작을 위한 연구곡으로, 특히 프랑스어의 설정을 위해 인용한다.^[12] 한편 앤더슨은 두사핀의 오페라에 그의 이전 작품들에 비해 더 많은 양의 서정성에 주목한다.^[22] 세 작가 모두 이 오페라가 뒤사핀의 작곡 경력에 있어 주목할 만한 점이라는 데 동의하는 것 같다.

올리비에 카디오트가 쓴 리브레토는 혁명 전의 사건을 다루는 첫 번째 네 번째 숫자, 혁명 이후의 사건들을 다루는 마지막 네 번째 숫자, 그리고 다섯 번째와 중앙 번호는 혁명 그 자체라는 아홉 개의 숫자로 나뉜다.^[31] 이 중앙 운동은 순수하게 오케스트라가 연주하는 유일한 것이다. 이 오페라는 로메오와 줄리엣뿐만 아니라 혁명 전에 등장하며 '인격의 확장'을 상징하는 듯한 그들의 복식인 로메오 2와 줄리엣 2에도 초점을 맞추고 있다.^[31] 이 오페라는 또한 이 액션에 대해 논평하는 합창과 중간자 역할을 하는 성악 4중주단이 참여하며 로메오와 줄리엣 혁명적 개념을 가르친다.^[31] 마지막으로, 로메오와 줄리엣에게 노래를 가르치지만, 마침내 그가 노래를 부르기까지 8번째 숫자까지만 말하는 빌의 캐릭터가 있다.^[31] 작품 후반부에는 등장인물들이 실제 오페라를 만들 수 있는 가능성에 대해 토론하고, 다만 '오페라의 불가능성, 이야기, 심지어 언어 그 자체'를 발견했을 뿐이며, 음악은 미소음성과 단편화로 분해된다.^[31] 이 오페라는 1989년 6월 10일 프랑스 몽펠리에에서 초연되었다.

오케스트라를 위한 7개의 솔로 (1992–2009)

그의 다음 주요 프로젝트는 1992년에서 2009년 사이에 작곡된 대규모 오케스트라 사이클 세븐 솔로였다. 독립적으로 연주할 수 있지만 처음부터 전체적으로 구상된 7개의 작품으로 구성된다.^[32][33]

작곡가 자신의 말로 다음과 같다.

1990년대 초 나는 항상 오케스트라를 위한 커미션과 관련된 10분에서 20분 사이의 러닝타임에서 벗어나고 싶었다. 아무도 나에게 더 긴 교향곡 형식을 제작하라고 커미션을 주지 않았기 때문에 나는 내 시간을 기다리기로 결심했다. 7개의 자율적인 에피소드가 내부에서 스스로 재생되고, 다른 가능성을 수정하며, 개방된 틈새로 확산되는, 확장되고 복잡한 형태를 꿈꿨는데..."^[32]

이 사이클은 오케스트라를 큰 독주악기로^[32][34] 취급하며 전통적인 심포니 사고에서 가장 근접한 뒤사핀이다.^[32]

현재 프로젝트

2016년 5월 알리사 와일러슈타인과 시카고 심포니 오케스트라가 뒤사핀의 두 번째 첼로 협주곡인 아웃스케이프를 선창해 긍정적인 비판적 리셉션을 이끌어냈다.^[35][36]

그의 가장 최근 오페라인 맥베스 지하세계가 2019년 9월 브뤼셀의 라 몽나이에서 초연했다.

전체 작업 목록

솔로 기악기

• 안쪽, 비올라(1980년)
• 인시사, 첼로 (1982)
• 만약, 클라리넷의 경우(1984)
• 아이템, 첼로용 (1985)
• Itou, 베이스 클라리넷용(1985)
• 이치, 플루트용(1986)
• Iti, for 바이올린 (1987년)
• 트롬본에 대해서는 (1987년)
• I 페시, 플루트용 (1989년)
• In et Out, double bass(1989)용
• 인베체, 첼로용(1991)
• 클라리넷용 입소(1994)
• 임머, 첼로용(1996)
• 노미네, 비올라(2000년)
• 9월 피아노용 (1999–2001)
• 이마고, 첼로용(2001)
• 기억력, Hommage crypté et monomodal a Ray Manzarek for organ(2008)
• ICTus, 베이스 클라리넷용(2008-2009)
• In Vivo, 솔로 바이올린의 경우(2015

챔버

• Musique 도망자, 현악 3중주(1980)
• Trois Instantanés, 클라리넷 2개 및 첼로 3개(1980)용
• 포코아포코(1986)
• 슬라이, 트롬본 4중주(1987)용
• 랩, 클라리넷 및 더블 베이스용(1988)
• Neuf Musicles pour pourLe Fusil de chases », 클라리넷, 트롬본, 첼로(1989)
• 현악 4중주 n°2 표준 시간대 (1989)
• 아타카, 트럼펫 2개와 팀파니(1991)를 붓는다.
• 스탠즈, 브라스 5중주용(1991)
• 오히메, 바이올린과 비올라의 경우 베스티 졸라스의 옴마주(1992)
• 현악 4중주 n°1(1982–1996)
• 현악 4중주 n°3(1993)
• 오헤, 클라리넷과 첼로 (1996년)
• 현악 4중주 n°4(1997)
• 트리오 롬바흐(Trio Rombach), 피아노, 바이올린 또는 클라리넷 및 첼로용(1997)
• 현악 4중주 n°5(2004-2005)
• 현악 4중주 n°6(2009년), 오케스트라 포함
• 현악 4중주 n°7(2009)
• 마이크로그램, 현악 트리오용 7개(2011년)
• 그런데 클라리넷과 피아노의 경우(2014년)
• 슬랙라인, 첼로 및 피아노용(2015)
• Forma 플러렌즈, 바이올린 및 피아노용(2018)

오케스트라와 앙상블

• 기념품 du 침묵 (1976년)
• 르발 (1978년)
• 티메 (1978년)
• 라 리비에르, 오케스트라 (1979년)
• 음악 포로, 9개의 관악기용(1980년)
• Tre Scalini, 오케스트라 (1981–1982)
• 주먹(1982)
• 홉'(1983–1984)
• 라 대화 (1984)
• 트레이즈 피에스가 플로베르를 붓는다(1985)
• 아싸이, 오케스트라 (1985년)
• 하로 (1987년)
• 코다(1992년)
• 오케스트라를 위한 일곱 개의 솔로 (1992-2009)
  • 고, 오케스트라의 경우 솔로 n°1(1992)
  • 엑센소, 오케스트라용 솔로 n°2 (1993–1994)
  • 오케스트라를 위한 에이펙스, 솔로 n° 3 (1995)
  • 클람, 오케스트라 단독 n° 4 (1997–1998)
  • 엑세오, 오케스트라 단독 n° 5(2002)
  • 레베소, 오케스트라용 솔로 n°6(2005-2006)
  • 오케스트라에 대한 Uncut, 솔로 n°7(2009)
• 현악 관현악단을 위한 Khjra(1993)
• 루프, 첼로 4중주 2개용(1996)
• 카스칸도 (1997년)
• Perela Suite, 오케스트라용(2004)
• 롱아일랜드의 아침(2010)

콘체탄테

• 플루트
  • 라벤, 플루트 협주곡(1980–1981)
  • 갈림, 플루트와 현악 오케스트라를 위한 '필수 플레나 오블렉테이션' (1998년)
• 첼로
  • 첼로, 첼로 협주곡(1996)
  • 아웃스케이프, 첼로 협주곡 (2016)
• 바이올린
  • 쿼드, 바이올린과 15명의 음악가를 위한 '기억에 길레스 델레즈' (1996년)
  • 아우프강, 바이올린 협주곡(2011~2012년)
• 피아노
  • A Quia, 피아노 협주곡(2002)
  • Jetzt Genau! 피아노 및 6악기용 협주곡(2012)
• 기타
  • 아리아, 클라리넷 협주곡(1991)
  • 와트, 트롬본 협주곡(1994)
  • 수영-투버즈에서 바이올린과 첼로를 위한 이중 협주곡(2017년)
  • 파도, 오르간 및 오케스트라용(2019)

보컬

• 이기투르 (1977년)
• 루멘 (1977년)
• L'Homme aux liens, 소프라노 2개 및 바이올린 3개(1978년)
• 신교, 소프라노·피콜로 플루트용(1981)
• Niobé ou le rocher de Sypile (1982)
• 신에게, 소프라노와 클라리넷을 위해 (또는 색소폰 소프라노)(1985)
• 미미(Mimi) 2인용 여성용 음성 및 앙상블(1986–1987)
• Aks(1987년)
• 레드 록, «로메오 외 줄리엣 »(1987년)
• 아나콜루테 (1987년)
• O의 경우, 여자 목소리 2개와 클라리넷 2개(1988)
• So Full of Shape is Fancy, for Sophona and bass clarinet (1990)
• 코모디아어(1993)
• 소프라노, 클라리넷, 첼로를 위한 칸토(1994)
• 두 개의 산책, 두 개의 여성 음성에 다섯 개의 작품(1994)
• 도나 아이즈(1998년)
• 모모(2002)
• ô 베리오, 소프라노 및 13개의 악기(2006)용
• 오 멘슈! (Inventaire Raisonné de Quelkes 열정 니에츠셰네스), 바리톤과 피아노(2008-2009)를 위하여
• 소프라노, 클라리넷, 피아노를 위한 베켓의 본즈(2013년)
• Wenn du Dem Wind... (3 scénes de l'opéra Penthesilea) 메조소프라노 및 오케스트라(2014)
• Wolken, 여성용 음성 및 피아노(2014년)

오페라

• 로메오 에 줄리엣 (1985–1988)
• 메디아머티리얼(1990-1991)
• 라 멜랑콜리아 (1991년)
• 토비성(1992~1993)
• 페렐라, 우오모 디 후모(2001)
• 파우스터스, 라스트 나이트(2003–2004)
• 열정(2009)
• 펜테실레아(2015년)
• 맥베스 언더월드(2019년)

합창

• 세미노 (1985년)
• 일리코(1987년)
• 그라눔시나피스(1992~1997)
• 혼성 합창단 Umbrae Mortis(1997)
• 어린이 합창단, 혼성합창단, 현악관현악단, 타악기, 유리하모니카(2014년)

인식

뒤사핀은 다음과 같은 상과 상을 받았다.

• 1979 – Hervé Dugardin Prize(SACEM)
• 1981-83 – 로마 빌라 메디치 장학금 보유자
• 1993-94 – 국립 관현악단 리옹과 함께 상주하는 작곡가
• 1993년 – 아카데미 미술상
• 1993 – Free du Syndicat de la Critique (Critics's Circle Award)
• 1994 – SACEM Prize of Symphonic Music
• 1995년 프랑스 문화부가 그랑프리 국가무시크상을 수여했다.
• 1998년 – 1998년 빅투아르 드 라 무시크(Victoire de la Musicique)는 국립 관현악단 리옹이 녹음한 CD로, 2002년에는 '올해의 작곡자'로 선정되었다.
• 2007 – Dan David Prize(주빈 메타와 공유)

2019년 《가디언》의 작가들은 팀 애슐리가 "점수는 몬테베르디와 프랑스 바로크에 미묘하게 암시되지만, 그것이 만들어내는 사운드 세계는 독특하게 뒤사핀만의 것이다: 긴장되고, 조용히 매혹되고, 그리고 엄숙하게 아름답다"^[37]라고 쓰면서 2000년 이후 14번째로 위대한 예술음악 작품인 《열정(2008)을 선정했다.

참조

메모들

원천

• 앰블라드, 자크 파스칼 뒤사핀, 내 말 알아들었어? 파리: Musica fassea Societé de Presse, 2002.
• 앤더슨, 줄리안 "두사핀, 파스칼." Brian Morton과 Pamela Collins가 편집한 컨템포러리 작곡가에서는 250–52. 시카고: 1992년 세인트 제임스 프레스
• Cazé, Antoine (2006). "Lyrismes". Sillages Critiques 8 (2006): 159–71 (8): 159–171. doi:10.4000/sillagescritiques.593. Retrieved 20 September 2013.
• 카제, 앙투안 '파스 드 듀스:' 뒤사핀 싱스/스테인 투 비성' Sound as Sense: Michel Delville과 Christine Pagnoulle이 편집한 In Sound as Sense &/In Music. 신비교시인 11. 벨기에 브뤼셀: Européenes Inter Universities – Peter Lang, 2003을 누른다.
• 코헨-레비나스, 다니엘 "합성자 네스트 파스 라 뮤지크." Coseries sur la musicique: Entretiens avec des composer, Danielle Cohen-Levinas, 203–50. 파리: L'Itinéraire, 1999.
• 그라보츠, 마르타 "현대 오페라에서의 이니시아온과 정적 임시성의 유형: 프랑수아-베르나르 마체, 파스칼 뒤사핀, 구알티에로 데지스의 작품" 1900년 이후의 음악과 이야기에서 마이클 L. 클라인과 니콜라스 레이랜드가 편집한 101–24. Bloomington, IN: Indiana University Press, 2013.
• 스토아노바, I. "파스칼 뒤사핀: 페브리엘 음악." 컨템포러리 뮤직 리뷰 8, 1위(1993): 183–96.

외부 링크

• 작곡가 출판사 듀란트살라베르트에스치그 두사핀 페이지
• 콘서트 및 CD 리뷰 classicalsource.com
• 짧은 전기, 앙상블 소스피소
• 전기와 작품 목록, 살아있는 작곡가 프로젝트
• 2007년 수상자 댄 데이비드
• "Pascal Dusapin biography" (in French). IRCAM.