시각 예술

시각 예술은 회화, 드로잉, 판화, 조각, 도자기, 사진, 비디오, 영화 제작, 디자인, 공예, 건축과 같은 예술 형태이다.공연 예술, 개념 예술, 섬유 예술과 같은 많은 예술 분야들은 또한 다른 종류의 예술뿐만 아니라 시각 예술의 측면도 포함한다.또한^[1] 산업 디자인, 그래픽 디자인, 패션 디자인, 인테리어 디자인, 장식 예술과 같은 ^[3]응용 예술도 시각^[2] 예술에 포함된다.

"시각 예술"이라는 용어의 현재 사용에는 응용 예술이나 장식 예술과 공예뿐만 아니라 미술도 포함되지만, 항상 그랬던 것은 아니다.20세기 전환기에 영국과 다른 곳에서 예술과 공예 운동 이전에, '예술가'라는 용어는 종종 장식 예술, 공예, 또는 응용 시각 예술 미디어가 아닌 미술 분야에서 일하는 사람으로 제한되었다.예술과 공예 운동의 예술가들은 높은 ^[4]형식만큼이나 자국 예술 형식을 중시했다.예술학교들은 공예품을 예술과 구별하여 공예가가 예술의 실천가로 간주될 수 없다고 주장했다.

다른 작품보다 기교나 문체를 더 선호하는 경향은 시대를 거치면서 화가의 특징이었다.많은 경우에서 그림은 화가의 상상력에 가장 많이 의존하며 수작업에서 가장 멀리 떨어진 것으로 여겨져 왔다. 중국 그림에서 가장 높이 평가되는 화풍은 적어도 신사 아마추어에 의해 실천된 이론상으로는 "스콜라 페인팅"이었다.서양의 장르 계층은 비슷한 태도를 반영했다.

교육 및 훈련

시각 예술에 대한 교육은 일반적으로 견습생과 워크샵 시스템을 통해 이루어집니다.유럽에서는 예술가의 위신을 높이기 위한 르네상스 운동이 예술가를 양성하는 아카데미 제도를 이끌어냈고, 오늘날 예술에 종사하는 대부분의 사람들은 예술 학교에서 고등 교육을 받는다.시각 예술은 이제 대부분의 교육 ^[5][6]시스템에서 선택 과목이 되었다.

그림그리기

드로잉은 온라인 및 오프라인에서 사용할 수 있는 다양한 도구와 기술을 사용하여 이미지, 일러스트레이션 또는 그래픽을 만드는 방법입니다.일반적으로 도구에서 압력을 가하거나 흑연필, 펜과 잉크, 잉크 붓, 왁스 색연필, 크레용, 숯, 파스텔 및 마커와 같은 건조한 매체를 사용하여 표면에 도구를 이동시키는 것이 포함됩니다.펜, 스타일러스 등 이러한 효과를 시뮬레이션하는 디지털 도구도 사용됩니다.도면에 사용되는 주요 기술은 선 그리기, 해치, 크로스 해칭, 랜덤 해치, 음영, 낙서, 스티플링 및 블렌딩입니다.그림에 뛰어난 예술가는 제도사 ^[7]또는 제도사라고 불린다.

그림과 그림은 수만 년 전으로 거슬러 올라간다.후기 구석기 미술에는 약 40,000년에서 35,000년 전에 시작된 조형 미술이 포함됩니다.손스텐실과 단순한 기하학적 형상으로 이루어진 비구형 동굴 벽화는 더욱 오래되었다.구석기 시대의 동굴은 프랑스 라스코와 유럽의 스페인 알타미라, 아시아의 술라웨시 마로스, 호주의 가반멍과 같은 지역에서 발견된다.

고대 이집트에서는, 종종 사람들을 묘사하는 파피루스의 잉크 그림이 그림이나 조각의 모델로 사용되었다.처음에는 기하학적 형태였던 그리스 화병에 그려진 그림들은 나중에 기원전 ^[8]7세기에 검은 모양의 도자기와 함께 인간의 형태로 발전했다.

15세기 유럽에서 종이가 보편화되면서 드로잉은 산드로 보티첼리, 라파엘, 미켈란젤로, 레오나르도 다빈치와 같은 거장들에 의해 채택되었는데, 그들은 때때로 그림을 그림이나 ^[9]조각의 준비 단계라기보다는 그 자체로 예술로 여겼다.

페인팅

문자 그대로의 페인팅은, 종이, 캔버스, 벽등의 표면(지지체)에, 캐리어(또는 매체)와 접착제(접착제)에 현탁하는 것을 말한다.그러나 예술적 의미로 사용될 경우, 이는 실천가의 표현적, 개념적 의도를 나타내기 위해 그림, 구성 또는 기타 미적 고려사항과 함께 이 활동을 사용하는 것을 의미한다.그림은 또한 영적인 모티브와 사상을 표현하기 위해 사용된다; 이러한 종류의 그림의 장소는 도자기에 신화적인 인물들을 묘사하는 예술작품에서부터 시스티나 성당에 이르기까지 다양하다.^[10]

역사

기원과 초기 역사

그림처럼, 그림도 동굴과 바위 표면에서 그 기원을 기록하고 있다.일부 사람들에 의해 32,000년 된 것으로 여겨지는 가장 좋은 예는 프랑스 남부의 쇼베 동굴과 라스코 동굴에 있다.빨간색, 갈색, 노란색, 검은색의 색조로 벽과 천장에 있는 그림들은 들소, 소, 말, 사슴으로 이루어져 있다.

고대 이집트의 무덤에서는 인간 형상의 그림을 볼 수 있다.람세스 2세의 위대한 신전에는 그의 여왕 네페르타리가 ^[11]이시스가 이끄는 모습으로 묘사되어 있다.그리스인들은 그림을 그리는데 기여했지만 그들의 작품 중 많은 부분이 손실되었다.남아있는 가장 좋은 묘사들 중 하나는 헬레니즘적인 페이움 미라 초상화이다.또 다른 예는 아마도 그리스 그림을 바탕으로 한 폼페이의 이소스 전투 모자이크이다.그리스와 로마 미술은 아이콘 그림의 전통을 시작한 기원전 ^[12]4세기 비잔틴 미술에 기여했다.

르네상스

중세 동안 승려들에 의해 만들어진 조명 원고와는 별도로, 유럽 예술에 대한 다음 중요한 공헌은 이탈리아의 르네상스 화가들의 것이었다.13세기 지오토에서 16세기 초 레오나르도 다빈치와 라파엘에 이르기까지 이탈리아 미술에서 ^[13]가장 풍요로운 시기였다.

북유럽의 화가들도 이탈리아 학파의 영향을 받았다.벨기에의 얀 반 에이크, 네덜란드의 피터르 브루겔, 독일의 한스 홀바인은 그 시대의 가장 성공한 화가들 중 하나이다.그들은 깊이와 광도를 얻기 위해 기름으로 유리를 칠하는 기술을 사용했다.

네덜란드의 거장들

17세기에는 특히 초상화와 성경 장면으로 유명한 다재다능한 렘브란트, 네덜란드 생활의 인테리어 장면을 전문으로 하는 베르메르와 같은 위대한 네덜란드 거장들의 출현을 목격했다.

바로크 양식의

바로크는 르네상스 이후 16세기 후반에서 17세기 후반까지 시작되었다.바로크 양식의 주요 예술가들은 테너브리즘을 많이 사용했던 카라바조를 포함했다.이탈리아에서 공부한 플랑드르 화가 피터 폴 루벤스는 앤트워프의 지역 교회에서 일했고 마리 드 메디치를 위해 시리즈를 그렸다.아니발레 카라치는 시스티나 성당에서 영향을 받아 환상의 천장화 장르를 만들었다.바로크 양식에서 일어난 발전의 대부분은 개신교 개혁과 그에 따른 반종교 개혁 때문이었다.바로크를 정의하는 것의 대부분은 극적인 조명과 전체적인 ^[14]시각이다.

인상파

인상주의는 19세기 프랑스에서 시작되었는데, 클로드 모네, 피에르 오귀스트 르느와 폴 세잔을 포함한 화가들의 느슨한 연관성으로 시작되었고, 그들은 종종 스튜디오가 아닌 바깥에서 현대 생활의 사실적인 장면을 그리기를 선택했다.이는 붓글씨로 표현된 심미적 특징의 새로운 표현과 현실적 인상을 통해 이루어졌다.순수하고 섞이지 않은 색상과 짧은 붓놀림으로 강렬한 색상의 진동을 실현했습니다.그 운동은 역동적으로 예술에 영향을 미쳤고, 시간을 통해 움직이며, 새로 발견된 기술과 예술에 대한 인식에 적응했다.세세한 부분까지 신경을 쓰는 것은 성취의 우선순위가 아니라 풍경과 자연에 대한 편향된 시각을 예술가의 ^[15][16]시각으로 탐구하는 것이다.

후기 인상주의

19세기 말, 몇몇 젊은 화가들은 더 깊은 상징성을 위해 노력하면서 감정을 묘사하기 위해 기하학적 형태와 부자연스러운 색을 사용하면서 인상주의를 한 단계 더 발전시켰다.특히 아시아, 아프리카, 일본 미술의 영향을 많이 받은 폴 고갱, 남쪽의 강한 햇빛을 받으며 프랑스로 이주한 네덜란드인 빈센트 반 고흐, 몽마르뜨르의 ^[17]파리 지역에서의 생생한 밤 생활 그림으로 기억되는 툴루즈 로트렉 등이 눈에 띈다.

상징주의, 표현주의, 입체주의

노르웨이의 예술가인 에드바르 뭉크는 19세기 말에 프랑스의 인상파 화가 마네로부터 영감을 받아 그의 상징주의적 접근을 발전시켰다.그의 가장 유명한 작품인 절규(1893)는 현대인의 보편적인 불안감을 대변하는 것으로 널리 해석되고 있다.뭉크의 영향으로 20세기 초 독일에서 에른스트 키르슈네르, 에리히 헤켈 등의 예술가들이 감정적 효과를 위해 현실을 왜곡하기 시작하면서 독일 표현주의 운동이 시작되었다.

이와 병행하여, 입체파라고 알려진 스타일은 프랑스에서 예술가들이 작품 내에서 날카로운 구조의 부피와 공간에 초점을 맞추면서 발전했다.파블로 피카소와 조르주 브라크는 이 운동의 주요 지지자였다.오브젝트는 추상화된 형태로 분할, 분석 및 재조립됩니다.1920년대까지, 그 ^[18]스타일은 달리와 마그리트와 함께 초현실주의로 발전했다.

판화

인쇄술은 예술적 목적을 위해 매트릭스 상에 이미지를 만들어 잉크(또는 색소침착의 다른 형태)를 통해 2차원(평탄한) 표면에 전송하는 것이다.모노타입의 경우를 제외하고, 같은 매트릭스를 사용해 많은 인쇄 예를 작성할 수 있다.

역사적으로 목판, 선각, 식각, 석판 인쇄, 스크린 인쇄(세리그래피, 실크 스크리닝)가 주요 기술(미디어라고도 함)이지만 현대 디지털 기술을 포함한 많은 다른 기술들이 있다.보통 인쇄물은 종이에 인쇄되지만, 다른 매체는 천이나 벨룸에서 좀 더 현대적인 재료에 이르기까지 다양합니다.

유럽사

1830년 이전에 만들어진 서양 전통 판화는 오래된 명판이라고 알려져 있다.유럽에서는 서기 1400년경부터 비잔틴과 이슬람 세계에서 발달한 인쇄 기술을 사용하여 종이에 인쇄하는 데 사용되었다.마이클 볼게무트는 독일 목판을 약 1475년에서 개량했고, 네덜란드인인 에르하르트 로이치는 크로스 해치를 최초로 사용했다.21세기 말에 알브레히트 뒤러는 서양 목판을 전례 없는 단계로 발전시켜 단엽 ^[19]목판의 위상을 높였다.

중국의 기원과 관습

중국에서 판화술은 약 1,100년 전에 종이에 인쇄하기 위해 목판에 자른 글자와 함께 삽화로 발전했다.처음에는 종교적인 이미지가 주를 이뤘지만 송나라 때 화가들이 풍경화를 그리기 시작했다.명 (1368–1644)과 청 (1616–1911) 왕조 동안, 이 기법은 종교와 예술적 ^[20][21]판화에 모두 완벽했다.

일본 개발 1603년 ~ 1867년

일본의 목판인쇄는 우키요에 예술 장르에서 사용되는 것으로 가장 잘 알려진 기술이지만, 같은 시기 삽화 도서의 인쇄에도 매우 널리 쓰였습니다.목판 인쇄는 가동 활자가 등장하기 훨씬 전인 수세기 동안 중국에서 책을 인쇄하는 데 사용되었지만, 에도 시대(1603–1867)에 일본에서 널리 채택되었다.모쿠항가는 서양의 판화에서 목판과 비슷한 점이 있지만(기름으로 된 잉크를 사용하는 서양의 목판화와는 달리) 다양한 선명한 색채, 광택, 투명도를 얻을 수 있다는 점에서 크게 다르다.

사진

사진은 빛의 작용으로 그림을 만드는 과정이다.물체에서 반사되거나 방출되는 빛 패턴은 시간 노출을 통해 민감한 매체 또는 저장 칩에 기록됩니다.이 과정은 기계 셔터 또는 전자 시간 노출을 통해 카메라로 알려진 화학 처리 또는 디지털 장치에 이루어집니다.

이 단어는 그리스어로 "빛"과 "stylus" 또는 "그림그리기"라는 뜻의 "stylus" 또는 "그림그리기"라는 뜻의 "그림그리기"에서 유래했다.전통적으로, 사진의 산물은 사진이라고 불려왔다.사진이라는 용어는 줄임말이다; 많은 사람들은 사진이라고도 부른다.디지털 사진에서는, 「이미지」라는 용어가 사진을 대체하기 시작했다.

아키텍처

건축은 건물이나 다른 구조물을 계획, 설계, 건설하는 과정과 산물이다.건축 작품은 건물의 물질적 형태에서 종종 문화적 상징이자 예술 작품으로 인식된다.역사적 문명은 종종 그들의 남아있는 건축적 업적과 동일시된다.

건축을 주제로 한 현존하는 가장 오래된 작품은 서기 1세기 초에 로마 건축가 비트루비우스가 쓴 De architectura입니다.비트루비우스에 따르면, 좋은 건물은 보통 원본 번역으로 알려진 피르미타, utilitas, venustas의 세 가지 원리, 즉 견고성, 상품성, 기쁨을 만족시켜야 한다.현대 영어의 동등한 요소는 다음과 같습니다.

1. 내구성 – 건물은 견고하게 서 있어야 하며 양호한 상태를 유지해야 합니다.
2. 유틸리티 – 사용 목적에 적합해야 합니다.
3. 아름다움 – 미적으로 즐거워야 합니다.

건축은 우선 니즈(쉘터, 보안, 예배 등)와 수단(이용 가능한 건축 자재와 수행 기술)의 역학에서 발전했다.인간의 문화가 발달하고 지식이 구전 전통과 관행을 통해 공식화되기 시작하면서 건축은 공예품이 되었고, "건축"은 그 공예품의 가장 형식화되고 존경받는 버전에 붙여진 이름이다.

영화 제작

영화 제작은 초기 구상 및 연구에서부터 대본 작성, 촬영 및 녹음, 애니메이션 또는 기타 특수 효과, 편집, 사운드 및 음악 작업을 통해 영화를 만들고 마지막으로 관객들에게 배급하는 과정이다; 그것은 넓게는 영화 제작, 다큐멘터리, 극장의 변형된 변종들을 수용하는 모든 종류의 영화를 말한다.d영화의 문헌, 시적 또는 실험적 관행, 비디오 기반 프로세스를 참조하는 데 자주 사용됩니다.

컴퓨터 아트

비주얼 아티스트는 더 이상 전통적인 비주얼 아트 미디어에 국한되지 않습니다.컴퓨터는 1960년대 이후 시각 예술에서 그 어느 때보다도 흔한 도구로 사용되어 왔다.이미지 및 폼 캡처 또는 생성, 이미지 및 폼 편집(복수의 구성 탐색 포함), 최종 렌더링 또는 인쇄(3D 프린팅 포함) 등이 사용됩니다.컴퓨터 아트는 컴퓨터가 생산이나 전시에서 역할을 했던 모든 것을 말한다.이러한 아트에는 이미지, 사운드, 애니메이션, 비디오, CD-ROM, DVD, 비디오 게임, 웹사이트, 알고리즘, 퍼포먼스 또는 갤러리 설치가 있습니다.많은 전통적인 분야들이 디지털 기술을 통합하고 있으며, 그 결과 전통적인 예술 작품과 컴퓨터를 사용하여 만든 새로운 미디어 작품 사이의 경계가 모호해졌다.예를 들어, 예술가는 전통 회화와 알고리즘 예술 및 다른 디지털 기술을 결합할 수 있다.그 결과 컴퓨터 아트를 최종 제품으로 정의하는 것은 어려울 수 있습니다.그럼에도 불구하고, 이러한 종류의 예술은 미술관 전시품에 등장하기 시작했지만, 그것은 아직 그 자체로 형식으로서의 정당성을 입증하지 못했고, 이 기술은 현대 미술에서 회화와 같이 형태라기보다는 도구로 널리 보여지고 있다.한편, 같은 테크놀로지와 그 사회적 영향을 조사 대상으로 하는 새로운 개념과 포스트 디지털에 속하는 컴퓨터 기반 예술 작품도 있습니다.

컴퓨터 사용으로 인해 일러스트레이터, 사진작가, 사진편집자, 3-D 모델러, 수공예 예술가 간의 구분이 모호해졌습니다.정교한 렌더링 및 편집 소프트웨어로 인해 여러 기술을 갖춘 이미지 개발자가 탄생했습니다.사진작가는 디지털 아티스트가 될 수 있다.일러스트레이터는 애니메이터가 될 수 있습니다.수공예는 컴퓨터 지원을 받거나 컴퓨터로 생성된 이미지를 템플릿으로 사용할 수 있습니다.컴퓨터 클립 아트의 사용으로 인해 문서 페이지 작성 과정에서 클립 아트에 쉽게 접근하고 편집할 수 있기 때문에, 특히 비숙련 관찰자에게는 시각 예술과 페이지 레이아웃의 명확한 구별이 없어졌습니다.

조형 예술

조형 예술은 조각이나 도자기 같은 성형이나 모델링에 의해 플라스틱 매체를 물리적으로 조작하는 예술 형태를 일컫는 용어이다.이 용어는 또한 모든 시각 예술(^[22][23]비문학, 비음악)에도 적용되어 왔다.

돌이나 나무, 콘크리트 또는 강철과 같이 조각하거나 모양을 만들 수 있는 재료도 좁은 정의에 포함되었습니다. 적절한 도구를 사용하면 이러한 재료도 ^{[citation needed]}변조할 수 있기 때문입니다.예술에서 "플라스틱"이라는 용어의 사용은 피에트 몬드리안의 사용이나 그가 프랑스어와 영어로 "신플라스틱주의"라고 부르는 운동과 혼동되어서는 안 된다."

조각품

조각은 단단한 또는 플라스틱 재료, 소리 또는 텍스트와 빛, 일반적으로 돌(바위 또는 대리석), 점토, 금속, 유리 또는 나무를 형상화하거나 결합함으로써 만들어진 3차원 예술작품입니다.어떤 조각들은 직접 찾거나 조각하여 만들어지고, 다른 조각들은 조립되고, 함께 만들어지고, 구워지고, 용접되고, 성형되고, 주조됩니다.조각은 종종 ^[24]칠해진다.조각품을 만드는 사람을 조각가라고 합니다.

조각은 성형되거나 변형될 수 있는 재료의 사용을 수반하기 때문에, 그것은 조형 예술 중 하나로 여겨진다.공공 미술의 대부분은 조각이다.정원 안에 있는 많은 조각품들은 조각 정원이라고 불릴 수 있다.조각가들이 항상 손으로 조각품을 만드는 것은 아니다.20세기에 기술이 발전하고 개념 예술이 기술적 숙달보다 인기를 끌면서, 더 많은 조각가들이 그들의 작품을 만들기 위해 예술 제작자들에게 의지했다.제작으로 예술가는 디자인을 만들고 제작자에게 돈을 지불하여 제작합니다.이를 통해 조각가들은 손으로 만들 수 없는 시멘트, 금속, 플라스틱과 같은 재료로 더 크고 복잡한 조각품을 만들 수 있습니다.조각은 또한 3D 프린팅 기술로 만들어질 수 있다.

비주얼 아트의 미국 저작권 정의

미국에서는 시각예술에 대한 저작권을 보호하는 법이 "시각예술"^[25]에 대한 보다 제한적인 정의를 제공합니다.

"시각 예술 작품"은-
(1) 한 부로 존재하는 그림, 도면, 인쇄물 또는 조각물로서 저작자가 서명하고 연속 번호를 매기는 200부 이하의 한정판 또는 200부 이하의 조형물로, 저작자가 연속 번호를 매기고 서명 또는 기타 서명이 있는 것저작자의 식별 마크 또는
(2) 전시용으로만 제작된 정지화상으로서, 저자가 서명한 1부 또는 저자가 서명하고 연속적으로 번호가 매겨진 200부 이하의 한정판으로 존재하는 것.

시각 예술 작품에는 다음이 포함되어 있지 않습니다.
(A)(i) 포스터, 지도, 지구본, 차트, 기술도면, 다이어그램, 모형, 응용미술, 영화 또는 기타 시청각 저작물, 도서, 잡지, 신문, 정기, 데이터베이스, 전자정보서비스, 전자출판물 또는 이와 유사한 출판물
(ii) 상품 또는 광고, 판촉, 설명, 커버 또는 포장 재료 또는 용기
(iii) 제1조 또는 제2호에 기재된 각 호의 일부 또는 일부
(B) 임대를 위한 작업 또는
(C) 본 제목에 의거한 저작권 보호를 받지 않는 저작물

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

참고 문헌

• 반즈, A.C., 아트 인 페인팅, 1937년 제3판, 하코트, 브레이스 & 월드, 주식회사, 뉴욕.
• 부쿠미로비치, D. (1998년)마가 마지노비치.Biblioteca Fatalne srpkinje knj. br. 4. Beograd:나로드나 knj.
• 파젠다, M. J. (1997년)화보와 아이디어 표현 사이: Paula Massano. n.p. 춤의 조형예술과 문학.
• Geron, C. (2000년)Enciclopedia de las artes plasticas dominicana: 1844-2000. 제4판.도미니카 공화국
• Oliver Grau(편집): Media Art Histories.MIT-Press, 2007년. 루돌프 아른하임, 바바라 스태퍼드, 션 큐빗, W. J. T. 미첼, 레브 마노비치, 크리스티아네 폴, 피터 와이벨 a.o.와 함께.레즈텐젠
• 라반, R. V. (1976년)동작 언어: 안무 안내서.보스턴:놀다.
• 라파르주, O. (1930년)성형 기도: 남서 인디언들의 춤. n.p.
• 레스타니, P. (1974년)예술의 플라스틱.파리, 뉴욕: N.P.
• 펜실베이니아 대학교(1969년).플라스틱과 새로운 예술.필라델피아:팔콘 홍보관

외부 링크

• Artlex – 온라인 비주얼 아트 용어 사전.
• 아티스트를 위한 캘린더– 비주얼 아트 페스티벌 캘린더 목록
• 메트로폴리탄 미술관의 미술사 연대표.