인디록

Indie rock
인디록
스타일리시한 기원
문화적 기원1980년대 초중반, 영국, 미국, 뉴질랜드
파생형
하위 장르
퓨전 장르
지역적 장면
로컬 장면
기타 토픽

인디 록은 1980년대 초중반 영국, 미국, 뉴질랜드에서 시작된 록 음악의 하위 장르입니다. 이 용어는 원래 독립 음반사를 통해 발매된 록 음악을 설명하는 데 사용되었지만 1990년대에 이르러서는 그러한 밴드가 제작한 음악과 더 널리 연관되었습니다.

인디 록의 사운드는 뉴질랜드 더니든 사운드 오브 더 칠스, 스니키 필스, 키 큰 난쟁이,[1] 클린[2] 앤 벌레인즈, 그리고 스미스와 R.E.M과 같은 쟁글 팝 밴드를 자주 연주했던 1980년대 초 대학 록 라디오 방송국에서 유래했습니다. 장르는 1980년대 중반 영국에서 NME의 C86 카세트와 미국에서 Sonic Youth, Dinosaur Jr., United States의 언더그라운드 성공으로 확고해졌습니다. 이 무렵 인디(indie)는 음반사 자체 외에 독립 음반사에서 음악이 발매된 밴드를 지칭하는 데 사용되었습니다. 10년이 진행됨에 따라 많은 지역 장면들이 맨체스터의 배기 가스, 스토어브리지와 레스터의 그레보, 런던과 템스 계곡의 신발 구경거리 등 장르에 대한 그들만의 독특한 해석을 발전시켰습니다.

1990년대 동안 인디 록의 영향을 받은 두 운동인 그룬지와 브릿팝의 주류 성공은 장르에 대한 관심을 높였고 음반사들이 독립적인 지위를 마케팅 전술로 사용하는 것을 보았습니다. 이것은 인디 록 내의 분열로 이어졌습니다. 한 쪽은 주류 라디오에 순응하고 다른 쪽은 점점 더 실험적이 되어갑니다. 이 시점에서 인디 록은 독립적인 음악계와의 관계라기보다는 음악적 스타일을 언급했습니다. 10년 동안 소닉 유스, 픽시스, 라디오헤드와 같은 인디 록 밴드들은 모두 슬로우코어, 미드웨스트 이모, 슬랙어 록, 스페이스 록과 같은 주요 레이블과 하위 장르에서 앨범을 발매했습니다. 2000년대에 인디 록은 개러지 록과 포스트 펑크 부활, 스트로크 앤 리버틴스의 영향을 통해 주류에 다시 진입했습니다. 이러한 성공은 10년 중반에 Block Party, Arctic Monkeys and the Killers와 인디 록이 매립 인디 운동으로 확산되면서 악화되었습니다.

특성.

인디 록이라는 용어는 인디 록이 발매되는 작고 상대적으로 저예산인 레이블과 관련된 밴드와 아티스트의 스스로 하는 태도를 설명합니다. 주요 기업과 유통 계약을 체결하는 경우가 많지만, 이러한 레이블과 그들이 주최하는 밴드는 자율성을 유지하기 위해 노력하여 대규모 주류 청중에게 소리, 감정 및 제한된 매력의 주제를 자유롭게 탐색할 수 있습니다.[3] 펑크, 사이키델리아, 포스트 펑크, 컨트리 등 아티스트들의 영향과 스타일은 매우 다양했습니다.[4]

벨벳 언더그라운드의[5] 로파이, 실험적이고 예술적인 록 사운드는 물론 폴,[6] 버즈콕, 와이어, 텔레비전, 조이 디비전과[7][8] 같은 70년대 후반의 펑크 및 포스트 펑크 밴드도 장르에 영향을 미칠 것입니다.[9]

모든 음악은 인디 록을 "주류의 취향과 호환되지 않는 다양한 음악적 접근법"을 포함하는 것으로 식별합니다.[10] 음악적 접근 이상의 기풍으로 연결된 인디 록 운동은 딱딱한 가장자리의 그룬지 영향을 받는 밴드부터 포장과 같은 두잇 유어셀프 실험 밴드, 아니 디프란코와 같은 펑크 포크 가수에 이르기까지 다양한 스타일을 아우릅니다.[11] Brent Luvaas는 그의 책 DIY Style: Fashion, Music and Global Digital Cultures에서 이 장르를 향수에 뿌리를 둔 것으로 묘사하면서 문학에 대한 서정적인 집착 외에도 1960년대의 개러지 록과 사이키델릭 록의 영향을 인용했습니다.[12] 같은 맥락에서 매튜 배니스터는 인디 록을 "주류의 음악적 가치로부터 (어느 정도의) 독립이라는 더 넓은 담론과 실천 안에서 펑크와 1960년대 화이트 팝/록의 영향을 받은 기타를 연주하는 백인 남성들의 작은 그룹"이라고 정의했습니다.[13] 인류학자 웬디 포나로우(Wendy Fonarow)에 따르면 인디의 핵심 요소는 "청교도적 기풍"과 "낭만적 기풍" 사이의 이분법이며, 전자는 엄격한 윤리를 사용하고 후자는 괴팍합니다. 이것은 1990년대 미국과 영국의 인디 음악의 대조에서 가장 잘 나타나는데, 영국의 행위는 화려한 공연자인 반면, 미국의 행위는 그들의 미덕이 부족하다는 것을 진정성의 표시로 사용했습니다.[14]

인디 록은 이전 록 장르에 비해 여성 아티스트의 비율이 상대적으로 높은 것으로 유명한데, 이는 비키니 킬, 브랫모바일, 세븐이어 비치, 팀 드레쉬, 허기 베어와 같은 페미니스트 정보에 기반한 라이엇 그롤 음악의 발전으로 대표되는 경향입니다. 하지만, 코트니 하딩(Cortney Harding)은 이러한 평등 의식이 인디 레이블을 운영하는 여성의 수에 반영되어 있지 않다고 지적했습니다.[16]

역사

오리진스

참고 항목: 컬리지 록과 장글 팝
2014년 더비셔 시골 인디트랙스에서 공연한 오한들
2007년 캘리포니아에서 공연한 영국 밴드 지저스 앤 메리 체인

BBC 다큐멘터리 Music for Misfits: The Story of Indie는 1977년 맨체스터 펑크 록 밴드 The Buzzcocks가 인디 음반사 New Hormons에 Spiral Scratch EP를 자체 출판한 것에 대해 "indie"라는 용어의 결합을 지적합니다.[17][18] 이것은 Swell Maps, 'O' Level, Television Personality, 그리고 Defect Bicles와 같은 밴드들이 그들 자신의 음반을 누르고 배포하는 데 따라가는 DIY 펑크 운동에 영감을 주었습니다.[19][20] 유통은 레드 코뿔소와 러프 트레이드 레코드와 같은 회사들의 연합체인 '더 카르텔'이 설립되면서 더욱 향상되었고, 이들은 이 작은 레이블에서 출시되어 전국적으로 음반 가게로 옮겨졌습니다.[21] 모던 러버스(The Modern Lovers) 데뷔 앨범을 낸 미국의 베서클리 레코드(Beserkley Records)와 더 데머드(The Dammed)의 첫 번째 영국 펑크 싱글 "New Rose"를 낸 스티프 레코드(Stiff Records)에서 볼 수 있듯이, 독립 음반사는 펑크 록 음악 유통 초기에도 필수적인 역할을 할 것입니다. 뿐만 아니라 세인츠가 그들의 "Fatal Records" 레이블을 통해 미국 밖에서 첫 번째 펑크 발매를 발표한 후 몇 달 후 Go-Betweens가 "Lee Remick"을 발표했습니다.[22] 1980년대가 되자 이 용어는 단순히 음반사 자체가 아닌 독립 음반사에서 음악을 제작하는 밴드를 설명하는 데 사용되기 시작했습니다. 이것은 그 당시에 그 음악의 소리가 아닌 음악이 분배되는 방법에 의해 정의되는 유일한 장르가 되었습니다.[4]

더니딘은 독립 음반사 플라잉 넌 레코드(Flying Nun Records)를 제작했으며, 그의 아티스트들은 더니딘 사운드를 정의했으며, 이는 인디 록의 사운드 개발에 특히 영향을 미칠 것입니다.[23][24][25] 오디오 컬쳐에 따르면, 초기 더니든 사운드 밴드 중 하나는 포스트 펑크 그룹으로 부상한 크리스 녹스의 밴드 더 에너미(The Enemy)였으며, 그의 멤버는 알렉 배스게이트(Alec Bathgate)도 포함되었습니다. 비록 그 그룹은 단명했지만, 그들의 공연은 Bored Games, Double Happys, Straftjacket Fits를 결성한 어린 Shayne Carter를 포함하여 그들을 보러 온 10대 음악가들에게 깊은 인상을 남겼습니다. 녹스는 나중에 토이 러브(Toy Love)라고 불리는 또 다른 짧은 기간의 펑크 밴드를 결성했고, 그것이 해체된 후, 그는 영향력 있는 밴드인 톨 드워프(Tall Dwarfs)를 결성했는데, 그들은 가정에서 녹음한 로파이 인디의 출현에 필수적인 영향력을 행사했습니다.[26] 펑크에서 영감을 받은 장면의 측면은 종종 로버트 멀둔과 그의 정부에 대한 반대에서 영감을 받아 풍자나 노골적인 비판을 촉발했습니다.[27] 그 장면은 밴드들이 펑크 록의 영향을 받지만, 리버브 묵직한 팝의 영향을 받는 사운드를 위해 그것의 공격성을 제거하는 것을 보았습니다. 1981년 클린의 데뷔 싱글 "Tally-Ho!"와 1982년 더니딘 더블 EP로 특징지어진 이 앨범의 기타는 종종 장황하고 드론과 보컬이 뚜렷하지 않았습니다.[28] 그 다음 해, 더니딘 소리는 크라이스트처치나 오클랜드 같은 뉴질랜드의 다른 도시들로 퍼졌습니다.[29][25][30][24]

그 후 10년 동안 대학 라디오 방송국의 인기가 높아졌는데, 주로 미국에서 얼터너티브 록, 뉴 웨이브, 포스트 하드코어, 포스트 펑크 등 다양한 장르의 독립 아티스트를 연기했습니다. 이 방송국에서 방송된 밴드들은 팬들에 의해 "대학 록"이라고 불리게 되었고, 이는 스타일적인 의미가 전혀 없는 또 다른 용어였습니다. 가장 유명한 대학 록 밴드는 미국 출신의 Jangle 팝 그룹 R.E.M.과 영국 출신의 Smiths로 Matthew Bannister는 초기 인디 록 그룹이라고 말합니다.[31] 이 밴드들의 영향력은 Let's Active, the Housemartins, the La's의 결성에서 빠르게 드러났습니다.[32] 저널리스트 스티브 테일러(Steve Taylor)는 또한 페이즐리 언더그라운드 씬(Paisley Underground 씬)에 관련된 밴드들을 초기 인디 그룹으로 꼽았습니다.[33] 그러나 이 장들리 스타일은 10년이 지나면서 후속 인디 록 밴드들이 이 스타일을 포기하도록 이끌면서 점점 더 주류가 되었습니다. 대신, 그 다음 몇 년 동안 장 폴 사르트르 익스피리언스와 같은 지저스 앤 메리 체인과 플라잉 넌 레코드 밴드는 장르를 더 느리고, 더 어둡고, 더 최면적인 스타일로 변형시켰습니다.[31] 1980년대 NPR의 비상업 방송국에 대한 로비 이후 미국의 대학 라디오 방송국 수는 크게 감소했습니다. 결국, "college rock"라는 이름은 불리하게 되었고, 곧 "indie"로 대체되었습니다.[34]

발전

마이 블러디 밸런타인이 인디 록의 하위 장르 슈즈게이즈를 개척했습니다.

영국에서 NME는 프리말 스크림, 파스텔, 웨딩 프레젠트 등 그룹별 트랙으로 구성된 C86 컴필레이션 카세트를 출시했습니다. 영국의 현재 독립적인 음악계를 보여주기 위한 이 앨범은 장글 팝, 포스트 펑크, 필 스펙터블 월스 오브 사운드의 요소들을 결합한 그룹들로 구성되었습니다. 2006년, 밥 스탠리는 그것을 "인디 음악의 시작"이라고 불렀습니다.[35] C86은 테이프에 있는 밴드뿐만 아니라 영향을 미친 밴드를 묘사하며 종종 "아노락 팝"과 "샴블링"과 같은 용어와 함께 사용되었습니다.[36] 몇몇 C86 밴드들은 상당한 상업적 성공을 거두었습니다: 수프 드래곤즈는 매디슨 스퀘어 가든을 매진시켰고, 프라이멀 스크림은 1992년 최초의 머큐리 상을 받으며 비평가들의 호평을 받았습니다; 웨딩 프레젠트는 탑 40에 18번이나 올랐지만, 22번 트랙의 런타임에 많은 밴드들도 무명에 빠졌습니다.[37]

미국에서는 R.E.M.의 인기로 인해 하드코어 펑크의 공격성을 싫어하는 사람들이 언더그라운드 음악계의 일원이 되었습니다. 이것은 여러 음악가들, 특히 Minutemen이 주도하는 포스트 하드코어 장면이 될 음악가들에게 힘을 실어주었습니다.[38] 게다가, 주요 레이블들은 언더그라운드 밴드를 추구하기 시작했고, 10년 중반에 Hüsker Dü와 Replacements 둘 다 메이저에 관한 앨범을 발표했습니다. 이 앨범들은 R.E.M.과 같은 성공을 거두지 못했고, 주요 레이블들은 곧 이 장면에 대한 관심을 잃었지만, 젊은 밴드들에게는 큰 영향을 미쳤습니다. 그 다음 몇 년 동안 소닉 유스, 공룡 주니어, 언스트는 이 밴드들에게 빚진 독립 레이블에서 음악을 발표하기 시작했고, 곧 인디 록의 분류를 선택했습니다.[39] 1980년대가 끝나면서 소닉 유스와 픽시스는 모두 주요 레이블과 계약을 맺었습니다.[40]

1980년대 후반, 예수와 메리 체인과 같은 그룹들이 사용하는 사운드 제작의 벽의 연속으로 인디 록의 하위 장르 신발 시선이 등장했습니다. 이 장르는 공룡 주니어와 콕토 트윈즈의 영향과 결합하여 악기를 구별할 수 없을 정도로 음이 잘 안 날 정도로 어둡고 드렁거리는 스타일을 만들었습니다. 이 장르는 마이 블러디 발렌타인이 그들의 초기 EP와 데뷔 앨범 Isn't Anything에서 개척했습니다.[41] 밴드의 스타일은 챕터하우스, 무스, 뤼시를 포함한 런던과 템스 밸리 지역의 밴드들의 물결에 영향을 미쳤습니다. 이 장면은 1990년 멜로디 메이커의 스티브 서덜랜드(Steve Sutherland)에 의해 "스스로를 기념하는 장면"으로 통칭되었습니다.[42]

스톤로즈의 1990년 스파이크 아일랜드 콘서트는 그 당시 독립적인 아티스트의 가장 높은 공연이었습니다.

매드체스터는 1980년대 후반에 시작된 또 다른 스타일이자 장면이었습니다. C86 인디 록, 댄스 음악, 헤도니스트의 극찬 문화의 결합, 특히 사이키델릭 약물 사용에 대한 강조로 정의된 이 장면은 맨체스터를 중심으로 전개되었습니다.[43][44] 이 장면은 1982년 5월 팩토리 레코드의 이니셔티브로 문을 연 하치엔다 나이트클럽을 기반으로 했습니다. 처음 몇 년 동안 클럽 중심의 대중음악을 연주했고 뉴오더, 카바레 볼테르, 컬쳐 클럽, 톰슨 트윈스, 스미스 등의 아티스트들의 공연을 주최했습니다.[45] 1989년에는 해피 먼데이즈 2집 앨범 Bummed의 성공과 스톤 로즈의 셀프 타이틀 데뷔로 매체스터 운동이 싹텄고, 이는 이 장면에서 가장 영향력 있는 작품이 되었습니다. 그 후 몇 년 동안, 샬러탄, 808 스테이트, 인스파이럴 카펫이 추가되었습니다.[46] 매체스터 장면의 인디 록과 댄스 음악의 뚜렷한 조합은 비평가들에 의해 인디 댄스, 즉 더 구체적으로 하위 장르 배기라고 불리게 되었습니다.[47] 매체스터와 배기의 가장 악명 높은 순간은 1990년 5월 27일 스톤 로지스가 헤드라인을 맡은 스파이크 아일랜드 콘서트였습니다. 약 28,000명의 참석자와 12시간 동안 지속된 이 행사는 독립적인 행사에 의해 개최된 최초의 규모와 종류의 행사였습니다.[48]

스타우어브리지에서는 일렉트로닉, 펑크, 포크, 힙합 음악의 영향을 받은 인디 밴드들이 등장해 비평가들로부터 그레보라고 불립니다. 팝 윌 잇 잇셀프(Pop Will Eat Iself), 원더 스터프(Wonder Stuff), 네드(Ned)의 아토믹 더스트빈(Atomic Dustbin)이 전면에 등장하는 "그레보(grebo)"는 광범위하게 정의되었으며, 장르 레이블보다는 스투어브리지(Stourbridge) 장면의 이름으로 더 많이 사용되었습니다. 하지만, 밴드는 빠르게 주목을 받았습니다. 팝 윌 잇 잇 잇셀프(Wise Up) 1989년 싱글 "Wise Up! S 어리버리와 "Can U Dig It?"은 모두 UK Top 40에 진입했고, Stourbridge는 잠시 동안 젊은 인디 록 팬들의 관광 명소가 되었습니다. 1989년에서 1993년 사이에 발매된 이 장면의 중요한 앨범들: 원더 스터프의 'Hup and Never Loved Elvis; 네드의 Atomic Dustbin의 God Fodder와 당신은 정상인가요?; 팝이 먹는 날이 바로 오늘입니다지금이 시간입니다...이것은 이것입니다! 그리고 룩스 오어 라이프스타일? 이 시기에 밴드는 고정 장치가 되었고, 때로는 리드 페스티벌에서 헤드라이너가 되어 수백만 장의 앨범을 팔았고, NME와 Melody Maker와 같은 잡지의 표지에 자주 실렸습니다.[49] 그레보 밴드는 광범위한 영향력뿐만 아니라 장르 내 대부분의 다른 밴드의 트위드나 불행한 분위기를 전복시키고 더 무거운 사운드와 미학을 추구하기 때문에 이전의 인디 록 그룹과 구별되었습니다. 이 장면은 근처 레스터의 스타일적으로 유사한 밴드인 폭탄 파티, 게이 바이커스 온 애시드, 크레이지헤드, 헌터스 클럽 및 스컴 퍼프스도 포함하게 되었습니다.[50]

메인스트림-지하 스플릿: 1990년대

그룬지의 성공으로 소닉 유스는 주류로[51] 진입할 수 있었습니다.

1990년대 초 시애틀 그룬지 장면과 가장 눈에 띄는 연기인 너바나(Nirvana), 펄 잼(Pearl Jam), 사운드가든(Soundgarden), 앨리스 인 체인스(Alice in Chains)가 주류로 진입했습니다.[52] 이들 밴드, 특히 너바나의 기념비적인 성공은 인디 록 씬에 대한 관심을 높였고, 이는 인디 록 디스크립터가 얼터너티브 록이라는 용어로 대체되는 변화를 시작했습니다.[51] 그 결과, "대안"이라는 용어는 본래의 반문화적 의미를 상실하고 이제 주류적인 성공을 이루고 있는 새롭고, 상업적으로 가벼운 형태의 음악을 지칭하기 시작했습니다. 뉴욕 잡지 작가 칼 스완슨(Carl Swanson)은 "완판"이라는 용어조차도 그룬지가 아무리 급진적일지라도 주류에 의해 공동대립되는 틈새 운동을 가능하게 하면서 개인주의적이고 파편화된 문화의 형성을 굳혔다고 주장했습니다.[53] 그의 책 Popular Music에서: 핵심 개념, 미디어 학자 로이 슈커(Roy Shuker)는 "그룬지는 1980년대 북미 인디 록 윤리와 스타일의 주류를 대표했다"고 말하며, 밴드의 독립적인 지위가 "인디 록과 얼터너티브 록은 식별 가능한 '소리'[54]만큼 마케팅 장치가 되었다"고 설명합니다. 이러한 관심의 증가로 인디 록은 분열을 겪었습니다: 현재 인기 있는 얼터너티브 록 라디오를 제공하는 접근 가능한 밴드들과 실험을 계속하며 언더그라운드로 진출한 밴드들.[32] 올뮤직에 따르면, 인디 록의 영향을 받은 주류 밴드들이 얼터너티브 록이라고 불리는 반면, 인디 록은 이러한 언더그라운드 아티스트들이 연주하는 음악 스타일의 용어로 굳어진 것은 이 분열 동안이었습니다.[3]

슬로우코어는 미국에서 그룬지의 급속한 성장에 대한 직접적인 대응점으로 개발되었습니다.[55] 느슨하게 정의되어 있지만 슬로우코어는 일반적으로 느린 템포, 미니멀리즘 악기 및 슬픈 가사를 포함합니다.[56] 갤럭시아 500, 특히 그들의 두 번째 앨범 On Fire (1989)는 밴드캠프 데일리 작가 로버트 루브삼과 함께 이 장르에 큰 영향을 미쳤으며,[57][58] 그들은 "올 모든 것을 위한 분수령"이라고 불렀습니다.[59] 이 장르의 첫 번째 밴드 물결에는 레드 하우스 페인터스, 코데인, 베드헤드, 아이다, 로우가 포함되었습니다. 이 장르는 지리적인 초점이 없고 아티스트 간의 상호 작용이 거의 없는 미국 전역에서 유래되었습니다.[59]

1991년경 그레보 밴드의 젊은 하위 집합이 등장했으며, 이들은 차례로 "프래글" 밴드로 분류되었습니다.[60] 이 운동 동안 지배적인 사운드는 펑크와 너바나의 앨범 블리치 앨범에 큰 빚을 지고 가끔 드럼 머신을 사용하는 인디 록 스타일이었습니다.[61] 긱와이즈 작가 스티븐 클라인은 이 스타일을 "흐릿한 기타, 더 흐린 머리, 그리고 엄마만 빨 수 있는 티셔츠"라고 설명했습니다. 유명한 프래글 행위로는 센스 없는 것들, 메가 시티 포, 멈출 수 없는 섹스 머신 카터 등이 있습니다.[61]

포장 가수 겸 기타 연주자 스티븐 말커스

스핀 작가 찰스 애런(Charles Aaron)은 "포장과 가이드 바이 보이스(Guided by Voices)"를 "이 시기에 인디 록을 예시하게 된 두 밴드이며, 여전히 많은 사람들의 마음 속에 이 용어를 정의한다"고 설명했습니다. 두 밴드 모두 그들의 D를 로맨틱하게 만드는 Lo-fi 프로덕션 스타일을 사용했습니다.I.Y. 기풍.[62] 1992년 Padding의 앨범 Slanted and Enchanted는 슬랙서 록의 하위 장르를 정의하는 앨범 중 하나였습니다.[63] 롤링 스톤은 이 음반을 "본질적인 인디 록 음반"이라고 부르며, 잡지가 선정한 역대 가장 위대한 음반 500장에 이름을 올렸습니다.[64]

노스캐롤라이나 리서치 트라이앵글에서 인디 록 씬은 슈퍼청크, 아처스 오브 로프, 폴보와 같은 부유한 그룹들에 의해 주도되었습니다. 하드코어 펑크와 포스트 펑크의 영향을 받은 인디 록 밴드들의 성장하는 장면을 묘사합니다.[65] 그 당시, Entertainment Weekly와 같은 출판물들은 채플힐이라는 대학가를 "다음 시애틀"이라고 불렀습니다.[66][67] Superchunk의 싱글 "Slack Thorchucker"는 컬럼비아 잡지에 의해 "슬래커" 고정관념을 대중화하고 90년대 인디 록의 정의적인 노래로 인정받았습니다.[68]

브릿팝의 부상과 함께, 영국의 초기 인디 록 밴드들 중 많은 이들이 무명으로 떨어졌습니다.[69] 블러, 오아시스, 펄프, 스웨이드가 이끄는 [70]이 운동의 밴드들은 미국의 그룬지 장면과 상업적으로 경쟁하기 위한 수단으로 언더그라운드 아티스트로 광고되었습니다.[71] 브릿팝이 스타일적으로 인디 록에 빚을 지고 그 일부로 시작한 반면, 브릿팝 밴드들은 장르의 초기 반체제 정치를 버리고 대신 그것을 주류로 끌어들였고, 블러와 펄프 같은 밴드들은 심지어 주요 레이블과 계약을 맺었습니다. 그녀의 에세이 노동 더 포인트에서? 《뉴 브리튼》의 영국의 정치, 정치가이자 학자인 루파 후크는 브릿팝이 "독립적인 영국 음악계의 일부로서 시작되었지만 인디와 주류 사이에 융합이 이루어졌기 때문에 거의 틀림없이 그것을 죽이고 말았다"고 말합니다. 영국에 기반을 둔 독립 음악의 독특한 '항의' 요소를 제거합니다."[13] 음악 저널리스트 존 해리스(John Harris)는 1992년 봄 블러(Blur)의 네 번째 싱글 '팝씬(Popscene)'과 스웨이드(Suede)의 데뷔 '드로우너스(The Drowners)'가 비슷한 시기에 발매되면서 브릿팝이 시작되었다고 제안했습니다. 그는 "[I]f Britpop은 어디서든 시작되었고, 스웨이드의 첫 번째 기록들을 맞이한 것은 찬사의 홍수였습니다: 그들 모두는 대담하고, 성공적이었고, 매우, 매우, 매우 영국적이었습니다."[72]라고 말했습니다. 스웨이드(Suede)는 시애틀(Seattle)의 그렁그렁한 소리에 대한 영국의 대답으로 영국 음악 매체에 의해 받아들여진 새로운 기타 지향 밴드 중 첫 번째 작물이었습니다. 그들의 데뷔 앨범 스웨이드는 영국에서 가장 빨리 팔린 데뷔 앨범입니다.[73]

다각화

Sunny Day Real Estate의 데뷔 앨범인 Diary (1994)는 인디 록 사운드에 이모 장르의 요소를 통합함으로써 이모 장르의 새로운 물결을 시작했습니다.[74] Sunny Day Real Estate 및 Piebald, Promise Ring 및 Cap'n Jazz를 포함한 다른 세컨드 웨이브 이모 밴드는 이모를 하드코어 루트와 거리를 두었고 장르가 첫 번째 웨이브보다 훨씬 더 실현된 장면을 개발할 수 있도록 했습니다.[75] 이러한 이모티콘 스타일은 2000년대 초반에 지미 잇 월드의 블리드 아메리칸(2001)과 대시보드 컨페셔널(2001)의 플래티넘 판매 성공으로 주류 문화에 진입했습니다.[76] 이 물결 동안 특히 주목할 만한 장면 중 하나는 10년 후반의 중서부 이모 밴드로, 그들은 아메리칸 풋볼과 같은 그룹의 독특한 스타일을 만들기 위해 초기 인디 록의 장대한 기타 톤과 수학 록의 요소를 통합했습니다.[75] 이모의 인기는 또한 데스 캡 포 큐티, 모데스트 마우스, 가라테와 같은 많은 "not-indie-not-quite-emo" 밴드들이 상당한 관심을 얻도록 해주었습니다.[77]

느슨하게 정의된 Elephant 6 그룹은 애플 인 스테레오, 불라, 순환 시스템, 엘프 파워, 마인더스, 뉴트럴 밀크 호텔, 몬트리올과 올리비아 트레머 컨트롤을 포함하여 인디 록과 사이키델릭 팝을 결합했습니다. 김 인디 록의 작가 앤드류 얼스(Andrew Earles)는 "다른 밴드들이 탈퇴하고 다른 언더그라운드 스타일이 두각을 나타내는 동안 장르가 예술적으로 관련성을 유지하는 데 도움이 되었다"고 말했습니다.[78][79]

인디 일렉트로닉 또는 인디[80] 일렉트로니카는 샘플러, 신디사이저, 드럼 머신 및 컴퓨터 프로그램을 사용하여 전자 음악에 대한 친화력을 공유하는 록 기반 아티스트를 다룹니다.[81] 스타일보다는 분류에 가깝기 때문에 초기 전자 음악(BBC 라디오포닉 워크샵의 작곡가), 크라우트록 및 신스팝의 전통을 따랐던 1990년대 초반의 활동 경향을 설명합니다.[81] 이 장르의 창시자는 영국 밴드 디스코 인페르노, 스테레오랩, 그리고 스페이스였습니다.[81] 이 장르의 대부분의 음악가들은 Warp, Morr Music, Sub Pop 또는 Ghostly International과 같은 독립 레이블에서 찾을 수 있습니다.[81]

스페이스 록은 사이키델릭 록, 핑크 플로이드와 호크윈드의 주변 음악적 영향을 받아 인디 록의 맥락에 통합했습니다. 이 스타일은 1980년대에 Spaceman 3에서 시작되었으며, 이후 Spiritualized, Flying Saucer Attack, God speed You! Black Emperor와 Quickspace를 포함한 그룹이 등장했습니다.[82]

10년이 끝날 무렵 브릿팝이 시들해지면서 포스트 브릿팝은 영국의 인디 록 씬에서 자리를 잡았습니다.[83] 1997년경부터 운동이 해산되기 시작하면서 쿨 브리타니아와 브릿팝의 개념에 대한 불만이 커지자 신흥 밴드들은 브릿팝 레이블을 피하면서도 브릿팝에서 파생된 음악을 생산하기 시작했습니다.[84][85] 브릿팝의 쇠퇴 이후 그들은 더 비판적이고 대중적인 관심을 받기 시작했습니다.[84] Verve의 앨범 Urban Hymns (1997)는 1999년 해체되기 전에 전 세계적으로 히트를 쳤고, 라디오헤드는 1995년 The Bends로 중간 정도의 인지도를 얻었지만, 그들의 실험적인 세 번째 앨범 OK Computer (1997)로 거의 보편적인 비평가들의 찬사를 받았습니다. 그리고 후속작인 Kid A (2000)와 Amnesiac (2001).[86] 스테레오포닉스는 그들의 획기적인 앨범인 Word Gets Around (1997)와 Performance and Cocktails (1999)에서 포스트그런지와 하드코어의 요소들을 사용했고, 2001년 Just Enough Education to Performance (2001)와 그 이후의 앨범들로 더 멜로디컬한 영역으로 이동했습니다.[87][88] 처음에 미국 포스트 그룬지의 영향을 더 많이 받은 피더는 그들의 획기적인 싱글 "Buck Rogers"와 앨범 "Echo Park"으로 이어지는 하드 록 사운드를 만들었습니다.[89] 그들의 드러머 존 리가 죽은 후, 그들은 컴포트 인 사운드(2002)에서 좀 더 반성적이고 내성적인 모드로 옮겨갔고, 그 때까지 그들의 가장 상업적으로 성공한 앨범은 일련의 히트 싱글을 낳았습니다.[90] 밀레니엄 시대에 가장 상업적으로 성공한 밴드는 콜드플레이였는데, 그들의 첫 두 앨범인 Parachutes (2000)와 A Rush of Blood to the Head (2002)는 멀티 플래티넘을 기록했고, 그들의 세 번째 앨범인 X&Y (2005)가 발표될 때까지 그들은 세계에서 가장 인기 있는 활동들 중 하나로 자리 잡았습니다.[91][92] 스노우 패트롤의 "Chasing Cars" (2006년 앨범 Eyes Open)는 영국 라디오에서 21세기에 가장 널리 재생된 곡입니다.[93]

주류 성공: 2000년대

포스트펑크와 개러지 록 리바이벌

주요 기사: 포스트 펑크 리바이벌과 개러지 록 리바이벌
The Stroks는 2000년대 인디 록에 가장 영향력 있는 밴드 중 하나입니다.

2000년대에 인디 록이 주목을 받았던 주류는 The Stroks와 그들의 2001년 데뷔 앨범 Is This It에서 시작되었습니다. 벨벳 언더그라운드와 라몬즈 같은 60-70년대 밴드들에게 빚진 스타일을 연주한 이 밴드의 의도는 음악적으로 "그들의 음반을 만들기 위해 미래로 시간 여행을 떠난 과거의 밴드"처럼 들리는 것이었습니다.[94] 이 앨범은 미국에서 33위로 정점을 찍었고, 2년 더 차트에 머물렀고 영국 앨범 차트에서 2위로 데뷔했습니다.[94][95] 스트로크가 상업적으로 데뷔했을 때 대중의 "록 음악"에 대한 인식은 포스트 그룬지, 누 메탈, 랩 록에 기반을 두었고, 그들의 스로우백 스타일의 개러지 록을 주류와 극명한 대조를 이룹니다. 밴드의 즉각적인 영향력은 뉴욕의 Yeah Yeah Yeahs, Interpol, 그리고 Radio의 TV와 같은 클래식 록 밴드들에게 영향을 미쳤습니다.[96] The Stroks는 White Stripes, Vines, 그리고 Hives에 의해 이 상업적인 돌파구에 동반되었습니다. 이 그룹들은 미디어의 일부에서 "The" 밴드로 명명되었고, "Rock'n' Roll의 구세주"라는 별명을 얻었으며,[97] 롤링 스톤 잡지는 2002년 9월 표지에서 "Rock is Back!"[98]이라고 선언했습니다.

리버틴은 올뮤직에 의해 "영국에서 가장 영향력 있는 21세기 활동 중 하나"로 묘사되었습니다.

The Stroks의 성공은 밴드의 영향력을 행사하고 그들의 사운드를 실험한 그룹들과 함께 당시 죽어가는 영국의 언더그라운드 포스트 브릿팝 씬에 활기를 불어넣었습니다. 이 영국의 첫 번째 물결에는 프란츠 페르디난드, 카사비안, 막스 ï 모 파크, 크립스, 블록 파티, 카이저 치프스 등이 포함되었습니다. 그러나 1997년에 결성된 리버틴스는 올뮤직과 인디펜던트가 "영국에서 가장 영향력 있는 21세기 활동 중 하나"[100]라고 묘사하면서 스트로크에 대한 영국의 대항마로 서 있었습니다. "리버틴스는 중요한 밴드가 되기를 원했지만 그들이 가질 영향을 예측할 수 없었습니다."[101] 클래시, 킨크스, 스미스, 잼의 영향을 [100]받은 밴드의 스타일은 가수들의 진정한 영어 억양에서 영국의 편협한 즐거움을 가사로 토핑한 작고 높은 음역, 때로는 어쿠스틱한 기타 부분으로 널리 모방되었습니다.[101] 비록 가장 유명한 포스트 리버틴 밴드가 셰필드의 Arctic Monkeys였지만, Fratellis, Kooks, 그리고 View는 상업적으로 큰 성공을 거두기 위한 세 가지 활동이었습니다.[101] 인터넷 소셜 네트워킹의 사용으로 인해 초기 상업적 성공을 거둔 초기 그룹 [102]중 하나인 Arctic Monkeys는 두 개의 1위 싱글을 보유했으며, 그들의 앨범 What's People Say I Am, That's What'm I'm Not(2006)은 영국 차트 역사상 가장 빨리 팔린 데뷔 앨범이 되었습니다.[103]

이 성공에서, 레가시 인디 밴드들은 곧 메인스트림에 진입했고,[104] 그 중에는 모데스트 마우스(2004년 앨범 Good News for People Who Love Bad News)가 포함되어 있습니다. 2004년 빌보드 매거진 핫 100 싱글 세일즈에서 [105]1위를 차지한 브라이트 아이즈와 2005년 앨범 플랜스가 미국에서 4위로 데뷔하여 거의 1년 동안 빌보드 차트에 남아 플래티넘 지위와 그래미 노미네이트를 달성했습니다.[106] 이 새로운 상업적 돌파구와 다른 형태의 대중 문화에 인디라는 용어가 널리 사용되면서 많은 논평가들은 인디 록이 더 이상 의미 있는 용어가 아니라고 제안했습니다.[107][108]

또한 이 운동의 결과로 미국에서 국제적인 명성을 얻었던 두 번째 밴드가 등장했습니다. 블랙 키스, 킹즈 오브 레온, 신스, 용기, 스푼, 홀드 스테디, 내셔널.[76] 이 물결의 가장 상업적으로 성공한 밴드는 라스베가스의 킬러들이었습니다. 2001년에 결성된 이 밴드는 '이것이 맞느냐'를 들은 후 스트로크의 영향으로 이전 자료의 대부분을 다시 쓰기 위해 폐기했습니다.[109] 이 밴드의 데뷔 싱글 "Mr. Brightside"는 2021년 4월 기준 영국 싱글 차트에서 260주 연속, 즉 5년 동안 가장 많은 곡을 사용했으며,[110][111] 2017년 기준으로 2016-2017년에 49위로 정점을 찍은 35주 연속을 [112]포함하여 지난 13년 중 11년 동안 영국 싱글 차트에 올랐습니다.[113] 또한, 이 곡은 2018년 말까지 영국에서 가장 많이 스트리밍된 2010년 이전 곡으로,[114] 2017년까지 일주일에 수백 번 다운로드를 위해 계속 구매되었습니다.[115] 2018년 3월, 이 곡은 200주 동안 영국 싱글 차트 톱 100에 머무르는 대기록을 달성했습니다.[115]

증식

Arctic Monkeys는 상업적으로 가장 성공한 인디 록 밴드 중 하나입니다.

스트로크, 리버틴, 블록 파티의 영향으로 인디 록 아티스트에 대한 상당한 레이블 관심이 이어졌고, 이는 Arctic Monkeys의 성공으로 악화되었습니다. What What People Say I Am 이후 몇 년 동안, That's What I'm Not I'm. 소총대, 비둘기 형사대, 밀번과 같은 밴드의 확산이 있었고, 그들은 초기 행동의 더 공식적인 파생물을 만들었습니다.[116][99] 10년이 끝날 무렵 비평가들은 이러한 행위의 물결을 워드 잡지의 앤드류 해리슨이 만든 설명인 "[117][118][119]랜드필 인디"라고 언급했습니다.[120] 2020년 바이스 기사는 레이저라이트의 보컬 조니 보렐(Johnny Borrell)을 리버틴스의 "절실한 운동 에너지"에 근접했음에도 불구하고 "스펙터컬 미들 오브 더 로드" 밴드를 결성하여 "매립지 인디를 정의하고 구현하고 살았던 한 사람"으로 인용했습니다. 신화화된 애증의 역동성과 낭만과 마약에 의해 애니메이션화된 황폐한 영국에 대한 비전."[116] 2009년 가디언지에 기고한 기사에서, 저널리스트 피터 로빈슨은 매립 인디 운동이 죽은 것이라고 언급하며, "매립 인디가 버커루의 게임이었다면,"이라고 말하며 웜배츠, 스카우트 포 걸스, 그리고 조 린 & 징 장종을 비난했습니다. 그 세 명은 나귀 전체의 무선 친화적인 메인스트림 기타 밴드 단조로움을 공중으로 높이 날리며 다리를 휘날리며 보냈습니다."[121]

지속적인 성공: 2010년대~현재

2010년대 아케이드 파이어의 교외 (2010), 블랙 키스의 턴 블루 (2014), 킹스 오브 레온즈 월즈 (2016), 킬러스 원더풀 (2017)에서 미국 빌보드 차트와 영국 오피셜 차트에서 1위에 오른 상업적인 성공이 계속되었습니다. 아케이드 파이어의 앨범이 2011년 그래미 올해의 앨범상을 수상하면서.[122] 플로렌스 앤 더 머신, 디셈버티스트, LCD 사운드 시스템과 같은 다른 인디 록 공연들은 10년 동안 미국에서 1위를 차지했고, 뱀파이어 위켄드, 플로렌스 앤 더 머신, 북극 몽키즈, 본 아이버, 킬러스, 우체국은 플래티넘 판매 기록을 세웠습니다.[123] 뱀파이어 위켄드의 세 번째 정규 앨범 모던 뱀파이어 오브 더 시티(2013)는 2014년 그래미 어워드 베스트 얼터너티브 뮤직 앨범상을 수상했으며, 결과 작가 타일러 클라크는 2019년에도 여전히 "더 넓은 음악 세계에서 인디 록 표준 베어러"라고 말했습니다.[123] Arctic Monkeys의 다섯 번째 앨범 AM (2013)은 영국 앨범 차트에서 157,329장을 판매하여 올해 두 번째로 가장 빨리 팔린 앨범이 된 10년 동안 가장 큰 인디 록 앨범 중 하나였습니다.[124] 이 차트에서 AM의 데뷔와 함께 Arctic Monkeys는 영국에서 첫 번째 다섯 장의 앨범으로 1위로 데뷔한 첫 번째 독립 레이블 밴드가 되었습니다.[125] 2019년 6월 현재 AM은 영국 앨범 차트 100위권 안에 300주를 보냈습니다.[126] 이 앨범은 또한 호주, 벨기에(Flanders), 크로아티아, 슬로베니아, 덴마크, 아일랜드, 네덜란드, 뉴질랜드 및 포르투갈에서 1위를 차지했으며 여러 다른 국가에서 상위 10위에 올랐습니다. 미국에서 이 앨범은 첫 주에 42,000장이 팔렸고 빌보드 200 차트에서 6위로 데뷔하여 미국에서 가장 높은 차트를 기록한 앨범이 되었습니다.[127] 2017년 8월, AM은 미국에서 100만 장 이상의 판매량과 앨범에 해당하는 수량으로 RIAA로부터 플래티넘 인증을 받았습니다.[128] 2023년 4월 14일 기준으로 앨범의 모든 트랙은 BPI로부터 실버 이상의 인증을 받았으며, "Mad Sounds"는 마지막으로 인증을 받았습니다.[129]

1975년 인디 록과 주류 팝의 합병이 2010년대 초에 상업적으로 인기를 얻기 시작했을 때, 그들은 2014년 NME 어워드에서 "최악의 밴드"로 상을 받았지만, 2017년에는 같은 시상식에서 "최고의 라이브 밴드"로 상을 받았습니다.[130] 얼터너티브 프레스 작가 야스민 수먼은 "인디와 얼터너티브 팬들을 위해 2013년과 2014년을 하나의 앨범으로 요약할 수 있다면 1975년의 자체 타이틀 발매가 될 것입니다."라고 말했습니다.[131] 1975년 밴드를 "메인스트림으로 인디를 확장하는" 밴드로 인정한 가디언지의 기사에서 작가 마크 보몬트는 보컬리스트 매티 힐리가 장르에 미친 영향을 리버타인의 보컬리스트 피트 도허티의 영향과 비교했고,[132] 피치포크는 1995년 이후 음악계에서 가장 영향력 있는 아티스트 중 한 명으로 그들을 나열했습니다.[133] 1975년 이후, 많은 다른 인디 팝 아티스트들이 인기를 얻었습니다. 일부 비평가들은 이 현상을 "힐리웨이브"라고 불렀는데, 여기에는 주목할 만한 것이: 페일 웨이브, 에이스, 조안, 변덕스러운 친구들, 그리고 로마가 포함되었습니다.[134] 이 그룹 중 페일 웨이브(Pale Waves)는 특히 상업적으로 유명했는데, 데뷔 앨범 My Mind Makes Soids는 영국 앨범 차트 8위, Who Am I? (2021)는 3위, Unwanted (2022)는 4위를 차지했습니다.[135] 비슷한 시기에 울프 앨리스는 2018년 2집 Visions of a Life(2017)가 머큐리상을 수상하고 3집 Blue Weekend(2021)가 후보에 오르는 등 이 장면에서 저명한 힘이 되었습니다.[136] 작가 마틴 영(Martin Young)은 도크(Dork)를 위한 2021년 기사에서 "울프 앨리스(Wolf Alice)가 얼마나 중요한지 진정으로 말하는 것은 불가능합니다. 그들은 지난 5년 동안 여러분이 도크에서 읽은 거의 모든 놀라운 밴드의 촉매제입니다."[137]

참고 항목

참고문헌

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    By the mid-'80s, the raw sprawl of post-hardcore "underground rock" was coalescing, and after R.E.M.'s success, a number of bands started to think they could also buy in. Major-label reps were showing more interest... Still, in 1985, the most incorrigibly ill-behaved rock band in America, Minneapolis' the Replacements, signed to Sire and released their major-label debut, Tim, a perfectly ragged collection of anthemic pleas written by singer/guitarist Paul Westerberg... Former hardcore punks Hüsker Dü (Minneapolis natives like the Replacements) recorded their major-label debut, Candy Apple Grey, for Warner Bros., a ten-song stunner of punk-pop head trips, but it never earned a nod from commercial radio. The moment's hopeful ambition faded...
    As major labels moved on to hump the L.A. hair-metal ass party, underground rockers began to lose their craving for mainstream validation. The new role models became uncompromising label owners like Greg Ginn of Southern California's SST, and Ian MacKaye of Washington, D.C.'s Dischord. SST, which had started in the late '70s with Ginn's pioneering Black Flag, was a relentless force, signing up the most significant underground bands of the early to mid-'80s, including Minutemen, Hüsker Dü, Meat Puppets, Sonic Youth, Dinosaur Jr....
    As this shift took place in the underground scene, a new tag for the music began to crop up: "indie rock"... Unrest mixed winsome, strummy love songs with a brash, pop-culture irony that would later become a defining indie-rock trait
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