로피 음악

Lo-fi music
몇 가지 용어가 여기서 수정됩니다.기타 용도는 Lo-fi(동음이의) 및 DIY(동음이의)를 참조하십시오.
Chill-out 음악, Lopi 힙합, Slacker rock과 혼동하지 마세요.
1980~1990년대 장비를 갖춘 최소 침실 스튜디오 설치

Lo-fi(로피 또는 로우파이라고도 함)는 일반적으로 녹음 또는 공연의 맥락에서 결함으로 간주되는 요소가 존재하는 음악 또는 프로덕션 품질입니다. 때로는 고의적인 선택이기도 합니다.음질(충실도)과 음악 생산의 기준은 수십 년 동안 발전해왔으며, 이는 일부 오래된 러브파이 예들이 원래 그렇게 인식되지 않았을 수도 있다는 것을 의미한다.Lo-fi는 1990년대에 대중음악의 한 스타일로 인식되기 시작했고, 그 때 "Do it yourself"[1]에서 교대로 DIY 음악으로 불리게 되었다.

조화 왜곡과 아날로그 온기가 로피 [2]음악의 핵심 특징으로 혼동되기도 한다.전통적으로 lo-fi는 음표, 환경 간섭 또는 축음기 결함(저하된 오디오 신호, 테이프 히스 등)과 같이 전문적인 맥락에서 바람직하지 않은 것으로 간주되는 요소를 포함하는 것이 특징입니다.개척자, 영향력 있는 아티스트 또는 기타 중요한 아티스트로는 비치 보이즈(스마일리 스마일과 와일드 허니), R. 스티비 무어(흔히 "홈 레코딩의 대부"라고 불린다), 폴 매카트니(매카트니), 토드 런드그렌, 얀덱, 다니엘 존스턴, 인도자, 벡바드, 세바드 등이 있습니다.

"lo-fi"는 문화 어휘에 "높은 충실도"만큼 오랫동안 수록되어 있었지만, WFMU 디스크 자키인 윌리엄 버거가 1986년에 이 용어를 대중화시킨 것으로 알려져 있다.1980년대 이후 다양한 시점에서 "로파이"는 카세트 문화, 펑크, 원시주의, 아웃사이더 음악, 진정성, 게으름뱅이/X세대 고정관념, 문화적 향수와 연결돼 왔다.현대 디지털 오디오 워크스테이션의 등장에 따라 "침실" 뮤지션의 개념이 확장되었고 2000년대 후반에는 lo-fi 미학이 칠파적이고 최면적인 팝 음악 [3]장르의 기초가 되었다.

정의와 어원

가장 조잡한 스케치를 했을 때, 로피는 1980년대에 원시주의자이자 현실주의자였고, 1990년대는 포스트모던, 그리고 2000년대는 고대주의자였다.

—Adam Harper, Lo-Fi Aesthetics in Popular Music Discourse (2014)[4]

Lo-Fi는 하이파이의 [5]반대입니다.역사적으로, "lo-fi"의 처방은 기술적 진보와 일반 음악 청취자들의 기대와 관련이 있었고, 이 용어를 둘러싼 수사학과 담론이 [6]수없이 바뀌게 했다.보통 1990년대 이전에 "로우파이"로 표기되는 이 용어는 "고충실도"가 받아들여진 직후인 적어도 1950년대부터 존재해 왔으며 1970년대와 2000년대 사이에 그 정의는 지속적으로 발전했다.1976년판 옥스포드 영어사전에는 "하이파이보다 음질이 떨어지는 소리"[7]라는 정의에 따라 lo-fi가 추가되었다.음악 교육자 R. Murray Schafer는 1977년 저서 The Tuning of the World의 용어집에서 이 용어를 "불편한 신호 대 잡음 비"로 정의했다."[8]

1980년대까지 평론가들 사이에서는 로피 음악의 불완전성에 대한 인식이 거의 없었고, 이 시기에는 홈 레코딩과 DIY([9]Do-It-Yourself) 자질에 대한 낭만주의가 대두되었다.그 후, 「DIY」는 「lo-fi」[10]와 교환할 수 있게 되는 경우가 많았다.1980년대 말까지, "홈 레코딩", "기술적으로 원시적", "비부가가치 기기"와 같은 품질은 일반적으로 "로피"라는 라벨과 관련지어졌고, 1990년대 내내, 그러한 생각은 "로피"가 대중적으로 어떻게 [11]이해되는지에 있어 중심이 되었다.그 결과, 2003년에 옥스포드 사전은 이 용어의 두 번째 정의인 "최소한의 생산으로 특징지어지고 생동감 있고 세련된 사운드를 제공하는 록 음악 장르"를 추가했다.세 번째는 2008년에 추가되었다: "특히 고의적인 미학적 [11]선택으로서, 미학적이고, 아마추어적이거나, 기술적으로 세련되지 않다."

lo-fi 사용을 대중화한 정당이나 정당들의 정체성은 [2]단정할 수 없다.일반적으로 이 용어는 1986년부터 [2][12]1987년까지 지속된 뉴저지 소재 독립 라디오 방송국 WFMU의 윌리엄 버거의 주간 30분짜리 라디오 쇼를 통해 대중화되었다고 한다.이 프로그램의 내용은 전적으로 우편으로[13] 모집된 기부금으로 구성되어 있으며 매주 금요일 [12]황금시간대인 30분 동안 진행되었습니다.WFMU 매거진 LCD의 1986년 가을호에서 이 프로그램은 "저렴한 장비로 제작한 가정용 녹음"으로 묘사되었다.기술적 프리미티비즘과 탁월함.[12]

"베드룸 뮤지션"이라는 개념은 노트북 컴퓨터가 대중음악 또는 아방가르드 [14]음악 형태로 등장한 이후 확장되었고, 수년 동안 모든 가정용 음악을 "로파이"[15]라는 산하에 묶는 경향이 증가했습니다."베드룸 팝"은 밴드들이 전통적인 녹음 [18]공간이 아닌 집에서 녹음하는 음악 장르,[16] 즉 [17]미학을 느슨하게 묘사한다.DIY의 [18][19]의미도 있습니다.2010년대까지, 기자들은 "흐릿한"[20] 소리가 나는 모든 음악에 "침실 팝"을 무차별적으로 적용했다.2017년, About.com의 Anthony Carew는 "lo-fi"라는 용어가 "고장난 자동 응답기에 녹음된 것처럼 보이는" 음악용으로 예약되어야 할 때 "따뜻한" 또는 "고장난"[2]의 동의어로 일반적으로 잘못 사용되었다고 주장했다.

특성.

다음 항목도 참조하십시오.악기로서 음악 및 녹음 스튜디오의 소음
외부 비디오
video icon Todd Rundgren의 "Sounds of the Studio" (Sounds of the Studio) (뭔가/무엇인가) (유튜브 비디오)

Lo-Fi 미학은 기록 프로세스와 관련된 특이사항입니다.구체적으로는 오디오 엔지니어링 분야에서 일반적으로 바람직하지 않은 영향(오디오 신호의 저하나 테이프 [21]속도의 변동 등)으로 인식되고 있습니다.심미성은 또한 수준 미달이나 불만족스러운 음악 [22]공연까지 확장될 수 있다.비전문적이거나 "아마추어"라고 간주되는 녹음은 일반적으로 퍼포먼스(음정 외 또는 음정 외) 또는 믹싱(음정 외, 왜곡 또는 실내 음향)[23]에 관한 것입니다.음악학자 Adam Harper는 그 차이를 "포노그래픽"과 "비포노그래픽 결함"으로 식별합니다.그는 전자를 "기록매체 자체의 특정 작동에서 비롯된 (또는 인식될 것으로 상상되는) 것으로 인식되는 기록의 요소"라고 정의한다.오늘날에는 보통 '로파이'[24]라는 주제를 꺼내면 가장 먼저 떠오르는 특징이 바로 그것입니다.

하퍼는 "왜곡"과 "노이즈"의 정의가 다양하며 때로는 [25]겹친다는 것을 인정하지만, 녹음 불량은 "왜곡과 노이즈"의 두 가지 범주로 느슨하게 분류될 수 있다.lo-fi 미학에서 가장 두드러진 형태의 왜곡은 고조파 왜곡으로, 오디오 신호가 장치의 동적 범위를 넘어 증폭될 때 발생할 수 있습니다.그러나 이 효과는 일반적으로 불완전하다고 간주되지 않는다.로큰롤의 일렉트릭 기타 사운드에 대해서도 디지털 레코딩의 등장으로 아날로그적인 [26]따뜻함을 느낄 수 있게 되었습니다.기록 프로세스의 부산물로 발생하는 왜곡('사진 왜곡')은 일반적으로 전문적인 맥락에서 방지됩니다."테이프 포화"와 "포화 왜곡"은 번갈아 테이프 헤드가 잔류 자화 한계에 도달했을 때 발생하는 고조파 왜곡을 나타냅니다(테이프 레코더 유지보수의 일반적인 측면은 소자 도구로 고정됨).그 영향에는 고주파 신호의 감소와 [27]노이즈 증가가 포함됩니다.일반적으로 lo-fi [28]기록에는 10킬로헤르츠를 초과하는 주파수 정보가 거의 또는 전혀 없습니다.

"비포노그래픽" 결함에는 성능("콜록, 훌쩍임, 페이지 넘김 및 의자 소리") 또는 환경("지나가는 차량, 가정 소음, 이웃과 동물의 소리")[29]에 의해 발생하는 소음이 포함될 수 있다.Harper는 "왜곡과 소음에 대한 인식은 물론 lo-fi 미학에 국한되지 않으며 lo-fi 미학이 왜곡과 소음에 대한 모든 인식으로 확대되는 것은 아니다"라고 인정했습니다.차이점은 왜곡과 노이즈가 lo-fi의 [30]결함으로 이해되는 방식에 있습니다."그는 또한 "녹음 결함"과 "음속 결함 (불완전한 소리 재생 또는 변조 장비의 결과로 발생하는)"을 구분한다.적어도 가정하건대, lo-fi 효과는 기록 및 제작 중에 생성되며, 인지할 수 있을 정도로 마스터 레코딩에 남아 있으며, 마스터 레코딩은 동일하게 복사되어 공개됩니다."[31]

Bruce Bartlett은 2013년 가이드 Practical Recording Technics에서 "lo-fi 사운드는 주파수 응답이 좁을 수 있으며(얇고 값싼 소리), 쉬익거리는 소리나 레코드 스크래치와 같은 노이즈를 포함할 수 있습니다.음높이가 [5]뒤틀리거나 흔들릴 수 있습니다.Lo-Fi 사운드를 복제하는 방법은 다음과 같습니다.레벨이 불균형이 되도록 믹싱 레벨, 마이크와 음원 사이에 장애물을 배치, 휴지통 등 비정상적인 장소에 마이크를 배치, 오래된 저음질 기기 또는 기기를 사용한 녹음, 유출 및 음향 [5]반사 강조입니다.

역사

1950~1970년대 : 기원과 영향력 있는 작품

비치 보이즈(1967년 사진)는 1967년부터 1972년까지 브라이언 윌슨의 홈 스튜디오에서 음반을 녹음했다.

DIY 음악은 쓰여진 역사보다 앞서지만, 1990년대 이후에 이해된 "로피"는 1950년대 [32]로큰롤로 거슬러 올라갈 수 있다.All Music은 이 장르의 레코딩이 "저렴하고 빠르게, 종종 표준 이하의 장비로 만들어졌다"고 쓰고 있다.그런 의미에서 최초의 록앤롤 음반, 60년대 차고록의 대부분, 70년대 후반의 펑크록의 대부분은 [33]Lo-Fi로 태그가 붙을 수 있었습니다.

비치 보이즈의 앨범 Smiley Smile과 Wild Honey는 주로 브라이언 윌슨의 임시 홈 스튜디오에서 녹음된 러브 앨범이었다. 이 앨범들은 후에 윌슨의 소위 Beddom [34]Tapes라고 불리는 앨범의 일부로 언급되었다.처음에는 스마일리 스마일(Smiley Smile)이 혼란과 실망을 겪었지만 밥 딜런의 존 웨슬리 하딩(1967년)과 비틀즈의 화이트 앨범([35]1968년)을 포함한 다른 아티스트들이 비슷한 결함과 벗겨진 특성을 반영한 앨범을 발표한 후 앨범에 대한 감상은 커졌다.피치포크 작가 마크 리처드슨은 스마일리가 "나중에 세바도, 애니멀 콜렉티브,[36] 그리고 다른 캐릭터들을 이끌 일종의 로파이 침실 팝"을 발명한 것에 대해 공로를 돌렸다.롤링 스톤의 편집자들은 와일드 허니를 "DIY [37]팝의 아이디어"의 기원으로 돌렸다.2018년 레코드 콜렉터의 제이미 앳킨스는 많은 현대 로피 가수들이 1970년 밴드의 곡 "All I Wanna Do"[38]의 리버브 포화 사운드에 힘입었다고 썼다.

1970년대 초반에는 휴대용 멀티트랙 장비로 녹음된 음악을 발매한 주요 음반 아티스트가 몇 명 있었습니다. 예로는 Paul McCartney(McCartney, 1970)와 Todd Rundgren(Something/Anything?, 1972)[39]이 있습니다.비틀즈가 해체된 직후에 제작된 이 집에서 녹음한 매카트니는 1970년에 가장 많이 팔린 앨범 중 하나였지만, [40]혹평을 받았다.2005년, 한 인터뷰어가 "아마도 그 당시 최초의 큰 로피 음반들 중 하나"라고 제안하자, 매카트니는 젊은 팬들이 "모종의 존경심을 가지고 그런 것을 돌아보고 있다"며 "그 앨범의 "어느 정도..."라고 말했다.히피의 단순함... 이 시점에서는 왠지 [41]공명하는 것 같다."

룬드그렌은 거의 전적으로 혼자 녹음했다.이 앨범에는 그의 가장 잘 알려진 곡들뿐만 아니라 그가 듣는 사람에게 "Sounds of the Studio"라고 부르는 계란 사냥 유형의 게임의 녹음 결함을 가르치는 구어 트랙("Intro")도 포함되어 있다.그는 앨범의 성공으로 번 돈을 뉴욕에 개인 녹음 스튜디오를 짓는데 사용했다. 그곳에서 그는 덜 성공적인 1973년 후속작인 '마법사,[42] 진정한 별'을 녹음했다.음악학자 대니얼 해리슨은 비치 보이즈의 1960년대 후반 앨범을 "급작스러운 전환, 다양한 팝 스타일의 혼합, 그리고 특이한 생산 효과에서 브라이언의 구성 스타일을 모방한" 음반인 위저드에 비교했다.하지만 비치 보이즈 실험의 상업적 실패는 모방 [43]동기가 되지 않았다는 것을 기억해야 합니다."2018년 피치포크의 샘 소드스키는 위저드의 "지문"이 "오늘날까지 [42]침실에서의 증거"로 남아있다고 언급했다.

1970~1980년대: 인디, 카세트 문화, 아웃사이더 음악

주요 기사:카세트 문화와 아웃사이더 음악
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펑크 록과 뉴 웨이브의 1970년 대말 등장으로 대중 음악의 일부 업종을 부수고 기타 밴드들은then-novel 있다는 전제 하나고 해제하 hav 대신 그들만의 음악을 기록해에 형성되었다고 독립적인 라벨, 분산 네트워크, fanzines고 녹화 studios,[44]의 물결을 알린 DIY정신을 지지하기 시작했다.ing메이저 [45]레이블로부터 음반 계약을 획득하기 위해.로피 뮤지션과 팬들은 주로 백인, 남성 및 중산층이었고, 로피에 관심이 있는 비판적인 담론의 대부분은 뉴욕이나 런던에 기반을 둔 반면, 뮤지션들 자체는 주로 미국의 [46]덜 대도시 지역 출신이었다.

R. Stevie Moore(2011년 사진)는 [47]홈 레코딩의 대부로 자주 불린다.

1968년부터 R. 스티비 무어는 테네시에 있는 부모님의 지하실에서 릴 투 릴 테이프로 정규 앨범을 녹음해 왔지만 1976년 포노그래피가 되어서야 그의 음반 중 어떤 것도 음반사에 [48]발매되었다.그 앨범은 뉴욕의 펑크계와 [49]뉴 웨이브계 사이에서 악명을 떨쳤다.와이어의 매튜 잉그램은 "무어는 드럼에서 기타까지 모든 부분을 녹음하면서 완전히 솔로 활동을 한 최초의 록 뮤지션이 아닐지도 모른다.하지만 홈 레코딩 과정 자체를 명시적으로 심미화한 것은 그가 처음이었다. ... 그를 lo-fi의 [48]증조부로 만들었다.""DIY/lo-fi 개척자 레이블"을 지지하느냐는 질문에 무어는 "선도자로 인정받아야 한다"[50]는 데 동의했지만, 그의 접근 방식은 계산된 예술적 결정이 아닌 "행복"에서 비롯되었다고 설명했다.2006년 뉴욕 타임즈 기자가 무어를 "침대 팝"의 창시자라고 언급했을 때, 무어는 "생계하고 악명을 얻으려는 그의 쓰라린 몸부림, 나는 그것을 [51]비웃는다"는 그의 생각에 비추어 볼 때, 그 생각은 "장난스럽다"고 답했다.

1979년, Tascam은 Portastudio를 선보였는데, Portastudio는 오버더빙, 믹싱 및 바운싱에 대한 "올인원" 방식을 통합한 최초의 휴대용 멀티 트랙 레코더입니다.이 기술을 통해 언더그라운드 서클의 다양한 뮤지션들이 카세트 테이프의 [52]보급을 통해 팬층을 형성할 수 있었다.음악평론가 리치 언터버거는 무어를 "카세트랜드에서 비록 [44]사이비 종교라 할지라도 명성을 확립한 몇몇 아티스트들" 중 "가장 유명한 아티스트들 중 한 명"으로 꼽았다.1979년부터 1980년대 초까지 무어는 WFMU의 스태프로 일했으며 매주 "베드룸 라디오"[48] 쇼를 진행했다.이후 버거의 "로우파이" 프로그램은 [2]펑크 정신과 관련된 독특한 운동으로 효과적으로 로파이를 확립했다.비평가 네드 래겟에 따르면 JW 파르콰르의 1973년 홈 레코딩 앨범 The Formal Women은 또한 R을 포함한 "아무리 많은" 독립 로피 아티스트들의 선구자로 여겨질 수 있다.스티비 무어와 언더그라운드 텍사스 뮤지션 얀덱.[53]

K레코드 설립자이자 Beat Happening 공동창업자 Calvin Johnson(2000년대 사진)

1980년 웨일스의 3인조 그룹인 영마블 자이언츠는 원시적인 드럼 기계와 확실한 "침실" 아우라를 포함한 삭막한 악기를 특징으로 하는 유일한 앨범인 "Collosive Youth"를 발매했다.이브닝 스탠다드의 데이비드 스미스는 나중에 이렇게 썼다. "더 이상의 lo-fi, 야망이 없는 [54]사운드는 상상하기 어렵다."이후 10년 동안 영국의 포스트 펑크 밴드와 함께 미국 언더그라운드의 인디 록 스피어(대학 라디오 애호가 R.E.M.과 같은 밴드)가 가장 두드러진 수출품이었다.[55]AllMusic에 따르면, 그들의 음악의 스타일적인 다양성은 종종 "단순한 팝과 록 노래에서 자유로운 형식의 노래 구조, 순수한 소음과 예술적 [33]실험주의로 바뀌었다"고 한다.비슷한 장면들은 DIY 카세트 거래 힙합과 하드코어 펑크 [52]연기자들 사이에서도 전개되었다.가장 인지도가 높은 밴드 중 하나는 영향력 있는 인디 팝 레이블인 K 레코드의 Beat Happening(1984년-1992년)이었다.그들은 활동 기간 동안 "로파이" 그룹으로 거의 알려져 있지 않았고, 이 [56]용어의 정의가 1990년대 중반에 발전한 후에야 운동의 선구적인 역할로 주목받았다.

다른 곳에서는 WFMU DJ Irwin Chusid가 "아웃사이더 음악" 카테고리의 발명과 보급을 담당했습니다.이 카테고리의 대부분은 [57]lo-fi와 겹칩니다.아담 하퍼는 외부 음악가 다니엘 존스턴과 얀덱이 "1980년대 원시주의와 1990년대 로피 인디 록 사이의 가교를 형성했다"며 "두 음악가 모두 로피가 단순히 받아들여질 수 있는 것이 아니라 일부 비범하고 뛰어난 [58]음악가들의 특별한 맥락이라는 개념을 도입했다"고 말했다.뉴질랜드 출신인 Tall Dwarfs의 1980년대 중반 기록은 로피 [59]사운드를 예상한 것으로 알려져 있다.AllMusic은 Tall Dwrwers의 집에서 녹음한 앨범들이 "이 소리는 [60]수십 년 동안 두드러지고 영향력이 커지기 시작하면서 궁극적으로 '로피'라고 불리게 된 것의 상승을 예고했다"고 썼다.

1990년대: "lo-fi"와 "Indie"의 정의 변경

얼터너티브 음악과의 관계

다음 항목도 참조하십시오.슬레이커 록
Robert Pollard, Guided by Voices (2006년 사진)

1990년대 동안, 미디어의 "인디"라는 단어의 사용은 "음악 산업의 가장 큰 음반사에서 생산"된 음악에서 "대안"[61]의 대안으로 미국에서 보여지는 특정 스타일의 록 또는 팝 음악으로 발전했다.너바나의 네버마인드(1991년)의 성공에 따라 얼터너티브 록은 문화적 화두가 되었고, 이후 1992년부터 1994년 사이에 로피 무브먼트의 개념이 결합되었다.Guided by Voices, Sebadoh, Beck, Painto와 같은 아티스트를 중심으로 한 대부분의 글은 록커로 [62]불린 더글러스 쿠플랜드의 소설 X세대와 리처드 링클레이터의 영화 슬레이커(1991년 개봉)에서 비롯된 X세대와 슬레이커에 대한 고정관념과 일치했다.그룬지와 로피 사이의 묘사 중 일부는 음악의 "진정성"과 관련하여 나왔다.너바나의 선두주자인 커트 코베인은 존스턴, K 레코드, 샤그스를 좋아하는 것으로 잘 알려져 있었지만, 인디 록의 한 파벌은 그룬지를 완판 장르로 보고, 로피의 결함이 음악의 [63]진정성을 부여했다고 믿었다.

1993년 4월, "로피"라는 용어가 뉴욕 [22]타임즈에 헤드라인으로 소개된 후 주류 화폐가 되었다.가장 널리 읽힌 기사는 1994년 8월 같은 신문에서 "Lo-Fi Rockers Opt for Raw Over Slick"이라는 제목으로 실렸습니다.7년 전 신문에 실린 비슷한 이야기와 달리 전문적이지 않은 녹음의 맥락에서 "lo-fi"는 "lo-fi"와 "DIY" 및 "대략적인 음질"[64]을 결합시켰다.그는 다음과 같이 썼다.

이러한 접근으로 인한 거친 음질을 지칭하는 lo-fi 또는 D.I.Y.라고 불리는 이 전통은 최첨단 녹음 기술에 대한 혐오감으로 특징지어진다.디지털 방식으로 기록된 멸균된 Top 40의 세계에서 lo-fi는 예술적 [64]과정의 미가공 이음새를 명확하게 합니다.

이 작품의 주요 초점은 최근 인디 록 하위 [65]문화에서 인기 있는 배우가 된 벡과 가이드의 목소리였다.1994년 싱글 "Loser"가 부엌에서 녹음되어 빌보드 탑 10에 올랐던 벡은 결국 "lo-fi"[66] 태그와 관련된 가장 유명한 아티스트가 되었다."lo-fi"라는 레이블에 대한 대응으로 Guided by Voices 밴드 리더인 로버트 폴라드는 자신들의 움직임과 관련이 없다고 부인했다.그는 밴드가 "로피 운동의 선구자로서 존경받고 있다"고 말했지만, 그는 그 용어에 익숙하지 않았다면서 "당시 많은 사람들이 [태스캠] 기계를 들고 있었다"고 설명했다.네 개의 트랙을 사용하는 것은 DIY, lo-fi [67]등 카테고리를 찾아야 할 정도로 보편화되었습니다."

당시 음악평론가 사이먼 레이놀즈는 이러한 움직임을 그네지 음악에 대한 반작용으로 해석했다. "로파이는 더 거친 생산 [22]가치를 지닌 그저 그네지이기 때문이다."결국, 그는 로파이가 "포스트 록"[22]의 형태로 그 자체의 반응을 불러일으켰다고 말했다.올뮤직에 따르면, 그룬지와 로피 모두에 대한 반응은 브라이언 윌슨, 버트 바차라크, 그리고 리 [68]해즐우드의 풍부한 오케스트레이션으로부터 많은 것을 끌어낸 챔버 팝이었다.

장르 결정화

"로피"는 1990년대 내내 일관되지 않게 적용되었다."홉 온 팝" (2003)이라는 책에서 토니 그라헤다는 1995년까지 롤링 스톤 잡지가 "올해 상반기에 출연한 다른 모든 밴드를 어떻게든 lo-fi로 [22]표기할 수 있었다"고 말했다.스핀의 한 기자는 세바도의 세바도 3세(1991)를 "발명"한 로파이로 간주하며 이 장르를 "펑크의 부드러운 록"[69][22]으로 규정했다.게다가, 사실상 모든 언론인들은 자신들이 이 [22]추세에 기여했다는 것을 인정하지 않으면서 로파이 음악의 증가하는 언론 보도를 언급했다.

보통 나이 든 음악가들과 호의적으로 비교함으로써 로피 행위를 "카노네이션"하는데 도움을 준 책들이 몇 권 출판되었다.예를 들어 롤링스톤의 알트록아라마(1995년)에는 하실 애드킨스, 벨벳 언더그라운드, 하프 일본인, 빌리 칠드런, 비트 해프닝, 로열 트럭스, 세바도, 리즈 페어, 안내자, 존 대니얼 보이스에 의해 언급된 "로파이 탑 10"이라는 제목의 장이 포함되어 있다.Richie Unterberger의 Unknown Legends of Rock 'n' Roll: Psychedelic Unknowns, Mad Geniers, Punk Pioneers, Lo-Fi Mavericks & More 그리고 "그를 둘러싼 동심 비평가들과 팬들의 커뮤니티"는 특히 현대판 로피 미학 개념을 확립하는데 중추적이었다.Adam Harper에 따르면, "요컨대 Unknown Legends는 [1980년대]와 [Cassette Culture] 세대 및 [2000년대]의 이해관계를 연결하고, 초기 몽타주, 징조 – 아마도 '좌파 청사진' – 을 제공합니다."[47]

"lo-fi" 태그는 또한 마운틴 고스, Nothing Painted Blue, Chris Knox, Alastair Galbraith, 그리고 [2]Lou Barlow와 같은 배우들까지 확장되었다.하퍼는 "윈, 그리프터스, 실버 유태인, 리즈 페어, 스모그, 슈퍼챈크, 포르타스틱, 로열 트룩스 등 다른 중요한 예술가들은 그들의 수신이 상대적으로 부족하거나 lo-fietic [66]미학과 관련이 적기 때문에 대부분 누락되었다"고 썼다.

1990년대 후반부터 2000년대까지, "lo-fi"는 "게으른 세대", "느슨함", 또는 "자기 의식"[71]을 불러일으키는 인디 록 하위 카테고리로서의 의미를 대부분 잃어버렸다.Pitchfork와 The Wire는 음악에 관한 주요 출판물이 되었고, 블로그와 소규모 웹사이트는 이전에 [72]팬진들이 차지했던 역할을 맡았다.

2000년대 – 현재 :최면술 팝과 냉파

주요 기사:최면술 팝과 칠웨이브
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2010년 공연하는 아리엘 핑크

현대 디지털 오디오 워크스테이션의 등장으로 전문 아티스트와 비전문 아티스트 [73]간의 이론적 기술적 구분이 해소되었습니다.1990년대의 유명한 로파이 행위들 중 다수는 그들의 사운드를 보다 전문적인[71] 기준에 맞게 조정했고 "침실" 음악가들은 1960년대 우주시대 팝과 아날로그 [72]신시사이저의 부활에 관한 1990년대의 유사한 트렌드를 반영하면서 진정한 로파이 [74]미학을 얻기 위한 방법으로 빈티지 장비를 찾기 시작했다.R. Stevie Moore는 새로운 lo-fi 행위가 주된 [49]영향이라고 점점 더 많이 언급되고 있습니다.그의 가장 목소리를 높인 애리얼 핑크(Ariel Pink)는 Unknown Legends([47]미지의 전설)를 읽었고, 이후 책과 함께 제공된 CD에 수록된 수록곡 중 하나를 커버 버전으로 녹음했다.그의 레이블 데뷔 당시, 핑크는 비슷한 복고풍 로피 사운드를 [2]가진 다른 현대 인디 아티스트가 거의 없었기 때문에 참신함으로 여겨졌다.

이전의 lo-fi 아티스트들은 1980년대 팝 라디오의 영향을 대부분 거부했습니다.[75]이후 문화적 향수와 어린 시절의 기억, 시대에 뒤떨어진 녹음기술 등의 요소를 가진 로피와 포스트노이즈 뮤지션들 사이에서 최면성 팝이라는 음악이 등장했다.이 라벨은 기자 데이비드 키넌에 의해 2009년 8월 <더 와이어>의 작품에서 발명되었는데,[76] 이 작품에는 핑크도 포함되어 있다.핑크는 종종 최면술, 칠파, 글로파이의 대부로 불리며 그와 관련된 새로운 행위(감정적, 개인적, 지리적 또는 직업적)가 [77]비평가들로부터 주목을 끌었기 때문에 자주 언급되었다.Pitchfork의 Marc Hogan에 따르면, 각각의 태그는 본질적으로 [78]사이키델릭한 음악을 묘사했다.아담 하퍼는 2013년 사이먼 레이놀즈와 같은 비평가들 사이에서 R과 같은 전임자들을 인정하지 않음으로써 핑크의 영향력을 과대평가하는 경향이 증가하고 있다고 반성한 바 있다.비너스의 마틴 [47]뉴웰의 스티비 무어와 청소부.

2010년대 후반, "lo-fi hip hop" 또는 "chillhop"이라는 태그가 붙은 다운템포 음악의 형태가 유튜브 뮤직 스트리머들 사이에서 인기를 끌었다.이러한 lo-fi 유튜브 채널들 중 몇 개는 수백만 명의 팔로워들을 끌어 모았다.이러한 현대 스타일의 영감은 주로 예술가 누자베스와 제이 딜라에게서 온다.[79]

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레퍼런스

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추가 정보

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