교향시

또는 이후 시의 내용 보여 주는 단일 연속 운동, 단편 소설, 소설, 그림, 경치, 또는 다른(non-musical)원 일반적으로 관현악의 심포닉 시나 음색 시는 작품이다.독일 용어 Tondichtung(음시)처음으로 작곡가 카를 뢰베에 의해 1828년에 사용된 것으로 보인다.헝가리 작곡가 프란츠 리스트 처음 그의 13작품에 이런 맥락에서 그 용어 Symphonische Dichtung 신청했다.

많은 교향악의 시를 크기와 규모에 교향악의 움직임에(또는 전체를 교향곡의 길이에 도달하)할 수, 그들이 전통 클래식 교향악의 움직임과는 달리 그것이 그들의 음악 청취자들에게거나 고려하는 장면, 이미지, 특정 아이디어나 기분 아니라에 초점을 두게(반드시)상상하도록 고무시키기 위한 것이다에 있다.소나타 형식과 같은 음악의 형태의 전통적 패턴이다낭만 주의, 음악에서, 그림과 극적인 문학적 연상시켰고 이 의도를 청취자들을 격려하기 위한 직접적인 결과이다.그 음악학 연구가 휴 맥도날드에 따르면, 심포닉 시:밖에 소식통에;거나 단일 교장 섹션으로 여러 운동 압축되어 연합 음악 때문에 또는 수술보다 높아 온 것으로 간주될 수 있는 심미적 수준으로 기악 프로그램 음악을 높여 319th-century 미적 목표를 만났다.가 1840년대에서 1920년대, 작곡가들은 장르를 포기하기 시작한 Era.[1]그 심포닉 시로 남아 인기 있는 구성 형태이다.

아르놀트 쇤베르크의 문자열 6중창단 정화된 밤 같은 피아노와 실내악 작품,, 심포닉 시들로 그들의 전반적인 의도와 효과에 공통점이 있어그러나 용어 심포닉 시 일반적으로 관현악곡을 언급할 때 받아들여진다.A심포닉 시는 그것의 자신의(로 리하르트 슈트라우스는 중)에, 또는 시리즈가 교향 모음곡거나 자전거에 결합의 일부가 될 수 있다에 돌아가셔도 됩니다.예를 들어, 투오넬라의 백조(1895)는 장 시벨리우스의 렘밍카이넨 모음곡의 음색시이고, 베데히치 스메타나의 블타바(The Moldava)는 마지막 여섯 작품 주기의 일부이다.

교향시와 음색시라는 용어는 종종 서로 바꿔서 사용되었지만, 리하르트 스트라우스와 장 시벨리우스와 같은 몇몇 작곡가들은 그들의 작품에 대해 후자의 용어를 선호했다.

배경

독일어로 톤디히퉁(톤시)이라는 용어를 처음 사용한 것은 칼 로웨가 관현악 작품이 아니라 바이런 경의 그 이름의 시를 바탕으로 한 그의 피아노 독주곡인 메이즈파, Op. 27 (1828)에 적용했으며 리스트가 같은 ^[2]주제를 오케스트라적으로 다루기 12년 전에 쓴 것으로 보인다.

음악학자 마크 본즈는 19세기 2/4분기에 심포닉 장르의 미래는 불확실해 보였다고 주장한다.1820년대와 30년대 동안 많은 작곡가들이 교향곡을 계속 썼지만, "이 작품들이 미학적으로 베토벤의 작품보다 훨씬 열등하다는 느낌이 커지고 있다…"진짜 문제는 교향곡이 여전히 작곡될 수 있느냐가 아니라 그 장르가 계속 번성하고 성장할 수 있느냐였다."^[3]펠릭스 멘델스존, 로버트 슈만, 닐스 가데는 그들의 교향곡으로 성공을 거두었고, 그 장르가 ^[4]사라졌는지에 대한 논쟁은 최소한 일시적으로 중단시켰다.그럼에도 불구하고, 작곡가들은 음악, 이야기, 그리고 그림적 아이디어를 혼합하는 수단으로서 콘서트 서곡의 "더 콤팩트한 형태"를 탐구하기 시작했다.예를 들어 멘델스존의 서곡 한여름 밤의 꿈과 헤브리디스(1830)^[4]가 있었다.

1845년과 1847년 사이에 벨기에 작곡가 세사르 프랑크는 빅토르 위고의 시 Ce quonend sur la montagne을 바탕으로 오케스트라 곡을 썼다.이 작품은 교향시의 특징을 나타내며, Norman Demuth와 Julien Tiersot과 같은 일부 음악학자들은 이 작품을 리스트의 ^[5][6]작품보다 먼저 장르로 간주한다.하지만, Franck은 그의 작품을 발표하거나 공연하지 않았고, 장르를 정의하는 것도 시작하지 않았다.이 교향시를 탐험하고 홍보하려는 리스트의 결심은 그를 그 장르의 ^[7]발명가로 인정받게 했다.

리스트

헝가리 작곡가 프란츠 리스트는 콘서트 서곡 ^[8]형식을 넘어 단일 악장 작품을 확장하기를 원했다.서곡의 음악은 듣는 사람들이 장면, 이미지 또는 분위기를 상상하도록 영감을 주는 것이다; 리스트는 보통 클래식 ^[9]교향곡의 첫 악장을 위해 남겨진 음계와 음악적 복잡성과 그러한 프로그램적 자질을 결합하는 것을 의도했다.소나타 형식에서 대조적인 주제들의 상호작용이 있는 오프닝 악장은 보통 ^[10]교향곡의 가장 중요한 부분으로 여겨졌다.그의 목적을 달성하기 위해, 리스트는 소나타 형식이 허용하는 것보다 더 유연한 음악 주제 개발 방법이 필요했지만, 음악 ^[11][12]작곡의 전체적인 통일성을 보존할 방법이 필요했다.

리스트는 그의 교향시에 사용된 두 가지 작곡 연습을 통해 그의 방법을 찾아냈다.첫 번째 연습은 베토벤에 의해 확립된 절차인 순환적 형식이었는데, 이것은 특정 악장이 서로 연결되어 있을 뿐만 아니라 실제로 서로의 ^[13]내용을 반영하는 과정이다.리스트는 베토벤의 연습을 한 걸음 더 나아가서, 분리된 악장을 하나의 악장 순환 ^[13][14]구조로 결합시켰다.리스트의 많은 성숙한 작품들은 이러한 패턴을 따르고 있으며, 그 중 가장 잘 알려진 ^[14]사례 중 하나가 레 프레브레스이다.두 번째 방법은 주제 변환으로, 하나의 테마를 관련 테마나 보조 테마로 바꾸는 것이 아니라 새롭고, 분리되고,^[14] 독립적인 것으로 바꾸는 변형 유형이었다.음악학자 휴 맥도널드가 리스트의 작품에 대해 이 장르로 썼듯이, 그 의도는 "심포닉 ^[8]사상의 전통적인 논리를 보여주는 것" 즉, 음악 주제와 톤의 '경관'의 상호작용에서 낭만 교향곡과 비교할 수 있는 복잡성을 보여주는 것이었다.

주기적 형태와 같은 주제적 변환은 그 자체로 새로운 것이 아니었다.그것은 이전에 모차르트와 하이든에 ^[15]의해 사용되었었다.베토벤은 교향곡 9악장의 마지막 악장에서 "환희의 송가"라는 주제를 터키 ^[16]행진곡으로 바꿨다.베버와 베를리오즈도 주제를 바꿨고 슈베르트는 그의 방랑자 판타지의 움직임을 하나로 묶기 위해 주제적 변형을 사용했다.^[16][17] 이 작품은 리스트에게 엄청난 영향을 끼쳤다.그러나 리스트는 교향시뿐 아니라 그의 피아노 협주곡^[16] 2번과 피아노 소나타 B단조 ^[12]같은 다른 작품들에서도 주제적인 변형을 통해서만 상당히 긴 형식적 구조의 창조를 완성했다.사실, 작품이 짧아져야 할 때, 리스트는 전통적인 음악 발전의 부분을 잘라내고 주제 변환의 ^[18]부분을 보존하는 경향이 있었다.

반면 리스트에게 어느 정도의 리하르트 바그너의 드라마와 음악의 통합 아이디어의 발상으로 심포닉 poem,[19]을 통해 영감을 받던 바그너는 심포닉 보라는 시와 프란츠 리스트의 위에는 그의 1857년 에세이이고 후에는 전적으로 그들의 미적 이상에 걸쳐 리스트의Weimar 원으로 침입하는 것이었다 리스트의 개념만 미온적인 지지를 주었다.[표창 필요한]

체코 작곡가

리스트 이후에 교향시를 개발한 작곡가들은 주로 보헤미안, 러시아, 프랑스인들이었다; 보헤미안들과 러시아인들은 이 시기에 그들 ^[8]각국에서 민족주의 사상을 형성하기 위한 매개체로서 그 형식의 잠재력을 보여주었다.1857년 여름, 베디히 스메타나는 바이마르에 있는 리스트에서 파우스트 교향곡과 교향시 디데일의 ^[20]첫 공연을 들었다.리스트의 노력에 영향을 받아, 스메타나는 문학 주제인 리처드 3세 (1857-8), 왈렌슈타인 캠프 (1858-9), 하콘 잘 (1860-61)을 바탕으로 한 일련의 교향곡 작품들을 시작했다.같은 시기의 피아노 작품인 맥베스 a charodjjnice (맥베스와 마녀들, 1859)는 범위가 비슷하지만 스타일이 더 ^[8]대담하다.음악학자 존 클라팜은 스메타나가 이 작품들을 문학적인 출처에서 따온 "콤팩트한 일련의 에피소드"로 기획하고 "시인이나 ^[21]철학자가 아닌 극작가로서 접근했다"고 쓰고 있다.그는 특정한 인물들을 표현하기 위해 음악적 주제를 사용했다; 이러한 방식으로 ^[22]그는 리스트의 그것보다 그의 합창 교향곡 로메오 에 줄리엣에서 프랑스 작곡가 헥터 베를리오즈의 관행을 더 가깝게 따랐다.Hugh Macdonald는 이렇게 함으로써 Smetana는 "단순한 음악적 묘사 패턴"^[8]을 따랐습니다.

"Ma vlast"라는 일반적인 제목으로 출판된 여섯 편의 교향시 모음집은 이 장르에서 그의 가장 큰 업적이 되었다.1872년에서 1879년 사이에 구성된 이 악곡은 체코의 ^[8]역사에 대한 생각과 에피소드를 소개하면서 체코의 위대함에 대한 작곡가의 개인적인 믿음을 구체화한다.두 개의 반복되는 음악적 주제가 전체 주기를 통합한다.한 주제는 블타바 강의 요새인 비셰흐라드를 나타내며, 다른 주제는 고대 체코 찬송가 "Ktoz jsu bojji bojovnici"로, 이것은 이 순환의 마지막 두 개의 시인 "Borak"와 "Tborik"^[23]를 통합한다.

스메타나는 형식을 교향시의 통일된 순환으로 확장하면서 맥도널드가 "체코 ^[24]음악의 기념물 중 하나"라고 부르는 것을 만들었고, 클라팜은 "향후 작곡가의 ^[25]목적 이상으로 교향시의 범위와 목적을 확장했다"고 썼다.클라팜은 이 작품들에서 풍경에 대한 그의 음악적 묘사에서 스메타나는 "새로운 형태의 교향시를 만들었고, 이는 결국 시벨리우스의 ^[26]타피올라로 이어졌다"고 덧붙였다.또한, 새로운 형태를 새로운 목적에 적용하는 방법을 보여주면서, 맥도널드는 스메타나가 안토닌 드보르작, 즈데냐크 피비치, 레오시 야나체크,^[24] 비츠라바노바크를 포함한 체코와 슬로바키아의 젊은 동시대인들의 교향시를 풍부하게 만들었다고 쓰고 있다.

드보르팍은 1890년대부터 시작된 두 그룹의 교향시를 썼다.맥도널드가 교향시와 ^[24]서곡이라고 다양하게 부르는 첫 번째 곡은 마 브라스트와 비슷한 주기를 형성하고 있으며, 이 세 곡 모두에 하나의 음악적 주제가 달려 있다.원래 3부작인 Píiroda, Zivot a Lasska (자연, 생명, 사랑)로 구상되었던 그들은 대신에 세 개의 분리된 작품인 V přirod ( (자연의 왕국), 카니발, 그리고 오셀로로 ^[24]나타났다.오델로의 악보에는 셰익스피어 희곡의 음표가 포함되어 있어 드보르팍이 그것을 프로그램적인 ^[27]작품으로 쓰려고 의도했다는 것을 보여준다. 하지만, 묘사된 사건들과 인물들의 순서는 ^[24]음표와 일치하지 않는다.

교향시의 두 번째 그룹은 다섯 개의 작품으로 구성되어 있다.그 중 4개는...물도깨비, 정오의 마녀, 황금 물레, 야생 비둘기는 카렐 야로미르 에르벤의 동화 ^[24][27]모음집 키티체(부케)의 시를 바탕으로 만들어졌다.이 네 편의 시에서 드보르작(Dvoáak)은 ^[27]드라마에서 중요한 인물과 사건에 특정한 음악적 주제를 부여한다.'황금 물레'에서 드보르팍은 시에서 ^[24][27]음악으로 이어지는 행을 설정함으로써 이러한 주제에 도달했다.그는 또한 리스트와 스메타나의 주제 변신을 본받으며,^[27] 황금 물레에서 왕의 주제를 사악한 계모와 이야기에서 발견되는 신비롭고 친절한 노인을 나타내기 위해 변형시킨다.맥도널드는 이러한 작품들이 심포닉 기준에 의해 분산되어 보일 수 있지만, 그들의 문학적인 원천은 사실 사건의 순서와 음악적 ^[24]행동의 과정을 정의한다고 쓰고 있다.Clapham은 Dvoáak이 황금 물레에 대한 서술적 복잡성을 너무 가까이 따라갈 수도 있지만, "The Noon Witch의 첫머리에 길게 반복되는 것은 Dvoáak이 초기 음악적 균형을 위해 발라드의 정확한 표현을 일시적으로 거부하는 것을 보여준다"^[27]고 덧붙였습니다.다섯 번째 시 '영웅송'은 유일하게 상세한 프로그램이 ^[24]없다.

러시아

체코와 마찬가지로 러시아에서 심포니시의 발전은 리스트의 음악에 대한 동경과 국가적 ^[24]주제에 대한 헌신에서 비롯되었다.여기에 러시아의 스토리텔링에 대한 애정이 더해졌고,^[24] 이에 따라 비평가 블라디미르 스타소프는 "사실상 모든 러시아 음악은 프로그램적이다"^[28]라고 썼다.맥도날드는 스타 소프와 작곡가들 더 파이브는 마이티 Handful으로 알려져 애국적인 그룹 한,"러시아 기술 음악의 원형"로 미하일 글린카의 카마린스카야를 환영하기;사실 글린카는 스스로 그 조각``전적으로 금지하는 러시아 민속 음악에 기반을 두고 있다는 일을 불렀다 어떤 program,[24]바 없다고 부인했는데도 불구하고 쓴다.사진'Turesque Music'.^[29]이 글링카는 ^[29]1844년 여름에 만난 프랑스 작곡가 헥터 베를리오즈의 영향을 받았다.

다섯 명 중 적어도 세 명은 교향시를 완전히 받아들였다.밀리 발라키레프의 타마라(1867–82)는 동화적 동향을 풍부하게 불러일으키고 미하일 레르몬토프의 시를 바탕으로 하고 있지만, 페이스가 좋고 ^[24]분위기로 가득 차 있다.발라키레프의 다른 두 교향시 인 보헤미아(1867, 1905)와 러시아(1884 버전)는 같은 서사적 내용이 부족하다. 사실 그것들은 더 느슨한 국가 멜로디 모음집이며 원래는 콘서트 서곡으로 쓰여졌다.맥도널드는 모데스트 무시르스키의 '대머리 산의 밤'과 알렉산더 보로딘의 '중앙 아시아의 스텝스'를 "각각 작곡가의 작품에서 독특한 힘찬 오케스트라 작품"^[24]이라고 부른다."뮤지컬 초상화"라는 제목의 중앙아시아 스텝은 스텝을 ^[30]가로지르는 캐러밴의 여정을 떠올리게 한다.Night on Bald Mountain, 특히 원본은 종종 놀랍고, 때로는 자극적이고, 매우 거슬리는 조화를 포함하고 있다; 그것의 초기 연장은 특히 청중을 타협할 수 없이 잔인한 직설성과 ^[31]에너지의 세계로 끌어당긴다.

니콜라이 림스키-코르사코프는 교향시로서 순위를 매기는 두 개의 오케스트라 작품, 즉 그의 "음악적인 타블로" 사드와 스카즈카 (전설, 1879–80)만을 썼는데, 이것은 원래 바바-야가라는 제목이었다.러시아 민속에 대한 그의 사랑을 생각하면 ^{[according to whom?]}놀랄지도 모르지만, 그의 교향곡 모음곡인 남극과 셰헤라자데는 모두 이 작품들과 비슷한 방식으로 구상되었다.러시아 민담은 또한 알렉산더 다르고미즈스키, 아나톨리 랴도프, 알렉산더 글라주노프의 교향시에 대한 자료를 제공했다.글라주노프의 Stenka Razin과 랴도프의 Baba-Yaga Kikimora와 The Engicanted Lake는 모두 국가적인 ^[24]주제에 바탕을 두고 있다.랴도프 작품에는 목적적인 조화 리듬이 결여되어 있어(표면적이지만 여전히 흥겨운 북새통이나 소용돌이에 의한 바바야가와 키키모라의 부재는) 자주 반복되고 사랑받는 ^[32]동화를 말하는 것과 같은 비현실감과 시대를 초월한 느낌을 준다.

표트르 일리치 차이코프스키의 교향시 중 러시아어를 소재로 한 시는 없지만 음악 형식과 문학적 소재의 균형이 ^[24]잘 잡혀 있다.(차이코프스키는 로미오와 줄리엣을 교향시라기보다는 "환상적"이라고 불렀고, 이 작품은 사실 소나타 형식을 비교적 엄격하게 사용한다는 점에서 콘서트 서곡에 가까울지도 모른다.베토벤의 서곡의 예에 따른 비극적인 소나타 형식의 서곡인 리어왕을 구조적으로 기반으로 한 것은 이 작품의 산부인 발라키레프의 제안이었다.)^[33] R.W.S. 멘들, 뮤지컬 계간지에 쓴 차이코프스키는 특히 교향시 작곡에 적합한 기질이었다고 언급하고 있다.다른 기악 형식의 그의 작품들조차도 구조가 매우 자유롭고 종종 프로그램 ^[34]음악의 본질에 관여한다.

후기 러시아 교향시 중 세르게이 라흐마니노프의 '더 록'은 죽음의 섬(1909)이 그것으로부터 독립한 것만큼 차이코프스키 작품의 영향을 많이 보여준다.그의 스승 림스키 코르사코프에 대한 비슷한 빚은 그의 오페라 나이팅게일에서 발췌한 이고르 스트라빈스키의 나이팅게일의 노래를 흡수한다.알렉산더 스크리아빈의 황홀한 시 (1905-08)와 프로메테우스: 불의 시(1908-10)는 다른 교향시와는 비교할 수 없는 자기중심적인 신소픽 세계를 투영하는 데 있어 디테일과 진보된 조화적 ^[24]숙어로 유명하다.

드미트리 쇼스타코비치의 교향시 10월(1967년)^[23]에서 대표되듯이, 소련의 사회주의 리얼리즘은 프로그램 음악이 서유럽보다 더 오래 그곳에서 살아남을 수 있도록 했다.

프랑스.

프랑스는 민족주의를 ^[35]가진 다른 나라들보다 덜 관심을 가졌지만, 베를리오즈와 다비드까지 거슬러 올라가는 이야기와 설명적인 음악의 확립된 전통을 가지고 있었다.이러한 이유로, 프랑스 작곡가들은 교향시의 시적 요소에 끌렸다.사실, 세사르 프랑크는 리스트가 그의 첫 번째 교향시로 ^[36]직접 작곡하기 전에 위고의 시 Ce Quonend sur la montagne을 바탕으로 오케스트라 곡을 썼다.

이 교향시는 새롭게 설립된 Societé Nationale와 젊은 프랑스 작곡가들의 선전으로 1870년대에 프랑스에서 유행하게 되었다.설립 이듬해인 1872년, 카밀 생상스는 그의 '르 루에 돔팔레'를 작곡했고, 곧이어 그 세 곡을 더 작곡했는데, 그 중 가장 유명한 것이 Danse macabre (1874년)^[36]가 되었다.이 4개의 작품에서 Saint-Sahns는 오케스트레이션과 주제 변형을 실험했다.La jeunse d'Hercule (1877년)은 리스트와 가장 가까운 문체로 쓰여졌다.나머지 세 명은 회전, 승마, 춤 등 음악적 용어로 표현되는 신체적인 움직임에 집중합니다.그는 이전에 그의 프로그램 서곡 스파르타쿠스에서 주제 변형을 실험한 적이 있다; 그는 나중에 그의 피아노 협주곡 4번과 교향곡 ^[37]3번에서 그것을 사용했다.

Saint-Sahns 다음으로 Vincent d'Indy가 왔다.디디는 그의 3부작인 왈렌슈타인 (1873년, 1879년–81년)을 "세 개의 교향곡 서곡"이라고 불렀지만, 그 순환은 전반적으로 스메타나의 마 블라스트와 유사하다.앙리 뒤팍의 레노르(1875)는 글과 편곡에서 바그너풍의 온기를 보였다.프랑크는 리스트의 토탕탄즈와 거의 같은 방식으로 착상된 이야기인 Le Chasseur Maudit과 피아노와 오르케스트의 음색시 Les Djins에 이어 섬세하게 환기시키는 Les Eolides를 썼다.어니스트 쇼손의 비바인은 프랑크의 ^[36]신화적 소재에 대한 서클이 보여주는 성향을 보여준다.

클로드 드뷔시의 프리외드(1892-4)는 처음에는 세 장의 그림으로 의도된 것으로 작곡가의 말로는 "매우 자유로운...폴 뒤카스의 '주술사의 도제'는 교향시의 서사적 맥락을 따르고 있는 반면 모리스 라벨의 '라발세'(1921년)는 일부 평론가들에 의해 ^[36]'빈의 사자성어'로 인식될 만큼 빈을 패러디한 것으로 여겨진다.레오 톨스토이의 소설 부활 (1903)에 바탕을 둔 알베르 루셀의 첫 교향시는 곧이어 순환 형식으로 쓰여진 네 악장으로 된 르 푸엠 드 포레 (1904-6)가 뒤따랐다.처음에는 그의 제2교향곡의 느린 악장으로 생각되었던 Printemps(1920년)를 부어라.Charles Koechlin은 또한 몇몇 교향시를 썼는데, 그 중 가장 잘 알려진 시는 Rudyard Kipling의 ^[36]정글북에 바탕을 둔 그의 연작에 포함되어 있다.이 작품들을 통해, 그는 교향시가 ^[38]유행하지 않게 된 지 오래 후에 생존 가능성을 옹호했다.

독일.

리스트와 리하르트 스트라우스 둘 다 독일에서 일했지만, 리스트가 교향시를 발명하고 스트라우스가 그것을 최고점에 ^[36][39]올렸을지 모르지만, 전반적으로 그 형태는 다른 나라들보다 덜 받아들여졌다.요하네스 브람스와 리하르트 바그너는 독일 뮤지컬계를 주름잡았지만 교향시는 쓰지 않고 음악극(바그너)과 절대음악(브라함)에 몰두했다.따라서 스트라우스와 다른 사람들의 수많은 연주곡 외에, 독일과 오스트리아 작곡가 한스 폰 뮐로의 니르와나, 휴고 볼프의 펜테실레아, 그리고 아르놀트 쇤베르크의 펠레아 운드 멜리산데의 교향시만이 있을 뿐이다.시와 음악의 명확한 관계 때문에 쇤베르크의 현악 6중주곡인 베르클래르테 나흐트(1899)는 오르슈탈이 아닌 '심포닉 시'^[36]로 특징지어져 왔다.

리스트의 작품과 같은 맥락으로 6편의 교향시를 작곡한 알렉산더 리터는 프로그램 음악을 작곡하는 데 있어서 리하르트 스트라우스에 직접적인 영향을 미쳤다.Strauss는 문학, 전설, 철학, 자서전을 포함한 다양한 주제에 대해 썼다.리스트에는 맥베스 (1886–7), 돈 후안 (1888–9), 죽음과 변신 (1888–9), 틸 에울렌스피겔의 즐거운 장난 (1894–95), 알로슈트라 (Thus Spoke Zoroaster, 1896), 돈키호테 (1897–Einlebena Held) 등이 포함됩니다.

이 작품들에서, 스트라우스는 오케스트라 묘사의 사실주의를 전례 없는 길이로 가져가고, 프로그램 음악의 표현 기능을 넓힐 뿐만 아니라 그 ^[36]경계를 확장한다.오케스트레이션에 대한 그의 뛰어난 사용 덕분에, 이러한 작품들의 묘사력과 생생함은 매우 두드러진다.그는 보통 대형 오케스트라를 고용하고 있으며, 종종 여분의 악기를 가지고 있으며, 그는 ^[40]돈키호테에서 큐브레 황동으로 양들의 울음소리를 묘사하는 것과 같은 날카로운 성격 묘사를 위해 종종 악기 효과를 사용합니다.Strauss의 형태에 대한 대처는 또한 그의 주제 변형을 사용하는 것과 복잡한 대척점에서 여러 주제를 다루는 것 모두에서 주목할 가치가 있다.돈키호테에서 변주 형식을 사용한 것은 틸 유렌스피겔에서 ^[40]론도 형식을 사용한 것과 마찬가지로 예외적으로 ^[40]잘 처리된다.휴 맥도널드가 뉴 그로브(1980)에서 지적했듯이, "스트라우스는 단순하지만 서술적인 주제를 사용하는 것을 좋아했다. 예를 들어 Also sprach Zarathustra의 오프닝에서 세 음의 모티브를 사용하거나 그의 영웅들의 남자다운 자질을 나타내기 위해 활보하는 활기찬 아르페지오를 사용하는 것을 좋아했다.그의 사랑 주제는 꿀이 많고 색채가 풍부하며, 대체로 풍부한 악보를 얻으며, 특히 돈키호테의 마지막에는 디아토닉 하모니의 따뜻함과 평온함이 주 ^[40]테마의 놀라울 정도로 아름다운 D장조 변신을 가져온다.

기타 국가 및 감소

장 시벨리우스는 십여 편의 교향시와 수많은 짧은 작품들을 쓰면서 그 형식에 대한 큰 호감을 보였다.이 작품들은 엔 사가(1892년)부터 타피올라(1926년)까지 그의 전 생애를 아우르며 핀란드와 핀란드 신화에 대한 그의 정체성을 가장 명확하게 표현하고 있다.칼레발라는 음악적 배경에서 이상적인 에피소드와 텍스트를 제공했다; 이것은 시벨리우스의 교향곡 작문에 대한 타고난 적성과 결합되어 그는 이러한 작품들, 특히 타피올라 (1926)를 위해 팽팽하고 유기적인 구조를 쓸 수 있게 했다.시벨리우스가 '심포닉 판타지'라고 불렀던 포홀라의 딸(1906)은 ^[40]다른 작곡가들에게 보기 드문 윤곽의 확실성을 보여주면서 그 프로그램에 가장 밀접하게 의존하고 있다.제3교향곡으로부터 그가 취했던 구성적 접근으로, 시벨리우스는 그들의 가장 기본적인 원칙들, 즉 과거의 중요한 작품들과 무게, 음악적 추상성, 중력, 형식적인 대화에 대한 교향곡의 전통적인 주장과 음시의 구조적 혁신성을 결합하기 위해 교향곡과 음시 사이의 차이를 극복하려고 했습니다.자발성, 식별할 수 있는 시적 내용, 독창적인 음향을 가지고 있습니다.그러나 시벨리우스의 후기 작품에서 교향곡, "환상"과 음시 사이의 문체적 구분은 한 작품을 위해 처음 스케치한 아이디어가 ^[41]다른 작품으로 끝나면서 모호해졌다.시벨리우스의 가장 위대한 작품 중 하나인 핀란디아는 핀란드 독립에 초점을 맞추고 있다.그는 1901년에 그것을 썼고 핀란드가 독립한 후 중앙부에 바이코 안테로 코스케니에미의 핀란드 찬송가인 합창 가사를 추가했다.

이 교향시는 비록 많은 작품들이 쓰여졌지만 다른 나라에서는 민족 정체성의식을 제대로 누리지 못했다.작곡가들은 영국의 아놀드 백스와 프레데릭 델리우스, 미국의 에드워드 맥도웰, 하워드 핸슨, 페르데 그로페와 조지 거슈윈, 덴마크의 칼 닐슨, 폴란드의 지그문트 노스코스키와 미에치스와프 카르워비치와 이탈리아의 리스피히노를 포함했다.또한, 20세기 낭만주의 이상이 거부되고 추상화와 음악의 독립성의 이상으로 대체되면서 교향시 작문은 ^[40]쇠퇴하게 되었다.

「 」를 참조해 주세요.

• 교향시 목록
• 심포니 시를 포함하는 더 큰 범주인 프로그램 음악

레퍼런스

참고 문헌

외부 링크

• "Symphonic poem" . Encyclopædia Britannica. Vol. 26 (11th ed.). 1911.