첼로

Cello
다른 용도는 첼로(동음이의)를 참조하십시오.
첼로
Cello front side.png
첼로, 정면과 측면도.
현악기
기타 이름비올론첼로
혼보스텔-삭스 분류321.322-71
(복음기가 활로 울림)
발달된c. 베이스 바이올린으로 1660년
플레이 레인지
Range cello.png
관련 계기
사운드 샘플
바흐, 첼로 스위트 G장조 1위

첼로(/ˈtɛloʊ/CHEL-oh, 복수 셀리 또는 첼로) 또는 비올론첼로(/ˌvaɪlənˈlˈnʃlʃlʃloʊ/VY-ə-lən-CHEL-oh; 이탈리아어 발음: [vjolonolontɛello])[1]는 바이올린 계열의 현악기다.그것의 4개의 현은 보통 낮음에서 높음으로, C2, G2, D3, A의3 완벽한 5분의 1로 조정된다.비올라의 네 현은 각각 한 옥타브 더 높다.첼로를 위한 음악은 일반적으로 베이스 클립으로 쓰이며, 테너 클립 또는 알토 클립으로 쓰이고, 고음역 구절에 사용되는 트리블 클립으로 쓰이고 있다.

첼리스트나 비올론셀리스트가 연주하는 이 곡은 수많은 협주곡뿐만 아니라 반주가 있는 곳과 없는 큰 솔로 레퍼토리를 즐긴다.독주악기로서 첼로는 베이스부터 소프라노까지 전 범위를 사용하며, 현악 사중주나 오케스트라의 현악단 등 실내악에서는 종종 베이스 부분을 연주하는데, 이중 베이스에 의해 옥타브 아래를 보강할 수도 있다.바로크 시대의 양식 베이스 음악은 일반적으로 오르간, 하프시코드, 루트 또는 이론보와 같은 현악기와 함께 첼로, 비올라 다 감바 또는 바순을 바소 연속 그룹의 일부로 가정한다.첼로는 현대 중국 오케스트라에서 첼로 록 밴드까지 많은 다른 앙상블에서 발견된다.

어원

첼로라는 이름은 "작은 비올라"라는 뜻의 이탈리아 비올론첼로의 결말에서 유래되었다.[2]비올론("빅 비올라")은 비올(viola da gamba) 계열이나 바이올린(viola da braccio) 계열의 대가족이었다.오늘날 "바이올론"이라는 용어는 보통 비올린의 가장 낮은 음조의 악기를 가리키는데, 17세기 말경 영국을 제외한 대부분의 나라와 특히 프랑스에서는 더 큰 바이올린 가문이 더 큰 인기를 끌기 전에 또 다른 반세기 동안 살아남은 현악기 계열이다.나도 마찬가지야.현대 교향악단에서는 현악기 2위(더블베이스가 가장 크다)이다.따라서, "바이올론첼로"라는 명칭은 증대성 "-one"("빅")과 축소성 "-첼로"("리틀")를 모두 포함하고 있었다.20세기 경에 이르러 '셀로'라는 명칭을 짧게 하는 것이 일반화되었는데, 아포스트로피가 사라진 줄기를 가리킨다.[3]이제는 아포스트로피가 없는 '첼로'를 정식 명칭으로 사용하는 것이 관례다.[3]비올은 현악기를 뜻하는 중세 라틴어 바이툴라에서 유래된 뿌리 비올라에서 유래되었다.

일반 설명

튜닝

첼로 클로즈업
첼로 오픈 스트링 플레이(헬프·인포)
첼로는 활로 클로즈업.

셀로스는 C2(중간 C 이하 2옥타브)를 시작으로 G2, D3, A를3 차례로 5단으로 튜닝한다.비올라와 정확히 같은 간격과 현으로 튜닝되지만 한 옥타브 낮다.이중 베이스와 비슷하게 첼로에는 악기의 무게를 지탱하기 위해 바닥에 놓여 있는 엔드핀이 있다.첼로는 유럽 고전음악과 가장 밀접한 관련이 있다.이 악기는 현악 부분의 일부로서 표준 오케스트라의 일부분이며 현악 4중주단의 베이스 성우(많은 작곡가들이 이 악기에 멜로디적인 역할도 주지만)일 뿐만 아니라 다른 많은 실내악단의 일부분이다.

작동하다

첼로를 위한 가장 유명한 바로크 작품으로는 요한 세바스티안 바흐의 6개의 무반주 슈트가 있다.그 밖에 안토니오 비발디의 소나타와 콘체르토스, 프란체스코 제미니아니와 조반니 보논치니의 솔로 소나타 등이 대표작이다.도메니코 가브리엘리는 첼로를 독주악기로 취급한 최초의 작곡가 중 한 명이었다.As a basso continuo instrument basso continuo the cello may have been used in works by Francesca Caccini (1587–1641), Barbara Strozzi (1619–1677) with pieces such as Il primo libro di madrigali, per 2–5 voci e basso continuo, op. 1 and Elisabeth Jacquet de La Guerre (1665–1729) who wrote six sonatas for violin and basso continuo.첼로를 배우기 위해 가장 일찍 알려진 설명서인 [citation needed]프란체스코 수프리아니의 프린세스 다 임파라르는 수오나레 일 비올론첼로 에 12 토카테 솔로(1753년 이전)[4]는 이 시대의 것이다.작품 제목에서 알 수 있듯이 독주 첼로를 위한 12개의 토카타가 수록되어 있는데, 요한 세바스티안 바흐의 첼로 스위트와 함께 그러한 유형의 첫 작품 중 하나이다.

고전시대부터 C장조 요셉 하이든과 D장조 조셉 하이든의 두 협주곡은 그의 작곡 진화의 중요한 세 시기에 걸쳐 있는 루트비히 판 베토벤의 첼로와 피아노 연주를 위한 다섯 소나타처럼 두드러진다.다른 뛰어난 예로는 칼 필립 엠마누엘 바흐의 콘스탄티 3종, 달링아바코의 카프리치, 플랙튼의 소나타, 보이스모르티에, 루이지 보케리니 등이 있다.피아노, 클라리넷, 비올라, 첼로를 위한 게미멘토는 브룬스윅 울펜뷔텔(1739–1807)의 안나 아말리아 공작부인이 남긴 유작 중 하나이다.

낭만주의 시대의 잘 알려진 작품으로는 로버트 슈만 협주곡, 안토닌 드보아작 협주곡, 최초의 카밀 생센 협주곡, 요하네스 브람스의 두 소나타와 이중 협주곡 등이 있다.낭만주의 시대의 첼로를 위한 작곡의 리뷰에는 첼로와 피아노를 위한[5] G 마이너에서 판타지아를 작곡한 독일 작곡가 패니 멘델스존(1805–1847)과 첼로를 위한 A플랫에서 카프리치오를 작곡한 독일 작곡가 패니 멘델스존(1805–1847)이 포함되어야 한다.[6]

Compositions from the late-19th and early 20th century include three cello sonatas (including the Cello Sonata in C Minor written in 1880) by Dame Ethel Smyth (1858–1944), Edward Elgar's Cello Concerto in E minor, Claude Debussy's Sonata for Cello and Piano, and unaccompanied cello sonatas by Zoltán Kodály and Paul Hindemith.첼로를 포함한 곡들은 미국 음악원 설립자 마리온 바우어(1882~1955)와 루스 크로포드 시거(1901~1953)가 작곡했다.

첼로의 다재다능함은 세르게이 프로코피예프, 드미트리 쇼스타코비치, 벤자민 브리튼, 리게티 교르지, 위톨드 루토세츠키, 앙리 두틸럭스 등 이 시대의 많은 작곡가들에게 인기를 끌었다.폴란드 작곡가 그라시나 바체비츠(1909~1969)는 20세기 중반 첼로와 오케스트라를 위한 협주곡 1번(1951년), 첼로와 오케스트라를 위한 협주곡 2번(1963년)으로 첼로를 위해 글을 쓰고 있었고, 1964년 4중주곡을 첼로용으로 작곡했다.

2010년대에 이 악기는 대중음악에서 발견되지만, 1970년대 팝과 디스코 음악에서 더 흔하게 사용되었다.[citation needed]오늘날 그것은 때때로 팝과 록 음반에 등장하는데, 그 예는 이 글의 뒷부분에서 언급된다.첼로는 가수 리한나와 니요의 2007년 아메리칸 뮤직 어워드 공연 등 주요 힙합과 R&B 공연에도 등장했다.[7]이 악기는 낸시 레쉬와 사스키아 라오데 하스가 인도 클래식 음악용으로도 개조했다.[5]

역사

첼로 크기의 악기를 포함한 바이올린 계열은 비올라 다 감바 계열과는 구별되는 악기 계열로 c. 1500이 등장했다.북부 이탈리아의 1530년 바이올린 계열에 대한 가장 초기 묘사는 세 가지 크기의 악기를 보여주는데, 현재 우리가 바이올린, 비올라, 첼로라고 부르는 것과 거의 일치한다.대중적인 오해와는 달리 첼로는 비올라 다 감바에서 진화한 것이 아니라 약 2세기 반 동안 그 옆에서 존재했다.바이올린 계열은 비올라 다 브라치오(팔의 비올라라는 뜻) 계열로도 알려져 있는데, 이는 일차적으로 가족 구성원이 잡혀 있는 방식을 가리키는 말이다.모든 구성원이 다리로 잡는 비올라 다 감바(다리의 비올라라는 뜻) 가문과 구별하기 위해서다.바이올린 계열의 유력한 전임자들로는 리라 다 브라치오와 레베카가 있다.가장 일찍 살아남은 첼로는 유명한 아마티족의 첫 번째 멤버인 안드레아 아마티가 만들었다.[8]

비올론첼로의 직접적인 조상은 베이스 바이올린이었다.[citation needed]몬테베르디는 오르페오(1607)에서 이 악기를 "바소 데 비올라 다 브라치오"라고 불렀다.비록 1538년에 발명되었을 가능성이 있는 최초의 베이스 바이올린은 비올린에서 영감을 얻었을 가능성이 높지만, 그것은 바이올린과 어울리도록 만들어졌다.베이스 바이올린은 사실 같은 시대의 비올리기와 마찬가지로 "바이올론" 또는 "큰 비올라"라고 일컬어지기도 했다.베이스 바이올린과 비올라 다 감바와 특징을 공유하는 악기는 16세기 초 이탈리아 예술에 등장한다.

볼로냐에서 1660년경 와이어 와운드 스트링(가느다란 내장을 둘러싼 미세한 와이어)의 발명은 그렇게 짧은 몸체에 순수한 내장을 가지고서 가능한 것보다 더 미세한 베이스 사운드를 허용했다.볼로네즈 제작자들은 이 새로운 기술을 이용하여 첼로를 만들었는데, 첼로는 악기의 음색과 크기가 작을수록 거장적인 구절을 연주하기 쉽기 때문에 독주 레퍼토리에 적합한 다소 작은 악기다.[citation needed]하지만 이 악기는 단점도 있었다.첼로의 가벼운 소리는 교회나 앙상블 연주에 적합하지 않아 오르간이나 이론보, 비올라 등으로 두 배로 늘려야 했다.

1700년경 프랑스에서는 베이스 바이올린(바스 드 비올론)이 20년 더 계속 사용되었지만, 이탈리아 연주자들은 북유럽에서 첼로를 대중화하였다.[9]기존의 많은 베이스 바이올린은 스트라디바리우스가 개발한 작은 패턴에 따라 셀로 변환하기 위해 글자 그대로 크기를 줄였다. 그는 또한 많은 오래된 패턴의 대형 셀로('서바이's)를 만들었다.[10]첼로의 크기, 이름, 곡조는 지리와 시간에 따라 매우 다양했다.[10]그 크기는 1750년경까지 표준화되지 않았다.

비올라 다 감바와 유사함에도 불구하고 첼로는 사실 비올라 다 브라치오 계열의 일부로서, 다른 것들 중에서도 바이올린과 비올라를 포함하는 "팔의 폭력"을 의미한다.브뤼겔의 "소박한 결혼식"과 그의 뮤지컬에 나오는 잠베 드 페르와 같은 그림들은 베이스 바이올린이 번갈아 연주하는 위치를 가졌다는 것을 암시하지만, 이것들은 수명이 짧았고 더 실용적이고 인간공학적인 감바 위치가 결국 그들을 완전히 대체했다.

바로크 첼로 장끈이 매달려 있다.테일피스에는 미세 조정 핀이 없다는 점에 유의하십시오.

바로크 시대의 첼로는 여러 가지 면에서 현대의 악기들과 달랐다.목은 형태와 각도가 달라 바로크 베이스바와 스트링링과 매치된다.[11][12]게다가 손가락판은 바로크 음악에서 가장 높은 음을 부르는 것이 아니기 때문에 보통 현대 첼로의 그것보다 짧다.현대의 첼로에는 악기를 지탱할 수 있는 엔드핀이 하단에 있고(그리고 일부 소리를 바닥을 통해 전달한다),[13] 바로크 첼로는 연주자의 종아리에 의해서만 잡힌다.현대의 활은 구부러져 개구리에서 잡히고, 바로크 활은 구부러져 활의 균형점에 가깝게 잡힌다.현대의 현악기들은 비록 일부는 합성코어를 사용하지만, 일반적으로 금속코어를 가지고 있다; 바로크 현악기들은 G와 C 현악기들이 철사로 된 내장으로 만들어진다.현대의 첼로는 종종 줄과 꼬리 부분을 연결하는 미세한 튜너를 가지고 있어 악기 조율에 훨씬 용이하지만, 바로크 첼로에 사용되는 내장의 끈의 유연성에 의해 그러한 핀은 효과적이지 않게 된다.전체적으로 현대 악기는 바로크 첼로보다 현악기의 장력이 훨씬 [14]높아 오버톤이 적으면서 더 크고 투영적인 음색을 낸다.

18세기 이전에 첼로를 위해 특별히 헌신한 교육적인 작품들은 거의 없으며, 존재하는 것들은 단순한 기악기법을 넘어 연주자에게 거의 가치가 없다.초기 첼로 설명서 중 하나는 미셸 코레트의 메소드, 테오리크 외 프라티크 붓 apprendre en peu de temps le violoncelle dans sa 완벽함(Paris, 1741)이다.[15]

현대 용법

Luigi Boccherini의 Sonata for Two Cellos in C Major, 1악장:알레그로 모데라토(Alisa Weilerstein)와 8세 수자리 브리트(Sujari Brit)가 공연했다.

관현악

여기에 뮌헨 응용과학대학 오케스트라의 첼로 부분이 보인다.

첼로는 보통 8명에서 12명의 첼리스트를 포함하는 표준 교향악단의 일부분이다.첼로 섹션은 표준 관현악좌석에 있으며, 제1바이올린 섹션 맞은편의 앞쪽 무대 왼쪽(관중 오른쪽)에 위치한다.그러나 일부 오케스트라와 지휘자들은 비올라와 첼로 부분의 위치를 바꾸는 것을 선호한다.주 첼리스트는 부문 리더로, 다른 현악 주임과 연계하여 부문 활을 결정하며, 솔로를 연주하고, 선도 입구(부분이 그 역할을 하기 시작할 때)를 담당한다.주요 선수들은 항상 관중석에 가장 가까이 앉는다.

첼로는 관현악의 중요한 부분이다. 모든 교향곡은 첼로 부분을 포함하고 있으며, 많은 곡들은 첼로 솔리나 솔로곡을 필요로 한다.대부분의 경우, 첼로는 오케스트라에게 낮은 등록의 조화의 일부를 제공한다.종종 첼로 부분은 하모니 역할로 돌아가기 전에 짧은 시간 동안 멜로디를 연주한다.또한 첼로 협주곡도 있는데, 이 협주곡은 오케스트라 전체를 동반한 독주 첼로 연주자가 등장하는 관현악곡이다.

솔로

수많은 첼로 협주곡들이 있는데, 여기에는 오케스트라가 1대 첼로를 동반하고 있다 – 특히 비발디 25명, 보체리니 12명, 하이든 3명, C. P. E. 바흐 3명, 생센 2명, 드보아차크 2명, 로버트 슈만, 랄로, 엘가 각 1명 등.첼로 연주자는 아니지만 [clarification needed]첼로 특유의 레퍼토리를 작곡한 작곡가들도 있었다. 니콜라우스 크래프트는 첼로 협주곡 6곡을 작곡했다.베토벤의 첼로·바이올린·피아노를 위한 트리플 콘체르토와 첼로·바이올린을 위한 브람스의 더블 콘체르토도 협주곡 레퍼토리의 일부지만, 두 경우 모두 첼로는 적어도 하나의 다른 악기와 독주 의무를 공유한다.게다가, 몇몇 작곡가들이 첼로와 오케스트라를 위해 대규모의 곡을 썼는데, 이 곡들은 이름을 제외하고는 모두 협주곡이다.친숙한 "콘서트"로는 리처드 스트라우스의 음색시 돈키호테, 차이콥스키의 로코코 테마 변주곡, 블로흐의 셸로모, 브루크의 콜 니드레이 등이 있다.

20세기에 첼로 레퍼토리는 엄청나게 성장했다.이는 수십 편의 신작에 영감을 주고, 의뢰하고, 초연한 거장 첼리스트 미스티슬라프 로스트로포비치의 영향도 일부 작용했다.이 중에서 프로코피예프의 교향곡-콘체르토, 브리튼의 첼로 교향곡, 쇼스타코비치와 루토스와프스키의 협주곡, 그리고 두틸룩스의 투트 운 몽데 로맹...이미 표준 레퍼토리의 일부가 되었다.그를 위해 협주곡 작품을 쓴 다른 주요 작곡가들로는 메시아엔, 졸리베트, 베리오, 펜데레키 등이 있다.In addition, Arnold, Barber, Glass, Hindemith, Honegger, Ligeti, Myaskovsky, Penderecki, Rodrigo, Villa-Lobos and Walton also wrote major concertos for other cellists, notably for Gaspar Cassadó, Aldo Parisot, Gregor Piatigorsky, Siegfried Palm and Julian Lloyd Webber.

첼로와 피아노를 위한 소나타도 많다.베토벤, 멘델스존, 쇼팽, 브람스, 그리그, 라흐마니노프, 드뷔시, 파우레, 쇼스타코비치, 프로코피예프, 폴렌크, 카터, 브리튼이 쓴 작품들은 특히 잘 알려져 있다.

Other important pieces for cello and piano include Schumann's five Stücke im Volkston and transcriptions like Schubert's Arpeggione Sonata (originally for arpeggione and piano), César Franck's Cello Sonata (originally a violin sonata, transcribed by Jules Delsart with the composer's approval), Stravinsky's Suite italienne (transcribed by the composer – 그의 발레 Pulcinella에서 그레고르 피아티고르스키와 함께 – 그리고 바르토크의 첫 랩소디 (또한 작곡가가 작곡한 것으로, 원래 바이올린과 피아노용으로 작곡한 것이다.)

첼로 독주곡, 요한 세바스티안 바흐의 첼로를 위한 6개의 스위트(가장 잘 알려진 솔로 첼로곡 중 하나), 코달리의 솔로 첼로를 위한 소나타, 브리튼의 첼로 스위트 3개가 있다.Other notable examples include Hindemith's and Ysaÿe's Sonatas for Solo Cello, Dutilleux's Trois Strophes sur le Nom de Sacher, Berio's Les Mots Sont Allés, Cassadó's Suite for Solo Cello, Ligeti's Solo Sonata, Carter's two Figments and Xenakis' Nomos Alpha and Kottos.

첼로를 위해 쓰여진 현대적인 솔로곡들도 있다.예를 들어 마크 서머의 줄리 오.

사중주 및 기타 앙상블

첼로는 전통적인 현악 4중주단과 현악 5중주단, 섹스텟 또는 트리오와 다른 혼합 앙상블의 일원이다.2개, 3개, 4개, 또는 그 이상의 첼로를 위해 작곡된 곡도 있는데, 이러한 종류의 앙상블은 '첼로 합창단'이라고도 불리며, 로시니의 윌리엄 텔 서곡뿐만 아니라 베르디의 나부코에 있는 자카리아의 기도 장면에 대한 소개로 그 소리가 친숙하다.차이코프스키의 1812년 서곡도 첼로 앙상블로 시작되는데, 첼로 4대가 상단 라인을 연주하고 비올라 2대가 베이스 라인을 연주한다.자급자족 앙상블로서 가장 유명한 레퍼토리는 하이토르 빌라-로보스가 첼로 앙상블을 위한 그의 바흐시아나스 브라실리라스의 첫 번째 레퍼토리다(5번째는 소프라노와 8개의 첼로를 위한 것이다).다른 예로는 오펜바흐의 첼로 듀엣, 4중주, 6중주, 8개의 첼로를 위한 파르트르의 프래트레스, 7개의 첼로를 위한 Bullez의 Messagesquises, 32개의 첼로를 위한 Villa-Lobos의 거의 연주되지 않은 판타지아 협주곡체(1958) 등이 있다.베를린 필하모닉 오케스트라의 12명의 첼리스트들은 이 레퍼토리를 전문으로 하고 있으며 유명한 대중가요의 편곡 등 많은 작품을 의뢰했다.

대중 음악, 재즈, 세계 음악 및 신고전주의

2009년 일로사리락 축제에서 아포칼립티카.

첼로는 클래식 음악보다 대중음악에서 덜 흔하다.잉크 스팟의 호피 존스, 아베트 브라더스의 조 권 등 몇몇 밴드가 표준 라인업에 첼로를 선보인다.팝과 록에서 더 일반적인 용도는 특정 노래를 위해 악기를 들여오는 것이다.1960년대에는 비틀즈, 체어 등의 아티스트들이 대중음악에 첼로를 사용했으며, 비틀즈의 '어저스터데이', '엘레노어 리그비', '스트로베리 필즈 포에버', 셰어의 '뱅뱅뱅(My Baby Shot Me Down)' 등의 곡이 수록되었다.비치 보이즈의 "좋은 진동"은 첼로를 기악 앙상블에 포함시켰는데, 여기에는 이런 종류의 음악으로는 특이한 악기들이 다수 포함되어 있다.원래 첼로 연주 장학금으로 음악을 공부했던 베이스 기타리스트 잭 브루스는 크림의 휠스 오브 파이어 스튜디오 앨범(1968년)에서 '당신이 말한 대로'에서 첼로 파트를 두드러지게 연주했다.

1970년대에 일렉트릭 라이트 오케스트라는 소위 "비트레스크" 편곡에서 영감을 얻어 첼로(및 바이올린)를 표준 록 콤보 라인업에 추가했고 1978년에는 영국 기반의 록 밴드 콜로세움 2세가 첼리스트 줄리언 로이드 웨버와 협연하여 음반 변주곡에 큰 상업적 성공을 거두었다.가장 주목할 만한 것은, 핑크 플로이드의 1970년 대서사 악기 "Atom Heart Mother"에 첼로 독주곡을 포함했다는 점이다.제네시스의 베이스 기타리스트 마이크 러더포드는 원래 첼리스트였고 팍스트롯 앨범에 첼로 파트를 포함시켰다.

기존의 비전통 첼로 그룹으로는 메탈리카의 버전으로 가장 잘 알려진 핀란드 첼리스트 그룹 아포칼립티카, 고딕 음악과 혼합된 복잡한 첼로 스타일을 위해 헌신한 첼리스트 그룹 라스푸티나, 록, 팝, 클라 등의 편곡으로 유명한 7명의 첼리스트들의 앙상블인 매시브 비올린스가 있다.스시컬 히트, 첼로 프런트 락 파워 트리오인 본 첼로, 클래식 음악의 요소들을 보다 현대적인 록과 메탈 장르에 혼합한 Break of Reality, 독창적인 록/클래식 크로스오버 음악을 연주하는 첼로 밴드인 첼로 퓨리, 그리고 두 명의 타악 연주자가 있는 미니애폴리스 소재 첼로 듀오 젤로슬라브.이 그룹들은 첼로 록으로 알려지게 된 스타일의 예들이다.크로스오버 현악 4중주 결합에도 첼리스트가 포함된다.실렌지움과 첼리시모 4중주단은 러시아(노보시비르스크) 그룹이 록과 메탈을 연주하며 시베리아에서 점점 더 많은 인기를 얻고 있다.중국 상하이의 콜드 페어리랜드가 피파(Pipa)를 따라 첼로를 주요 독주 악기로 삼아 동양과 서부 프로그레시브(포크) 록을 탄생시키고 있다.

첼로를 사용하는 보다 최근의 악단으로는 클린 밴디트, 에어로스미스, 오아시스, 라 라이엇,[16] 스매싱 펌킨스, 제임스, 토크 토크, 필립 필립스, 원리퍼블릭, 일렉트릭 라이트 오케스트라, 바로크 록밴드 아케이드 파이어 등이 있다.애틀랜타에 본사를 둔 3인조인 킹 리차드의 선데이 베스트도 그들의 라인업에 첼리스트를 사용한다.크로노스 4중주, 비타민 현악 4중주, 마고, 핵소, 소와 같은 소위 "챔버 팝" 아티스트들도 최근 현대 얼터너티브 록에서 첼로를 공통으로 만들었다.헤비메탈 밴드인 다운의 시스템도 첼로의 풍부한 소리를 활용했다.인디 록 밴드 The Stiletto Formal은 첼로를 그들의 소리의 주요 주종으로 사용하는 것으로 알려져 있는데, 마찬가지로 인디 록 밴드 캐나다는 그들의 라인업에 두 명의 첼로 연주자를 고용하고 있다.현악기와 심포니 악기의 사용을 개척해 온 난초 록 그룹 The Polyphonic Rushy는 첼로를 그들의 "심포닉 에스크" 멜로디에 매우 독창적인 방법으로 고용한다.첫 번째 물결의 절규 밴드 I Would Set Myself On Fire For You는 첼로는 물론 비올라까지 선보여 더욱 포크 지향적인 사운드를 만들어냈다.디스코에서 활동하는 밴드 패닉은 그들의 노래 "빌드 갓, 그럼 우리는 말할 것이다"에 첼로를 사용한다.밴드의 리드 보컬인 브렌던 우리도 첼로 독주 녹음 작업을 했다.루미너스는 2010년 첼리스트 넬라 페카렉을 밴드에 추가했다.그녀는 첼로를 연주하고, 하모니를 부르고, 듀엣을 한다.

재즈에서는 베이시스트인 오스카 페티포드와 해리 바바신이 첼로를 독주 악기로 사용한 최초의 인물 중 한 명이었다; 둘 다 더블 베이스보다 한 옥타브 높은 4단으로 악기를 조율했다.(베이스 연주자가 아니었던) 프레드 캣츠는 이 악기의 표준 튜닝과 아르코 기법을 사용한 최초의 주목할 만한 재즈 첼리스트 중 한 명이었다.현대 재즈 첼리스트로는 압둘 와두드, 디드레 머레이, 론 카터, 데이브 홀랜드, 데이비드 달링, 루치오 아만티, 아쿠아 딕슨, 에른스트 레이제거, 프레드 론버그-홀름, 톰 코라, 에릭 프리드랜더가 있다.제이슨 로버트 브라운의 <마지막 5년>, 던칸 셰이크의 <봄의 각성>, 아담 게텔의 <플로이드 콜린스>, 리키 이안 고든의 <알베르탱과 함께하는 마이 라이프>와 같은 현대 뮤지컬 극장 작품들은 작은 현악 앙상블(독주 첼로 포함)을 두드러지게 사용한다.

인도 고전 음악에서 사스키아 라오데 하스는 시타리스트 남편 Pt와 듀엣을 연주할 뿐 아니라, 확고한 독주자다.슈벤드라 라오인도 고전음악을 연주하는 첼리스트로는 낸시 레쉬(드루패드)와 아놉 비스워스가 있다.라오와 레시 둘 다 바닥에 다리를 꼬고 앉아 첼로를 연주한다.

첼로는 블루그래스와 포크 음악에도 쓰일 수 있는데, 스패로우 쿼터즈의 벤 솔리와 '카준 첼리스트' 숀 그리솜을 비롯해 자신의 프로젝트 외에도 데이미엔 라이스를 위해 연주한 비비엔 롱 등 쟁쟁한 연주자들이 있다.나탈리 하스, 애비 뉴턴, 리즈 데이비스 맥스필드와 같은 첼리스트들은 첼로가 주된 멜로디 악기로 특징지어지고 전통적인 바이올린 연주 기술과 기법을 사용하는 켈트 민속 음악에서 첼로를 연주하는 데 크게 기여했다.린지 맥은 비틀즈의 "블랙버드"를 표지로 하는 등 첼로를 기타처럼 연주하는 것으로 잘 알려져 있다.

건설

첼로의 주요 부분

첼로는 탄소 섬유나 알루미늄과 같은 다른 재료가 사용될 수 있지만, 일반적으로 조각된 나무로 만들어진다.전통적인 첼로는 등, 옆면, 목을 위한 단풍이 있는 스루스톱을 가지고 있다.포플러나 버드나무와 같은 다른 숲은 뒷면이나 옆면 등에 쓰이기도 한다.덜 비싼 첼로는 종종 나무로 만든 상의와 등을 가지고 있다.라미네이트 셀로는 조각한 목재 셀로(즉, 부딪히거나 떨어뜨리면 금이 갈 확률이 낮음)보다 내구성이 훨씬 뛰어나고 비용이 훨씬 적게 들기 때문에 초·중등교 오케스트라와 유소년 오케스트라에서 널리 사용되고 있다.

덜 비싼 셀로는 종종 기계적으로 생산되지만, 윗면과 뒷면은 전통적으로 손으로 운반된다.옆면, 즉 갈비뼈는 나무를 데워서 형태를 중심으로 구부려서 만든다.첼로 본체는 넓은 탑바운드와 두 개의 C바운드로 형성된 좁은 중간, 넓은 바텀바운드가 있으며, 중간 바로 아래 브릿지와 F홀이 있다.첼로의 윗부분과 뒷부분에는 퍼플링으로 알려진 장식적인 테두리가 있다.퍼플링이 매력적인 반면, 그것은 기능적이다: 만약 악기가 부딪히면, 퍼플링은 나무의 갈라지는 것을 막을 수 있다.기구의 테두리에 균열이 생길 수 있지만 더 이상 확산되지 않는다.휘청거리지 않으면 위나 뒤쪽으로 균열이 퍼지거나 내려갈 수 있다.연주, 여행, 그리고 날씨는 모두 첼로에 영향을 미치고 만약 그르렁거림이 제자리에 없다면 균열을 증가시킬 수 있다.덜 비싼 악기들은 일반적으로 퍼플링을 칠했다.[citation needed]

첼로의 핑거보드와 피그는 힘이 세고 쉽게 닳지 않기 때문에 일반적으로 흑단으로 만들어진다.[17]

대체재료

1920년대 후반과 1930년대 초반에 알미늄 컴퍼니 오브 아메리카(Alcoa)와 독일의 루티어 G.A.Pretzchner는 알미늄 셀로(알미늄 더블 베이스와 바이올린 외에)를 생산했다.[18]첼로 제조업체 루이스 & 클라크는 탄소 섬유로 첼로를 만든다.탄소섬유 악기는 특히 재료의 강도와 습도 및 온도 변동에 대한 저항성 때문에 야외에서 연주하기에 적합하다.루이스 & 클라크는 1000개가 넘는 첼로를 생산했는데, 그중 일부는 요요마[19], 요세핀 반 리어 같은 첼리스트들이 소유하고 있다.[20]

목, 핑거보드, 페그박스 및 스크롤

본체 위에는 새겨진 목이 있다.목은 아래쪽에 굽은 단면이 있는데, 경기 중 엄지손가락이 목덜미를 따라 뛰는 곳이다.목은 페그박스로 이어지고 두루마리는 보통 나무 한 조각, 대개 단풍나무로 조각되어 있다.손가락 판자는 목덜미에 붙어서 악기의 몸 위로 뻗어 있다.핑거보드는 다리의 곡선과 일치하는 곡선 형태를 부여한다.핑거보드와 브릿지는 둘 다 곡선이 있어야 연주자가 개별 현을 절할 수 있다.첼로가 일반적인 기타처럼 평평한 손가락 판자와 다리를 갖게 된다면 연주자는 가장 왼쪽과 가장 오른쪽 두 줄만 절하거나 모든 현을 절할 수 있을 것이다.연주자 혼자서는 내면의 두 줄을 연주할 수 없을 것이다.

너트는 높이 솟은 나무 조각으로, 손가락판이 페그박스와 만나는 곳에 설치되며, 줄이 얕은 구멍이나 홈에 놓여져 있어 정확한 거리를 유지한다.페그박스에는 각 끈에 하나씩 4개의 테이퍼형 튜닝 페그가 들어 있다.펙은 끈을 조이거나 풀어 첼로를 조율하는 데 사용된다.이 페그는 마찰에 의해 위치를 유지하기 때문에 "마찰 페그"라고 불린다.두루마리는 첼로의 전통적인 장식 부분이며 바이올린 계열의 다른 모든 멤버들의 특징이다.에보니는 보통 튜닝 페그, 핑거보드, 견과류 등에 사용되지만, 박스우드나 로즈우드 같은 다른 단단한 목재도 사용할 수 있다.저가 기구의 검정색 부속품은 흑단처럼 보이도록 검게 칠해지거나 '탄소화'된 값싼 목재로 만들어지는 경우가 많은데, 이 목재가 훨씬 단단하고 비싸다.튜닝 페그와 같은 비탄소화된 부품은 금이 가거나 갈라질 수 있으며, 손가락판의 검은 표면은 결국 마모되어 아래쪽의 밝은 목재를 드러낼 것이다.

줄들

역사적으로 첼로 현은 고양이굿으로 만들어진 코어를 가지고 있었는데, 그 이름에도 불구하고 양이나 염소 창자로 만들어진다.2010년대에 사용된 대부분의 현대적인 끈은 알루미늄, 티타늄, 크롬과 같은 금속 재료로 감겨져 있다.첼리스트들은 그들의 악기에 다른 종류의 현을 섞을 수 있다.대체 튜닝(scordatura)이 작곡자에 의해 지정되지 않는 한, 오픈 문자열의 투구는 C, G, D, A(위의 재생 범위 그림의 블랙 노트 헤드)이다.일부 작곡가들(예: '로마의 소나무'의 마지막 동작에서 오토리노 레스피기)은 낮은 C를 B플랫에 맞춰 조정하여 연주자가 가장 낮은 오픈 스트링에 대해 다른 낮은 음을 연주할 수 있도록 해달라고 요청한다.

테일피스 및 엔드핀

꼬리부분과 끝핀은 첼로의 아랫부분에서 발견된다.꼬리부분은 현악기의 '볼 끝'이 구멍을 통과해 붙는 첼로의 부분이다.꼬리 조각이 첼로 바닥에 붙어 있다.꼬리 조각은 전통적으로 흑단이나 다른 단단한 나무로 만들어지지만, 또한 플라스틱이나 강철로 만들 수도 있다.첼로 하단에 현을 붙이고 하나 이상의 고운 튜너를 가질 수 있다.미세한 튜너는 현의 피치를 더 작게 조절하는 데 사용된다.미세한 튜너는 각 스트링의 장력을 높이거나(피치를 높이거나) 스트링의 장력을 낮출 수 있다(피치를 낮춘다).연주자가 새 스트링을 착용할 때, 그 스트링의 미세 튜너는 보통 중간 위치로 재설정되고, 그 다음 페그를 돌려 스트링을 피치 위로 올린다.미세한 방향 전환기는 오보에의 440Hz A 노트에 첼로를 맞추거나 피아노에 첼로를 맞추는 등 음정을 미세하고 미세하게 조정하는 데 사용된다.

엔드핀이나 스파이크는 나무, 금속, 또는 단단한 탄소 섬유로 만들어지며 첼로를 플레이 포지션에서 지지한다.첼로가 케이스로 운반되고 있을 때, 엔드핀은 기구의 텅 빈 몸통으로 수축될 수 있다.이것은 첼로를 움직이기 쉽게 만든다.연주자가 첼로를 연주하고 싶을 때, 그것을 늘리기 위해 엔드핀을 뽑는다.엔드핀은 나사 메커니즘으로 플레이어가 선호하는 길이에 고정된다.엔드핀의 조절 가능한 특성은 다양한 연령과 신체 사이즈의 공연자들이 엔드핀 길이를 자신에게 맞게 조절할 수 있게 해준다.바로크 시대에 첼로는 그 당시엔 엔드핀이 없었기 때문에 송아지 사이에 있었다.엔드핀은 "계기기의 안정성을 높이기 위해 Adrien Servais 1845년에 도입되었다".[21]현대의 endpin은 접을 수 있고 조절할 수 있다. 오래된 endpin은 사용하지 않을 때 제거되었다. ("endpin"이라는 단어는 바이올린 계열의 모든 악기에 있는 이 장소에 위치한 나무의 단추를 가리킬 때도 있지만, 이것은 보통 "테일핀"[22]이라고 불린다.)첼로의 날카로운 끝부분은 끝이 둔해지는 것을 막아주고 첼로가 바닥에 미끄러지는 것을 막아주는 고무끝으로 덮기도 한다.많은 첼리스트들은 금속 컵이 달린 고무 패드를 사용하여 팁이 바닥에 미끄러지지 않도록 한다.엔드핀이 미끄러지지 않도록 하는 많은 부속품; 여기에는 의자 다리 및 기타 장치에 부착되는 로프가 포함된다.

브릿지와 f-홀

음소거가 있는 첼로의 다리(음소거가 사용되지 않음)

다리는 첼로 위의 현을 잡고, 그 진동을 악기 상단과 내부 사운드포스트(아래 참조)로 전달한다.다리는 끈의 장력에 의해 접착되지 않고 오히려 제자리에 고정되어 있다.교량은 대개 "f-hole"(즉, "f"에서 수평선이 발생하는 곳)의 교차점에 의해 위치한다.모양에 따라 이름 붙여진 f홀은 다리 양쪽에 위치하며 음향 제작 과정의 일환으로 기구를 드나드는 공기를 허용한다.그들은 아마도 사운드와 관련된 단어들을 의미하는 구식 메디알 S를 의미할 것이다.[citation needed]f홀은 수리나 정비를 위해 첼로 내부를 출입하는 지점 역할도 한다.때때로 물에 젖은 스펀지가 들어 있는 작은 길이의 고무 호스가 f홀을 통해 삽입되어 가습기 역할을 하기도 한다.이것은 첼로의 목재가 마르는 것을 막아준다.

내부 기능

내부적으로는 첼로의 두 가지 중요한 특징이 있는데, 그것은 악기 상단의 아래쪽에 붙어 있는 베이스 바와 상판과 하판 사이에 끼워진 단단한 나무 원통인 둥근 나무 소리 기둥이다.다리의 베이스 발 밑에 있는 베이스 바는 첼로의 상단을 받치고 현악기에서 악기 본체에 전달되는 진동을 전달하는 역할을 한다.다리의 삼단면 아래에서 발견되는 사운드 포스트는 첼로의 뒷면과 앞면을 연결한다.다리와 마찬가지로 음향 기둥은 접착되지 않고 다리와 현이 팽팽하게 맞닿아 제자리에 고정되어 있다.베이스 바와 사운드 포스트는 함께 현악기의 진동을 악기 상단(앞쪽)(그리고 뒤쪽은 더 작은 정도)에 전달하여, 악기의 소리를 내는 횡격막 역할을 한다.

접착제

셀로는 강하지만 가역성이 있어 필요할 때 분해할 수 있는 숨바꼭질을 이용해 제작·보수한다.일부 수리 시 상판을 제거해야 하므로 상판에 희석 접착제를 붙일 수 있다.이론적으로 가죽풀은 신체의 나무보다 약하기 때문에 위나 등이 옆으로 수축되면서 이를 잡고 있는 접착제가 놓아주고 접시가 깨지지 않는다.첼로의 균열을 수리하는 첼로 연주자들은 일반 목재 접착제를 사용하지 않는데, 이는 루티어가 수리를 해야 할 때 그것을 쪄서 열 수 없기 때문이다.

절하다

첼로 프랑스[23] 보우술 폰티첼로

전통적으로 활은 페르남부코나 브라질우드로 만들어진다.둘 다 같은 종의 나무(Caesalpinia echinata)에서 유래하지만, 고품질의 활에 사용되는 페르남부코는 나무의 심목이며 브라질우드(때로는 보상하기 위해 얼룩이 묻기도 한다)보다 색이 어둡다.페르남부코는 묵직하고 수지가 많은 목재로 탄력이 뛰어나 악기 활에 이상적인 목재로 꼽힌다.활의 양끝 사이에 말헤어가 뻗어 있다.팽팽한 말발굽이 현 위에 그려지며, 동시에 다리에 대략 평행하고 현에 수직으로 고정되어 소리를 낸다.작은 손잡이가 꼬여 말의 장력을 증가시키거나 감소시킨다.활의 장력은 악기를 사용하지 않을 때 해제된다.첼리스트가 활머리에 가해지는 긴장감은 연주자의 선호도, 연주되는 음악 스타일, 그리고 학생의 경우 스승의 선호도에 따라 달라진다.

활은 또한 나무보다 더 강한 탄소 섬유와 섬유 유리 같은 다른 재료로 만들어진다.평균 첼로 활은 길이 73cm(29인치) (바이올린이나 비올라 활보다 짧음) 3cm(1.2인치) 높이(개구리부터 막대기까지) 1.5cm(0.59인치)이다.첼로 활의 개구리는 전형적으로 비올라 활처럼 둥근 모서리를 가지고 있지만 넓다.첼로 활은 비올라 활보다 약 10 g(0.35 oz) 무겁고, 결국 바이올린 활보다 약 10 g(0.35 oz) 무겁다.

활털은 전통적으로 말발톱이지만, 다양한 색깔의 합성 털도 사용된다.연주에 앞서 악사는 나사를 돌려 개구리(손 아래의 활 부분)를 뒤로 잡아당겨 활을 팽팽하게 조이고 머리카락의 긴장을 높인다.로신은 선수가 머리를 끈적끈적하게 하기 위해 바른다.활은 주기적으로 머리를 다시 묶어야 한다.바로크 양식(1600–1750) 첼로 활은 훨씬 두껍고 현대 첼로 활과 비교할 때 바깥쪽 아치형으로 크게 형성되었다.현대 첼로 활의 안쪽 아치는 더 큰 장력을 발생시키며, 이는 다시 더 큰 소리를 낸다.

첼로 활은 전기 기타 연주에도 사용되었다.Jimmy Page는 "Daught and Muscled"와 같은 트랙에서 응용 프로그램을 개척했다.포스트 록 아이슬란드 밴드 시구르 로스의 리드 싱어는 첼로 활을 이용하여 기타를 연주하는 경우가 많다.

1989년, 독일의 첼리스트 마이클 바흐는 존 케이지, 디터 슈네벨, Mstislav Rostropovich, 루이지 콜라니에 의해 고무된 곡선을 개발하기 시작했고, 그 이후로 많은 곡들이 특히 그것을 위해 작곡되었다.이 굽은 활(BACH).Bow)는 일반적인 활과 달리 기구의 다양한 현에서 가능한 다면체(polyphonic)를 렌더링하는 볼록한 곡선형 활이다.바흐의 바이올린과 첼로의 솔로 레퍼토리.활은 특히 그것에 적합하다: 그리고 이것을 염두에 두고 개발되었다. 다성적 놀이는 물론 단성적 놀이가 필요하다.

마이클 바흐, 첼로와 바흐.활

물리학

물리적인 측면

줄을 구부리거나 잡아당기면 진동하고 주변의 공기를 움직여 음파를 발생시킨다.끈이 상당히 가늘기 때문에 끈 자체에 의해 많은 공기가 이동되지 않고, 결과적으로 속이 빈 몸에 끈을 장착하지 않으면 소리가 약해진다.첼로와 같은 어쿠스틱 현악기에서는 이 부피 부족을 더 큰 속이 빈 나무 몸체에 진동하는 현악기를 장착함으로써 해결한다.그 진동은 더 큰 몸으로 전달되어 더 많은 공기를 이동시키고 더 큰 소리를 낼 수 있다.기구의 다른 디자인은 기구의 진동 패턴에 변화를 일으키므로 생산되는 소리의 특성을 변화시킨다.[24]스트링의 기본 피치는 장력과 길이에 따라 달라지는 뻣뻣함을 바꿔 조절할 수 있다.끈을 조이면 길이를 따라 바깥쪽 힘과 뒤틀림 동안 경험하는 순 힘이 증가하여 끈이 굳어진다.[25]첼로는 펙박스에 장착된 튜닝 페그와 테일피스에 장착된 텐션 조절 장치(미세 튜너)를 돌려 현의 장력을 조절함으로써 튜닝할 수 있다.

줄의 길이는 또한 줄의 기본 음정에 영향을 미친다.줄의 길이를 줄이면 왜곡 중에 줄의 곡률을 증가시키고 더 큰 순력에 노출시킴으로써 줄의 길이가 뻣뻣해진다.끈의 길이를 줄이면 질량도 줄어들지만 단위 길이당 질량은 변하지 않으며, 주파수를 좌우하는 총 질량보다는 후자의 비율이다.현은 /T/m에 의해 전파속도가 주어지는 입파에서 진동하며, 여기서 T는 장력이고 m은 단위 길이당 질량이다. 진동 길이의 양 끝에는 노드가 있고, 따라서 진동 길이 l는 파장의 절반이다.이후 어떠한 파동의 주파수를 속도를 파장으로 나눈 동일한 경우, 우리가 주파수 =.mw-parser-output .sfrac{white-space:nowrap}.mw-parser-output.sfrac.tion,.mw-parser-output.sfrac .tion{디스플레이:inline-block, vertical-align:-0.5em, font-size:85%;text-align:센터}.mw-parser-output.sfrac .num,.mw-parser-output.sfrac .den{고 있다.디스플레이:블록, line-height:1em, 마진:00.1em}.mw-parser-output.sfrac .den{border-top:1px 고체}.mw-parser-output .sr-only{국경:0;클립:rect(0,0,0,0), 높이:1px, 마진:-1px, 오버 플로: 숨어 있었다. 패딩:0;위치:절대, 너비:1px}1/2l×√T/m.(NOT은 먼 캐스터를 포함한 작가, 아래 인용)m장소에서)그리스 문자 μ을 사용한다.따라서 끈을 짧게 하면 주파수가 증가하고, 따라서 피치가 증가한다.이러한 효과 때문에 현악기의 음을 첼로 목의 핑거보드에 대고 눌러서 효과적으로 단축시킴으로써 현악의 음을 올리고 변경할 수 있다.[26]마찬가지로 단위 길이당 질량이 적은 문자열은 같은 장력일 경우 주파수가 더 높고 따라서 더 큰 문자열보다 더 높은 피치를 갖는다.모든 현악기의 현악기가 기본 구위가 다르고 가장 가벼운 현악기의 구위가 가장 높은 것이 가장 큰 이유다.

첼로에서 D 화음의 스펙트로그램이 연주되었다.같은 수준의 노란색 띠는 서로 다른 음의 절에 의해 흥분되는 동일한 고조파를 나타낸다.왼쪽에서 오른쪽으로 재생된 노트: D–FRB–A–FRB–D.

E 또는 F-Sharp의 재생 음은 계측기 본체의 자연 공명 주파수에 매우 가까운 주파수를 가지고 있으며, 이 문제를 해결하지 않으면 본체를 거의 공명 상태로 만들 수 있다.이것은 이 음조의 불유쾌한 갑작스러운 증폭을 야기할 수 있고, 게다가 큰 박동 소리는 이 근처 주파수들 사이에서 발생하는 간섭에서 비롯된다; 이것은 불쾌하게 으르렁거리는 소리이기 때문에 "늑대 톤"이라고 알려져 있다.목공명은 소리나는 현의 추진력에 의해 두 개의 주파수로 쪼개지는 것처럼 보인다.이 두 가지 주기적인 공명이 서로 박자를 맞추었다.첼로가 쾌적한 음색으로 근처의 음을 연주하려면 이 늑대 음조를 없애거나 현저히 줄여야 한다.이는 첼로 전면판을 개조하거나 울프 제거기(금속 실린더 또는 금속으로 포장된 고무 실린더)를 부착하거나 사운드포스트(soundpost)[27]를 움직이면 가능하다.

음을 내기 위해 줄을 구부리거나 당길 때, 기본 음은 고주파 오버톤을 동반한다.각각의 소리는 총 소리를 내기 위해 결합하는 특정한 주파수 레시피를 가지고 있다.[28]

플레이 테크닉

주요 기사:첼로 테크닉
첼리스트

첼로를 연주하는 것은 악기를 바닥에 받치고 앉아서 엔드핀으로 연주하는 것이다.오른손은 음을 울리기 위해 현을 절한다(또는 때로는 당긴다.왼손 손끝은 그 길이를 따라 줄을 멈추게 하여 각 손가락 음의 음조를 결정한다.끈을 브리지에 가깝게 멈추면 진동하는 끈 길이가 짧아져 더 높은 톤의 소리가 난다.반대로 튜닝 페그에 더 가깝게 멈춘 끈은 더 낮은 소리를 낸다.목 위치(악기 상단에서 가장 가까운 손가락 보드의 절반 이하를 사용하는 경우)에서는 엄지손가락이 목 뒤쪽에 위치하며, 엄지 위치(손가락 보드의 나머지 부분에 대한 메모의 일반적인 이름)에서는 엄지손가락이 대개 문자열의 손가락 옆에 위치한다.그리고 나서, 엄지손가락의 옆면을 이용하여 음을 연주한다.손가락은 보통 각 너클이 구부러진 상태에서 곡선을 그리며, 손가락 끝은 끈에 닿는다.완벽한 5분의 1(두 번 정지 또는 화음)을 재생하기 위해 한 번에 두 개 이상의 문자열에서 손가락이 필요한 경우, 평평하게 사용한다.접촉점은 손톱에서 손가락 패드까지 약간 멀어질 수 있으며, 더 느리거나 더 표현적인 플레이를 할 수 있어 더 풍성한 비브라토가 가능하다.

비브라토(Vibrato)는 음의 음에 작은 진동으로 보통 표현 기법으로 간주된다.음이 브리지 쪽으로 가까울수록 효과를 내는 데 필요한 진동이 작아진다.첼로에서 연주되는 고조파들은 자연과 인공의 두 부류로 나뉜다.자연적인 고조파들은 특정한 장소에서 현을 가볍게 만지고(그러나 우울하지 않게) 그 끈을 구부리고(혹은 드물게 잡아당기면서) 만들어진다.예를 들어, 문자열의 중간점은 고정되지 않은(열린) 문자열보다 1 옥타브 높은 하모닉을 생성한다.자연 고조파들은 특정 문자열에서 고조파 계열의 일부인 음만 생성한다.같은 줄을 다른 손가락으로 가볍게 터치하면서 한 손가락으로 끈을 완전히 누르는 인공 고조파(거짓 고조파 또는 정지 고조파라고도 함)는 중간 C 이상의 음을 낼 수 있다.글리산도('슬라이딩'의 경우 이탈리아어)는 끈을 놓지 않고 손가락을 손가락판 위로 또는 아래로 미끄러뜨려 얻어지는 효과다.이로 인해 피치가 분리되고 식별할 수 있는 스텝 없이 부드럽게 오르내리게 된다.

첼로 연주에서 활은 관악기 연주자의 숨결과 많이 비슷하다.논란의 여지가 있는 것은, 그것은 그 연극의 표현력에 있어서 주요한 요인이다.오른손은 활을 잡고 음의 지속시간과 성격을 조절한다.일반적으로 활은 핑거보드 끝과 다리 사이의 중간 정도에서 현에 수직인 방향으로 현을 가로질러 그려지지만, 플레이어는 원하는 소리에 따라 활의 접점을 더 높이 또는 더 낮게 이동시키기를 원할 수 있다.활은 오른손의 다섯 손가락을 모두 잡고 조작하는데, 엄지는 손가락 반대편에 있고 첼리스트의 몸 가까이 있다.음조의 생산과 음량은 몇 가지 요인의 조합에 따라 달라진다.가장 중요한 네 가지는 현에 가해지는 무게, 현에 가해지는 활의 각도, 활의 속도, 현과 활의 털의 접촉점(때로는 약칭 WASP)이다.

더블 스톱은 동시에 두 음을 재생하는 것을 포함한다.두 개의 현을 동시에 손가락질하고 활을 당겨 소리를 낸다.종종 피치카토 놀이에서는 오른손의 손가락이나 엄지손가락으로 줄을 직접 뽑는다.그러나 첼리스트가 피치카토 노트와 함께 다른 스트링에 절은 음을 연주할 수 있도록 또는 곡의 속도가 플레이어가 오른손으로 충분히 잡아당길 수 있는 시간을 허용하지 않기 때문에 특정 고급 작품에서 왼손 손가락으로 현을 뽑을 수 있다.음악 표기법에서 피치카토는 흔히 "피지즈"로 약칭된다.피치카토에서 손의 위치는 보통 손가락판 위로 살짝 올라가서 다리에서 떨어져 있다.

콜레 레그노 기법을 사용하는 선수는 털보다는 활의 나무로 줄을 치거나 문지른다.스피카토 놀이에서 활은 여전히 줄 위에서 수평 동작으로 움직이지만 튕겨져 나가게 되어 더 가볍고 다소 과밀한 소리를 낸다.스타카토에서는 플레이어가 활을 조금만 움직여 스트링 위에서 멈추게 하고 짧은 소리를 내는데, 나머지 쓰여진 지속시간은 침묵에 의해 차지하게 된다.레가토는 음이 끊기지 않고 부드럽게 연결되는 기법이다.이는 스탭에 대한 위치에 따라 위 또는 아래에 있는 슬러(커브 라인)로 표시되며, 레가토(legato)를 재생해야 하는 구절의 노트에 따라 표시된다.

설 폰티셀로("다리 위")는 다리 가까이(또는 거의) 절을 하는 것을 말하며, 설티쇼("손가락판 위")는 손가락판 끝에 가까이(또는 위로) 절을 하는 것을 말한다.그것의 극단에서, 설 폰티셀로는 오버톤과 높은 고조파를 강조하면서 거칠고 날카로운 소리를 낸다.이와는 대조적으로 술시호는 음의 기본 주파수를 강조하는 플루트 같은 소리를 더 많이 내고 부드러운 오버톤을 만들어 낸다.작곡가들은 특히 오케스트라 배경에서 특별한 소리와 효과를 위해 두 가지 기법을 모두 사용해 왔다.

사이즈

풀사이즈 첼로의 ½사이즈 첼로

표준 크기의 셀로는 "전체 크기" 또는 "4⁄4"라고 부르지만, 또한 7⁄8, 3⁄4, 1⁄2, 1⁄4, 1⁄8, 1⁄10, 1⁄16을 포함한 더 작은 (프랙셔널) 크기로 만들어지기도 한다.분수는 길이보다는 부피를 의미하기 때문에 1/2 크기의 첼로는 전체 크기의 절반 길이보다 훨씬 길다.작은 셀로는 건설, 범위, 사용에서 표준 셀로와 동일하지만, 어린이와 키가 작은 어른들의 이익을 위해 단순히 축소된다.

4⁄4보다 큰 크기의 셀로스가 존재하며, 손이 유난히 큰 셀로스는 그러한 비표준적인 기구를 필요로 할 수 있다.약 1700년 전에 만들어진 첼로는 오늘날 만들어지고 일반적으로 연주되는 첼로보다 상당히 큰 경향이 있다.1680년경, 현악 제작 기술의 변화로 짧은 현악에 대해 저음의 음을 연주할 수 있게 되었다.예를 들어 스트라디바리의 셀로는 두 가지 모델로 분명하게 나눌 수 있는데, 1702년 이전에 만들어진 스타일, 즉 더 큰 악기가 특징인 스타일(이 중 3개만이 원래의 크기와 구성으로 존재한다), 스트라디바리가 더 작은 셀로를 만들기 시작한 1707년 전후에 만들어진 스타일이다.이 후기 모델은 현대 루티어들이 가장 흔히 사용하는 디자인이다.4⁄4 첼로의 축척 길이는 약 70 센티미터(27+1⁄2 인치)이다.그 새로운 크기는 더 큰 톤 투영과 더 넓은 범위의 표현을 제공했다.이 형식의 악기는 음악적으로 더 많은 곡에 기여할 수 있었고 플레이어가 기법을 개발할 수 있는 더 큰 신체적 손재주를 제공할 수 있었다.[29]

4⁄4 크기 첼로의[30] 대략적인 치수 평균크기
A peg에서 C peg까지 수평으로 대략적인 폭 16.0cm(6.3인치)
목 결합이 이루어지는 반올림을 제외한 뒷면 길이 75.4cm(29.7인치)
상부 돌출부(어깨) 34.0cm(13.4인치)
하부 통풍(힙) 43.9cm(17.3인치)
교량 높이 8.9cm(3.5인치)
앞 뒤 가장자리를 포함한 어깨의 늑골 깊이 12.4cm(4.9인치)
가장자리를 포함한 엉덩이 늑골 깊이 12.7cm(5.0인치)
목 결합에서 핑거보드 아래부터 배 표면까지의 거리 2.3cm(0.9인치)
총 깊이를 뒤로하는 교량 26.7cm(10.5인치)
엔드 핀을 제외한 전체 높이 120.9cm(47.6인치)
엔드 핀 유닛 및 스파이크 5.6cm(2.2인치)

악세사리

로신은 현에 있는 활의 마찰을 증가시키기 위해 활 털에 바른다.
브릿지와 꼬리 부분 사이에 첼로의 G 스트링(왼쪽에서 두 번째 스트링) 위에 놓인 황동 울프 톤 제거기.(D 문자열(왼쪽에서 세 번째)의 검은색 고무 조각은 음소거임)

첼로에는 많은 악세사리가 있다.

  • 케이스는 첼로와 활(또는 복수의 활)을 보호하는 데 사용된다.
  • 침엽수에서 두드려낸 레진으로 만든 로신은 활털에 도포해 마찰이나 그립, 물림 등의 효과를 높이고 적절한 음향 연출이 가능하다.로신은 밀랍, 금, 은 또는 주석과 같은 마찰을 수정하기 위한 첨가물을 가지고 있을 수 있다.일반적으로 로진은 색을 가리키며 어둡거나 밝은 것으로 분류된다.
  • 엔드핀 스톱 또는 스트랩(기존에는 록 스톱과 블랙홀을 포함한다)은 엔드핀 끝에 고무 피스가 없거나 바닥이 특히 미끄러운 경우 첼로가 미끄러지지 않도록 한다.
  • 늑대 톤 제거기는 꼬리 부분과 다리 사이의 첼로 현에 배치되어 늑대 톤 또는 "늑대"로 알려진 음향 이상을 제거한다.
  • 무테스는 다리에 질량과 뻣뻣함을 더해 첼로의 소리를 변화시키는 데 쓰인다.그들은 오버톤 구조를 변경하여 음색을 수정하고 악기에 의해 발생하는 전체 음량을 줄인다.
  • 메트로놈은 분당 일정한 수의 박자를 소리내어 일정한 템포를 제공한다.이 도구는 음악가에게 리듬감을 심어주기 위해 자주 사용된다.리듬 안정의 거울 역할을 해 음악가가 어디로 돌진하거나 템포를 끌지 분석할 수 있게 한다.
  • 테일피스에 위치한 미세한 튜너는 첼로를 쉽고 정확하게 튜닝할 수 있게 해준다.

계기 제작자

주요 기사:루티에

첼로는 기타에서 바이올린에 이르는 현악기를 만들고 수리하는 전문가인 루티어에 의해 만들어진다.다음 루티어는 그들이 생산한 첼로에서 주목할 만하다.

첼리스트

주요 기사:첼리스트 목록

첼로를 연주하는 사람을 첼리스트라고 부른다.저명한 첼리스트의 목록은 첼리스트 및 카테고리:첼리스트.

유명한 악기

참고 항목: 카테고리:개별세포
세르비아 스트라디바리우스는 스미스소니언 협회의 미국 역사 박물관에 보존되어 있다.

특정 악기는 다양한 이유로 유명하다(또는 유명해진다).악기의 명성은 그 나이, 제작자의 명성, 신체적 외모, 음향적 특성 및 저명한 연주자에 의한 사용에서 발생할 수 있다.가장 유명한 악기는 일반적으로 이 모든 것으로 알려져 있다.가장 높이 평가되는 악기는 현재 수집가들의 물품이며 대부분의 음악가들이 감당할 수 없는 가격이다.이러한 악기들은 일반적으로 어떤 종류의 조직이나 투자 그룹이 소유하고 있는데, 이는 그 악기를 유명한 연주자에게 빌려줄 수도 있다.(예를 들어, 현재 가장 널리 알려진 살아있는 첼리스트 중 한 명인 요요마(Yo-Yo-Ma)가 소유하고 있는 다비도프 스트라디바리우스(Davidov Stradivarius)는 실제로 뷔통 재단이 소유하고 있다.)[31]

일부 주목할 만한 첼로:

참고 항목

참조

  1. ^ "violoncello noun – Pronunciation". Oxfordlearnersdictionaries.com. Retrieved October 4, 2016.
  2. ^ "Violoncello". Merriam-Webster. Retrieved October 4, 2016.
  3. ^ a b Delbanco, Nicholas (January 1, 2001). "The Countess of Stanlein Restored". Harper's Magazine. Archived from the original on January 8, 2009. Retrieved 4 October 2016.
  4. ^ Valerie Walden (2004). One Hundred Years of Violoncello. Cambridge University Press.
  5. ^ Congress, The Library of. "Hensel, Fanny Mendelssohn, 1805-1847. Fantasia, cello, piano, G minor". id.loc.gov. Retrieved 2019-11-27.
  6. ^ Jeal, Erica (2019-08-22). "Felix & Fanny Mendelssohn: Works for Cello and Piano review Erica Jeal's classical album of the week". The Guardian. ISSN 0261-3077. Retrieved 2019-11-27.
  7. ^ "Rihanna feat. Ne Yo - Umbrella & hate that i love you live american music awards 2007". YouTube. December 25, 2015. Archived from the original on 2021-11-24.
  8. ^ "Violoncello by Andrea Amati, Cremona, Mid-16th Century". collections.nmmusd.org. Retrieved 2019-11-27.
  9. ^ "Cello Playing in 18th Century Italy". www.cello.org. Retrieved 2019-11-27.
  10. ^ a b Cyr, Mary (1982). "Basses and basse continue in the Orchestra of the Paris Opéra 1700–1764". Early Music. X (Apr., 1982): 155–170. doi:10.1093/earlyj/10.2.155.
  11. ^ "Violin (Baroque) – Early Music Instrument Database". Retrieved 2020-07-29.
  12. ^ "Baroque Instruments". History Of Music. Retrieved 2020-07-29.
  13. ^ Marsh, Gregory and Elizabeth (March 7, 2016). "The Endpin – The Classy Musician". Theclassymusician.com. Retrieved October 4, 2016.
  14. ^ "Cello (Baroque) – Early Music Instrument Database". Retrieved 2020-07-29.
  15. ^ "Cello Playing in 18th Century Italy". Cello.org. Retrieved October 4, 2016.
  16. ^ Boilen, Bob (26 August 2008). "Ra Ra Cello". NPR. Retrieved 2021-09-03.
  17. ^ "Cello Construction: How Cellos Are Made Johnson String Instrument". www.johnsonstring.com. Retrieved 2021-07-02.
  18. ^ R. Skrabec, Quentin (2017). Aluminum in America: A History. McFarland. p. 88. ISBN 9781476625645.
  19. ^ Chris Museler (January 18, 2009). "Cold Case: Luis and Clark Carbon Expedition for Yo-Yo Ma?". The New York Times. Retrieved October 4, 2016.
  20. ^ van Lier, Josephine (2006). "Luis and Clark Carbon Fibre Cells" (PDF). Alberta String Association. Archived from the original (PDF) on April 7, 2014. Retrieved 4 October 2016.
  21. ^ Stowell, Robin (June 28, 1999). The Cambridge Companion to the Cello. Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-62101-4.
  22. ^ Eric Halfpenny; Theodore C Grame. "Stringed instrument". Encyclopedia Britannica. Retrieved October 4, 2016.
  23. ^ 바로크 시대에 유행했던 독일 활과는 반대로, 언더핸드 방식으로 잡혔다.
  24. ^ Cowling, Elizabeth (1983). The cello. C. Scribner's Sons. ISBN 978-0-684-17870-7.
  25. ^ Bloomfield, Louis (2001). How things work: the physics of everyday life. Wiley. ISBN 978-0-471-38151-8.
  26. ^ Muncaster, Roger (1993). A-level Physics. Nelson Thornes. ISBN 978-0-7487-1584-8.
  27. ^ Berg, Richard E.; Stork, David G. (2005). The Physics of Sound. Pearson Prentice Hall. ISBN 978-0-13-145789-8.
  28. ^ Chattopadhyay, D. (January 1, 2004). Elements Of Physics. New Age International. ISBN 978-81-224-1538-4.
  29. ^ Stowell, Robin (November 13, 2003). The Cambridge Companion to the String Quartet. Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-00042-0.
  30. ^ Alan Stevenson. "Table of 'cello measurements". Archived from the original on 2008-01-04. Retrieved 2007-10-26.
  31. ^ Beare, Charles; Carlson, Bruce (1993). "Foreword by Yo-Yo Ma". Antonio Stradivari: The Cremona Exhibition of 1987. London: J. & A. Beare. ISBN 0-9519397-0-X. Retrieved 2008-09-26. {{cite book}}:수표 archive-url=가치(도움말)CS1 maint: url-status(링크)
  32. ^ "Collections". Nmmusd.org. Retrieved October 4, 2016.

원천

추가 읽기

외부 링크