첼로 테크닉

Cello technique
이 기사는 서양 고전음악에 사용되는 첼로 기법에 관한 것이다. 자세한 내용은 첼로를 참조하십시오.
연주 기술을 시연하는 첼리스트

첼로를 연주하는 것은 악기를 바닥에 받치고 앉아서 하는 것이다. 왼손의 손끝이 손가락판 위의 끈을 멈추어 운지 노트의 음을 결정한다. 오른손은 현을 잡아당기거나 절하여 음을 울린다.

몸 위치

4명의 첼로가 연습하고 있다.

첼로는 앉아서 연주된다. 그것의 무게는 주로 바닥에 놓여 있는 그것의 끝 핀, 즉 스파이크로 지탱된다.[1] 첼로는 착석한 선수의 무릎 사이 하부에, 상부에 맞서는 상부에 안정되어 있다. 첼로의 목은 플레이어의 왼쪽 어깨 위에 위치하며, C 스트링 튜닝 페그는 왼쪽 귀 바로 뒤에 위치한다. 활은 현을 가로지르며 가로로 그린다. 초기에, 여성 첼리스트들은 때때로 부녀자가 공공장소에서 무릎을 꿇는 것이 부적절하다고 여겨지기 때문에 부녀자를 놀렸다.[2] 연주자의 손이 첼로를 쥐거나 사용하는 방법을 바꾸지는 않는다. 드문 경우지만, 플레이어는 거울-이미지 자세를 사용했는데, 이는 일반적으로 팔이나 손의 신체 장애로 인해 필요한 기술을 신체적으로 신체적으로 사용할 수 없게 되기 때문이다. 이런 상황에서 연주자는 첼로의 셋업(현악 위치, 베이스 바, 사운드 포스트, 핑거보드 모양, 브릿지 조각 등은 모두 비대칭이다)을 되돌릴지 여부를 결정해야 한다.

왼손기술

첼로 첫 번째 위치 운지 차트.

왼손의 손끝이 줄을 그 길이를 따라 멈추어 각 손가락 음의 음조를 결정한다. 끈을 브리지에 가깝게 멈추면 진동하는 끈 길이가 짧아지기 때문에 고음의 소리가 발생한다. 목 위치(기구의 상단에서 가장 가까운 핑거보드의 절반 이하를 사용하는 경우)에서는 엄지손가락이 목 뒤쪽에 위치하며, 엄지손가락 위치(손가락보드의 나머지 부분에 있는 노트에 대한 일반적인 이름)에서는 엄지손가락이 보통 줄에 있는 손가락 옆에 위치하며 엄지손가락 옆면은 음을 재생하는 데 사용된다. 손가락은 보통 각 너클이 구부러진 상태에서 곡선을 그리며, 손가락 끝은 끈에 닿는다. 완벽한 5분의 1(두 번 정지 또는 화음)을 재생하기 위해 한 번에 두 개 이상의 문자열에서 손가락이 필요한 경우 평평하게 사용한다. 더 느리거나 더 표현력 있는 플레이에서는 접촉점이 손톱에서 손가락 패드까지 약간 멀어질 수 있어 더욱 풍성한 비브라토를 허용한다.

비브라토

비브라토(Vibrato)는 음이 상하로 흔들릴 때 목소리를 모방하는 표현 기법이다.[3][unreliable source?] 그것은 상부 팔 동작에 의해 만들어지는 것이 아니라, 팔뚝 동작에 더 가깝다. 끈에 달린 손가락 끝의 고정된 접촉점은 엄지손가락이 전형적으로 가운데 손가락과 일직선으로 앞뒤로 흔들면서 이 동작을 흡수한다. 이러한 현에 대한 손가락 끝의 태도 변화는 피치를 변화시킨다. 비브라토의 사용은 또한 매우 개인적인 것이고, 어떤 사람들은 더 빨리 하는 것을 선호할 수도 있고 다른 사람들은 더 천천히 하는 것을 선호할 수도 있다. 보통 비브라토는 핵심 표현 기기로 여겨지기 때문에 잘 발달된 비브라토 기법은 현대 첼리스트의 기술에서 필수적인 요소다.

고조파

첼로에서 연주되는 고조파들은 자연과 인공의 두 부류로 나뉜다.

자연스럽다.

자연적인 고조파들은 특정한 장소에서 손가락으로 현을 가볍게 만지고(그러나 우울하지 않게) 그 끈을 구부리고(혹은 드물게) 현을 잡아당겨서 만들어진다. 예를 들어, 문자열의 중간점은 고정되지 않은(열린) 문자열보다 1 옥타브 높은 하모닉을 생성한다. 자연 고조파들은 특정 문자열에서 고조파 계열의 일부인 음만 생성한다.

인공/정지

같은 줄을 다른 손가락으로 가볍게 터치하면서 한 손가락으로 끈을 완전히 누르는 인공 고조파(거짓 고조파 또는 정지 고조파라고도 함)는 중간 C 이상의 음을 낼 수 있다. 그것들은 보통 정지된 노트 위에 완전히 4분의 1의 터치 음과 함께 나타나는데, 이 음은 다른 간격을 사용할 수 있지만 정지된 노트 위에 2 옥타브 위의 소리를 낸다.

글리산도

글리산도(이탈리아어로 '슬라이딩'의 경우)는 끈을 놓지 않고 손가락판을 위아래로 밀어 넣는 효과를 말한다. 이로 인해 피치가 분리되고 식별할 수 있는 스텝 없이 부드럽게 오르내리게 된다.

오른손 테크닉

첼로 연주에서 활은 관악기 연주자의 숨결과 많이 비슷하다.[citation needed] 논쟁의 여지가 있는 것은, 그것은 그 연극의 표현력에 있어서 주요한 결정 요인이다.[citation needed] 활팔은 팔, 팔뚝, 손의 세 가지 독립적인 부분으로 나뉜다. 여유로운 플레이와 스트레이트 보울링을 위해서는 세 부분 모두의 유연성이 필요하다. 오른손은 활을 잡고 음의 지속시간과 성격을 조절한다. 활은 핑거보드 끝과 다리의 중간쯤 되는 끈을 가로질러 끈에 수직이고 다리와 평행한 방향으로 그려진다.

활은 오른손의 다섯 손가락 모두로, 엄지는 손가락의 반대편에 있고 첼리스트의 몸 가까이 있다. 손의 모양은 엄지손가락을 포함한 모든 손가락이 구부러진 편안한 상태를 닮아야 한다. 손목이 위로 활을 만들 때 현 쪽으로 약간 기울어져 움직일 때 활을 똑바로 유지하게 된다. 팔에서 활로 무게의 전달은 팔뚝의 발음(안쪽으로 회전)을 통해 일어나는데, 이는 집게손가락을 밀어내고 가운데손가락을 활 위로 약간 밀어 넣는다. 필요한 대항력은 엄지에 의해 제공된다. 나머지 두 손가락은 다양한 각도로 사용되어 끈에 대한 활의 각도를 유지하는데 도움을 주며, 활이 끈에서 떨어져 있을 때 활을 조절하는 데 매우 중요하다.[citation needed][4] (스피카토도 참조).

활 방향을 상향궁에서 하향궁으로 변경할 때 손목의 유연성이 필요하며 그 반대의 경우도 마찬가지다. 매우 빠른 활 동작을 위해 손목을 사용하여 활의 수평 이동을 수행한다. 더 긴 스트로크에는 팔목뿐만 아니라 팔목도 사용된다.[citation needed]

음조의 생산과 음량은 몇 가지 요인의 조합에 따라 달라진다. 가장 중요한 세 가지는 활의 속도, 끈에 가해지는 무게, 활의 털과 끈의 접촉점이다. 다리에 가까워질수록 현이 더욱 투영되고 음색이 밝아지며, 극단(술 폰티셀로)은 금속성, 섬광음을 낸다. 손가락판(술맛) 가까이에서 절을 하면 생산되는 소리가 더 부드럽고, 더 감미롭고, 정의가 덜 되어 초보자에게는 피하라고 가르친다.[citation needed]

활

레가토

레가토는 각 음표 사이에 음이 중단되지 않고 연결된 방식으로 음을 숙여야 하는 기법이다. 각각의 음을 별도의 활에 매끄럽게 연주하여 활의 변화 사이에 휴식이나 억양이 없이 데타케를 통해 완성할 수 있다. 또한 한 활에서 여러 개의 연속 음을 구르거나 [5]연주하는 방법으로도 이루어질 수 있는데, 이는 스탭에 대한 위치, 즉 레가토 연주할 구절의 음에 따라 위 또는 아래의 음표(곡선)로 음악에서 표시된다.

스타카토

스타카토에서는 플레이어가 활을 조금만 움직여 스트링 위에서 멈추게 하고 짧은 소리를 내는데, 나머지 쓰여진 지속시간은 침묵에 의해 차지하게 된다. 경우에 따라 스타카토로 표시된 노트는 그 값의 절반으로 재생되고, 나머지 절반은 휴식이 된다. 즉, 4분의 1 음은 8분의 1의 휴식과 함께 8분의 1분의 1 음은 8분의 1의 휴식 음이 된다.[6] 직원에 대한 위치에 따라 쪽지 위나 아래에 작은 점을 적어서 눈에 띈다.

스피카토

빠른 템포에서는 활을 이용해 모든 음의 끈에서 소리를 끌어내는 것이 어려워지고, 각 음을 선명하게 연주하기 위해서는 활로 약간의 수평 동작을 유지하면서 활 털로 현을 치는 것이 필요하게 된다. 스피카토를 하려면 레가토를 할 때처럼 팔 전체보다는 손목과 손가락으로 활을 조절해야 한다. 그 결과 활은 끈에서 튕겨져 나와 아삭아삭하고 과밀한 소리를 만들어내며 빠른 템포의 구절에서도 각각의 음을 들을 수 있게 된다.

사우틸레

사우틸레는 스피카토가 필요할 정도로 속도가 빠르지 않은 업비트 템포로 절어주는 데 사용되는 기법이다. 조절된 데타체에게 템피가 너무 빨라지면, 활은 스피카토와 비슷한 방식으로 손목의 끈에서 약간 튕겨져 나가는 것이 필요하게 된다. 그러나, 템피가 완전히 분리되고 바삭바삭하게 들리는 스피카토에 충분히 빠르지 않을 때, 노트는 약간 연결된 채로 남아 사우틸레 스트로크에서 나오는 브러싱이나 스크러빙 소리를 만들어 낸다.

술 폰티셀로와 술 맛

술테이토

설 폰티첼로("다리 위에서")는 다리 가까이에서 절을 하는 것을 말하며 설티쇼("손가락판 위에서")는 손가락판 끝에 가까이에서 절을 하는 것을 말한다.(음악을 읽는 동안 "타스토"는 "폰티첼로"를 연주했을 때 정상적인 자세로 활을 가지고 노는 것을 의미할 수 있다) 폰티첼로는 활의 무게와 느린 활의 속도를 요구하고, p.강한 오버톤 콘텐츠로 "음향"을 울린다. 극단적으로 "플로탄도"라고 불리는 설티토는 음의 기본 주파수를 더욱 강조하면서 더 플룻과 같은 소리를 내고, 부드러운 오버톤을 낸다.

콜레그노

콜레 레그노 기법을 사용하는 선수는 머리카락보다는 활의 나무로 줄을 문지른다. 콜 레그노 바투토와 콜 레그노 트라토 두 가지 형태가 있다. 콜 레그노 바투토는 소리를 유지하지 않고 퍼커시브 기법으로 행해진다. 훨씬 덜 흔한 대안은 콜 레그노 트라토인데, 이 대안은 머리카락이 정상적인 활쏘기를 할 때 줄을 가로질러 그려진다.

소르드와 센자 소르드

음악 작품에서 con sord는 이탈리아어로 "mute with"를 의미하고, senza sord는 "mute with"를 의미한다. 음소거(mute)는 일반적으로 고무로 만들어진 장치로 현악기의 진동을 적시는 역할을 한다. 첼로에서는 필요할 때 다리에 고정할 수 있으며, 사용하지 않을 때는 다리 아래의 줄을 떼어 붙일 수 있다.[7]

기타 기법

피치카토

더블 베이스에서 피치카토를 연주하는 누군가의 모습. 첼로에서는 피치카토도 이런 식으로 행해지지만, 현을 뜯기 위해 손가락의 살이 덜 필요한 경우가 종종 있는데, 이는 베이스에 있는 것보다 더 얇고 저항력도 적다.[citation needed]

피치카토 놀이에서는 현을 활을 가지고 놀기보다는 손가락이나 엄지로 직접 뽑는다. 피지카토는 종종 "피지즈"로 줄여진다. 손의 위치는 손가락판 위로 살짝 올라가서 다리에서 떨어져 있다. 보통 이것은 오른손으로 하는 반면, 활은 나머지 손이나 (확장된 통로를 위해) 정해진 현으로부터 멀리 떨어져 있다. 한 줄로 피치카토를 연주하거나, 더블, 트리플, 쿼드러플 스톱을 연주할 수 있다. 때때로, 선수는 오른손으로 한 줄을 절하고 동시에 왼손으로 다른 줄을 잡아당기거나 심지어 두 손으로 동시에 잡아당기기도 한다. 이것은 노트 위에 "+"로 표시된다. 기타 패션에서도 화음의 스트럼밍이 가능하다.

더블 스톱

더블 스톱은 동시에 두 음을 재생하는 것을 포함한다. 두 개의 현을 동시에 손가락질하고, 활을 당겨 두 줄을 동시에 울린다. 트리플, 쿼드러플 스톱도 할 수 있지만('파단' 방식으로) 교량 경사도가 달라 지속하기 어렵다. 이 영역의 기법을 확장하기 위해 프란체스 마리 위티(Frances-Marie Uitti)는 현악기 위에서 활을 한 번, 아래에서 활을 한 번 연주하는 2볼 시스템을 발명하여 지속적인 3중 4중 스톱을 가능하게 했다. 그러나 이 기술은 매우 드물게 보이거나 사용된다.[citation needed]

스타일 차이

첼로는 멜로디와 깊고 풍부한 음색으로 유명하다. 그것은 교향악단, 실내악, 심지어 독주적인 측면에서도 가장 중요한 악기 중 하나이다. 나라마다 다른 선수들이 자신만의 경기 스타일을 가지고 있다. 보통 첼리스트들이 소리를 해석하는 방식, 심지어 첼리스트들이 손가락을 사용하는 방식도 자국 내 음악 문화의 영향을 받는다.[citation needed]

프랑스식

프랑스 학교는 수 세기 동안 영향을 끼쳤는데, 오늘날에도 계속되고 있다. 프랑스 연극은 세련됨, 기교, 우아함 면에서 종종 생각되어진다. 그러나 18세기 북유럽에서 첼로는 비올라 다 감바에 비해 여전히 낮고 초보적인 악기로 여겨졌다. 프랑스 첼로학교는 마틴 베르테우(1700~71년경)의 절묘한 연주로 발전했다. 감바의 언더핸드 활홀드를 유지했음에도 불구하고 그의 감미로운 어조와 표현 깊이는 제자인 장 피에르 뒤포트, 틸리에르, 장 침례교 큐피스에 큰 영향을 미쳤다. 베르테우는 힘들이지 않는 운지법을 개발하여 엄지손가락의 사용을 통합하고, 자연적 고조파 및 인공적 고조파 모두를 도입하였는데, 이는 당시 첼로로서는 상당히 이례적인 일이었다. 첼로 운지법은 각 손가락이 반 스텝이나 세미톤을 연주하는 곳에서 바이올린 연주를 모방해야 한다고 그는 생각했다.[8]

독일식

원래 독일 첼로학교에는 독일의 베른하르트 롬베르크(1767–1841)와 본의 프리드리히 도자우어(1783–1860)를 따르는 두 파가 있었다. 뛰어난 연주자인 베른하르트 롬베르그가 첼로 표기법을 단순화시킨 책임이 있다. 당시 보케리니와 같은 작곡가들은 첼로 파트를 5개의 다른 클립으로 작곡하기도 했다. 베토벤과 모차르트는, 그들이 3단 음절에서 첼로를 위해 작곡했을 때, 음악을 소리보다 한 옥타브 높게 펜으로 썼다. 롬버그는 첼로 음악을 베이스, 테너, 트레블 클립(글이 쓰여진 곳에서 울리는 소리)의 세 가지 클립으로 제한하면서 표기법을 단순화했다. 롬버그는 또한 더 긴 손가락 판을 도입했는데, 악기에 목이 더 길어서 첼리스트들이 엄지손가락을 사용하여 더 높은 위치에 도전할 수 있게 했다. 그는 엄지손가락에 대한 표기법, 즉 선이 작은 원(도표 참조)을 정립하고 첼로의 C 현악면도 수정하여 더욱 반향을 일으킬 수 있도록 하였다.[9]

한편 드레스덴 궁정은 프리드리히 도트자워를 비롯한 최고의 음악가들을 끌어들였다. 도트자워는 여전히 엔드핀 없이 경기를 했지만, 가장 먼저 활을 개구리에 더 가까이 붙들고, 즉 막대기의 흑단부를 옹호했다. 이것은 오른손과 소리의 생산을 더 많이 통제할 수 있게 했다. 그는 또한 비브라토의 사용을 제한하자고 주장했다. 어조의 아름다움과 순수함이 무엇보다 중요해졌다.[10]

러시아식

러시아 학교는 프랑스와 독일 학교보다 약간 늦게 발전했고, 독일 학교로부터 약간의 영향을 받았다. 그의 연주 스타일을 조직한 최초의 주목할 만한 사람은 첼리스트 칼 다비도프였다. 그는 라이프치히에서 프리드리히 그뤼츠마허의 가르침을 받아 그의 기술을 더욱 발전시킬 수 있는 강력한 기반을 마련해 주었다. 독일 학교들이 왼손의 기술을 더욱 중시하고 있는 반면, 다비도프는 활 기술에도 기여했다. 그는 더 느슨한 나비 홀드, 특히 집게손가락을 사용하여 압력을 조절하는 편안한 손목을 소개했다.[11]

참조

  1. ^ 포터, 페이지 11-12
  2. ^ Mercier, Anita. "GUILHERMINA SUGGIA". Retrieved 1 September 2012.
  3. ^ 제이미 누스트, "첼로 비브라토"
  4. ^ Mantel, Gerhard (1995). Cello Technique: Principles and Forms of Movement. Bloomington, [Ind.]: Indiana University Press. pp. 115–119.
  5. ^ BarnesandMullinsUK (2012-11-13), Cello Technique – Slurring Notes, retrieved 2019-02-23
  6. ^ 포터로118번길
  7. ^ https://Cello 가이드 celloguide.com/best-cello-mutes/
  8. ^ "The Magic of the French School of Cello Playing". Interlude.hk. 2018-08-18. Retrieved 2019-02-23.
  9. ^ "Cellists, Are You Part of the German Schools of Cello Playing?". Interlude.hk. 2018-08-11. Retrieved 2019-02-23.
  10. ^ "Cellists, Are You Part of the German Schools of Cello Playing?". Interlude.hk. 2018-08-11. Retrieved 2019-02-23.
  11. ^ Janet Horvath (August 25, 2018). "Schools of Cello Playing: Russia and Armenia".

추가 읽기

외부 링크