리듬 앤 블루스

Rhythm and blues
기타 용도는 리듬 앤 블루스(동음이의)를 참조하십시오.
"R&B"와 "RnB"는 여기로 리디렉션됩니다.현대적인 스타일의 R&B 음악은 컨템포러리 R&B를 참고하세요.RNB라는 약어를 사용하는 일본의 텔레비전 방송국은 난카이 방송을 참조하십시오.
리듬 앤 블루스
1955년 빅 조 터너
양식적 기원
문화적 기원1940년대~1950년대, 미국
대표적인 계측기
파생형
하위장르
퓨전장르
로컬씬
기타주제

R&B 또는 R'n'B로 종종 축약되는 리듬 앤 블루스는 1940년대 아프리카계 미국인 사회에서 시작된 대중 음악의 한 장르입니다.이 용어는 원래 음반 회사들이 주로 아프리카계 미국인들에게 판매되는 음반을 설명하기 위해 사용되었는데, 그 시기에 "록킹, 재즈 기반의 음악..."이 있었습니다."무거운, 끈질긴 비트"는 점점 더 인기를 얻고 있었습니다.1950년대부터 1970년대까지의 전형적인 상업적인 리듬 앤 블루스 음악에서, 밴드들은 보통 피아노, 한두 개의 기타, 베이스, 드럼, 한 개 이상의 색소폰, 그리고 때때로 배경 보컬리스트로 구성되었습니다.R&B 서정적인 주제들은 종종 아프리카계 미국인들의 고통과 자유와 기쁨에 대한 탐구, 그리고 관계, 경제, 그리고 열망의 측면에서 승리와 실패에 대한 경험을 요약합니다.

"리듬 앤 블루스"라는 용어는 많은 의미의 변화를 겪었습니다.1950년대 초반에는 블루스 음반에 자주 적용되었습니다.1950년대 중반부터, 이러한 음악 스타일이 로큰롤의 발전에 기여한 이후, "R&B"라는 용어는 더 넓은 맥락에서 사용되게 되었습니다.그것은 가스펠과 소울 음악뿐만 아니라 일렉트릭 블루스에서 발전하고 통합된 음악 스타일을 언급했습니다.

1960년대부터 1970년대까지 롤링 스톤스, 후 앤 더 애니멀스(The Who and the Animals)와 같은 여러 영국 밴드와 그룹들이 R&B 밴드로 언급되고 홍보되었습니다.1970년대에 이르러, "리듬 앤 블루스"라는 용어는 다시 바뀌었고 소울과 펑크의 포괄적인 용어로 사용되었습니다.1980년대 후반, R&B의 새로운 스타일이 발전하여 "현대 R&B"로 알려지게 되었습니다.그것은 팝, 소울, 펑크, 디스코, 힙합, 일렉트로닉 음악의 요소들과 리듬과 블루스를 결합합니다.

어원, 정의 및 설명

비록 빌보드 잡지의 Jerry Wexler가 1948년 미국에서 음악 용어로서 "리듬 앤 블루스"라는 용어를 만든 것으로 인정받고 있지만,[3] 그 용어는 일찍이 1943년 빌보드에서 사용되었습니다.[4][5]하지만, 이 회사의 첫 번째 아프리카계 미국인들 사이에서 인기 있는 노래 목록은 할렘 히트 퍼레이드(Harlem Hit Parade)로 명명되었고, 1942년에 만들어졌으며, 이는 "할렘에서 가장 인기 있는 레코드"[6]를 나열했으며, 이는 원래 흑인 사회 내에서 왔으나 전후 세계에서 모욕적인 것으로 여겨진 "인종 음악"이라는 일반적인 용어를 대체했습니다.[7][8]"리듬 앤 블루스"라는 용어는 1949년 6월부터 1969년 8월까지 빌보드 차트 목록에서 사용되었으며, 이때 "핫 리듬 앤 블루스 싱글" 차트는 "베스트 셀링 소울 싱글"로 이름이 바뀌었습니다.[9]"리듬 앤 블루스"라는 이름이 생겨나기 전에, 여러 음반 회사들은 이미 "인종 음악"이라는 용어를 "세피아 시리즈"라는 용어로 대체하기 시작했습니다.[10]"리듬 앤 블루스"는 종종 "R&B" 또는 "R'n'B"로 약칭됩니다.[11]

1950년대 초, "리듬 앤 블루스(Rhythm & Blues)"라는 용어는 블루스 음반에 자주 사용되었습니다.[12]작가이자 프로듀서인 로버트 팔머는 리듬 앤 블루스를 "미국 흑인들이 만든 어떤 음악도 지칭하는 캐치올(catchall) 용어"[13]그는 점프 블루스의 동의어로 "R&B"라는 용어를 사용했습니다.[14]하지만, 올뮤직은 R&B의 더 강한 가스펠 영향 때문에 점프 블루스와 그것을 구분합니다.[15]Nothing blues의 저자인 Lawrence Cohn은 "리듬 앤 블루스"는 산업의 편의를 위해 발명된 우산 용어라고 쓰고 있습니다.그에 따르면, 이 용어는 복음성가가 차트에 진입할 만큼 충분히 팔리지 않는 한, 클래식 음악과 종교 음악을 제외한 모든 흑인 음악을 포함한다고 합니다.[7]21세기에 들어서도, R&B라는 용어는 흑인 음악가들이 만든 음악을 다른 음악가들이 만든 음악 스타일과 구별되게 분류하기 위해 계속 사용되고 있습니다.

1950년대부터 1970년대까지의 전형적인 상업적인 리듬 앤 블루스 음악에서, 밴드들은 대개 피아노, 한두 개의 기타, 베이스, 드럼, 그리고 색소폰으로 구성되었습니다.편곡은 힘들 정도로 리허설이 되었고 때때로 배경 보컬들도 함께 했습니다.단순한 반복적인 부분들이 맞물리면서 모멘텀과 리듬감 있는 상호작용이 생성되어 부드럽고 경쾌하며 종종 최면적인 질감을 만들어내며 개별적인 소리에 주의를 환기시킵니다.가수들이 감정적으로 가사에 몰입하는 동안, 종종 강렬하게, 그들은 냉정하고, 편안하고, 통제력을 유지합니다.밴드들은 수트와 심지어 유니폼을 입었는데, 이것은 리듬 앤 블루스 연주자들이 지배하기를 열망했던 현대 대중 음악과 연관된 관습이었습니다.가사는 종종 치명적으로 보였고, 음악은 전형적으로 코드와 구조의 예측 가능한 패턴을 따릅니다.[16]R&B 서정적인 주제들은 종종 아프리카계 미국인들의 고통과 자유와 기쁨에 대한 탐구,[17][page needed] 그리고 관계, 경제, 그리고 열망의 측면에서 승리와 실패에 대한 경험을 요약합니다.[citation needed]

스미스소니언 협회의 한 출판물은 2016년에 이 장르의 기원에 대한 요약을 제공했습니다.

"흑인 미국 표현 문화의 깊은 지류에서 온 뚜렷한 아프리카계 미국인 음악은, 법적으로 승인된 인종 차별, 국제적 갈등의 시대를 가교하는, 점프 블루스, 빅 밴드 스윙, 가스펠, 부기, 그리고 블루스의 혼합물입니다.시민의 권리를 위한 투쟁"이라고 말했습니다.[2]

로큰롤 명예의 전당은 조 터너의 빅 밴드, 루이스 조던의 팀파니 파이브, 제임스 브라운, 라번 베이커 등 R&B의 창시자들을 정의하고 있습니다.실제로 이 소식통은 "루이 조던이 터너와 함께 1940년대 R&B의 기초를 다지며 스윙 리듬&블루스 명곡을 차례로 잘라냈다"고 전했습니다.R&B와 로큰롤로의 변신의 초석이 된 다른 아티스트로는 에타 제임스, 팻츠 도미노, 로이 브라운, 리틀 리처드, 루스 브라운 등이 있습니다.오리올스, 레이븐스, 도미노 등 '두웁' 그룹도 주목할 만했습니다.[18]

"로큰롤"이라는 용어는 점프 블루스와 R&B에서 성적인 의미가 강했지만, DJ 앨런 프리드가 1950년대 중반 주류 라디오에서 로큰롤을 언급했을 때, "성적인 요소는 단순히 춤에 대한 수용 가능한 용어가 될 만큼 충분히 축소되었습니다."[19]

역사

전구물질

1946년 7월 뉴욕시의 루이스 조단

1920년대와 1930년대에 시카고, 디트로이트, 뉴욕시, 로스엔젤레스와 다른 곳들의 도시 산업 중심지로 흑인들의 대이동은 재즈, 블루스, 그리고 관련된 음악 장르들의 새로운 시장을 만들었습니다.이러한 장르의 음악은 혼자서 작업하거나 소규모 그룹으로 작업하는 전업 음악가들에 의해 자주 연주되었습니다.리듬 앤 블루스의 선구자는 1920년대 후반과 1930년대에 그들의 1936년 히트곡인 "Oh Red"뿐만 아니라 로니 존슨, 르로이 카, 캡 캘로웨이, 카운트 베이시, 티본 워커와 같은 음악가들의 작품을 통해 겹친 재즈 앤 블루스에서 비롯되었습니다.또한 피아노와 색소폰뿐만 아니라 리드 악기로서 전기 기타에 대한 강조가 증가했습니다.[20]

1940년대 후반

R&B는 1940년대 아프리카계 미국인 사회에서 시작되었습니다.[21]1948년, RCA 빅터는 흑인 음악을 "Blues and Rhythm"이라는 이름으로 마케팅했습니다.그 해, 루이 조단은 세 곡으로 R&B 차트의 상위 5개 목록을 장악했고, 상위 5개 곡 중 두 곡은 1940년대에 두각을 나타냈던 부기-우키 리듬을 기반으로 했습니다.[22]조단의 밴드인 Tympany Five (1938년 결성)는 트럼펫, 테너 색소폰, 피아노, 베이스, 드럼의 음악가들과 함께 색소폰과 보컬로 구성되어 있었습니다.[23][24]로렌스 콘은 이 음악을 "그의 부기 시대 재즈 톤 블루스보다 더 소름끼친다"고 묘사했습니다.[7]: 173 로버트 파머(Robert Palmer)는 이 곡을 재즈를 기반으로 한 세련되고 록적인 음악으로 묘사했습니다.묵직하고 끈질긴 비트와 함께."[25]조던의 음악은 빅 조 터너, 로이 브라운, 빌리 라이트, 그리고 위노니 해리스의 음악과 함께 점프 블루스라고도 불립니다.이미 폴 게이튼, 로이 브라운 등은 리듬 앤 블루스라고 불리는 스타일의 히트곡을 보유하고 있었습니다.1948년, 밴드 리더 소니 톰슨의 "Long Gone"에 이어, 위니 해리스의 1947년 녹음 "Good Rockin' Tonight" 리메이크 곡이 차트 2위에 올랐습니다.[26][27]

1949년, "리듬 앤 블루스" (R&B)라는 용어가 빌보드 카테고리 할렘 히트 퍼레이드를 대체했습니다.[7]그 해에 밴드 리더이자 색소폰 연주자인 폴 윌리엄스가 녹음한 "The Huckle-Buck"은 거의 1년 내내 차트 1위를 유지했습니다.음악가이자 편곡가인 앤디 깁슨(Andy Gibson)이 작곡한 이 곡은 위험하고 저속하기 때문에 "더러운 부기"로 묘사되었습니다.[28]폴 윌리엄스와 허클버커스의 콘서트는 땀에 젖은 폭동으로 여러 번 문을 닫았습니다.1955년 히트곡 로큰롤 왈츠를 공동 작곡한 로이 알프레드의 가사는 성적으로 약간 암시적이었고, 필라델피아에서 온 한 십대는 "그 허클벅은 매우 고약한 춤이었다"고 말했습니다.[29][30]또한 1949년에는 1920년대 블루스 곡의 새로운 버전인 "Ain't Nobody's Business"가 지미 위더스푼의 4위 히트곡이 되었고, 루이스 조던과 팀 컴퍼니 파이브는 "Saturday Night Fish Fry"로 다시 한번 톱 5에 들었습니다.[31]1942년 설립된 사보이(1942년 설립), 1943년 설립된 킹(1943년 설립), 임페리얼(1945년 설립), 스페셜티(1946년 설립), 체스(1947년 설립), 애틀랜틱(1948년 설립)과 같은 새로운 독립 음반사에서 히트 음반이 많이 발행되었습니다.[20]

아프로쿠바 리듬 영향

아프리카계 미국인 음악은 1800년대 쿠바의 콘트라스탄자(쿠바 밖에서는 하바네라로 알려져 있음)의 인기와 함께 아프로-쿠바 리듬 모티브를 접목하기 시작했습니다.[32]하바네라 리듬은 트레실로와 백비트의 조합으로 생각할 수 있습니다.

하바네라 리듬은 백비트(윗음)와 함께 트레실로(낮음)로 나타납니다.

케이크워크, 래그타임, 원형재즈가 형성되고 발전하던 25년 이상 동안 쿠바 장르의 하바네라는 아프리카계 미국인 대중음악에서 꾸준한 존재감을 발휘했습니다.[33]재즈의 선구자인 젤리 롤 모튼은 트레실로/하바네라 리듬을 재즈의 필수적인 재료로 여겼습니다.[34]일부 아프리카계 미국인 민속 음악에는 링 샤우트의 손뼉치기와 발을 치는 패턴, 남북전쟁 이후의 북과 파이프 음악, 그리고 뉴올리언스 2선 음악과 같은 트레실로와 같은 리듬의 예가 있습니다.[35]윈턴 마살리스(Wynton Marsalis)는 트레실로를 뉴올리언스의 "클레이브"(clave)[36]로 간주합니다.트레실로는 사하라 사막 이남의 아프리카 음악 전통에서 가장 기본적인 이중 펄스 리듬 세포이며, 아프리카계 미국인 음악에서의 사용은 미국에서 아프리카 리듬 유지의 가장 명확한 예 중 하나입니다.[37]트레실로의 사용은 북미 대중문화에 채택된 쿠바 음악의 연속적인 물결에 의해 지속적으로 강화되었습니다.1940년 밥 주르케는 쿠바 리듬의 채택을 자랑스럽게 선언하는 가사와 트레실로 베이스 라인이 있는 부기-우기를 발표했습니다.

할렘은 새로운 리듬을 얻었습니다. 너무 더워서 댄스 플로어를 태우고 있어요!그들은 작은 룸바 리듬을 타고 부기우기를 넣었고 이제 그들이 무엇을 얻었는지 보세요!럼부기, 쿠바 싱커페이션으로 할렘의 새로운 창조물이야, 살인자!양쪽에 양발을 심으면 됩니다.엉덩이와 어깨를 모두 미끄러지게 합니다.그럼 몸을 뒤로 던지고 타세요.룸바오기, 룸바오기, 부기우기 같은 건 없어요.할렘이나 아바나에서는 오래된 사바나와 키스할 수 있습니다.살인자라고요![38]

미시시피 강 어귀에 있는 대도시에서 시작되었지만, 아프리카 카리브해의 리듬적인 특성을 가진 뉴올리언스 블루스는 미시시피 델타 블루스와 구별됩니다.[39]1940년대 후반, 뉴올리언스 음악가들은 특히 R&B가 처음 형성되던 시기에 쿠바의 영향을 잘 받았습니다.[40]R&B에서 트레실로의 첫 사용은 뉴올리언스에서 발생했습니다.로버트 팔머는 다음과 같이 회상합니다.

1956년 팻츠 도미노

뉴올리언스의 프로듀서이자 밴드 리더인 데이브 바르톨로뮤는 1949년 자신의 디스크 "Country Boy"에 이 피규어를 처음 사용했고, 그 후 1950년대 로큰롤에서 가장 많이 사용된 리듬 패턴을 만드는 데 도움을 주었습니다.Fats Domino, Little Richard 등의 수많은 녹음에서 바르톨로뮤는 이 반복되는 3음 패턴을 현악 베이스뿐만 아니라 전기 기타와 바리톤 색소폰에도 할당하여 매우 무거운 바닥을 만들었습니다.그는 쿠바 디스크의 베이스 패턴으로 이 그림을 처음 들은 것을 회상합니다.[41]

1988년 파머와의 인터뷰에서 (최초의 R&B 스튜디오 밴드를 보유한) 바르톨로뮤는 처음에 어떻게 스윙 리듬 위에 트레실로를 겹쳤는지 밝혔습니다.[42]

룸바 레코드에서 베이스가 그 부분을 연주하는 것을 들었습니다.컨트리 보이'에서 저는 베이스와 드럼을 스트레이트 스윙 리듬으로 연주하게 하고, 색소폰이 스윙 리듬 위에 연주할 수 있도록 '룸바' 베이스 파트를 썼습니다.나중에, 특히 락앤롤이 나온 후에, 저는 '룸바' 베이스 부분을 점점 더 무겁게 만들었습니다.저는 현악 베이스와 전기 기타 그리고 바리톤을 모두 합해서 주문하겠습니다.[43]

바르톨로뮤는 그 시대의 일반적인 관습인 룸바라는 잘못된 이름으로 쿠바의 아들을 언급했습니다.Bartholomew가 제작한 Fats Domino의 "Blue Monday"는 R&B에서 트레실로를 사용한 또 다른 예입니다.1949년 바르톨로뮤의 트레실로를 기반으로 한 "Oh Cubanas"는 아프리카계 미국인과 아프로-쿠바인 음악을 혼합하려는 시도입니다.맘보라는 단어는 다른 어떤 글보다도 크고 음반 라벨에 눈에 띄게 자리잡고 있습니다.작곡 '미저리'에서 뉴올리언스 피아니스트 롱헤어 교수는 왼손에 하바네라 같은 모습을 연기합니다.[44]세쌍둥이를 능숙하게 사용하는 것이 롱헤어 스타일의 특징입니다.

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게르하르트 쿠빅은 뉴올리언스를 제외한 초기 블루스는 복잡한 폴리리듬이 부족했고, "20세기 초 아프리카계 미국인 음악에는 비대칭적인 타임라인 패턴(키 패턴)이 매우 구체적으로 존재하지 않았다"고 지적했습니다.일부 뉴올리언스 장르에서만 단순한 타임라인 패턴의 힌트가 일시적인 소위 '스톰프' 패턴이나 스톱타임 코러스의 형태로 나타나기도 합니다.이것들은 아프리카의 시간표와 같은 방식으로 작동하지 않습니다."[45]1940년대 후반, 이것은 두 개의 셀로 된 타임라인 구조가 우울하게 되면서 다소 바뀌었습니다.바르톨로뮤와 롱헤어와 같은 뉴올리언스의 음악가들은 쿠바의 악기들뿐만 아니라, "카니발의 날", "바르톨로뮤 1949", "마르디 그라 인 뉴올리언스 1949"과 같은 노래들에 클레이브 패턴과 관련된 두 개의 셀로 이루어진 인물들을 포함시켰습니다.이러한 초기의 실험들 중 일부는 어색한 융합이었지만, 아프로-쿠반의 요소들은 결국 뉴올리언스의 소리에 완전히 통합되었습니다.

로버트 팔머는 1940년대 롱헤어 교수가 이 섬 출신 음악가들의 음악을 듣고 연주했으며 "페레즈 프라도의 맘보 음반에 매료됐다"고 보도했습니다.[46]그는 특히 아프로-쿠바 음악에 푹 빠져있었습니다.마이클 캠벨(Michael Campbell)은 "롱헤어 교수의 영향력은 매우 컸습니다.롱헤어 교수는 초기의 몇몇 음반에서 아프로-쿠반 리듬과 리듬 및 블루스를 혼합했습니다.클레이브 리듬에 직설적인 블루스를 덧씌운 '롱헤어의 블루스 룸바'가 가장 뚜렷합니다.[47]긴 머리의 특별한 스타일은 지역적으로 룸바 부기로 알려져 있습니다.[48]그의 "뉴올리언스의 마디 그라"에서, 피아니스트는 룸바 부기 "과저"에 2-3 클레이브 온 비트/오프 비트 모티브를 사용합니다.[49]

롱헤어 교수의 룸바 부기 '뉴올리언스의 마디 그라'(1949)에서 발췌한 피아노.위에는 리듬 참고용으로 2-3개의 클레이브가 적혀 있습니다.

쿠바 음악의 싱커페이션되되 곧은 세분화된 느낌은 이 시기 동안 뉴올리언스 R&B에 뿌리를 내렸습니다.알렉산더 스튜어트(Alexander Stewart)는 대중적인 느낌이 "뉴올리언스"에서 제임스 브라운(James Brown)의 음악을 거쳐 1970년대의 대중 음악으로 전해졌다고 말합니다. "제2차 세계 대전 이후 몇 년 동안 뉴올리언스에서 등장한 독특한 스타일의 리듬 앤 블루스는 펑크의 발전에 중요한 역할을 했습니다.이와 관련하여, 미국 대중 음악의 근본적인 리듬은 기본적이지만 일반적으로 인정받지 못하는 3중주 혹은 셔플 느낌에서 짝수 혹은 곧은 8분 음표로 변화를 겪었습니다.[50]다양한 펑크 모티브와 관련하여 스튜어트는 이 모델이 정확한 패턴이 아니라 느슨한 조직 원리라는 점에서 타임라인(클레이브 및 트레실로 등)과 다르다고 말합니다.[51]

조니 오티스는 1951년 1월 콩가스, 마라카스, 클레이브, 맘보 색소폰 과제 등을 블루스로 표현한 R&B 맘보 '맘보 부기'를 발매했습니다.[52]아이크 터너는 맘보에서 따온 2-3개의 클레이브 피규어를 중심으로 만들어진 전기 기타 악기인 "Cubano Jump" (1954년)를 녹음했습니다.호켓 부부는 "Mardi Gras Mambo"(1955년)(젊은 Art Neville의 보컬이 등장)에서 페레즈 프라도가 소개 후 쉬는 시간에 자신의 트레이드 마크인 "Uhhh!"를 사용한 것에 대해 명확하게 언급합니다.[53]

네드 수블렛(Ned Sublette)은 "전기 블루스 고양이들은 라틴 음악에 대해 매우 잘 알고 있었고, 룸바 블루스와 같은 것이 분명히 있었습니다. 머디 워터스(Muddy Waters)와 하울링 울프(Howling' Wolf)가 연주하는 것을 들을 수 있습니다."[54]라고 말합니다.그는 또한 이런 느낌을 살린 R&B 아티스트로 오티스 러쉬, 아이크 터너, 레이 찰스를 꼽습니다.[54]

R&B에서 클레이브의 사용은 백비트의 증가하는 우세와 미국에서 쿠바 음악의 증가하는 인기와 맞물렸습니다.[55] 어떤 의미에서, 클레이브는 백비트에 의해 대답되는 트레실로(3면)로 증류될 수 있습니다.

컷타임에 2개의 측정치로 3-2개의 클레이브가 작성
트레실로는 흑인음악에서 클레이브의 본질인 백비트로 대답했습니다.

"Bo Diddley beat" (1955)는 아마도 3-2 클레이브와 R&B/rock 'n'롤의 최초의 진정한 융합일 것입니다.보 디들리(Bo Diddley)는 리프의 기원에 대해 다른 설명을 했습니다.수블레트는 다음과 같이 주장합니다. "시대의 맥락에서, 특히 기록으로 들은 마라카들에게서, 'Bo Diddley'는 라틴어로 표현된 음반으로 이해되어야 합니다.같은 세션에서 녹음된 거절된 컷에는 트랙시트에 '룸바'라는 제목만 붙여졌습니다."[54]조니 오티스(Johnny Otis)의 "윌리와 손 자이브(Willie and the Hand Jive)"(1958)는 3-2개의 클레이브와 R&B를 성공적으로 조합한 또 다른 예입니다.오티스는 노래에 쿠바의 악기 클레이브와 마라카를 사용했습니다.

보 디들리(Bo Diddley)의 "보 디들리 비트(Bo Diddley beat)"는 클레이브 기반의 모티브입니다.

아프리카계 미국인 음악은 콩가 드럼, 봉고, 마라카스, 클레이브와 같은 두 개의 셀로 된 인물들과 아프로-쿠반 악기들의 채택을 통해 아프리카계 미국인 음악이 "재아프리카화"되는 통로였습니다.존 스톰 로버츠(John Storm Roberts)에 따르면, R&B는 쿠바의 요소를 대중음악으로 되돌리는 수단이 되었습니다.[56]애틀랜틱 레코드의 프로듀서인 Ahmet Ertegun은 "아프리카-쿠바 리듬이 R&B의 기본 추진력에 색과 흥분을 더했습니다."[57]라고 말한 것으로 전해집니다. 하지만 Ned Subbleet이 지적한 바와 같이, "1960년대까지 쿠바는 오늘날에도 여전히 유효한 미국의 통상금지령의 대상이 되면서, 그 섬나라는 음악의 원천으로서 잊혀졌습니다.사람들이 로큰롤에 대해 역사가 있다고 말하기 시작했을 때, 쿠바 음악은 북미의 의식에서 사라졌습니다."[58]

1950년대 초중반

1967년 리틀 리처드

처음에는 아프리카계 미국인들만 R&B 디스크를 구입하고 있었습니다.Atlantic Records의 Jerry Wexler에 따르면, 판매는 흑인 시장에서 현지화되었으며 백인 판매나 백인 라디오 재생은 없었다고 합니다.1950년대 초, 더 많은 백인 청소년들이 R&B를 인식하기 시작했고 음악을 구입하기 시작했습니다.예를 들어, 1952년 로스앤젤레스의 아프리카계 미국인 지역에 위치한 돌핀스 오브 할리우드 음반 가게에서 판매된 40%가 백인들이었습니다.결국, 전국의 백인 청소년들은 그들의 음악적 취향을 리듬과 블루스 쪽으로 돌렸습니다.[59]

뉴저지주 뉴어크에 본사를 둔 사보이 레코드와 계약한 조니 오티스는 1951년 "Double Crossing Blues", "Mistrustin' Blues", "Cupid's Boogie" 등 많은 R&B 히트곡을 제작했는데, 이 모든 곡들은 그 해 1위를 기록했습니다.오티스는 그 해에 10개의 상위 10개의 히트곡을 득점했습니다.다른 히트곡들로는 "Gee Baby", "Mambo Boogie" 그리고 "All Nite Long"이 있습니다.[60]동행한 기타리스트와 보컬 콰르텟으로 구성된 5인조로 블루스와 가스펠의 독특한 조합을 노래한 클로버는 애틀랜틱에서 "Don't You Know I Love You"로 올해 5위를 차지했습니다.[61][60][62][63]또한 1951년 7월 오하이오주 클리블랜드의 DJ 앨런 프리드(Alan Freed)[64][65]는 WJW(850 AM)에서 심야 라디오 쇼 "문독 로큰롤 하우스 파티"를 시작했습니다.프리드의 쇼는 그의 R&B 음반 가게에 주로 아프리카계 미국인 고객이 있는 프레드 민츠가 후원했습니다.프리드는 그가 "로큰롤"로 연주했던 리듬 앤 블루스 음악을 언급하기 시작했습니다.

1951년 리틀 리처드 페니먼은 1940년대 후반 스타 로이 브라운과 빌리 라이트의 점프 블루스 스타일로 RCA 레코드를 위해 녹음을 시작했습니다.그러나 1954년 그가 스페셜티 레코드의 주목을 받은 데모를 녹음하고 나서야 세상은 1955년 그를 유명하게 만들고 로큰롤의 소리를 정의하는 데 도움을 줄 그의 새로운 즉흥적인 펑키한 리듬과 블루스를 듣기 시작했습니다.제임스 브라운,[67] 엘비스 프레슬리,[68] 오티스 레딩과 같은 공연자들에게 영향을 미쳤던 "Tutti Frutti"[66]와 "Long Tall Sally"를 시작으로 빠른 리듬과 블루스 히트곡들이 잇따랐습니다.[67]

또한 1951년에는 아이크 터너와 그의 리듬의 왕들이 샘 필립스 소유의 스튜디오에서 재키 브렌스턴의 보컬과 함께 Rocket 88을 녹음했습니다.이 노래는 종종 로큰롤의 전조 또는 그 장르의 첫 번째 음반 중 하나로 언급됩니다.[69]그러나 이후 인터뷰에서 아이크 터너는 다음과 같이 언급했습니다: "저는 'Rocket 88'이 로큰롤이라고 생각하지 않습니다.저는 '로켓88'이 R&B라고 생각하지만, '로켓88'이 로큰롤 존재의 원인이라고 생각합니다."[70]

루스 브라운은 "R&B의 여왕"으로 알려져 있었습니다.[71]

애틀랜틱 레이블에서 공연한 루스 브라운은 1951년부터 1954년까지 "내 눈에서 눈물이 뚝뚝", "5, 10, 15시간", "(마마는) 그는 당신의 딸을 비열하게 대합니다", "What a Dream" 등의 히트곡을 매년 상위 5위 안에 올렸습니다.[61]페이 아담스의 "Shake a Hand"는 1952년 2위에 올랐습니다.1953년, R&B 레코드를 구매한 대중들은 윌리 메이 손튼의 라이버와 스톨러의 "하운드 도그"[72]의 오리지널 녹음을 올해 최고 히트곡 3위로 만들었습니다.루스 브라운(Ruth Brown)은 여성 R&B 스타들 사이에서 매우 두드러졌습니다. 그녀의 인기는 "아프리카계 미국인 전통에 깊게 뿌리박힌 그녀의 목소리 전달"[73]에서 비롯되었을 가능성이 높습니다. 같은 해, 두왑 그룹인 오리올스는 "Crying in the Chapel"[75]로 올해 4위를 차지했습니다.

팻츠 도미노는 1952년과 1953년에 팝 차트의 상위 30위 안에 들었고, 그 다음에는 "A't That A Shame"으로 상위 10위 안에 들었습니다.[76][77]레이 찰스는 1955년 "I Got a Woman"으로 전국적으로 유명해졌습니다.[78]빅 빌 브룬지는 찰스의 음악에 대해 "그는 블루스와 영혼을 섞고 있습니다.그것이 틀렸다는 것을 압니다."[7]: 173

1954년 코드스의 "Sh-Boom"[79]은 R&B 차트에서 크로스오버한 첫 번째 히트곡이 되어 그 해 초에 톱 10에 올랐습니다.그해 말, 그리고 1955년까지 참스의 "Hearts of Stone"이 상위 20위 안에 들었습니다.[80]

1955년 봄 체스 레코드에서 보 디들리(Bo Diddley)의 데뷔 음반 "보 디들리(Bo Diddley)"/"I'm a Man"은 R&B 차트에서 2위로 올라섰고, 로큰롤의 주축이 될 보 디들리만의 독창적인 리듬 앤 블루스 클레이브 기반의 뱀파이어를 대중화시켰습니다.[81]

체스 레코드의 레너드 체스의 권유로 척 베리는 "Ida Red"라는 제목의 오랜 역사를 가진 컨트리 바이올린 곡조를 다시 만들었습니다.[82]그 결과로 만들어진 "메이블렌"은 1955년 R&B 차트에서 3위를 차지했을 뿐만 아니라 팝 차트에서도 30위 안에 들었습니다.1954년 뉴욕시의 훨씬 더 큰 시장으로 이사간 앨런 프리드는 이 음반이 백인 청소년들에게 인기를 얻도록 도왔습니다.프리드는 당시 일반적인 관행이었던 홍보 활동에 대한 대가로 체스로부터 집필 학점의 일부를 받았습니다.[83]

R&B는 로큰롤에도 강력한 영향을 미쳤습니다.[84]1985년 월스트리트저널에 실린 "Rock!"[full citation needed]It's Still Rhythm and Blues"는 1957년까지 "두 용어가 서로 교환되어 사용되었다"고 보고했습니다.그 기사에서 인용된 다른 소식통들은 로큰롤이 R&B와 팝, 컨트리 음악을 결합했다고 말했습니다.[85]

팻츠 도미노는 새로운 장르가 있는지 확신하지 못했습니다.1957년, 그는 "그들이 지금 로큰롤이라고 부르는 것은 리듬 앤 블루스입니다.뉴올리언스에서 15년 동안 연주해 왔습니다."[86]롤링 스톤에 따르면, "이것은 타당한 진술입니다... 흑인과 백인, 시골에서 태어나 도시에서 자란 모든 50년대 록커들은 40년대 후반과 50년대 초반의 흑인 대중 음악인 R&B의 근본적인 영향을 받았습니다."[87]

1950년대 후반

델라 리스

1956년, R&B "Top Stars of '56" 투어가 열렸고, 헤드라이너인 Al Hibbler, Frankie Lymon and the Teenagers, 그리고 Carl Perkins와 함께 그의 "Blue Suede Shoes"는 R&B 음악 구매자들에게 매우 인기가 있었습니다.[88]법안을 완성한 몇몇 공연자들은 척 베리(Chuck Berry), 캐시 카(Cathy Carr), 셜리 앤 리(Shirley & Lee), 델라 리스(Della Reese), 샘 티 버드(T-Bird) 젠슨(Jensen), 클레프톤스(Cleftones), 그리고 일리노이 재켓(Illinois Jacquet)의 빅 로킹 리듬 밴드(Big Rockin' Rhythm Band)[89]의 스파니엘들이었습니다.투어가 방문한 도시들에는 사우스 캐롤라이나의 콜롬비아, 메릴랜드의 아나폴리스, 펜실베니아의 피츠버그, 뉴욕의 시라큐스, 로체스터와 버팔로, 그리고 다른 도시들이 포함되었습니다.[citation needed]콜롬비아에서, 퍼킨스가 폐막 공연으로 그의 첫 곡을 시작하면서 콘서트는 거의 폭동으로 끝이 났습니다.퍼킨스는 "위험했습니다.많은 아이들이 다쳤습니다."아나폴리스에서는 5만에서 7만 명의 사람들이 8,000석의 좌석이 매진된 공연에 참석하려고 했습니다.도로가 7시간 동안 막혔습니다.[90]영화 제작자들은 1956년부터 "로큰롤" 음악가로서 "리듬 앤 블루스" 음악가들의 인기를 이용했습니다.리틀 리처드, 척 베리, 팻츠 도미노, 빅 조 터너, 트레니어스, 플래터즈, 플라밍고 등이 모두 대형 스크린에 진출했습니다.[91]

1957년, 두 개의 엘비스 프레슬리 음반이 R&B 톱 5에 올랐습니다: "Jailhouse Rock"/"Treat Me Nice"가 1위를 차지했고, "All Shake Up"이 5위를 차지했는데, 흑인들이 만든 것으로 알려진 음악 카테고리에 아프리카계 미국인이 아닌 한 아티스트를 전례 없이 받아들인 것입니다.[92]1950년대 초 팝 차트에서 두 곡의 히트곡(1950년 모나리자 2위, 1951년 투 영 1위)을 기록한 재즈 피아니스트 냇 킹 콜은 1958년 R&B 차트에서 5위 안에 든 기록을 가지고 있습니다.[93]

1959년, 크게 성공한 두 흑인 소유 음반사, 샘 쿡의 사르와 베리 고디의 모타운 레코드가 데뷔했습니다.[94]Brook Benton은 1959년과 1960년에 1위와 2위의 히트곡으로 R&B 차트에서 1위를 차지했습니다.[95]벤튼은 목소리에 어떤 따뜻함이 있어서 다양한 청취자들을 끌어들였고, 그의 발라드는 냇 킹 콜, 프랭크 시나트라, 토니 베넷과 같은 연주자들과의 비교를 이끌었습니다.[96]1952년 "로디 미스 클로디"로 1위를 차지했던 로이드 프라이스는 1959년 "Stagger Lee" 버전이 1위, "Personality"가 5위로 다시 우위를 되찾았습니다.[97][98]

빌 블랙 콤보의 백인 밴드 리더이자 엘비스 프레슬리의 커리어를 시작하는 것을 도왔고 1950년대 엘비스의 베이시스트였던 빌 블랙은 흑인 청취자들에게 인기가 있었습니다.[citation needed]그의 음반 판매량의 90%는 흑인들로부터 나왔고, 그의 "Smokie, Part 2" (1959)는 흑인 음악 차트에서 1위로 올라섰습니다.[citation needed]그는 "소리가 펑키하고 검은색으로 느껴지기 때문에 많은 방송국들이 여전히 당신을 흑인 그룹으로 생각합니다"[citation needed]라고 말한 적이 있습니다.Hi Records는 초기 레코드에 콤보의 사진을 포함하지 않았습니다.[99]

1960~1970년대

샘 쿡

샘 쿡의 5위 히트곡 체인 갱(Chain Gang)은 1960년 R&B를, 팝 록커 통통 체커의 5위 히트곡 '더 트위스트(The Twist)'는 1960년 R&B를 나타냅니다.[98][100]1960년대 초까지, 이전에 리듬 앤 블루스로 알려진 음악 산업 범주는 소울 음악이라고 불렸고, 백인 예술가들에 의한 비슷한 음악은 파란 눈의 소울이라는 꼬리표가 붙여졌습니다.[101][94]모타운 레코드는 1960년 미라클즈의 "Shop Around"로 첫 번째 밀리언셀러 싱글을,[102] 1961년 Stax Records는 Carla Thomas의 "Gee Whiz (Look at His Eyes)"[103][104]로 첫 번째 히트를 기록했습니다.Stax의 다음 히트곡인 The Mar-Keys의 악기 "Last Night" (1961년 발매)는 Stax가 알려지게 된 더 순한 멤피스 소울 사운드를 소개했습니다.[105]자메이카에서는 R&B가 스카의 발전에 영향을 미쳤습니다.[106][107]1969년 그래미가 리듬 앤 블루스 부문을 추가하면서 흑인 문화와 리듬 앤 블루스는 또 다른 위대한 업적에 도달했고, 그 부문에 학문적인 인정을 주었습니다.[citation needed]

1970년대까지, "리듬 앤 블루스"라는 용어는 소울, 펑크, 디스코를 포괄하는 용어로 사용되었습니다.[108]

1980년대부터 현재까지

주요 기사:컨템포러리 알앤비

1980년대 후반과 1990년대 초반에 힙합은 미국의 젊은이들의 상상력을 사로잡기 시작했습니다.R&B는 대부분의 R&B 히트곡을 유명 프로듀서 그룹이 담당하면서 동질화되기 시작했습니다.그 시대의 R&B 아티스트들은 힙합의 부상으로 인해 그들의 음악을 팔거나 심지어 그들의 음악을 듣는 것조차 힘들었지만, 몇몇은 "힙합" 이미지를 채택했고, 그렇게 홍보되었고, 그들의 노래에 래퍼들이 자주 등장했습니다.1990년, 빌보드는 힙합 이외의 모든 흑인 대중음악을 분류하기 위해 R&B를 재도입했습니다.[109]어셔, R. 켈리, 자넷 잭슨, TLC, 알리야, 데스티니스 차일드, 테빈 캠벨, 메리 J. 블리즈와 같은 새로운 아티스트들이 성공을 누렸습니다.LaFace Records의 CEO인 L.A. Reid는 1990년대 Usher, TLC 및 Toni Braxton의 형태로 R&B의 가장 큰 성공을 이끌었습니다.나중에, 리드는 보이즈 투 맨을 성공적으로 광고했습니다.[110]2004년에는 R&B 차트에서 1위를 차지한 곡의 80%가 Hot 100에서도 상위권에 올랐습니다.그 시기는 빌보드 핫 100과 탑 40 라디오에서 R&B와 힙합의 최고 기록이었습니다.[111]2005년부터 2013년까지 R&B 매출은 감소했습니다.[112]그러나 2010년 이후 힙합은 R&B 사운드로부터 신호를 받기 시작했고, 장르에 완전히 새로운 문을 연 드레이크와 같은 래퍼들과 전통적인 R&B를 통합한 더 부드럽고 부드러운 사운드를 채택하기로 선택했습니다.이 소리는 인기를 끌었고, 그것을 식별하는 방법에 대해 힙합과 R&B 모두에게 큰 논란을 일으켰습니다.[113]2010년, 국립 리듬 앤 블루스 명예의 전당은 라몬트 "쇼보트" 로빈슨에 의해 설립되었습니다.[114]

리듬과 블루스의 사업 끝에 있는 유대인들.

주요 기사:리듬과 블루스에서 유대인의 영향.

유대인 작가이자 음악 출판 임원이자 작곡가인 아놀드 쇼에 따르면 1940년대 미국에서 WASP가 통제하는 대중 커뮤니케이션 영역에서 유대인들에게는 일반적으로 거의 기회가 없었지만, 음악 사업은 "흑인들에게 그랬던 것처럼 유대인들에게도 널리 열려 있었다"고 합니다.[115]유대인들은 리듬과 블루스를 포함한 아프리카계 미국인 음악을 발전시키고 대중화하는 데 핵심적인 역할을 했고, 독립 음반 사업은 흑인 음악의 소리를 홍보하는 젊은 유대인 남성들이 장악했습니다.[116]

영국의 리듬 앤 블루스

주요 기사: 영국 리듬 앤 블루스
에릭 버든 앤 애니멀스 (1964)

영국의 리듬 앤 블루스 록은 1960년대 초에 발전하였는데, 주로 미국 예술가들의 녹음에 대한 반응으로서 영국에 주둔한 아프리카계 미국인 군인들이나 런던, 리버풀, 뉴캐슬 그리고 벨파스트와 같은 항구들을 방문한 선원들에 의해 자주 옮겨졌습니다.[117][118]많은 밴드들이 특히 런던 클럽계에서 흑인 리듬 앤 블루스 연주자들을 본받으려고 노력했고, 그 결과 더 인기있는 비트 그룹들보다 더 "생로" 혹은 "더"한 사운드를 만들어냈습니다.[119]1960년대 동안 제노 워싱턴, 재단, 그리고 이퀄스는 팝 히트곡을 얻었습니다.[120]많은 영국 흑인 음악가들이 영국의 R&B 무대를 만드는 것을 도왔습니다.여기에는 공군과 함께 영국에 주둔하고 있는 미국 가수 제노 워싱턴도 포함되어 있습니다.그는 1965년 기타리스트 피트 게이지에 의해 제노 워싱턴 & 더 램 잼 밴드가 된 곳에 초대받았고 1969년 밴드가 해체되기 전까지 톱 40 히트 싱글과 톱 10 앨범 두 장을 즐겼습니다.[121]자메이카에서 태어난 또 다른 미국인 GI 지미 제임스는 1960년 라이브 연기로 강한 명성을 쌓은 Vagabonds와 함께 두 번의 현지 1위 히트를 친 후 런던으로 이주했습니다.그들은 1966년 라이브 앨범과 스튜디오 데뷔인 The New Religion을 발표했고 1970년 Vagabonds가 해체되기 전까지 몇 개의 싱글로 중간 정도의 성공을 거두었습니다.[122]화이트 블루스 록 음악가 알렉시스 코너는 1970년 새로운 재즈 록 밴드 CCS를 결성했습니다.[123]블루스에 대한 관심은 에릭 클랩튼, 믹 테일러, 피터 그린, 그리고 존 메이올을 포함한 주요 영국 록 음악가들에게 영향을 미칠 것이고, 자유와 크림은 더 넓은 범위의 리듬과 블루스 스타일에 대한 관심을 채택했습니다.[119]

롤링 스톤스는 비틀즈 다음으로 [124]가장 인기 있는 영국 밴드가 되었고 미국 팝 차트의 "영국 침공"을 이끌었습니다.[119]롤링 스톤스는 바비 워맥과 발렌티노스의 [125]노래 "It's All Over Now"를 커버하여 1964년 영국에서 처음으로 1위를 차지했습니다.[126]블루스와 R&B의 영향 아래 롤링 스톤스, 야드버즈, 애니멀스와 같은 밴드와 그레이엄 본드 조직과 주트 머니와 같은 재즈에 더 영향을 받은 밴드들은 파란 눈의 소울 앨범을 가지고 있었습니다.[119]영국에서 인기 있는 백인 R&B 음악가로는 스티브 윈우드, 프랭키 밀러, 스콧 워커 & 워커 브라더스, 뉴캐슬 출신 애니멀스, 스펜서 데이비스 그룹, 벨파스트 출신 반 모리슨 & 더 팀 등이 있습니다.[119]이 밴드들 중 어떤 밴드도 리듬 앤 블루스만을 연주하지 않았지만, 그것은 그들의 초기 앨범의 핵심으로 남아있었습니다.[119]

챔피언 잭 듀프리(Jack Dupree)는 뉴올리언스 블루스 앤 부기 우기 피아니스트로 1960년부터 유럽을 순회하며 스위스와 덴마크, 1970년대와 1980년대에 영국 핼리팩스에서 살다가 마침내 독일에 정착했습니다.[128]1970년대부터 1980년대까지, 칼 더글라스, 핫 초콜릿, 대표단, 주니어, 중앙선, 프린세스, 재키 그레이엄, 데이비드 그랜트, 루즈 엔드스, 패서디나, 소울 2는 팝이나 R&B 차트에서 히트를 쳤습니다.[129]영국 모드 하위문화의 음악은 리듬과 블루스에서 비롯되었고, 나중에는 장면이 시작된 런던의 작은 클럽들이 이용할 수 없었던 예술가들이 연주한 소울에서 비롯되었습니다.[130]1960년대 후반, 더 후는 젊은 모드 라이프 스타일을 반영한 노래인 모타운 히트곡 "Heat Wave"와 같은 미국의 R&B 곡들을 공연했습니다.[130]이 밴드들 중 다수는 영국에서 전국적인 성공을 누렸지만, 미국 음악 시장에 진입하는 것이 어렵다는 것을 알게 되었습니다.[130]영국의 백인 R&B 밴드들은 아프리카계 미국인 예술가들과는 매우 다른 음색의 음악을 만들었습니다.[119]

참고 항목

위키 인용문에는 리듬 앤 블루스와 관련된 인용문이 있습니다.

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원천

추가열람

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