클래식기타

클래식기타

전형적인 현대 클래식 기타의 정면도와 측면도
현악기
분류	현악기(플러크)
호른보스텔-삭스 분류	321.322–5 (맨 손가락이나 손톱으로 들리는 합성 화음음)
발달된	현대의 클래식기타는 19세기 후반에 스페인에서 개발되었습니다.
재생범위
관련기기
기타 제품군(스틸 스트링 어쿠스틱 기타, 일렉트릭 기타, 플라멩코 기타, 베이스 기타) 류트(원근 관계) 바로크 기타 플라멩코 기타와 비슷하게 생겼습니다.
뮤지션들
카테고리:클래식 기타리스트

스페인 기타라고도 불리는 클래식 기타는 클래식 음악과 다른 스타일에 사용되는 기타 계열의 하나입니다.금속현을 사용하는 현대의 강철현 어쿠스틱 기타와 전기 기타의 원형이며, 내장이나 나일론으로 만든 현을 가진 어쿠스틱 나무 현악기입니다.클래식 기타는 15세기와 16세기의 스페인 비우엘라와 기타에서 유래되었습니다.이 악기들은 17세기와 18세기 바로크 기타와 19세기 중반까지 현대 클래식 기타의 초기 형태로 발전했습니다.오늘날의 현대 클래식 기타는 19세기 스페인의 루티에 안토니오 토레스 주라도의 후기 디자인에 의해 탄생했습니다.

오른손잡이 연주자의 경우, 전통적인 클래식 기타는 12개의 발이 몸통에서 떨어져 있고 왼쪽 다리로 적절하게 들어 올려져 있어서, 줄을 뽑거나 치는 손이 소리 구멍의 뒤쪽 근처에서 그렇게 합니다(이것을 클래식 포지션이라고 합니다).그러나 오른손이 프렛보드에 더 가까이 접근하여 다양한 음색 특성을 얻을 수 있습니다.선수는 일반적으로 발 받침대를 사용하여 왼쪽 다리를 더 높게 잡습니다.한편, 현대의 스틸 스트링 기타는 일반적으로 몸에서 14개의 프렛이 떨어져 있고(드레드노트 참조), 일반적으로 목과 어깨에 스트랩을 두르고 고정되어 있습니다.

"클래식 기타"라는 용어는 악기 자체 이외의 두 가지 개념 중 하나를 가리킬 수 있습니다.

• 클래식 기타에 공통적으로 사용되는 악기 손가락 기술 - 손톱으로 뽑은 개별 줄 또는 더 자주 손끝
• 그 악기의 클래식 음악 레퍼토리

현대 클래식 기타라는 용어는 때때로 클래식 기타와 더 넓은 의미에서 클래식, 더 구체적으로 초기 기타라고 불리는 오래된 형태의 기타를 구별합니다.초기 기타의 예로는 6현 초기 낭만 기타(c.1790–1880)와 5개의 코스가 있는 초기 바로크 기타가 있습니다.

클래식 기타를 만드는 재료와 방법은 다양할 수 있지만, 전형적인 모양은 현대적인 클래식 기타이거나 프랑스와 이탈리아의 초기 낭만주의 기타와 비슷한 역사적인 클래식 기타입니다.한때 내장으로 만들어졌던 고전적인 기타 줄은 현재 나일론이나 플루오로 중합체와 같은 재료로 만들어졌으며, 일반적으로 은도금된 구리 미세 와이어가 음향학적으로 더 낮은 (표준 튜닝에서 d-A-E) 줄에 감겨 있습니다.

기타 가계도를 식별할 수 있습니다.플라멩코 기타는 현대 클래식에서 유래된 것이지만 재질, 구조, 소리 등에서 차이가 있습니다.^[1][2]

콘텍스트

클래식 기타는 오랜 역사를 가지고 있으며 다양한 것을 구별할 수 있습니다.

• 기구들
• 레퍼토리 (composers와 그 작곡, 편곡, 즉흥곡)

악기와 레퍼토리 모두 다양한 관점에서 볼 수 있습니다.

역사적(연혁적 기간)

• 바로크 기타 – 1600년 ~ 1750년
• 초기 낭만주의 기타 – 1750년에서 1850년까지 (고전주의와 낭만주의 시대의 음악을 위한)
• 모던 클래식 기타

지리학

• 스페인 기타(토레스)와 프랑스 기타(르네 라코트, ...), 프랑스 기타(르네 라코트, ...), 독일 기타(에르만 하우저) 등.

문화적.

• 바로크 궁정음악, 19세기 오페라와 그 영향, 19세기 민요, 라틴 아메리카 음악

역사적 관점

초기 기타

"클래식 기타"는 오늘날 주로 현대 클래식 기타 디자인과 관련이 있지만, 초기 기타에 대한 관심이 증가하고 있으며, 역사적 레퍼토리와 이 레퍼토리를 연주하기 위해 사용된 특정 시대의 기타와의 연관성을 이해하는 것이 중요합니다.음악학자이자 작가인 그레이엄 웨이드(Graham Wade)는 다음과 같이 말합니다.

오늘날 이 레퍼토리는 음악학적 연구의 개념을 정통적으로 모델화한 악기의 복제품에 기술과 전반적인 해석에 대한 적절한 조정과 함께 연주하는 것이 관례입니다.그래서 최근 수십 년간 우리는 비우엘라(스페인에서 유행하는 16세기 유형의 기타), 류트, 바로크 기타, 19세기 기타 등의 예술에 전문 지식을 가진 전문 예술가들에게 익숙해졌습니다.^[4]

기타 종류에 따라 각기 다른 음향 미학이 있습니다. 예를 들어 색 스펙트럼 특성(기본 주파수와 오버톤에서 음향 에너지가 확산되는 방식), 반응 등이 다릅니다.이러한 차이는 구조의 차이 때문입니다. 예를 들어, 현대의 클래식 기타는 대개 이전 기타에서 사용되었던 것과는 다른 브레이싱(팬 브레이싱)을 사용합니다. (사다리 브레이싱이 있었습니다.) 그리고 루시에는 다른 목소리를 사용했습니다.

예를 들어, Robert de Visée는 Mauro Giuliani와 Luigi Legnani가 사용했던 기타와 매우 다른 소리 미학을 가진 바로크 기타를 연주했습니다 – 그들은 19세기의 기타를 사용했습니다.그리고 이 기타들은 모레노 토로바와 같은 낭만적인 현대 작품의 해석에 적합한 세고비아의 토레스 모델과는 다른 소리를 냅니다.

역사적 관점에서 기타를 고려할 때, 사용되는 악기는 특정 시기의 음악적 언어와 스타일만큼이나 중요합니다.예를 들어 다음과 같습니다.현대 클래식 기타로는 역사적으로 정통한 드 비제나 코르베타(바로크 기타리스트 작곡가)를 연주할 수 없습니다.그 이유는 바로크 기타는 두 개의 줄이 서로 밀접하게 붙어있는(일합하여) 코스를 사용했기 때문입니다.이것은 바로크 기타의 특징적인 소리와 해석의 필수적인 부분인 음색의 질감을 제공합니다.또한, 바로크 기타의 음미(오버톤의 강렬한 존재감)는 아래에서 보는 바와 같이, 현대 클래식 타입의 기타와 매우 다릅니다.

오늘날 모든 시대의 레퍼토리에 토레스와 포스트 토레스 형식의 기타를 사용하는 것은 때때로 비판적으로 받아들여집니다.토레스와 포스트 토레스 스타일의 현대 기타(팬 브레이싱과 디자인)는 굵고 강한 음색을 가지고 있어 현대 레퍼토리에 매우 적합합니다.그러나, 그들은 초기 레퍼토리 (클래식/로맨틱: 카룰리, 소르, 줄리아니, 메르츠, ...; 바로크: 드 비제, ...)를 위해 (오버토닝된 부분을 희생하여) 기본을 너무 강조하는 것으로 여겨집니다.; 등)."안드레스 세고비아는 스페인 기타를 모든 연주 스타일을 위한 다재다능한 모델로 제시했습니다."^[5]라고 말할 정도로, 오늘날에도, "많은 기타리스트들은 현대 세고비아 전통에서 온 기타 세계에 대한 터널 비전을 가지고 있습니다."^[6]

20세기 초에 부채꼴로 장식된 현대 클래식 토레스와 포스트 토레스 스타일의 악기들이 전통적인 사다리꼴로 장식된 기타들과 공존하는 동안, 오래된 형태들은 결국 사라졌습니다.어떤 사람들은 세고비아를 "1920년대와 그 이후의 스페인 디자인과 소위 '현대적인' 학교를 향한 변화의 촉매제"로 간주하면서, 이것을 세고비아의 인기에 기인한다고 생각합니다.^[5]사다리를 씌운 기타로 연주되는 음악 스타일은 유행을 타지 않게 되었고, 예를 들어, 독일에서는 더 많은 음악가들이 포크 음악(슈람멜 음악과 콘트라기타)으로 눈을 돌리고 있었습니다.이것은 독일과 오스트리아에서 현지화 되었고 다시 유행하지 않게 되었습니다.반면, 세고비아는 현대 클래식 기타를 대중화하며 전 세계에서 콘서트를 열고 있었고, 1920년대에는 Moreno Torroba, de Falla 등의 기타 작품으로 스페인 낭만주의 현대 스타일을 선보였습니다.

19세기의 클래식 기타리스트 프란시스코 타레가는 클래식 독주 악기로서 토레스 디자인을 처음으로 대중화시켰습니다.하지만, 어떤 사람들은 세고비아의 영향이 다른 디자인에 대한 지배로 이어졌다고 주장합니다.전세계의 공장들이 대량으로 그것들을 생산하기 시작했습니다.

특성.

• 비후엘라, 르네상스 기타, 바로크 기타는 밝은 사운드를 가지고 있으며, 오버톤이 풍부하며, 그들의 코스(더블 스트링)는 매우 특별한 질감을 줍니다.
• 클래식과 로맨틱 시대의 초기 기타(초기 로맨틱 기타)는 단현이 있지만 디자인과 목소리는 여전히 톤 에너지가 오버톤(기본적인 것이 부족하지 않은)으로 더 풍부하고, 밝고 친밀한 음색을 제공합니다.
• 이후 스페인에서는 기초적인 음악을 선호하는 음악 스타일이 등장했습니다.
  "음악의 변화에 따라 더 강력한 기본이 요구되었고 팬 브레이싱 시스템에 접근했습니다. ...기타 톤은 더 높은 부분이 풍부하고 투명한 톤에서 더 강력한 기본이 있는 더 '넓은' 톤으로 변경되었습니다."^[7]
• 따라서 팬 브레이싱(팬 스트럿팅)이 적용된 현대 기타는 기본적인 부분에서 훨씬 더 많은 톤 에너지를 사용하면서 두껍고 무거운 사운드를 제공하는 디자인과 음성을 가지고 있습니다.

스타일기간

르네상스

르네상스 시대의 작곡가들은 알론소 무다라, 미겔 데 푸엘라나, 아드리안 르 로이, 그레고아르 브레이싱 [fr], 기욤 드 모라예, 그리고 시몬 골리에 [fr]를 포함합니다.

기구

포코스기타

바로크

바로크 기타의 몇몇 유명한 작곡가들은 Gaspar Sanz, Robert de Visée, Francesco Corbetta 그리고 Santiago de Murcia였습니다.

계측기의 예

• Nicolas Alexandre Voboam II의 바로크 기타: 이 프랑스 악기는 5개의 이중현과 평평한 등으로 구성된 이 시기의 전형적인 디자인을 가지고 있습니다.^[8]
• 마테오 셀라스의 바로크 기타 : 이 이탈리아 악기는 다섯 개의 코스와 둥근 등을 가지고 있습니다.^[9]

클래식과 로맨틱

약 1780년부터 1850년까지 기타에는 다음과 같은 수많은 작곡가와 연주자들이 있었습니다.

• 필리포 그라냐니 (1767–1820)
• 앙투안 드 로이어 (1768–1852)
• 페르디난도 카룰리 (1770–1841)
• Wenzel Thomas Matiegka (1773–1830)
• 프란체스코 몰리노 (1774–1847)
• 페르난도 소르 (1778–1839)
• 루이지 모레티 [그것] [1] c.(1780년 – 1850년
• 마우로 줄리아니 (1781–1829)
• 니콜 ò 파가니니 (1782–1840)
• 디오니시오 아구아도 (1784–1849)
• 루이지 레그나니 (1790–1877)
• 마테오 카르카시 (1792년 ~ 1853년)
• 나폴레옹 코스테 (1805–1883)
• 요한 카스파르 메르츠 (1806–1856)
• 줄리오 레곤디 (1822–1872)

엑토르 베를리오즈는 10대 때 기타를 공부했고,^[10] 프란츠 슈베르트는 최소 2개를 소유하고 악기를 위해 작곡했습니다.^[11] 그리고 루트비히 판 베토벤은 줄리아니의 연주를 들은 후 이 악기가 "그 자체로 작은 오케스트라"라고 말했습니다.^[12]니콜 ò 파가니니는 또한 기타 거장이자 작곡가였습니다.그는 "나는 기타의 조화를 사랑한다; 그것은 나의 모든 여행에서 나의 끊임없는 동반자이다"라고 썼습니다.그는 또한 다른 경우에 "저는 이 악기를 좋아하지 않지만, 단순히 제가 생각하는 것을 돕는 하나의 방법으로 생각합니다"^[13]라고 말했습니다.

프란시스코 타레가

기타리스트이자 작곡가인 프란시스코 타레가(Francisco Tarrega, 1852년 11월 21일 ~ 1909년 12월 15일)는 위대한 기타 거장이자 교사 중 한 명이며 현대 클래식 기타 연주의 아버지로 여겨집니다.마드리드와 바르셀로나 음악원의 기타 교수로서, 그는 현대 클래식 기법의 많은 요소들을 정의했고 클래식 음악 전통에서 기타의 중요성을 높였습니다.

근세

1920년대 초 안드레스 세고비아는 투어와 초기 축음기 녹음으로 기타를 대중화했습니다.세고비아는 작곡가 페데리코 모레노 토로바와 호아킨 투리나와 함께 새로운 음악으로 기타 레퍼토리를 확장할 목적으로 협력했습니다.^[14]세고비아의 남미 투어는 기타에 대한 대중의 관심을 활성화 시켰고 Manuel Ponce와 Heitor Villa-Lobos의 기타 음악이 더 많은 관객들에게 다가갈 수 있도록 도왔습니다.^[15]작곡가 Alexandre Tansman과 Mario Castelnuovo-Tedesco는 Segovia로부터 기타를 위한 새로운 곡들을 쓰도록 의뢰 받았습니다.^[16]루이스 본파(Luiz Bonfa)는 새로 창작한 보사노바(Bossa Nova)와 같은 브라질 음악 스타일을 대중화하여 미국 내 관객들에게 호평을 받았습니다.

"새로운 음악" – 아방가르드

클래식 기타 레퍼토리는 엘리엇 카터의 변화, 크리스토발 할프터의 코덱스 I, 루치아노 베리오의 Sequenza XI, 마우리치오 피사티의 세테 스튜디, 모리스 오하나의 시 르 주르 파라 î트, 실바노 부소티의 라라(에코시에올로고코), 에른스트 크레넥의 기타알레인, 오p. 164,^[23] 프랑코 도나토니의 알고: Due pezzi per chitarra,^[24] Paolo Coggiola의 Variazioni Notturne ^[25]등

현대 레퍼토리를 포함하는 것으로 유명한 연주자로는 위르겐 룩, 엘레나 카솔리, 레오 브라우어(그가 아직 공연하고 있을 때), 존 슈나이더, 라인베르트 에버스, 마리아 케멀링, 지그프리드 베렌드, 데이비드 스타로빈, 마츠 샤이데거, 마그누스 안데르손 등이 있습니다.

이런 종류의 레퍼토리는 보통 그들의 공연에서 특히 아방가르드에 집중하기로 선택한 기타리스트들에 의해 공연됩니다.

현대 음악계 자체 안에는 일반적으로 극단적으로 여겨지는 작품들도 있습니다.브라이언 페르니호프의 커제 섀튼 ^[26]2세, 스벤-데이비드 샌드스트룀의 멀리^[27], 롤프림의 토카타 오르페우스 등 극단적인 난이도로 악명 높은 작품들이 여기에 해당합니다.

Sheer Plunc^[28] 등 현대 기타 작품을 기록한 다양한 데이터베이스도 있습니다.^[29][30]

배경

클래식 기타와 그 레퍼토리의 진화는 4세기 이상에 걸쳐 있습니다.그것은 류트, 비후엘라, 바로크 기타와 같은 초기 악기들의 기여로 형성된 역사를 가지고 있습니다.

세고비아의 뒤를 잇는 마지막 기타리스트는 줄리안 브림이었고 줄리안 브림은 2006년 7월 15일 73세가 됩니다.미겔 요베트, 안드레스 세고비아, 줄리안 브렘은 20세기의 세 명의 연기자입니다.제 말을 잘못 이해하지 마세요, 오늘날 우리는 아주 훌륭한 연주자들을 많이 보유하고 있지만, 그들의 음색과 스타일에서 Lobet, Segovia, Bream처럼 뚜렷한 개성을 가진 사람은 없습니다.기타뿐 아니라 모든 악기 영역에서 순응적 성향이 강한 개인주의가 부족합니다.예술(음악, 연극 또는 회화 예술)은 매우 개인적이고 개인적인 문제이기 때문에 매우 유감스럽게 생각합니다.^[31]

— Bernard Hebb, Interview

역사

클래식 기타의 역사 개관

현대 기타의 기원은 확실하게 알려져 있지 않습니다.어떤 사람들은 그것이 유럽 고유의 것이라고 생각하고, 다른 사람들은 그것이 수입 악기라고 생각합니다.^[32]이집트, 수메르, 바빌로니아 문명에서 발견된 고대 조각품과 조각상에 기타와 같은 악기가 등장합니다.^[33]이것은 탄부르와 세타르와 같은 동시대의 이란 악기들이 유럽의 기타와 멀리 연관되어 있다는 것을 의미하는데, 이들은 모두 궁극적으로 같은 고대 기원에서 유래했지만, 매우 다른 역사적 경로와 영향에 의해 유래되었기 때문입니다.기타에 가장 많은 변화가 있었던 시기는 1500년대부터 1800년대까지였지만, 중세 후반에는 '기타'라는 기터가 사용되고 있었지만, 그 구성과 튜닝은 현대 기타와 차이가 있었습니다.스페인의 기타 라티나는 곡면과 하나의 구멍을 가지고 있었습니다.무어의 영향을 받은 것으로 보이는 기타라 모리스카는 타원형 사운드박스와 사운드보드에 많은 사운드홀이 있었습니다.15세기에 이르러, 한 개의 현과 비슷한 구조를 제외하고는 후대의 현대 기타처럼 조율된 비우엘라 데 마노라고 불리는 4개의 코스로 된 더블 스트링 악기가 스페인에서 처음 등장했고 프랑스와 이탈리아로 퍼져나갔습니다.16세기에, 다섯 번째 더블 스트링이 추가되었습니다.이 시기에 작곡가들은 대부분 표식 표기법으로 작곡을 했습니다.16세기 중반, 비우엘라와 르네상스 기타의 영향이 합쳐졌고 바로크 5현 기타가 스페인에 나타났습니다.^[34]바로크 기타는 스페인, 프랑스, 이탈리아에서 인기 있는 비우엘라를 빠르게 대체했고 이탈리아의 연주자와 작곡가들은 유명해졌습니다.18세기 후반에 6현 기타는 5현 기타를 희생시키면서 빠르게 인기를 끌었습니다.19세기에 스페인의 루티에이자 연주자인 안토니오 데 토레스는 현대 클래식 기타에 넓은 몸통, 늘어난 허리 곡선, 얇아진 배, 향상된 내부 브레이싱을 기본적인 형태로 주었습니다.^[35]현대의 클래식 기타는 플라멩코라고 불리는 노래와 춤의 반주를 위해 오래된 형태를 대체했고, 플라멩코 기타라고 알려진 변형된 버전이 만들어졌습니다.

르네상스 기타

1546년 스페인에서 출판된 알론소 데 무다라의 책 트레 리브로스 데 무시카는 4코스 기타라로 알려진 가장 초기의 작품들을 포함하고 있습니다.이 4가지 코스의 "기타"는 프랑스, 스페인, 이탈리아에서 인기가 있었습니다.프랑스에서 이 악기는 귀족들 사이에서 인기를 얻었습니다.1550년대부터 1570년대까지 파리에서 상당한 양의 음악이 출판되었습니다: 시몬 골리에의 "Le Troysième Livre..."1551년에 오판서 드 기타른이 출판되었습니다.1551년에 아드리안 르 로이는 또한 그의 프리미어 리브르 드 타블라처 드 귀테르네를 출판했고, 같은 해에 그는 또한 Briefveet facility instruction pour prendrlatature a biennacorder, conduire, et disposer la main sur la Guiterne를 출판했습니다.로버트 발라드, 아우크스부르크 출신의 그레구아르 브레이싱, 그리고 기욤 모라예 (c.1510–1558)는 그것의 레퍼토리에 크게 기여했습니다.제목 페이지에 예시된 4개의 과정 악기가 있는 Morlaye의 Le Premier Livre de Chansons, Gaillardes, Pavannes, Bransles, Almandes, Fantasis는 Michel Fedenzat와 협력하여 출판되었고, 다른 음악들 중에서, 그들은 (기욤의 스승이었을 가능성이 매우 높은) 루테니스트 Albert de Rippe에 의해 표제로 된 여섯 권의 책을 출판했습니다.

비후엘라

고전 기타의 기록된 역사는 스페인의 비우엘라의 발전과 함께 16세기 초로 거슬러 올라갈 수 있습니다.류트가 유럽의 다른 지역에서 인기를 얻고 있는 동안, 스페인 사람들은 무어인들과의 연관성 때문에 그것을 잘 받아들이지 않았습니다.^[38]대신에, 더 많은 범위와 복잡성을 주는 두 개의 줄이 더 있는 류트 같은 비후엘라가 나타났습니다.비우엘라는 가장 발전된 형태로, 반 단계 낮게 조율된 세 번째 현을 제외하고는 현대 클래식 기타처럼 조율된, 내장으로 만들어진 여섯 개의 이중 현이 있는 기타와 같은 악기였습니다.그것은 높은 소리를 가지고 있고 잡기에 다소 큽니다.거의 살아남지 못했고 오늘날 알려진 것의 대부분은 도표와 그림에서 왔습니다.

바로크 기타

"초기 낭만적인 기타" 또는 "클래식 음악 시대의 기타"

현존하는 최초의 6현 기타는 1779년 가에타노 비나치아 (1759년 – 1831년 이후)가 이탈리아 나폴리에서 제작한 것으로 추정되지만, 라벨에 적힌 날짜는 조금 모호합니다.^[39][40][41]루시에 가문의 비나치아 가문은 만돌린을 개발한 것으로 알려져 있습니다.이 기타는 검토를 거쳤으며 더블 코스 기타에서 변형된 흔적이 뚜렷하지 않습니다.^[42]1790년대 이전에 생산된 것으로 알려진 기타의 진위 여부는 종종 논란이 되고 있습니다.이것은 또한 1792년에 모레티의 6현법이 등장했을 때와 일치합니다.

모던 클래식 기타

현대 클래식 기타는 19세기에 안토니오 데 토레스 주라도, 이그나시오 플레타, 헤르만 하우저 시니어, 그리고 로버트 부셰에 의해 개발되었습니다.이전의 비슷한 악기들로는 15세기와 16세기의 스페인 비후엘라와 깃터가 있습니다.이 악기들은 17세기와 18세기 바로크 기타와 19세기 중반까지 현대 클래식 기타의 초기 형태로 발전했습니다.

기술.

손가락 스타일은 현대 클래식 기타에 열렬히 사용됩니다.엄지는 전통적으로 베이스 혹은 뿌리음을 뽑아내는 반면, 손가락은 멜로디와 그에 수반되는 부분들을 울립니다.종종 클래식 기타 기술은 음을 뽑기 위해 오른손의 손톱을 사용하는 것을 사용합니다.프란시스코 타레가, 에밀리오 푸홀, 안드레스 세고비아, 줄리안 브렘, 아구스틴 바리오스, 존 윌리엄스 (기타 연주자) 등이 주목했습니다.

성능

현대의 클래식 기타는 보통 앉은 자세로 연주하며, 왼쪽 무릎 위에 악기를 놓고 왼쪽 발은 발판 위에 올려놓습니다.또는 풋스툴을 사용하지 않는 경우 기타 지지대를 기타와 왼쪽 랩 사이에 배치할 수 있습니다(지지대는 일반적으로 흡입 컵으로 악기 측면에 부착됨).(물론 예외도 있지만, 일부 연주자들은 다른 방식으로 악기를 잡으려고 합니다.)

오른손잡이 선수들은 오른손의 손가락을 이용하여 줄을 뽑는데, 엄지는 줄의 위쪽에서 아래쪽으로 뽑고, 다른 손가락은 줄의 아래쪽에서 위쪽으로 뽑습니다.20세기에 발전한 고전적인 기술의 어린 손가락은 줄을 치지 않고 약지와 함께 타고 생리적으로 약지의 운동을 원활하게 하는 데만 사용됩니다.

이와 대조적으로 플라멩코 기법과 플라멩코를 연상시키는 고전적인 작곡은 플라멩코 네 손가락 라스게아도에서 어린 손가락을 반독립적으로 사용하는데, 손톱의 뒷면을 사용하여 손가락으로 줄을 역순으로 빠르게 치는 것은 플라멩코의 친숙한 특징입니다.

플라멩코 기술은, 라스게아도 연주에서, 네 손가락의 업 스트로크와 엄지 손가락의 다운 스트로크도 사용합니다: 끈은 손가락 끝의 안쪽의 살이 많은 쪽뿐만 아니라 바깥쪽의 손톱 쪽으로도 때립니다.이것은 최근 클래식 기타에 도입되기 시작한 데딜로라고^[43] 불리는 비우엘라의 기술에도 사용되었습니다.

슈트 ě판 락과 카즈히토 야마시타와 같은 현대 기타리스트들은 극도로 긴 손톱을 유지함으로써 어린 손가락의 짧은 길이를 보완하기 위해 독립적으로 사용합니다.락과 야마시타는 또한 네 손가락의 평영과 엄지손가락의 평영(플라멩코의 라스게아도에서 설명한 것과 같은 기술: 끈은 손가락 끝의 안쪽의 살이 많은 쪽뿐만 아니라 바깥쪽의 손톱 쪽으로도 치는 것)을 자유 스트로크로 그리고 휴식 스트로크로 사용하는 것을 일반화했습니다.^[44]

문자열과 직접 접촉

다른 악기(예: 루테)와 마찬가지로, 음악가는 소리를 내기 위해 직접 현을 만집니다.이것은 중요한 결과를 갖습니다. (단 하나의 음의) 다른 음색/ 음색은 다른 방식(아포얀도 또는 티란도)과 다른 위치(기타 다리에서 더 가깝고 멀리 떨어져 있는 등)에서 현을 뽑음으로써 생성될 수 있습니다.예를 들어, 열린 줄을 뽑는 것은 들뜬 자세에서 같은 음을 재생하는 것보다 더 밝게 들릴 것입니다(따뜻한 음색을 가질 것입니다).

악기의 다재다능함은 다양한 음색을 낼 수 있다는 것을 의미하지만, 이러한 손가락을 이용한 스타일은 일반적인 어쿠스틱 기타의 연주법보다 악기를 배우기 어렵게 만듭니다.^[45]

핑거링 표기법

기타 악보에서 오른손의 다섯 손가락은 스페인어 이름의 첫 글자로 지정됩니다. p = 엄지 ( pulgar), i = 검지 (indice), m = 중지 (marker), a = 약지 (anular), c = 작은 손가락 또는 핑키 (meñique/chiquito).

왼손의 네 손가락(끈을 조이는 것)은 1 = 색인, 2 = 장조, 3 = 약지, 4 = 작은 손가락으로 지정됩니다.0은 열려 있는 문자열(손가락으로 멈추지 않는 문자열)을 나타냅니다. 따라서 풀었을 때 전체 길이가 진동합니다.왼손 엄지를 연주에 사용하는 경우는 드물고, 클래식 기타의 목이 너무 넓어서 편안함을 느낄 수 없으며, 일반적인 기술은 엄지를 목 뒤에 고정시킵니다.그러나 예를 들어, Johann Kaspar Mertz는 위 화살표(⌃)로 표시된 여섯 번째 줄의 저음을 프렛트하도록 엄지를 지정한 것이 유명합니다.

(표형과 반대로) 점수는 선택 사항이 분명하지만 선택을 취소할 문자열을 체계적으로 나타내지 않습니다.문자열이 유용하다는 것을 나타낼 때 점수는 원 안쪽의 숫자 1~6을 사용합니다(가장 높은 피치에서 가장 낮은 피치).

점수는 프렛보드 위치를 체계적으로 나타내지 않습니다(프렛팅 손의 첫 번째 손가락을 놓는 위치).그러나 도움이 될 때(주로 바레스 코드의 경우) 점수는 첫 번째 위치 I(첫 번째 프렛의 검지: F-B flat-E flat-A flat-C-F)부터 열두 번째 위치 XII(12번째 프렛의 검지: E-A-D-G-B-E)까지 로마 숫자로 된 위치를 나타냅니다.12번째 프렛은 몸이 시작되는 곳입니다) 또는 그 이상의 위치 XIX(클래식 기타는 가장 자주 19개의 프렛을 가지고 있고, 19번째 프렛은 가장 자주 갈라져서 3번째와 4번째 현을 프렛하는 데 사용할 수 없습니다).

교대

트레몰로 효과와 빠르고 유창한 음계의 구절을 얻기 위해 플레이어는 교대 연습을 해야 합니다. 즉, 같은 손가락으로 줄을 두 번 연속으로 뽑지 않는 것입니다.엄지, 즉 검지, 중지, 약지를 나타내기 위해 p를 사용하는 일반적인 대체 패턴은 다음과 같습니다.

• i-m-i-m : 트레블 스트링의 기본 멜로디 라인"줄을 따라 걷는" 모습을 하고 있습니다.이것은 종종 음계(음악) 구절을 재생하는 데 사용됩니다.
• p-i-m-a-i-m-a : 아르페지오 패턴 예시하지만 클래식 기타 레퍼토리에 포함된 아르페지오 패턴은 많습니다.
• p-a-m-i-p-a-m-i : 클래식 기타 트레몰로 패턴
• p-m-p-m : 아랫줄의 멜로디 라인을 연주하는 방법.

레퍼토리

클래식 기타를 위해 특별히 쓰여진 음악은 18세기 후반에 6번째 현(바로크 기타는 보통 5쌍의 현을 가지고 있음)이 추가된 것에서 유래합니다.

기타 연주회는 예를 들어, John Dowland (b. England 1563)와 Luis de Narváez (b. Spain 1500)와 같은 작곡가들에 의해 원래 루테 또는 비후엘라를 위해 쓰여진 작품들과 도메니코 스카를라티 (b. Spain 1500)에 의해 하프시코드를 위해 쓰여진 음악을 포함하는 다양한 작품들을 포함할 수 있습니다.이탈리아 1685), 실비우스 레오폴드 바이스(b. 독일 1687)의 바로크 류트, 로베르트 드 비제(b. 프랑스 1650)의 바로크 기타, 심지어 아이작 알베니즈(b. 스페인 1860)와 엔리케 그라나도스(b. 스페인 1867)가 피아노를 위해 쓴 스페인풍의 음악.기타를 위해 글을 쓰지 않았지만, 그 위에서 종종 음악이 연주되는 가장 중요한 작곡가는 바로크 류트 작품이 그 악기에 매우 적응력이 있다는 것이 증명된 요한 세바스티안 바흐 (b. Germany 1685)입니다.

원래 기타를 위해 쓰여진 음악 중, 가장 초기의 중요한 작곡가들은 고전 시대의 것들이고 페르난도 소르 (b. Spain 1778)와 마우로 줄리아니 (b.)를 포함합니다.이탈리아) 1781), 둘 다 빈 고전주의에 강한 영향을 받은 문체로 글을 썼습니다.요한 카스파르 메르츠(b. 슬로바키아, 오스트리아 1806)와 같은 19세기 기타 작곡가들은 피아노의 우세에 강한 영향을 받았습니다.19세기 말이 되어서야 기타는 자신만의 독특한 정체성을 확립하기 시작했습니다.프란시스코 타레가 (b. 스페인 1852)는 때때로 플라멩코의 무어인 영향의 양식화된 측면을 그의 낭만적인 미니어처에 통합하면서, 이것의 중심이었습니다.이것은 19세기 후반 유럽 주류 음악 민족주의의 일부였습니다.알베니즈와 그라나도스는 이 악장의 중심이었고, 그들의 기타 연주는 매우 성공적이어서 그들의 작곡은 표준 기타 레퍼토리에 흡수되었습니다.

제2차 세계대전 이후 로큰롤의 부상에 특징적인 스틸 스트링과 일렉트릭 기타는 북미와 영어권에서 더욱 널리 연주되었습니다.파라과이의 아구스틴 바리오스 망고레는 많은 작품들을 작곡했고 브라질 작곡가 Heitor Villa-Lobos와 마찬가지로 라틴 아메리카 음악의 특징들을 주류로 가져왔습니다.안드레스 세고비아는 페데리코 모레노 토로바와 호아킨 로드리고와 같은 스페인 작곡가들, 마리오 카스텔누오보 테데스코와 같은 이탈리아인들, 멕시코의 마누엘 폰세와 같은 라틴 아메리카 작곡가들에게 작품을 의뢰했습니다.다른 유명한 라틴 아메리카 작곡가들은 쿠바의 레오 브라우어, 베네수엘라의 안토니오 라우로, 과테말라의 엔리케 솔라레스 등입니다.영국의 줄리안 브림은 윌리엄 월튼과 벤자민 브리튼에서부터 피터 맥스웰 데이비스에 이르기까지 거의 모든 영국 작곡가들이 기타를 위한 중요한 작품들을 쓰도록 하는데 성공했습니다.브림과 테너 피터 퍼즈의 협력으로 브리튼, 레녹스 버클리 등의 곡 사이클도 탄생했습니다.독일의 한스 베르너 헨제(Hans Werner Henze), 영국의 길버트 비베리안(Gilbert Biberian), 호주의 롤랜드 채드윅(Roland Chadwick)과 같은 작곡가들의 중요한 작품들이 있습니다.

클래식 기타는 기타리스트 메이슨 윌리엄스(Mason Williams)가 그의 악기 히트곡인 클래식 가스(Classical Gas)를 대중화한 후 1960년대 대중음악과 로큰롤에서도 널리 사용되었습니다.기타리스트 크리스토퍼 파킹은 "클래식 가스: 메이슨 윌리엄스의 음악"이라는 책에서 이 곡이 말라게냐 외에 가장 요청이 많은 기타 곡이며 아마도 오늘날 가장 잘 알려진 기악 기타 곡이라고 인용하고 있습니다.뉴 플라멩코 분야에서는 스페인 작곡가이자 연주자인 파코 데 루치아의 작품과 연주가 세계적으로 알려져 있습니다.

역사를 통해 쓰여진 클래식 기타 협주곡은 많지 않습니다.그럼에도 불구하고, 몇몇 기타 협주곡들은 오늘날 널리 알려지고 인기가 있는데, 특히 호아킨 로드리고의 Concierto de Aranjuez (2악장의 유명한 주제를 가진)와 Fantasia para un gentilhombre가 있습니다.유명한 기타 협주곡을 작곡한 작곡가들은 안토니오 비발디(원래 만돌린이나 루트를 위한 것), 마우로 줄리아니, 하이터 빌라 로보스, 마리오 카스텔누오보 테데스코, 마누엘 폰스, 레오 브라우어, 레녹스 버클리, 말콤 아놀드입니다.요즘, 점점 더 많은 현대 작곡가들이 기타 협주곡을 쓰기로 결정하고 있는데, 그 중에서 기타와 현악 오케스트라를 위한 페데리코 비스키오네의 보스코 사크로가 가장 영감을 받은 곡들 중 하나입니다.

물리적 특성

클래식 기타는 다음과 같은 몇 가지 특징을 가지고 있습니다.

• 그것은 음향 악기입니다.기타의 울림판과 울림통에 의해 뽑힌 현의 소리가 증폭됩니다.^[48]
• 이것은 6개의 줄을 가지고 있지만, 일부 클래식 기타는 7개 혹은 그 이상의 줄을 가지고 있습니다.
• 다른 어쿠스틱 기타에서 볼 수 있는 금속 줄과 달리, 6개의 줄은 모두 나일론 또는 금속으로 감싼 나일론으로 만들어집니다.나일론 줄은 강철 줄보다 훨씬 낮은 장력을 가지고 있으며, 나일론 줄, 내장 줄(소나 양 내장으로 만든)의 이전 것과 마찬가지입니다.아래의 세 줄('베이스 줄')은 금속, 일반적으로 은도금 구리로 감겨 있습니다.
• 끈 장력이 낮기 때문에
  • 목은 강철 트러스봉 없이 나무 전체로 제작 가능합니다.
  • 실내 브레이싱이 가벼워질 수 있습니다.
• 일반적인 현대의 6현 클래식 기타는 너트의 너비가 48~54mm인데 비해 전기 기타는 약 42mm입니다.
• 일반적인 핑거보드는 일반적으로 평평하고 프렛 마커를 상감하지 않거나 목 측면에 점 무늬만 있습니다. 강철 줄 핑거보드는 일반적으로 약간의 반경과 상감이 있습니다.
• 클래식 기타리스트들은 오른손으로 현을 뽑습니다.연주자들은 밝은 톤을 위해 손톱 모양을 만들고 줄을 반대로 느낄 수 있습니다.
• 스트러밍(strumming)은 클래식 기타에서 덜 일반적인 기술로, 스페인어로 "라스게오(rasgueo)" 또는 "라스게아도(rasgueado)"라 불리며 손톱의 뒷면을 사용합니다.라스게아도는 플라멩코 기타에 꼭 필요합니다.
• 기계 헤드는 클래식 기타의 헤드스톡이 뒤로 향합니다. 이는 대부분의 강철 현 기타가 바깥쪽으로 향하는 기계 헤드를 가지고 있는 것과 대조적입니다.
• 클래식 기타의 전체적인 디자인은 약간 더 가볍고 작은 플라멩코 기타와 매우 비슷합니다.

부품.

대표적인 클래식 기타는 다음과 같습니다.^[49]

• 헤드스톡
• 견과
• 기계 헤드(또는 페그헤드, 튜닝 키, 튜닝 기계, 튜너)
• 프레츠
• 목
• 뒤꿈치
• 몸
• 다리
• 하단갑판
• 사운드보드
• 바디 사이드
• 사운드 홀, 로제트 인레이 포함
• 줄들
• 안장(브릿지 너트)
• 프렛보드

프렛보드

프렛보드(frettboard)는 목의 윗부분을 구성하는 금속 프렛이 내장된 나무 조각입니다.편평하거나 약간 휘어진 형태입니다.프렛보드의 곡률은 프렛보드의 표면이 세그먼트를 구성하는 가상의 원의 반경인 프렛보드 반경에 의해 측정됩니다.프렛보드 반경이 작을수록 프렛보드가 눈에 띄게 휘어져 있습니다.프렛보드는 보통 흑단으로 만들어지지만, 로즈우드, 다른 하드우드, 페놀 합성물("micarta")로도 만들어지기도 합니다.

프레츠

프렛은 핑거보드를 따라 내장된 금속 스트립(일반적으로 니켈 합금 또는 스테인리스 스틸)이며 끈의 길이를 수학적으로 나누는 지점에 배치됩니다.줄의 진동 길이는 줄이 프렛 뒤에서 눌릴 때 결정됩니다.각각의 프렛은 서로 다른 음정을 만들어 내고, 각각의 음정은 12톤 음계에서 반 간격으로 떨어져 있습니다.두 개의 연속된 프렛의 너비 비율은 ${\displaystyle \text{exception 25:}}$ 개$($ {\$displaystyle${\$sqrt[{12}]{2}})$의 열두 번째 루트이며, 숫자 값은 약 1.059463입니다.12번째 프렛은 끈을 정확히 두 개의 반으로 나누고 24번째 프렛은 (존재하는 경우) 다시 끈을 반으로 나눕니다.12개의 프렛은 1옥타브를 나타냅니다.이와 같이 프렛을 배열하면 동일한 강화 튜닝이 이루어집니다.

목

클래식 기타의 프렛, 프렛보드, 튜너, 헤드스톡은 모두 긴 나무 연장에 부착되어 목을 구성합니다.프렛보드의 나무는 보통 목의 나머지 부분의 나무와 다릅니다.특히 무거운 게이지 스트링을 사용할 경우 목에 가해지는 굽힘 응력이 상당히 큽니다.클래식 기타의 가장 일반적인 스케일 길이는 650mm입니다(너트의 끝과 12번째 프렛의 중심 사이의 거리를 측정한 다음 측정값을 두 배로 측정하여 계산됨).단, 스케일 길이는 635-664mm 이상으로 다양할 수 있습니다.^[50]

목 관절 또는 '힐'

목과 몸이 맞닿는 지점입니다.전통적인 스페인의 목 관절에서, 목과 블록은 블록에 절단된 슬롯에 삽입된 측면이 있는 하나의 조각입니다.다른 목은 별도로 제작되어 도브테일 조인트, 박격포 또는 플러시 조인트로 차체에 결합됩니다.이러한 조인트는 일반적으로 접착제로 접착되며 기계적 고정 장치로 보강할 수 있습니다.최근 많은 제조업체들이 볼트 온 파스너를 사용하고 있습니다.볼트-온 넥 조인트는 한 때 값이 덜 비싼 기구들과만 관련이 있었지만, 지금은 일부 최고의 제조업체들과 수공업자들이 이 방법의 다양한 종류를 사용하고 있습니다.어떤 사람들은 스페인 스타일의 원피스 목/블록과 접착된 도브테일 목이 더 잘 유지된다고 믿었지만, 테스트는 이 사실을 확인하지 못했습니다.대부분의 전통적인 스페인 스타일 건축가들이 원피스형 목/뒤꿈치 블록을 사용하는 반면, 스페인의 유명한 건축가인 플레타는 바이올린 제작 초기 훈련의 영향으로 도브테일 조인트를 사용했습니다.기계적인 관절이 도입된 이유 중 하나는 목을 보수하기 쉽도록 하기 위해서였습니다.이것은 줄의 장력이 절반 정도인 나일론 줄보다 강철 줄 기타의 문제입니다.이것이 나일론 스트링 기타가 트러스 로드를 포함하지 않는 경우가 많은 이유입니다.

몸

악기의 몸체는 어쿠스틱 기타의 전체적인 소리의 다양성을 결정하는 주요한 요소입니다.기타 상판 또는 사운드보드는 정교하게 세공되고 공학적으로 만들어진 요소로 흔히 가문비나무나 붉은 삼나무로 만들어집니다.기타의 음질을 결정하는 가장 중요한 요소로 간주되는 이 얇은 (종종 2 또는 3mm 두께) 나무 조각은 균일한 두께를 가지며 다양한 유형의 내부 브레이싱에 의해 강화됩니다.등은 로즈우드로 만들어졌으며 브라질 로즈우드가 특히 탐나지만 마호가니나 다른 장식용 목재가 사용되기도 합니다.^[51]

대부분의 소리는 진동하는 줄의 에너지가 기타 상판에 전달되면서 발생합니다.여러 해 동안 루시에(Torres, Hauser, Ramirez, Pleta, C.F.)에 의해 다양한 패턴의 나무 브레이싱이 사용되었습니다. 마틴은 시대의 가장 영향력 있는 디자이너 중 한 명입니다. 긴장된 끈이 작용하는 엄청난 스트레스에 무너지지 않도록 탑을 강화할 뿐만 아니라 탑의 공명에도 영향을 미칩니다.일부 현대 기타 제조업체들은 노멕스로 분리된 두 개의 아주 얇은 나무 판으로 구성된 "더블 탑" 또는 탄소 섬유 강화 격자 – 패턴 브레이싱과 같은 새로운 구조 개념을 도입했습니다.뒷면과 옆면은 마호가니, 단풍나무, 편백나무 인도 장미목, 높이 평가받는 브라질 장미목(Dalbergia nigra) 등 다양한 나무로 만들어졌습니다.각각은 미적 효과와 구조적 강도에 따라 선택되며, 이러한 선택은 악기의 음색을 결정하는 역할도 할 수 있습니다.이것들은 또한 내부 브레이싱으로 강화되고, 안감과 퍼플링으로 장식됩니다.Antonio de Torres Jurado는 그 악기의 소리를 내는 것이 기타의 뒷면과 옆면이 아니라 윗부분이라는 것을 증명했고, 1862년에 종이-마셰의 뒷면과 옆면이 있는 기타를 만들었습니다. (이 기타는 바르셀로나의 라 뮤지카 박물관에 소장되어 있고, 2000년 전에 Yagué 형제에 의해 연주 가능한 상태로 복구되었습니다.바르셀로나).클래식 기타의 몸체는 소리 구멍을 통해 몸체의 진동을 투사하는 공명실로 어쿠스틱 기타를 증폭 없이 들을 수 있게 해줍니다.사운드 홀은 일반적으로 기타 상단(현 아래)에 있는 둥근 단일 구멍이지만, 일부는 다른 배치, 모양 또는 구멍의 수를 가지고 있습니다.기기가 움직일 수 있는 공기의 양이 기기의 최대 부피를 결정합니다.

바인딩, 퍼플링 및 커핑

클래식 기타 몸체의 위, 뒤 그리고 옆면은 매우 얇아서 커핑이라고 불리는 유연한 나무 조각이 (흔히 점수가 매겨지거나 커핑되어서 테두리 모양으로 휘어지기 때문에) 림이 위와 뒤가 만나는 모서리에 접착되어 있습니다.이 내부 보강재는 이 코너 조인트에 5~20mm의 견고한 접착 면적을 제공합니다.

마무리 공사를 하는 동안, 바깥쪽 모서리의 작은 부분을 조각하거나 밖으로 빼내어 바깥쪽 모서리와 제본 옆에 있는 장식용 조각의 재료로 채워지는데, 이를 퍼플링(furfurfling이라고 합니다.이 바인딩은 상단과 후면의 엔드 그레인을 밀봉하는 역할을 합니다.제본 및 퍼플링 재료는 일반적으로 목재 또는 고품질 플라스틱 재료로 만들어집니다.

다리

클래식 기타의 브리지는 현에서 발생하는 진동을 사운드보드로 전달하는 것이 주 목적인데, 사운드보드는 기타 내부의 공기를 진동시켜 현에서 발생하는 소리를 증폭시킵니다.그 다리는 몸의 끈을 제자리에 고정시킵니다.또한 보통 다리에서 끈을 지탱하는 뼈나 플라스틱의 띠인 안장의 위치에 따라 너트(핑거보드 상단)까지의 거리가 결정됩니다.

사이즈

현대의 풀사이즈 클래식 기타는 약 650mm(25.6인치)의 음계^[52] 길이를 가지며, 전체 악기 길이는 965~1,016mm(38.0~40.0인치)입니다.그 악기의 창시자인 안토니오 드 토레스가 선택한 이후로 그 음계의 길이는 꽤 일정하게 유지되고 있습니다.이 길이는 바이올린 줄의 두 배 길이이기 때문에 선택된 것일 수도 있습니다.기타가 바이올린보다 한 옥타브 아래로 조율되기 때문에, 두 악기의 첫 줄에 같은 크기의 내장을 사용할 수 있습니다.

더 작은 규모의 악기들은 더 작은 규모의 악기들이 제작되는데, 작은 규모의 악기들은 프렛들이 더 가까이 붙어 있게 하기 때문에 아이들이 악기를 배울 때 도움을 줍니다.소형 기타의 스케일 사이즈는 보통 484~578mm(19.1~22.8인치), 악기 길이는 785~915mm(30.9~36.0인치)입니다.실물 크기의 계측기는 4/4라고 불리기도 하지만, 그보다 작은 크기는 3/4, 1/2 또는 1/4입니다.

튜닝

다양한 튜닝이 사용됩니다."표준 튜닝"이라고 할 수 있는 가장 일반적인 것은 다음과 같습니다.

• e^I – b – g – d – A – E

위 순서는 첫 번째 줄(연주 위치에서 가장 아래 줄)에서 여섯 번째 줄(연주 위치에서 가장 아래 줄)로 튜닝하는 것입니다 – 가장 아래 줄(연주 위치에서 가장 위쪽 줄). 따라서 엄지손가락으로 쉽게 풀 수 있습니다.

이 "비대칭적인" 동조에 대한 설명(비올라 다감바의 동조에서와 같이 장조 3번째가 두 중간 현 사이에 있지 않다는 점에서)은 아마도 기타가 2번째와 3번째 현 사이에 장조 3번째를 가진 4현악기(실제로는 4개의 이중 현이 있는 악기, 위 참조)에서 비롯되었기 때문일 것이고,그리고 5번째 줄을 점진적으로 추가한 후 6번째 줄을 4번째 줄로 맞추어 6번째 줄만 되는 악기가 되었습니다.

"현대 튜닝의 발전은 단계적으로 추적할 수 있습니다.16세기의 튜닝 중 하나는 C-F-A-D입니다.이것은 현대 기타의 가장 낮은 음조의 4개의 현에 해당합니다.그러나 이 음들의 절대적인 음정은 현대의 "콘서트 음정"과 동등하지 않습니다.4코스 기타의 조율은 음색에 의해 앞당겨졌고, 16세기 말에는 5코스 악기가 사용되었고, A에 맞춰진 낮은 줄이 추가되었습니다.이것은 이 시기의 다양한 변형 튜닝 중 하나인 A-D-G-B-E를 만들었습니다.낮은 E 줄은 18세기에 추가되었습니다."^[53]

끈	과학 음정	헬름홀츠 음정	중간 C로부터의 간격	A440의 세미톤	균등 기질 튜닝(${\displaystyle \text{exception 25:}}$ = ${\displaystyle {}^{}}$(${\displaystyle {\frac{112}{}}^{}}$) 사용$${\$displaystyle${\$sqrt[{12}]{2$}}=$2^{({\frac {1}{12$
1번(최고음역)	마4	e'	위의 큰 삼분의 일	−5	${\displaystyle 440{\rm{Hz}}\cdot({\sqrt[{12}}{2})^{-5}\대략}}$ 329.63Hz
두번째	나3	b	아래의 작은 초.	−10	${\displaystyle 440{\rm{Hz}\cdot({\sqrt[{12}}{2}})^{-10}\대략}}$ 246.94Hz
3번째	사3	g	아래 4분의 1	−14	${\displaystyle 440{\rm{Hz}}\cdot({\sqrt[{12}}{2})^{-14}\대략}}$ 196.00Hz
4번째	라3	d	이하의 7번째 부.	−19	${\displaystyle 440{\rm{Hz}\cdot({\sqrt[{12}}{2}})^{-19}\대략}}$ 146.83Hz
5번째	A2	A	이하 10분의 1	−24	${\displaystyle 440{\rm{Hz}\cdot({\sqrt[{12}}{2}})^{-24}=}}$ 110Hz
6(lowest 피치)	마2	E	아래의 작은 열세 번째	−29	${\displaystyle 440{\rm{Hz}}\cdot({\sqrt[{12}}{2})^{-29}\대략}}$ 82.41Hz

이 튜닝은 인접한 스트링들이 최대 5개의 반음 간격이 되도록 하는 것입니다.일반적으로 사용되는 다양한 대체 튜닝도 있습니다.가장 일반적인 것은 6번째 문자열이 E에서 D로 조정되는 드롭 D 튜닝(Drop D tuning은 6번째 문자열이 E에서 D로 조정됩니다.

서지학

• 제임스 타일러, 폴 스파크스의 기타와 그 음악 (르네상스에서 고전 시대까지) (2007) ISBN0-19-921477-8
• Cambridge Studies in Performance Practice (제6호): Victor Anand Coelho 편집, Lute, Guitar, Vihuela (2005)ISBN 0-521-45528-6
• 기타: Harvey Turnbull의 르네상스에서 현재까지; Bold Strummer 출판, 1991.ISBN 0-933224-57-5
• The Guitar; Sinier de Ridder 지음; Edizioni Il Salabue 지음; ISBN 88-87618-09-7
• 라 키타라, 콰트로 세콜리 디 카폴라보리 (기타: 4세기 명작) 지오반니 아코르네로 이반 에피코코 에를르도 구르치 지음 에디치오니 일 살라부에 지음
• 로자소노라 – 에스포시치오네 디 키타르레 17 – 지오반니 아코르네로의 XX secolo; 에디치오니 일 살라부에 출판
• 리레기타. 18세기에서 19세기 사이 엘레오노라 불피아니의 에토일 샤만테
• 서머필드, 모리스, 클래식 기타: 1800년 이후의 진화, 플레이어 및 개성, Blaydon: Ashley Mark Publishing Company, 2002.
• Various, Classical Guitar Magazine, Blaydon : Ashley Mark Publishing Company, 1982년 초간행물
• 웨이드, 그레이엄, 클래식 기타의 전통, 런던: 칼더, 1980
• Antoni Piza: Francesc Gueraui el seuemps (Palma de Mallorca: Government de Illes Balears, Conserellia d'Educaciói Cultura, Derecció General de Cultura, Institute d'Estudis Balearrics, 2000) ISBN 84-89868-50-6

참고 항목

참고문헌

외부 링크

• 주제별 에세이: 기타 제이슨 커 도브니, 웬디 파워스 (The Metropolitan Museum of Art)
• 클래식 & 핑거스타일 기타
• 클래식 기타 도서관 다양한 교육 및 연구 요구를 충족시키는 데 도움이 될 수 있는 활기찬 기타 악보 도서관.