클래식 기타 만들기

Classical guitar making

기타, 루트, 바이올린 등 현악기 제작에 특화된 사람을 루티어라고 한다.

기술들

Grobert guitar from the Museum Cité de la Musique in Paris
장 니콜라스 그로버트(1794–1869)의 초기 로맨틱 기타(1830년경 파리)
*현저울 길이: 635 mm.
악기 상단은 파가니니와 베를리오즈의 서명을 보여준다.기타는 1838년 장바티스트 뷔야루메에 의해 파가니니에게 대여되었고, 이후 뷔야루메가 베를리오즈에게 주었으며,[1] 이후 1866년 무제 뒤 음악원에 기증하였다.[2][3]오늘날 기타는 파리의 시테 데 라 뮤지크 박물관에 전시되어 있다(인벤토리 넘버 E.375).
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Guitars from the Museum Cité de la Musique in Paris
파리 시테 데 라 뮤지크 박물관의 기타(거의 클래식 기타[4] 200여 개가 소장되어 있음)
Baroque Guitars from the Cité de la Musique in Paris
파리 시테 데 라 무시크 박물관의 바로크 기타 (거의 200여[4] 개의 클래식 기타가 소장되어 있다)

일반적으로 기타 제작의 세 가지 주요 측면을 구별할 수 있다.

  1. 목재의 형상화(진동면: 밀도, 강성), 목재 선택, 브레이싱 형상화, 설계 등을 포함하는 "소리" 특징.음악가가 음악을 창조할 수 있도록 돕는 음질이 목표다.[5]다른 건축업자에 의한 기타는 종종 다른 소리 선호를 반영한다. 예를 들어, 라크테나 그로버트, 토레스 등의 악기를 비교할 때 말이다.모두가 높은 음질을 가질 수 있지만, 많은 기타리스트들은 특정한 레퍼토리 선택에 더 적합하다고 생각한다. 예를 들어, "클래식 시대 레퍼토리"나 "중부 유럽 낭만 레퍼토리"의 경우 라켓이나 그로버트, "스페인어 또는 후기 낭만주의 레퍼토리"의 경우 토레스와 대 "스페인어 또는 후기 낭만주의 레퍼토리" 등의 경우.
  2. "유희성" 측면
    여기에는 안절부절,[6] 끈 간격, 목 너비, 목, 너트 및 브리지 높이(액션에 미치는 영향), 스케일 길이 결정 등이 포함된다.
    기타는 연주하기 쉽고 편하며, 현악기가 없으며, 특정 플레이어의 요구/요구에 맞는 기타가 목적이다.
  3. "시각적/분해적" 측면
    여기에는 로제트 디자인, 인레이즈, 장식 등을 포함한 기타의 시각적 특징이 포함된다(일반적으로 이러한 창의적 시각적 측면은 음향적 특징을 방해하거나 감소시키거나 기타의 연주성을 방해해서는 안 된다).

페르난도 소르는 악기 제작자가 "정확한 드로츠맨이 되어야 하며, 역학의 공통 원리, 힘의 구성과 분해능, 현과 표면의 진동 법칙을 이해해야 한다"[7]고 썼다.

Gasparo Duiffopruggar
Gasparo Duifoprugar (1514 - c. 1570) - Pierre Woeiriot (1532–1599)의 조각

실비스의 Viva Fui, sum dura ocisa securi,
덤빅시, 타쿠이, 모투아 둘체 카노

음향 및 공명 목적을 가진 목재의 형상화

이러한 목재의 형상을 "리소넌스 플레이트 [8]튜닝"(또는 "플레이트 튜닝")이라고 한다.그것은 음향 특성에 영향을 주기 위해 목재와 브레이싱(그 밀도, 두께, 장력, 음압)을 종합적으로 튜닝하는 것을 말한다.이것은 기타 본체를 단일 "기본" 주파수에 맞춰 튜닝하는 것을 의미하지 않는다.대신, 기타의 소리를 향상시키기 위해 나무와 그 반응과 공명 특성을 종합적으로 형성하는 방법이다.목재의 "터널링"은 악기를 "보싱"이라고도 한다.이 기술들은 특히 바이올린 제작에 있어서 이전 세기까지의 추적을 사용했다(예: 이탈리아 바이올린들의 튜닝 방법의 일부를 이해하려고 시도한다: 1, 2).

일부 기타 제작자들은 외관 공사 자체(예: 선택된 브레이싱)보다 목재의 실제적인 목소리, 그리고 (공사 중과 심지어 공사 후) 목재를 작업하고 "모으는" 작업이 더 중요하다고 믿는다.
그는 "나의 기술과 경험이 성장하면서 좋은 기타를 만드는 것은 우선 어떤 종류의 거드름 시스템을 갖추고 있는지 보다는 얼마나 잘 조율되고 균형을 잡았는가 하는 것"이라고 말했다. 다른 스트럿 시스템은 소리에 다른 맛을 더할 수 있지만 굿 기타의 주요 요소는 결코 아니다."([9]Per Hallgren)

소리 특성(Timbre)

스펙트럼

훌륭한 루티어가 이해해야 할 중요한 측면 중 하나는 하나의 음색이 "근본적이고 동시적인 오버톤"[10]으로 이루어져 있다는 것이다.(역사적으로 이 발견에 대한 과학적 분석은 니콜 오레스메,[11] 마린 메르센, 그리고 조셉 사우버와 연관될 수 있다.)"기본의 강도"와 다양한 오버톤의 비율은 톤의 "색" (주파수 스펙트럼)을 정의한다.오버톤은 단순히 기본 주파수의 배수에 있는 주파수일 뿐이다. (색을 정의하는 오버톤은 계측기에서뿐만 아니라 사람의 목소리에서도 발생한다.음을 부를 때는 수많은 오버톤이 존재한다.오버론 노래에 경험이 있는 가수들은 자신의 목소리를 조절할 수 있고, 어떤 높은 오버론의 강도를 어느 정도 높일 수 있고, 그것이 분명하게 들릴 수 있는 동시에 기본을 노래할 수 있다.이렇게 하면 노래하는 동안 두 개의 음조(기본 및 고강도 오버톤)가 분명하게 들릴 수 있다.)[12]

톤 컬러는 기타의 중요한 특징이다.일반적으로 기타의 다른 레지스터(낮은 베이스, 중간 범위, 높은 음 등)의 음은 다른 색상 스펙트럼, 즉 다른 오버톤에 대한 기본 강도의 상대적 강도를 가진다.

다양한 종류의 기타는 다양한 레지스터에서 음의 차이(응답, 동작 등의 차이도 있음)를 가진다.특정 유형의 기타의 특정 색상 스펙트럼 특성은 특정한 "음향 미학"을 형성한다고 말할 수 있다. 이는 그러한 유형의 기타 특성의 "지문"과 같다.다른 기타들은 다른 "음향 미학", 즉 다른 색상-스펙트럼 특성을 가지고 있다.서로 다른 역사적인 악기들은 다양한 소리 미학을 반영한다.

스펙트럼의 일시적 변화(공격/온셋, 붕괴)

악기 소리(또는 더 정확하게는 특정 레지스터의 노트)를 특징짓는 데 있어 중요한 것은 플레이어가 소리를 시작하는 방법이다.이것은 공격이나 시작이다: 단기간 과도현상이다.이것은 끈이 뽑히는 순간에 발생한다 - 그 끈은 정상적인 방법으로 진동하기 전에 일정 시간 동안 움직임을 증가시킨다.그 공격은 비선형적이며 보통 매우 높은 음의 주파수를 가지고 있다.과도현상의 지속시간(정상적인 스트링 진동이 지속될 때까지)과 과도기 중에 발생하는 주파수는 우리가 음을 어떻게 인지하는지에 있어 매우 중요한 요소다.

일단 스트링이 정상적인 진동 모드로 들어가면 표준 색상 스펙트럼이 나타난다.시간이 경과함에 따라 진동의 진폭은 감소하며, 일반적으로 높은 톤의 강도는 기본 및 낮은 톤의 강도보다 빠른 속도로 붕괴된다(즉, 진동 시간에 걸친 색의 변화).

이런 식으로 음향 "envelope"를 관찰할 수 있다: 공격, 그 다음에 주파수(기본 및 오버톤)의 강도가 시간에 따라 감소하는 방식을 따른다.따라서 "엔벨로브"는 소리의 스펙트럼의 일시적 변화로 간주될 수 있다.이 봉투는 다른 레지스터에 있는 노트에 대해 다르다.

따라서 톤 또는 음색은 다음과 같이 결정된다.

  • 공격 또는 개시 (줄의 정상적인 진동까지 얼마나 걸리나?) -> 기타의 반응)
  • 주파수 스펙트럼의 상대 강도: 오버톤에 대한 기본 강도(색상 -> 진동 시간에 따른 색상 변화, 더 높은 프리크 오버톤이 더 빨리 붕괴되기 때문에)

이러한 요인들은 목재의 형성에 영향을 받을 수 있다.훌륭한 루티어는 이러한 음향 특성에 직접적으로 영향을 미치기 위해 목재를 형성하는 방법을 이해한다.

기타 연주자들은 손톱이나 손가락 각도, 다리와의 거리 등을 변경함으로써 줄을 잡아당기는 방식으로 음색을 적극적으로 바꿀 수 있다.좋은 악기는 음악가가 매우 다양한 음조를 만들어 낼 수 있도록 도와주며 아직 좋은 공명을 가지고 있다.그럼에도 불구하고 다른 레지스터의 노트에 대해 기본 색상과 응답을 식별할 수 있으며 계측기의 소리를 정의한다.

"음향 미학"의 스타일

앞서 언급한 바와 같이, 색상 및 응답음 특성(다양한 레지스터의 음을 위해 존재하는)에 따라 역사 악기를 그룹화할 수 있다.바로크 기타는 19세기 기타와는 다른 "음향 미학"을 가지고 있다. 즉, 다양한 레지스터(낮음, 중간, 높음)의 색상 스펙트럼이 다르고 공격 기간(악기의 반응)이 다르다.

"음향미학"은 특정 레지스터에 있는 음의 소리 특성에 의해 결정된다(악기의 낮은 음은 높은 음과 다른 상대적인 음색을 가지고 있다.

음악 스타일(바로크, 고전, 낭만, 스페인 민족주의, 플라멩코, 재즈)과 사용된 악기의 "음향미학" 스타일은 역사적 유사성이 있다: 로베르 드 비세(Robert de Visée)는 마우로 줄리아니(Mauro Giuliani)나 루이지 레그나니(Luigi Legnani)가 사용한 기타와는 매우 다른 음미학을 가지고 연주했다.기타를 치다

바로크 기타와 19세기 기타의 차이는 크고 즉각적으로 분명하지만, 19세기 기타의 스타일 차이도 확인할 수 있다.같은 계열이지만 초기 이탈리아 악기(Fabricatore), 그 다음 프랑스 악기, 비엔나 악기 등을 구별할 수 있다.[13]

19세기 기타 제작

19세기 기타 제작에 관한 아이디어의 일부를 사진으로 얻으려면 기타 관련 특허에 대한 일부 신문 보도(교차참조에서 제시된 신문 보고서는 단순한 언급일 뿐 실제 특허 논문은 보다 상세한 내용과 도면 등을 제공한다)와 기타 신문 기고문이 다음과 같이 나열되어 있다.

라크테가 악기의 품질로 상을 받은 것에 대한 19세기 언급도 있다. 2등은 라프레보테에게 돌아갔다.[25]마카로프가 주관한 대회에서 1위를 차지한 것은 셔저의 기타였다.[26][27]

19세기 기타는 처음에는 모두 사다리꼴이었고 토레스의 보다 근본이 풍부한 기타와는 반대로 많은 오버톤(초기 고전적이고 낭만적인 시대의 악기에서 바람직한 특징)에 토날 에너지가 퍼져 있었다.프란시스코 상구이노는 팬브레이싱으로 가장 먼저 실험을 한 사람 중 하나였고, 파게스와 파노르모가 나왔지만, 토레스는 그것을 사용하지 않았기 때문에, 토레스 기타르스는 톤에너지를 (스페인 음악에서 바람직하다고 생각하지만) 토레스 기타르에 비해 톤에너지가 톤에너지를 오버톤으로 퍼트리는 것이 여전히 더 많았다.

이동성 애프제

모든 기타 억양 문제를 해결하거나 기타리스트들이 다른 음악적 기질을 사용할 수 있도록 도와주려면(또는 마이크로 톤 음악을 연주하기 위해) 기타의 조바심을 조절할 필요가 있다.이 분야에서의 작업은 19세기에 토마스 페로넷 톰슨(1783–1869)이 판노르모가 사용한 아이디어로 [29]엔하모닉 기타에 관한 작품을 썼을 때 시작되었다.[30]라켓은 또한 움직일 수 있는 안달로 "기타레 엔하모니크"[31]를 만들었다.

루티어 Walter J. Vogt(1935–1990)는 움직일 수 있는 초조함을 가진 현대적인 메커니즘을 개발했으며,[32][33] 현재 다른 루티어들도 이를 사용한다.허브 R.슈와르드.[34]톨가한 코굴루도 2008년 보그트의 디자인을 바탕으로 '조정 가능한 마이크로 톤의 기타'[35]를 디자인했다.

변경 가능한 초조함의 다른 개념에는 탈착식 분리형 핑거보드: "스위치보드"[36][37][38]가 포함된다.

참고 항목: John Schneider의 "Just 기타" 기사

컨템포러리 클래식

대부분의 현대 클래식 기타 디자인의 기초는 19세기 중반 스페인의 루티어 안토니오 토레스 쥬라도에 의해 개발되었다.이전의 기타는 종종 더 작았다(예외가 있기는 하지만:셰르저, 과다니니 등).토레스는 팬 브레이싱으로 지탱되는 가벼운 소재로 스페인식 디자인을 만들었다.토레스의 팬 브레이싱은 현대 클래식 기타에 영향을 미쳤다. 그것은 기초적으로 포화상태인 특히 깊은 공명을 제공하기 위해 몸 안에 붙이는 나무 조각들로 구성되어 있다.[39](그러나, 전에 이미 어떤 기타에서는 스페인 건축가 조지프 파게스에 의해 팬 브레이싱의 한 종류가 사용되었고, 그 후 루이 파노르모는 1823년부터 1854년까지 자신의 기타 일부에서도 팬 브레이싱을 사용하였다. 그러나 파게스와 파노르모의 기타 모두 토레스의 기타와는 다른 음의 미학을 가지고 있다.)토레스는 650mm의 현악기 길이를 사용했는데, 이는 보통 오늘날의 현대 고전 기타의 표준 길이다.

토레스가 개발한 디자인은 후에 몇몇 영향력 있는 루티어들에 의해 변형되었다; 마누엘 라미레스(1864–1916)와 그의 형 호세 라미레스(1858–1923), 헤르만 하우저, 시니어(1882–1952) 그리고 이그나시오 플레타(1897–1977)이다.로버트 부셰와 빅터 베디키안과 같은 더 현대적인 루티어들도 토레스, 하우저, 플레타의 아이디어와 디자인을 그들 자신의 기타에 사용한다.어떤 루티어는 자체 브레이싱으로 실험하기도 하고, 커터웨이, 음향 전기 및 복합 탑 모델을 제공하기도 한다.

몇 년 동안, 기타의 등받이와 옆구리를 위한 최고의 목재로 브라질 로즈우드가 업계 표준이었습니다.불행히도 브라질 로즈우드는 종의 위험 때문에 수출이 제한되었다.기타에 사용되는 브라질 로즈우드의 상당수는 품질이 좋지 않고, 목재 가격의 부풀려 많은 루티어들이 대체 톤우드를 찾도록 만들었다.기타를 만들기에 좋은 아주 건조한 숲이 많이 있다.사실, 살아남은 토레스 악기들 중에서 가장 흔한 등나무와 옆목재는 단풍나무였다.브라질 로즈우드의 가까운 대용품이고, 고급으로 쉽게 구할 수 있으며, 톤우드로서 바람직한 특성을 가지고 있기 때문에 오늘날 만들어진 많은 기타들이 동인도 로즈우드를 사용한다.그 밖에 뛰어난 기타를 만드는 특성을 가진 숲이 많이 있으며, 탁월한 대안으로는 코코볼로, 단풍, 부빙가(아프리카 로즈우드), 아프리카 블랙우드, 카마틸로 로즈우드, 스페인 사이프레스(플라멩코 기타 전용), 그라나딜로, 에보니, 새틴우드, 지리코테 등이 있다.

컨템포러리 이노베이션

격자 브레이스 기타

호주의 기타 메이커 그레그 스몰맨은 극도로 얇은 사운드보드를 가진 기타를 선보였는데, 이 기타는 격자 모양으로 브레이싱하여 받치고 있다.스몰맨은 이것을 더 무겁고 라미네이트 된 등과 옆면을 프레임으로 결합한다.스몰맨은 존 윌리엄스가 연주하는 기타를 만드는 것으로 잘 알려져 있다.전세계의 많은 루티어들이 스몰맨의 디자인 혁신을 자신들의 기타에 접목시켰다.

더블탑, 샌드위치탑 및 복합탑

더블탑, 샌드위치탑, 복합탑이라는 용어는 모두 1980년대 후반에 독일의 마티아스 댐만이 개발한 기타의 사운드보드를 만드는 비교적 새로운 방법을 말한다.로버트 뤽, 프리츠 뮐러, 짐 레드게이트, 미셸 브룩, 보구슬로 테릭스, 제른트 바그너 등 다른 루티어들도 이 방법을 채택했다.더블 탑은 보통 얇은 톤우드 두 장에 의해 샌드위치 된 노멕스라는 물질로 구성되어 있다.내화성 메타아라미드(합성섬유) 소재인 노멕스는 1960년대 듀폰케미칼이 항공산업에서 사용하기 위한 경량 소재로 설계했다.루티어들은 제품의 벌집 시트(칼라드 페이퍼) 버전을 사용한다: 낮은 질량, 강도, 쉐이핑이 용이하여 기타 사운드보드에 이상적으로 적합하다.더블탑의 구조는 기존의 사운드보드와는 확연히 다르지만, 더블탑 기타는 종종 전통적인 기타와 똑같이 보인다.얇은 사운드 보드는 종종 가장 많은 진동을 얻고 최적의 소리를 내기 위해 통합되어 사용된다.

래티스 브레이싱, 더블탑 등에 대한 비판

일부 사람들 직접, 어조로 그것과 함께(만약 잘 해내)[40]고 자신들의 음악적 자질이 이러한 기타(특정 Smallman guitars에)의 음량은 부산물보다는 그 자체로 중요한 기분이 올 수 있는 변화는 풀 라운드bodied 톤을 선호한 기타의 음량에 영향을 미치혁신으로 긍정적이다[41].레는 있그래서 일반적으로 이러한 기타의 톤에 비판적인 많은 사람들; 대부분의 기타리스트들이 특별히 시끄러운 기타를 필요로 하지 않는데 왜 기타 제작자들은 가느다란 소리로 큰 기타를 제작하는데 그렇게 많은 시간을 할애해야 하는가?[42]

사이드 사운드포트

현재 많은 루티어들이 사운드포트, 즉 기타 쪽의 작은 사운드홀을 추가로 포함시키고 있는데, 보통 플레이어를 마주보고 있다.이는 공기가 진동하면서 기타의 몸 안팎으로 더 자유롭게 움직일 수 있게 하고, 기타에서 투영되는 소리를 플레이어가 더 잘 들을 수 있게 하는 장점이 있다고 한다.그러나 후자 주제에 관한 유일한 공식 연구는 플레이어들이 기타를 장착한 사운드 포트에서 어떤 차이도 들을 수 없을 수도 있다는 것을 시사한다.[43]

핑거보드

억양과 놀이성 향상.

상승된 핑거보드

미국의 토마스 험프리(미국 특허 487만3909건)와 이탈리아의 기타 메이커 레나토 바론, 프랑스인 앙투안 파팔라르도, 캐나다의 프리츠 뮬러 등 일부 기타 메이커는 높은 손가락판 기타를 만든다.현과 상단의 거리가 늘어난 것도 오른손에는 유리하지만 상완의 왼손 플레이 가능성을 높이는 것이 일차적인 장점이다.높이 솟은 핑거보드는 정면으로부터 시각적으로 눈에 잘 띄지 않으며, 악기는 전통적인 모습을 유지하고 있다.

곡선 핑거보드

프랑스의 앙투안 파팔라르도 같은 일부 기타 제작자들은 연주성을 향상시키기 위해 커브드 핑거보드를 만든다.

몹시 초조해하다.

조바심이 높으면 비브라토와 바레잉을 용이하게 하고, 일반적으로 "더 가벼운" 왼손의 발달에 도움이 된다.

다중 스케일 길이 프리보드

17세기 전선 줄무늬 악기인 오르파리온과 반도라는 다단계 프리보드가 특징인 악기의 초기 사례다.

팔걸이

팔걸이는 세 가지 주요 이점을 제공한다: 그것은 오른쪽 팔뚝에 의해 야기되는 상단의 댐핑을 감소시킨다; 그것은 잠재적으로 플레이어가 더 편안할 수 있다; 그리고 그것은 상단과 바인딩 그리고 측면에서 일어날 수 있는 마모를 끝마무리까지 흡수한다.이러한 이점은 스몰맨과 같은 초박막의 악기에 특히 중요하지만, 더블 탑을 포함한 어떤 기타도 미묘하게 개선할 수 있다.

클래식 기타 제작 현황

Der Lautenmacher (The lute maker) by Jost Amman
조스트 암만 (1539–1591)의 더 로텐마허 (The Lute maker)[44]

대부분의 클래식 기타 업체들은 그들의 전형적인 fan-bracing과나 악기에서 더 크게(는 criticism[45] 없는 것은 아니다 결과에 예를 들어,"thin-top lattice-braced","double-top",)을 만들기 위한 실험을 진행 중 현대 클래식 기타를 만들고, 우려하고 오늘날 역사적 실존 소리 이상 또는 머스터드를에 고려하어 보입니다.ning그리고 악기 부분의 음성을.[46]

반면에, 공개적으로 플레이트 튜닝을 사용하는 것을 언급하고, 그들이 진정으로 이해하고 있는 것 보다는 그것을 마케팅 속임수로 사용하고 있을 수 있고, 악기의 소리에 현저한 영향을 미친다는 의견이 있다.

  • "[...] 내 건축 기법에는 "구성 요소 튜닝"이 포함되어 있지 않다. 35년의 나의 경험으로 기타의 소리를 '조율'하는 것은 환상이며 키메라라는 결론에 이르렀으며, 그 일부를 두드려 얻어지는 소리에 반응함으로써 기타의 반응을 정확하게 조절할 수 있다고 공개적으로 옹호하는 사람들은 그저 순진한 사람들을 유혹하거나 기껏해야 자기 착각에 빠진다.(윌리엄 R). "탭 튜닝"에 쿰피아노)[47]

그럼에도 불구하고, 플레이트 튜닝(악기 소리)은 바이올린을 만드는 문화의 중요한 부분이다. 최근 바이올린의 목소리에 상당한 진전이 이루어졌기 때문에, 일부 메이커에 의한 현대 바이올린들이 마침내 과거의 최고의 바이올린들(스트라디바리, 과르네리, 아마티 등)과 대등하게 경쟁하기 시작하고 있다.사실 전통적으로 스트라디바리를 연주했던 정상급 바이올리니스트들은 이제 서서히 현대 바이올린을 사용하기 시작하고 있다(이것은 최근까지 다소 드문 일이었다).[48][49][50]정확한 복사를 한다고 해서 원문과 동일한 음질을 가진 악기가 보장되는 것은 아니다.그러나, 완성된 바이올린에 대한 이러한 노력의 최종 결과와 관련하여 바이올린 연주자들이 비슷한 자기 기만에 빠져 있을 수 있다는 몇 가지 증거가 있다.[51]

그러므로 어떤 사람들은 이러한 측면에서(그리고 음향 미학의 고려) 오늘날 기타를 만드는 것이 여전히 전문적인 바이올린 제작에 뒤처져 있다고 생각하지만, 과학적 증거는 기껏해야 모호하다.

바이올린 문화에서 많은 훌륭한 오래된 마스터 비올린은 그들의 음질로 분석되었다(예: 스트라디바리, 또는 과르네리는 많은 사람들이 좋아한다. 그러나 어떤 사람들은 이 악기들을 너무 "지나치게" 큰 소리로 생각하지만, 아마티라고 하는 "내부" 톤의 특성은 결여되어 있다).

Plucked instruments from Athanasius Kircher's Musurgia universalis
아타나시우스 커쳐(1602–1680)가 만든 무수르자 유니버설리스(1650)[52]에서 뽑은 악기.

기타 제작에서, 많은 경우 다음과 같은 여러 가지 이유로 유사하게 이상화된 악기를 찾는 것이 더 어렵다.

  • 현재도 여러 개의 기타 전통이 존재하고 있으며, 각각은 자신만의 음색, 목소리, 투사 등을 가지고 있다.예를 들어 플라멩코 전통은 콘서트 클래식 기타와는 매우 다른 종류의 악기 구성을 선호한다.그리고 오케스트라와의 협주곡 연주에 이상적인 연주 악기는 솔로나 살롱앙상블 연주에 최선의 선택이 아닐 수도 있다.[53][54]
  • 일부 사람들이[who?] '음향이나 악기 제작의 황금시대'(17~18세기)라고 여기는 시대부터, 예를 들어 스트라디바리 출신의 기타는 아직[55][56][57] 5대뿐이고 루티어와 플레이어는 자신의 톤 품질을 판단하기 위해 들어본 적도 없을 것 같다.
  • 바이올린 제작에서 알 수 있듯이, 루티어의 톤 질은 19세기에 '황금시대'와 비교했을 때 감소하였다(일부 사람들은 이것을 루티어가 소리[58] 그 자체와는 반대로 가시적인 측면에 더 큰 초점을 둔 탓으로 돌린다).또한, 이 시간에, 기타 많은 다른 외부 모양을 보는데, luthiers 또한 많은 아마추어 선수들이 그 당시에서 기타 요구에 맞추려고 했습니다.[59] 그렇게 궁극적으로 약 1800년에서 1900년에 어떤 주어진 악기에게 한번 높은 음색의, 하지만 단지 역시 평범한 악기, 혹은 하나의 디자인과 성조 charact와 함께 갔다.eri나중에 메이커에 의해 버림받은 스틱(stic)이다(Lachte, Scherzer와 같은 19세기 기타 메이커들이 있지만, 일반적으로 톤이 높은 기타를 만든 것으로 간주된다).
  • 오늘날 대부분의 기타는 여전히 스페인 토레스나 포스트 토레스 팬브레이싱을 사용하여 제작된다.이것은 오늘날 사실상의 클래식 기타 악기가 되었지만, 대부분의 현대 스페인 레퍼토리에 적합하기는 하지만, 바로크, 클래식, 낭만주의 시대의 초기 레퍼토리에 다소 부적합하다.기타리스트도, 루티어도, 이전의 디자인 관용어나 음향 미학에 대해 많은 지식을 갖고 있지 않다; 비록 이것이 역사적으로 알려진 공연에 대한 관심이 증가하면서 개선되고 있지만, 자신과 그들의 흥미를 기타에 국한시키지 않을 뿐만 아니라(바이올린 제작 문화, 루티어 제작 문화(사다리 제작 문화)를 고려하는 루티어들도 있다.!) 그리고 평행선을 그린다.

오늘날 사실상의 표준 클래식 기타는 스페인 기타인데, 보통 부채꼴로 장식하고 기본이 튼튼하다.20세기 초에 부채꼴로 장식한 스페인어(토레스, 포스트 토레스 스타일) 악기와 전통적인 중앙 유럽 사다리꼴(19세기 스타일) 기타가 공존하는 동안, 중앙 유럽 기타는 결국 떨어져 나갔다.어떤[who?] 이들은 그가 "스페인 디자인, 1920년대 이후 소위 '현대식' 학교를 향한 변화의 촉매제"[60]라고 생각하면서, 이를 세고비아의 인기에 기인한다고 본다.사다리가 달린 기타에서 연주되는 음악의 스타일은 점점 더 유행에 뒤떨어지고 있었다; 예를 들어, 독일에서는 음악가들이 부분적으로 독일 등에 국한된 민속 음악(슈람멜 음악, 콘트라구타르 음악)으로 방향을 틀고 있었다.한편, 세고비아는 자신의 스페인 기타를 대중화하는 것은 물론, 1920년대 새로운 스타일의 음악: 스페인 낭만주의-현대식, 모레노 토로바, 데 팔라 등의 기타 작품으로 전 세계적으로 협주하고 있었다.

실제로 1912년부터 세고비아의 산토스 에르난데스(라미레즈) 기타는 이전의 토레스 디자인과는 조금 다른 음향 미학을 가지고 있다.[61]토레스는 타레가, 아르카스 또는 로벳의 살롱 스타일 음악(또는 그라나도스, 알베니즈의 편곡)에 더 적합하다고 생각하는 기타인[61] 반면, 후기 낭만주의 현대풍의 모레노 토로바(1918년 세고비아가 만났던), 카스텔누오보-테스코(1932년 만난 세고비아) 등이 있다.대형 공연장에서 공연해야 하는 요건과 결합되어, 산토스 에르난데즈에서의 세고비아 공연과 후에 그가 소유하고 있던 수많은 하우저 기타(1929, 1931, 1937 등)[62] 공연에 독특하게 적합했다.

그러나 "안드레스 세고비아는 스페인 기타를 모든 연주 스타일에 다재다능한 모델로 선보였다"[60]면서 "많은 기타리스트들이 현대적인 세고비아 전통의 수정주의에서 비롯된 기타 세계에 대한 터널 비전을 가지고 있다"[63]고 말했다.토레스와 토레스식 포스트 토레스 스타일의 현대 기타는 팬브레이싱으로 두껍고 강한 음색을 가지고 있다: 그러나 그것들은 이전의 레퍼토리(클래식/로맨틱: Carulli, Sor, Giuliani, Mertz, ...; 바로크: de Visee, ...)에 비해 근본적인 면에서 너무 포화도로 간주된다.; 등).

L'art du Luthier
아우구스트 톨벡(1830–1919)의 L'art du Luthier 커버 아트

토레스와 토레스 포스트 기타는 강한 굵은 소리를 가지고 있다(이 기타들은 기본적으로 포화상태에 있기 때문에 풍부한 오버톤과 혼동해서는 안 된다).

  • "음악의 변화로 더 강한 기본이 요구되었고 팬 브레이싱 시스템이 접근되었다.[...] 기타 톤이 투명한 톤에서 더 높은 부분적인 부분이 풍부한 "광폭한" 톤으로 바뀌었다.[64]

반면에 초기의 낭만적인 기타(Lactete와 같은)의 건전한 심미성은 더 강한 오버톤을 가지고 있다(근본적인 것에 굶주리지 않는 것—또 다시 바람직하지 않을 것이다).이러한 오버론 존재는 사다리 브레이싱과 사운드보드 디자인, 그리고 기구의 특정 목소리 때문이다.lutes(사다리를 상쾌한)과 또한 강한 상음은 이 악기를 주는 비교할 수 있게,, 현대의 기타에서 부족한"내부"취약성의 형식(lutes, 일찍 로맨틱한 기타).[표창 필요한](사실은 이슬람은 연예인의 해설 스타일 심리학적으로 그 기구의 미학적인 면에 관련하고 있다고 주장하고 people[누가?] 있습니다;.그리고 이것은 현대의 클래식 기타에 대한 이러한 작품들에 대한 두드러지게 다른 해석과 비교해서, 예를 들어, 루트에[65] 대해 행해진 바흐의 루트 작품과 같은 현대 음반에서도 관찰될 수 있다.[66]그 대신에, Moreno Torroba와 같은 스페인 레퍼토리는 루터나 초기 기타의 음미적인 면에서는 전혀 흔들리지 않을 것이다.)

심지어 실내 기타 연주자들 사이에서도 원하는 "옛날 소리"를 얻기 위해 사다리 브레이싱이 필요하다고 생각하는 사람들이 있다.[67]

역사적으로 알려진 해석에 대한 관심이 증가하면서 기타 건축의 전통을 살펴보기 시작하는 루티어가 점점 더 많아지고 있다.[citation needed]

Man drawing a lute by Albrecht Dürer (1471–1528)
알브레히트 뒤러 (1471–1528)의 루트를 그린 남자

일부 현대 루티어들은 외관적인 시각적 디테일에 그치지 않고 위대한 제작자(스트라디바리, 아마티, 루커스 등)에게 기울고 배우는 17~18세기의 마스터 루티어들의 음향 원리를 바탕으로 역사적인 악기를 제작할 것을 제안한다.[68]violin-making 문화에, 그리고 lutherie 더 넓은 예술로 평행이 그리는, tonally luthie과 competing[49][69]의 가능성을 열게 될 것 다른 악기들(그"황금 시대의 음향"의 예를 들어,),과 가능한 목표에 대한 징후 및"건전한 기타에 미적"의 실현과 파생할 interesting[누구에 따르면?] 수 있다.의 초기 기간에서 Rs.단지 시각적으로 모방하고 모방하는 [70]대신에

참고 항목

참조

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외부 링크