바이올린

바이올린은 때때로 바이올린으로 알려져 있으며, 바이올린 계열의 목조 현악기(현악기)이다. 대부분의 바이올린들은 속이 빈 나무로 된 몸을 가지고 있다. 정규적으로 사용하는 가족 중에서 가장 작고 따라서 가장 높은 음의 악기(소프라노)이다.^[a] 바이올린은 일반적으로 4개의 현을 가지고 있으며, 보통 G3, D4, A4, E5 음으로 완벽한 5분의 1로 튜닝되어 있으며, 가장 일반적으로 현을 가로질러 활을 그리면서 연주된다. 또한 손가락으로 현을 잡아당겨 연주할 수도 있고(피지카토), 전문화된 경우에는 활의 목측(콜 레그노)으로 현을 쳐서 연주할 수도 있다.

바이올린은 매우 다양한 음악 장르에서 중요한 악기들이다. 그들은 (실내악에서 오케스트라에 이르기까지) 앙상블과 독주악기로서 서양 고전 전통에서 가장 두드러진다. 바이올린은 컨트리 음악, 블루그래스 음악, 재즈 등 다양한 민속 음악에서도 중요하다. 고체 몸체를 가진 전기 바이올린과 압전 픽업은 어떤 형태의 록 음악과 재즈 퓨전 등에 쓰이며, 픽업은 악기 증폭기와 스피커에 꽂아 소리를 낸다. 이 바이올린은 인도 음악, 이란 음악을 포함한 많은 비 서구 음악 문화에 통합되었다. 바이올린이라는 이름은 연주되는 음악의 종류에 상관없이 자주 사용된다.

바이올린은 16세기 이탈리아에서 처음 알려졌으며, 18세기와 19세기에 더 강력한 음향과 투영을 제공하기 위해 몇 가지 추가 변화가 일어났다. 유럽에서는 비올라와 같이 서양 고전음악에 사용되는 다른 현악기들이 발달하는 기반이 되었다.^[1][2][3]

바이올리니스트와 수집가들은 특히 16세기부터 18세기까지 브레시아와 크레모나(이탈리아)에서 스트라디바리, 과르네리, 과다냐니, 아마티 가문이 만든 훌륭한 역사적 악기와 오스트리아의 제이콥 슈타이너가 만든 악기에 경품을 수여한다. 그들의 평판에 따르면, 이 믿음은 논쟁의 여지가 있지만, 그들의 소리의 질은 그것을 설명하거나 같게 하려는 시도에 저항해 왔다.^[4][5] 많은 악기들이 유명하지 않은 메이커들의 손에서 나왔고, 작센, 보헤미아, 미레코트와 같은 곳의 시골집 산업에서 나오는 대량 생산된 상업용 "무역 바이올린"도 여전히 더 많이 나왔다. 이들 무역상품의 상당수는 이전에 시어스, 로벅, 코퍼레이션과 다른 대량 상품가들에 의해 판매되었다.

바이올린의 구성요소는 보통 다른 종류의 나무로 만들어진다. 바이올린은 내장, 펄론 또는 다른 합성 또는 강철 끈으로 걸 수 있다. 바이올린을 만들거나 수리하는 사람을 루티어 또는 바이올린 메이커라고 한다. 활을 만들거나 수선하는 사람을 원위대 또는 활 제조기라고 한다.

어원

비올린(violin)이라는 단어는 1570년대에 처음으로 영어에서 사용되었다.^[6] "바이올린"이라는 단어는 비올라의 작은 크기인 "이탈리아 비올리노"에서 유래한다. 비올라는 1797년 '테노르 바이올린'이라는 표현에서 유래한 것으로, 이탈리아어와 구 프로벤살 비올라에서 유래한 것으로, 중세 라틴어 바이툴라는 '현악기'를 뜻하는 용어로, 어쩌면 [오는] 로마의 기쁨의 여신 비툴라에서 유래한 것일 수도 있고, 관련 라틴어 동사 바이툴라에서 '기쁨이나 격앙 속에서 외치기 위해'라는 표현에서 유래한 것이다.^[7] 관련 용어 "바이올라 다 감바"는 "바스 비올"(1724)이 이탈리아어로 말 그대로 "다리의 비올라"(즉, 다리 사이를 잡는 것)^[7]를 의미한다. 바이올린은 "더 작고 중세적인 비올라 다 브라치오"의 현대적인 형태다. ("팔 비올라")^[6]

바이올린은 종종 악기의 비공식적인 별명으로 민속 음악 맥락에서 사용될 때 또는 심지어 클래식 음악 장면에서도 피들레라고 불린다.^[8] "fiddle"이라는 단어는 14세기 후반에 처음으로 영어에서 사용되었다.^[8] 피들(fiddle)이라는 단어는 "Fedelle, fydyll, fidel, early fitelle"에서 유래되었으며, 올드 노르드 피들라, 미들 더치 베들레, 더치 베들레, 올드 하이 독일 피들라, 독일 피들레, "a fiddle;"에서 유래되었다. 「피들」이라는 말의 기원에 대해서는, "...소리와 감각의 유사성을 바탕으로 한, 중세 라틴어 바이툴라에서 나온 제안"이라고 한다.^[8]

역사

초기의 현악기는 대부분 뽑았다(예: 그리스 리어). 두 줄의 굽은 악기, 곧게 연주하고 말발굽으로 절하는 것은 중앙아시아의 유목 승마 문화에서 비롯되었을지도 모르며, 현대 몽골의 모린 후르와 카자흐 코비즈(Kobyz)와 비슷한 형태였다. 유사한 유형과 변종 유형은 아마도 아시아에서 중동,^[9][10] 그리고 비잔틴 제국에 이르는 동서 교역로를 따라 전파되었을 것이다.^[11][12]

모든 유럽 활 악기의 직접적인 조상은 아랍어 리바브(رباب)로, 9세기까지 비잔틴 라이라로 발전했고 이후 유럽 레베카로 발전했다.^[13][14][15] 최초의 바이올린 제작자들은 아마도 비잔틴 라이라의 다양한 개발에서 차용되었을 것이다. 이것들은 비엘(피델 또는 비우올라라고도 알려져 있음)과 리라 다 브라치오를 포함했다.^[11][16] 현재 형태의 바이올린은 16세기 초 이탈리아 북부에서 출현했다. 바이올린의 초기 사진은 비록 3개의 현을 가지고 있지만 1530년경 이탈리아 북부에서 비올리노(violino)와 볼론(vyollon)이라는 단어가 이탈리아어와 프랑스 문서에 보이는 것과 거의 동시에 나타난다. 튜닝을 포함한 이 악기에 대한 가장 초기 명시적인 설명 중 하나는 1556년 리옹에서 출판된 잠베 드 페르의 <아프람스> 뮤지컬에서 나온 것이다.^[17] 이 무렵 바이올린은 이미 유럽 전역에 퍼지기 시작했다.

이 바이올린은 거리 음악가들과 귀족들 사이에서 매우 인기가 있었다; 프랑스 왕 찰스 9세는 1560년에 안드레아 아마티에게 그를 위해 24개의 바이올린을 만들라고 명령했다.^[18] 이 "고블" 악기들 중 하나인 찰스 9세는 현존하는 바이올린 중 가장 오래된 것이다. 세계에서 가장 훌륭한 르네상스는 오스트리아 대공 페르디난드 2세가 소유하고 1841년부터는 노르웨이의 거장 올레 불(Ole Bull)이 소유하는 가스파로 다 살레(c.1574)로, 그는 이 바이올린을 40년 동안, 수천 번의 연주회 동안 사용했는데, 이는 과르네리와 비슷한 매우 강력하고 아름다운 음색으로 인해 생긴 것이다.^[19] 1716년 안토니오 스트라디바리가 만든 "메시아" 또는 "르 메시"(일명 "살라부"라고도 한다)는 여전히 깨끗한 상태로 남아 있다. 그것은 현재 옥스퍼드 애쉬몰린 박물관에 위치해 있다.^[20]

16세기에서 18세기 사이에 가장 유명한 바이올린 제작자(루티어)는 다음과 같다.

• 14세기 후반 리라, 바이올렛타, 비올라로 시작해 16세기 전반 바이올린 분야에서 활동한 브레시아의 학교.
  • 달라 코르나 가문, 브레시아와 베네치아에서 1510–1560 활동
  • 브레시아에서 1530–1615년 활동 중인 미슐리 가문
  • 브레시아에서 1550–1580년 활동 중인 인버라디 가문
  • 가스파로 다 살루 가문, 브레시아와 살루에서 1530–1615 활동
  • Giovanni Paolo Maggini, Gasparo da Salò의 학생, 브레시아에서 1600–1630 활동
  • 브레시아에서 활동하는 로제리 가문 1661-1721
• 크레모나의 학파, 16세기 후반 비올라와 비올론으로 시작하여 16세기 후반에 바이올린 분야에서 출발하였다.
  • 아마티 가문, 크레모나에서 1550-1740년 활동
  • 과르네리 가문, 크레모나와 베네치아에서 1626-1744년 활동
  • 스트라디바리^[21] 가문, 크레모나에서 1644-1737
  • 크레모나에서 활동하는 루게리 가문
  • 크레모나 주의 카를로 베르곤지 (루티어) (1683년-1747년)
• 베니스 학교는 1490년에서 1630년 사이에 등록된 140개 이상의 현악기 제작자 중 16세기 초의 여러 명의 활악기 제작자가 있었다.^[22]
  • 리나롤로 가문, 베네치아에서 1505–1640년 활동
  • 베니스에서 셀리로 유명한 마테오 고프릴러 1685-1742
  • 피에트로 과르네리(Pietro Guarneri)는 주세페 조반니 바티스타 과르네리(Giuseppe Giovanni Battista Guarneri)의 아들이며 크레모나 출신이며 베네치아에서 1717–1762년 활동한다.
  • 도메니코 몬타냐나, 베네치아에서 1700–1750년 경 활동
  • 산토 세라핀, 1741년 이전부터 베네치아에서 1776년까지 활동함

특히 목의 길이와 각도와 더 무거운 베이스 바에서 18세기 바이올린 제작에 중대한 변화가 일어났다. 대부분의 오래된 악기들은 이러한 수정을 거쳤으며, 따라서 음향과 반응의 차이가 의심의 여지 없이 제조자의 손을 떠났을 때와 상당히 다른 상태에 있다.^[23] 그러나 현재 상태에 있는 이러한 악기들은 바이올린 장인정신과 음향의 완벽한 기준을 세웠으며, 전세계의 바이올린 제작자들은 가능한 한 이러한 이상에 근접하려고 노력한다.

오늘날까지 이른바 바이올린 제작의 황금시대, 특히 스트라디바리, 과르네리 델 제슈, 몬타냐나가 만든 악기는 수집가와 연주자 모두가 가장 많이 찾는 악기다. 스트라디바리 바이올린에 지불된 현재 기록적인 액수는 980만 파운드(당시 1590만 달러)인데, 이때 레이디 블런트라고 알려진 악기가 2011년 6월 20일 타리시오 옥션스에 의해 온라인 경매에서 팔렸다.^[24]

시공 및 역학

바이올린은 일반적으로 톱니바퀴(톱 플레이트, 테이블 또는 배라고도 함), 단풍 갈비뼈와 등, 두 개의 엔드블록, 목, 다리, 사운드포스트, 네 개의 현, 그리고 선택적으로 턱걸이를 포함한 다양한 부속품들로 구성되며, 이는 테일피스 바로 위 또는 왼쪽에 부착될 수 있다. 바이올린 본체의 독특한 특징은 모래시계 같은 모양과 상·등의 아치형이다. 모래시계 모양은 상방 2개, 하방 2개, 허리에 오목 C형 2개로 이루어져 있어 활을 놓을 수 있는 여유 공간을 제공한다. 바이올린의 "목소리"나 소리는 그 모양, 그것이 만들어지는 나무, 위와 등 양쪽의 졸업식(두께 프로필), 바깥 표면을 코팅하는 바니시와 이 모든 단계를 하는 루티어의 솜씨에 따라 달라진다. 니스와 특히 목재는 나이가 들수록 계속 좋아져 유명 루티어들이 만든 오래된 잘 만들어진 바이올린의 고정된 공급이 많은 관심을 받고 있다.

대부분의 접착된 관절은 여러 가지 이유로 일반적인 흰색 접착제보다는 동물 가죽 접착제를 사용한다. 히든 접착제는 대부분의 다른 접착제보다 더 얇은 접합부를 만들 수 있다. 분해할 필요가 있을 때 가역성(세심하게 가해진 힘으로 균열할 수 있을 정도로 부서지고 뜨거운 물로 탈착할 수 있다)이다. 신선한 가죽 접착제가 오래된 가죽 접착제에 붙기 때문에, 접합 부분을 수리할 때 더 독창적인 목재들을 보존할 수 있다. (더 현대적인 접착제는 일반적으로 오래된 접착제와 함께 약간의 나무들을 긁어내는 것을 포함하는 새로운 관절을 완전히 제거해야 한다.) 더 약하고 희석된 접착제는 일반적으로 윗부분을 갈비뼈에 고정시키고 너트를 핑거보드에 고정하는데 사용된다. 일반적인 수리에는 이러한 부품들을 제거해야 하기 때문이다. 스푸스 상판의 가장자리를 도는 퍼플링은 가장자리에서 발생하는 균열로부터 어느 정도 보호해 준다. 그것은 또한 상단이 늑골 구조와 독립적으로 더 잘 구부러지도록 한다. 윗면에 페인트를 칠한 가짜는 대개 열등한 악기의 표시다. 등과 갈비뼈는 일반적으로 단풍나무로 만들어지는데, 가장 흔히 일치하는 줄무늬를 가지고 불꽃, 바이올린, 호랑이 줄무늬라고 한다.

목은 보통 갈비뼈와 등뼈와 양립할 수 있는 불타는 형상을 가진 단풍나무다. 그것은 손가락 판자를 운반하는데, 일반적으로 흑단으로 만들어지지만, 종종 값싼 기구에 얼룩지거나 검은색으로 칠해진 다른 나무들도 있다. 에보니는 경도, 아름다움, 착용 저항력이 뛰어나 선호되는 소재다. 핑거보드는 특정한 가로 곡선에 맞춰 옷을 입히고, 특히 내장이나 합성 현을 의미하는 경우, 작은 세로 방향의 "스코프" 또는 구체성을 가지고 있다. 어떤 오래된 바이올린들은 (그리고 어떤 바이올린들은 오래된 것처럼 보이도록 만들어진) 접목된 두루마리를 가지고 있는데, 이것은 페그박스와 목 사이의 접착제 이음새로 증명된다. 많은 진짜 오래된 악기들은 목이 약간 늘어난 각도로 재설정되었고, 약 1센티미터 길어졌다. 목 이식술은 바로크 바이올린으로 목을 현대적인 기준에 적합하게 만들 때 원래의 두루마리를 보관할 수 있게 한다.

이 다리는 현악기의 진동 길이의 하단 앵커 포인트를 형성하고 현악기의 진동을 악기 본체에 전달하는 정밀 절단 단풍이다. 그것의 위쪽 곡선은 호로 된 핑거보드에서 적당한 높이로 줄을 잡고 있어 각각 활에 의해 따로 소리를 낼 수 있다. 사운드 포스트, 즉 소울 포스트는 뒷면과 윗면 사이, 교각의 삼단 발 근처에 있는 신중하게 선택한 지점에 정확히 들어맞아 지지에 도움이 된다. 또한 계측기 상단과 후면의 진동 모드에도 영향을 미친다.

테일피스는 테일핀(Tailpin, 첼로의 스파이크처럼 때때로 혼란스럽게 Endpin이라고 부르기도 한다)이라고 불리는 에보니 버튼을 중심으로 돌아가는 테일굿을 이용하여 바이올린의 아랫바운드에 현을 고정시킨다. E 스트링에는 손가락이 돌리는 작은 나사에 의해 작동하는 미세한 튜닝 레버가 종종 있다. 다른 현, 특히 학생 악기에도 미세한 튜너가 적용될 수 있으며, 때로는 꼬리 부분에 내장되기도 한다. 그 훌륭한 튜너는 연주자가 줄의 음정에 작은 변화를 줄 수 있게 해준다. 두루마리 끝에서 현이 페그박스의 나무 튜닝 페그에 감긴다. 튜닝 페그는 테이퍼로 되어 있고 페그 박스의 구멍에 끼워져 있다. 튜닝 페그는 나무의 마찰로 제자리에 고정된다. 끈은 금속으로 만들거나 금속으로 감싸는 내장과 내장으로 만들 수 있다. 끈은 보통 양쪽 끝에 색색의 비단 포장을 하고, 끈(예: G 끈, D 끈, A 끈 또는 E 끈)을 식별하고, 펙에 마찰을 제공한다. 테이퍼형 펙은 플레이어가 회전하면서 펙의 축을 따라 적절한 압력을 가함으로써 마찰력을 증가시키거나 감소시킬 수 있다.

줄들

끈은 처음에는 양장(일반적으로 고양이로부터 온 이름이 아님에도 불구하고 고양이로부터 온 것이 아닌 것으로 알려져 있음) 또는 단순히 장으로 만들어졌는데, 이는 늘어나거나 말리고 꼬여 있었다. 20세기 초에는 끈이 내장과 강철로 만들어졌다. 현대의 현은 내장, 고체강, 좌초강, 또는 여러 금속으로 감기고 때로는 은으로 도금하는 것과 같은 다양한 합성 물질일 수 있다. 대부분의 E 현은 평강 또는 도금강 중 하나에서 풀린다. 굿 현악은 예전처럼 흔하지는 않지만, 많은 연주자들이 특히 역사적으로 잘 알려진 바로크 음악의 연주에서 특정한 소리를 얻기 위해 그것을 사용한다. 현은 수명이 한정되어 있다. 결국 기름, 흙, 부식, 로진이 쌓이면 끈의 질량이 길이에 따라 고르지 않게 될 수 있다. 끈의 구불구불한 구불구불한 구불구불한 것 외에 플레이어들은 일반적으로 그것이 더 이상 "진짜"(조음에서 좋은 억양으로)를 연주하지 않을 때 원하는 음색, 명석함, 억양을 잃으면 줄을 바꾼다. 현악기 장수는 현악기 질과 연주 강도에 따라 달라진다.

피치 레인지

바이올린은 G₃, D₄, A₄, E₅ 음에서 5단으로 튜닝되어 있다. 바이올린의 가장 낮은 음은 정상적으로₃ 튜닝되며, 중간 C(C4)보다 G 또는 G이다. ( 드문 경우, 가장 낮은 음은 4분의 1만큼 D로₃ 튜닝할 수 있다.) 가장 높은 음은 덜 정의된다: E₇, 열린 현악(E에₅ 맞춰 튜닝된) 위의 E 2옥타브는 관현악 바이올린 파트의 실용적 한계로 여겨질 수 있지만,^[25] 손가락 판의 길이와 바이올리니스트의 기량에 따라 더 높은 연주를 하는 것이 종종 가능하다. 그러나 더 높은 음(C까지₈)은 문자열을 정지시키고 핑거보드의 한계에 도달하거나 인공 고조파를 사용하여 울릴 수 있다.

음향학

아치형, 나무의 굵기, 그리고 그 물리적 특성은 바이올린 소리를 좌우한다. 클라드니 패턴이라 불리는 특정 주파수에서 판이 진동한 상태에서 판에 모래나 반짝이를 뿌려 만든 노드의 패턴은 루티어들이 기구를 조립하기 전에 작업을 확인하는 데 가끔 사용된다.^[26]

사이즈

비올린은 표준 규격과는 별도로 전체 크기(4⁄4)를 제외하고 7⁄8, 3⁄4, 1⁄2, 1⁄4, 1⁄8, 1⁄10, ½, 심지어 1⁄64의 소위 분수 크기로 만들어진다. 이 작은 악기는 보통 어린 선수들이 많이 사용하는데, 이 악기의 손가락은 전체 크기의 악기에서 정확한 위치에 도달할 만큼 충분히 길지 않다.

어떤 의미에서는 계측기의 치수와 관련이 있지만, 분수 크기는 상대적 비율을 문자 그대로 설명하는 것은 아니다. 예를 들어, 3⁄4 크기의 기기는 전체 크기의 기구의 3/4 길이가 아니다. 4⁄4 바이올린의 몸길이는 356 mm (14.0 in)로, 17세기 일부 모델에서는 더 작다. 3⁄4 바이올린의 몸 길이는 335 mm (13.2 in)이고, 1⁄2 크기는 310 mm (12.2 in)이다. 바이올린의 가장 가까운 가족 구성원인 비올라는 크기가 분수가 아닌 인치 또는 센티미터 단위로 몸길이로 지정된다. 풀사이즈 비올라는 평균 40cm(16인치)이다. 그러나 각각의 성인은 어떤 크기의 비올라를 사용할지 결정할 것이다.

때때로, 작은 액자를 가진 어른은 풀사이즈의 악기 대신에 소위 7⁄8 크기의 바이올린을 사용할 수도 있다. 때로는 숙녀의 바이올린이라고 불리기도 하는 이 악기들은 풀사이즈 바이올린보다 약간 짧지만, 풀사이즈 바이올린의 그것과 견줄 만한 소리를 낼 수 있는 고품질의 악기인 경향이 있다. 5현 바이올린 사이즈는 일반 4현과 다를 수 있다.

메조 바이올린

바이올린 옥텟에서 바이올린에 해당하는 악기는 바이올린과 같은 음조이지만 약간 긴 몸매를 가진 메조 바이올린이다. 메조 바이올린의 현은 일반 바이올린의 현과 길이가 같다. 이 기구는 일반적으로 사용되지 않는다.^[27]

튜닝

비올린은 스크롤 아래 페그박스의 페그스를 돌리거나 테일피스의 미세 튜너 나사를 조정하여 튜닝한다. 모든 바이올린에는 페그가 있다; 미세한 튜너는 선택사항이다. 대부분의 미세 튜너는 끈 끝에 부착된 레버를 움직이는 금속 나사로 구성된다. 그들은 매우 작은 피치 조절을 페그보다 훨씬 더 쉽게 허용한다. 하나를 시계방향으로 돌리면 피치가 더 날카로워지고(현에 장력이 가해질수록), 반시계방향으로 한 번 돌리면 (현에 장력이 줄어들수록) 피치가 아첨해진다. 4개의 줄에 달린 미세한 튜너는 강철 코어가 있는 것을 사용할 때 매우 유용하며, 일부 플레이어는 합성 줄과 함께 사용한다. 현대의 E 스트링은 강철이기 때문에, 미세한 튜너는 거의 항상 그 스트링에 장착된다. 미세 튜너는 내트 스트링과 함께 사용되지 않는데, 내트 스트링은 강철이나 합성 코어 스트링보다 탄력이 뛰어나고 미세 튜너의 매우 작은 움직임에도 적절하게 반응하지 않는다.

바이올린을 조정하기 위해 A 문자열은 먼저 표준 피치(보통 A=440Hz)에 맞춰 조정된다. (피아노나 아코디언과 같은 고정 피치 악기를 동반하거나 연주할 때 바이올린이 거기에 맞춰 선율을 맞춘다. 오보에(ooboe)는 일반적으로 소리가 침투하여 다른 목관악기를 통해 들을 수 있기 때문에 바이올린이 있는 오케스트라를 조율하는 데 사용되는 악기다.) 그런 다음 다른 문자열은 쌍으로 절하여 완벽한 5분의 1 간격으로 서로 맞춰진다. 1분 정도 높은 튜닝은 악기 소리를 더 밝게 하기 위해 솔로 연주를 위해 사용되기도 하고, 반대로 바로크 음악은 바이올린 소리를 더 부드럽게 만들기 위해 낮은 튜닝을 사용하여 연주되기도 한다. 튜닝 후, 기구의 다리는 똑바로 서 있고 f 홀의 안쪽 구멍 사이에 중심이 맞는지 확인하기 위해 검사될 수 있다. 구부러진 다리는 그렇지 않으면 잘 만들어진 바이올린 소리에 상당한 영향을 줄 수 있다. 광범위하게 플레이한 후에는 튜닝 페그가 삽입된 구멍이 마모되어 페그가 긴장 상태에서 미끄러지게 된다. 이것은 끈의 피치가 떨어지거나, 페그가 완전히 느슨해지면 끈으로 완전히 긴장이 감퇴되는 결과를 초래할 수 있다. 튜닝 페그가 미끄러지는 바이올린은 루티어나 바이올린 수리공이 수리할 필요가 있다. 정기적으로 사용되는 페그 도프 또는 페그 화합물은 페그들이 부드럽게 회전할 수 있도록 하면서 그러한 마모의 시작을 지연시킬 수 있다.

튜닝 G-D-A-E는 클래식 음악, 재즈, 민속 음악 모두에서 대부분의 바이올린 음악에 사용된다. 다른 튜닝은 때때로 사용된다. 예를 들어, G 문자열은 A에 맞춰 조정할 수 있다. 클래식 음악에서 비표준적인 가락을 사용하는 것은 스코르다투라라고 알려져 있고, 어떤 민속 스타일에서는 크로스 튜닝이라고 불린다. 클래식 음악에서 스코다투라의 유명한 예로는 카밀 생생존스의 댄스 마카브레가 있는데, 여기서 솔로 바이올린의 E 현을 E♭에 맞추어 조정하여 작곡에 섬뜩한 불협화음을 전한다. 다른 예로는 E 스트링을 E♭에 맞추고 G에 맞춘 Bela Bartok의 Contrast 3악장, 네 현을 모두 세미톤 더 높게 튜닝하도록 지정한 니콜로 파가니니의 제1 바이올린 협주곡, 그리고 각 악장마다 다른 스코르다투라를 가진 비버의 미스터리 소나타스가 있다.

인도 고전음악과 인도 경음악에서 바이올린은 남인도풍으로 D–-A–-D–-A to에 맞추어질 가능성이 높다. 인도 클래식 음악에는 절대 음조의 개념이 없기 때문에, 음악가들은 줄 사이의 이러한 상대적인 음의 간격을 유지하기 위해 어떤 편리한 튜닝도 사용할 수 있다. 이러한 간격에 대한 또 다른 일반적인 조정은 B is-F–B♭–F인데, 이는 인도의 카르나틱 클래식 음악 스타일에서 Sa-Pa-Sa-Pa에 해당한다. 북인도 힌두스타니 스타일로 튜닝은 보통 사-파-사-파 대신 파-사-파-사이다. 예를 들어, 이것은 F-B♭-F-B♭과 일치할 수 있다. In Iranian classical music and Iranian light music, the violin ls different tunings in any Dastgah, the violin is likely to be tuned (E–A–E–A) in Dastgah-h Esfahan or in Dastgāh-e Šur is (E–A–D–E) and (E–A–E–E), in Dastgāh-e Māhur is (E–A–D–A). 아랍 고전 음악에서 A와 E 현은 전체 단계, 즉 G–D–G–D로 낮아진다. 이것은 아랍어, 특히 쿼터톤을 포함하는 마캄을 쉽게 연주하기 위한 것이다.

대부분의 바이올린에는 4개의 현이 있지만, 추가 현이 있는 바이올린도 있다. 7개 정도의 현을 가지고 있는 것도 있다. 일반적으로 7은 활로 된 현악기에서 가능한 최대 현악기 숫자로 여겨진다. 7개 이상의 현이 있으면 활을 가지고 특정한 내공을 개별적으로 연주하는 것은 불가능할 것이다. 현이 7개인 악기는 매우 드물다. 그러한 바이올린의 여분의 문자열은 일반적으로 G 스트링보다 음이 낮다. 이 문자열들은 보통 C, F, B에 맞춰 조정된다. 만약 악기의 연주 길이, 즉 너트에서 브리지까지의 끈 길이가 일반적인 풀스케일 바이올린의 길이와 같다면, 즉 13인치(33cm)보다 약간 작을 경우, 바이올린이라고 적절하게 칭할 수 있다. 그러한 악기들은 다소 길어서 비올라로 간주되어야 한다. 5현 이상의 바이올린은 일반적으로 재즈나 민속 음악에서 사용된다. 어떤 주문 제작 악기들은 절을 하지 않고, 절을 하는 현악기의 진동 때문에 동정적으로 들리는 여분의 현악기를 가지고 있다.

활

바이올린은 보통 끝 사이에 말발굽 리본이 달린 막대기와 반대쪽 끝에 있는 개구리(또는 너트, 또는 굽)로 구성된 활을 사용하여 연주된다. 일반적인 바이올린 활은 전체적으로 75 cm(30 in)이며, 무게는 약 60 g(2.1 oz)이다. 비올라 활은 약 5mm(0.20인치) 짧고 10g(0.35온스) 무거울 수 있다. 개구리 끝에서 나사 조절기는 머리카락을 팽팽하게 하거나 느슨하게 한다. 개구리의 바로 앞쪽에는 그립이라고 불리는 가죽 엄지 쿠션과 구불구불한 구불구불한 구불구불한 구불구불한 구불구불한 구불구불한 구불구불한 구불구불한 구불구불한 손놀림이 전통적인 권선은 철사(흔히 은이나 도금된 은), 실크 또는 베일린("고래뼈")으로 되어 있으며, 현재는 황갈색과 검은색의 플라스틱을 교대로 대체하고 있다. 일부 섬유 유리 학생 활은 플라스틱 소매를 그립과 구불구불한 것으로 사용한다.

활털은 전통적으로 회색 수마의 꼬리로부터 유래한다. 일부 값싼 활들은 합성섬유를 사용한다. 단단한 로진은 머리카락에 문질러서 약간 끈적거리게 한다. 활을 끈에 걸쳐 끌면 그 사이의 마찰이 끈을 진동시킨다. 더 비싼 나비 막대기의 전통적인 재료는 뱀목과 브라질목재(Pernambuco wood라고도 한다)가 있다. 최근의 일부 활 디자인 혁신은 모든 수준의 장인정신에서 막대기에 탄소 섬유(CodaBows)를 사용한다. 학생들에게 저렴한 활은 덜 비싼 목재나 섬유 유리(글라스)로 만들어진다.

놀기

자세

바이올린은 앉거나 일어서서 연주된다. 솔로 연주자(혼자 연주하든, 피아노로 연주하든, 오케스트라와 함께 연주하든)는 대부분 서서 연주한다(잇자크 펄먼과 같은 신체 장애로 예방되지 않는 한). 이와는 대조적으로, 오케스트라와 실내악에서는 보통 앉아서 연주된다. 2000년대와 2010년대에 바로크 음악을 연주하는 일부 오케스트라(Freiburg 바로크 오케스트라 등)는 바이올린과 비올라, 솔로로, 앙상블을 모두 일어서게 했다.

바이올린을 잡는 표준적인 방법은 턱의 왼쪽이 바이올린 턱걸이에 얹혀져 있고, 왼쪽 어깨가 받쳐주는 것으로, 종종 어깨 휴식(또는 어깨 휴식을 힘들어하는 어린 선수들을 위한 스펀지와 탄력 밴드)의 도움을 받는다. 턱과 어깨는 왼손이 높은 위치(손가락보드 위에서 멀리 높이 쳐진 음)에서 낮은 위치(페그박스 근처)로 갈 때 바이올린을 안정적으로 유지할 수 있을 정도로 단단히 잡아야 한다. 인도인의 자세에서 바이올린의 안정성은 발끝에 놓여 있는 두루마리로 보장된다.

선생님들은 놀이의 질을 위해서 그리고 반복적인 긴장성 부상의 가능성을 줄이기 위해서 좋은 자세의 필수적인 중요성을 지적하지만, 좋은 자세는 무엇이고 그것을 어떻게 달성하는지에 대한 조언은 세부적으로 다르다. 그러나 모두 긴장이나 경직성이 없는 자연스러운 여유로운 자세가 중요하다고 주장한다. 거의 보편적으로 권장되는 것은 왼손의 손가락이 자유롭게 움직일 수 있도록 왼쪽 손목을 곧게 유지(또는 아주 거의 그렇게)하고 부상 가능성을 줄이고 어느 한쪽 어깨를 자연적으로 이완된 자세로 유지하며 두 쪽 중 어느 한쪽을 과장되게 올리는 것을 피하는 것이다. 이것은 다른 어떤 보증되지 않은 긴장과 마찬가지로 움직임의 자유를 제한하고 부상의 위험을 증가시킬 것이다.

예감은 몸을 균형을 잃고 어깨를 들뜨게 하기 때문에 좋은 경기를 방해할 수 있다. 건강하지 못한 긴장감에서 오는 또 다른 징후는 왼손의 통증인데, 바이올린을 잡을 때 너무 많은 압력을 나타낸다.

왼손 및 피치 생산

왼손은 손끝으로 손가락판에 대고 '멈춤'(누름)으로써 현악의 소리 길이, 즉 현악의 음을 결정하여 다른 음을 낸다. 바이올린은 기타와 마찬가지로 현을 멈추기 위해 안달하지 않기 때문에, 연주자는 현에 손가락을 갖다 대면 좋은 억양으로 연주할 수 있는 정확한 위치를 알아야 한다. 초보 바이올린 연주자들은 너트와 가장 가까운 열린 현과 가장 낮은 위치를 연주한다. 학생들은 종종 A전공이나 G전공처럼 비교적 쉬운 키로 시작한다. 학생들은 음계와 간단한 멜로디를 배운다. 비늘과 아르페지오, 귀의 훈련을 통해 바이올리니스트의 왼손은 결국 근육 기억력에 의해 직관적으로 음을 찾아낸다.

초보자들은 적절한 왼손 손가락 배치를 위해 손가락판 위에 놓인 테이프에 의존하기도 하지만, 대개는 테이프가 전진할 때 재빨리 테이프를 버린다. 일반적으로 사용되는 또 다른 표시 기법은 핑거보드에 있는 흰색의 점들을 사용하며, 이것은 몇 주간의 규칙적인 연습이 끝나면 사라진다. 불행히도 이 연습은 때때로 적절한 귀 훈련 대신에 손가락의 위치를 귀로 아닌 눈으로 안내하는 데 사용된다. 특히 놀이를 배우는 초기에는 이른바 '링톤'이 유용하다. 첫 번째 위치에는 그러한 음이 아홉 개 있는데, 정지된 음이 다른 (열린) 문자열과 일치하거나 옥타브 소리를 내며, 동정적으로 울려 퍼지게 한다. 학생들은 이런 울림음을 이용해 열린 현과 조화되는지를 보고 정지된 노트의 억양을 점검하는 경우가 많다. 예를 들어 G 스트링에서 정지된 피치 "A"를 연주할 때 바이올리니스트는 개방형 D 스트링을 동시에 연주할 수 있어 정지된 "A"의 억양을 확인할 수 있다. "A"가 맞다면 "A"와 "Open D String"이 조화롭게 완벽한 4위를 만들어내야 한다.

바이올린은 완벽한 4단으로 튜닝된 더블 베이스를 제외한 모든 관현악 현(바이올린, 비올라, 첼로)과 마찬가지로 완벽한 5단으로 튜닝된다. 이후의 각 음은 플레이어가 가장 조화롭게 인식하는 음조에서 정지한다. "비동반자일 때 [바이올리니스트]는 담금질이나 자연적인[정의로운] 음계 중 어느 하나에서 일관성 있게 연주하지 않고 전체적으로 피타고라스 음계에 순응하는 경향이 있다.^[28] 바이올린 연주자들이 현악 4중주단이나 현악 오케스트라에서 연주할 때, 현악기들은 일반적으로 그들이 연주하고 있는 키에 맞게 그들의 튜닝을 "달게" 한다. 피아노처럼 평등한 기질에 맞춘 악기를 가지고 연주할 때 숙련된 바이올린 연주자들은 불협화음을 피하기 위해 피아노의 평등한 기질에 맞춰 튜닝을 조정한다.

악보법에서는 손가락이 1(색인)에서 4(작은 손가락)까지 번호가 매겨져 있는데, 예를 들면 악보법에서는 악보법이나 에뛰드 책과 같이 말이다. 특히 바이올린 음악의 지침판에서는 음표 위의 숫자가 어떤 손가락을 사용할지 지시할 수 있으며, 0 또는 O는 열린 문자열을 나타낼 수 있다. 오른쪽 도표는 첫 번째 위치에서 도달할 수 있는 노트의 배열을 보여준다. 이 차트에는 손가락이 너트로부터 위로(피치 안) 이동할 때 노트 위치 사이의 간격이 더 가까워지는 방법이 표시되지 않는다. 차트의 측면에 있는 막대는 초보자의 테이프 배치의 일반적인 가능성을 나타내며, 첫 번째 손가락, 두 번째 손가락, 세 번째 손가락, 네 번째 손가락이다.

포지션

왼손이 핑거보드에 위치하는 것은 「위치」가 특징이다. 대부분의 초심자가 출발하는 1위(일부 방법은 3위부터 시작하지만)는 현악에서 가장 많이 사용하는 위치다. 초창기 청소년 관현악단을 위해 작곡된 음악은 대부분 1위 자리에 있는 경우가 많다. 표준 튜닝에서 이 위치에서 사용할 수 있는 가장 낮은 음은 개방된 G3이며, 첫 번째 위치의 가장 높은 음은 E 스트링에서 네 번째 손가락으로 재생되며, B5 음을 울린다. 손을 목 위로 옮기면 첫 번째 손가락이 두 번째 손가락을 대신하여 플레이어를 두 번째 위치로 이동시킨다. 첫 번째 손가락이 세 번째 손가락의 첫 번째 위치를 차지하도록 하면 플레이어가 세 번째 위치로 이동하는 등의 문제가 발생한다. 손의 관련 움직임과 함께 위치의 변화를 시프트라고 하며, 정확한 억양과 부드러운 레가토(연결된) 소리를 유지하는 효과적인 시프트는 모든 레벨에서 기법의 핵심 요소다. 종종 "가이드 핑거"가 사용된다. 이전 위치에서 노트를 재생하는 마지막 손가락은 새 위치에서 올바른 위치에 도달하기 위해 이동 도중 끈에 계속해서 가볍게 닿는다. 초등 시프트 운동에서 "가이드 핑거"는 현을 위아래로 미끄러지듯 소리를 내는 경우가 많으므로 플레이어는 귀로 정확한 위치를 파악할 수 있다. 이러한 연습 이외에는 거의 들리지 않아야 한다(연주자가 표현상의 이유로 의식적으로 포타멘토 효과를 적용하지 않는 한).

낮은 위치의 이동 과정에서 왼손 엄지손가락은 손가락에 비해 같은 위치에 있도록 기구의 목덜미를 위아래로 움직인다(손가락의 움직임이 손가락의 움직임보다 약간 앞서거나 조금 후에 일어날 수 있다). 그런 포지션에서 엄지손가락은 흔히 플레이어가 어떤 포지션에 있는지 위치를 규정하는 '앵커'로 생각되기도 한다. 매우 높은 위치에서 엄지손가락은 기구의 몸이 방해가 될 때 손가락으로 움직일 수 없다. 그 대신 엄지손가락은 기구의 목 주위에 작용하여 목과 몸의 오른쪽 부트가 만나는 지점에 앉고, 손가락이 높은 위치 사이를 이동하는 동안 그 자리에 그대로 있다.

어떤 위치의 정상적인 나침반 밖에서 아무런 이동 없이 연주되는 음을 확장이라고 한다. 예를 들어, A 문자열의 세 번째 위치에서는 손이 D♮에 첫 번째 손가락, G♮ 또는 G on에 네 번째 손가락과 함께 자연스럽게 위치한다. 첫 번째 손가락을 C♯까지, 또는 네 번째 손가락을 A♮까지 아래로 뻗으면 확장자가 형성된다. 확장은 보통 한두 개의 음이 다른 견고한 위치에서 약간 벗어나 있고, 시프트나 문자열 교차보다 덜 거슬리는 이점을 주는 경우에 사용된다. 바이올린에서 가장 낮은 위치를 "반쪽 위치"라고 부른다. 이 위치에서 첫 번째 손가락은 "낮은 첫 번째 위치" 노트(예: A 문자열의 B♭)에 있고, 네 번째 손가락은 정규 위치(예: A 문자열의 D♮)에서 아래쪽으로 확장되며, 나머지 두 손가락은 필요에 따라 중간에 위치한다. 엄지손가락의 위치는 일반적으로 첫 번째 위치와 "반쪽 위치"에서 같기 때문에, 진정한 위치보다는 손 전체를 거꾸로 뻗은 것으로 생각하는 것이 좋다.

바이올린의 음역의 상한은 크게 한 줄로 2옥타브 이상을, 악기 전체로는 4옥타브를 쉽게 연주할 수 있는 연주자의 기량에 의해 결정된다. 직명은 주로 하위직과 방법서, 식견서 등에 사용된다. 이러한 이유로 7직위 이상의 직위에 대한 언급은 드물다. 가장 높은 직위는 사실상 13위다. 매우 높은 지위는 두 가지 이유로 특정한 기술적 도전이다. 첫째, 서로 다른 음의 위치 차이는 높은 위치에서 훨씬 좁아져 음의 위치를 찾기가 더 어려워지고 경우에 따라서는 귀로 구별하기도 한다. 둘째로, 매우 높은 위치에서의 현악의 소음 길이가 훨씬 짧다는 것은 악기의 소리를 효과적으로 내는 데 있어 오른팔과 활에 대한 도전이다. 악기가 정교할수록(그리고 더 비싸면) E 스트링의 최고 투구에서도 손가락판 위까지 좋은 음색을 유지할 수 있다.

모든 노트(열린 D 아래의 노트 제외)는 둘 이상의 문자열에서 재생할 수 있다. 이는 현악기의 표준 디자인 특징이지만 88노트의 각 음이 한 개씩 밖에 위치하지 않는 피아노와는 차이가 있다. 예를 들어 바이올린에 대한 오픈 A의 음은 오픈 A로, 또는 D 스트링(1~4위 위치)이나 G 스트링(6위~9위 위치)에서도 연주할 수 있다. 각 문자열은 음질이 다르고, 다른 열린 문자열의 공명 때문에 음질이 다르다. 예를 들어, G 스트링은 종종 후기 낭만주의 음악에 특히 적합한 매우 충만하고 음란한 소리를 가진 것으로 간주된다. 이것은 종종 음악에서 sul G 또는 IV와 같이 표시에 의해 표시된다. 예를 들어, 네 번째 문자열에서 연주하는 것을 나타내는 로마 숫자; 관례에 따라 문자열은 가장 얇고, 가장 높은 피치(I)에서 가장 낮은 피치(IV)까지 번호가 매겨진다. 악보에 명시적인 지시가 없더라도 고급 바이올리니스트는 자신의 재량성과 예술적 감성을 이용해 특정 음이나 구절을 연주할 줄을 선택한다.

오픈 문자열

끈을 손가락 하나 까딱하지 않고 절을 하거나 뽑으면 열린 끈이라고 한다. 이것은 끈이 손가락 아래보다 너트에서 더 자유롭게 진동하기 때문에 정지된 끈과는 다른 소리를 낸다. 또한 열린 문자열에는 비브라토를 완전히 사용할 수 없다(비브라토의 요소를 오버톤에 도입하는 인접한 문자열에서 옥타브 위의 음을 정지시키고 진동시키면 부분적인 효과를 얻을 수 있다). 고전적인 전통에서 바이올린 연주자들은 작곡가가 지시하지 않는 한, 열린 현악에 의해 소개된 음색의 변화를 피하도록 하기 위해 현악 교배나 직위의 이동을 종종 사용할 것이다. 이것은 종종 거친 소리를 내는 것으로 간주되는 열린 E에 특히 해당된다. 그러나 예술적 효과를 위해 특별히 열린 현을 선택할 수도 있는 상황도 있다. 이는 오르간의 드론을 모방한 클래식 음악(J. S. Bach, E의 파르티타에서 솔로 바이올린을 위해 이것을 달성했다), 만지작거리거나(예: 호이다운) 또는 열린 현을 피하기 위한 조치를 취하는 것이 음악적으로 부적절하다고(예를 들어, 시프트 포지션이 덜 보편적인 바로크 음악에서 볼 수 있다. 음계나 아르페지오스의 빠른 구절에서, 만약 노트가 울리고 거친 음색을 발생시킬 시간이 없다면, 열린 E 문자열을 단순히 편의상 사용할 수 있다. 만지작거리는 것과 다른 전통 음악 장르에서, 열린 현은 그들의 공명 음색에 일반적으로 사용된다.

인접한 끈에 정지된 음과 함께 열린 현을 동시에 연주하면 백파이프 같은 드론이 생성되는데, 민요를 모방할 때 작곡가들이 자주 사용한다. 때로는 두 노트가 같을 때도 있다(예를 들어, 열린 A 문자열에 대해 D 문자열에 손가락 A를 대고 연주하는 경우), 일종의 "바보 같은" 소리를 낸다. 동일한 정지 노트로 열린 문자열을 동시에 재생하는 것도 특히 관현악 연주에서 더 많은 볼륨이 필요할 때 호출할 수 있다. 일부 클래식 바이올린 부분에는 열린 현악기에 의해 만들어진 특정한 소닉 때문에 작곡가가 바이올리니스트에게 열린 현악기를 연주해 달라고 요청하는 음이트가 있다.

더블 스톱, 트리플 스톱, 화음 및 드론

이중스톱이란 두 개의 분리된 현을 손가락에 멈추고 동시에 절어 두 개의 연속음(일반적으로 3rds, 4s, 5s, 6s, 옥타브)을 내는 것이다. 더블스톱은 어느 위치에서나 표시되지만, 한 위치에서 자연스럽게 이중스톱할 수 있는 가장 넓은 간격은 옥타브(하위 문자열에는 검지손가락, 상위 문자열에는 분홍색 손가락)이다. 그럼에도 불구하고 10분의 1 이상의 간격을 고급 레퍼토리에서 이중스톱해야 하는 경우가 있어 손가락을 길게 뻗은 상태에서 왼쪽 위치가 늘어나게 된다. "더블 스톱"이라는 용어는 손가락 하나만으로 문자열을 멈출 수 있음에도 불구하고, 손가락 음과 함께 열린 문자열을 포괄하기 위해 종종 사용된다.

3, 4개의 동시 음이 표시된 경우, 바이올리니스트는 일반적으로 화음을 "분할"하여, 먼저 연주할 1, 2개의 음을 선택한 후 즉시 상단 1, 2개의 음으로 연주하며, 악기의 자연적인 공명 때문에 4개의 음이 모두 동시에 음성을 냈을 때와 유사한 효과가 발생한다. 어떤 상황에서는 세 개의 현에 걸쳐 세 개의 음을 동시에 낼 수 있는 '트리플 스톱'이 가능하다. 활은 자연스럽게 한 번에 3개의 현을 치는 것이 아니라 바이올리니스트가 3개의 음의 화음을 "절단"(소리)할 때 활 속도와 압력이 충분할 경우 활털을 일시적으로 3개의 현에 구부릴 수 있어 각각 동시에 소리가 날 수 있다. 이것은 보통 개구리 근처에서 무거운 스트로크로 이루어지며, 크고 공격적인 음색을 낸다. 오케스트라의 더블 스톱은 때때로 디비시(divisi)로 표시되고 연주자들 사이에 나뉘는데, 음악가들의 어떤 부서는 낮은 음을 연주하고 어떤 부서는 높은 음을 연주한다. 더블 스톱(및 디비시)은 바이올린이 반주를 연주하고 또 다른 악기나 단원이 멜로디하게 연주할 때 관현악 레퍼토리에서 흔히 볼 수 있다.

역사적으로 알려진 공연의 일부 장르(대개 바로크 음악 및 이전 음악)에서는 분할-초르드나 트리플-스톱 화음은 적절하지 않다고 생각되며, 일부 바이올린 연주자들은 모든 화음(일반적인 이중 스톱 포함)을 아프로그래밍하여 마치 슬러너드 형상으로 쓴 것처럼 개별적으로 모든 음 또는 대부분의 음을 연주한다. 그러나 현대 바이올린의 발달과 함께 다리가 덜 굽어 있어 트리플 스톱은 더욱 자연스러워졌다. 일부 음악 스타일에서는 주로 인접한 현에 쓰여진 구절에서 지속적인 개방형 현악 드론을 재생하여 기본적인 반주를 제공할 수 있다. 이것은 클래식 음악보다 민속 전통에서 더 자주 볼 수 있다.

비브라토

비브라토는 음의 음이 맥동 리듬으로 미묘하게 변하는 왼손과 팔의 기법이다. 손이나 팔의 다양한 부분이 동작에 관여할 수 있지만, 그 결과 손가락의 움직임이 진동하는 끈 길이에 약간의 변화를 가져오게 되어 음이 굴절되게 된다. 대부분의 바이올린 연주자들은 비브라토를 사용할 때 음의 아래 또는 실제 음의 낮은 음을 진동시킨다. 왜냐하면 지각은 다양한 소리 속에서 가장 높은 음을 선호한다고 믿기 때문이다.^[31] Vibrato는 음정이 맞지 않는 음을 위장하기 위해 거의 하지 않는다. 다시 말해서, 잘못 도포된 Vibrato는 좋은 억양을 대신하는 서투른 것이다. 억양 작업을 위한 저울과 다른 운동은 일반적으로 작업을 더 쉽고 효과적으로 하기 위해 비브라토 없이 연주된다. 음악 학생들은 종종 음악에 달리 표기되지 않는 한, 비브라토를 가정한다고 배운다. 그러나, 이것은 단지 하나의 유행에 불과하다는 것에 주목해야 한다; 악보에는 바이올린 연주자들을 비브라토를 첨가하도록 강요하는 것이 없다. 이것은 시대적 스타일로 연주되는 바로크 음악이나 많은 전통적인 만지작거리는 스타일처럼 비브라토를 거의 사용하지 않거나 전혀 사용하지 않는 스타일로 연주하기를 원하는 고전적으로 훈련된 바이올리니스트에게는 장애물이 될 수 있다.

비브라토는 손가락, 손목, 팔 동작의 적절한 조합에 의해 만들어질 수 있다. 손 비브라토(또는 손목 비브라토)라고 불리는 한 가지 방법은 진동을 이루기 위해 손을 손목에서 다시 흔드는 것을 포함한다. 이와는 대조적으로 다른 방법인 팔 비브라토는 팔꿈치에서의 움직임에 의해 피치를 조절한다. 이러한 기술의 조합은 플레이어가 다양한 톤 효과를 낼 수 있게 한다. 바이올린 비브라토의 "when"과 "what for" 그리고 "who much"는 스타일과 취향의 예술적인 문제들로, 다른 선생님들, 음악 학교들, 그리고 다른 스타일의 음악들이 다른 스타일의 비브라토를 선호한다. 예를 들어, 과도한 비브라토는 산만해질 수 있다. 음향적 측면에서 비브라토가 소리에 더하는 관심은 음조의 변화에 따라 오버론 혼용^[32](또는 톤 색상, 음색)과 음향 투영의 방향 패턴이 변화하는 방식과 관련이 있다. 리듬감 있게 방^[33][34] 여러 곳을 가리키면서 비브라토는 잘 만들어진 바이올린 소리에 '흔들림' 또는 '생동감'을 더한다. 비브라토는 대체로 바이올리니스트의 재량에 맡겨져 있다. 비브라토의 종류에 따라 작품마다 분위기가 달라지며, 다양한 정도와 스타일의 비브라토가 잘 알려진 바이올리니스트들에게 돋보이는 특징인 경우가 많다.

비브라토 트릴

비브라토와 같은 동작은 때때로 빠른 수조 효과를 내기 위해 사용될 수 있다. 이 효과를 실행하기 위해, 노트를 정지시키는 손가락 위의 손가락을 문자열에서 아주 약간 벗어나게 하고(스트링을 정지시키는 손가락에 강하게 누름) 비브라토 모션이 구현된다. 두 번째 손가락은 각 진동으로 아랫손가락 위의 끈을 가볍게 만지게 되어 넓은 비브라토와 매우 빠른 수조 사이의 혼합처럼 들리는 방식으로 피치가 진동하게 된다. 이것은 높은 음과 낮은 음 사이에 덜 정의된 전환을 제공하며, 일반적으로 해석적 선택에 의해 구현된다. 이 트릴 기술은 트릴링 손가락과 그 아래 손가락이 닿아야 트릴링할 수 있는 거리를 제한하기 때문에 높은 위치(노트 간 거리가 줄어든 위치)의 세미 톤 트릴이나 트릴에만 잘 통한다. 트릴링 거리가 손가락 폭보다 작은 매우 높은 위치에서는 수조 효과를 위한 유일한 옵션이 비브라토 수조일 수 있다.

고조파

고조파 노드에서 손가락 끝으로 가볍게 현을 만지지만, 끈을 완전히 누르지 않고 끈을 잡아당기거나 절하면 고조파가 만들어진다. 정상음 대신 고음 음이 울린다. 각 노드는 문자열의 정수 분할에 있으며, 예를 들어 문자열 길이를 따라 절반 또는 1/3로 나뉜다. 응답하는 기기는 문자열 길이를 따라 가능한 수많은 고조파 노드를 울린다. 음악에는 하모닉의 음조를 결정하는 노트 위에 작은 원을 그리거나 다이아몬드 모양의 노트 헤드에 의해 하모닉스가 표시된다. 고조파에는 자연 고조파와 인공 고조파(거짓 고조파라고도 한다)의 두 종류가 있다.

자연 고조파들은 열린 현악기에서 연주된다. 뜯거나 절을 할 때 열리는 현을 치는 것을 기본 주파수라고 한다. 고조파도 오버톤 또는 부분음이라고도 한다. 그것들은 기본의 정수 배수로 발생하는데, 이것을 첫 번째 조화라고 한다. 두 번째 하모닉은 첫 번째 서곡(열린 문자열 위의 옥타브)이고, 세 번째 하모닉은 두 번째 서곡이다. 두 번째 하모닉은 현 가운데에 있고 현악기의 음보다 한 옥타브 높게 들린다. 세 번째 고조파는 현을 3분의 1로 쪼개어 기본보다 한 옥타브와 다섯 번째, 네 번째 고조파는 현을 4분의 1로 나누며 첫 번째 고조파보다 두 옥타브 높은 소리를 낸다. 두 번째 고조파의 소리는 그들 중에서 가장 명료한 것으로, 모든 짝수 고조파(4위, 6위 등)가 이어지는 공통의 노드이기 때문이다. 세 번째와 이후의 홀수 번호 고조파는 문자열을 진동하는 홀수 부품으로 분해하고 다른 고조파와는 그만큼 많은 노드를 공유하지 않기 때문에 연주하기가 더 어렵다.

인위적인 고조파들은 자연적인 고조파보다 생산하기가 더 어렵다. 왜냐하면 그것들은 끈을 멈추게 하는 것과 정지된 노트에 하모닉을 연주하는 것을 모두 포함하기 때문이다. 네 번째 손가락이 문자열을 만지는 것만으로 옥타브 프레임(어떤 위치에서든 첫 번째 손가락과 네 번째 손가락 사이의 정상적인 거리)을 사용하면 정지된 노트보다 네 번째 높은 음이 정지된 노트보다 두 옥타브 높은 네 번째 고조파를 생성한다. 손가락 배치와 압력은 물론 활 속도, 압력, 소리 지점이 모두 원하는 고조파 음을 내는 데 필수적이다. 그리고 도전에 더하기 위해서, 거짓 고조파로서 연주되는 다른 음을 가진 구절에서는, 노트의 간격은 문자열의 길이에 따라 변하기 때문에 정지하는 손가락과 고조파 손가락 사이의 거리는 끊임없이 변화해야 한다.

또한 고조파 손가락은 누름음(제5 고조파) 위의 주요 3분의 1 또는 제5 고음(제3 고조파)에서 터치할 수 있다. 이러한 고조파들은 덜 일반적으로 사용된다. 세 번째 장조의 경우, 정지된 음과 터치된 음은 모두 약간 날카롭게 재생되어야 한다. 그렇지 않으면 고조파가 쉽게 말을 하지 못한다. 다섯 번째의 경우, 많은 바이올린 연주자들이 편안하게 느끼는 것보다 스트레치가 더 크다. 일반적인 레퍼토리에서는 6분의 1보다 작은 분수는 사용되지 않는다. 그러나 8분의 1까지의 구단이 사용되기도 하며, 좋은 악기와 숙련된 선수를 감안하면 12분의 1 정도의 작은 구단이 가능하다. 바이올린 고조파 연구에만 전념한 책이 몇 권 있다. 1928년 심록이 펴낸 헨리크 헬러의 7권 화음론과 1934년 리코르디가 펴낸 미켈란젤로 압바도의 5권 화음론 테크니카 데이 수오니 아르모니치가 두 편의 종합작품이다.

인공조화학의 정교한 구절은 특히 19세기와 20세기 초반의 거장 바이올린 문학에서 찾아볼 수 있다. 이에 대한 두 가지 주목할 만한 예로는 비토리오 몬티의 챠이다스 전체 부분과 표트르 일리히 차이코프스키의 바이올린 협주곡 제3악장 중간을 향한 구절이 있다. 파가니니의 바이올린 협주곡 1번 제3악장의 한 단원은 하모닉으로 이중 3중으로 구성되어 있다.

끈이 닳고 지저분하고 오래되었을 때, 고조파들은 더 이상 음치에서 정확하지 않을 수 있다. 이 때문에 바이올린 연주자들은 정기적으로 현을 바꾼다.

오른손 및 톤 컬러

현악기는 오른손이 쥐고 있는 활의 털을 가로 긋거나(아코) 오른손으로 가장 자주 뽑아서 울릴 수도 있다. 어떤 경우에는 바이올리니스트가 왼손으로 현을 뽑을 것이다. 이것은 피치카토에서 아르코 플레이로 전환을 용이하게 하기 위해 행해진다. 그것은 또한 몇몇의 거장 쇼피스에서 사용된다. 왼손 피치카토는 보통 열린 현으로 한다. 피치카토는 모든 바이올린 계열 악기에 사용된다. 그러나 선진적인 피치카토 기법에 대한 체계적인 연구는 거의 독점적으로 연주되는 재즈 베이스에서 가장 발달되어 있다.

오른쪽 팔, 손, 활과 활의 속도는 음의 질, 리듬, 역동성, 관절 그리고 대부분의 (전부는 아니지만) 음색의 변화를 담당한다. 플레이어가 끈 위로 활을 끌어당겨 끈이 진동하게 하고 지속적인 톤을 만들어 낸다. 활은 장력이 팽팽한 전갈머리를 가진 나무 막대기로, 로신 바가지로 꿰맨 것이다. 말굽의 자연스런 질감과 로신의 끈끈함이 활에 도움을 주고, 따라서 활을 끈 위로 끌어당기면 활이 현을 울리게 한다.

절하는 것은 오랫동안 지속되는 음이나 멜로디를 만드는 데 사용될 수 있다. 현악 섹션으로, 한 섹션의 선수들이 다른 시간에 활을 바꾼다면, 노트는 끝도 없이 지속 가능한 것처럼 보일 수 있다. 또한, 이 활은 짧고 바삭바삭한 작은 음을 연주하는데 사용될 수 있다. 예를 들면, 반복된 음표, 음계, 아르페지오 등, 많은 스타일의 음악에서 추진적인 리듬을 제공한다.

활공법

활공법의 가장 중요한 부분은 활 그립이다. 그것은 대개 개구리와 활의 구불구불한 구불구불한 부분 사이의 작은 부분에 엄지손가락이 구부러져 있는 것이다. 나머지 손가락은 활의 윗부분에 다소 고르게 펴져 있다. 새끼손가락은 손가락 끝을 나사 옆 나무 위에 올려놓은 채 웅크리고 있다. 바이올린은 활의 속도가 더 빠르거나 끈에 무게가 더 나가면서 더 큰 음을 낸다. 이 두 가지 방법은 서로 다른 음을 내기 때문에 동등하지 않다. 줄을 누르는 것은 더 거칠고 더 강렬한 소리를 내는 경향이 있다. 또한 활을 다리 가까이 놓음으로써 더 큰 소리를 낼 수 있다.

활이 끈과 교차하는 소리 지점은 음색(또는 "톤 컬러")에도 영향을 미친다. 다리 가까이에서 연주하는 것(술 폰티셀로)은 평소보다 더 강렬한 소리를 내면서 높은 고조파를 강조하고, 손가락판 끝에서 활을 가지고 노는 것(술 맛)은 기본 주파수를 강조하면서 섬세하고, 천상의 소리를 낸다. 스즈키 신이치는 소리를 내는 지점을 크라이슬러 고속도로라고 불렀는데, 다른 소리를 내는 지점을 고속도로의 차선으로 생각할 수도 있다.

활을 이용한 다양한 공격방법은 서로 다른 발음을 만들어낸다. 모든 범위의 플레이 스타일을 허용하는 많은 활쏘기 기술이 있다. 많은 교사, 선수, 오케스트라는 그룹 내에서 기술을 개발하고 통일된 기술을 만드는데 많은 시간을 소비한다. 이러한 기법에는 레가토 스타일의 활(연주에 적합한 매끄럽고 연결되고 지속적인 소리), 콜레, 그리고 리코체트, 사우틸레, 마르텔레, 스피카토, 스타카토 등 짧은 음을 내는 다양한 활이 있다.

피치카토

쪽지에는 피자가 표시되어 있었다. (피치카토에 대한 노래) 악보에서는 절을 하는 것보다 오른손 손가락으로 줄을 잡아당겨 연주한다. (여기서는 집게손가락이 가장 많이 쓰인다.) 때때로 활의 손이 점유되는 오케스트라 파트나 거장 솔로 음악에서는(또는 쇼오프 효과를 위해) 왼손 피치카토는 음의 아래나 위에 +(더하기 기호)로 표시된다. 왼손 피치카토에서는 두 손가락을 끈에 놓고, 한 손가락(보통 검지 또는 가운데 손가락)은 정확한 노트에, 다른 손가락(보통 약지 또는 새끼 손가락)은 노트 위에 놓는다. 그러면 높은 손가락이 끈을 잡아당기고 낮은 손가락은 끈을 잡아당겨 정확한 피치를 만들어 낸다. 당김의 힘을 높임으로써 끈이 생산하고 있는 음의 볼륨을 높일 수 있다. 피지카토는 관현악 작품과 단독 쇼피스에 사용된다. 관현악 부분에서 바이올린 연주자들은 종종 아르코에서 피치카토로 매우 빨리 이동해야 하고,그반대의 경우도 마찬가지다.

콜레그노

글의 음악에서 콜 레그노(이탈리아어로 "나무와 함께"라고 표기하는 것은 현을 가로질러 활의 털을 끌어당기는 것이 아니라 활의 막대기로 현을 치는 것을 요구한다. 이 활공법은 다소 드물게 사용되며, 음소거된 퍼커션 사운드가 발생한다. 콜 레그노를 연주하는 바이올린 부분의 섬뜩한 자질은 일부 교향곡에 이용되는데, 특히 베를리오즈의 교향곡 판타스티크의 마지막 악장의 "도랑의 춤"이 그 특징이다. 생센스의 교향시 단스 마카브레는 콜 레그노 기법을 사용하여 춤추는 해골 소리를 흉내 내는 현악 부분을 포함한다. 구스타프 홀스트의 "행성"에 나오는 "마스"는 콜 레그노를 사용하여 시간표현에서 반복되는 리듬을 연주한다. Benjamin Briten의 The Young Person's Guide to the Own's Guide는 "Peraction" 변주곡에 그 사용을 요구한다. 드미트리 쇼스타코비치는 '산떼 감옥에서'라는 운동의 14번 교향곡에서 이 곡을 사용한다. 그러나 일부 바이올린 연주자들은 이러한 연주 방식이 피니시를 손상시키고 훌륭한 활의 가치를 손상시킬 수 있기 때문에 반대하지만, 그러한 연주 대부분은 적어도 문제의 구절의 지속 기간 동안 값싼 활을 사용함으로써 타협할 것이다.

디파테

스트로크 시작부터 끝까지 활의 속도와 무게가 같은 매끄럽고 고른 스트로크.^[35]

마르텔레

말 그대로 해머로, 각각의 활쏘기를 힘있게 그리고 갑자기 풀어냄으로써 강한 악센트 효과를 발생시킨다. 마르텔레는 활의 어느 부분에서도 연주할 수 있다. 그것은 때때로 화살촉에 의해 쓰여진 음악으로 표시된다.

트레몰로

트레몰로는 매우 빠른 반복이다(일반적으로 단일 음의 경우, 그러나 때때로 여러 음의 경우) 보통 활의 끝에서 연주된다. 트레몰로는 노트 줄기에 세 개의 짧고 비스듬한 선이 표시되어 있다. 트레몰로는 관현악, 특히 낭만주의 음악 시대(1800~1910)와 오페라 음악에서 음향 효과로 자주 사용된다.

음소거 또는 소르디노

바이올린의 다리에 벙어리, 고무, 가죽, 또는 소르디노라고 불리는 작은 금속, 고무, 가죽 또는 나무로 된 장치를 부착하면 더 부드럽고 더 감미로운 음색을 낼 수 있고, 청각적인 오버톤이 적다; 머트로 연주하는 오케스트라 현악 부분 전체의 소리는 조용한 음질을 가지고 있다. 벙어리는 바이올린의 음색과 음색을 모두 바꾼다. 음소거 사용의 전통적인 이탈리아 표식은 '음소거와 함께'를 뜻하는 con sord 또는 con sordino이다. 그리고 '음소거 없이'를 의미하는 senza sord, 또는 '음소거 꺼짐'을 의미하는 sord를 통해서이다.

더 큰 금속, 고무 또는 나무로 된 뮤트가 널리 이용가능하며, 연습 머트 또는 호텔 머트라고 알려져 있다. 이런 뮤트는 일반적으로 연주에는 사용되지 않지만, 호텔방과 같은 연습장소에서는 바이올린 소리를 죽이기 위해 사용된다. (연습용으로는 음소거 바이올린, 사운드 박스가 없는 바이올린도 있다.) 예를 들어, 루치아노 베리오의 세첸차 8세의 독주 바이올린을 위한 연습 뮤트를 사용하는 작곡가들도 있다.

음악 스타일

클래식 음악

바로크 시대 이후 바이올린은 여러 가지 이유로 클래식 음악에서 가장 중요한 악기 중 하나가 되었다. 바이올린의 음색이 다른 악기보다 두드러져 멜로디 라인을 연주하기에 적당하다. 훌륭한 연주자의 손에서 바이올린은 극도로 민첩하며, 빠르고 어려운 음순의 음을 실행할 수 있다.

바이올린은 오케스트라의 큰 부분을 차지하고 있으며, 보통 제1부와 제2부로 알려진 두 부분으로 나뉜다. 작곡가들은 종종 첫 바이올린에 멜로디를 배정하는데, 일반적으로 더 높은 위치를 사용하는 것이 더 어려운 부분이다. 이와는 대조적으로, 두 번째 바이올린은 첫 번째 바이올린보다 한 옥타브 낮은 조화, 반주 패턴 또는 멜로디를 연주한다. 현악 4중주단은 비올라 부분뿐만 아니라 제1바이올린과 제2바이올린을 위한 파트를 가지고 있으며, 첼로나 드물게 더블베이스와 같은 베이스 악기를 가지고 있다.

재즈

바이올린을 독주악기로 사용한 재즈 연주에 대한 최초의 언급은 20세기 초 수십 년 동안 기록되어 있다. 최초의 재즈 바이올린 연주자 중 한 명인 조 베누티는 1920년대 동안 기타리스트 에디 랭과 함께 한 작품으로 유명하다. 그 이후로 스테판 그라펠리, 스터프 스미스, 에디 사우스, 레지나 카터, 조니 프리고, 존 블레이크, 아담 타우빗츠, 레로이 젠킨스, 장 뤼크 폰티 등 즉흥 바이올리니스트가 많이 생겨났다. 주로 재즈 바이올리니스트는 아니지만, 다롤 앵그리와 마크 오코너는 그들의 경력의 상당 부분을 재즈를 연주하는 데 보냈다. 스위스 쿠반 바이올리니스트 옌안 카니자레스(Yilian Caignizares)는 재즈를 쿠바 음악과 섞는다.^[36]

바이올린은 또한 많은 재즈 음반에 관현악 배경을 제공하는 앙상블에도 등장한다.

인도의 고전 음악

인도 바이올린은 서양 음악에서 사용되는 것과 본질적으로 같은 악기지만 어떤 의미에서는 다르다.^[37] The instrument is tuned so that the IV and III strings (G and D on a western-tuned violin) and the II and I (A and E) strings are sa–pa (do–sol) pairs and sound the same but are offset by an octave, resembling common scordatura or fiddle cross-tunings such as G3–D4–G4–D5 or A3–E4–A4–E5. 토닉 사(do)는 고정되어 있지 않고, 보컬이나 리드 플레이어를 수용할 수 있도록 가변적으로 튜닝되어 있다. 음악가가 악기를 잡는 방식은 서양 음악에서 인도 음악까지 다양하다. 인도 음악에서 그 음악가는 오른쪽 발을 앞에 내민 채 다리를 꼬고 바닥에 앉아 있다. 그 악기의 두루마리는 발에 놓여 있다. 이러한 포지션은 인도 음악의 특성상 잘 연주하는 데 필수적이다. 손은 손가락판 전체로 움직일 수 있고 왼손의 위치가 정해져 있지 않기 때문에 바이올린이 흔들리지 않고 꾸준하게 움직이는 것이 중요하다.

대중 음악

적어도 1970년대까지 대부분의 대중음악은 활로 된 현악 부분을 사용했다. 그것들은 1920년대와 1930년대 초에 걸쳐 대중음악에 널리 사용되었다. 그러나 스윙 음악이 부상하면서 1935년부터 1945년까지 현악 사운드는 빅밴드 음악의 충만함을 더하기 위해 자주 사용되었다. 스윙 시대에 이어 1940년대 후반부터 1950년대 중반까지 전통 대중음악에서 현악기가 되살아나기 시작했다. 이러한 경향은 1960년대 후반에 가속화되었으며, 특히 소울 음악에서 현악기 사용이 현저하게 되살아났다. 1960년대 후반과 1970년대의 인기 있는 모타운 음반들은 그들의 트레이드마크 질감의 일부로 끈에 크게 의존했다. 1970년대 디스코 음악의 등장은 인기 있는 디스코 오케스트라(예: 러브 언리미티드 오케스트라, 비두 오케스트라, 몬스터 오케스트라, 살술 오케스트라, MFSB)에서 현악기가 많이 사용되면서 이러한 추세를 이어갔다.^{[citation needed]}

1980년대 전자적으로 창작된 음악이 부상하면서 바이올린 사용이 줄어들었는데, 이는 신시사이저를 가진 키보드 연주자가 연주하는 합성 현악 사운드가 그 자리를 차지했기 때문이다. 그러나, 바이올린은 주류 록 음악에서 거의 사용되지 않았지만, 진보적인 록에서 약간의 역사를 가지고 있다. 1973년 이탈리아 RDM의 앨범 《Constorizione》가 신디사이저에 대항하여 바이올린을 연주한다("라그란데 푸가"^{[citation needed]} 이 악기는 현대 재즈 퓨전 밴드, 특히 The Corrs에서 더 강한 위치를 차지하고 있다. 페어포트 컨벤션과 스틸레예 스판과 같은 예에서 볼 수 있듯이, 이 바이올린 연주곡은 때때로 영국의 포크 록 음악의 일부분이다.^{[citation needed]}

20세기 말엽부터 시작된 크로스오버 음악의 인기는 대중적인 음악 분야로 바이올린을 다시 불러들였고, 전기 바이올린과 어쿠스틱 바이올린은 모두 대중적인 밴드에 의해 사용되었다. 데이브 매튜스 밴드는 바이올리니스트 보이드 틴슬리를 주인공으로 한다. 더 플로스에는 후에 재즈 록 퓨전 밴드인 마하비슈누 오케스트라에 합류한 바이올리니스트 제리 굿맨이 출연했다. 기타리스트이기도 한 제임스의 사울 데이비스는 바이올리니스트로 밴드에 입대했다. 처음 3장의 앨범과 관련 싱글을 위해 영국 그룹 노맨은 밴드 멤버 벤 콜먼(바이올린 전용 연주자)이 연주하는 전기와 어쿠스틱 솔로 바이올린을 폭넓게 활용했다.^{[citation needed]}

팝펑크 밴드 옐로카드가 음악에서 바이올린의 주축을 이뤘다. 바이올리니스트 숀 매킨은 1997년부터 이 밴드의 멤버였다. Los Salvadores 또한 펑크와 스카의 영향을 바이올린과 결합한다.^{[citation needed]} 둠 메탈 밴드 마이 다이닝 브라이드는 많은 앨범에서 바이올린을 라인업의 일부로 사용해 왔다.^{[citation needed]} 바이올린은 스페인 민속 금속 그룹 메고 데 오즈의 음악에서 두드러지게 나타난다(예를 들어, 1998년 히트곡 "몰리노스 데 비엔토"). 바이올리니스트(Carlos Prieto a.k.a "모하메드")는 1992년부터 이 그룹의 가장 인기 있는 멤버 중 한 명이었다.^{[citation needed]} 이 악기는 또한 심포닉 메탈에서도 자주 사용되는데, 트리스타니아, 비극극장 등 고딕 메탈 밴드에서도 찾아볼 수 있지만, 특히 테리온, 나이트위시, 내 유혹, 초췌, 에피카 등의 밴드에 의해 많이 사용된다.^{[citation needed]} 얼터너티브 록 밴드 허트의 보컬은 이 밴드를 위해 바이올린을 연주하는데, 이 밴드는 세션 직원을 고용하지 않고 바이올린을 연주할 수 있는 몇 안 되는 록 밴드 중 하나이다.^{[citation needed]} 민속 금속 밴드 Ithilien은 그들의 음반 목록과 함께 바이올린을 광범위하게 사용한다.^[38] 프로그레시브 메탈 밴드 네오블리스카리스에는 바이올린 연주자인 팀 찰스가 라인업에 참여한다.^[39]

오웬 팔렛, 더 션데스, 앤드류 버드와 같은 독립 예술가들도 이 악기에 대한 관심을 증가시켰다.^[40] 인디 밴드들은 종종 새롭고 특이한 편곡을 받아들여서 많은 주류 음악가들보다 바이올린을 더 자유롭게 연주할 수 있게 했다. 이후 A 진품 Freakshow, 시구르 로스, Zox, Breaked Social Scene, A Silver Mountain. Zion 등의 밴드가 포스트 록 장르로 사용해 왔다. 이 전기 바이올린은 심지어 The Cruxshadows와 같은 밴드들에 의해 키보드 기반 음악의 맥락 안에서 사용되어 왔다.^{[citation needed]} 린지 스털링은 전자/듀브스텝/트랜스 레프트와 비트와 함께 바이올린을 연주한다.^{[41][citation needed]}

에릭 스탠리는 힙합 음악/팝/클래식 요소와 악기 비트로 바이올린을 즉흥 연주한다.^[42][43] 성공적인 인디 록과 바로크 팝 밴드 아케이드 파이어는 바이올린을 그들의 편곡에 광범위하게 사용한다.^[44] 인도, 터키, 아랍의 대중음악은 독주자와 앙상블의 바이올린 소리로 가득하다.^{[citation needed]}

민속음악과 만지작거림

클래식 음악에서 사용되는 많은 다른 악기들처럼, 바이올린은 민속 음악에 사용되었던 먼 조상으로부터 내려온다. 르네상스 후기, 주로 이탈리아에서 집중적으로 발달한 단계에 이어 바이올린은 미술 음악에서 매우 중요한 악기가 되었을 뿐만 아니라 민속 음악가들에게도 매우 호소력이 높은 것으로 증명되어 궁극적으로 매우 널리 퍼져나가며, 때로는 일찍이 절을 했던 내부를 대체하기도 했다.무단 결석 민족학자들은 유럽, 아시아, 아메리카에서 널리 사용되는 것을 관찰했다.

민속악기로 연주할 때 바이올린은 보통 영어로 바이올린(fiddle이라는 용어는 어떤 장르의 음악이든 비공식적으로 사용할 수 있지만)이라고 부른다. 세계적으로 휠피들, 아파치피들 등 다양한 현악기들이 있는데 이를 '피들'이라고도 부른다. 바이올린 음악은 일반적으로 곡조가 댄스음악으로 간주된다는 점에서 고전음악과 다른 점이 있으며,^[45] 특정 스타일에 특정한 드로닝, 셔플링, 장식 등 다양한 기법이 사용된다. 민요의 많은 전통에서, 이 곡조는 작사가 아니라, 다음 세대의 음악가들에 의해 암기되어 구전 전통이라고 알려진 것으로 전해진다^[45]. 많은 옛날 작품들은 표준 GDA 이외의 다른 곡들을 사용하거나 교차 튜닝을 요구한다. 미국식 민속 만지작거림(블루그래스 또는 구식)의 일부 플레이어는 브릿지의 상단 모서리를 약간 평평한 곡선으로 절단하여 서로 다른 현악 쌍의 더블 스톱을 교대하는 데 필요한 동작의 범위를 줄이기 때문에 활팔에 "이중 셔플"과 같은 기법을 덜 적용시킨다. 솔리드 스틸 코어 스트링을 사용하는 피들러는 많은 클래식 플레이어가 사용하는 E 스트링의 단일 미세 튜너 대신 4개의 스트링 모두에 미세 튜너가 있는 테일피스를 사용하는 것을 선호할 수 있다.

아랍 음악

아라비아 라바바뿐만 아니라, 바이올린은 아랍 음악에 사용되어 왔다.

전기 바이올린

전기 바이올린에는 자석이나 압전 픽업이 있어 스트링 진동을 전기 신호로 변환한다. 패치 케이블이나 무선 송신기는 신호를 PA 시스템의 증폭기로 보낸다. 전기 바이올린들은 보통 그렇게 만들어지지만, 픽업은 전통적인 어쿠스틱 바이올린에 추가될 수 있다. 전기적 요소와는 별개로 청취 수준의 소리를 내는 공명체를 가진 전기 바이올린을 전자음향 바이올린이라고 할 수 있다. 어쿠스틱 바이올린으로서 효과적이기 위해, 전자음향 바이올린은 바이올린의 공명하는 몸의 상당 부분을 간직하고 있으며, 종종 어쿠스틱 바이올린이나 바이올린과 닮았다. 신체는 밝은 색상으로 마감될 수 있으며 대체 재료에서 나무로 만들어질 수 있다. 이러한 바이올린은 계기 증폭기 또는 PA 시스템에 연결해야 할 수 있다. 어떤 종류는 플레이어가 바이올린에 연결된 헤드폰을 사용할 수 있도록 하는 무성 옵션과 함께 제공된다. 특별히 제작된 최초의 전기 바이올린은 1928년으로 거슬러 올라가며 빅터 프필, 오스카 비얼링, 조지 아이젠버그, 벤자민 미스너, 조지 보샹, 휴고 베니오프, 프레드레이 키슬링베리에 의해 만들어졌다. 이 바이올린들은 왜곡, 와-와-와-페달, 리턴을 포함한 전기 기타처럼 효과 유닛에 연결될 수 있다. 전기 바이올린들은 그들의 소리를 증폭시키기 위해 끈 장력과 공명에 의존하지 않기 때문에 그들은 더 많은 줄을 가질 수 있다. 예를 들어, 5현 전기 바이올린은 여러 제조사에서 구할 수 있으며, 7현 전기 바이올린(첼로의 범위를 포괄하는 3개의 낮은 현이 있음)도 이용할 수 있다.^[46] 최초의 전기 바이올린 연주자의 대다수는 재즈 퓨전(예: 장 뤼크 폰티)과 대중음악을 연주하는 음악가였다.

바이올린 인증

바이올린 인증은 바이올린의 제조자와 제조일을 결정하는 과정이다. 이 과정은 미술 작품의 증명력을 결정하는 데 사용되는 과정과 유사하다. 이것은 특정 제조자가 만든 바이올린이나 특정 시간과 장소에 중요한 가치가 부착될 수 있기 때문에 중요한 과정이 될 수 있다. 위조 및 기타 사기성 오보 방법을 사용하여 계측기 값을 부풀릴 수 있다.

참고 항목

메모들

참조

참고 문헌 목록

추가 읽기

• Lalitha, Muthuswamy (2004). Violin techniques in Western and South Indian classical music: a comparative study. Sundeep Prakashan. ISBN 9788175741515. OCLC 57671835.
• 쇤바움, 다윗, 바이올린: 세계에서 가장 다재다능한 악기의 사회사, 뉴욕: W.W. Norton & Company, 2012년 12월. ISBN 9780393084405.
• 템플턴, 데이비드, 프레쉬 프린스: 조슈아 벨은 작문, 하이퍼바이올린, 그리고 미래, 스트링스 잡지, 2002년 10월, 105호.
• 영, 다이애나. 바이올린 활공법의 측정을 통한 현악기 성능조사 방법론 박사 논문. 2007년 M.I.T.

외부 링크

• 바이올린: 바이올린을 선택하는 방법, 바이올린의 증명력과 가치
• Harrison, Robert William Frederick (1911). "Violin" . Encyclopædia Britannica. 28 (11th ed.). pp. 102–107.
• 바이올린 계열의 초기 역사 연구(Carl Engel, 1883년) - (인증 필요)
• 바이올린 연주의 새로운 역사: 비브라토와 램버트 마사트의 혁명적 발견 (Zdenko Silvela 2001)