스윙 시대

Swing era

1933년부터 1947년까지 10대 청소년들과 젊은이들이 재즈 지향적인 밴드들에 춤을 추던 시절이 있었다. 재즈 오케스트라가 팝 차트를 장악했을 때 그리고 영향력 있는 클라리넷 연주자들이 유명할 때. 이때는 스윙 시대였다.

Scott Yanow, Du Noyer, Paul (2003). The Illustrated Encyclopedia of Music (1st ed.). Fulham, London: Flame Tree Publishing. p. 128. ISBN 1-904041-96-5.

스윙 시대(빅밴드 시대라고도 한다)는 빅밴드 스윙 음악이 미국에서 가장 인기 있는 음악이었던 시기(1933~1947)이다. Though this was its most popular period, the music had actually been around since the late 1920s and early 1930s, being played by black bands led by such artists as Duke Ellington, Jimmie Lunceford, Bennie Moten, Cab Calloway, Earl Hines, and Fletcher Henderson, and white bands from the 1920s led by the likes of Jean Goldkette, Russ Morgan and Ish존스다. 이 시대의 초기의 이정표는 1935년 8월 21일 로스앤젤레스 팔로마 볼룸에서 열린 '스윙의 왕' 베니 굿맨의 공연에서 비롯되어 이 음악을 다른 나라에도 가져다 주었다.[1] The 1930s also became the era of other great soloists: the tenor saxophonists Coleman Hawkins, Ben Webster and Lester Young; the alto saxophonists Benny Carter and Johnny Hodges; the drummers Chick Webb, Gene Krupa, Jo Jones and Sid Catlett; the pianists Fats Waller and Teddy Wilson; the trumpeters Louis Armstrong, Roy Eldridge, Bunny Berigan, an렉스 스튜어트.[2]

댄스 오케스트라와 재즈 음악의 발전은 1930년대 초 스윙 음악으로 절정을 이루었다. 그것은 루이 암스트롱, 얼 하인스, 플레처 헨더슨, 듀크 엘링턴, 그리고 장 골드켓에서 유래한 결실을 맺었다. 또한 할렘 중심의 풍미를 가진 친숙한 상업적이고 인기 있는 소재를 빠르게 만들어 백인 음악/상업 관객들을 위해 화이트 밴드를 통해 판매함으로써 스윙시대를 앞당겼다.[3] 베니 굿맨의 밴드에서는 굿맨을 위해 편곡한 플레처 헨더슨이 개발한 앙상블 스타일과 캔자스 시티의 리프 테크닉, 그리고 많은 백인 뮤지션들의 정밀함과 훈련 등 가장 다양한 스타일이 함께 흘러나왔다. 반면 굿맨 밴드의 손쉬운 멜로디 퀄리티와 깔끔한 억양이 재즈를 대중에게 '판매'할 수 있게 만들었다.[4]

스윙 시대는 1938년까지 스윙 음악 루이 암스트롱, 빌리 홀리데이, 그리고 엘라 피츠제럴드에 이르렀다. 1920년대 작은 밴드와 더 큰 밴드와 함께 활동할 때 가장 위대한 솔리스트로서 재즈에 큰 영향을 주었던 암스트롱은 지금은 큰 스윙 밴드만 등장하였다. 이 시기에 봉기한 음악가로는 지미 도시, 동생 토미 도시, 글렌 밀러, 백작 베이시, 굿맨의 미래 라이벌 아티 쇼, 1936년 이셈 존스 밴드를 떠나 자신만의 밴드를 시작한 우디 허먼 등이 있다. 1942년 8월부터 1944년 11월까지의 1942년–44년 음악가들의 파업(대부분의 재즈 뮤지션들이 소속되어 있는 조합은 라디오에서 그들의 음악이 연주될 때마다 음반회사들이 돈을 지불하기로 합의할 때까지 회원들에게 녹음하지 말라고 했다), 일찍이 라디오 방송국으로부터 ASCAP 노래의 금지, 세계 대전 등 몇 가지 요인이 스윙 시대의 종말을 가져왔다.밴드들의 왕래가 어려워진 Ⅱ는 최고 30%까지 올랐던 '담배세'[3]와 함께 성악가 중심의 팝과 R&B가 대중음악의 지배적 형태로서 부상했고, 재즈 뮤지션들의 비밥에 대한 관심도 높아졌다. 1940년대 후반까지 일부 대형 밴드들이 살아남았지만(듀크 엘링턴, 백작 베이시, 스탠 켄턴, 보이드 래번, 우디 허먼) 경쟁자들은 대부분 해산할 수밖에 없어 스윙시대를 마감했다. 빅밴드 재즈는 1950년대 중반부터 부활을 경험하겠지만 스윙 시대와 같은 인기를 결코 얻을 수 없을 것이다.

음악적 요소

주요 기사: 스윙(재즈 퍼포먼스 스타일)

비트

1920년대에는 오래된 2비트 스타일의 재즈가 4비트 재즈로 대체되었고, 수사폰이 스트링 베이스로 대체되었다. 4박자 리듬은 루이 암스트롱과 얼 하인즈가 개발한 시카고 스타일 재즈와 스윙 시대 리듬 스타일의 기초였다. 리듬의 변화는 처음에는 솔로 피아니스트와 작은 앙상블에서 시작되었고, 그 후 10년 말경에는 더 큰 앙상블에서 시작되었다. 20년대 말에 투비트 스타일은 거의 지칠 대로 지쳐 보였다. 처음에는 시카고에서, 다음에는 할렘과 캔자스 시티에서, 1928년에서 29년 사이에 새로운 경기 방식이 개발되었다. 할렘으로 이주하는 시카고 음악가들은 그들의 리듬감 있는 아이디어를 가지고 왔다. 재즈에서도 흔히 그렇듯이, 이 일반적인 윤곽에는 혼란스러운 예외가 있다. 스윙 시대가 한창이던 짐미 룬체포드의 빅밴드는 2/4와 4/4가 동시에 나오는 비트를 채용했다.[4] 밥 크로스비 오케스트라와 리오넬 햄프턴 오케스트라 역시 4박자 리듬이 표준이 된 후 긴 2박자 리듬을 선보였다.

리듬 섹션

1935년 5월, 국내 최고 기록은 짐미 룬체포드의 "리듬은 우리의 사업"이었다. 베니 굿맨이 스윙으로 알려진 전국적인 열풍을 일으키기 몇 달 전에 발표된 이 노래는 다가오는 홍수의 전조를 보여주었다. "리듬은 우리의 사업이다/ 리듬은 우리가 파는 것이다"라고 Lunceford의 가수는 다음과 같이 선언했다. "리듬은 우리 사업이다 / 사업은 확실히 잘 된다."[7] 리듬이 스윙 밴드를 정의했다면 그 기초는 피아노, 기타, 베이스, 드럼 등 리듬 섹션에 놓여 있었다.

큰 밴드에서는 리듬 섹션이 통일된 리듬 전선으로 융합되어 박자를 공급하고 하모니를 표시했다. 각 선두 밴드들은 특유의 스타일을 보완하는 뚜렷하고 잘 설계된 리듬 공격을 선보였다. 예를 들어 엘링턴, 베이시, 룬스포드의 리듬 섹션은 전혀 다른 소리가 나지 않았다. 솔로 주자들이 빅밴드 제약에 쪼들리는 것처럼 리듬 플레이어들은 평소 받은 것보다 더 많은 관심을 요구하는 기술과 아이디어를 개발하고 있었다. 1930년대에 리듬 악기는 재즈의 전경을 향해 극적인 진보를 했다. 그 과정에서 그들은 비밥의 발판을 마련하는데 도움을 주었다. 1939년, 듀크 엘링턴은 젊은 베이시스트 지미 블랜턴을 발견하고 그의 오케스트라에 그를 고용했다. 블랜턴은 1941년 말 말 말기 결핵으로 비극적으로 밴드를 탈퇴할 때까지 밴드의 특징적인 악기로 베이스에 혁명을 일으켰다.

1930년대 말에 이르러서는 백작 베이시 오케스트라의 영향으로 리듬 부분에서 피아노, 베이스, 드럼 등의 역할이 크게 바뀌었다. 초기의 스윙 드럼은 베이스와 올무 드럼에 크게 의존했으며, 타임키핑에서 높은 모자 심벌의 2차 역할도 맡았다. 조 존스는 그 관계를 뒤집어서 하이모자를 1차 타임키퍼로 만들고 악센트나 납치에 베이스와 올가미 드럼을 사용했다. 베이시는 악센트, 리드인, 충만함을 강조하는 리듬감 있게 희박한 스타일의 피아노 연주를 선보였다. 이 두 가지 변화 모두 시간 계측에서 베이스와 기타의 중요성을 증가시켰는데, 이는 월터 페이지와 프레디 그린에 의해 잘 유지되고 있다. 바시 리듬 섹션에 의해 표현된 더 가볍고 날카롭지만, 더 역동적인 리듬감은 밴드의 솔로 연주자들에게 더 많은 자유를 주었고 비밥의 리듬 사상으로 절정에 이를 트렌드를 설정했다.

계기

밴드가 새로운 홈에 적응할 수 있도록, 리듬 부분에서 주요한 변화가 이루어졌다. 베이스 드럼이 암석처럼 단단한 4박자 맥을 계속 연주하는 동안 1920년대의 대형 댄스 밴드에서 흔히 사용되는 튜바는 현악 베이스로 대체되었다. 녹음 초창기 동안 투바는 맑고 씩씩한 소리를 투영할 수 있었다. 그러나 스트링 베이스는 그것과 함께 사용할 수 있는 리듬 장치 위에 튜바를 대체하고 있었고 듀크 엘링턴의 밴드를 가진 웰먼 브라드를 포함한 많은 플레이어들은 스트링에 피치카토 "슬랩" (절대보다 구부러진)이 주어졌을 때 그 악기가 특별한 퍼커티브 향기를 가지고 있다는 것을 보여주었다. 변화는 1920년대 후반에 점차적으로 나타났는데, 한때 현악 베이스가 얼마나 잘 작동하는지 소문이 돌았다; 많은 튜바 플레이어들은 악기를 바꾸거나 직장을 잃는 것이 낫다는 것을 깨달았다. 베니 모튼의 캔자스 시티 오케스트라에서 월터 페이지의 베이스가 튜바를 대체하면서, 밴드가 베이시 백작의 지휘 아래 보여줄 스윙의 운동 스타일을 개발할 수 있는 길이 열렸다.

시끄럽고 요란한 음색을 지닌 밴조는 기타로 대체되어 파운데이션 리듬에서 더욱 섬세하고 안전한 맥동(chunk-chunk)을 선사했다. 속담에 있듯이, 기타는 듣는 것보다 더 많이 느껴졌다. 청취자들은 동굴 같은 댄스홀을 밀어내는 음력으로 베이스, 기타, 드럼의 결합음을 느꼈다. "만약 당신이 1층에 있었고, 댄스 홀이 위층에 있었다면, 바시 백작은 "그 중간 템포의 그 꾸준한 쿵쿵, 쿵쿵, 쿵쿵, 쿵쿵, 쿵쿵, 쿵쿵, 쿵쿵, 쿵쾅쿵쾅"이라고 기억했다.

재즈 역사에 관한 해설가들에 의해 자주 언급되었듯이, 스윙 시대는 여러 면에서 색소폰이 트럼펫을 대체하는 것을 지배적인 재즈 솔로 악기로 보았다. 스윙 편곡은 종종 멜로디를 전달하기 위해 리드 부분을 강조했고 트럼펫은 억양과 하이라이트를 제공한다. 이러한 이유로 30년대에 단독 즉흥 연주의 유형은 극적으로 바뀔 것이다. 트럼펫터 로이 엘드리지가 암스트롱이 더 흔하게 영향을 미치는 스타일에서 벗어나 리드 플레이어와 유사한 즉흥적인 스타일을 지향했고, 결국 비밥 트럼펫의 선구자 디지 길레스피에게 초기 영향을 미칠 것이다. 콜맨 호킨스와 베니 카터는 색소폰을 재즈악기로 조기 수용하는 장벽을 깼지만, 1927년 빅스 비더베케와 함께 한 녹음에서 선보인 C 멜로디 색소폰에 프랭키 트럼바워의 스타일이었는데, 이는 색소폰 연주 스타일이 솔로 스타일링에 큰 영향을 미칠 수 있는 기반이 되었다.es.[5] 색소폰 연주에 대한 영향력이 1930년대 말에 지배적이 된 레스터 영은 트럼바우어의 즉흥 연주에 대한 선형적이고 멜로디적인 접근을 자신의 스타일에 대한 주요 영감으로 꼽았다.

1927년 플레처 헨더슨 관현악단은 트럼펫 2개, 트롬본 2개, 갈대 3개, 피아노 3개, 밴조, 튜바, 드럼 등으로 구성되었다. 1935년 굿맨 밴드는 일찍이 헨더슨이 11곡이었던 것에 비해 트럼펫 3곡, 트롬본 2곡, 리더의 클라리넷, 알토 색소폰 2곡, 테너 색소폰 2곡, 피아노, 기타, 베이스, 드럼 등이 모두 14곡이었다. 피아노 기타-바스 드럼 리듬 섹션은 표준이 되어 매우 따라 하기 쉬운 꾸준하고 정돈되지 않은 비트를 유지했다. 굿맨은 거친 "킬러 딜러"와 느린 발라드를 번갈아 가며 곡마다 완벽한 댄스 템포를 설정하는 데 꽤 능숙했다.[6] 굿맨은 헨더슨과 동생 호레이스 외에도 플렛처 헨더슨, 지미 먼디, 디안 킨카이드, 에드가 샘슨, 스퍼드 머피 등 최고의 편곡자들을 고용해 선율을 우선시하면서도 리드미컬한 인물을 차트에 포함시키고 논리적으로 클라이맥스에 맞춘 편곡을 작성했다. 먼디와 샘슨은 각각 얼 하인즈와 칙 웹을 위한 준비를 이미 끝냈다. 1935년에 굿맨은 그의 밴드에 많은 주요 솔로이스트를 두지 않았다. 독특한 개인주의자들을 고용하기 위해 길을 떠난 듀크 엘링턴이나 솔로이스트를 강조하는 캔자스시티 전통에서 온 베이시 백작과 달리 굿맨은 자신의 음악가들이 완벽하게 음악을 읽고 자연스럽게 어우러지며 리더에게 복종하는 것을 가장 신경 쓰지 않았다. 앙상블의 소리, 흔들리는 리듬 섹션, 리더의 유창한 클라리넷으로 젊고 열성적인 청취자들이 거부할 수 없는 존재임이 입증된 것이었다.

정리하기

새로운 그루브에 맞추기 위해, 댄스밴드 배열은 더욱 창의적이 되었다. 이는 1930년대까지 독주자와 편곡자들에 의해 리듬이 계속 흡수된 루이 암스트롱의 뒤늦은 영향이었다. 편곡자들은 솔리라고 불리는 블록 화음으로 조화된 전체 부분에 대해 정교한 선을 작성하는 법을 배웠다. 그들은 색채(복잡한) 조화에 정통했고, 그들의 유연한 오케스트라를 최대한 활용하는 방법을 알고 있었다.

또한 구두 연습으로 인해 자연스럽게 합의가 이루어질 수 있다. 그러나 밴드가 음악적 소양을 자랑하던 뉴욕에서도 음악가들은 즉흥적인 리프를 들고 즉석에서 조화를 이룰 수 있었다. 헤드 배열로 알려진 그 결과는 밴드 전체가 만든 유연하고 쓰이지 않은 배열이었다. 한 음악가는 그것을 "많은 아이들이 진흙 속에서 놀고, 큰 시간을 보낸다"는 어린이들의 연극에 비유했다.

두 가지 종류의 배열은 모두 필처 헨더슨이 1930년대에 만든 수백 개의 녹음에서 들을 수 있었다. 화려한 작품이라면 헨더슨은 동생 호레이스부터 돈 레드만, 베니 카터까지 노련한 편곡가들에게 의존했다. 그러나 그의 가장 큰 히트곡은 밴드 스탠드에서 나왔다. 하나는 1920년대 초반 올리버 킹의 곡조 "디퍼머스 블루스"에서 파생된 "슈거 풋 스텀프"로, 여전히 레퍼토리 안에 있다. 1930년대에 이르러서는 무용수들의 취향에 맞게 빠른 템포로 완전히 최신식 댄스곡으로 진화했다. 또 다른 히트작으로는 "King Porter Stormp"이 있는데,[7] Jelly Roll Morton의 래그타임 곡으로 극적으로 단순화되었으며, 2박자의 서투름과 행군/래그타임 형식을 그대로 벗어났다. 이 곡들 중 많은 곡들은 결국 헨더슨이 작곡한 것인데, 헨더슨은 그의 밴드의 수석 악장이 되었다. 리듬감 있는 스윙과 멜로디 단순함에 대한 그의 천재성은 그의 음악이 수많은 스윙 주선자들의 기준이 될 정도로 효과적이었다. 헨더슨은 짧고 기억에 남는 리프(단순하고 블루스한 문구)를 호출과 응답에서 좋아했다. 예를 들어 나팔에 반응하는 색소폰. 일부 구절에서 그는 선율을 기발한 새로운 리듬 모양으로 왜곡시켰는데, 리듬 섹션의 공간을 열어주는 스타카토(디테일한) 버스트(detachato) 버스트(burst)로 자주 등장한다. 헨더슨은 약삭빠르고 능률적이었다. 그는 오직 몇 개의 선택적인 합창만을 썼고, 나머지 배열은 신중하고 오랫동안 간직해 온 화음이나 짧은 리프를 동반한 솔로를 위해 열려 있었다. 각 곡이 절정을 향해 향하자 밴드는 황홀한 울부짖음으로 터져 나왔다.

스윙시대의 노래

그네 시대는 많은 고전적인 음반들을 생산했다. 그 중 일부는 다음과 같다.

참조

  1. ^ Parker, Jeff. "Jazz History Part II". www.swingmusic.net.
  2. ^ 베렌트, 요아힘 "스윙 – 1930" The Jazz Book, 16. St Albans: Paladin, 1976.
  3. ^ Jarenwattananon, Patrick (16 April 2013). "How Taxes And Moving Changed The Sound Of Jazz". NPR. Retrieved 29 August 2020.
  4. ^ 베렌트, 요아힘 "스윙 – 1930" 재즈 북에서 15-16. 성 알반스: 팔라딘, 1976년.
  5. ^ 올리판트, 데이브 "빅밴드 스윙의 탄생과 선구자" 얼리 스윙 시대에는 32-38. 웨스트포트: 그린우드 프레스, 2002.
  6. ^ 베렌트, 요아힘 "스윙 – 1930" The Jazz Book에서 58-61. 성 알반스: 팔라딘, 1976년.
  7. ^ 기딘스, 게리, 스콧 드보. "스윙 시대." 재즈에서는 174-77. 뉴욕: W.W. Norton, 2009.