반데시네

Bande dessinée
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반데스 데시네(Bandes dessinée, 글자 그대로 '뽑힌 스트립')는 보통 프랑스어로 된 만화이며, 프랑스와 벨기에에서 독자층을 위해 만들어졌습니다. 이 나라들은 영어 만화와는 별개로 만화에서 오랜 전통을 가지고 있습니다. 벨기에는 대부분 이중언어 국가이며, 원래 네덜란드어로 된 만화(stripverhalen, 문자 그대로 "strip story" 또는 간단히 "strip")는 프랑스어에서 네덜란드어로의 번역이 다른 방향을 훨씬 능가하더라도 문화적으로 데시네의 세계의 일부입니다.

가장 인기 있는 밴드 중 데시네는 틴틴의 모험 (에르제의), 스피루와 판타시오 (프랑킨 외), 가스통 라가페 (프랑킨 외), 아스테릭스 (고시니와 언더조), 럭키 루크 (모리스와 고시니), 스머프 (페요), 스파이크와 수지 (윌리 밴더스틴)가 있습니다. 사실적으로 그려지고 묘사된 몇몇 악단 데시네는 블루베리(Charlier & Giraud, 일명 "뫼비우스"), 토르갈(Van Hamme & Rosi ń스키), 13세(Van Hamme & Vance), 그리고 헤르만의 창작물을 포함합니다. 그것은 3대 만화책 시장 중 하나이며, 나머지 두 곳은 미국 만화책과 일본 만화입니다.

닿다

유럽에서 프랑스어는 프랑스와 모나코라는 도시 국가뿐만 아니라 벨기에, 룩셈부르크, 스위스 인구의 상당 부분에서 모국어로 사용됩니다.[1][2] 공유 언어는 종종 국가 정체성이 흐려지는 예술적이고 상업적인 시장을 만들고 "프랑코-벨기에 만화" 표현 자체의 개념에 대한 주요한 이유 중 하나입니다. 프랑스어 만화의 잠재적 매력은 프랑코폰 유럽을 넘어 확장되는데, 특히 프랑스는 여러 프랑코폰 해외 영토와 강력한 역사적, 문화적 유대를 가지고 있기 때문입니다. 이러한 영토 중 프랑코-벨기에 만화가 가장 잘 나가는 곳은 캐나다 퀘벡이며, 이는 유럽 이외의 지역에서 가장 많은 만화 독서 프랑코폰 인구를 가지고 있다는 사실 외에도 식민지화로부터 프랑스와 밀접한 역사적, 문화적 관계를 맺고 있으며, 이 과정에서 토착 퀘벡 만화계에 큰 영향을 미쳤기 때문입니다. 이것은 문화적으로 미국 만화 중심의 영어권과 극명한 대조를 이룹니다.

플랑드르 벨기에 만화책(원작 네덜란드어)은 프랑코폰 만화의 영향을 받은 반면, 특히 초기에는 예술적으로나 정신적으로 확연히 다른 스타일로 진화했기 때문에 오늘날에는 플랑드르 만화로 하위 분류됩니다. 그들의 진화가 1940년대 후반부터 다른 길을 걷기 시작하면서, 플랑드르 사람들의 증가하는 문화적 자기 인식에서 비롯된 문화적 차이로 인해. 그리고 프랑스어 출판물은 습관적으로 네덜란드어로 번역되지만, 플랑드르 출판물은 문화적인 이유로 덜 일반적으로 프랑스어로 번역됩니다. 마찬가지로, 언어가 공유되었음에도 불구하고, 네덜란드에서는 플랑드르 만화가 잘 되지 않으며, 국경을 넘어 인기 있는 윌리 밴더스틴 창작물 서스킨 위스크 (스파이크와 수지)와 같은 몇 가지 주목할 만한 예외를 제외하고는 그 반대입니다. 동시에, 많은 플랑드르 만화들에 포함된 사회 문화적 특이성은 또한 이 만화들이 프랑스어로 된 만화들보다 훨씬 더 보편적인 매력과 프랑스어의 문화적 지위로 인해 다른 언어로 번역되는 것을 훨씬 덜 보았다는 것을 의미합니다.

벨기에는 독일어를 사용하는 벨기에 공동체가 있기 때문에 공식적으로 3개 국어를 사용하는 국가입니다. 벨기에 만화 홈 시장의 첫 번째 인쇄물은 네덜란드어든 프랑스어든 거의 해당 언어로 번역되지 않으며, 독일어를 사용하는 벨기에인들은 모국어로 읽기 위해 국제적으로 발매된 판본을 기다려야 합니다. 일반적으로 이웃 독일에서 유래한 라이선스 출판사의 판본입니다. 네덜란드어와 독일어는 둘 다 게르만어이지만, 독일어를 사용하는 벨기에 공동체는 왈룬 지역의 영토 내에 위치해 있기 때문에 프랑스어가 이 지역에서 가장 많이 활용되고 있으며 헤르만과 디디에 코메스 같은 소수의 만화가들이 프랑스어로 만화를 창작하도록 만들었습니다. 디터 헤르만 코메스(Dieter Hermann Comès)라는 이름으로 태어난 코메스는 실제로 이를 위해 자신의 이름을 프랑스어화한 반면, 헤르만은 자신의 이름에 대한 게르만 철자를 유지했지만 만화 크레딧을 위해 자신의 (독일어) 성 "후펜(Huppen)"을 분배했습니다. 규모와 범위 모두에서 상대적인 겸손함 때문에, 그리고 긴밀한 역사적, 문화적 유대에도 불구하고, 그들의 오리지널 프랑코폰 창작물의 상업적 번역을 할인할 때 독일 만화계를 위해 특별히 만화를 만든 것으로 알려진 독일-벨기에 예술가는 2018년 현재 없습니다.

이와 유사한 상황은 여러 지역 언어를 사용하는 프랑스에도 존재하며, 그 중 브레튼어와 옥시탄어가 더 실질적인 두 언어 중 하나입니다. 그러나 이 언어들은 문화적으로 지역 언어로 인식되지만 독일어와 관련하여 벨기에와는 반대로 공식적인 국가 언어는 아니며 만화와 예술가들에게 벨기에와 유사한 결과를 가져옵니다. 토종 만화는 메인 만화 출판사들에 의해 이러한 언어로 출시되는 경우는 거의 없지만, 이 지역 출신의 예술가들은 메인 시장에 상업적으로 접근하기 위해 강요된 독일-벨기에의 예술가들처럼 항상 프랑스어로 만화를 만듭니다. 따라서 프랑스의 독일어를 사용하는 소수민족들의 상황은 만화와 관련된 문제에 있어서 북부 이웃 벨기에의 더 큰 상황과 같습니다.

어휘

bandes dessinées라는 용어는 예술 형식을 "그려진 스트립"으로 원래 설명한 것에서 비롯되었습니다. 1930년대에 처음 소개되었지만, 1960년대에 들어서야 대중화되었으며, 그 무렵에는 BD라는 약어가 책 또는 음반 출판물(아래 참조)에도 사용되었습니다.[3]

반데스 데시네는 프랑코폰 학문의 매체(le neuvième art)에서 "9번째 예술"로 묘사되었습니다. "9번째 예술"이라는 명칭은 1964년 클로드 베이리(Claude Beylie)가 잡지 레트레 에 메데킨스(Lettres et Medecins)에 기고한 기사에서 비롯되었으며,[4] 이후 1964년부터 1967년까지 스피루 잡지에 매주 연재된 만화의 역사에 관한 기사 시리즈에서 대중화되었습니다. 벨기에 모리스(Belgian Morris)가 아래에 언급된 프랑스인 클로드 몰리테니(Claude Moliterni[fr])의 편집 의견으로 쓴 이 기사 시리즈는 그 자체로 프랑스-벨기에 만화 프로젝트의 한 예였습니다.[5][6] 1971년 프란시스 라카신(Francis Lacassin)의 책 "Pour un neuvième art: la bande dessinée"가 출판되면서 이 용어가 더욱 확립되었습니다.

북미에서, 프랑코-벨기에 만화는 종종 그래픽 노블이라고 알려진 것과 동등하게 여겨집니다. 아마도 그것들이 미국의 32페이지 만화책 표준에서 벗어난 결과일 것입니다.[7] 최근 수십 년 동안 영어 "그래픽 소설"이라는 표현은 유럽에서도 윌 아이스너와 아트 슈피겔만의 작품을 계기로 점점 더 많이 채택되고 있지만, 젊은 독자층이나 일반 독자층을 위한 만화와 성숙한 내용을 특징으로 할 가능성이 높은 출판물을 차별하려는 구체적인 의도로, 문학적인 소재나 실험적인 스타일.[8] 그 결과, 유럽의 만화학자들은 (그 주제를 위해) 장 클로드 포레스트의 1962년 바르바렐라 만화와 특히 휴고 프랫의 1967년 첫 코르토 몰타 모험 우나발라타 델 마레 살라토 (예술과 이야기 양식 모두를 위해)를 소급하여 확인했습니다. 이 만화는 유럽 최초의 "그래픽 소설"로 간주됩니다.

역사

프랑스 만화 레 피에스 니켈레 (1954년 책 표지): 20세기 초 현대 프랑스-벨기에 만화의 선구자

19세기 동안 유럽에는 만화를 그리는 예술가들이 많았는데, 때로는 순차적인 다중 패널 내레이션을 사용하기도 했습니다. 비록 대부분 오늘날 일반적으로 사용되는 스피치 풍선보다는 패널 아래에 명확한 캡션과 대화를 배치했습니다.[9] 이것들은 한 페이지보다 긴 경우가 거의 없는 유머러스한 짧은 작품들이었습니다. 프랑코포니에는 구스타브 도레, 나다르, 크리스토프, 까르당 아체 등의 예술가들이 이 매체에 참여하기 시작했습니다.

1900년대 초 ~ 1929년: 전구체

20세기 초, 만화는 독립적인 출판물이 아니라, 신문과 주간지 또는 월간지에 에피소드나 개그로 출판되었습니다. 이 잡지들 외에도, 당시 강력하고 영향력 있는 프랑스 가톨릭 교회는 "건강하고 올바른" 잡지를 만들고 [10][11][12]배포하고 있었습니다. 1900년대 초, 최초의 인기 있는 프랑스 만화가 등장했습니다. 가장 유명한 두 만화는 Bécassine과 Les Pieds Nickelés입니다.[13][14][15][16][17][18]

1920년대, 1차 세계대전이 끝난 후, 프랑스 예술가 알랭 생 오간은 전문 만화가로 시작하여 1925년에 성공적인 지제 푸체 시리즈를 만들었습니다. Saint-Ogan은 비록 텍스트 코믹 형식이 프랑스의 교육자들에 의해 전파되어 앞으로 20~30년 동안 프랑스에서 우세한 토착 형식으로 남아있을지라도 스피치 풍선과 같은 미국에서 대중화되고 공식화된 기술을 완전히 활용한 최초의 프랑스어 사용 예술가 중 한 명이었습니다.[19][20][21][22] 1920년, 벨기에의 애버보드 수도원장은 삽화가 거의 없는 주로 텍스트로 구성된 잡지인 Zonneland를 출판하기 시작했고, 그 후 몇 년 동안 만화를 더 자주 인쇄하기 시작했습니다.

비록 Les Pieds Nickelés, Bécassine, Ziget Puce가 전쟁에서 조금 더 오래 살아남았고, 세 가지 경우 모두 현대화되었고, 그들 모두는 원작 창작자들 이외의 예술가들에 의해 계속되었습니다(가장 주목할 만한 것은 1960년대 후반의 벨기에 그렉).[23] 그들 중 어느 누구도 프랑스 밖에서 독자층을 찾지 못했고, 결과적으로 그들의 모국에서만 기억됩니다.

1929-1940: 현대 프랑스-벨기에 만화의 탄생

가장 초기의 제대로 된 벨기에 만화들 중 하나는 1929년 르 쁘띠 빙티엠에서 출판된 에르게의 '소련의 땅 틴틴의 모험'입니다. 그것은 후대의 이야기들과 비교했을 때 매우 순진하고 단순하고 심지어 유치한 스타일인 틴틴의 미래 버전과는 상당히 달랐습니다. 초기 틴틴 이야기는 종종 인종차별적이고 정치적인 고정관념을 특징으로 했는데, 이는 전쟁 이후 논란을 일으켰고, 에르게는 나중에 후회했습니다. 틴틴의 초기 대성공 이후, 이 잡지는 그들이 잡지에 각각의 강좌를 운영한 직후에, 벨기에 만화계에 새로운 것을 소개하는 과정에서, 그 이야기들을 하드커버 책 형식으로도 공개하기로 결정했습니다. 1930년 틴티나우 페이즈 데 소비에트 타이틀은 일반적으로 첫 번째 타이틀로 여겨집니다. 비록 프랑스 출판사 하셰트(Hachette)의 세 개의 유사한 지제 푸스 타이틀이 있지만, 틴틴 타이틀보다 1~2년 앞선 것으로 알려져 있지만, 프랑스 이외의 지역에서는 관객을 찾지 못했습니다.[24] 이 잡지는 1934년까지 그 후 3개의 이야기를 계속해 왔으며, 그 때까지 책 출판사로서 특별히 적합하지 않은 잡지가 그 이후 틴틴 앨범 출판사를 맡고 있는 벨기에의 전문 책 출판사 캐스터만에게 앨범 출판을 맡겼습니다.

초기 이야기에 대한 비판에도 불구하고 그리고 형식이 아직 갈 길이 멀었지만 틴틴은 현재 이해되는 현대 프랑코-벨기에 만화의 출발점이자 원형으로 널리 여겨지고 있습니다. 그리고 1960년대 이후 이 주제에 대해 쓰여진 대다수의 논문과 참고 문헌에서 잘 나타나 있으며, 최초로 원산지 이외의 지역에서 독자층을 발견했습니다. 이와 같이 틴틴 시리즈는 프랑스-벨기에 만화계의 전후 가장 위대한 성공작들 중 하나가 되었고, 영어를 포함한 수십 개의 언어로 된 번역들을 보게 되었을 뿐만 아니라, 2011년 말에 성공적인 할리우드 영화 각색을 본 비교적 몇 안 되는 유럽 만화들 중 하나가 되었습니다. 그 창조자가 죽은 지 거의 30년 후에

현대 만화책을 향한 한 걸음 더 나아간 것은 1934년 헝가리 출신의 폴 윙클러(Paul Winkler)가 킹 피처 신디케이트(King Features Syndicate)와 계약을 맺고 주간 8페이지 분량의 초기 "만화책"인 저널 드 미키(Journal de Mickey)를 창간하면서부터입니다.[25][26] 그 성공은 즉각적이었고, 곧 다른 출판사들은 프랑스와 벨기에 모두에서 상당한 인기를 누린 미국 시리즈로 정기 간행물을 발행하기 시작했습니다. 이는 수백 개의 잡지가 대부분 수입 자료를 발행하면서 10년 동안 계속되었습니다. 프랑스에서 가장 중요한 것들은 로빈슨, 만세, 플뢰르 가문이었다 (Action catholique desenfants [fr] a.k.a. œ르스 바일랑트("Valiant Hearts", 1929년 청소년을 위한 것) 출판물 œ르스 바일랑트("Valiant Hearts", 1937년 청소년을 위한 것), 그리고 Fripounet et Marisette("fr", 1945년 청소년 이전의 것들을 포함합니다.

코우르스 빌랑스는 1930년부터 틴틴의 모험을 신디케이션으로 출판하기 시작했는데, 이는 가장 초기에 알려진 프랑스-벨기에 만화 세계의 교차 수정을 구성하는 것 중 하나로, 코우르스 빌랑스의 편집장인 Abbot Courtois가 발표했을 때만 강화되었습니다. 에르게는 틴틴의 모호한 나이와 가족과는 대조적으로 실제 가정을 가진 실제 아이들에 대한 시리즈를 만들 것을 요청했고, 이는 1936년 만화 '조, 제트, 조코의 모험'이라는 결과를 낳았습니다. 부수적으로, 에르게가 점점 더 대중적인 말풍선 형식으로 그의 만화를 만들었을 때, 그것은 처음에 교육적인 관점에서 편집자들이 더 적절하다고 생각하는 텍스트 코믹 형식을 활용한 C œurs Vaillants와의 갈등으로 이어졌습니다. 에르게는 논쟁에서 이겼고, 이후 말풍선 만화는 1960년대 중반까지 잡지에 텍스트 만화와 함께 등장했습니다. 말풍선 만화는 일반적인 경향에도 불구하고 잡지에 의해 거의 버려졌습니다.

1938년 벨기에 스피루 잡지가 창간되었습니다. Journal de Mickey의 엄청난 인기와 Le Petit Vingtième에서의 틴틴의 성공에 대한 반응으로 고안된 흑백/컬러 하이브리드 잡지는 창간 당시부터 전쟁이 일어날 때까지 주로 미국 출신의 만화를 다루었지만, 토종 만화도 포함되어 있었습니다. 프랑스인 롭 벨(Rob-Vel)이 만들고 새 잡지의 마스코트이자 이름과 같은 역할을 한 스피루([27]Spirou)와 벨기에 예술가 페르낭 디네르(Fernand Dineur)가 만든 티페 톤두(Tifet Tondu)가 우려했습니다.[28] 두 시리즈 모두 전쟁에서 살아남아 전쟁 후에도 상당한 인기를 얻었지만, 다른 예술가들의 지원 하에 있기는 했습니다(아래 참조). 2개 국어를 사용하는 나라에서 출판된 Spirou는 네덜란드어 버전으로 동시에 Flandmish 시장을 위한 Strubedoes라는 이름으로 등장했습니다. 전쟁 직후 몇 년 뒤 네덜란드로의 수출이 이어졌습니다.[29] 이 잡지는 출판사인 Editions Dupuis S.A.(1989년 기준, 간단히 Dupuis)가 구상하고 출판한 잡지로, 1898년 창립명인 Jean Dupuis[fr]가 인쇄업으로 설립하였으나 1922년 출판사로 변경하여 논코믹 서적과 잡지를 출판하였습니다. 그러나 Spirou의 출시 이후 Dupuis는 만화 제작에 점점 더 집중하고 있으며 현재 2017년 현재 독점적인 만화 출판사이자 벨기에 프랑코-벨기에 만화 출판사 중 하나로 여전히 존재하고 있습니다.

전후 프랑스로 수출되면서(네덜란드와 마찬가지로 1945-46년까지 이 잡지는 프랑스에서 판매되지 않았습니다), 모리스, 프랑킨, 지예와 같은 벨기에 거장들의 (초기) 창작품을 담은 스피루는 장 œ비우스 지로, 장 클로드 메지에르와 같은 미래의 프랑스 거장들에게 중요한 영감이 되었습니다. 결국 그들의 코믹한 커리어를 시작했지만, 그들이 잡지를 알게 된 그 당시의 남학생들이었습니다.[30]

1940-1944: 전쟁과 점령

독일이 프랑스와 벨기에를 침공했을 때 미국 만화를 수입하는 것은 불가능에 가까웠습니다. 점령 중인 나치는 미국 애니메이션 영화와 만화를 수상한 인물로 간주하는 것을 금지했습니다. 그러나 둘 다 전쟁 전에 이미 큰 인기를 끌었고 전쟁 기간의 어려움은 수요를 증가시키는 것처럼 보였습니다.[31] 이것은 많은 젊은 예술가들이 만화와 애니메이션 사업에서 일하기 시작하는 기회를 만들었습니다.[32][33] 처음에 Spirou의 Jijé와 Bravo의 Edgar P. Jacobs와 같은 작가들은 슈퍼맨과 플래시 고든에 대한 아직 끝나지 않은 미국 이야기를 계속했습니다. 따라서, 만화의 스타일과 흐름을 모방함으로써, 그들은 효율적인 만화를 만드는 방법에 대한 지식을 향상시켰습니다. 곧 미국 만화의 집에서 만든 버전도 멈춰야 했고, 작가들은 새로운 재능을 가진 사람들에게 출판의 기회를 주면서 자신만의 영웅과 이야기를 만들어야 했습니다. 벨기에 출신의 안드레 프랑킨, 페요(작은 벨기에 애니메이션 스튜디오 Compagnie Belge d'Animation – CBA에서 함께 시작한), 윌리 반데르스틴(Willy Vandersteen), 그리고 브라보를 위해 일했던 프랑스인 자크 마르틴(Jacques Martin)과 알베르 유데르조(Albert Uderzo)를 포함하여, 프랑스-벨기에 만화의 가장 유명한 예술가들 중 많은 사람들이 이 시기에 시작했습니다.

1944-1959: 전후 벨기에 패권

Close Hergé 공동작업자이자 잡지 기고가인 Bob de Moore

점령 기간 동안 간신히 활동을 이어가던 많은 출판인과 예술가들이 협력자로 지목되어 해방 후 복직된 국가 당국에 의해 구 프랑스 저항 세력의 주장으로 투옥되었지만, 대부분은 혐의가 압박되지 않은 채 곧 풀려났습니다.[34] 예를 들어, 이것은 유명한 잡지 중 하나인 Coeurs Vaillants에게 일어났습니다.[35] 1929년에 자크 쿠르투아 수도원장(Abbot Courtois)이 설립했습니다. 교회의 후원을 받았기 때문에, 그는 전쟁 내내 잡지를 출판할 수 있었고, 협력자로 기소되었습니다. 그가 쫓겨난 후, 그의 후계자 피한(Jean Vaillant)이 출판을 맡았고, 잡지를 좀 더 유머러스한 방향으로 옮겼습니다. 마찬가지로, 에르게는 또한 전 벨기에 저항에 대한 유사한 비난의 수신단에 있는 자신을 발견한 또 다른 예술가였습니다.[36] 그는 자신의 이름을 성공적으로 지웠고 1950년 스튜디오 헤르게를 만들었고, 그곳에서 그는 그것을 끌어 들인 조수들의 일종의 멘토 역할을 했습니다. 그 곳에서 일한 사람들 중에는 밥 드 무어, 자크 마틴, 로저 르루프가 있었는데, 그들 모두는 쉽게 알아볼 수 있는 벨기에 리그네 클레어(클린 라인 스타일)를 보여주는데, 프랑킨, 페요, 모리스와 같은 스피루 잡지의 작가들이 주로 제안한 "마르시넬 학교" 스타일(스피루 출판사 뒤푸이스의 자리에서 이름을 따서 명명됨)에 종종 반대했습니다. 1946년, 에르제는 또한 주간 틴틴 잡지를 창간했는데, 이 잡지는 주간 스피루(Spirou)가 플랑드르와 네덜란드 시장을 위해 쿠이프제(Kuifje)라는 이름으로 네덜란드어판에 등장하는 것처럼 빠르게 엄청난 인기를 얻었습니다.[37] 틴틴 잡지사에서 일하면서 유명해진 벨기에의 유명한 만화가들 중에는 윌리엄 밴스, 앞서 언급한 그렉, 티벳, 헤르만 후펜 등이 포함되어 있습니다.

틴틴 잡지 출판사 Les Editions du Lombard(1989년 기준)는 특히 Raymond Leblanc이 Herge와 함께 잡지 창간을 위해 설립한 것으로, Raymond Leblanc은 그 당시 그가 여전히 협력 혐의로 조사를 받고 있었기 때문에 출판사를 찾을 수 없었습니다. 놀랍게도, Hergé를 중심으로 한 초기 아티스트 그룹의 창작물 앨범 출판은 그 당시와 현재, 오랜 틴틴 도서 출판사인 Casterman에게 아웃소싱 된 반면, Lombard 자신은 나중에 잡지에 합류한 아티스트를 위한 앨범 출판을 시작했을 뿐입니다. 그럼에도 불구하고 롬바르드 프랑코폰과 함께 유럽은 실제로 그렇게 생각된 첫 번째 전문 만화 출판사를 받았습니다. 르 롬바르드는 또한 프랑스어로 만화를 제작한 벨기에 3대 출판사 중 하나가 되었으며, 2017년 현재까지도 존재하는 두푸이와 캐스터만과 함께 프랑스어로 만화를 제작했습니다.

많은 다른 잡지들은 전쟁에서 살아남지 못했습니다: 르 쁘띠 빙티엠은 사라졌고, 르 저널 드 미키는 1952년에야 돌아왔습니다. 1940년대 후반에 많은 새로운 잡지들이 등장했지만 대부분의 경우 몇 주 또는 몇 달 동안만 살아남았습니다. 1950년경, 스피루와 틴틴 잡지(팀은 에르게를 중심으로)가 이후 10년 동안 가장 영향력 있고 성공적인 잡지로 선정되면서 상황은 안정되었습니다.[38]

그러나 1944년(프랑스와 벨기에는 모두 전쟁이 끝나기 전에 해방되었습니다) 이미 프랑스계 벨기에인 장 미셸 샤를리에의 산업 경력이 시작되었고, 그 과정에서 가장 우뚝 선 인물 중 한 명이 되었습니다. 그 해에 직업 변호사인 Charlier는 King Features Syndicate에 대한 벨기에의 답변인 Georges Troisfontains의 새로 설립된 만화 신디케이션 에이전시인 World Press에 합류했습니다. 원래는 편집 드래프트맨으로 고용되었지만, 트로이폰테인은 샤를리에의 글쓰기 재능을 인정하고 그를 설득하여 그림에서 대본 만화로 전환했습니다. 샤를리에는 평생 동안 큰 성공을 거두며 거의 30개의 시리즈를 만들었고, 그 중 몇 개는 프랑코-벨기에 밴드 데시네의 고전이 되었습니다.[39] Spirou 잡지는 이 잡지사의 첫 번째이자 가장 중요한 고객이 되었고, 전후 첫 10년은 Eddy Paape, Victor Hubinon, Mitacq, Albert Weinberg[fr]와 같은 젊은 벨기에 인재들의 많은 새로운 시리즈로 잡지에 유입되어 지제의 경력이 가장 잘 알려진 창작물로 진정으로 도약하는 시대를 열었습니다. 1954년 3월에 Spirou에서 시작한 서양 만화 시리즈 Jerry Spring. 우연히, 지제는 잡지에 재직했지만, 자신의 창작을 시작하기 전에 월드 프레스 예술가들과 긴밀히 협력했습니다. 샤를리에 자신이 이 시기에 만든 성공적인 시리즈는 교육 단편 시리즈인 Les Belles Histoires de l'oncle Paul(벨기에인 미탁, 아서 피로톤[fr], 헤르만, 디노 아타나시오, 프랑스인 장 그라통 등과 같은 젊은 지망생 예술가들의 재능과 기술을 개발하기 위한 근거가 되었습니다. 그들 중 몇몇은 나중에 업계의 경쟁자인 롬바르드로 이직했습니다. 특히 헤르만), 벅 대니 (후비논과 함께), 라 파트루이 데 카스토르 (론클 파울의 견습 기간 후 미타크와 함께), 그리고 장 발하르디 (파페와 지예와 함께). 매우 다작하는 만화 작가인 것 외에도, Charlier는 또한 법률에 대한 배경과 적극적인 성격 때문에 편집 원동력이자 에이전시의 대변인이 되었습니다. 이와 같이, 그는 1951년에 두 명의 프랑스인 르네 고시니와 전 브라보 예술가 알베르 우데르조를 서로 소개하는 역할을 맡았고, 그 과정에서 프랑스 파리에 월드 프레스의 사무실을 열었고, 그는 프랑코-벨기에의 가장 성공적인 밴드 데시네 파트너십 중 하나를 만들었습니다.[40] 두 사람이 이 기획사에 고용되어 함께 만든 최초의 만화 중 하나는 식민지 시대의 프랑스-캐나다 시대를 배경으로 한 서구 시리즈 움파-파(Oumpah-pah)로, 1951년에 이미 느슨한 개그로 구상되었지만 잡지 출판사를 찾지 못했습니다. 1958-1962년에 틴틴 잡지에서 완전한 이야기로 재작업되어 성공을 거두었고(따라서 마틴의 《알릭스의 모험》과 함께 벨기에 잡지에 등장한 최초의 순수 프랑스 만화 중 하나), 사실상 후대 아스테릭스 창작의 "영적 아버지"가 되었습니다.

프랑스-벨기에 BD 슈퍼스타 별자리: (l-r) Uderzo (브뤼셀, 2005년 9월), Goscinny (l) & Morris (1971년 5월), Peyo (1990년).

그러나 스피루에게 새로운 엘란을 심어준 것은 월드 프레스와 계약한 예술가들만이 아니었습니다, 듀푸이스 자신도 그 성공에 책임이 있는 예술가 그룹과 계약을 맺었고, 일부는 전후 시대에 활기를 되찾은 잡지를 정의한 이 그룹과 마찬가지로 계약을 맺었습니다. 전쟁이 끝나자, 폐 애니메이션 스튜디오 CBA의 세 명의 예술가들이 뒤푸아에 의해 스피루, 에디 파페 (그가 월드 프레스로 전환하기 전), 안드레 프랑킨, 모리스 드 베베레의 스태프 예술가로 고용되었고, 1946년에 위대한 프랑스-벨기에 만화 고전 중 두 번째 작품인 럭키 루크를 만든 사람은 모리스였습니다. 1946년 12월 7일자 연감 부록에 처음 등장했습니다. 프랑킨은 전쟁 중에 원작자 롭 벨로부터 시리즈를 넘겨받은 그의 멘토 지제에 의해 코믹 스피루엣 판타시오를 통과했고, 1957년 그의 가장 인기 있는 창작물인 가스통에 대한 잡지에 착수하기 전에 그 시리즈의 인기를 제공한 사람은 프랑킨이었습니다. 오리지널 창작자 페르낭 디네르(Fernand Dineur)로부터 Tifet Tondu 시리즈를 이어받은 예술가 윌리 "윌" 몰타이트(Willy "Will" Maltaite)의 합류로 지제(Jijé), 프랑킨(Franquin), 모리스(Morris), 윌(Will)로 구성된 "La bande desquatre"(4인의 갱)이라는 이름의 그룹이 완성되었으며 "마르시넬 학교"라는 이름의 기초를 구성했습니다.[41] 그러나, 이러한 예술가들의 성공은, 전쟁 이전의 예술가 롭 벨과 디뉴르의 작품이 젊은 세대의 작품들에 의해 가려져서, 그들이 망각 속으로 빠져들게 만들었습니다.[27][28] 1952년, 마르키넬 학교 전통의 또 다른 미래의 위대한 작품이 프랑킨의 소개로 스피루, 화가 피에르 "페요" 컬리포드에 추가되었습니다. 페요는 사실 CBA의 프랑킨의 전 동료였지만, 어린 나이 때문에 듀푸이스가 고려하지 않은 애니메이션 스튜디오가 사라질 당시였습니다. 스피루 페요는 1947년 벨기에 신문 La Dernière Hure와 Le Soir를 위해 이미 시작한 Johan et Pirluit 시리즈를 계속했습니다. 1957년에 또 하나의 위대한 프랑스-벨기에 만화 고전인 "스머프"를 탄생시킨 것이 바로 이 시리즈였습니다. 두 잡지가 확고하게 자리를 잡고 있는 가운데, 많은 팬들과 학자들이 (프랑코-)벨기에 만화의 황금기로 여기는 것을 시작한 것은 Spirou와 Tintin의 성공이었습니다.[31][42] 그 결과 전쟁 이후 벨기에와 프랑스에서 미국 만화는 예전만큼 큰 규모로 돌아오지 못했지만, 프랑스의 경우 인기 부족 때문이 아니라 실제로는 그 반대였습니다.

전후 프랑스에서 포위 공격을 받고 있는 반데시네.

프랑스에서, 청년 시장을 위한 출판물에 관한 1949년 법률은 전쟁 직후 프랑스의 주요 정치 세력인 프랑스 공산당에 의해 부분적으로 작성되었는데, 이는 (전쟁 중에 매우 성공적이고 효과적인 저항으로 인해) 실제로 대부분의 미국 출판물을 배제하기 위함이었습니다.[42] "Loi du 16 juillet sures publications destinées à la jeunse[fr]" (1949년 7월 16일 청소년을 대상으로 한 출판에 관한 법률)이라고 불리는 이 법은 해방 이후 미국 만화의 유입에 대응하여 통과되었습니다. 마블 코믹스의 이야기를 번역한 만화 잡지 Fantask [fr]는 1969년에 7호 발행 후에 금지되었습니다. 이 법의 공식적이고 공식적인 정당성은 프랑스의 젊은이들을 외국 만화, 특히 폭력과 성적인 것과 관련하여, 특히 미국 만화에 스며드는 것으로 인식되는 음험하고 부패한 영향으로부터 보호하려는 입법적인 열망이었습니다(비록 그것들이 법에서 이름으로 언급되지는 않았지만), 그리고 여기서 프랑스 법은 실제로 1954년 프레드릭 베르담의 만화적 비난 논문 '순수의 유혹'이 미국에서 출판된 것을 예견했습니다. 그러나 이 법에는 마찬가지로 중요하지만 비공식적인 이유도 있었습니다. 해방 후 프랑스에서 미국 만화가 너무 선전하고 있었기 때문에 토종 만화 잡지, 특히 가톨릭 잡지는 존재 자체가 위협받게 되었고, 이 법은 베일에 싸인 시장 보호 메커니즘이 되었습니다. 프랑스의 젊은이들 사이에서 미국 잡지들이 누렸던 큰 인기 외에도, 그 당시 프랑스는 여전히 심각한 전후 종이 부족을 겪었기 때문에, 미국 본토의 출판물들은 그들의 출판물들에 비해 뚜렷한 불리함을 가지고 있었습니다. 상대적으로 낮은 페이지 수와 그 시대의 토종 잡지의 낮은 발행부수)는 미국의 고급 잡지들이 겪지 않은 것으로 마셜 플랜에 따라 특혜를 받았습니다. 예를 들어, 가장 먼저 대상이 된 미국 만화 타잔은 코우르스 빌런츠의 2배인 30만부의 주간 발행부수를 누렸고 틴틴의 76,000부의 발행부수를 왜소하게 만들었습니다. 그리고 그것은 전후 바로 그 시대에 프랑스에서 출판된 많은 미국 만화들 중 하나에 불과했습니다. 그런 점에서 프랑스 가톨릭-공산주의 동맹의 가능성이 희박했던 바로 그 이유였고, 미국 만화가 당분간 프랑스 만화계에서 거의 자취를 감췄기 때문에, 르 저널 드 미키를 제외하고는, 과거 점령된 서유럽에서 3년 후에야 다시 등장했습니다.[31]

이 법에 따라 금지된 것은 미국 작품뿐 아니라,[43] 당시 벨기에 프랑스어 만화 창작물들도 다소 포괄적인 2조(현재 3조)에 규정된 바와 같이 다양한 이유로 법을 보류한 감독 위원회의 정밀 조사의 희생물이 되었습니다. 그것은 언제든지 권력을 가진 프랑스 정부의 정책에 적합한 이유로 만화를 거의 마음대로 금지할 수 있게 했습니다. 유명한 예로는 벨기에인 Charlier가 만든 인기 항공 만화 시리즈 Buck Danny의 두 권의 한국 전쟁에 관한 것입니다. (World Press/Spirou의 대변인으로서 실제로는 그 자신을 설명하기 위해 프랑스 정보부의 조사 위원회에 직접 출석하기 위해 소환되었습니다) 그리고 Hubinon, 1954년 제2조에서 아동 출판물에서 실제적이고 현재적인 무력 충돌에 대한 언급을 금지했지만, 작가 Charlier에 따르면 위원회의 공산주의 구성원들이 만화에서 표현된 강한 반공 정서에 문제가 있기 때문에 금지되었습니다. 1969년까지 두 권 모두 프랑스에서는 금지되어 있었지만, 벨기에, 스위스, 룩셈부르크에서 휴가를 보내는 프랑스 팬들은 방해받지 않고 앨범을 집을 수 있었습니다.[44] 이 법은 또한 Spirou와 같은 벨기에 잡지의 프랑스 내 이용 가능성을 금지하지는 않지만 어느 정도 규제하는 데 도움이 되었습니다. (그러나 한국 전쟁 이야기가 잡지에 연재되면서 실제로는 금지에 가까웠습니다.) 그러나 샤를리에)와 틴틴은 보수주의자들이 1950년대에 이 나라의 정치적 우위를 재확인한 후 11시간 동안 토착 가톨릭 잡지를 선호하는 것을 간신히 피했습니다.[45]

특히 1950년대와 1960년대 전반에는 정부 감독 위원회에 의해 엄격하게 집행된 '감시 등 통제' 출판물은 '청소년을 대상으로 한 출판물에 대한 감시 및 통제를 담당하는 위원회'에 의해, 이 법은 필로트 잡지가 등장하기 전까지 그리고 더 구체적으로는 1968년 5월의 사회적 격변까지 프랑스 만화계의 전후 발전에 숨 막히는 영향을 미쳤다는 것이 밝혀졌습니다. 법적으로, 위원회는 처벌 권한이 없고, 자문 권한만 있었지만, 실제로 Charlier는 다른 것을 구걸했습니다. 법무부의 보호를 받는 모든 권한을 가진 위원회는 (징벌적인 당국이었지만, 위원회의 모든 권고를 액면 그대로 받아들였습니다, 질문 없이) 일주일 [31]단위로 소집되어, 출판물을 분류하고 법에 따라 금지 대상이라고 생각되는 것들을 솎아냈습니다. 그들이 내린 모든 결정은 최종적인 것이었고, 어떠한 공식적인 정당성도 제공할 의무도 없었으며, 항소의 가능성도 전혀 없었으며, 이는 사실상의 국가 검열에 해당한다고 Charlier는 말했습니다.[44]

오른쪽은 마르셀 고틀립(2011)과 니키타 맨드리카(2011), 오른쪽은 벨기에의 지도 없이 현대 만화를 창작한 프랑스 초기 예술가들의 일원들.

그러나 프랑스의 만화계에 단 하나의 명점을 제공한 것도 공산주의자들이었습니다. 공산주의 전시 지하 저항 출판물에 기원을 둔 만화 잡지 베일란트(Faillant, 이름이 거의 비슷한 두 출판물과 혼동하지 않기 위해)는 전쟁이 끝나자 1945년에 창간되었습니다. 세속 잡지는 1920년대에서 1940년대 사이에 태어난 주로 토종 만화 인재들이 가톨릭 잡지에서 일할 능력이 없거나 기꺼이 일할 수 있는 플랫폼을 제공했습니다. 잡지에서 그들의 경력을 시작한 프랑스의 유명인들은 니키타 맨드리카, 폴 길론, 장 클로드 포레스트, 마르셀 고틀립 등이었고,[46] 그 당시 여전히 벨기에의 반데시네 전통에 덜 신세를 졌습니다. 다른 원주민 동시대 사람들은 본질적으로 "프랑코" 요소를 제공한 최초의 프랑스 원주민 예술가들 중에 순위가 매겨졌는데, 이는 나중에 "프랑코-벨기에 만화" 표현이 될 것이며, 만화가 마리작은 선구자였습니다. Marijac은 사실 1930년대에 Coeurs Vaillants에서 시작했지만 해방 직후에 그는 프랑스 최초로 인정받는 현대 반데시네 잡지인 세속 만화 잡지 Coqhardi [fr]를 시작했습니다. 마리작 자신은 1950년대 프랑스 만화계에서 자신의 코크 하디 이외의 토종 만화 잡지의 공동 편집자이자 기고자로 다작 주목받는 인물이 되었습니다. 그리고 프랑스 예술가들의 작품들로 가득 찬 Les Grandes Series Internationales, Cricri Journal, Mireille, Ouest-Magazine, Nano et Nanette, Héros du Far West, Frimous, Cocorico, Allez-France와 같은 금지된 미국 만화들이 남긴 공백을 메우기 위해 존재하는 가톨릭 출판물들의 그늘 아래에서 구상되었습니다. 1979년 앙굴렘 만화 축제에서 가장 권위 있는 상을 수상한 마리작 자신을 구해내는 것을 잊었습니다. 그들의 작품을 위해 만든 잡지들과 함께 말이죠.[47]

벨기에의 출판물과는 달리, 대부분 세속적인 토착 잡지들은 한 가지 주목할 만한 [48]예외를 제외하고는 대부분 감시 위원회에 의해 홀로 남겨졌습니다. 전후 바로 그 시대에 미국의 영감을 받은 만화 잡지의 창작자이자 편집자인 피에르 무쇼트는, 1950년에서 1954년 사이에 무려 8번이나 법정에 출석해야 했던, 미국과 이탈리아에서 영감을 받은 만화 시리즈 빅 빌 카수르와 쁘띠 가르스로 인해 핍박을 받은 위원회의 권고에 따라 실제로 대부분의 하급 법원에서 승소했습니다. 그와 그의 창작물은 모두 잊혀졌지만, 무쇼트는 법적으로 박해를 받는 유일한 프랑스 만화가가 되었고, 결국 1949년 법 제2조에 따라 최고 항소 법원에 의해 진짜로 유죄 판결을 받았습니다. 그러나, 이러한 확신은 다른 원주민 예술가들에게 효과적인 억지력으로 작용했고, 따라서 위원회를 무시할 수 없는 세력으로 확고히 자리 잡았습니다. 비록 그들은 힘든 시간을 보냈지만, Mouchot이 하급심에서 계속 승소했기 때문에, 그들은 다음 10년 동안 주의해야 할 면을 잘못하면서 만화를 계속 창작했습니다.[31] 이런 맥락에서 마틴, 그라탕, 우데르조, 그리고 그의 집필 파트너인 고시니와 같은 초기 프랑스의 몇몇 위대한 인물들이 벨기에 만화 출판사에서 경력을 쌓기로 선택한 것은 감시 위원회의 조사에 직접적으로 참여하기를 원하지 않았기 때문입니다. 개인적인 이유로 가톨릭이나 공산주의 잡지사에서 일하고 싶어하지도 않았습니다.

벨기에의 상황은 프랑스만큼 제한적이지 않았습니다. 당시 프랑스와 달리 가톨릭 신자들은 공산주의자들의 영향력을 무시할 수 없을 만큼 무시할 만한 영향력에 대항할 필요가 없었습니다. 프랑스와는 반대로, 미국의 작품들이 이미 토착 만화들에 의해 인기를 대체하고 있었기 때문에, 벨기에에서 규제 조치에 대한 필요성은 실제로 인식되지 않았습니다(벨기에가 프랑스와 같은 조치로 미국 만화들의 대규모 유입을 보지 못했다는 사실, 벨기에는 영국군과 캐나다군에 의해 주로 해방되었고, 그들의 병사들은 미국군과 같은 양의 만화를 가지고 오지 않았습니다. 벨기에 만화가들의 대다수는 (초기 현실적인 작품들이 신앙에 깊이 스며든) 지제와 같은 가톨릭 신자들이거나, 에르게가 그랬던 것처럼, 스카우팅 운동으로 간주되는 "건강한" 사람들과 강한 유대관계를 맺었습니다 – 이는 당시 벨기에 사회에서 중요한 존재였습니다. 이것은 또한 스카우팅 챕터를 중심으로 한 벨기에에서 샤를리에의 라 파트루이 데 카스토르 시리즈의 현대적인 인기를 설명합니다. 따라서 최소한 벨기에 관점에서 이미 "정치적으로" 올바른 현대적인 표현을 사용했습니다.[42] 그러나 샤를리에가 위원회에서 겪은 사건은 스피루와 틴틴의 편집자들을 뒤흔들었고, 프랑스는 잃을 수 없는 너무 중요한 시장이었기 때문에, 그들은 이후 잡지 출판 전에 그들의 예술가들의 창작물을 선별하여 주의를 기울이는 것을 선택했습니다. 본질적으로 프랑스인들에 의해 자기 검열을 강요당했습니다.[49] 이미 다양한 진화의 길에 착수한 플랑드르 만화는 당시에는 거의 프랑스어로 번역되지 않았으므로 이러한 종류의 정밀 조사에서 벗어났습니다.[48]

1959-1974: 프랑스에 대한 척도 팁

1959년, 영향력 있는 프랑스 주간지 필로트는 이미 시작부터 10대 관객을 겨냥한 스피루와 필로트의 보다 성숙한 대안이 되기 위한 시도를 시작했고, 아스테릭스 시리즈는 거의 순간적인 성공을 거두었습니다. 그러나 청중들은 따라잡기 힘든 편집자들보다 더 빠른 속도로 급진화했습니다. 프랑스 풍자잡지 하라키리도 성인 관객을 겨냥해 창간됐습니다.

1960년대, 플뢰루스 출판물과 같은 대부분의 프랑스 가톨릭 잡지들은 "재기독교화"되고 더 많은 텍스트와 더 적은 수의 드로잉으로 더 전통적인 스타일로 가면서 인기가 시들해졌습니다.[50] 이것은 프랑스에서 필로테와 빌랑(1969년 Pif gadget으로 재출시), 프랑스어를 사용하는 벨기에의 Spirou와 Tintin과 같은 잡지들이 거의 모든 시장을 장악했고, 그들이 그 잡지들에 널리 퍼져 있는 스타일을 사업에 진출하는 각 나라의 새로운 예술가들의 명백한 목표가 되었다는 것을 의미했습니다.[51]

50년이 넘는 기간 동안 가장 큰 영향을 준 세 개의 출판사인 Dargaud(파일럿), Le Lombard(틴틴), Dupuis(스피루) 등 다수의 출판사들이 자리를 잡으면서 국내 만화 시장은 (상업적) 성숙기에 접어들었습니다. 이후 수십 년 동안 스피루, 틴틴, 베일런트(1969년 Pif Gadget으로 재출시), 필로테, 히어로 ï크-앨범[fr](다른 잡지의 에피소드 방식과는 달리 각 호에서 완성된 이야기를 다룬 최초의 잡지) 등이 시장을 지배할 것입니다. 이 시기에 프랑스의 창작물은 이미 유럽 전역에서 명성을 얻었고, 많은 나라들은 그들 자신의 제작물에 더하여 또는 그 대신 만화를 수입하기 시작했습니다.[52]

1974~1990년: 프랑스가 두각을 나타냄

Metal Hurlant를 통해 국제적인 명성을 얻은 만화가 M œ비우스(2008)

1968년 5월의 사회적 격변의 여파는 성인 독자층을 목표로 한 만화 잡지로서 이전에는 볼 수 없었던, 그리고 거의 모든 만화 잡지들이 순수하게 프랑스 출신이라는 것을 보여주었고, 이것은 또한 프랑스가 유럽 만화계에서 빠르게 현저한 힘이 되고 있다는 것을 보여주었습니다. 결국 벨기에인들이 그 때까지 가지고 있던 지위를 이용했습니다.[53][54] L'Echo des Savanes (Pilote defiters Nikita Mandryka, Claire Bretécher, Marcel Gottlib가 설립한 새 출판사 Editions du Fromage [fr]에서), 고틀립의 포르노그래피가 신들과 브레테허의 레 프라스트레("The Fratrested Ones"), 음악 리뷰와 만화를 특징으로 하는 예술지인 르 카나드 소바게("The Wild Duck/Mag"), 가장 이른 시기에 있었습니다. 그 뒤를 이어 Métal Hurlant(1974년 12월 1일 ~ 1987년 7월)가 필로트 이탈자인 Druillet, Jean-Pierre Dionnet, M œbius가 설립한 새로운 프랑스 출판사 Les Humano ïdes Associés에서 M œ비우스, Druillet, 그리고 Bilal의 광범위한 공상 과학 소설과 판타지를 썼습니다. 번역된 대응물은 미국에서 헤비 메탈로 영향을 미쳤습니다.[56] 이 경향은 70년대 동안 계속되었고, 오리지널 Metal Hurlant가 80년대 초에 접힐 때까지 미국판에서만 살았고, 곧 프랑스어 모체로부터 독립적인 발전을 이루었습니다. 그럼에도 불구하고, 프랑코-벨기에 만화계의 혁명과 해방에 대해 일반적으로 인정받는 것은 이 출판물들과 그들의 예술가들이었습니다. 지적한 바와 같이, 이러한 초기 성인 잡지들은 대부분 필로테의 만화가들이 1968년 격변기에 필로테의 출판사인 다르고의 편집국에서 반란을 일으킨 후 스스로 창간하기 위해 잡지를 떠났던 전직 필로테 만화가들에 의해 설립되었습니다. 당시 편집장이었던 르네 고시니("Jean "M œ비우스" Giroud" 참조)로부터 더 많은 창작의 자유를 요구받고 궁극적으로 더 많은 창작의 자유를 얻었습니다.

본질적으로, 이 새로운 잡지들은 같은 종류의 다른 동시대의 잡지들과 함께, 또한 1960년대의 반체제 문화의 결과로 구상되고 대중화된 약간 이전의 미국 언더그라운드 코믹스의 프랑스 대응물이었습니다. 그 중 프랑스 1968년 5월 사건은 일부에 불과했습니다. 그러나 미국의 잡지들과는 달리, 프랑스 잡지들은 처음부터 주류를 이루었는데, 이런 종류의 잡지들은 1968년 이전에는 감시 위원회의 철저한 조사를 피할 수 없었기 때문입니다. 풍자 잡지 하라키리(1960년 창간)의 프랑수아 카반나 편집장은 여러 차례 그의 잡지를 재창조해야 하는 등 그의 폐해를 겪었습니다. 창의적인 측면을 제외하고, 1960년대는 프랑스 만화가들에게도 상업적이고 재정적인 자유와 같은 또 다른 종류의 자유를 가져다 주었습니다. 필로테의 사무실에서 반란이 일어나기 전까지 예술가들은 스튜디오 시스템, 즉 잡지나 출판사에서 종신 근무하는 독점적인 관계에서 일했습니다. 예술가들은 창작물의 상업적 측면과 창조적 측면 모두에 대한 통제권이 거의 없거나 아예 없는 상황에서, 고시니, 샤를리에, 그레그와 같은 출판사에 편집국을 가지고 있었던 소수의 예술가들을 제외하고는, 그들 중 하나는 필로테에서 일어난 반란의 주요 요소이기도 했습니다. 그것은 1968년 이후에도 바뀌었는데, 점점 더 많은 예술가들이 그들의 거래를 자유 임대인으로 적용하기로 결정하면서, L'Echo des Savanes 창업자들은 그러한 측면에서 초기 선구자였으며, 2017년 현재 지배적인 예술가-출판사 관계가 되었습니다. 계약은 특정 출판사의 특정 시리즈에 대해 장기적인 경향이 있지만, 아래에서 언급한 프랑수아 부르건과 헤르만 후펜과 같은 예술가들이 다른 출판사를 위해 다른 만화를 만드는 것을 더 이상 막지 않으며, 때로는 다른 출판사를 위해 시리즈를 중단하기도 합니다.

새로운 성인 잡지의 등장은 지금까지 프랑스의 가장 영향력 있는 만화 잡지 필로테에 지대한 영향을 미쳤습니다. Goscinny 편집장은 처음에는 편집국에서 1968년 반란이 일어났을 때 예술가들이 요구한 변화를 이행하는 것을 거부했지만, 이제 그는 잡지가 가장 유망한 만화 재능을 잃고 판매량이 줄어드는 것을 알게 되었습니다. 이 잡지는 결국 월간지로 바뀌었고, 아직 떠나지 않은 예술가들은 더 많은 창작의 자유를 부여받았고, 벨기에의 영향력은 1972년 공동 편집자 Charlier가 떠나고 얼마 지나지 않아 마지막 벨기에 예술가 Hubinon과 Jijé가 그 뒤를 이으며 최종적으로 종료되었습니다. 잡지를 순수한 프랑스 잡지로 바꾸는 것. 그러나, 이 잡지가 이제는 좀 더 성숙한 주제를 다룬 이야기를 가진 나이든 청소년 독자층을 겨냥하고 있는 반면, 고시니는 이 잡지가 진정한 성인 잡지가 되는 것에는 이르지 못했습니다. 그러나 이 잡지는 대체품 시장의 범람으로 인해 지난 1년 반 동안 유지했던 지배적인 위치를 되찾을 수 없었습니다.[58]

왼쪽은 프랑스인 자크 타르디(2013), 오른쪽은 벨기에인 프랑수아 슈이텐(2008): 수이브르에 가장 중요한 기여를 한 두 사람.
2013 앙굴렘 만화 축제의 글레나트 부스에서 가장 중요한 초기 예술가 중 한 명인 프랑수아 부르건(2014)의 오른쪽에 있는 그의 여주인공 아이사는 프랑스-벨기에 만화의 새로운 역사적 사실주의의 모범이 되었습니다.

좀 더 성숙한 만화에 대해 처음으로 프랑스인들에게 뒤쳐진 벨기에인들은 1977년 10월 출판사 캐스터만이 네덜란드어로 번역된 잡지("To Be Continued")를 창간했을 때 그들의 체포를 잘 해냈습니다.[59] 그 때까지 (1780년 인쇄 및 출판 회사로서) 오래된 출판사는 1934년부터 에르제 틴틴의 음반 출판사로서 다소 제한적이었고, 전쟁 이후 자크 마틴과 같은 밀접하게 소속된 예술가들에 의해 영감을 받은 몇 명의 창작물들과 함께 약간 확장되었습니다. 프랑수아 크레엔할스와 덴마크 C&V 한센 부부. 출판사가 테드 베노 î트, 자크 타르디, 휴고 프랫, 프랑수아 슈이텐, 폴 텡 등 프랑스, 이탈리아 및/또는 네덜란드 출신의 많은 사람들의 만화 작품을 출판한 것은 다소 제한된 헤르게의 경계를 넘어 확장하려는 구체적인 의도에서였습니다. 그러나 그 당시 성인 분야에서 활동하는 사람이 많지 않았기 때문에 벨기에 예술가는 상대적으로 적었고, 슈이텐, 디디에 코메스, 헤르만 후펜, 장 클로드 세르바이스와 함께 독일-벨기에 혈통의 몇 안 되는 BD 예술가 중 한 명이었습니다. 유럽에서 더 길고, 더 어른스럽고, 더 읽고, 더 예술적인 만화로서 그래픽 노블의 개념을 대중화시킨 것은 수이브르("Suivre")였습니다.[60] 듀푸이의 대응물과 달리, 그리고 그 이후로 만화 카탈로그가 상당히 확장되었지만, 캐스터만은 현재 다작 아동 도서 출판사이기도 하기 때문에 책 출판의 뿌리를 완전히 버리고 순수 만화 출판사로 진화한 적이 없습니다.

그러나 1970년대 후반부터 오늘날까지 바나나, 바이러스, 모르모일, 페미니스트 아! 나나, 카사블랑카, 플루이드 빙하와 같은 (때로는 단명) 잡지와 함께 이 분야를 계속 지배하는 프랑스 출판물과 프랑스 예술가로 남아 있었습니다. 이브 샬랑, 에디카, 필리프 포스터[fr]와 같은 프랑스의 전후 만화가들의 젊은 세대가 데뷔한 반면, 고틀립과 프랑킨과 같은 베테랑들은 나중에 더 어둡고 냉소적인 작업을 위해 집을 마련했습니다.[61]

이 분야의 주요 플레이어는 프랑스 출판업자이자 신인인 Glénat Editions(1972년 설립되었으며 실제로 서커스가 시작되기 전에 직접 그래픽 소설을 음반으로 출판하기 시작했습니다.)와 두 개의 주요 잡지 출판물인 Circus(만화)[fr](1975-1989), Vécu[fr](1985-1994)가 있습니다. 정확한 역사성을 지닌 성숙한 이야기에 중점을 두면서, 프랑스의 만화적 재능을 주로 보여주었지만, 이를 반전시켜 보여준 사람은 필로트, 틴틴, 스피루의 청소년 독자층과 (아수이브르)와 같은 잡지의 성숙한 독자층 사이에 위치한 독자층을 목표로 삼았습니다. Metal Hurlant와 다른 사람들. 글레나트 출판물에서 위대한 인물로 키워진 프랑스의 주목할 만한 만화가들은 메이코와 패트릭 코티아스, 그러나 가장 눈에 띄는 것은 프랑수아 부르옹과 앙드레 줄리아드였습니다. Glénat이 목표로 했던, 다른, 오래된 타겟 관객들의 예시는 Bourgeon이 만든 두 개의 유한하고 역사적인 시리즈가 되었습니다. Les Passagers duvent (1979-2009, 바람의 승객들, 7권, 18세기 해상 항해와 노예 무역 유럽을 배경으로 함), 인류 역사에서 암흑 노예의 장을 현실적으로 상당히 자세히 다룬 최초의 만화 시리즈 중 하나가 되었습니다. (1983년 ~ 1989년, 황혼의 동반자, 3권, 13세기 유럽을 배경으로 하고 캐스터만이 부수적으로 출판했습니다.) 두 시리즈 모두 1940년대부터 1960년대까지 할리우드 영화 제작물이나 같은 시대의 코우르스 빌랑스, 틴틴 또는 스피루에 출판된 프랑코-벨기에 밴드 데시네에 의해 여전히 잠재의식에 남아있는 두 역사적 시대에 대한 낭만적인 개념을 단편적으로 만들었습니다. 자신이 만들고 있는 만화 시리즈의 주제에 대한 꼼꼼한 연구로 유명한 부르주아는 문제의 시리즈를 만드는 데 걸린 시간만큼 좀처럼 걸리지 않고, 영웅처럼 자주 희생되는 일반인들만 등장하는 소위 "영웅"이 없는 역사적 현실을 묘사했습니다. 평범한 남자에게 너무 자주 부족한 삶을 사는 동안 잔인하게 고된 세상에서, 객관적인 정의에 전혀 의지하지 않고 권력자, 특히 여성의 의지에 습관적으로 예속되는 삶을 살고 있습니다. 그러나 Bourgon은 그의 독자들에게 그의 거친 메시지를 그의 비교적 부드러운 예술 스타일과 인간의 회복력에 대한 낙관적인 견해로 입맛에 맞게 만들었습니다. 그러나 헤르만의 11세기 서사시 "Les Tours de Bois-Maury"(1984-1994, The Tower of Bois-Maury)는 독자들에게 그러한 휴식을 제공하지 않았습니다. 10권으로 구성된 그의 원작 시리즈는 Bourgon's Passagers가 Circus에 있던 바로 그 시대에 Vécu에서 연재되었습니다. 헤르만의 적나라하고 타협적이지 않은 예술 스타일은 그의 중세 시대 설정의 암울한 분위기를 강화하는 역할을 했을 뿐만 아니라, 인간 본성에 대한 모든 반박하는 낙관적인 논평 또한 그의 이야기에는 부족했습니다. 그와는 정반대로, 그의 중세를 진정으로 암흑시대로 만든 것은, 인간의 대다수가 그의 시리즈 어디에도 소위 "영웅"이라고 불리는 단 한 명의 사람도 보이지 않는, 짧고 폭력적인 삶을 살고 있었던 것입니다. 요점을 강조하기 위해 두 예술가 모두 두 서사가 중심이 된 중세 기사들이 각자의 탐구를 수행하는 곳 근처에서 폭력적인 죽음을 맞이하도록 하여 그러한 노력의 무용성을 강화했습니다. 실제 역사는 "초인"이 아닌 단순한 인간에 의해 만들어진다는 점을 집으로 이끄는 그러한 시리즈로, 프랑코-벨기에 역사 만화는 1940년대부터 1970년대까지 처음으로 낭만화되거나 이상화된 모습을 보인 이래로 많은 발전을 이루었습니다. 특히 틴틴과 필로테에서 프레드 펑켄 (르 슈발리에 블랑, 하랄드 바이킹), 윌리엄 밴스 (하워드 플린, 로드리치, 라미로), 프랑수아 크레엔할스 (슈발리에 애절한) 또는 빅토르 후비논 (바베 루즈)과 같은 예술가들이 묘사한 것처럼 소수입니다.

반데시네는 문화유산이 됩니다.

이러한 새로운 출판물과 그 예술가들이 변화한 것은 단지 만화 장면만이 아니라, 프랑스 사회에서 매체에 대한 인식 또한 1970년대에서 1980년대 사이에 급격하게 변했는데, 이는 1940년대에서 1950년대에 개최된 것과 극명한 대조를 이룹니다. 중진국 프랑스의 문화적 위상이 세계적으로 높다는 것을 인식하고, 우리나라의 문화 당국은 특히 문화부 장관인 Jack Lang의 후원 하에, 그 매체가 진정한 예술 형태로 발전할 수 있도록 지원하기 시작했습니다. 그는 1982년에 장기적인 퀸즈 메수레스 누벨렌 파베우르 드 라 반데시네 (코믹에 찬성하는 15가지 새로운 조치) 부처 정책 계획을 세웠으며,[62] 이는 1997년 랑의 후기 후계자에 의해 갱신되고 재확인되었습니다.[63] 결과적으로 이 매체가 프랑스의 예술 분류(Classification of the Arts)에서 "Le Neuvième Art" (9번째 예술)로 공식적인 지위를 얻은 것은 1980년대에서 1990년대 사이였습니다. 프랑코폰 사회에 의해 프랑스 문화의 성숙한 부분으로 받아들여지는 것 외에도 (프랑스와 프랑스어를 사용하는 벨기에에서는 책, 신문, 잡지를 읽는 사람들만큼 카페 테라스나 대중교통과 같은 공공장소에서 만화를 읽는 어른들을 만나는 것이 일반적입니다). 그 이후로 한 명 이상의 만화가들이 "Ordre des Arts et des Lettres" 민간 기사 작위를 받았고, 이것들은 프랑스인들에게만 국한되지 않았습니다. 왜냐하면 일본의 예술가인 Jiro Taniguchi도 2011년에[64] 프랑스-벨기에 만화와 일본 만화 형식을 병합하려는 노력으로 하나를 받았기 때문입니다(아래 참조).

그러나 장 œ비우스 지로는 "에르제 다음으로 가장 영향력 있는 밴드 데시네 예술가"를 만들었고, 그는 "르 뇌비엠 예술"의 최고의 프랑스 표준 보유자로 간주됩니다. 그는 예술과 편지 기사 작위의 사후 계급 상승과 함께 두 개의 다른 민간 기사 작위를 받았기 때문에, 만화가와 프랑스-벨기에 만화의 실질적인 발명가인 에르게(Hergé)는 단 한 번도 이룬 적이 없으며, 심지어 그의 모국인 벨기에에서도 달성한 적이 없습니다(아마도 그의 초기 틴틴 이야기에 대한 비판과 전후 협력 의혹에 대한 비판 중 하나가 남긴 여운 때문일 것입니다). 또는 둘 다, 그리고 그 어느 것도 그가 살아생전에 완전히 자유로워진 적이 없었습니다. 2010년 10월 2일부터 2011년 3월 13일까지 조직된 파리의 유명한 재단 카르티에 현대미술관에서 열린 œ 전시회에서 œ비우스의 위상을 높이 평가한 «는 »의 유명한 미술관입니다. 2017년 현재, 관계자 개인 만화가의 작품을 헌정한 역대 최대 규모의 전시회 중 하나로 눈에 띕니다. 2006년 12월 20일 - 2007년 2월 19일, 프랑스 파리에 위치한 조르주 퐁피두 현대미술관에서 열린 100주년 기념 전시회와 함께 "A"라는 제목의 예술작품과 같이 국가의 승인을 받은 미술관. 예술가의 탄생 2012년 3월, 지로의 장례식에는 프랑스 국가 대표인 프레데릭 미테랑 문화부 장관이 참석했는데, 그는 또한 장례식에서 국가를 대표하여 연설했으며,[67] 부수적으로 프랑수아 미테랑 전 프랑스 대통령의 조카이기도 합니다. 1985년에 개인적으로 지로드에게 첫 번째 시민 기사 작위를 수여했으며, 이로써 그 영예를 얻은 최초의 만화가 중 한 명이 되었습니다.[68] 지로의 죽음은 프랑스에서 상당한 미디어 사건이었지만, 만화 문화가 번성하기로 특별히 알려지지 않은 인도네시아와 같은 먼 곳에서도 전 세계 언론 보도 자료에서 그의 죽음에 충분한 관심이 주어졌습니다. 그러나, 우리나라가 반데시네를 받아들였음에도 불구하고, 또한 1949년의 법과 감독 위원회는 2017년 현재 여전히 존재하며,[69] 그들의 합법성은 1949년 그대로 유지되고 있다는 점에 주목해야 합니다. 그리고 그들의 영향력과 영향력은 1968년의 사건들 이후 상당히 줄어들었지만, 그들의 법적 존재는 예술가들과 출판인들에도 불구하고 프랑스 만화계에 있어 속담에 나오는 "다모클레스의 칼"에 해당합니다. 정치인들과 학자들은 프랑스에서 가장 크고 중요한 만화 단체인 CNBDI에 의해 이 주제를 주제로 조직된 1999년 전국 회의에서 현대 세계에서의 두 가지 표현의 관련성에 의문을 제기했습니다.[31]

결국 현대 프랑코-벨기에 만화 형식이 구상된 벨기에는 형식을 선의의 예술 형식으로 발전시키는 데는 다소 느렸지만, 프랑코-벨기에 만화를 "벨기에 문화 유산의 핵심적인 측면"으로 간주하는 데에는 강력하게 따라왔습니다.[70] "9번째 예술"이라는 표현이 다른 나라에서도 대중화되었지만, 벨기에와 프랑스는 2017년 현재까지 남아 있으며, 이 매체가 공식적인 지위(일본 본토에서 거의 유사한 지위를 달성한 만화를 할인할 때)를 부여받은 유일한 국가이며, 그 결과 문화 당국의 강력한 지원을 받고 있습니다.[71]

문화유산으로서 국가 소유의 건물에 수용된 반데시네 센터의 정면과 도서관, 특히 지어진 헤르게 박물관의 입구, 둘 다 모국의 프랑스-벨기에 만화를 지지하는 국가를 표현합니다.

1989년 벨기에 수도 브뤼셀에 설립된 유럽 최대의 만화 박물관 중 하나로 연간 20만 명의 방문객을 끌어모으는 유명한 "Centre belge de la Bande dessiné" (네덜란드어: "Belgisch Centrum voor het Beldverhaal")가 되었습니다.[72] 이 박물관은 건축가 빅토르 호르타가 아르누보 양식으로 설계한 1905년 국유 건물에 소장되어 있는데, 이 건물은 프랑스 여성 예술가 애니 괴팅거가 자신의 만화에 사용한 것과 같은 양식입니다. 벨기에는 만화 센터 건너편에 위치하고 있으며, 같은 이름의 플랑드르 만화 창작자의 작품에 전념하고 있는 Marc Sleen Museum (est. 2009)과, 놀라울 것도 없이, 특별히 루뱅 라 노이브에 위치한 Musée Hergé (est. 2009)를 소유하고 있습니다. 에르게 전통에서 활동했던 네덜란드의 만화가 주스트 스와르트(Joost Swarte)가 디자인한 인테리어.

국내에서 가장 존경받는 만화가의 이름을 딴 '비소 œ비우스'가 오른쪽에 있는 시테 박물관 본관 정면

프랑스에서는 1982년 마을 미술관에서 열린 상설 반데시네 전시회를 방문한 후 이 아이디어를 떠올린 Jack Lang 장관이 우연히 그 해 미디어에 대한 장기적인 15가지 정책 계획에 영감을 주었습니다. 1984년 미테랑 대통령이 국가에 문화적 성격의 주요 공공 저작물을 제공하기 위한 대규모 계획의 일환으로 국립 만화 박물관의 설립을 포함한 주요 국립 반데시네 박물관의 등장을 발표했습니다. 앙굴렘이라는 역사적인 마을에 자리잡게 되는데, 이 마을은 이미 1974년 이래로 프랑스에서 가장 큰 만화 축제의 장소입니다. 유명한 건축가 롤랑 카스트로의 옛 양조장 부지에 여러 고대 건물들의 개보수와 새로운 건물의 설계를 포함하는 이 제작의 주요 프로젝트는 2009년 6월에야 문을 열었습니다.[73] 유럽에서 가장 큰 만화 박물관이 되는 과정에서, 마침내 더 큰 최종 박물관에 포함되었고, 이미 1991년에 대중에게 공개되었습니다. 이 박물관은 1985년에 설립된 CNBDI에 의해 관리되고 있지만, 그 이후로 이미 위에서 지적한 바와 같이 박물관의 영역을 넘어 방데시네를 대신하여 작업을 확장했습니다. 2012년 12월 11일, 박물관 건물들 중 하나인 미래형 건물은 1980년대 말에 완공되었으며, 박물관과 CNBDI 행정부, 영화관, 회의실, 도서관 및 기타 만화 연구 시설을 위한 시설들을 포함하고 "Le Vaisseau M œbius" (영어: "The Vessel M œbius")로 다시 명명되었습니다. 그해에 사망한 만화가를 기리기 [74]위해 랑이 그의 계획을 발표했을 때, 그는 프랑스의 수도 파리에서 오히려 그런 박물관을 본 적이 있는 일부 정치인들의 반대에 직면했습니다. 그러나 앙굴렘은 관광객들의 발길이 끊어진 곳에 위치해 있어 박물관이 매년 그보다 작은 벨기에 방문객의 약 절반만 끌어모으고, 그들 중 대부분은 축제 시즌에 박물관을 방문한다는 결과를 낳았기 때문에, 이 정치인들의 말도 일리가 있습니다. 반면 벨기에 박물관은 일년 내내 꾸준한 방문객을 끌어모으고 있습니다.

1990년 ~ 현재

1990년대에 L'Association (1990년 설립), Le Dernier Cri, Amok, Fréon (후에 두 개가 Frémok으로 합병됨),[75] Egocom X와 같은 몇몇 작은 독립 출판사들이 등장하면서 더 많은 부활과 확장이 이루어졌습니다.[76] "nouvelle bande dessinée" (북미 얼터너티브 코믹스와 유사)[77]로 알려진 이 책들은 종종 대기업의 일반적인 제품보다 더 예술적이고 그래픽적이며 서사적입니다.[citation needed]

뒤푸이와 베르베리안, 루이스 트론하임, 요한 스파르, 마르제인 사트라피 (페르세폴리스), 크리스토프 블랭, 스테파니 블랑케, 에드몽 바우딘, 데이비드 B, 엠마뉴엘 라르세넷은 모두 이 출판사에서 경력을 시작했고, 나중에 돈존 (트론하임 & 스파르), 해적 아이작 (블레인), 프로페수르 벨 (스파르)과 같은 만화로 명성을 얻었습니다.[citation needed] 1990년대 장면의 핵심 예술가인 레오 퀴브뢰는 1991년부터 2000년[77] 또는 2001년까지 장 크리스타우, 앤 프레드 마우러와 함께 운영한 자신의 출판사 고토프로덕션을 설립하고 운영했으며 60권이 넘는 책을 출판했습니다.[78]

형식

제2차 세계 대전 이전에는 만화가 거의 타블로이드 신문에 독점적으로 출판되었습니다. 1945년 이후, "코믹 앨범" (또는 "코믹 앨범",[79] 줄여서 "BD") 형식은 이전 크기의 약 절반에 해당하는 책과 같은 형식으로 인기를 얻었습니다. 일반적으로 모든 색상의 음반은 프랑스판의 경우 거의 항상 하드커버이고 네덜란드판의 경우 소프트커버 형식이 일반적인 프랑코폰 유럽과 달리 1980년대 후반부터 소프트커버 형식과 함께 고객 옵션으로 꾸준히 자리를 잡았지만, 이 음반은 거의 항상 하드커버 형식입니다. 미국 만화책이나 무역 페이퍼백(후대의 미국 그래픽 소설 형식 등)과 비교하면 유럽 음반은 다소 큽니다(대략 A4 기준). 1970년대 중반부터 유럽 전역에서 만화 앨범이 개인 ISBN을 받기 시작하면서 책으로서의 위상을 굳혔습니다.

1930년대 초 최초의 틴틴 앨범으로 현재 벨기에에서 이해되는 형식으로 생각되며, 우연히 틴틴을 현대 프랑코-벨기에 만화의 출발점으로 고려하는 두 번째 이유입니다. 예술 스타일과 형식 외에도 albums는 보통 1~2년의 시차를 두고 연재된 잡지 (사전) 출판에서 이야기나 편리한 수의 단편 소설이 끝난 후 수집된 책으로 출판되었습니다. 이 형식이 시작된 이래로, 이 음반들은 인쇄 및 구속력 있는 기술적 이유로 46페이지(수십년 동안 표준) 또는 62페이지(두 가지 면책 조항 및 제목 페이지 할인)를 포함하는 것이 일반적이었습니다. 프린터는 전통적으로 한 장의 인쇄 용지에 8장의 양면 페이지를 인쇄했기 때문에, 총 페이지 수가 8의 배수일 경우 페이지 수가 더 많은 앨범은 그리 드물지 않지만, 특히 아수이브르 출판사 케스터맨의 그래픽 소설 앨범 출판물.

장 미셸 샤를리에가 다시 문화 현상의 반 데시네에 중요한 영향을 끼친 것으로 밝혀진 것도 바로 이 분야입니다. 필로테의 공동 편집자로서, 그는 다르고를 위해 만화 앨범 라인을 시작했고, 그때까지 잡지에 연재된 이야기를 수집하여 다르고의 첫 번째 만화 앨범을 발표했습니다. 1961년 7월 첫 번째 타이틀인 La Collection Pilote는 [80][81]Uderzo와 Goscinny의 Asterix의 첫 번째 모험으로, 방망이에서 바로 도망치는 성공을 거두었고, 그 후 잡지에서 16개의 타이틀이 추가되었으며, 첫 번째 블루베리 모험인 "Fort Navajo"는 1965년 7월에 발매된 마지막 작품이 되었습니다. 그 후, 그 컬렉션은 중단되었고 지금까지 그곳에 출연했던 각각의 만화 영웅들은 그들 자신의 앨범 시리즈로 분사했습니다. 이 음반들이 좀 더 "성숙한" 책 같은 이미지를 주기 위해, 이 음반들은 처음부터 프랑스를 위해 하드커버 에디션으로 실행되었고, 샤를리에의 모국 벨기에를 위해 라이선스사인 르 롬바르드에 의해 소프트커버로 실행되었는데, 이는 다른 유럽 국가들이 그랬던 것처럼 만화 음반이 여전히 그 나라에서 가지고 있는 지위를 어느 정도 반영합니다. Charlier의 계획은 건강한 수준의 사심이 전혀 없는 것은 아니었습니다. 왜냐하면 컬렉션의 절반 이상이 그가 공동으로 만든 만화 시리즈의 제목이었기 때문입니다. Charlier는 Casterman이 1930년대 초(틴틴)부터 이미 음반을 발매했기 때문에, Dupuis가 그 후에 일부 음반을 발매했을 때와 마찬가지로 형식을 생각하지 못했지만, 그러나 확실히 그 당시 벅 대니 시리즈와 같은 대부분의 앨범이 소프트 커버로 발매되었기 때문에 그의 앨범은 호의적인 반응을 얻었으며, 그 컬렉션은 프랑스-벨기에 만화계에서 신화적인 위치를 차지했습니다. 특히 그 전까지는 이러한 발매가 드물었던[82] 프랑스에서는 특히 리큐일 잡지 시리즈, 음반과 같은 하드커버/소프트커버판, 코우르스 빌랑스, 스피루 등과 같은 여러 잡지 이슈를 연대순으로 한 권으로 모아 수십 년간 프랑코폰 유럽의 주요한 상품이 되었습니다. 네덜란드-유럽에서도).

이 하드커버가 프랑스에서 음반 발매의 표준이 된 것은 콜렉션의 비약적인 성공 이후의 일입니다. 이 컬렉션의 성공으로 인해 르 롬바르드는 지금까지 부진했던 앨범 발매 속도를 높이게 되었지만, 그들은 처음에는 Dupuis가 이미 하고 있던 것처럼 1970년대 중반까지 우세한 소프트 커버 형식으로 출시했으며, 그 후 수십 년 동안 네덜란드어판의 표준으로 소프트 커버 형식을 유지했습니다. 그 분야에서 상대적인 신인이었던 Dargaud는 거의 20년 동안 Le Lombard와 음반 발매를 위한 합작 사업을 시작했습니다. 이것은 Lombard가 프랑스어를 사용하는 벨기에를 위해 (처음 10년 동안 소프트 커버로), 그리고 네덜란드-벨기에를 위해서도 몇 년의 시차를 두고 발매되었다는 것을 의미했습니다 (네덜란드를 위해서도 마찬가지로, Dargaud는 그들의 발매를 위해 다른 지역 출판사들과 협력을 구했습니다). 반면에 롬바르드 앨범 타이틀은 프랑스에서 Dargaud에 의해 항상 그들 자신의 발매를 위한 하드커버로 발매되었지만, 롬바르드의 발매를 위해 처음 5년 정도 소프트커버로 발매된 후, 롬바르드가 벨기에 가정 시장을 위해 발매하기도 전에 영구적으로 하드커버로 전환했습니다. 1970년대 후반에 이르자 다르갓은 독자적인 국제 유통 시스템을 갖추었고, 르 롬바르드와의 협력은 해체되었습니다. 1988년과 1986년에 각각 프랑스의 지주 회사인 메디아-피티션스(Media-Partitions)에 흡수된 후, 1992년에 각각의 각인을 유지하면서 하나의 출판사로 합병될 때까지입니다. 덧붙여서, Dupuis는 Dargaud/Le Lombard보다 다소 젊은 독자층에 초점을 맞춘 전통적인 이유로 2004년 6월 Media-Partitions에 인수되기도 했습니다.

1980년대 중반 이후 틴틴, 수이브르, 메탈 헐랑트, 필로테 등의 거장들을 포함한 많은 만화 잡지들이 사회경제적인 이유로 사라지면서 많은 만화들이 음반으로 직접 출판되고 잡지에 전혀 등장하지 않습니다. 앨범 형식은 대부분의 다른 유럽 국가(영국은 최근까지 가장 명백한 예외 중 하나)에서 토종 만화에도 채택되었으며, 유럽 대륙에서 만화의 두드러진 출판 형식이 되는 과정에서 외국어 번역에서도 유지되고 있습니다. 1989년 장벽 붕괴 후 구 동구권을 포함하여. 네덜란드어판과 마찬가지로 소프트 커버 형식이 처음에는 외국어판이 발매되는 지배적인 형식이었지만, 네덜란드어판과 마찬가지로 하드 커버 형식은 다른 유럽 국가에서도 꾸준히 자리를 잡았습니다. 스페인과 포르투갈은 La Collection Pilote의 여러 권이 이미 1960년대 후반에 현지 Dargaud/Lombard 계열 출판사에 의해 발매되었지만 [83]Collection 소스 출판사와는 달리 별도의 시리즈로 출시되었습니다.

인테그랄레스

1980년대 중반 이후로, 많은 인기 있는 더 오래 지속되는 앨범 시리즈들과 또한 오랫동안 절판된 고전 시리즈들 또한 그들 자신의 하드 커버 "옴니버스" 앨범 에디션, 즉 인테그랄레를 가지고 있으며, 각 인테그랄레 책은 일반적으로 2~4개의 오리지널 앨범을 포함하고 있습니다. 그리고 1990년대 중반부터 점점 더 많은 편집물들을 포함하고 있습니다 – 예를 들어, 앨범에 사용되지 않는 잡지 표지와 같은 이전에 앨범에 출판되지 않았던 자료들, 그리고 문제의 시리즈와 그 제작자에 대한 배경 정보를 제공하는 상세한 삽화가 있는 사설들, 호세-루이 보케(José-Louis Bocquet[fr]), 패트릭 가우머(Patrick Gaumer[fr], 질 라티에(Gilles Ratier[fr])가 가장 많이 집필했습니다(아래 참조). 출판사들이 이런 식으로 진행하는 현실적인 이유는 이 오래된 시리즈들이 수십 년 동안 개별 권을 재인쇄하는 과정에서 어느 정도 과정을 거쳤으며, 이런 형식으로 완판된 권을 다시 발행하는 것이 상업적으로 더 편리해졌기 때문입니다. 젊은 시절에 사서 읽었던 낡아빠진 개인의 복사본을 업그레이드하고 싶어하는 이제는 어른이 되어 더 부유해진 독자들의 향수를 겨냥하여 새로운 대체 시장을 개척하는 것 외에도, 개인의 책을 계속 재인쇄하는 대신. 처음에는 프랑스어로만 발매되었고, 네덜란드어로도 발매된 [84]이 판들은 1990년대 후반 이후 인기가 급증하여 다른 유럽 국가에서도 점점 인기를 얻고 있으며, 여기서 인테그랄 형식은 경우에 따라 특히 스페인에서 토종 만화에도 사용됩니다. 네덜란드와 독일, 그들 중 일부는 프랑스어로 상호 번역되었습니다. 2017년 현재 프랑스-벨기에 만화 출판사들은 모두 자체적으로 또는 다른 유럽 국가들을 위해 지역 출판사에 라이선스를 제공하거나 네덜란드어판의 경우와 마찬가지로 인테그랄을 출시하는 데 참여하고 있습니다.[85]

스타일즈

보다 최근의 만화는 더 이상 하나의 예술 스타일로 쉽게 분류될 수 없지만(새로운 또는 다른 예술 스타일의 도입은 제외하고), 시장을 개척한 오래된 예술가들은 은퇴하고 있지만, 처음에는 세 가지 기본적인 것이 있었습니다. 1970년대 중반 이전의 이 분야의 독특한 스타일은 특히 벨기에 혈통을 가진 만화에 등장합니다.

초기의 위대한 인물 중 한 명인 벨기에 출신의 조세프 "지예" 길리안은 세 가지 스타일 모두의 만화를 창작한 것으로 유명합니다. 그의 초기 작품의 도식적인 스타일, 그의 후기 유머러스한 만화의 "코믹-다이내믹" 스타일, 그리고 현실적인 스타일의 만화를 창작한 것으로 유명합니다. 제2차 세계대전 중 점령된 독일인들이 이 미국 만화들의 수입을 금지한 후 프레드 하만의 레드 라이더와 같은 현실적인 만화들을 완성해야 했을 때 그가 얻은 후자의 스타일. 처음에 지예는 하만과 같은 미국 예술가들의 스타일에 영향을 받아 독특하게 사실적인 스타일을 발전시켰고, 이것은 현실적인 만화를 만드는 데 경력을 쌓고자 하는 미래의 프랑스/벨기에 인재들에게 주요한 영감이 되었습니다. 장 클로드 메지에르(Jean-Claude Mézières)는 유명한 공상과학 소설 발레리안(Valérian)과 라우렐린(Laurelin)을 "코믹 다이내믹(comic-dynamic)" 스타일로 실제로 시작했지만, 전자의 흔적은 그의 외계인에 대한 묘사에서 식별할 수 있지만, 현실적인 스타일로 빠르게 끌렸습니다. 따라서 세 가지 기본적인 예술 양식이 혼합된 초기 예를 구성했습니다. 또 다른 모호한 예는, 이전에도 현실적이고 도식적인 스타일의 특징을 모두 가지고 있지만 명확하게 둘 중 하나로 분류되거나 기껏해야 "중간" 스타일로 분류될 수 없는 자신만의 독특한 스타일로 만화를 만든 빅터 휴비논(벅 대니, 레드비어드)의 창작물에 관한 것이었습니다.

사실적인 스타일

현실적인 만화는 종종 힘들 정도로 상세합니다. 만화가 그림인 동시에 가능한 한 자연스럽고 설득력 있게 보이도록 노력합니다. 스피드 라인이나 과장된 표현은 사용하지 않습니다. 이 효과는 종종 도식적이거나 만화적인 만화에 비해 덜 균일하고 원초적이지 않은 채색에 의해 강화됩니다. 유명한 예로는 Jijé의 Jerry Spring, Giroud의 Blueberry, 그리고 Rosi ń스키의 Thorgal이 있습니다.

코믹다이나믹 스타일

이것은 거의 바르샤바의 프랑킨과 Uderzo 노선입니다. 필로테의 유머러스한 만화들은 거의 전적으로 만화적인 것이었고, 스피루와 레초 데 사바네스의 만화들도 마찬가지였습니다. 이 만화들은 매우 동요된 그림을 가지고 있으며, 종종 그림에 강조를 더하기 위해 다양한 두께의 선을 사용합니다. Franquin, Morris, Jean Roba, Peyo 등 Spirou를 위해 이러한 스타일로 작업하는 예술가들은 종종 Marcinelle school로 분류됩니다.

도식화 스타일(리그니끌레르 스타일)

도식화의 주요 요소는 현실을 쉽고 명확한 선으로 축소하는 것입니다. 대표적인 것은 그림자의 부족, 기하학적 특징 및 현실적인 비율입니다. 또 다른 특징은 속도선이 거의 없거나 거의 없는 "느린" 그림과 거의 균일한 스트로크입니다. 벨기에의 클린 라인 스타일 또는 리그니 클레어로도 알려져 있습니다. 틴틴의 모험은 이것의 아주 좋은 예일 뿐만 아니라, 현재 그것은 현대 유럽 만화에서 사용되는 스타일의 원본 템플릿으로도 간주됩니다. 이 스타일의 다른 작품들은 지예의 초기 만화로, 그는 이 스타일을 작업했을 뿐만 아니라 아르데코 요소를 추가하여 확장하여 여러 학자들이 분리된 스핀오프 스타일을 고려하게 된 결과 "아톰 스타일"을 만들었습니다.[86][87] 이 지제 특유의 만화 스타일은 각각 이브 샬랑, 에버 뮐렌, 주스트 스와르트와 같은 프랑스, 플랑드르, 네덜란드 예술가들의 후기 작품에서 부활을 누렸고, 그들 중 후자는 1977년 실제로 대체 "리그네 클레어"라는 이름을 만들었습니다.[88]

비록 지예는 그의 고향인 벨기에 밖에서 망각 속에 어느 정도 물러났지만, 그는 Franquin과 Moebius와 같은 그가 가르쳤던 동료들과 다른 사람들 모두에게 높은 존경을 받고 있고, 그의 다재다능함은 Ric Hochett과 Chick Bill의 작가인 동료 예술가 Tibet로부터 높은 칭찬을 받을 정도로 그것이 칭송을 구했습니다. "만약 에르게가 아버지의 신으로 간주된다면, 지예는 의심할 여지 없이 대부입니다"라고 말한 바 있습니다.[87] 지예 이후에는 프랑스인(필립 드루일렛, 장 지로, œ비우스 역), 자크 타르디, 애니 괴팅거, 프레드), 이탈리아인(기도 크레팍스, 휴고 프랫, 로렌조 마토티, 아틸리오 미켈루치) 1970년대 중반부터 토종 출판물을 위해 직접 창작함으로써, 때로는 기존의 세 가지 기본 스타일의 광범위한 혁신/현대화/확장, 때로는 완전히 새로운 대안적인 예술 스타일을 점점 더 많이 도입한 만화 예술가들. 또는 번역을 통해 주요한 영향을 받게 됨으로써, 유럽은 특히 이탈리아인들에게 그러했습니다.

외국만화

다른 유럽 국가들의 만화들

현지 출판물의 수가 많음에도 불구하고 프랑스와 벨기에 편집자들은 전 세계의 만화를 다양하게 각색하여 발표합니다. 여기에는 특히 귀도 크레팍스, 휴고 프랫, 마일로 마나라와 같은 여러 국가의 다른 유럽 출판물과 다니엘 토레스와 함께 다소 덜한 스페인, 알베르토 브레시아, 엑토르 제르만 외스터헬드, 호세 안토니오 무뇨스와 같은 국가의 다른 유럽 출판물이 포함됩니다. 유명한 독일인(Andreas, Matthias Schultheiss), 스위스인(Derib, Cosey[fr], Zep, Enrico Marini), 폴란드인(Grzegorz Rosinski) 작가들은 거의 독점적으로 프랑스-벨기에 시장과 글레나트, 그리고 가장 눈에 띄는 르 롬바르드와 같은 출판사들을 위해 일합니다. 마찬가지로, 프랑스로 귀화한 유고슬라비아 엔키 빌랄은 프랑스 출판사 다르고와 그 후 레 후마니노 ï데 협회에서만 일했고, 네덜란드의 그래픽 소설가 폴 텡은 그의 경력이 모국에서 성공하지 못한 후 처음에는 르 롬바르드로, 그 후 다르고로 전환하기 전에 캐스터맨에서 일했습니다.

미국과 영국의 만화

특히 전통적인 슈퍼히어로 장르의 미국과 영국의 고전 만화책은 위에서 살펴본 바와 같이 프랑스와 벨기에 만화 시장에서 잘 대표되지 않습니다. 윌 아이스너와 아트 슈피겔만의 그래픽 소설 작품(아수이브르에서 처음 프랑스어로 출판됨)은 유럽 본토에서도 영어 표현을 채택할 정도로 높은 존경을 받고 있지만, 특히 캐스터만이나 레 후마니노 ï데스 어소시에즈가 출판한 것과 같은 성숙한 작품에서 실제로 영어 표현을 채택하게 되었습니다. 그럼에도 불구하고, 피너츠와 칼빈과 홉스와 같은 몇몇 만화는 프랑스와 벨기에에서 상당한 성공을 거두었습니다. 그러나, 미국과 영국의 창작물들이 프랑스-벨기에 만화계의 관심을 끌었던 것은 그래픽 소설 분야였습니다. 그들의 초기 작품들은 미국의 언더그라운드 코믹스 장면에서 시작한 Richard Corben과 Bernie Wrightson이었습니다. 예술가들이 큰 스튜디오에서 제작하는 고전적인 미국 만화와 거리를 두려는 의도로 만화를 만든 곳입니다. 두 사람은 모두 Metal Hurlant American Spin-off Heavy Metal에 출판되었고 프랑스의 어머니 잡지를 위해 상호 번역되었습니다. 언급한 바와 같이, 헤비 메탈은 닐 게이먼과 마이크 미뇰라와 같은 영어권 만화 창작자의 젊은 세대 전체에게 예술적으로 깊은 영향을 미쳤습니다. 그들은 그 이후로 더 현대적이고 성숙한 만화를 만들기 시작했습니다. 1988년 자회사 코믹스 USA를 설립했을 때 출판사 Glénat이 주목한 것이 바로 이 코믹스들이었습니다. 사실 고전 슈퍼히어로 장르의 (하드커버!) 만화책 크기의 출판물로 시작했지만 젊은 세대의 예술가들에 의해 만들어진 이 고전 미국 만화는 설득력 있는 컴백에 실패했고 48개의 이슈 끝에 1991년에 자회사가 문을 닫았습니다.[89] 그 후, Glénat은 이미지 코믹스, 다크 호스, 오니 프레스와 같은 출판사의 현대 미국 그래픽 소설의 음반 발매에 초점을 맞춘 동시 Glénat Comics [fr] 각인에만 집중했습니다.[90] 글레낫은 1986년 현재 미국/영국 그래픽 소설(그리고 일본 만화)을 전문으로 하는 신인 델코트에 의해 실제로 선행되었습니다. 고전 이후의 슈퍼히어로 시대 중, 마이크 미뇰라는 프랑스어로 번역된 미국 만화가들 중 가장 많은 사람들 중 한 명이 되었습니다.[91] 최근 이글모스 컬렉션과 DC 코믹스는 DC 코믹스를 통해 미국의 대표적인 슈퍼히어로 장르에 프랑코폰 독자층을 재도입하기 위한 또 다른 시도에 착수했습니다. 르 메이유르 데 슈퍼 [92]헤로스 컬렉션은 지난 해 21세기 마블 코믹스 영화 각색의 획기적인 성공을 활용하기 위해 마블 코믹스: 라 컬렉션을 출시한 출판사 하셰트에 이어 2015년 프랑스어로 출시되었습니다.[93]

일본의 만화

일본 만화는 1990년대 초부터 중반까지 더 많은 관심을 받기 시작했습니다. 최근에는 타니구치 지로와 같은 독립 작가들을 중심으로 더 많은 만화들이 번역되고 출판되고 있습니다. 만화는 현재 프랑스에서 만화 판매의 4분의 1 이상을 차지하고 있습니다.[94] 일본 만화에서 영감을 얻는 프랑스 만화는 만프라(또는 프랑가, 만화 프랑세 또는 글로벌 만화)라고 불립니다.[95][96] 게다가, 프랑스-벨기에와 일본 학교들을 통합하려는 시도로, 만화가 프레데릭 부일레트가 라누벨 만화 운동을 시작했습니다. 만화가 정복한 시장 점유율을 보여주는 것은 다르가드가 1996년에 만화 프랑스어 출판물을 자체 전문 출판사인 카나로 분사했으며, 현재 이미 설립된 전문 출판사인 델코트와 함께 공동으로 존재하고 있으며, 2000년부터 전문 출판사인 피카에디션, 쿠로카와, 카제, 키운이 합류했습니다. 2014년 델코트는 이미 1993년에 설립된 초기의 전문가 통캄을 인수했습니다.

컨벤션과 저널리즘의 전문성

벨기에와 프랑스에는 많은 만화 컨벤션이 있습니다. 가장 유명하고, 권위 있고, 가장 큰 축제는 1974년 프랑스 앙굴렘에서 시작된 연례 축제인 앙굴렘 국제 만화 축제(Festival de la band dessinée d'Angouloulme)입니다. 그 형식은 다른 유럽 국가들에서도 채택되었습니다. 놀랄 것도 없이, 프랑스-벨기에 만화들이 이 나라들에서 즐기는 인기를 고려할 때, 그것들은 일반적으로 더 소박한 크기이지만, 이탈리아의 "루카 코믹스 & 게임" 축제(est. 1965)는 이름에서 알 수 있듯이, 앙굴렘 축제는 만화를 넘어, 만화에만 국한된 반면, 축제는 예외입니다. 문화부 장관으로 재임하는 동안, Jack Lang은 반데시네의 문화적 지위를 증진시키기 위한 그의 노력의 일환으로 이 축제의 자주 초대 손님이었고, 1985년 장 지로가 이 축제의 가장 권위 있는 상을 받았을 때를 포함하여 만화 예술가들에게 이 축제의 상을 직접 수여했습니다.[97] 랑이 국립 만화 박물관의 등장을 발표한 다음 해에 축제의 이전 판에.

일반적인 컨벤션은 독창적인 예술품의 전시, 작가와의 서명회, 소형 프레스 및 팬진 판매, 시상식 및 기타 만화 관련 활동입니다. 또한, 다른 카운티의 일부 예술가들은 앙굴렘과 다른 축제로 그들의 작품을 보여주고 팬들과 편집자들을 만나기 위해 여행을 갑니다. 앙굴렘 축제는 매년 6,000~7,000명의[99] 전문가와 800명의 언론인을 [98]포함하여 200,000명 이상의 방문객을 끌어 모읍니다.[100] 다른 대중 문화 미디어 표현이 점점 더 우선시되고 있는 미국 코믹 콘과 달리, 특히 영화 및 TV 제작과 같은 유럽 대륙 만화 컨벤션은 오늘날까지 원천 매체인 인쇄 만화에 크게 기반을 두고 있습니다. 그러나 미국식 만화 컨벤션도 인기를 끌고 있지만, 항상 영어 교파의 전통적인 반데시네 축제와는 별개로, 인쇄물이 미국 만화책과 일본 만화 출판물에 초점을 맞추고 있습니다.

가장 오래된 프랑스-벨기에 만화 협약 중 하나는 앞서 언급한 클로드 몰테르니에 의해 공동 설립된 "파리 협약" (1969–2003)이었습니다. Moliterni는 (보통 예술가 Robert Gigi의 경우) 반데시네 작가였지만, 그는 주로 미디어를 위한 지칠 줄 모르는 챔피언으로 유명해졌고, 그 과정에서 프랑스 최초의 진지한 만화학자들 중 한 명인 Phénix (Périodique) [fr] (1966-1977)를 전 세계적으로 최초의 전문적이고 진지한 만화 저널 중 하나로 시작했습니다. 그리고 그 주제에 대해 수많은 기사, 참고서, 그리고 나중에 (공동)전문 웹사이트를 launching하기도 합니다. 그렇게 함으로써 Moliterni는 동등하게 유명한 미국인이지만 프랑스 태생의 만화 학자인 Maurice Horn의 유럽 대응물이 되었습니다. 그는 경력 초기에 실제로 Moliterni와 협력했던 동시대 사람입니다.[101] 이 외에도, 몰리테니는 만화 컨벤션의 다작 설립자가 되었습니다. 그가 처음으로 공동 설립한 것은 사실 루카의 것이었습니다. 그 경험을 바탕으로 얻은 경험은 파리의 것에 유용하게 사용되었습니다. Moliterni는 프랑스와 이탈리아에서 그가 가장 유명한 앙굴렘을 포함하여 7개의 컨벤션과 상설 전시회를 공동으로 설립했습니다. 매체를 위한 그의 노력은 프랑스 민간 기사 작위를 세 번이나 획득했습니다.[102]

Moliterni가 개척한 선구적인 저널리즘과 그 이후의 학문적 접근법은 프랑코폰 문화의 성숙한 부분으로 매체를 받아들이는 데 크게 도움을 주었으며, Henri Filippini[fr], Tierry Groensteen, Stan Barets[fr], Numa Sadoul과 같은 그의 후계자들에게 영감을 주었습니다. 이미 언급한 보크와 가우머와 라티에는 그의 뒤를 이었습니다. 우연히 Gaumer와 함께, Moliterni는 Morris와 공동 편집했던 1964-1967 Spirou 기사 시리즈를 다시 보게 되었고, 그 결과 편집되고 크게 향상된 참고 문헌 사전(Dictionette mondial de la bande dessinée)이 되었습니다. ISBN2035235103)은 프랑스의 저명한 백과사전 출판사인 Editions Larousse가 1994년에 출판한 것으로, Horn의 1976년작인 The World Encyclopedia of Comics(ISBN0877540306)와 매우 유사한 작품으로, 이전의 Spirou 기사 시리즈와 크게 유사합니다.

마찬가지로, 그의 Phénix 무역 저널도 서유럽 전역에서 많은 후계자들이 뒤따르는 것을 보았습니다. 사실, 두 번째로 오래된 유럽의 전문 만화 무역 저널은 1968년에 시작되어 두 번째 프랑코폰 만화 저널(Les Cahiers de la bande dessinée [fr]) 이전에 네덜란드에서 bande dessinée의 결정적인 돌파구와 동시에 시작된 네덜란드 스트립슈리프(Dutch Stripschrift[nl])였습니다. 1969년 자크 글레낫(Jacques Glénat[fr])에 의해 슈트룹프(Schtroumpf)로 출범했고, 사실상 그의 이름과 같은 출판사의 창립 블록이 이 싸움에 뛰어들었습니다. Stripschrift는 출판 첫 2년 동안 콘텐츠에 대해 사실상 Phénix에 매우 의존했으며, 프랑스의 시조와는 달리 2020년 현재 여전히 출판되고 있으며 전 세계적으로 가장 오래된 것으로 알려진 전문 만화 저널입니다.

영향력과 인기

프랑코-벨기에 만화는 대부분의 유럽 언어로 번역되었으며, 그 중 일부는 세계적인 성공을 거두었습니다. 네덜란드어판을 제외한 일부 잡지는 그리스어, 포르투갈어, 이탈리아어, 스페인어로 번역되었고, 외국 잡지는 프랑스-벨기에 만화 중 최고의 것으로 채워졌습니다. 프랑스와 벨기에에서는 대부분의 잡지가 그 이후 사라졌거나 사회 경제적인 이유로 발행부수가 크게 줄었습니다. (그러나 대부분의 현대 독자들은 더 이상 매주 또는 매월 분할하여 그들의 만화를 읽을 수 있는 인내심을 가지고 있지 않고, 대신에 그들에게 도매로 제공되는 이야기를 선호하기 때문입니다.) 그러나 출판되고 판매된 음반의 수는 비교적 높은 수준을 유지하고 있으며, 대부분의 새 타이틀은 현재 이전 잡지 연재 없이 직접 음반으로 출판되고 있으며, 여전히 청소년 시장에서 가장 큰 성공을 거두고 있습니다. 이 상황은 다른 유럽 국가에서도 반영되었습니다. 그 형식으로서, 프랑코-벨기에 만화는 유럽 전역에서, 특히 이웃 국가인 벨기에와 프랑스에서, 거의 보편적으로 채택되어 왔습니다. (그리고 이탈리아를 포함하여, 그 나라는 그 나라만의 풍부하고 번성한 만화 문화를 가지고 있었고, 네덜란드는 최초의 얼리 어답터로서,) 첫 번째가 아니라면, 그렇게 하기 위해서), 영국을 제외하고, 프랑스-벨기에 만화가 유럽 만화계에서 현저한 힘으로 자리를 굳혔습니다.

그러나 가장 위대하고 지속적인 성공은 주로 1940년대, 1950년대, 1960년대에 시작된 일부 시리즈(럭키 루크, 스머프, 아스테릭스 포함)와 더 오래된 틴틴의 모험, 뫼비우스와 같은 작가들이 비평가들의 찬사를 받았음에도 불구하고, 더 많은 최근 시리즈들은 유럽 본토와 프랑스에 역사적으로 신세를 진 해외 영토 밖에서 큰 상업적 영향을 미치지 못했습니다. 2017년 현재 프랑스-벨기에 만화가 여전히 선전하고 있는 해외에서 이례적인 예외 중 하나는 프라카쉬 출판사가 자체적으로 "사자/무투 코믹스"를 각인시켜 출판한 타밀어 번역(인도 남동부, 타밀 나두 및 스리랑카 섬 주에서 사용)이 인도 아대륙으로 밝혀졌습니다. 비록 그들의 매력은 1960-1980년대에 구상된 청소년 독자층을 위한 고전 시리즈에 다소 국한되어 있지만, 그들의 인기는 매우 인기가 있는 것으로 증명되었고, 더 최근의 더 성숙한 시리즈는 아직 그 영역에서 인상을 주지 못했습니다.

주목할 만한 만화

프랑코-벨기에 그룹에서 수백 편의 만화 시리즈가 제작되었지만, 몇몇은 다른 것들보다 더 주목을 받습니다. 나열된 대부분의 제품은 청소년 또는 청소년 시장을 대상으로 합니다.

참고 항목

메모들

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외부 링크