그래픽 노블

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그래픽 소설은 연속 예술의 긴 형태의 작품입니다. 그래픽 노블이라는 용어는 픽션, 논픽션, 앤솔로지스틱 작품을 포함하여 광범위하게 적용되는 경우가 많지만, 이러한 관행은 만화학자들과 업계 전문가들 사이에서 치열한 경쟁을 벌이고 있습니다. 적어도 미국에서는 일반적으로 만화 정기 간행물 및 무역 페이퍼백(미국 만화책 참조)에 사용되는 만화책이라는 용어와는 일반적으로 구별됩니다.[1][2]

팬 역사가 리처드 카일(Richard Kyle)은 1964년 11월호 만화 팬진 카파 알파(Capa-Alpha)의 에세이에서 그래픽 노블(graphic novel)이라는 용어를 만들었습니다.[3][4] 이 용어는 윌 아이스너의 신과의 계약(1978)과 마블 그래픽 노블(1982)의 시작 이후 만화계에서 인기를 얻었고 1986년 아트 슈피겔만의 묘 1권의 상업적 성공 이후 1980년대 후반 대중에게 친숙해졌습니다. 1986년 프랭크 밀러의 '다크 나이트 리턴즈'와 1987년 앨런 무어와 데이브 기븐스의 '워치맨'을 모아놓은 판본들입니다. 책 산업 스터디 그룹은 2001년부터 서점에서 그래픽 소설을 카테고리로 사용하기 시작했습니다.[5]

정의.

메리엄-웹스터의 사전적 정의는 "만화 형식으로 제시되고 책으로 출판되는 허구적 이야기"이지만 이 용어는 엄격하게 정의되지는 않습니다.[6] 연속적인 이야기를 형성하지 않는 만화책의 모음, 느슨하게 관련된 작품들의 문집이나 모음, 심지어 논픽션까지도 그래픽 소설로서 도서관과 서점에 보관되어 있습니다(극적인 이야기가 "만화" 책에 포함되는 방식과 유사합니다).[citation needed] 이 용어는 또한 책 형태로 출판된 만화책 시리즈의 이야기 아크 모음이나 모음집과 대조적으로 독립적인 이야기로 만들어진 작품을 구별하기 위해 사용되기도 합니다.[7][8][9]

유럽 대륙에서는 휴고 프랫의 "짠해의 발라드" [citation needed][10](1967)나 귀도 부젤리의 "라리볼타 데이 라치" (1967)와 같은 책 길이의 원작과 만화 모음집이 흔히 앨범이라고 불리는 하드커버 책으로 출판되어 왔습니다. 19세기 말부터 (1930년대 틴틴의 모험과 같은 후대의 프랑스-벨기에 만화 시리즈를 포함).

역사

그래픽 소설의 정확한 정의가 논의되면서 형태의 기원은 해석에 열려 있습니다.

오바디아 올드벅의 모험은 이 목적을 위해 사용된 가장 오래된 인정받는 미국 만화의 예입니다.[11] 그것은 1828년 출판된 Histoire de M으로 시작되었습니다. Vieux Bois는 스위스의 캐리커쳐 작가 Rodolphe Töpper에 의해 1841년에 런던의 Tilt & Bogue에 의해 처음으로 영어 번역으로 출판되었고, 그는 1833년 파리 해적판을 사용했습니다.[12] 최초의 미국 판본은 1842년 뉴욕의 Wilson & Company에 의해 1841년 판본의 원본 인쇄판을 사용하여 출판되었습니다. 또 다른 초기의 전신은 J. A. D.와 D. 형제의 예레미야 새들백의 금광으로의 여행입니다. F. 오바디아 올드벅의 모험에서 영감을 받은 읽기.[12] 1894년, 까르당 아체는 르 피가로 신문에 보낸 편지에서 "그려진 소설"에 대한 생각을 꺼냈고, 360페이지에 달하는 단어 없는 책을 작업하기 시작했습니다.[13] 미국에서는 기존에 출판된 만화를 책 형태로 재발행하는 오랜 전통이 있습니다. 1897년, 허스트 신디케이트는 리차드 아웃코의 옐로우 키드(The Yellow Kid) 모음집을 출판했고 그것은 빠르게 베스트 셀러가 되었습니다.[14]

1920년대부터 1960년대까지

1920년대에는 벨기에의 프란스 마세릴(Frans Masereel)이 이 부활의 "논쟁의 여지가 없는 왕"으로 언급되면서 중세 목판 전통이 부활했습니다.[15] 그의 작품은 열정적인 여행(1919)을 포함합니다.[16] 미국의 린드 워드도 이 전통에 따라 1929년에 Gods' Man을 출판했고, 1930년대에는 더 많이 출판했습니다.[17][18][better source needed]

이 시기의 다른 원형적인 예로는 하드커버 책으로 출판된 단어 없는 만화인 미국 밀트 그로스의 "He Done Her Wrong" (1930)과 초현실주의 화가 막스 에른스트의 콜라주로 구성된 연속적인 이미지의 소설 "Une semaine de bonté" (1934)가 있습니다. 마찬가지로, 샬롯 살로몬의 삶? 아니면 극장? (composed 1941–43)은 이미지, 내러티브, 캡션을 결합합니다.

다이제스트 사이즈의 "그림 소설" 그것은 그래픽 소설의 한 선구자인 Lust (1950)와 운을 뗀다. 맷 베이커와 레이 오스린의 커버 아트.

1940년대에는 주목할 만한 공공 영역 소설을 주로 젊은 독자들을 위한 독립형 만화책으로 각색한 만화책 시리즈인 Classic Illustrated의 출시가 있었습니다. 시민 13660은 제2차 세계 대전 동안 일본의 억류 생활을 묘사한 소설로 1946년에 출판되었습니다. 1947년 포셋 코믹스는 코믹스 소설 1호: "죽음의 독재자 아나르코"를 출간했습니다.[19] 1950년, 세인트 존 퍼블리케이션스(St. John Publications )는 소화기 크기의 성인 지향적인 "그림 소설" 이트 라임즈 위드 러스트(It Rhymes with Lust)라는 이름의 계획적이고 조작적인 빨간 머리가 주인공인 스틸타운 생활의 느와르(noir) 영향을 받은 단편 영화입니다. 표지에 "원작 장편소설"이라고 선전된 동명의 작가 "드레이크 월러"(아놀드 드레이크와 레슬리 월러), 연필 작가 맷 베이커, 잉커 레이 오스린의 128페이지 분량의 다이제스트는 관련 없는 두 번째 장편소설로 이어질 만큼 충분히 성공적임이 입증되었습니다. 펄프 소설가 매닝 리 스톡스와 일러스트레이터 찰스 라브의 윙크 부처의 사건.[20][21] 같은 해, Gold Medal Books는 Joseph Millard의 "악의 저택"을 발표했습니다.[22] 윌 아이스너의 다층 그래픽 소설 신과의 계약(1978)을 출판한 만화가 하비 커츠먼은 1959년에 출판된 4층짜리 대중 시장 페이퍼백 하비 커츠먼의 정글북(발란스 북스 #338K)을 쓰고 그렸습니다.[23]

1960년대 후반에 이르러 미국 만화 창작자들은 이 형태에 대해 더 모험적이 되어가고 있었습니다. Gil Kane과 Archie Goodwin은 40페이지에 달하는 잡지 형식의 만화 소설 "그의 이름은..."을 자체 출판했습니다. 1968년 세비지(어드벤처 하우스 프레스)는 마블 코믹스가 비슷한 형식의 스펙타클 스파이더맨 2호를 출판했습니다. 칼럼니스트이자 만화책 작가인 스티븐 그랜트는 또한 스탠 리와 스티브 디트코의 닥터 스트레인지 스토리가 1965년부터 1966년까지 연재되었지만 "최초의 미국 그래픽 소설"이라고 주장합니다.[24] 마찬가지로 평론가 제이슨 삭스는 마블의 정글 액션의 블랙 팬서 시리즈에서 1973년부터 1975년까지 방영된 13호의 "팬터의 분노"(코믹스의 첫 번째 제목, 자체 포함, 다중 이슈 스토리 아크)를 "마블의 첫 번째 그래픽 소설"이라고 언급했습니다.[25]

한편 유럽 대륙에서는 틴틴이나 아스테릭스와 같은 인기 있는 스트립의 연작을 수집하는 전통이 처음에는 연작으로 출판된 긴 형식의 서사로 이어졌습니다.[citation needed]

1968년 1월, 지금은 전설적인 책인 Vida del Che가 아르헨티나에서 출판되었습니다 - Héctor Germanan Oester가 쓰고 Alberto Breccia가 그렸습니다. 책은 체 게바라의 이야기를 만화 형식으로 풀어냈지만 군사독재정권이 책을 압수해 파괴했습니다. 나중에 수정된 버전으로 재발매되었습니다.

1969년에 작가 존 업다이크는 젊은 시절에 만화가가 되는 아이디어를 즐겼으며, 브리스톨 문학 협회에서 "소설의 죽음"에 대해 연설했습니다. 업다이크는 소설가들에게 새로운 탐구 영역의 예를 제시하며 "두 배의 재능을 가진 예술가가 생겨나지 못하고 만화 소설의 걸작을 만들 수 없는 본질적인 이유가 없다"고 말했습니다.[26]

근대

각본가 아치 굿윈(Archie Goodwin)과 예술가 플로터 길 케인(Gil Kane)의 블랙마크(Blackmark, 1971)의 디테일

길 케인과 아치 굿윈의 블랙마크(1971)는 밴텀북스에서 출판한 SF/검술 페이퍼백으로 원래는 이 용어를 사용하지 않았습니다; 30주년 기념판의 뒷면 얼룩 ( ISBN978-1-56097-456-7)은 이를 소급하여 "최초의 미국 그래픽 소설"이라고 부릅니다. 만화 예술 아카데미는 케인에게 "그의 페이퍼백 만화 소설"로 불리는 특별한 1971년 샤잠 상을 수여했습니다. 명명법이 무엇이든, 블랙마크는 캡션과 단어 풍선이 있는 만화책 예술의 119페이지짜리 이야기로, 전통적인 책 형식으로 출판되었습니다.

유럽 창작자들도 만화 형식으로 더 긴 이야기를 실험하고 있었습니다. 영국에서 Raymond Briggs는 Father Christmas (1972), The Snowman (1978)과 같은 작품을 제작하고 있었습니다. 비록 그 작품들이 더 성숙한 "바람이 불면" (1982)과 함께, 그 자신이 "스트립 만화의 바닥 없는 심연"에서 왔다고 묘사했지만, 이 용어의 인기를 계기로 그래픽 소설로 다시 marketed되고 있습니다. 그러나 브릭스는 "내가 그 용어를 너무 좋아하는지는 모르겠다"[27]고 지적합니다.

최초의 자칭 그래픽 소설: 1976-1978

1976년, "그래픽 소설"이라는 용어가 세 개의 다른 작품을 묘사하기 위해 인쇄판에 등장했습니다.

챈들러: 짐 스테란코의 레드 타이드(Chandler: Red Tide by Jim Steranko)는 1976년 8월 픽션 일러스트레이티드 각인으로 출간되어 일반 8.5 x 11인치 크기로 발매되었으며, 신문 판매대에서 판매되도록 디자인된 다이제스트 사이즈는 도입부에 "그래픽 소설"이라는 용어를 사용하고 표지에는 "시각 소설"이라는 용어를 사용했습니다. 윌 아이스너의 신과의 계약에 대한 이 용어의 사용은 2년 전으로 거슬러 올라갑니다. 따라서 이 소설은 이전에 출판된 부분에서 수집된 것이 아니라 원본 작품으로 완성된 최초의 현대 그래픽 소설로 여겨집니다.

Richard Corben의 Bloodstar (로버트 E의 이야기에서 각색). Howard), Morning Star Press, 1976년, 재인쇄되지 않은 오리지널 프레젠테이션에서도 '그래픽 소설'이라는 용어를 사용하여 먼지 재킷과 소개에 자신을 분류했습니다.

1967년부터 1972년까지 언더그라운드 코믹스로 연재된 조지 메츠거의 "Beyond Time and Again"[28]은 카일 & 휘리가 출판한 48페이지의 흑백 하드커버 책으로 모아졌을 때 내부 제목 페이지에 "A Graphic Novel"이라는 부제가 붙었습니다.[citation needed]

Robert E의 Bloodstar (1976). 하워드와 예술가 리처드 코벤


다음 해, 파리에서 10대를 보낸 테리 난티어는 미국으로 돌아와 Flying Buttress Publications를 설립하고, 나중에 NBM Publishing(난티어, 비올, 미네우스트친)으로 편입하고, 느와르 탐지 장르의 50페이지짜리 스푸프인 라켓 룸바를 출판했습니다. 프랑스의 독신 예술가 로로가 쓰고 그렸습니다. Nantier는 Enki Bilal의 The Call of the Stars로 그 뒤를 이었습니다. 회사는 이 작품들을 "그래픽 앨범"이라고 홍보했습니다.[29]

작가 겸 예술가인 Jack Katz의 1974년 코믹스와 코믹스 시리즈의 첫 6권은 트레이드 페이퍼백(Pocket Books, 1978년 3월)으로 수집되었으며,[30] 이 책은 스스로를 "최초의 그래픽 소설"이라고 묘사했습니다. 만화의 이슈들은 그들 자신을 "그래픽 산문", 또는 단순히 소설이라고 묘사했습니다.[citation needed]

마찬가지로, 작가 돈 맥그리거와 예술가 폴 굴라시의 사브르: 멸종위기종의 느린 퇴색 (Eclipse Books, 1978년 8월) - 미국 만화방의[31] 새로 생긴 "직판 시장"에서 팔린 첫 번째 그래픽 소설은 인터뷰에서 작가에 의해 "그래픽 앨범"이라고 불렸습니다. 출판사가 크레딧 페이지에 "comic 소설"이라고 이름 붙였지만요. "Graphic album"은 이듬해 Gene Day가 그의 하드커버 단편집 Future Day (Flying Buttress Press)에서 사용한 용어이기도 합니다.

또 다른 초기 그래픽 소설로는 마블 코믹스의 스탠 리와 잭 커비의 실버 서퍼(1978년 8월, 사이먼 & 슈스터/파이어사이드 북스)가 있습니다. 의미심장하게도, 이것은 만화가 Jules Feiffer의 Tantrum(알프레드 A)과 마찬가지로 전통적인 책 출판사에서 출판하고 서점을 통해 배포되었습니다. Knopf, 1979)[32]는 먼지 재킷에 "새로운 그림"이라고 묘사했습니다.

용어의 채택

사브르 (1978), 최초의 현대 그래픽 소설 중 하나. 폴 굴라시의 커버 아트.

더 긴 만화책을 "소설"이라고 쌍곡적으로 묘사하는 것은 이미 1940년대에 표지에 등장합니다. 예를 들어 DC 코믹스의 All-Flash의 초기호는 "소설의 내용"과 "전편의 4장 소설"이라고 설명했습니다.[33]

만화 평론가 리처드 카일은 처음 알려진 인용문에서 "그래픽 소설"이라는 용어를 코믹 아마추어 프레스 얼라이언스에서 발행하는 뉴스레터인 Capa-Alpha #2 (1964년 11월)에서 사용했고, 빌 스파이서의 잡지 판타지 일러스트레이티드 #5 (1966년 봄)의 기사에서 다시 사용했습니다.[34] 카일은 유럽과 동아시아 그래픽 앨범(특히 일본 만화)에서 영감을 받아 레이블을 사용하여 예술적으로 "심각한" 종류의 만화를 지정했습니다.[35] 그 후, 스파이서는 카일의 인정을 받아 1967년 가을에 그래픽 스토리 매거진이라는 제목의 정기 간행물을 편집하여 출판했습니다.[34] DC 코믹스의 48페이지짜리 초장편 만화 중 하나인 비밀연애의 불길한 집 #2 (1972년 1월)는 표지에 "고딕 테러의 그래픽 소설"이라는 문구를 구체적으로 사용했습니다.[36]

"그래픽 소설"이라는 용어는 윌 아이스너의 신과의 계약(1978년 10월)의 트레이드 페이퍼백(하드커버판은 아니지만)의 표지에 등장한 지 몇 달 만에 인기를 얻기 시작했습니다. 이 단편집은 아이스너 자신의 경험을 바탕으로 현실 세계의 평범한 사람들의 삶에 초점을 맞춘 성숙하고 복잡한 작품이었습니다.[37]

한 학자는 그래픽 소설을 사용하여 그래프화의 개념을 소개했는데, 이 이론은 소설에서 특정 인물, 설정, 사건, 사물에 대한 자신의 시각적 표현을 통해 예술가의 전체 성격을 볼 수 있으며, 드로잉 스타일을 조사하고 분석하는 수단으로 작동할 수 있습니다.[38]

비록 아이스너의 신과의 계약은 1978년에 마침내 작은 회사인 바론 프레스에 의해 출판되었지만, 아이스너는 그의 작품이 대중 시장에 도달할 수 있는 출판사를 찾는데 1년이 넘게 걸렸습니다.[39] 소개에서 아이스너는 린드 워드의 1930년대 나무 조각(위를 참조)을 영감으로 꼽았습니다.[40]

신과의 계약의 비판적이고 상업적인 성공은 일반적인 사용에서 "그래픽 소설"이라는 용어를 확립하는 데 도움이 되었으며, 많은 자료들은 아이스너가 그것을 처음 사용한 것으로 잘못 인정했습니다. 여기에는 2003년 타임지 웹사이트가 포함되어 있는데, 이 웹사이트는 수정에서 "아이즈너는 '그래픽 소설'이라는 용어가 자신의 책보다 먼저 만들어졌다는 것을 인정합니다. 그러나 그는 '누군가가 전에 그 용어를 사용했다는 것을 그 당시에는 몰랐다'고 말합니다. 또한 그는 최초의 그래픽 북을 만든 것에 대해서도 인정하지 않습니다."[41]

2004년 윌 아이스너

포스트 아이즈너라는 용어의 가장 초기의 현대적인 적용 중 하나는 1979년에 이루어졌는데, 1970년대 초에 쓰여지고 그려졌지만 신과의 계약 이후 1년 후에 출판된 블랙마크의 후속편이 마블 코믹스의 흑백 만화 잡지 마블 프리뷰 #17 (1979년 겨울)의 표지에 "그래픽 소설"이라는 라벨이 붙었고, 여기서 블랙마크는 다음과 같습니다. 더 마인드 데몬스는 117페이지의 내용은 그대로였지만 패널 배치는 62페이지에 맞게 재구성되었습니다.[citation needed]

그 후 1982년부터 1988년까지 마블은 10인치 × 7인치 트레이드 페이퍼백을 출판했습니다. 1위(짐 스탈린의 캡틴 마블의 죽음)부터 35위(데니스 오닐, 마이크 칼루타, 러스 히스의 히틀러의 점성가)까지 만화책처럼 번호를 매겼습니다. 하드커버로 개봉했습니다. 마블은 존 번, J.M. 드마티스, 스티브 거버, 그래픽 소설 선구자 맥그리거, 프랭크 밀러, 빌 시엔키에비치, 월트 시몬슨, 찰스 베스, 버니 라이트슨과 같은 창작자들에게 오리지널 그래픽 소설을 의뢰했습니다. 대부분의 마블 슈퍼히어로들이 주인공인 반면, 릭 베이치의 하트버스트와 같은 다른 것들은 독창적인 SF/판타지 캐릭터들을 특징으로 했고, 존 J. 무스의 드라큘라와 같은 다른 것들은 문학 이야기나 캐릭터의 각색을 특징으로 했습니다. 그리고 하나인 샘 글랜즈먼의 선원 이야기는 실제 제2차 세계 대전의 해군 이야기였습니다.[42]

1987년 미국(왼쪽)과 1995년 미국/영국/캐나다(오른쪽)는 각각 DC코믹스와 타이탄북스가 발간한 워치맨 판본을 모았습니다.

만화가 아트 슈피겔만의 퓰리처상을 수상한 마우즈(1986)는 주류 대중의 마음에 그래픽 소설이라는 용어와 개념을 확립하는 데 도움을 주었습니다.[43] DC 코믹스에서 자체 제작한 미니시리즈의 두 권의 재인쇄본도 마찬가지였지만, 원래 그래픽 소설로 출판되지는 않았습니다: 배트맨: 다크 나이트 리턴즈(1986)는 디스토피아적인 미래의 문제에 직면한 나이든 배트맨을 주인공으로 한 프랭크 밀러의 4부작 만화책 시리즈와 앨런 무어와 데이브 기븐스의 12부작 한정판 시리즈를 모은 워치맨(1986-1987)입니다. "히로시마 이후의 세계에서 힘의 역학관계".[44] 이러한 작품 등이 신문과 잡지 등에서 리뷰되면서 보도 확대로 이어졌습니다.[45] 배트맨과 함께 그래픽 소설의 판매가 증가했습니다. 다크 나이트 리턴즈([46]The Dark Knight Returns)는 영국 베스트셀러 목록에 40주간 실렸습니다.

그 용어의 유럽 채택.

북미 이외 지역에서는, 아이스너의 신과의 계약과 슈피겔만의 묘가 "그래픽 소설"이라는 표현의 대중화로 이어지기도 했습니다.[47] 그 전까지 대부분의 유럽 국가들은 내용이나 출판 형태가 아닌 매체의 형태를 지칭하는 중립적이고 기술적인 용어를 사용했습니다. 예를 들어, 프랑코폰 유럽에서는 문자 그대로 "drawed strip"로 번역되는 dessinées라는 표현이 사용되는 반면, stripverhaal(스트립 스토리)과 tegneserie(drawed series)라는 용어는 네덜란드어/플레미시어와 스칸디나비아어에서 각각 사용됩니다.[48] 유럽 만화 연구 학자들은 미국인들이 원래 표준 32페이지짜리 만화책 형식에서 벗어난 모든 것에 그래픽 소설을 사용했다는 것을 관찰했는데, 이는 내용에 관계없이 더 크고 긴 모든 프랑코-벨기에 만화 앨범이 표제어에 속한다는 것을 의미합니다.[citation needed]

작가 겸 예술가인 브라이언 탤벗(Bryan Talbot)은 1982년 프루트(Proutt)에 의해 출판된 그의 '루터 아크라이트의 모험'(The Adventures of Luther Arkwright)의 첫 번째 컬렉션이 영국의 첫 번째 "그래픽 소설"이라고 주장합니다.[49]

미국의 만화 평론가들은 때때로 유럽의 그래픽 소설을 "Euro-comics"라고 부르기도 했고,[50] 1980년대 후반에 이러한 작품들로 미국 시장을 교차 수정하려는 시도가 있었습니다. 미국 출판사 Catalan Communications와 NBM Publishing은 주로 Casterman과 Les Humano ïdes Associés의 밀린 카탈로그에서 번역된 제목을 발표했습니다.

용어에 대한 비판

만화계 일각에서는 그래픽 노블이라는 용어가 불필요하거나 상업적 이해관계에 의해 사용이 변질됐다는 이유로 반대하고 있습니다. Watchman 작가 Alan Moore는 다음과 같이 믿고 있습니다.

마케팅 용어입니다. 전혀 공감하지 못했던 것 같아요. '코믹'이라는 용어는 저에게도 마찬가지입니다. 문제는 '그래픽 소설'이 '비싼 만화책'을 의미하게 되었다는 것입니다. 그래서 여러분이 얻을 수 있는 것은 DC 코믹스나 마블 코믹스와 같은 사람들입니다. 왜냐하면 '그래픽 소설'이 어느 정도 주목을 받았기 때문입니다. 그들은 최근에 출판된 어떤 가치도 없는 쓰레기들의 여섯 개의 이슈를 광택이 나는 표지 밑에 붙이고 그것을 '쉬헐크 그래픽 노블'이라고 부릅니다.[51]

작가이자 문화평론가인 글렌 웰던은 이렇게 썼습니다.

"그래픽 소설"이나 "순차적 예술"과 같은 용어들은 완전히 별개의 다른 매체들의 언어에 의존하며 은퇴하기에 완벽한 시기입니다. 게다가, 두 용어 모두 해체와 정당화의 필요성에 뿌리를 두고 있으며, 따라서 두 용어 모두 절망감을 풍기고, 받아들여질 굶주림을 갉아먹고 있습니다.[52]

작가 Daniel Raeburn은 "저는 첫 번째로 불안한 가식 때문에 신어학을 비웃습니다 - 그것은 마치 쓰레기 인간을 '위생 기술자'라고 부르는 것과 같은 문학적인 의미입니다 - 그리고 두 번째로 '그래픽 소설'은 사실 인정하기에 부끄러운 바로 그것, 즉 만화책 팸플릿이나 만화 잡지가 아닌 만화책이기 때문입니다."[53]라고 썼습니다.

작가 닐 게이먼은 자신이 만화책을 쓰는 것이 아니라 그래픽 소설을 쓴다는 주장에 대해 논평가는 "칭찬의 의미로 말한 것 같다"고 말했습니다. 하지만 갑자기 저는 그녀가 사실은 후커가 아니라 사실은 그녀가 저녁의 숙녀라는 것을 알게 된 사람처럼 느껴졌습니다."[54]

더글러스 월크 작가가 그래픽 소설과 만화책의 차이점은 "제본"이라고 말한 것에 대해, 본의 창작자 제프 스미스는 "저는 그런 대답을 좋아합니다. '그래픽 소설' 때문에... 저는 그 이름이 마음에 안 들어요. 너무 힘들어요. 만화책입니다. 하지만 다른 점이 있습니다. 그리고 차이점은 그래픽 소설은 시작, 중간, 끝이 있다는 의미에서 소설입니다."[55] 타임지의 작가인 자일스 코렌은 "그래픽 소설이라고 부르는 것은 소설이 카르믹부르크(만화책)보다 어떤 식으로든 '높다'고 추정하는 것이며, 그것이 일종의 소설로 생각되는 것만으로 예술 형식으로 이해될 수 있다"[56]고 말했습니다.

일부 대안 만화가들은 확장된 만화 내러티브를 위해 그들만의 용어를 만들었습니다. Daniel Clowes' Ice Haven (2001)의 표지는 이 책을 "만화 소설"이라고 언급하고 있는데, Clowes는 "만화책에서 어떤 잘못된 것도 본 적이 없다"고 언급했습니다.[57] (Craig Thompson's Blankes의 표지는 이 책을 "그림이 그려진 소설"이라고 부릅니다.)[citation needed]

참고 항목

참고문헌

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서지학

외부 링크