오케스트레이션

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오케스트레이션은 오케스트라를 위해 음악을 쓰거나 오케스트라를 위해 다른 매체를 위해 작곡된 음악을 개작하는 학문 또는 연습입니다.오케스트레이션은 "Instrumentation"이라고도 불리며, 음악 작품의 다른 부분(예: 멜로디, 베이스라인 등)을 연주하기 위해 다른 악기를 할당하는 것입니다.예를 들어, 솔로 피아노를 위한 작품을 오케스트라가 연주할 수 있도록 각색하고 편곡하거나, 교향악단을 위해 콘서트 밴드 곡을 편곡할 수 있다.

클래식 음악에서 작곡가들은 역사적으로 그들 자신의 음악을 편곡해 왔다.음악 역사의 과정을 거치면서 오케스트레이션은 그 자체로 별개의 구성 예술과 직업으로 여겨지게 되었다.현대 클래식 음악에서 작곡가들은 거의 변함없이 그들 자신의 작품을 편곡한다.

하지만, 뮤지컬, 영화 음악 및 다른 상업 매체에서는, 작곡가의 시간적 제약이나/또는 훈련 수준이 그들 스스로 음악을 연주하는 것을 방해할 수 있기 때문에 오케스트라와 편곡자를 어느 정도 사용하는 것이 관례이다.

영화 음악에서 오케스트레이터의 정확한 역할은 매우 다양하며, 특정 작곡가의 요구와 기술에 따라 크게 달라집니다.

뮤지컬 극장에서 작곡가는 전형적으로 피아노/보컬 악보를 쓴 다음 피트 오케스트라가 연주할 악보를 만들기 위해 편곡가나 오케스트라를 고용합니다.

재즈 빅 밴드에서는 작곡가나 작곡가가 멜로디와 화음을 포함한 리드 시트를 쓰고, 한 명 이상의 오케스트레이터나 편곡자가 색소폰, 트럼펫, 트롬본, 그리고 리듬 섹션(베이스, 피아노/재즈/해몬드 오르간, 드럼)을 위한 파트를 만들어 이러한 기본적인 음악적 아이디어를 "풀어낸다".

직업으로서

오케스트레이터는 작곡가가 작곡한 곡에서 오케스트라나 다른 음악 합주단에 악기를 할당하거나 오케스트라를 위해 다른 매체를 위해 작곡된 음악을 적응시키는 훈련된 음악 전문가입니다.오케스트레이터는 뮤지컬 극장 프로덕션, 영화 제작 회사 또는 녹음 스튜디오에서 일할 수 있습니다.몇몇 오케스트라들은 대학, 음악원 또는 대학에서 가르친다.오케스트레이터에 의한 훈련은 다양하다.대부분은 음악 학사(B)와 같은 정규 중등교육 과정을 수료했습니다.음악 석사(M.Mus) 또는 아티스트 졸업장.대학, 대학, 음악원에서 가르치는 오케스트레이터는 석사학위나 박사학위(박사학위 또는 박사학위)를 소지해야 할 수 있다.가) 영화사, 뮤지컬 극단, 기타 단체에서 일하는 오케스트레이터는 학력이 없어도 오케스트레이션 경험만으로 고용할 수 있다.2010년대에는 말기 학위 및/또는 박사 학위를 소지하고 있는 교직원의 비율이 평가의 일부이기 때문에, 중등 후의 학원이 말기 및/또는 박사 학위를 요구하는 경우가 증가하고 있습니다.

실제로

오케스트레이션이라는 용어는 특정한 의미에서 멜로디, 화음 또는 리듬과 같은 음악적 측면을 묘사하기 위해 악기가 사용되는 방식을 말한다.예를 들어 C장조 화음은 C, E, G음으로 구성되어 있다.음이 측정의 전체 기간 동안 유지되는 경우, 작곡가 또는 오케스트레이터는 이 코드를 연주하는 악기와 어떤 레지스터에서 연주할 것인지 결정해야 합니다.목관악기와 금관악기를 포함한 일부 악기는 모노포닉이며 한 번에 한 음의 화음만 연주할 수 있다.하지만, 완전한 오케스트라에는 이러한 악기들 중 하나 이상이 있기 때문에, 작곡가는 클라리넷이나 트럼펫 그룹으로 화음을 기본적인 형태로 윤곽을 그릴 수 있다.현악기, 피아노, 하프, 음높이 타악기를 포함한 다른 악기들은 다가음이며 한 번에 두 개 이상의 음을 연주할 수 있다.따라서 작곡가/오케스트레이터가 현악기를 C장조 화음을 연주하고 싶다면 첼로 및 베이스에 낮은 C를, 비올라에는 G를, 제2바이올린에는 높은 E를, 제1바이올린에는 옥타브 높은 E를 할당할 수 있다.작곡가/오케스트레이터가 첫 번째 및 두 번째 바이올린에서만 코드를 연주하기를 원할 경우 두 번째 바이올린에 낮은 C를 부여하고 첫 번째 바이올린에 음표 G(오픈 스트링)와 E를 두 번 정지시킬 수 있습니다.

또한 오케스트레이션에서는 노트를 다른 레지스터에 배치하거나(예를 들어, 베이스에 대해 하향 조정), 두 배로 하거나(같은 옥타브와 다른 옥타브로), 다양한 수준의 역동성으로 변경할 수 있습니다.계측기, 레지스터 및 다이내믹스의 선택은 전체 톤 색상에 영향을 미칩니다.만약 C장조 화음이 트럼펫과 트롬본이 그들의 상위 음계에서 포르티시모를 연주하도록 조율되었다면, 매우 밝게 들릴 것이다; 그러나 만약 같은 화음이 첼리와 현악 베이스가 술맛을 연주하도록 조율되었다면, 바순과 베이스 클라리넷에 의해 두 배로, 그것은 무겁고 어둡게 들릴 것이다.

위의 예에서는 코드 오케스트레이션에 대해 설명했지만 멜로디 또는 단일 음표도 이러한 방식으로 오케스트레이션될 수 있습니다.또한 이러한 특정한 의미에서 오케스트라는 작곡가가 목관악 5중주, 현악 4중주 또는 콘서트 밴드를 위해 이 같은 C장조 코드를 오케스트라로 편성할 수 있기 때문에 반드시 오케스트라에만 국한되는 것은 아니라는 점에 유의하십시오.각각의 다른 앙상블에 의해 오케스트레이터/작곡자는 다른 톤의 "컬러"와 음색을 만들 수 있습니다.

멜로디도 편곡되어 있습니다.작곡가나 오케스트레이터는 머릿속으로, 혹은 피아노나 오르간을 연주할 때 멜로디를 떠올릴 수 있다.일단 멜로디를 생각하고 나면, 그들은 멜로디를 연주할 악기를 결정해야 한다.멜로디에 널리 사용되는 한 가지 방법은 첫 번째 바이올린에 멜로디를 할당하는 것입니다.첫 번째 바이올린이 멜로디를 연주할 때, 작곡가는 두 번째 바이올린을 한 옥타브 아래의 멜로디를 두 배로 하거나 두 번째 바이올린을 하모니 파트(종종 3번째와 6번째)를 연주하게 할 수 있다.때때로, 강렬한 효과를 위해 작곡가는 모든 현악기(바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스)가 동시에 선율을 연주할 것이라고 악보에 표시할 것이다.일반적으로 두 악기가 같은 음 이름을 연주하더라도 바이올린은 매우 높은 음을 연주하고, 비올라와 첼로는 낮은 음을 연주하며, 더블 베이스는 가장 깊고 낮은 음을 연주합니다.

또, 목관악기나 금관악기는, 작곡가/오케스트레이터가 원하는 효과에 따라, 효과적으로 멜로디를 전달할 수 있다.트럼펫은 강력하고 높은 음조로 멜로디를 연주할 수 있다.또는 트롬본이 멜로디를 연주하면 트럼펫보다 음이 낮고 음색이 무거워져 만들어지는 음악적 효과를 바꿀 수 있다.첼로에게 오케스트레이션의 반주 역할이 주어지는 경우가 많지만, 첼로에게 멜로디를 할당한 주목할 만한 사례도 있다.더 드문 경우, 더블 베이스 섹션(또는 주요 베이스)에 멜로디가 주어질 수 있다(예를 들어 프로코피예프의 중위 Kije 스위트의 고음역 더블 베이스 솔로).

현악기, 목관악기 등 특정 부분에 멜로디를 할당하면 현악기와 모든 목관악기가 잘 어우러지기 때문에 선율을 한 부분에 부여하고 다른 부분에 멜로디를 두 배로 늘리거나 다른 부분에 있는 악기로 연주하는 작곡가도 있다.예를 들어, 첫 번째 바이올린에 의해 연주되는 멜로디는 글록켄스피엘에 의해 두 배가 될 수 있으며, 이것은 멜로디에 반짝이는 차임벨 같은 색을 더할 것이다.또는, 픽콜로들이 연주하는 멜로디는 첼레스타에 의해 두 배가 될 수 있고, 이것은 소리에 밝은 톤을 더할 것이다.

20세기와 21세기에 현대 작곡가들은 기타 앰프를 통해 연주되는 전기 기타, 베이스 앰프를 통해 연주되는 전기 베이스, 테레민, 신시사이저와 같은 전자 악기를 오케스트라에 통합하기 시작했다.이러한 새로운 악기들의 추가는 작곡가들에게 오케스트레이션에서 음색 "색"을 창조하기 위한 새로운 선택권을 주었다.예를 들어, 20세기 후반 이후, 작곡가는 특이한 효과를 내기 위해 미래적으로 들리는 신시사이저나 테르민에 의해 첫 번째 바이올린에 의해 두 배로 연주되는 멜로디를 가질 수 있었다.

오케스트라 기악은 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 호른, 트럼펫, 트롬본, 튜바 등의 약어로 표현된다.^[1]자세한 내용은 괄호 안에 기재되어 있습니다.점은 플레이어와 플레이어를 구분하고 슬래시는 더블링을 나타냅니다.Timpani와 purcusion은 2Tmp+의 타악기 수로 표시됩니다.

예를 들어 3 [1.2.3/pic]2 [ 1 ] 。Eh] 3 [ 1.2.3 / Ebcl / bcl ]3 [ 1.2 / cbn . cbn ]tmp + 2 는 다음과 같이 해석됩니다.

• 플루트 연주자 3명, 피콜로 세 번째 더블링 ('플루트'는 연주자가 플루트와 피콜로를 연주할 수 있다는 의미)
• 오보이스트 2명, 잉글리시 호른 연주 2명
• 클라리넷 연주자 3명, E-Flat 클라리넷과 베이스 클라리넷에서도 3번째 더블링
• 바순 연주자 3명, 콘트라바순 연주자 2명, 콘트라바순 연주자 3명
• Timpani+2 타악기

예를 들어 말러 심포니 2는 4[1/pic.2/pic.3/pic.4/pic] 4[1.2.3/Eh.4/Eh] 5[1.2.3/bcl.4/Ebcl2]로 채점된다.Ebcl] 4 [ 1.2.3.4 / cbn ]-10 8 4 1 - 2 tmp + 4 - 2 hp - org - str

레퍼토리의 예

J.S 바흐

바로크 시대 동안, 작곡가들은 오케스트레이션의 표현 가능성에 대한 증가하는 인식을 보였다.일부 초기 바로크 작품들은 어떤 악기가 그 작품을 연주해야 하는지 지시하지 않고, 음악 그룹의 리더나 콘서트 마스터에게 남겨진 악기의 선택은 없지만, 특정한 악기를 지정하는 바로크 작품들이 있다.J. S. 바흐의 Magnificat, BWV 243 (1723)의 아리아 'et misericordia'에 대한 오케스트라 반주는 부드러운 악기 음색의 미묘한 조합인 플루트로 두 배의 음소거 현을 특징으로 합니다.

존 엘리엇 가디너(2013, 페이지 328)가 "바흐의 첫 크리스마스 시즌 최고의 영광 중 하나"라고 묘사한 바흐의 깨달음 칸타타 시에 베르덴 aus Saba alle Kommen BWV 65의 오프닝 코러스를 오케스트라로 소개하는 것은 바흐의 뛰어난 솜씨를 보여준다.8개의 바의 공간 내에서, 우리는 녹음기, 오보에 다 카치아, 호른과 현이 대조적인 음색, 공명, 질감의 "반짝반짝 빛나는 광택"을 내는 것을 듣는다.첫 번째 바의 현 페달 포인트에 딱 두 개의 호른에서 "이번에는 모든 목소리와 악기가 5옥타브에 걸쳐서 퍼지는 옥타브에 걸친 옥타브 유니언트 테마의 재현"까지.바 7-8:^[2]

이고르 스트라빈스키(1959, p45)는 오케스트라로서의 바흐의 기술에 감탄했다. "비길 데 없는 기악 문장이 바흐의 것이다.그의 바이올린 부분에서는 수지(로신) 냄새가 나고 오보에의 ^[3]갈대 맛을 볼 수 있다.

라모

장 필리프 라모는 "관현악 문장의 웅변은 전혀 새로운 것이었다...- 완전히 '현대적'^[4]인 색상[(즉, 톤 컬러 또는 음색)]에 대한 감각을 가지고 있습니다."그의 오페라 Les Boréades(1763)의 'Polymnie의 입구'에서 지배적인 현악 질감은 바순에 내려오는 비늘 형상으로 관통되어 나무들의 절묘한 조화를 이룬다.

그의 오페라 히폴리테 에 아리시의 아리아 'Rossignols amoureux'에서 Rameau는 독주 바이올린과 혼합된 두 개의 플루트로 사랑스런 나이트잉갈레 소리를 불러일으키고, 나머지 바이올린들은 배경에서 지속적인 음을 연주합니다.

하이든

조지프 하이든은 교향곡 형식의 선구자였지만 오케스트레이션의 선구자이기도 했다.교향곡 97번 미니엣에서 우리는 림스키 코르사코프가 하이든을 모든 오케스트레이션의 거장 중 가장 위대한 거장이라고 선언한 이유를 알 수 있다.독일 댄스밴드의 옴파파는 케틀럼과 트럼펫 피아니시모에 의해 가장 세련되게 연주되고, 시골스러운 글리산도는 혼의 우아한 음표와 솔로 바이올린으로 한 옥타브 높은 선율을 두 배로 함으로써 섬세한 우아함을 줍니다.이런 디테일은 섞이려는 것이 아니라 부조화하려는 것입니다.개별적으로 정교합니다.^[5]

하이든의 상상력과 독창성의 또 다른 예는 오케스트레이션이 얼마나 조화를 지원할 수 있는지를 그가 얼마나 잘 이해하는지를 보여주는 그의 교향곡 94번 ("깜짝 교향곡")의 두 번째 악장의 결말 부분에서 찾을 수 있다. 여기서 오보와 바순은 이 주제를 이어받으며 현악의 지속적인 화음은 "소프트, b"와 함께 반주한다.조화롭지 못한 조화를 이루다"^[6]플루트, 뿔, 팀파니가 혼합된 것을 더하고, 이 모든 것이 이러한 대기의 ^[7]결말을 특징짓는 "이상한 독기의 공기"에 기여합니다.

모차르트

모차르트는 ^[8]"화음 간격에 대한 신중한 태도"를 포함하여, "관현악 문자와 관련된 기악과 기악 효과의 문제에 매우 민감했다."H. C. 로빈스 랜든은 "모차르트의 ^[9]악보에 나타난 화려한 색채의 물결"에 경탄한다.예를 들어 교향곡 39번(K543)의 오프닝 악장은 현악기와 ^[10]목관악기 사이의 매력적인 대화로 음색의 혼합과 대비에 대한 작곡가의 절묘한 청각적 상상력을 보여준다.바 102-3은 4옥타브의 음역에 걸쳐 넓은 간격의 음성을 특징으로 합니다.첫 번째와 두 번째 바이올린은 10분의 1 간격으로 곱슬곱슬한 평행 멜로디 라인을 짜고, 이중 베이스의 페달 포인트와 뿔의 지속적인 옥타브에 의해 뒷받침됩니다.관악기는 104~5개의 막대로 반응하며 첼로 안에 거미 같은 상승 색조를 동반한다.

이를 우아하게 이어가는 것은 클라리넷과 베이스순이 있으며, 낮은 현이 베이스 음을 공급합니다.

다음으로, 현악기만을 위한 구절은 피지카토 첼로와 베이스와 휘어진 바이올린과 비올라를 혼합하여 대부분 3분의 1로 연주합니다.

목관악기는 이 4개의 소절을 반복하며 바이올린으로 첼로와 아코를 연주하는 베이스에 맞서는 멜로디를 추가한다.비올라는 바 115의 D플랫과 함께 여기에 중요한 조화 착색을 추가합니다.1792년, 초기 청취자는 이 운동의 눈부신 편성에 감탄했다. "거의 모든 오브블리가토 ^[11]부분에서 놀랄 만큼 웅장하고 풍부한 아이디어와 함께."

"그의 오케스트레이션의 주요 특징은 모차르트의 밀도이며, 이는 물론 그의 사고 ^[12]밀도의 일부입니다."모차르트의 오케스트레이션의 또 다른 중요한 기술은 반음주, 즉 오케스트라 내 다른 그룹들 간의 음악적 모티브 또는 "이데아"의 "호출과 응답" 교환이었다.반음절 부분에서 작곡가는 한 그룹의 악기를 멜로디 아이디어(예: 첫 번째 바이올린)를 소개하고, 목관악기가 이 멜로디 아이디어를 재연함으로써 "답변"하게 할 수 있다.그의 교향곡 41번(1788년)의 3중주 부분에서 플루트, 바순, 호른이 현과 주고받으며 첫 번째 바이올린 줄은 첫 번째 오보에에 의해 옥타브로 두 배가 되었다.

찰스 로젠(1971년, 페이지 240)은 모차르트의 피아노 협주곡, 특히 클라리넷을 믹스에 도입한 곡인 E플랫 장조 협주곡 K482의 협주곡에 감탄한다."이 협주곡은 음색에 대한 음악적 의존도가 가장 높으며, 사실 거의 항상 매력적입니다.그 공명성의 멋진 예 ^[13]중 하나가 시작과 거의 일치합니다."

처음 두 소절의 오케스트라 투티는 2-6 소절의 호른과 바순으로 대답한다.이 단락은 새로운 오케스트레이션으로 반복됩니다.

"여기서는 바이올린에 있는 특이한 소리가 솔로로 클라리넷에 베이스를 제공합니다.시퀀스의 단순성은 우리의 모든 관심을 톤 컬러에 집중시키고, 그 뒤에 이어지는 일련의 목관악 독주곡은 그것을 그대로 유지합니다.사실 전체 오케스트레이션은 모차르트가 원하거나 필요로 했던 것보다 훨씬 다양하고 제1악장과 ^[14]피날레의 화려함, 매력, 우아함에 부합합니다.

베토벤

베토벤의 혁신적인 오케스트레이션의 숙달과 뚜렷한 악기 색깔을 강조, 대조, 혼합하는 효과에 대한 그의 인식은 그의 교향곡 2번 체르조에 잘 나타나 있다.George Grove는 "소리의 양과 질에서 갑자기 대조되는 것… 우리는 처음에는 풀 오케스트라, 그 다음에는 싱글 바이올린, 두 개의 호른, 그 다음에는 두 개의 바이올린, 그리고 다시 풀 오케스트라를 가지고 있는데, 이 모든 것이 6개의 ^[15]바의 공간 안에 있다."고 우리에게 말한다."이것의 막대 뒤에 저것의 막대인 스코어링은 사실상 독특합니다. 많은 선수들이 준비 ^[16]없이 잡혔을 첫 리허설에서 벌어지는 혼란을 상상할 수 있습니다."

겉으로 보기엔 평범하고 꽤 단순한 소재에서 최대의 다양성을 얻는 베토벤의 완벽한 기술에 대한 또 다른 실증은 E플랫 ('황제') 작품 73 (1810)의 피아노 협주곡 5번 제1악장에서 찾을 수 있다.피스케(1970, 페이지 41)에 따르면 소나타 형식의 두 번째 주제는 "특별히 ^[17]디자인되었어야 하는 뿔로 연주할 수 있는 음으로 제한된다"고 한다.이 주제는 5개의 다른 오케스트레이션으로 나타나며, 모드(장조에서 단조로), 다이내믹스(포르테에서 피아니시모로)의 변화, 대담하게 진술된 투티 악절에서 가장 미묘하고 차별화된 에피소드까지 다양한 악기 색상의 혼합으로 나타난다.

이 주제는 오케스트라 인트로덕션에서 마이너 모드로 처음 등장하며 스타카토 조율을 사용하여 연주되며 가장 섬세하고 매혹적인 색상으로 오케스트레이션됩니다.

그 뒤에 줄자키에 좀 더 알기 쉬운 버전이 이어지며, 경적과 현이 함께 나옵니다.테마는 이제 베이스순에서 페달 포인트와 함께 경적을 울리며 레가토 연주된다.바이올린들은 동시에 이 테마의 정교한 버전을 연주한다.(「헤테로포니」도 참조).timpani와 pizzicato의 낮은 현은 이 다양한 소리의 팔레트에 색을 더합니다."음표가 사실상 동일하다는 점을 고려하면 효과의 차이는 매우 큽니다."^[18]

솔로 피아노가 들어오면 오른손은 피지카토(주름이 있는) 현의 뒷부분을 비트로 하여 세 개의 리듬으로 주제의 단조 버전을 연주합니다.

이어 이 주제에 대한 과감한 투티 ^[19]문구가 이어진다. 오케스트라 전체가 공격적인 반스타카토로 연주한다.

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이 테마의 마이너 버전은 솔로 피아노가 연주하는 카덴자에서도 나타난다.

그 후 마지막으로 레가토를 연주하는 뿔과 함께 피지카토 현악기와 독주 피아노의 필리그리 아르페지오 구성이 특징인 메이저 키 버전의 재연설이 이어진다.

피스케(1970)는 베토벤이 이런 다양한 치료법을 통해 "훌륭한 발명의 홍수"를 보여준다고 말한다."이 주제가 전달할 수 있는 다양한 분위기는 무한합니다."^[20]

베를리오즈

19세기 초의 가장 중요한 오케스트라 혁신가는 헥터 베를리오즈였다.(작곡가는 '계장에 관한 논문'의 저자이기도 했다."그는 본능에 의해 선택된 매체로서 오케스트라에 끌렸다… 그리고 개별 악기의 정확한 능력과 음색을 알아냄으로써, 그리고 그의 상상력이 이 원재료에 의해 무수한 새로운 소나티지를 만들어냈다.전체적으로 볼 때 매우 놀랍고 후대의 작곡가들에게 결정적으로 유익하다, 그리고 거의 모든 작곡가들에게 유익하다.드라마틱하거나 표현적인 ^[21]목적에 맞게 행동할 수 있습니다."베를리오즈의 관현악 마법과 비범한 공명을 마술처럼 부리는 그의 취향의 수많은 예는 그의 심포니 판타지크에서 찾을 수 있다."비계로의 행진"이라는 제목의 4악장의 첫머리는 당시(1830년)가 기괴하게 섞인 소리로 보였을 것이라는 점을 특징으로 한다.팀파니와 더블베이스는 으르렁거리는 음소거 놋쇠에 대해 굵은 화음을 연주합니다.

"베를리오즈는 베토벤에서 유래했지만 ^[22]이중 베이스의 낮은 음계에서 화음이 가까운 위치에 있는 등 일반적인 작곡 규칙에 반하는 특징을 사용합니다."

베를리오즈는 또한 그의 기악적인 글쓰기에서 매우 섬세함을 전달할 수 있었다.특히 화려한 예는 로미오 에 줄리엣 교향곡의 "마브 여왕" 스케르조입니다.휴 맥도널드(1969, p51)는 "베를리오즈의 가벼운 오케스트라 질감, 훌륭하고 고사머한 직물, 프레스티시모, 그리고 피아노가 거의 쉬지 않고 연주되었습니다.

Boulez는 매우 빠른 템포가 당대 지휘자와 오케스트라에 전례 없는 요구를 했을 것이라고 지적합니다(1830년). "빠르고 정확한 리듬 때문에 모든 음계에서 균일하고 규칙적인 스타카토, 왜냐하면 세 번째 제5의 바의 바로 끝에서 발생하는 고립된 음 때문에…. 이 모든 것은 인트로 떨어져야 합니다."o 완벽하게 ^[23]정확한 장소입니다."

맥도널드는 "소리가 더 천상적이고 요정처럼 되고, 낮은 클라리넷, 높은 하프, 그리고 종과 같은 고풍스러운 심벌즈…"라고 체르조의 끝을 향해 가는 구절을 강조합니다.이 무브먼트의 속도와 매력은 거부할 수 없습니다.그것은 지금까지 쓰여진 ^[24]음악 중 가장 영특한 음악 중 하나입니다.

뉴그로브 사전은 베를리오즈에게 오케스트레이션은 작곡의 본질이지 완성된 음악에 적용되는 것이 아니라고 말한다.그의 손에서는 음색이 자유로운 조합으로 사용될 수 있게 되었고, 이는 아티스트가 라인의 요구에 굴하지 않고 그의 팔레트를 사용할 수 있게 되었고, 이는 드뷔시와 ^[25]라벨의 풍부한 오케스트라 자원으로 이어집니다."

바그너

베를리오즈 이후, 리하르트 바그너는 19세기 오케스트레이션 발전의 주요 선구자였다.피에르 불레즈는 "바그너의 오케스트레이션의 풍부함과 억제할 수 없는 ^[26]혁신 본능"에 대해 말한다.피터 라담은 바그너가 "악기에 내재된 색채에 대한 독특한 인식"을 가지고 있었고, 이것이 그가 오케스트라 가족을 위한 새로운 신병을 선발하는 것과 그의 기성 멤버들에 대한 대우 모두를 이끌었다고 말한다.현악기 목관악기 금관악기 금관악기로 잘 알려진 그는 타악기를 통해 위대한 고전 교향악가들로부터 물려받았고, 이런 변화들은 이 그룹들을 더욱 분열시키는 방향으로 나아가고 있습니다.라담은 오페라 로헨그린의 오프닝의 소음을 예로 들며, 여기서 "음악의 천상의 질"은 바이올린들이 "관습적인 ^[27]두 부분 대신 네 부분, 다섯 부분, 혹은 여덟 부분으로 나뉘어져 있기 때문"이다.

"로헨그린 전주곡이 시작되는 A장조 화음을 고조파를 사용하여 오랫동안 유지하면 그 모든 세부 사항을 파악할 수 있습니다.확실히 A장조 화음이지만 높은 현악기, 고조파, 장음이기도 합니다.이것은 모든 표현성을 제공하지만, 아직 멜로디도 조화도 ^[28]듣지 못했기 때문에 음향적인 특징이 중심적인 역할을 하는 표현성입니다.작곡가로서 성숙해지면서, 특히 반지 바그너는 "순수색과 혼합색 사이의 대비를 증가시켜, 음성의 한 분야에서 ^[29]다른 분야로의 전환의 예술을 미세한 지점으로 이끌었다."예를 들어, Die Walküre를 끝맺는 환기적인 "Fire Music"에서, "풍선의 다중 아레게이션과 현의 반대 운동은 거의 문자 그대로 불꽃의 시각적 깜박임과 거의 일치하는 음색의 진동을 일으킨다."^[30]

로버트 크래프트는 바그너의 마지막 오페라 파시팔이 "바그너의 힘이 최고조에 달하고 있다...오케스트라적 혼합과 분리는 ^[31]전례가 없다.Craft는 오페라를 시작하는 한 줄의 멜로디의 복잡한 편성을 인용합니다.

"파시팔은 오케스트라 색상을 완전히 새로운 방식으로 사용합니다.악보의 도움 없이는 매우 예민한 귀도 전주곡의 시작 부분을 연주하는 악기를 구별할 수 없다.바이올린은 반으로 쪼개진 후 첼로, 클라리넷, 바순에 의해 2배가 되며, 구절의 정점에는 알토 오보에(coranglais)가 있습니다.이 오보에의 색채의 변화는 강렬함과 음색을 불문하고 이 주제가 조화를 이루며 심지어 바그너의 테크니컬러 상상력 ^[32]중 가장 멋진 오케스트레이션 중 하나로 반복된 후에야 느낄 수 있습니다."

이후 파시팔의 1막 첫 장면에서 바그너는 대담한 황동을 보다 부드러운 현으로 상쇄하여 같은 음악 소재가 대조적인 악기 패밀리 간에 전달될 때 매우 다른 느낌이 든다는 것을 보여준다.

한편, 트리스탄과 이졸데의 서곡은 바그너가 다양한 오케스트라 그룹의 악기들과 그의 정확한 역학과 발음의 특징을 결합함으로써 추출할 수 있는 다양성을 보여준다.첫 구절에서 첼로는 관악기로 지지된다.

서곡이 끝날 무렵에 이 아이디어가 돌아오면, 악기 색상은 19세기 오케스트라에서 새로워진 코랭글레와 베이스 클라리넷과 같은 소리와 함께 미묘하게 변화한다.이것들은 팀파니의 불길한 울림과 함께 우울한 분위기를 효과적으로 전달한다.

"바그너가 자신의 작품에서 어떻게 균형을 이루는지 보는 것은 인상적입니다.그런 점에서 그는 진정한 천재입니다.정확한 악기의 수에 이르기까지요.Boulez는 "바그너가 오케스트라적 균형을 측정하는 정밀함에 매료되었고, 그것은 그가 놀라운 ^[33]정밀도로 달성한 다양한 세부사항을 포함하고 있다."로저 버클리슨에 따르면, "셀돔은 바흐의 칸타타에서 오블리가토 부분을 영감을 받아 사용한 이후, 오케스트라의 악기는 그의 후기 ^[34]오페라에서 바그너에 의해 표현적인 역할에 매우 꼼꼼하고 사랑스럽게 적응되어 왔다.

말러

윌리엄 오스틴(1966)은 "말러는 오케스트라를 확장하여 베토벤, 베를리오즈, 바그너가 이미 표방한 방향으로 역사적인 절정을 향해 나아갔다"고 말한다.이 유명한 확장의 목적은 단순히 음량을 증가시키는 것이 아니라, 보다 다양한 음질로 거의 연속적인 그라데이션이 이루어지도록 하는 것이었습니다.말러는 그의 모든 거대한 오케스트라가 함께 연주하도록 가끔 요구했을 뿐이었고 그의 음악은 종종 소리만큼 부드러웠다.그 색은 끊임없이 변화하고, 섞이거나,^[35] 서로 대비되고 있었습니다."아도르노(1971년)는 말러의 교향곡을 "실내 음악 절차"^[36]와 대비되는 "대량 투티 효과"로 특징지어지는 것으로 유사하게 묘사한다.그의 교향곡 4번 제1악장의 다음 구절은 이를 보여준다.

위의 첫 번째 바에만 완전한 앙상블이 있습니다.나머지 막대는 고도로 차별화된 소규모 계측기 그룹입니다.말러의 노련한 지휘자의 귀는 그가 조심스럽게 교정된 역학을 포함하여 그의 점수에 상세한 연주 표시를 하도록 이끌었습니다.예를 들어, 위의 바 2에서, 낮은 하프 음은 포르테, 클라리넷, 메조포르테, 그리고 호른 피아노로 표시된다.오스틴(1966)은 "말러는 큰 소리와 템포의 미세한 뉘앙스에 신경을 썼고 그의 ^[37]악보에 이러한 세부사항을 고정하기 위해 끊임없이 일했다"고 말한다.4번 교향곡의 느린 악장의 폐막 소절에서 말러의 음성에 대한 상상은 월터 피스톤(1969년, 페이지 140)이 "영감 있는 오케스트레이션의 한 예"라고 묘사하는 장면에서 잘 드러난다.주목해야 할 것은 고조파 수열에서의 급격한 모드 변경, 5단계의 코드 간격의 이상, 2개의 플루트에서의 완벽한 4단계의 배치이다.그 효과는 전혀 예상치 못한 ^[38]마법과도 같습니다."

도널드 미첼에 따르면, 말러의 오케스트레이션의 "합리적 근거"는 "우리가 무슨 ^[39]일이 일어나고 있는지 정확히 듣고 그의 음악을 이해할 수 있게 하는 것"이었다.

드뷔시

말러와 리하르트 스트라우스를 제외하고, 19세기 말기와 20세기 첫 수십 년 동안 오케스트레이션의 주요 혁신가는 클로드 드뷔시였다.피에르 불레즈(1975, p20)에 따르면, "드뷔시의 오케스트레이션은 심지어 스트라우스나 말러와 같은 뛰어난 동시대 사람들과 비교했을 때, 훨씬 더 신선한 상상력을 보여준다."Boulez는 드뷔시의 편곡은 "상당히 다른 관점에서 생각되었다; 악기의 수, 균형, 사용 순서, 사용 그 자체는 다른 풍토를 만들어낸다"고 말했다.바그너의 초기 영향과는 별개로, 오스틴에 따르면 드뷔시는 ^[40]1889년 파리 월드 전시회에서 반복적으로 듣고 매우 감탄한 아시아 음악에 매료되었다.

두 가지 영향 모두 드뷔시의 첫 번째 주요 오케스트라 작품인 '라프레스-미디 던 파우네의 전주곡'을 알려준다.바그너의 영향력은 침묵의 전략적 사용, 민감하게 차별화된 오케스트레이션, 그리고 무엇보다도 하프의 글리산도에 의해 강화된 오보에와 클라리넷 사이의 인상적인 반감된 일곱 번째 코드 확산에서 들을 수 있다.오스틴(1966, 페이지 16)은 "트리스탄 코드에 완전히 익숙한 작곡가만이 파우네의 ^[41]시작을 상상할 수 있었다"고 계속한다.

후반 파우네에서 드뷔시는 복잡한 질감을 형성하는데, 오스틴이 말했듯이, "다성음악과 오케스트레이션은 겹친다...그는 모차르트, 베버, 베를리오즈, 바그너의 모든 장치에 극동의 이단음 음악에서 배운 가능성을 더했다.첫 번째 하프는 자바 가믈란의 작은 종소리가 느린 기본 ^[42]선율을 바꾸는 것과 거의 같은 방식으로 플루트 부분을 변화시킵니다."

드뷔시의 마지막 관현악 작품인 불가사의 발레 쥬스(1913년)는 파우네 이후 거의 20년 만에 작곡되었다.오프닝 바는 넓은 범위에 걸쳐 분산된 현악기, 다섯 번째 바의 벨과 같은 첼레스타, 목관악기의 전체 음색 화음의 요염한 목소리가 더해져 경적을 울리는 하프 등이 특징입니다.

Jeux의 가장 큰 경이로움은 아마도 오케스트레이션일 것이다.피아노 악보를 작업하는 동안 드뷔시는 다음과 같이 썼다: '나는 뒤에서 비치는 듯한 오케스트라 색상에 대해 생각하고 있다, 그리고 파시팔에 그렇게 멋진 전시회가 있다.' 그 아이디어는 눈부심 없이, 차분하게 음색을 내는 것이었다.명확하고 ^[43]정확하게 하기 위해서입니다.

적응으로서

보다 일반적인 의미에서 오케스트레이션은 기존 음악을 다른 매체, 특히 전체 오케스트라 또는 축소 오케스트라로 재적응하는 것을 의미합니다.적응에는 두 가지 일반적인 종류가 있다: 원작을 바짝 따라가는 전사와 원곡의 중요한 측면을 바꾸는 경향이 있는 배열.각색에 있어서 오케스트라는 엄밀하게 말하면 오케스트라를 위한 작문에만 적용되는 반면, 인스트루멘테이션이라는 용어는 곡의 질감에서 사용되는 악기에 적용됩니다.관행에 반하는 오케스트레이션 연구에서 계측이라는 용어는 악기를 결합하는 기술보다는 개별 악기의 정의 특성을 고려하는 것을 나타낼 수도 있다.

상업 음악, 특히 뮤지컬과 영화 음악에서, 같은 사람이 작곡과 오케스트레이션을 둘 다 요구받으면 빠듯한 마감일을 맞추기가 어렵기 때문에 독립 오케스트라들이 종종 사용된다.종종, 카멜롯이나 지붕 위의 피들러와 같은 무대 뮤지컬이 영화로 각색될 때, 영화 버전의 오케스트레이션은 무대 뮤지컬과 현저하게 다르다.Evita와 같은 다른 경우에는 그렇지 않고 단순히 무대 제작에 사용된 버전보다 확장된 버전입니다.

대부분의 오케스트라는 종종 초안(스케치) 또는 짧은 악보, 즉 제한된 수의 독립적인 음악 무대에 쓰여진 악보로 작업합니다.일부 오케스트라, 특히 오페라나 음악 극장을 위해 작곡하는 오케스트라들은 피아노 성악 악보를 높이면서 작업하는 것을 선호한다. 왜냐하면 가수들은 전체 작업이 완성되기 훨씬 전에 한 곡의 연습을 시작할 필요가 있기 때문이다.예를 들어, 그것은 줄스 매스넷의 작곡 방법이었다.다른 경우에서는 조나단 튜닉이 스티븐 손드하임의 곡을 편곡하거나 리드시트(선율과 코드 진행만을 포함한 곡의 간략화된 음악 표기법)에서 오케스트레이션을 할 때처럼 다양한 크리에이터 간의 단순한 협력이 이용된다.후자의 경우 편곡과 오케스트레이션이 포함됩니다.

영화 오케스트레이션

영화 스코어링 스케줄의 엄청난 시간적 제약으로 인해, 대부분의 영화 작곡가들은 작곡가의 긴밀한 감독 하에 일하지만, 그들 스스로 일을 하기보다는 오케스트레이터를 고용한다.어떤 영화 작곡가들, 버나드 허먼(1911–1975), 조르쥬 들르뤼(1925–1992), 엔니오 모리코네(1928–2020), 존 윌리엄스(1932년 태어난)(브레이브 하트에), 브루노 Coulais(1954년 태어난), Rache(1953–2015)하워드 쇼어(1946년에 태어나), 제임스 호너(그의 매우 세부적인 스케치가 99%조작된)[44]을 포함한 시간 그들만의 음악을 잘 조화시키기로 하고 있다.나는 P오르트만(1960년생), 필리프 롬비(1968년생), 아벨 코르제니오스키(1972년생)가 있다.

비록 몇 년 동안 수백 명의 오케스트레이터가 영화에 출연했지만, 20세기 후반의 가장 유명한 영화 오케스트레이터는 잭 헤이스, 허버트 W. 스펜서, 에드워드 파월, 아서 모튼, 그리그 맥리치, 그리고 알렉산더 용기였다.오늘날 (과거 30년간) 가장 수요가 많은 오케스트라에는 Jeff Atmajian, Pete Anthony, Brad Dechter(James Newton Howard, Christopher Young, Theodore Shapiro, Teddy Castellucci, Danny Elfman, John Powell, Marco Beltrami, John, Deban, Debanney)가 포함됩니다.데스플라트, 제리 골드미스, 제임스 뉴턴 하워드, 앨런 실베스트리, 제임스 호너, 마크 아이샴, 존 파월, 마이클 컨버티노, 대니 엘프먼, 하워드 쇼어, 에디 카람(존 윌리엄스, 제임스 호너), 브루스 파울러(한스 짐머, 클라우스, 해리 그렉텔트)Alan Silvestri, James Newton Howard, Henry Jackman, Lyle Workman, Theodore Shapiro, John Ottman, John Paesano, Alex Heffes, Christophe Beck, Carter Burwell), Robert Elhai(엘리오 Goldental, Michael Kamen, Ed Ty Kyer, Brianer, Brianmer, Brianmer) 레드포드(제임스 호너, 토마스 뉴먼).

콘래드 샐린저는 1940년대부터 1962년까지 MGM 뮤지컬의 가장 유명한 오케스트레이터로, Singin' in the Rain, An American in Paris, Gigi와 같은 유명한 영화를 오케스트레이션했습니다.1950년대에, 영화 작곡가 존 윌리엄스는 자주 샐린저와 비공식적으로 오케스트레이션 기술을 배우며 시간을 보냈다.Robert Russell Bennett (George Gershwin, Rodgers and Hammerstein)은 20세기 미국에서 가장 다작한 오케스트레이터 중 한 명이며, 때로는 하루에 80페이지 이상을 기록했다.

에드워드 H. 플럼은 판타지아, 덤보, Song of the South, So Dear to My Heart, Peter Pan, Lady and the Tramp, Davy Crokett 영화를 지휘하며 월트 디즈니 영화의 다작 오케스트레이터였다.플럼프는 밤비의 부작곡가였지만 프랭크 처칠이 주로 작곡한 방대한 양의 악보를 편곡했고 플럼은 자신의 작곡을 위한 시간을 만들었다.

과정

대부분의 영화들은 30분에서 120분의 악보를 요구한다.영화 속 각각의 음악은 "큐"라고 불립니다.필름당 대략 20~80개의 단서가 있습니다.드라마 영화는 느리고 희박한 음악을 필요로 하는 반면 액션 영화는 80개의 매우 활동적인 음악을 필요로 한다.각 큐의 길이는 영화의 각 장면에 따라 5초에서 10분 이상까지 다양합니다.작곡자가 큐를 완성한 후, 이 스케치 스코어는 수기 또는 컴퓨터 생성 중 하나로 오케스트레이터에게 전달됩니다.오늘날 할리우드의 대부분의 작곡가들은 시퀀싱 소프트웨어(예: Digital Performer, Logic Pro 또는 Cubase)를 사용하여 음악을 작곡합니다.스케치 스코어는 MIDI 파일을 사용하여 생성할 수 있으며, MIDI 파일은 피날레나 시벨리우스 등의 음악 표기 프로그램으로 Import됩니다.이렇게 해서 오케스트레이터의 작업이 시작됩니다.

작곡가마다 작업 방식이 다르며 오케스트레이터의 일은 작곡가마다 무엇이 필요한지 이해하는 것입니다.시퀀싱 소프트웨어로 음악을 만들 경우 오케스트레이터는 MIDI 스케치 점수와 큐의 합성 녹음을 받게 됩니다.스케치 점수에는 표현, 조음 또는 역동성이 없는 음표(예: 8분음표, 4분음표 등)만 포함됩니다.오케스트레이터는 (작곡가가 연주한 것처럼) 역학과 구절을 듣는 이 합성 녹음을 연구합니다.그리고 나서 그는 오케스트라에서 이러한 요소들을 정확하게 표현하려고 노력합니다.그러나 신시사이저의 일부 음성(시연)은 라이브 오케스트라용으로 편성되었을 때 동일한 방식으로 작동하지 않습니다.

사운드 샘플은 종종 음악을 더 크게 "말하기" 위해 다른 소리와 함께 눈에 띄게 두껍게 두 배로 증가한다.오케스트라는 때때로 음악의 흐름을 좋게 하기 위해 이러한 신스 보이스링을 전통적인 오케스트라 보이스로 변경합니다.그는 옥타브 위 또는 아래로 음정을 이동하거나 오케스트라 내의 다른 악기와 함께 특정 악장을 두 배로 늘리고, 색깔을 내기 위해 타악기를 추가하고, 이탈리아 연주 마크(예: 알레그로 콘 브리오, 아다지오, 리타르단도, 돌체, 스타카토 등)를 추가할 수 있다.만약 작곡가가 큰 액션 큐를 쓰고 목관악기가 사용되지 않는다면, 오케스트라는 종종 금관악기를 한 옥타브 높여서 목관악기를 추가합니다.오케스트라의 규모는 영화의 음악 예산에 따라 결정됩니다.

오케스트레이터는 자신이 작업해야 할 악기의 수를 미리 알려주고 사용 가능한 악기에 따라야 합니다.고예산 영화 한 편이면 100명이 넘는 음악가들이 출연하는 낭만주의 음악 시대를 열 수 있을 것이다.반대로, 저예산 독립 영화는 20명의 연주자 실내 오케스트라나 재즈 4중주단만 살 수 있을 것이다.때때로 작곡가는 3개의 플루트를 위해 3부 화음을 쓰기도 하지만, 단 2개의 플루트만 고용되었다.오케스트레이터가 세 번째 음을 어디에 둘지 결정합니다.예를 들어, 오케스트레이터는 클라리넷(플루트와 잘 어우러지는 목관악기)으로 세 번째 음을 연주하게 할 수 있다.오케스트레이션된 큐가 완료된 후, 오케스트라의 각 악기가 전자적으로 추출되고 인쇄되어 스코어링 스테이지로 전달될 수 있도록 (일반적으로 그것을 컴퓨터 서버에 배치함으로써) 복사실로 전달됩니다.

할리우드의 주요 영화 작곡가들은 각각 수석 오케스트레이터를 두고 있다.일반적으로 리드 오케스트레이터는 시간이 허락한다면 가능한 한 많은 음악을 오케스트레이션하려고 합니다.스케줄이 너무 까다롭다면 오케스트라(2~8명) 팀이 영화를 작업한다.수석 오케스트레이터는 팀의 다른 오케스트레이터에게 단서 할당을 결정합니다.대부분의 영화는 5명의 오케스트레이터로 구성된 팀으로 1~2주 안에 오케스트레이션이 가능하다.일자리를 얻으려는 새로운 오케스트라들은 종종 영화 작곡가에게 고용을 요청한다.이들은 일반적으로 수석 오케스트레이터에게 검토 의뢰됩니다.스코어링 단계에서 오케스트레이터는 종종 연주, 음악 또는 녹음을 개선하는 방법을 제안하면서 녹음 부스에서 작곡가를 돕습니다.작곡가가 지휘를 하고 있을 때는 오케스트레이터가 녹음 부스에 남아 프로듀서로서 보조하기도 합니다.때때로 오케스트레이터가 지휘하고 작곡가가 부스에서 프로듀싱을 하면서 역할이 뒤바뀌기도 한다.

텍스트

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• 1905년 리하르트 스트라우스에 의해 개정된 헥토르 베를리오즈(1844년) : 대특성의 기악에 관한 근대(기악조약).
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• 니콜라이 림스키 코르사코프(1912년): 오케스트레이션 원리.
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「 」를 참조해 주세요.

• 악보
• 탄력적인 스코어링
• 클랑파르벤멜로디
• 오케스트라 강화
• 배치.
• 인스트루먼트

레퍼런스

외부 링크

• Rimsky-Korsakov의 Project Gutenberg 오케스트레이션 원리– 음악 이미지, mp3 파일 및 MusicX를 포함한 완전하고 검색 가능한 텍스트ML 파일
• 림스키 코르사코프의 오케스트레이션 원리 ('인터랙티브 악보' 전문)
• The Orchestra: Philhamonia Orchestra의 Andrew Hugill의 사용자 매뉴얼.각 악기의 악기 연주자와의 사례 및 비디오 인터뷰 등 오케스트레이션에 대한 상세 정보.
• 음악 관련 서적: 오케스트레이션 오케스트레이션의 이론과 실천에 관한 서적의 개요.