필름 편집

Film editing
1946년에 일하는 영화 편집자
시리즈의 일부
영화 제작
Reel of film
발전
생산 전
생산.
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용어집
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영화 편집은 영화 제작 후 과정의 창의적이고 기술적인 부분이다.이 용어는 디지털 기술을 점점 더 많이 사용하는 필름을 다루는 전통적인 프로세스에서 파생되었습니다.

필름 편집기는 원시 영상을 사용하여 촬영 장면을 선택하고 완성된 영화를 만드는 시퀀스로 결합합니다.영화 편집은 시나 소설 집필과 같은 다른 예술 형식에서 편집 과정과 매우 유사하지만 영화 제작이 이전의 다른 예술 형식과 분리되는 유일한 예술인 예술 또는 기술로 묘사됩니다.영화 편집은 잘 연습되면 시청자가 편집자의 작품을 인식하지 못할 정도로 몰입할 수 있기 때문에 종종 "보이지 않는 예술"[1]로 불린다.

가장 근본적인 수준에서, 영화 편집은 장면을 일관된 시퀀스로 조립하는 기술, 기술, 그리고 연습이다.편집자의 일은 단순히 필름 조각을 기계적으로 조립하거나 필름 슬레이트를 잘라내거나 대화 장면을 편집하는 것이 아닙니다.영화 편집자는 배우들의 연기뿐만 아니라 이미지, 스토리, 대화, 음악, 페이싱의 층을 창의적으로 다루어 효과적으로 "재상화"하고 심지어 영화를 다시 써서 응집력 있는 전체를 만들어야 한다.편집자들은 보통 영화를 만드는 데 있어 역동적인 역할을 한다.때때로, Akira Kroosawa, Bahram Bayzai, Steven Soderbergh, 그리고 Coen 형제와 같이, Auteurrist 영화 감독들은 그들 자신의 영화를 편집한다.

비선형 편집 시스템의 디지털 편집이 등장하면서, 영화 편집자와 그 보조자들은 다른 사람들의 책임이었던 영화 제작의 많은 분야를 담당하게 되었습니다.예를 들어, 지난 몇 년 동안 사진 편집자들은 단지 사진만을 다루었습니다.사운드, 음악 및 (더 최근의) 시각 효과 편집자는 일반적으로 사진 편집자와 감독의 지시 하에 편집 과정의 다른 측면의 실용성을 다루었습니다.그러나 디지털 시스템은 점점 더 이러한 책임을 그림 편집기에 부여하고 있습니다.특히 저예산 영화에서는 편집자가 때때로 일시적인 음악을 잘라내고 시각 효과를 실물화하며 일시적인 음향 효과나 다른 음향 대체물을 추가하는 것이 일반적입니다.이러한 일시적 요소들은 보통 그림을 완성하기 위해 고용된 음향, 음악 및 시각 효과 팀이 제작한 보다 정교한 최종 요소로 대체됩니다.

역사

초기 영화들은 길고, 정적이며, 폐쇄적인 한 컷의 단편 영화였다.관객들을 즐겁게 하기 위해 필요한 것은 촬영의 움직임뿐이었기 때문에, 첫 번째 영화는 단순히 시내 거리를 따라 이동하는 교통과 같은 활동을 보여주었다.스토리도 편집도 없었습니다.각 필름은 카메라에 필름이 있는 한 계속 상영되었다.

다중 노출을 특징으로 하는 최초의 영화 중 하나인 The Four Troubleshome Heads의 스크린샷.

연속성을 확립하기 위해 필름 편집을 사용한 것은 1898년에 제작된 영국의 영화 개척자 로버트 W. 폴의 Come Along, Do!에 기인하며,[2] 한 장면 이상의 영화를 다룬 최초의 영화 중 하나이다.첫 번째 장면에서는 한 노부부가 미술전시회 밖에서 점심을 먹고 다른 사람들을 따라 문을 통해 안으로 들어간다.두 번째 사진은 안에서 무엇을 하는지 보여줍니다.1896년 폴의 'Cinematograph Camera No.1'은 역방향 크랭킹 기능을 갖춘 최초의 카메라로, 같은 필름 영상을 여러 번 노출할 수 있게 하여 슈퍼 포지션과 다중 노출을 생성하였다.이 기법을 사용한 최초의 영화 중 하나인 1898년의 조르주 멜리에스의 네 가지 골칫거리는 폴의 카메라로 제작되었다.

멀티샷 영화에서의 액션 연속성의 발전은 1899~1900년 영국의 브라이튼 스쿨에서 계속되었고, 조지 앨버트 스미스와 제임스 윌리엄슨에 의해 확실히 설립되었습니다.그해 스미스는 망원경을 통해 본 대로를 만들었는데, 이 사진은 젊은 남자가 신발끈을 묶고 여자친구의 발을 어루만지는 거리 장면을 담고 있고, 노인은 망원경을 통해 이를 관찰하고 있다.그리고 검은 원형 마스크 안에 있는 소녀의 발에 손의 컷 투 클로즈 샷이 있고, 그리고 나서 원래의 장면의 계속으로 컷백됩니다.

James Williamson 감독의 영화 Fire!에서 발췌한 것

더욱 주목할 만한 것은 1900년 비슷한 시기에 만들어진 제임스 윌리엄슨의 중국 우주 정거장 공격이다.첫 번째 샷은 외부에서 선교소로 가는 문이 중국 복서 반군에 의해 공격받고 부서지는 모습을 보여주며, 이후 치열한 전투가 펼쳐지는 선교소 정원으로 가는 컷이 있다.영국 선원들로 구성된 무장 단체가 복서들을 물리치고 선교사의 가족을 구하기 위해 도착했다.이 영화는 영화 역사상 최초의 "역각" 컷을 사용했다.

James Williamson은 1901년에 만들어진 Stop Theater!와 Fire!와 같은 영화에서 보여진 한 장면에서 다음 장면으로 보여지는 한 장소에서 다른 곳으로 움직이는 영화를 만드는데 집중했다.그는 또한 클로즈업을 실험했고, 그의 캐릭터가 카메라에 다가가서 그것을 삼키는 것처럼 보일 때 아마도 빅 스왈로우에서 가장 극단적인 것을 만들었다.브라이튼 학교의 이 두 영화 제작자들은 또한 영화의 편집을 개척했다; 그들은 그들의 작품에 색채를 입히고 이야기를 향상시키기 위해 속임수 사진을 사용했다.1900년까지, 그들의 영화는 최대 5분 길이의 [3]연장 장면이었다.

에드윈 스탠튼 포터 감독의 '대열차 강도'(1903)의 장면

그리고 1901년 에디슨 컴퍼니를 위해 영화를 만들기 시작한 미국인 에드윈 S. 포터를 포함한 다른 영화 제작자들은 이 모든 아이디어를 받아들였다.포터는 1903년 "Life of a American Fireman"을 만들기 전에 많은 마이너 영화 작업을 했다.이 영화는 줄거리, 액션, 심지어 화재 경보기를 끄는 손을 클로즈업한 최초의 미국 영화였다.이 영화는 총 9개의 [4]장면에 걸쳐 7개의 장면에 걸쳐 연속적인 이야기를 구성했다.그는 조르주 멜리에스가 이미 하고 있는 것처럼 모든 샷 사이에 리졸브를 넣었고, 그는 종종 리졸브에 걸쳐 같은 동작을 반복했다.그의 영화, "대열차 강도"는 20장의 개별 촬영과 10개의 다른 실내외 장소와 함께 12분간의 상영 시간을 가졌다.그는 교차 편집 방식을 사용하여 여러 장소에서 동시에 동작을 보여주었습니다.

이 초기 영화 감독들은 영화 언어의 중요한 측면을 발견했다: 스크린 이미지는 머리부터 발끝까지 완전한 사람을 보여줄 필요가 없으며 두 장면을 함께 스플라이싱하면 관객의 마음속에 맥락적 관계를 형성한다는 것이다.이러한 발견을 통해 모든 비라이브 또는 비라이브 비디오 내러티브 영화 및 텔레비전이 가능해졌습니다. 즉, 촬영(이 경우 각 촬영이 완전한 장면이기 때문에 전체 장면)을 일정 기간(시간, 일 또는 월)에 걸쳐 매우 다른 장소에서 촬영하고 내러티브 [5]전체로 결합할 수 있습니다.즉, 「대열차 강도」는, 전신역, 철도 차량 내부, 댄스 홀의 세트장에서 촬영된 장면과 철도 급수탑, 기차 안, 선로를 따라 있는 지점, 그리고 숲속에서 야외의 장면을 담고 있다.그러나 강도들이 방송국 내부(세트장)를 나와 급수탑에 나타났을 때, 관객들은 그들이 한 곳에서 다른 곳으로 곧바로 갔다고 믿는다.또는 한 방에 기차에 올라탄 후 다음 번에 수하물칸(세트)에 탑승하면 관객들은 같은 열차에 타고 있다고 믿게 된다.

1918년경 러시아 감독 레프 쿨레쇼프가 이 점을 증명하는 실험을 했다.(쿨레쇼프 실험 참조) 그는 유명한 러시아 배우의 머리 사진을 찍은 오래된 동영상을 촬영하고 수프 한 그릇을 찍은 후 곰 인형을 가지고 놀고 있는 아이와 함께 찍은 후, 관에 든 나이 든 여성을 쏜다.그가 사람들에게 영화를 보여줬을 때, 그들은 그 배우의 연기를 칭찬했다 - 그가 수프를 보았을 때 그의 얼굴에 배고픔, 아이에 대한 기쁨, 그리고 죽은 [6]여자를 보았을 때의 슬픔.물론, 그 배우의 촬영은 다른 촬영보다 몇 년이나 앞서 있었고 그는 어떤 물건도 "본" 적이 없었다.샷을 순차적으로 나란히 하는 단순한 행동이 관계를 만들었다.

오리지널 편집기: 직립형 Moviola.

필름 편집 테크놀로지

디지털 비선형 편집 시스템이 널리 사용되기 전에는 [7]필름 조각을 물리적으로 자르고 스플라이싱하여 필름 워크프린트(영국에서는 컷 복사)라고 불리는 필름 네거티브의 포지티브 카피를 사용하여 모든 필름을 처음 편집했습니다.영상 조각은 손으로 자르고 테이프로 함께 붙인 다음 나중에 접착제로 붙입니다.편집자들은 매우 정확했습니다. 만약 그들이 잘못된 컷을 하거나 새로운 양의 프린트가 필요하다면, 그 영상을 재인쇄하는 데 제작 비용과 시간이 들었습니다.또한, 각 재인쇄 시 음극이 손상될 위험이 있습니다.스플라이서의 발명과 Moviola와 같은 뷰어 또는 K.E.-M. 또는 Steenbeck와 같은 "플랫베드" 기계와 나사산을 연결함으로써 편집 과정은 약간 빨라졌고 컷은 더 깨끗하고 정밀하게 나왔다.Moviola 편집 관행은 비선형적이어서 편집자가 더 빨리 선택을 할 수 있어 작업 완료 일정이 매우 짧은 텔레비전용 에피소드 영화를 편집하는 데 큰 이점이 있습니다.텔레비전용 영화를 제작하는 모든 영화 스튜디오와 제작사들은 편집자들에게 이 도구를 제공했다.플랫베드 편집기는 특히 TV용 장편 영화나 필름의 재생과 정교화에 사용되었습니다.왜냐하면 작업 시 소음이 적고 깨끗하기 때문입니다.그것들은 BBC의 영화부 내에서 다큐멘터리와 드라마 제작에 광범위하게 사용되었다.편집자와 보조 편집자 두 명으로 구성된 이 촉각 프로세스는 상당한 기술이 필요했지만 편집자가 매우 [8]효율적으로 작업할 수 있었습니다.

Acmade Picsynch로 사운드와 이미지 코디네이션 가능

오늘날 대부분의 영화는 디지털 방식으로 편집되며(Media Composer, Final Cut Pro X 또는 Premiere Pro와 같은 시스템에서), 필름 포지티브 워크프린트를 모두 생략합니다.과거에, 편집자는 원본 네거티브가 아닌 필름 네거티브를 사용하여 원본을 손상시킬 위험 없이 원하는 만큼 많은 실험을 할 수 있었다.디지털 편집을 통해 편집자는 영상이 컴퓨터 하드 드라이브로 완전히 전송되는 경우를 제외하고는 이전과 마찬가지로 많은 실험을 할 수 있습니다.

필름 워크프린트가 만족스러운 상태로 절단되면 EDL(Edit Decision List)을 작성하기 위해 사용되었습니다.네거티브 커터는 네거티브를 처리하는 동안 이 목록을 참조하여 롤로 샷을 분할한 다음 접촉 인쇄하여 최종 필름 인쇄 또는 앤서 인쇄를 만들었습니다.오늘날, 제작사들은 네거티브 컷을 완전히 우회할 수 있는 선택권을 가지고 있다.디지털 중간체("DI")가 등장함에 따라 물리적인 음극을 물리적으로 절단하고 핫스플라이스할 필요가 없습니다. 대신 음극을 광학적으로 컴퓨터에 스캔하여 절단 목록을 DI 편집기에서 확인합니다.

여성 영화 편집자

영화의 초기 몇 년 동안 편집은 기술적인 일로 여겨졌다; 편집자들은 "나쁜 부분을 잘라내고" 영화를 함께 묶을 것으로 기대되었다.실제로 영화편집자조합이 결성되었을 때 그들은 "선 아래" 즉, 크리에이티브 길드가 아닌 기술 길드를 선택했다.여성들은 보통 "창의적인" 위치에 진입할 수 없었다; 감독, 촬영 기사, 제작자, 그리고 경영진은 거의 항상 남성이었다.편집은 창의적인 여성들에게 영화 제작 과정에 대한 그들의 명성을 주장할 수 있는 장소를 제공했다.영화의 역사에는 디디 앨런, 앤 바우첸스, 마가렛 부스, 바바라 맥린, 앤 5세와 같은 많은 여성 편집자들이 포함되어 있다. 코트, Adrien Fazan, Verna Fields, Blanche Sewell, Eda [9]Warren.

포스트 프로덕션

주요 기사:포스트 프로덕션
다음 항목도 참조하십시오.러프 컷, 오프라인 편집 및 온라인 편집

포스트 프로덕션 편집은 일반적으로 에디터 컷, 디렉터 컷 및 최종 컷이라고 불리는 세 가지 단계로 요약할 수 있습니다.

편집 단계가 몇 개 있는데 편집자 컷이 첫 번째입니다.에디터 컷("어셈블리 편집" 또는 "러프 컷"이라고도 함)은 일반적으로 최종 필름이 사진 잠김에 도달했을 때의 첫 번째 통과입니다.필름 편집자는 보통 주요 촬영이 시작되는 동안 작업을 시작합니다.때때로 편집자와 감독은 컷을 하기 전에 촬영이 진행되는 동안 "일상"(매일 촬영된 생화면)을 보고 논의했을 것이다.수년간 생산 일정이 단축됨에 따라 이러한 공동 뷰가 자주 발생하지 않습니다.일간지를 스크리닝하면 편집자에게 감독의 의도를 대략적으로 알 수 있다.첫 번째 통과이기 때문에 편집자의 컷이 최종작보다 길어질 수 있습니다.편집자는 촬영을 계속하는 동안 계속해서 컷을 다듬고, 종종 전체 편집 과정이 필름에 따라 수개월, 때로는 1년 이상 지속됩니다.

촬영이 끝나면 감독은 편집자와의 공동작업과 영화 컷을 더욱 정교하게 만드는 데 집중할 수 있다.이 시간은 영화 편집자의 첫 컷이 감독의 시선에 맞게 성형되는 시간이에요.미국에서는 미국 감독조합의 규정에 따라 감독들은 첫 컷을 준비하기 위해 주요 촬영이 완료된 후 최소 10주를 받는다."감독의 컷"이라고 불리는 것을 공동으로 작업하면서, 감독과 편집자는 영화 전체를 매우 상세하게 검토한다. 장면과 촬영은 순서 변경, 삭제, 단축 및 기타 방식으로 조정된다.종종 플롯 구멍, 누락된 샷 또는 누락된 세그먼트가 발견되어 새로운 장면을 촬영해야 할 수 있습니다.이 기간 동안 긴밀하게 작업하고 협업하기 때문에 (일반적으로 이전 영화 제작보다 훨씬 길고 복잡한) 많은 감독과 편집자들은 독특한 예술적 유대감을 형성합니다.

감독이 컷을 감독할 기회가 생긴 후, 후속 컷은 제작사 또는 영화 스튜디오를 대표하는 한 명 이상의 프로듀서에 의해 감독되는 경우가 많습니다.감독과 스튜디오 사이에 과거에도 여러 번의 갈등이 있었고, 때로는 감독이 최종 개봉과 더 이상 연관되고 싶지 않을 때 "Alan Smithee" 크레딧을 사용하게 되었다.

몽타주 방법

2개의 편집 테이블
주요 기사:몽타주(필름 제작)

영화 용어에서 몽타주(프랑스어로 "합치" 또는 "어셈블리"를 의미)는 영화 편집 기법입니다.

이 용어에는 적어도 세 가지 의미가 있습니다.

  1. 프랑스 영화 연습에서 "몽타주"는 문자 그대로 프랑스어 의미(어셈블리, 설치)를 가지며 단순히 편집을 식별합니다.
  2. 1920년대 소련 영화제작에서 "몬타주"는 두 사진 모두 단독으로 존재하지 않는 새로운 의미를 얻기 위해 사진을 나란히 배치하는 방식이었다.
  3. 고전 할리우드 영화에서 "몬티지 시퀀스"는 영화의 짧은 부분으로, 이야기 정보가 요약된 방식으로 제시됩니다.

영화감독 D.W. 그리피스는 몽타주 학파에 속하지 않았지만, 편집력의 초기 지지자 중 한 명이었다. 즉, 크로스 컷을 숙달하여 서로 다른 장소에서 평행한 액션을 보여주고 다른 방법으로 영화 문법을 체계화하는 것이다.그리피스의 10대 작품은 레프 쿨레쇼프와 다른 소련 영화 제작자들에 의해 높이 평가되었고 편집에 대한 그들의 이해에 큰 영향을 끼쳤다.

Kuleshov는 1920년대에 비교적 젊은 영화 매체에 대해 이론을 세운 최초의 사람들 중 하나였다.그에게 영화의 독특한 본질은 - 다른 어떤 매체에서도 복제될 수 없는 - 편집이다.그는 영화를 편집하는 것은 건물을 짓는 것과 같다고 주장한다.건물(필름)이 하나하나 세워집니다.그의 자주 인용되는 Kuleshov Experiment는 몽타주가 관객으로 하여금 영화 속 액션에 대한 특정한 결론에 도달하도록 이끌 수 있다는 것을 증명했다.몽타주는 시청자들이 문맥에 따라 의미를 추론하기 때문에 효과가 있다.세르게이 아이젠슈타인은 잠시 Kuleshov의 학생이었지만, 몽타주에 대한 생각이 달랐기 때문에 두 사람은 헤어졌다.아이젠슈타인은 몽타주를 의미를 창조하는 변증법적 수단으로 여겼다.관련 없는 사진을 대조함으로써 그는 쇼크에 의해 유발된 시청자의 연상감을 유발하려고 했다.하지만 아이젠슈타인은 항상 자신만의 편집을 하지 않았고 그의 가장 중요한 영화들 중 일부는 에스피르 [10]토박이 편집했다.

몽타주 시퀀스는 일련의 쇼트 샷으로 구성되며, 연속적으로 편집되어 내러티브를 압축합니다.그것은 보통 상징적인 의미를 창조하기 보다는 전체적으로 이야기를 진전시키기 위해 사용된다.많은 경우, 분위기를 좋게 하거나 전달되는 메시지를 강화하기 위해 노래가 백그라운드에서 재생됩니다.몽타주의 한 가지 유명한 예는 유인원에서 인간에 이르는 인류 최초의 발달의 시작을 묘사한 1968년 영화 2001: 우주 오디세이에서 볼 수 있었다.많은 영화에서 사용되는 또 다른 예는 스포츠 몽타주이다.스포츠 몽타주는 스타 선수가 일정 기간 동안 훈련하는 것을 보여주며, 각 샷은 지난 번보다 더 향상되었습니다.전형적인 예로는 록키와 가라데 키드가 있다.

세르게이 아이젠슈타인과의 관련성은 종종 너무 단순하게 "병렬 배치"라는 개념으로 요약되거나 두 단어로 요약된다. "충돌 몽타주"는 형식적인 매개 변수 또는 이미지 내용에 따라 서로 대립하는 두 개의 인접한 샷을 서로 절단하여 각 샷에 포함되지 않는 새로운 의미를 창출한다.샷 a + 샷 b = 새로운 의미 c.

아이젠슈타인과의 충돌 몽타주 연관성은 놀랍지 않다.그는 일관되게 마음이 헤겔적 의미에서는 반대되는 생각들 사이의 모순은 더 높은 진실인 합성에 의해 해결된다고 주장했습니다.그는 갈등이 모든 예술의 근간이라고 주장했고, 다른 문화권에서 몽타주를 본 적이 없다.예를 들어, 그는 몽타주를 두 개의 독립된 한자(사진)를 병치하여 하나의 개념으로 폭발시키는 일본 상형문자의 건축의 지침으로 보았다.다음과 같이 됩니다.

눈 + 물 = 울음

문 + 이어 = 도청

아이 + 입 = 비명

입 + 개 = 짖는다.

입 + 새 = 노래"[11]

그는 또한 다음과 같이 짧은 감각의 인식이 병치된 일본 하이쿠에서 몽타주를 발견하여 새로운 의미로 합성하였다.

외로운 까마귀
잎이 없는 가지에
어느 가을 이브.

(枯朶に烏のとまりけり秋の暮)

- 마츠오 바쇼

더들리 앤드류가 지적한 것처럼, 「행선간의 어트랙션의 충돌은, 하이쿠와 몽타주의 특징인 통일된 심리 효과를 낳는다."[12]

연속성 편집 및 대체 기능

주요 기사:연속성 편집

연속성은 배우의 의상이 한 장면에서 다음 장면까지 같은지, 또는 캐릭터가 들고 있는 우유 한 잔이 가득 찬지 또는 장면 내내 비어 있는지와 같은 장면이나 영화의 과정에서 화면 요소의 일관성을 나타내는 용어이다.영화는 일반적으로 순서가 어긋나 촬영되므로 스크립트 감독자는 연속성을 기록해 두고 참조용으로 필름 편집자에게 제공합니다.편집자는 요소의 연속성을 유지하려고 시도할 수도 있고, 문체적 또는 서술적 효과를 위해 의도적으로 불연속 시퀀스를 작성할 수도 있습니다.

고전적인 할리우드 스타일의 일부인 연속 편집 기술은 초기 유럽과 미국의 감독들, 특히 D.W 그리피스에 의해 개발되었습니다. 그의 영화 Birth of a Nation과 Indistranance에서요.고전적인 스타일은 180도 규칙, 확립 샷, 샷 역 샷 등의 기법을 사용하여 내러티브를 전진시키는 방법으로 시간적, 공간적 연속성을 수용한다.대부분의 경우 연속성 편집은 문자 그대로의 연속성과 인식된 연속성 사이의 균형을 찾는 것을 의미합니다.예를 들어 편집자는 컷에 걸친 작업을 방해되지 않는 방식으로 압축할 수 있습니다.캐릭터가 한 곳에서 다른 곳으로 걸어가는 것은 절단 한 쪽에서 다른 쪽으로 바닥의 한 부분을 "스킵"할 수 있지만, 절단 부분은 시청자의 주의를 산만하게 하지 않도록 연속적으로 보이도록 구성되어 있다.

Lev Kuleshov (이미 언급된)와 같은 초기 러시아 영화 제작자들은 편집과 편집의 이념적 본질에 대해 더 연구하고 이론을 세웠다.세르게이 아이젠슈타인은 그가 지적 몽타주라고 부르는 고전 할리우드의 연속성 체계와 무관한 편집 체계를 개발했다.

전통적인 편집에 대한 대안 또한 루이스 부뉴엘 (1929년 운첸 안달루 감독)과 르네 클레르 (1924년 유명한 다다 예술가 마르셀 뒤샹과 맨 레이가 출연한 엔트락테 감독)와 같은 초기 초현실주의자와 다다 영화 제작자들에 의해 탐구되었다.

장 뤽 고다르 프랑수아 트뤼포 같은 프랑스 뉴웨이브 영화 제작자들과 앤디 워홀과 존 카사베트 같은 미국 영화 제작자들 또한 1950년대 후반과 1960년대 내내 편집 기술의 한계를 극복했다.1960년대 프랑스 뉴웨이브 영화와 비내러티브 영화들은 편안한 편집 스타일을 사용했고 할리우드 영화의 전통적인 편집 에티켓에 맞지 않았다.다다나 초현실주의 이전 작품들과 마찬가지로, 프랑스 뉴웨이브 편집은 종종 그 연속성의 결여, 반반사적인 성격(관객들이 영화를 보고 있었다는 것을 상기), 그리고 점프 컷의 공공연한 사용이나 이야기와 관련이 없는 소재의 삽입으로 주목을 받았다.프랑스 뉴웨이브 영화의 가장 영향력 있는 편집자 중 3명은 고다르의 영화 15편을 편집한 여성들인 프랑수아즈 콜랭, 아그네스 기몽, 세실 데쿠기스였고, 또 다른 주목할 만한 편집자는 프랑스 최초의 흑인 여성 편집자이자 영화 400편의 [10]편집자였던 마리 조세프 요요테이다.

20세기 후반부터 포스트클래식 편집은 비선형적이고 불연속적인 액션으로 더 빠른 편집 스타일을 보여 왔습니다.

중요성

Vsevolod Pudovkin은 편집 과정이 영화 특유의 제작의 한 단계라고 언급했다.영화 제작의 다른 모든 측면은 영화와는 다른 매체(사진, 예술 방향, 글쓰기, 녹음)에서 비롯되었지만 편집은 영화만의 [13]독특한 과정이다.영화감독 스탠리 큐브릭은 이렇게 말했다. "저는 편집을 좋아합니다.나는 영화 제작의 다른 어떤 국면보다 그것을 좋아하는 것 같다.경솔하게 굴고 싶다면 편집에 앞서 모든 것은 [14]편집용 영화를 제작하는 것에 불과하다고 할 수 있습니다.

작가 겸 감독인 Preston Sturges에 따르면:

[T] 여기에 자연절단의 법칙이 있으며, 이것은 합법적인 극장의 관객이 자신을 위해 하는 것을 복제하는 것입니다.필름 커터가 이 자연 관심의 법칙에 더 가까이 접근할수록, 그의 컷은 더 보이지 않게 될 것입니다.합법적 극장에 있던 사람이 고개를 돌렸을 때 카메라가 한 사람에서 다른 사람으로 움직이면 베인 상처는 의식하지 못할 것이다.만약 카메라가 4분의 1초만 빗나가면, 한 사람이 흔들릴 것이다.또 하나의 요건이 있습니다.두 샷은 톤 값이 거의 같아야 합니다.검은색에서 흰색으로 자르면 짜증이 난다.어느 순간이라도 카메라는 청중이 보고 싶어하는 정확한 지점을 가리켜야 한다.그 장소를 찾는 것은 터무니없이 쉽다. 장면이 [15]만들어진 시간을 어디서 보고 있었는지 기억하기만 하면 된다.

어시스턴트 에디터

보조 편집자는 편집자와 감독이 영화 편집에 필요한 모든 요소를 수집하고 정리하는 데 도움이 됩니다.Motion Picture Editors Guild는 보조 편집자를 "편집자를 보조하도록 지정된 사람"으로 정의합니다.그 [16]직무는 편집자의 직접적인 지시, 감독 및 책임 하에 부여되고 수행되어야 한다.편집이 끝나면, 그들은 영화를 최종 형태로 만드는 데 필요한 다양한 목록과 지시를 감독한다.예산이 많이 드는 특집 편집자는 통상, 어시스턴트 팀이 담당합니다.첫 번째 보조 편집자가 이 팀을 담당하며, 필요에 따라 약간의 사진 편집도 할 수 있습니다.보조 편집자는 사운드, 음악 및 시각 효과 작업을 일시적으로 수행하는 경우가 많습니다.다른 어시스턴트들은 작업을 설정하고, 보통 시간에 민감한 많은 작업을 완료하기 위해 필요할 때 서로 돕습니다.또한, 보조자를 돕기 위해 견습 편집자가 가까이 있을 수 있습니다.견습생은 보통 도움을 [17]주는 요령을 배우는 사람이다.

텔레비전 쇼는 보통 편집자 한 명당 한 명의 보조가 있다.이 어시스턴트는 쇼가 마무리되는 데 필요한 모든 작업을 담당합니다.저예산 기능이나 다큐멘터리에도 통상, 어시스턴트는 1명 뿐입니다.

조직적인 측면의 작업은 데이터베이스 관리와 가장 잘 비교할 수 있습니다.영화가 촬영될 때, 모든 사진이나 소리 조각은 숫자와 타임코드로 코딩된다.비선형 편집에서는 컴퓨터 [citation needed]프로그램과 연결된 데이터베이스에서 이러한 숫자를 추적하는 것이 보조자의 일입니다.편집자 겸 감독은 보통 "오프라인" 편집이라고 불리는 원본 필름과 사운드의 디지털 복사본을 사용하여 필름을 자릅니다.컷이 끝나면, 영화나 텔레비전 쇼를 온라인 상태로 만드는 것은 보조가 할 일이다.이들은 사진 및 사운드 피니셔에 고품질 원본 요소와 함께 편집하는 방법을 알려주는 목록과 지침을 작성합니다.보조 편집은 결국 편집자가 되기 위한 진로라고 볼 수 있습니다.그러나 많은 조수들은 편집자에게 승진하는 것을 선택하지 않고, 많은 영화와 TV [18]쇼에서 오랫동안 보람 있는 일을 하면서 조수 수준에 매우 만족하고 있다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

메모들

  1. ^ 해리스, 마크"위의 편집은 무엇입니까?"뉴욕타임스 (2008년 1월 6일)
  2. ^ Brooke, Michael. "Come Along, Do!". BFI Screenonline Database. Retrieved 24 April 2011.
  3. ^ "The Brighton School". Archived from the original on 24 December 2013. Retrieved 17 December 2012.
  4. ^ 1903년 2월 Edison Films 카탈로그에 처음 수록되었으며, 니켈로디언 이전 Charles Musser에 수록되어 있습니다. Edwin S. Porter와 Edison Manufacturing Company (버클리:캘리포니아 대학 출판부, 1991), 216-18.
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참고 문헌

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추가 정보

  • 모랄레스, 모란테, 루이스 페르난도(2017).'국제 영화 및 비디오 편집 및 몽타주:이론과 기술, 포커스 프레스, Taylor & Francis ISBN 1-138-24408-2
  • 머치, 월터(2001년).눈 깜짝할 사이에: 영화 편집에 대한 관점.Silman-James 출판사 2차 개정판ISBN 1-879505-62-2

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