영화의 역사

History of film

영화의 역사는 19세기 후반에 시작된 영화 기술을 사용하여 만들어진 시각 예술 형태의 발전을 기록하고 있습니다.

예술적 매체로서의 영화의 출현은 명확하게 정의되어 있지 않습니다. 그러나 1895년 12월 28일 파리에서 10명의 뤼미에르 형제의 단편 영화를 상업적으로 공개 상영한 것은 영화 영화 촬영 영화의 돌파구로 여겨질 수 있습니다. 초기의 영화들은 흑백으로 녹음된 소리 없이 1분도 채 되지 않았고, 안정적인 카메라의 단 한 번의 촬영으로 이루어졌습니다. 첫 10년은 영화가 새로운 것에서, 전세계에 영화 제작 회사와 스튜디오가 설립되어, 기성 대중 엔터테인먼트 산업으로 옮겨가는 것을 보았습니다. 일반적인 영화 언어를 향한 관습이 발전했고, 영화 편집 카메라 움직임과 다른 영화 기술이 영화의 서사에서 특정 역할을 하는 데 기여했습니다.

텔레비전(1950년대 이후 주류), 가정용 비디오(1980년대), 인터넷(1990년대)을 포함한 인기 있는 뉴미디어는 영화의 유통과 소비에 영향을 미쳤습니다. 영화 제작은 일반적으로 뉴미디어에 맞는 콘텐츠와 극장 상영을 매력적으로 유지하기 위한 기술 혁신(와이드스크린(1950년대), 3D, 4D 영화 포함)과 더 화려한 영화로 대응했습니다. 더 저렴하고 더 쉽게 다룰 수 있는 시스템(8mm 필름, 비디오 및 스마트폰 카메라 포함)을 통해 점점 더 많은 사람들이 가정용 영화비디오 아트를 포함한 모든 목적에 맞게 다양한 품질의 영화를 만들 수 있었습니다. 기술적 품질은 보통 전문 영화보다 낮았지만 디지털 비디오와 저렴한 고품질 디지털 카메라로 향상되었습니다. 시간이 지남에 따라, 디지털 제작 방법은 1990년대에 더욱 대중화되었고, 그 결과 점점 더 사실적인 시각 효과와 인기 있는 기능 길이의 컴퓨터 애니메이션이 탄생했습니다.

영화의 역사 동안 다양한 영화 장르가 등장했고, 다양한 성공 정도를 누렸습니다.

전구물질

영화를 예술 형식으로 사용하는 것은 (구두) 스토리텔링, 문학, 연극 및 시각 예술과 같은 예술의 여러 초기 전통으로 거슬러 올라갑니다. 칸타스토리아와 유사한 고대 전통들은 차례로 보여지거나 표시되는 일련의 이미지들과 스토리텔링을 결합했습니다. 현대 영화 기술이 등장하기 전에 이미 빛과 그림자를 이용해 예술을 창조했던 영화의 전신에는 그림자 그래픽, 그림자 인형극, 카메라 옵스큐라, 마법 등이 있습니다.

그림자 그래픽과 그림자 인형극은 움직이는 이미지를 오락과 스토리텔링에 사용하려는 의도의 초기 예를 나타냅니다.[1] 극동에서 시작된 것으로 생각되는 이 예술 형식은 손이나 물건에 의해 드리워진 그림자를 사용하여 서사의 창작을 도왔습니다. 그림자 인형극은 아시아를 중심으로, 특히 자바에서 수세기 동안 인기를 누렸고, 결국 계몽시대 동안 유럽으로 퍼졌습니다.[2]

16세기까지, 연예인들은 종종 그들의 공연을 향상시키기 위해 카메라 옵스큐라와 다른 형태의 프로젝션과 같은 기술을 사용하여 유령 같은 장치의 이미지를 만들어냈습니다.[3] 17세기 후반에 개발된 마술 등불 쇼는 죽음, 괴물 및 다른 무서운 인물들의 이미지와 함께 이러한 전통을 이어온 것으로 보입니다.[4] 1790년경, 이 관행은 판타마고리아라고 알려진 멀티미디어 고스트 쇼의 한 종류로 발전했습니다. 이러한 인기 있는 쇼는 기계식 슬라이드, 후방 투사, 이동식 프로젝터, 중첩, 용해, 라이브 배우, 연기(프로젝션이 캐스팅되었을 수도 있음), 냄새, 소리 및 심지어 전기 충격을 사용하여 청중을 즐겁게 했습니다.[5][6] 많은 최초의 마술 랜턴 쇼들이 시청자들을 겁주기 위한 것이었지만, 프로젝션스트들의 발전은 더 많은 가족 관객들에게 어필할 수 있는 창의적이고 심지어 교육적인 스토리텔링을 가능하게 했습니다.[7] 분해 뷰의 사용과 크로마토로프와 같은 새롭게 개척된 기술은 두 투사된 이미지 간의 원활한 전환을 가능하게 했고 더 강력한 내러티브를 제공하는 데 도움을 주었습니다.[8]

1833년, 조셉 플라토, 마이클 패러데이, 사이먼 스탬퍼에 의한 스포크 휠의 스트로보스코픽 착시에 대한 과학적 연구는 한동안 유럽 여러 나라에서 인기 있었던 스트로보스코픽 디스크 또는 페나키스티스코프로도 알려진 판타지스코프의 발명으로 이어졌습니다. Plateo는 그것이 환상곡에 사용될 수 있도록 더 발전될 수 있다고 생각했고 Stampfer는 투명 버전(아마도 투영용) 뿐만 아니라 롤러에 스트립이 있는 더 긴 장면을 위한 시스템을 상상했습니다. Plateau, Charles Whitstone, Antoine Claudet 등은 현실에 대한 더 완전한 환상을 위해 이 기법을 입체경(1838년 도입)과 사진(1839년 도입)과 결합하려고 시도했지만, 수십 년 동안 이러한 실험은 긴 노출 시간의 필요성으로 인해 대부분 방해를 받았습니다. 빛에 민감한 화학물질에 반사된 빛이 떨어지는 동안 움직이는 물체 주변의 움직임 흐림과 함께. 몇몇 사람들은 스톱 모션 기술로부터 괜찮은 결과를 얻었지만, 이것들은 매우 드물게 판매되었을 뿐이고 어떤 형태의 애니메이션 사진도 크로노포토그래피가 등장하기 전에는 문화적으로 큰 영향을 미치지 않았습니다.

크로노포토그래피로 알려진 대부분의 초기 사진 시퀀스는 처음에는 움직임을 볼 수 있도록 의도되지 않았으며 일반적으로 운동을 연구하는 진지하고 심지어 과학적인 방법으로 제시되었습니다. 이 시퀀스는 카메라 앞에서 간단한 움직임을 수행하는 사람이나 동물을 거의 독점적으로 포함했습니다.[9] 1878년, The Horse in Motion 캐비닛 카드의 출판을 시작으로, 사진작가 Eadweard Muybridge는 실시간으로 동물과 인간의 움직임에 대한 수백 개의 연대기적 연구를 시작했습니다. 그는 곧 에티엔 줄스 마레이, 조르주 데멘 ÿ, 알베르트 론데, 오토마르 안슈츠와 같은 다른 연대기 작가들에 이어졌습니다. 1879년, Muybridge는 동물의 움직임에 대해 강의하기 시작했고, 그의 Zoopraxiscope을 사용하여 유리 디스크로 추적되는 그의 녹음의 윤곽의 애니메이션을 투사했습니다.[10]

1887년, 독일의 발명가이자 사진작가인 Otomar Anschütz는 작은 우유 유리 스크린에 짧은 고리를 보여주는 Elektrischen Schnellseher (일명 일렉트로타키스코프)라고 불리는 장치를 사용하여 그의 연대기적 기록을 움직임으로 보여주기 시작했습니다. 1891년, 그는 국제 전시회와 박람회에서 전시되었던 같은 이름의 더 경제적이고 동전으로 작동되는 핍박스 시청 장치의 대량 생산을 시작했습니다. 몇몇 기계들은 런던의 크리스탈 팰리스와 몇몇 미국 가게들에 더 오랜 기간 동안 설치되었습니다. 움직임에 대한 기술적, 과학적 관심에서 대중을 위한 오락으로 매체의 초점을 옮겨, 그는 레슬러, 댄서, 곡예사, 그리고 일상의 장면들을 기록했습니다. 1892년 여름, 거의 34,000명의 사람들이 베를린 전시 공원에서 그의 쇼를 보기 위해 돈을 지불했습니다. 다른 사람들은 그것을 런던이나 1893년 시카고 세계 박람회에서 보았습니다.대부분의 녹음에 대한 증거는 거의 남아있지 않지만, 어떤 장면들은 아마도 무대에 올려진 코믹한 장면을 묘사했을 것입니다. 현존하는 기록에 의하면 1894년 영화 프레드 오트의 재채기와 같은 에디슨 컴퍼니의 후기 작품들에 그의 작품들 중 일부가 직접적인 영향을 미쳤음을 시사합니다.[11]

영화 프로젝션 기술의 발전은 마술 등의 인기, 크로노포토 시연, 그리고 일러스트레이션된 노래와 같은 다른 밀접한 형태의 프로젝션 엔터테인먼트를 기반으로 했습니다. 1892년 10월부터 1900년 3월까지, 발명가 에밀 레이노는 파리 그레뱅 미술관에서 영화 시스템을 전시했습니다. Pauvre PierrotAutour d'une cabine과 같은 일련의 애니메이션 이야기를 투사한 Reynaud의 장치는 12,800회의 공연 동안 50만명 이상의 방문객들에게 전시되었습니다.[12][13] 1894년 11월 25일, 29일, 30일, 오토마르 안슈츠는 베를린 우체국 건물의 어두워진 대강당에서 일렉트로타키스코프 디스크의 움직이는 영상을 대형 스크린에 투사했습니다. 1895년 2월 22일부터 3월 30일까지 40개의 다양한 장면의 상업적인 1.5시간 프로그램이 구 라이히스타그에서 300명의 관객을 위해 상영되었고 약 4,000명의 방문객을 받았습니다.[14]

참신성 시대 (1890년대 ~ 1900년대 초)

프로젝션을 향한 진보

1889년 6월, 미국의 발명가 토마스 에디슨은 연구실 조수 윌리엄 케네디 딕슨에게 축음기에서 나오는 소리에 맞춰 시각적인 것을 만들어낼 수 있는 장치를 개발하는 것을 도와달라고 부탁했습니다. Muybridge, Marey, Anschütz 등의 이전 기계를 기반으로 하여 Dickson과 그의 팀은 약 30분간의 동영상 엔터테인먼트를 포함하는 셀룰로이드 루프가 있는 Kinetoscope peep-box 뷰어를 만들었습니다.[15] 1891년 5월 20일에 미리보기를 한 후,[16] 에디슨은 1893년에 그 기계를 소개했습니다. 키네토스코프에서 상영되는 많은 영화들은 에디슨의 블랙마리아 스튜디오에서 공연하는 유명한 보드빌 액트들을 보여주었습니다.[17] 키네토스코프는 1895년까지 주요 도시에 걸쳐 여러 개의 관람석을 가지고 빠르게 세계적인 센세이션을 일으켰습니다.[18] 초기의 참신함이 사라지면서 에디슨 컴퍼니는 영화의 레퍼토리를 다양화하는 데 속도가 느려졌고 대중의 관심이 약화되어 1895년 봄까지 사업이 둔화되었습니다. 감소하는 수익을 해결하기 위해 딕슨 실험 사운드 필름과 같은 실험이 사운드 녹음을 위한 시각적 반주를 제공하는 장치의 원래 목표를 달성하기 위한 시도로 수행되었습니다. 그러나 사운드를 시각적으로 동기화하는 데 한계가 있어 광범위하게 적용되지 못했습니다.[19] 같은 기간 동안, 발명가들은 영화 프로젝션을 향해 기술을 발전시키기 시작했고, 이는 결국 에디슨의 핍박스 형식을 능가할 것입니다.[20]

뤼미에르 형제가 무대에 올린 코미디 영화, 라로제 (L'Arroseur Arrosé) (1895)

Wordsworth Donisthorpe, Louis Le Prince, William Friese-Green 등 여러 발명가들은 영화를 만들고 전시하기 위해 원형 영화 투사 장치를 실험했습니다. 이 실험들에서의 장면들은 보통 움직이는 대상으로 가족, 친구들 또는 교통을 통과하는 장면들로 촬영되었습니다. 1895년 11월 1일, 베를린에서, 그들이 직접 만든 바이오스코프를 사용하여 유료 시청자들에게 최초의 무빙 픽처 쇼를 보여주었습니다. 그러나 그들은 추진력을 얻을 수 있는 품질이나 재정적 자원이 없었습니다. 이 영화들의 대부분은 실험 단계를 통과하지 못했고 영화가 성공한 후까지 그들의 노력은 대중의 관심을 거의 끌지 못했습니다.

1895년 후반, 오귀스트와 루이 뤼미에르 형제는 그들의 발명품인 시네마토그라피(Cinématographe)로 많은 짧은 장면들을 촬영했습니다. 1895년 12월 28일, 형제들은 파리에서 첫 상업 상영을 했습니다. (이르면 1895년 10월에 소규모 관객들에게 이 장치를 시연한 증거가 있지만).[21] 상영은 10편의 영화로 구성되었으며 약 20분 동안 진행되었습니다. 이 프로그램은 주로 노동자들이 세상의 진실한 문서로서 뤼미에르 공장을 떠나는 것과 같은 실제 영화들로 구성되었지만, 이 쇼에는 무대에 올려진 코미디 라로제도 포함되었습니다.[22] 지금까지 영화 투사의 가장 진보된 시연이었던 시네마토그라피는 즉각적인 성공을 거두었고, 1896년 1월 말까지 하루 평균 2,500프랑에서 3,000프랑을 벌어들였습니다.[23] 첫 상영에 이어 영화의 순서와 선정도 자주 바뀌었습니다.[24]

뤼미에르 형제의 주요 사업 관심사는 실제 영화 제작이 아닌 카메라와 영화 장비를 전시업체에 판매하는 것이었습니다. 그럼에도 불구하고, 전 세계의 영화 제작자들은 전시업체들이 그들의 쇼를 새로운 나라로 가져옴에 따라 영화의 잠재력에 영감을 받았습니다. 영화 역사가 톰 거닝(Tom Gunning)이 "명소의 영화관"이라고 부른 이 영화 제작 시대는 대중에게 오락을 제공하는 비교적 저렴하고 간단한 방법을 제공했습니다. Gunning은 영화 제작자들이 이야기에 집중하기보다는 이전의 Kinetoscope 시대에 그랬던 것처럼 움직임 속에서 시퀀스를 보는 "상상력"을 통해 관객을 즐겁게 하는 능력에 주로 의존했다고 주장합니다.[25] 그럼에도 불구하고 (실제 영화와 다른 장르 모두에서) 픽션 영화 제작에 대한 초기 실험이 이루어졌습니다. 영화들은 주로 임시 상점가의 공간 안에서 상영되거나, 박람회의 순회 전시회 참가자들의 텐트 안에서 상영되거나, 보드빌 프로그램에서 "멍청한" 행위로 상영되었습니다.[26] 포스트 프로덕션의 과정이 명확하게 규정되기 전인 이 시기에는 출품자들이 프레젠테이션에서 창작의 자유를 행사할 수 있도록 했습니다. 시청자들의 경험을 향상시키기 위해, 일부 공연들은 오케스트라의 라이브 음악가들, 극장 오르간, 라이브 효과음, 쇼맨이나 프로젝션 연주자가 말하는 해설을 동반했습니다.[27][28]

이 시기 프랑스, 영국, 미국의 영화 제작자들에 의한 영화 편집, 특수 효과, 내러티브 구성, 카메라 운동의 실험은 앞으로 영화의 정체성을 확립하는 데 영향을 미쳤습니다. 에디슨 스튜디오와 뤼미에르 스튜디오 모두에서 1895년 에디슨 영화 워시데이 트러블과 같은 느슨한 이야기들이 짧은 관계 역학과 단순한 스토리 라인을 확립했습니다.[29] 1896년, 배추의 요정 라 페오 슈(La Fée aux Choux)가 처음으로 공개되었습니다. 앨리스 가이가 감독하고 편집한 이 이야기는 거의 틀림없이 역사상 최초의 서사 영화이자 여성이 감독한 최초의 영화입니다.[30] 같은 해, 에디슨 제조 회사는 광범위한 재정적 성공을 위해 5월에 The May Irwin Kiss를 발표했습니다. 영화 역사상 첫 키스가 등장한 이 영화는 영화 검열에 대한 가장 초기의 요구로 이어졌습니다.[31]

또 다른 초기 영화 제작자는 호주의 조명부였습니다. 1898년에 시작하여, 그것은 호주 멜버른에 있는 구세군에 의해 운영되었습니다. 조명국은 일찍이 1891년에 랜턴 슬라이드와 민간 및 정부 계약을 포함하여 구세군이 사용할 전도 자료를 제작했습니다. 19년 동안 운영된 조명부는 다양한 길이의 약 300편의 영화를 제작하여 당대 가장 큰 영화 제작사 중 하나가 되었습니다. 조명부는 1904년 조지프 페리의 "북 퀸즐랜드의 부시랜징"이라는 영화를 만들었는데, 이 영화는 부시랜징에 관한 최초의 영화로 여겨집니다.

실제와 뉴스릴의 확산

초기에 영화는 발표자나 관객들에게 예술 형식으로 인식되는 경우가 거의 없었습니다. 상류층이 값싼 오락물의 "악어"와 "저급한" 형태로 간주하는 영화들은 대체로 노동자 계층에게 매력을 느꼈고, 강한 이야기 잠재력을 보유하기에는 너무 짧은 경우가 많았습니다.[32] 초기 광고는 영화 자체보다는 영화를 상영하는 데 사용되는 기술을 홍보했습니다. 시청자들에게 이 장치가 더욱 친숙해지면서 사건을 포착하고 재현할 수 있는 잠재력이 주로 새로운 영화와 실제의 형태로 활용되었습니다.[33] 이 영화들을 제작하는 동안, 촬영 감독들은 종종 프레이밍과 그들의 이미지 구성에 카메라의 의도적인 배치와 같은 과거의 예술 형식에 의해 확립된 미적 가치를 그렸습니다.[34] 영화 제작자이자 역사가인 케네스 맥고완(Kenneth Macgowan)은 1955년 《영화 라디오와 텔레비전의 분기》에 기고한 글에서, 영화 제작자이자 역사가인 케네스 맥고완(Kenneth Macgowan)은 새로운 영화들을 위한 의도적인 무대화와 행사의 재현이 "화면에 스토리텔링을 가져왔다"고 주장했습니다.[35]

콘텐츠에 대한 영화 기술의 광고와 함께, 현실은 처음에는 아름답고 활기찬 장소나 공연 행위의 사진을 종종 포함하는 "보기의 연속"으로 시작되었습니다.[36] 1895년 심사의 성공 이후, 뤼미에르 형제는 회사를 설립했고 발표를 위한 새로운 주제를 포착하기 위해 전세계에 카메라맨을 보냈습니다. 촬영자가 장면을 촬영한 후, 그들은 종종 그들의 녹음물을 현지에서 전시한 다음, 원하는 사람에게 판매하기 위해 리옹에 있는 회사 공장으로 그것들을 다시 보냈습니다.[37] 실제, 특히 실제 사건을 촬영하는 과정에서 영화 제작자들은 예측할 수 없는 특성을 수용하기 위해 여러 카메라 기술을 발견하고 실험했습니다.[38] 많은 현실의 짧은 길이(흔히 단 한 번의 촬영)로 인해, 카탈로그 기록은 제작사들이 서로를 보완하기 위해 구매할 수 있는 관련 주제와 함께 여러 현실을 홍보함으로써 전시업체들에게 마케팅을 했음을 나타냅니다. 영화를 구매한 출품자들은 종종 프로그램에서 영화를 선보였고, 관객들에게 화면의 동작을 설명하기 위해 음성 반주를 제공했습니다.[36]

1895년 5월 20일에 Woodville LathamEidoloscope라는 장치를 사용하여 촬영한 권투 경기라고 주장하는 실제 영화를 보기 위해 매디슨 스퀘어 가든에 처음으로 돈을 지불한 관객들이 모였습니다. Latham의 의뢰를 받은 프랑스 발명가 Eugene Augustin LausteWilliam Kennedy Dickson의 추가적인 전문 지식으로 이 장치를 만들었고 Latham 루프로 알려지게 된 메커니즘을 만들었습니다.[39] 이것은 더 긴 연속 실행 시간을 허용하고 셀룰로이드 필름에 덜 연마되었습니다.

그 후 몇 년 동안, 실제와 뉴스 영화의 상영이 수익성이 있는 것으로 판명되었습니다. 1897년, The Corbett-Fitzsimons Fight가 출시되었습니다. 이 영화는 네바다주 카슨 시티에서 열린 헤비급 세계 선수권 복싱 경기를 완전히 녹화한 것이었습니다. 라이브 게이트 영수증보다 흥행에서 더 많은 수입을 창출했고, 당시 제작된 영화 중 가장 긴 영화였습니다. 관객들은 아마도 제임스 J. 코벳(일명) 때문에 코벳-피츠시몬스 영화에 많은 관심을 끌었을 것입니다. 젠틀맨 짐)은 무대극에서 자신의 허구화된 버전을 연기한 이후로 마티니 아이돌이 되었습니다.[40]

1910년부터 정기적인 뉴스 영화들이 전시되었고 곧 텔레비전이 등장하기 전에 뉴스를 발견하는 인기 있는 방법이 되었습니다. 영국 남극 탐험대의 남극 탐험은 뉴스 영화들을 위해 촬영되었고, 동시에 일어난 참정권 시위들도 촬영되었습니다. F. 퍼시 스미스(Percy Smith)는 찰스 어반(Charles Urban)을 위해 일하는 초기 자연 다큐멘터리의 선구자였습니다. 그가 1910년 꽃의 성장에 관한 다큐멘터리에서 타임 랩스(Time Lapse)와 마이크로 시네마그래피(Micro Cinematography)를 사용하는 것을 개척했습니다.[41][42]

내러티브 영화제작 실험

프랑스: 조르주 멜리에스, 파테 프레레스, 가우몽 영화사

조르주 멜리에스(왼쪽)가 작업실에서 배경 그림을 그리고 있습니다.

시네마토그라피의 성공적인 전시 이후, 프랑스에서 영화 산업의 발전이 빠르게 가속화되었습니다. 여러 영화 제작자들이 뤼미에르 형제가 상영한 것과 같은 성공을 거두기 위해 노력하면서 이 기술을 실험했습니다. 이 영화 제작자들은 스타 영화사, 파테 프레레스 그리고 가우몽 영화사와 같은 새로운 회사를 설립했습니다.

서사 영화 제작의 가장 널리 인용되는 창시자는 프랑스 영화 제작자인 조르주 멜리에스입니다. 멜리에스는 그의 마술 행위를 향상시키기 위해 이전에 마법 등불 투영법을 사용한 착시론자였습니다. 1895년, Meliès는 시네마토그라피의 시연회에 참석했고, 그의 행동을 도울 수 있는 장치의 잠재력을 알아보았습니다. 그는 뤼미에르 형제로부터 장치를 사려고 했지만, 그들은 거절했습니다.[43] 몇 달 후, 그는 Robert W. Paul로부터 카메라를 샀고, 실제를 창조함으로써 그 장치에 대한 실험을 시작했습니다. 이 실험 기간 동안 멜리에스는 스톱 트릭, 다중 노출, 그리고 그의 영화에 용해제 사용을 포함한 다양한 특수 효과를 발견하고 실행했습니다.[15] 1896년 말, 멜리에스는 스타 영화 회사를 설립하고 500편이 넘는 단편 영화를 제작, 감독, 배급하기 시작했습니다.[44] Meliès는 자신의 연극 배경과 카메라를 위해 새롭게 발견된 효과를 결합함으로써 얻을 수 있는 서사적 잠재력을 인식하고 트랩 도어와 플라이 시스템을 포함하는 정교한 무대를 디자인했습니다.[35] 무대 구성과 편집 기술은 공포 영화 장르의 최초로 여겨지는 1896년 영화, 악마의 집 (The House of Devil), 그리고 1899년 영화 센드릴론 (Cendrillon)과 같은 더 복잡한 이야기를 개발할 수 있게 해주었습니다.[45][46] 멜리에스의 영화에서 그는 배우와 관객을 나누는 은유적 평면 또는 네 번째 벽프로시니엄 프레이밍의 연극적 구성에 카메라의 배치를 기반으로 했습니다.[47] 그의 경력 동안, 멜리에스는 카메라를 고정된 위치에 일관되게 놓았고, 다른 영화 제작자들이 더 복잡하고 창의적인 기술을 실험함에 따라 결국 관객들에게 호의적이지 않게 되었습니다.[48] 멜리에스는 1902년에 개봉한 영화 '달로의 여행'으로 오늘날 가장 널리 알려져 있는데, 여기서 그는 효과와 이야기 구성에 대한 전문 지식을 이용하여 최초의 공상 과학 영화를 만들었습니다.[49]

1900년, 샤를 파테는 파테-프레레스(Pathé-Frères)라는 브랜드로 영화 제작을 시작했고, 페르디난드 제카(Ferdinand Zeca)는 창작 과정을 주도하기 위해 고용되었습니다.[50] 이러한 제작에 집중하기 전에 파테는 자신의 축음기 가게에서 키네토스코프의 위조 버전일 가능성이 있는 것들을 전시하고 판매함으로써 업계에 관여했습니다. Charles Pathé는 Zeca의 창의적인 리더십과 프랑스 도구 제작 회사와의 협력을 통해 영화의 복사본을 대량 생산할 수 있는 능력으로 Pathé-Frères를 이 나라의 선두적인 영화 제작자로 만들기 위해 노력했습니다. 그 후 몇 년 안에 파테-프레레스는 세계에서 가장 큰 영화 스튜디오가 되었고, 주요 도시에 위성 사무소를 설치하고 영화를 소개할 수 있는 다양한 종류의 영화를 제공하게 되었습니다.[51] 이 회사의 영화는 1900년대 초반 동안 박람회장 프레젠테이션을 위해 다양한 장르를 전문으로 하는 감독들로 내용이 다양했습니다.[50]

가우몽 영화사(Gaumont Film Company)는 파테프레의 주요 지역 라이벌이었습니다. Léon Gaumont가 1895년에 설립한 이 회사는 처음에는 사진 장비를 판매했고 업계 최초의 여성 감독인 Alice Guy의 지시로 1897년에 영화 제작을 시작했습니다.[52] 그녀의 초기 영화들은 루미에르나 멜리에스와 같은 그녀의 동시대 경쟁작들과 많은 특징들과 주제들을 공유합니다. 그녀는 댄스와 여행 영화들을 탐구했고, 종종 미스 사하렛이 공연한 르 볼레로 (1905)와 탱고 (1905)와 같이 두 영화를 결합했습니다. 가이의 초기 댄스 영화들 중 많은 것들이 루미에르와 토마스 에디슨 영화 카탈로그의 주요소이기도 한 구불구불한 댄스 영화들과 같은 음악 홀 명소에서 인기가 있었습니다.[53] 1906년, 그녀는 300명의 엑스트라를 포함한 당시를 위한 대규모 예산 제작인 "그리스도의 삶"을 만들었습니다.

영국: 로버트 W 폴, 세실 햅워스, 브라이튼 스쿨

세실 햅워스로버트 W. 폴은 영화에서 다른 카메라 기술을 사용하는 것을 실험했습니다. 1895년 폴의 '시네마토그래프 카메라 1호'는 리버스 크랭킹(reverse-cranking)을 특징으로 하는 최초의 카메라로, 동일한 필름 영상을 여러 번 노출시켜 여러 번 노출할 수 있었습니다. 이 기술은 1901년 그의 영화 스크루지, 또는 말리의 유령에서 처음 사용되었습니다. 두 영화 제작자 모두 새로운 효과를 내기 위해 카메라의 속도를 실험했습니다. 폴은 카메라 장치를 아주 천천히 작동시킴으로써 "On a Runaway Motor Car" (1899)에서 피카딜리 서커스를 통해 장면들을 찍었습니다.[54] 영화가 보통 초당 16프레임으로 투사되었을 때, 풍경은 매우 빠른 속도로 지나가는 것처럼 보였습니다. Hepworth는 The Indian Chief and The Seidlitz Powder (1901)에서 정반대의 효과를 사용했습니다. 추장의 움직임은 초당 16프레임보다 훨씬 빠르게 카메라를 크랭크함으로써 속도를 높여서 현대 관객들이 "슬로우 모션" 효과라고 부르는 것을 만들어냅니다.[55]

싱글 샷에서 연속 장면으로 옮겨진 최초의 영화들은 20세기 전환 무렵에 시작되었습니다. 많은 초기 영화의 손실로 인해 정적인 단수 샷에서 일련의 장면으로 결정적인 전환은 결정하기 어려울 수 있습니다. 이러한 한계에도 불구하고, 영국 영화 연구소의 마이클 브룩은 한 시퀀스에서 다른 시퀀스로 이동하는 액션을 포함하는 실제 영화 연속성을 로버트 W. 폴의 1898년 영화, Come Along, Do!에 기인합니다. 오늘날 두 번째 샷의 스틸만 남아 있습니다.[56] 1901년에 개봉한 영국 영화 <어택 어택 어 차이나 미션>은 여러 장면에 걸쳐 연속적인 액션을 보여준 최초의 영화 중 하나였습니다.[35] 화면에서 행동과 대화를 설명하기 위해 인터타이틀을 사용하는 것은 1900년대 초부터 시작되었습니다. 촬영된 인터타이틀은 로버트 W. 폴의 영화, 스크루지, 또는 말리의 유령에서 처음 사용되었습니다.[57] 대부분의 국가에서 인터타이틀은 점차 영화에 대한 대화와 내레이션을 제공하기 위해 사용되기 시작했으며, 따라서 출품자가 제공하는 내레이션의 필요성을 불식시켰습니다.

여러 장면에 걸친 연속적인 액션의 발전은 영국에서 "브라이튼 스쿨"이라고 불리는 느슨하게 연관된 영화 개척자 그룹에 의해 더 진전되었습니다. 이 영화 제작자들은 조지 알버트 스미스제임스 윌리엄슨을 포함했습니다. Smith와 Williamson은 액션 연속성을 실험했고, 삽입물의 사용과 샷 사이의 클로즈업을 통합한 최초의 인물일 가능성이 높습니다.[35] 트릭 촬영의 기본 기술은 카메라에서 필름을 이중으로 노출하는 것이었습니다. 이 효과는 스미스가 1898년 영화, 유령의 사진찍으면서 개척한 것입니다. 스미스의 카탈로그 기록에 따르면, (지금은 잃어버린) 이 영화는 유령을 카메라에 담기 위한 한 사진작가의 고군분투를 기록하고 있습니다. 영화의 이중 노출을 이용하여 스미스는 사진작가를 조롱하기 위해 코믹한 방식으로 배경에 투명한 유령 같은 형상을 덧씌웠습니다.[58] 스미스의 코르시카 형제는 1900년 워윅 무역회사의 카탈로그에 다음과 같이 기술되어 있습니다. "매우 신중한 사진을 찍음으로써 유령은 매우 투명하게 보입니다." 칼에 찔려 죽었다는 것을 알리고 복수를 호소한 후, 그는 사라집니다. 눈 속에서 벌어지는 치명적인 결투를 보여주는 '비전'이 등장합니다."[59] 스미스는 또한 역방향 운동의 특수 효과 기술을 시작했습니다. 그는 두 번째 동작을 반복하면서 거꾸로 카메라로 촬영한 다음 두 번째 음성의 꼬리를 첫 번째 음성의 꼬리에 연결하는 방식으로 이 작업을 수행했습니다.[60] 이 장치를 사용하여 만들어진 첫 번째 영화는 팁시, 토프시, 터비 그리고 어색한 사인 화가였습니다. 이 기술의 가장 초기의 생존 사례는 1900년 9월 이전에 만들어진 스미스의 The House That Jack Build입니다. 세실 햅워스는 이 기술을 단계 더 발전시켜 전진 운동의 부정적인 부분을 프레임 단위로 역방향으로 인쇄하여 원래의 동작이 정확히 역전된 인쇄물을 제작했습니다. 이를 위해 그는 프로젝터를 통해 작동하는 네거티브 필름을 특수 렌즈를 통해 카메라 게이트로 투사하여 같은 크기의 이미지를 제공하는 특수 프린터를 만들었습니다. 이 배열은 "프로젝션 프린터", 그리고 결국 "광학 프린터"라고 불리게 되었습니다.[61]

망원경통해처럼(1900), 원형 마스크에 의해 시뮬레이션된 망원경 POV를 사용한 첫 두 장의 사진

1898년, 조지 알버트 스미스는 클로즈업을 실험했고, 맥주를 마시는 남자와 냄새 나는 담배를 사용하는 여자의 사진을 찍었습니다.[35] 다음 해에 스미스는 세 발의 총성으로 구성된 연속극인 "The Kiss in the Tunnel"을 만들었습니다: 기차가 터널로 들어갑니다; 남자와 여자가 어둠 속에서 짧은 키스를 주고 받은 후 자리로 돌아옵니다; 기차는 터널을 빠져나갑니다. 스미스는 팬텀 라이드로 알려진 장르의 성공에 대한 반응으로 시나리오를 만들었습니다. 팬텀 라이드 영화에서 카메라는 움직이는 기차의 앞쪽에서 움직임과 주변 환경을 포착합니다.[62][63] 함께 편집될 때, 별개의 샷들은 사건들의 별개의 시퀀스를 형성하고 한 샷에서 다음 으로 인과관계를 확립했습니다.[64] The Kiss in the Tunnel 이후, 스미스는 연속 촬영에서 연속적인 액션의 연속성을 더 확실하게 실험했고, 그의 영화에 Galmy's Reading GlassMary Jane's Mishap과 같은 삽입곡을 사용하기 시작했습니다.[35] 1900년에 스미스는 망원경으로 본대로를 만들었습니다. 주인공은 한 청년이 신발끈을 묶은 뒤 여자친구의 발을 어루만지는 거리 풍경을 담았고, 노인은 이를 망원경으로 관찰했습니다. 이어 검은색 원형 마스크 안에서 보여지는 소녀의 발에 있는 손을 클로즈샷한 다음, 원작의 장면을 이어가는 컷이 있습니다.[65]

James Williamson은 1900년 그의 영화 "Attack on a China Mission"에서 이야기 전개 기술을 완벽하게 수행했습니다. 영화 역사가 존 반스가 나중에 "그 당시까지 영국에서 만들어진 영화 중 가장 완벽하게 발전된 이야기"라고 묘사한 이 영화는 첫 번째 장면으로 문을 열고 중국 복서 반란군을 보여주며, 그 후 정원에 있는 선교사 가족에게 다가가고, 그곳에서 싸움이 벌어집니다. 아내는 발코니에서 영국 선원들에게 신호를 보내고,[66] 선원들은 와서 구조합니다. 이 영화는 또한 영화 역사상 최초의 "역각" 컷을 사용했습니다.[67] 다음 해에 윌리엄슨은 빅 스왈로우를 만들었습니다. 영화 속에서. 한 남자가 영화 제작자의 존재에 짜증을 내고, 보간된 근접 촬영을 통해 카메라와 그 조작자를 "삼켜버립니다."[68] 그는 이러한 효과들을 중첩과 함께 장면 변화를 나타내기 위한 wipe transition의 사용, 그리고 영화 언어, 즉 "영화 문법"을 만들기 위한 다른 기술들을 결합했습니다.[69][70] 제임스 윌리엄슨의 1901년 영화인 Stop Tief!에서 연속적인 액션을 사용한 것은 "체이스 필름"으로 알려진 영화 장르를 자극했습니다.[71] 이 영화에서 한 부랑자가 첫 번째 샷에서 정육점 소년의 양고기 다리를 훔치고, 다음 샷에서 정육점 소년과 모둠 개들에게 쫓기고, 마지막으로 세 번째 샷에서 개들에게 잡힙니다.[71]

미국: 에디슨 컴퍼니와 에드윈 S. 포터

에드윈 S. 포터가 제작한 '위대한 기차 강도' 스틸

1895년 에디슨 컴퍼니가 키네토스코프로 보기 위해 제작한 '메리 스튜어트처형'은 스코틀랜드의 메리 퀸이 카메라를 완전히 들여다보며 처형되는 모습을 담았습니다. 스톱 트릭으로 알려진 효과는 배우를 마지막 촬영을 위해 더미로 교체함으로써 달성되었습니다.[72][73] 영화에 사용된 기술은 영화에서 특수 효과를 사용하는 것으로 알려진 가장 초기의 기술 중 하나로 간주됩니다.[74]

미국의 영화제작자 에드윈 S. 포터는 1901년 에디슨 컴퍼니를 위해 영화를 만들기 시작했습니다. Thomas Edison에 의해 고용된 전직 프로젝션 작가인 Porter는 Vitascope로 알려진 그의 새로운 프로젝션 모델을 개발하기 위해 Meliès, Smith, Williamson의 작품에서 부분적으로 영감을 받았고 편집을 통해 연속적인 서사를 발전시키기 위해 그들의 새로 만들어진 기술을 이용했습니다.[15] 1902년에 그가 더 긴 영화를 만들기 시작했을 때, 그는 조르주 멜리에스가 이미 하고 있던 것처럼 모든 샷 사이에 용해제를 넣었고, 종종 용해제에서 같은 행동을 반복했습니다.

1902년, 포터는 에디슨 제조 회사를 위해 미국 소방관을 촬영했고 다음 해에 영화를 배급했습니다. 이 영화에서 포터는 이전 에디슨 영화의 스톡 영상과 새로 촬영된 영상을 결합하고 이를 결합하여 영웅적인 소방대원에 의해 한 여성과 그녀의 아이를 구출하는 극적인 이야기를 전달했습니다.[15]

포터의 영화 위대한 기차 강도 (1903)는 12분의 상영시간을 가졌고, 20개의 다른 촬영과 10개의 다른 실내외 장소가 있었습니다. 이 영화는 서양 영화 장르의 첫 번째 영화로 간주되며, 서로 다른 위치에서 동시에 발생하는 액션을 암시하는 샷을 사용하는 데 중요합니다.[15] 포터는 무대와 실제 야외 환경을 모두 사용하여 공간감을 조성하는 데 도움을 주었고, 카메라를 넓은 샷에 배치하여 깊이를 확립하고 화면에서 장시간 움직임을 허용했습니다.[75] 대기차 강도 사건은 영화 매체를 대중적인 인기를 끌 수 있는 수단 중 하나였습니다.[43][76] 같은 해, 마일즈 브라더스는 미국에서 최초로 영화 거래소를 열었고, 이것은 영구적인 전시 업체들이 그들의 영화를 즉시 판매하는 제작사들보다 더 낮은 비용으로 회사로부터 영화를 빌릴 수 있게 했습니다.[77]

존 P. 해리스는 1905년 펜실베이니아주 피츠버그에서 영화 상영에만 전념하는 최초의 상설 극장인 니켈로디언을 열었습니다. 이 아이디어는 빠르게 시작되었고 1908년까지 전국에 약 8,000개의 니켈로디언 극장이 있었습니다.[78] 니켈로디언의 등장으로 다양한 주제와 장소를 가진 더 많은 양의 이야기 영화에 대한 관객의 요구는 더 많은 창의적인 인재를 고용할 필요성으로 이어졌고 스튜디오가 더 정교한 무대 디자인에 투자하도록 만들었습니다.[77]

1908년 토마스 에디슨은 그의 특허에 대한 침해를 제한하기 위해 영화 특허 회사 (MPPC)로 알려진 미국의 주요 영화 회사들 사이의 기업 신탁을 만드는 데 앞장섰습니다. 신탁의 구성원들은 영화 주식의 제작, 영화의 제작, 그리고 영화관에 대한 배급에 이르기까지 영화 제작 과정의 모든 측면을 라이선스 계약을 통해 통제했습니다. 그 신뢰는 내부 경쟁에 의해 촉발된 질 높은 영화 제작으로 이어졌고, 미국 영화 산업의 성장을 장려하기 위해 외국 영화의 양에 제한을 두었지만, 장편 영화의 제작을 좌절시키기도 했습니다. 1915년까지, MPPC는 회사들이 장편 영화를 더 많이 제작하는 쪽으로 이동하면서 영화 산업에 대한 대부분의 보유권을 잃었습니다.[79]

지속적인 국제 성장 (1900년대-1910년대)

신생 영화제작국

이탈리아의 서사시 영화 카비리아

전세계적인 영화 붐과 함께, 더 많은 나라들이 영국, 프랑스, 독일 그리고 미국과 함께 진지한 영화 제작에 참여했습니다. 이탈리아에서는 여러 중심지에 걸쳐 제작이 확산되었고, 토리노는 최초의 주요 영화 제작 중심지였으며, 밀라노와 나폴리는 최초의 영화 잡지를 탄생시켰습니다.[80] 토리노에서 암브로시오는 1905년 이 분야의 첫 번째 회사였으며, 이 기간 동안 이 나라에서 가장 큰 회사로 남아있었습니다. 그것의 가장 실질적인 라이벌은 1906년에 생산을 시작한 로마의 Cines였습니다. 이탈리아 산업의 큰 강점은 역사적 서사시로 큰 주조물과 거대한 경관을 자랑했습니다. 일찍이 1911년, 지오반니 파스트론투릴카두타트로이아 (The Fall of Troy)는 세계적으로 큰 인상을 남겼고, 90분 동안 상영된 쿠오 바디스 (1912)와 2시간 30분 동안 상영된 1914년의 파스트론의 카비리아 (Cabiria)와 같은 더 큰 작품들이 그 뒤를 이었습니다.[81]

이탈리아 회사들은 또한 슬랩스틱 코미디에서 강한 라인을 가지고 있었는데, 현지에서 "크레티네티"로 알려진 안드레 데트와 다른 곳에서 "풀스헤드"와 "그리부유"와 같은 배우들이 거의 초현실적인 개그로 세계적인 명성을 얻었습니다.

제1차 세계대전 전까지 북유럽에서 가장 중요한 영화 생산국은 덴마크였습니다.[81][82] 노르디스크 회사는 1906년 박람회장 쇼맨인 올레 올슨에 의해 그곳에 설립되었고, 프랑스와 영국 영화 제작자들의 성공을 모방한 짧은 기간 후, 1907년 그는 덴비데 슬라빈데(백인의 노예)와 같은 선정적인 주제를 가진 67편의 영화를 제작했습니다. Isbjörnejagt (북극곰 사냥)Løvejagten (사자 사냥). 1910년까지 새로운 소규모 덴마크 회사들이 그 사업에 참여하기 시작했고, 백인 노예 무역에 관한 더 많은 영화를 만드는 것 외에도 그들은 다른 새로운 주제에 기여했습니다. 이 발견물들 중 가장 중요한 것은 코스모라마를 위해 어반 가드 감독한 아프그룬덴(The Abys)의 아스타 닐슨(Asta Nielsen)이었습니다. 이것은 서커스, 섹스, 질투, 살인을 결합했고, 모든 것을 큰 확신으로 받아들였고, 다른 덴마크 영화 제작자들을 이 방향으로 더 밀어 넣었습니다. 1912년까지 덴마크 영화사들은 빠르게 증가하고 있었습니다.[81]

스웨덴 영화 산업은 덴마크 산업보다 작고 시작이 느렸습니다. 이곳에서, 스벤스카비오그라프테른 시네마 체인의 뉴스틸 카메라맨인 찰스 매그너슨은 1909년에 그들을 위한 소설 영화 제작을 시작했고, 직접 많은 영화를 감독했습니다. 1912년에 Victor SchöströmMauritz Stiller를 이사로 영입하면서 생산량이 증가했습니다. 그들은 덴마크 영화 산업이 선호하는 주제를 모방하는 것으로 시작했지만 1913년에 이르러 그들은 그들 자신의 놀랄 만큼 독창적인 작품을 제작하고 있었고, 그것은 매우 잘 팔렸습니다.[81]

러시아는 1908년 파테(Pathé)가 그곳에서 몇몇 소설 주제를 촬영하면서 영화 산업을 시작했고, 그 후 알렉산드르 드링코프(Aleksandr Dinkov)와 알렉산드르 칸존코프(Aleksandr Khanzhonkov)에 의해 실제 러시아 영화 회사가 설립되었습니다. 칸존코프 회사는 빠르게 가장 큰 러시아 영화 회사가 되었고, 1918년까지 그렇게 남아있었습니다.[81]

독일에서 오스카 메스터는 1896년부터 영화 제작에 참여했지만 1910년까지 매년 상당한 수의 영화를 만들지는 못했습니다. 전 세계적인 영화 붐이 시작되었을 때, 그를 비롯한 독일 영화계의 몇 안 되는 사람들은 그들 자신의 영화의 판화들을 노골적으로 계속 팔았고, 그것은 그들을 불리하게 만들었습니다. 1911년 영화관 체인점 주인 폴 데이비드슨이 덴마크에서 아스타 닐슨과 어반 갓을 독일로 데려와 제작사인 '프로젝션스-AG '유니온'(PAUGU)을 설립하면서 비로소 판화 대여로의 전환이 시작됐습니다.[81] 메스터는 헤니 포르텐이 주연한 더 긴 영화 시리즈로 답했지만, 이 영화들은 독일어권에서 좋은 성과를 거두었지만, 아스타 닐슨 영화들과 달리 국제적으로 특별히 성공하지는 못했습니다. 제1차 세계 대전 직전에 성장한 독일 영화 제작자들 중 또 다른 하나는 프랑스 에클레어 회사의 독일 지사였습니다. 이것은 독일 정부에 의해 수용되었고, 전쟁이 시작되었을 때 DECLA로 변했습니다. 그러나 전체적으로, 독일 생산자들은 1914년에 독일 시장의 작은 부분만 가지고 있었습니다.[citation needed]

전체적으로, 약 1910년부터, 미국 영화들은 프랑스를 제외한 모든 유럽 국가들에서 가장 큰 시장 점유율을 가졌고, 심지어 프랑스에서도, 미국 영화들은 제1차 세계 대전 전야에 지역 제작을 1등 밖으로 밀어냈습니다.[citation needed] 파테 프레레스(Pathé Frères)는 미국 영화 사업을 확장하고 크게 형성했습니다. 처음으로 영화에 제목과 자막을 추가하고, 처음으로 두루마리를 공개하고, 처음으로 영화 포스터를 소개하고, 처음으로 컬러 사진을 제작하고, 처음으로 상업어음을 발행하는 등 영화계에서 많은 '최초'를 만들어 냈습니다. 처음으로 전시업체에 연락하고 그들의 요구를 연구하는 것입니다. 세계 최대 영화 공급업체인 파테는 포화상태에 이른 미국 시장에 한정돼 있어 미국은 해외시장에서 추가 수익을 노립니다. 영화는 미국에서 "순수한" 미국 현상으로 정의됩니다.[83]

필름기법

A.E. Smith는 1907년에 Vitagraph Studios에서 The Bargain Fiend를 촬영했습니다. 아크 투광등이 머리 위에 걸려 있습니다.

이 시기에 도입된 새로운 영화 기법에는 불길한 장면에서 분위기를 강화하기 위해 인공 조명, 화재 효과 및 낮은 키의 조명(즉, 대부분의 프레임이 어두운 조명)을 사용하는 것이 포함됩니다.[81]

평행한 액션 사이의 교차 절단이 사용되는 파테의 르 체발 엠발레(The Runaway Horse)(1907)와 같이 샷에서 샷까지 액션의 연속성도 개선되었습니다. D. W. 그리피스는 1908년 7월에 제작된 영화 "The Fatal Hour"에서도 십자 절단을 사용하기 시작했습니다. 또 다른 발전은 1910년 Vitagraph의 Back to Nature에서 처음 사용된 시점 촬영의 사용이었습니다. 예술적인 목적으로 인서트 샷이 사용되기도 했습니다. 마리오 카세리니 감독의 이탈리아 영화 "악의 식물"에는 뱀이 "악의 식물" 위를 미끄러지는 인서트 샷이 있었습니다.[citation needed] 1914년에 이르러 미국 영화계에서 크로스 이 가장 일반적으로 유용한 것은 드라마를 발전시키는 데 아무런 역할을 하지 않는 액션의 흥미로운 부분을 제거할 수 있게 했기 때문입니다.[84]

1909년, 35mm는 국제적으로 인정받는 극장용 필름 게이지가 되었습니다.[79]

영화가 길어지면서 소설이나 연극에서 파생된 더 복잡한 이야기를 하나의 릴에 담을 수 있는 형태로 단순화하기 위해 전문 작가들이 고용되었습니다. 장르는 카테고리로 사용되기 시작했습니다; 주요 부문은 코미디와 드라마였지만, 이 카테고리들은 더 세분화되었습니다.[81]

비타그래프의 '안 오토 히로인'이나 '비타그래프 컵을 위한 경주', '어떻게 이겼을까'와 [85]같이 대화의 대사를 담고 있는 인터타이틀은 1908년 이후부터 꾸준히 사용되기 시작했습니다. 그 대화는 결국 장면 중간에 삽입되었고 1912년에 이르러서는 일상화되었습니다. 대화 제목의 도입은 영화 내러티브의 성격을 변화시켰습니다. 대화 제목이 항상 등장인물이 말을 시작한 직후 장면으로 잘라지고, 그리고 그들이 말을 마치기 직전에 등장인물에 대한 잘라내기와 함께 남겨질 때, 그 사람은 사실상 오늘날의 사운드 필름과 같은 것을 가지고 있었습니다.[81]

제1차 세계대전중과 산업

칼리가리 의사 내각의 시각적 스타일은 의도적으로 왜곡된 형태, 복잡한 색조, 그리고 세트에 직접 칠해진 빛줄기를 포함했습니다. 미장센을 사용합니다.

제1차 세계 대전의 세월은 영화 산업에 있어서 복잡한 과도기였습니다. 영화 전시회는 짧은 1릴 프로그램에서 장편 영화로 바뀌었습니다. 전시장은 더 커졌고 더 높은 가격을 부과하기 시작했습니다.[81]

미국에서는 이러한 변화가 많은 영화사들에게 파괴를 가져왔고, Vitgraph사는 예외였습니다. 영화 제작은 제1차 세계 대전 동안 로스앤젤레스로 옮겨지기 시작했습니다. 유니버설 필름 제조 회사는 1912년 우산 회사로 설립되었습니다. 새로운 참가자들은 제시 라스키 피처 플레이 컴퍼니와 1913년에 설립되어 나중에 유명 플레이어 라스키로 합병된 유명 플레이어를 포함합니다. 이 시기의 가장 큰 성공은 데이비드 워크 그리피스의 "국가의 탄생" (1915)이었습니다. 그리피스는 더 큰 '불내증'(1916)으로 그 뒤를 이었지만, 미국에서 제작된 영화의 질이 높기 때문에 그들의 영화 시장은 높았습니다.[81]

프랑스에서는 전쟁 시작과 동시에 국가의 일반적인 군사 동원으로 영화 제작이 중단되었습니다. 영화 제작은 1915년에 다시 시작되었지만, 그것은 축소된 규모였고, 가장 큰 회사들은 점차 제작에서 은퇴했습니다. 이탈리아의 영화 제작은 더 잘 유지되었지만, 고뇌에 찬 여성 주연들이 주연을 맡은 "디바 필름"은 상업적으로 실패했습니다. 덴마크에서는 1915년과 1916년에 노르디스크 회사가 생산량을 너무 많이 늘려 모든 영화를 팔 수 없게 되었고, 이로 인해 덴마크 생산량은 매우 급감했고, 덴마크가 세계 영화계에서 차지하는 중요성은 끝이 났습니다.[81]

독일 영화 산업은 전쟁으로 인해 심각하게 약화되었습니다. 당시 새로운 영화 제작자들 중 가장 중요한 사람은 전쟁 기간 동안 일련의 스릴러와 모험 영화를 만들었던 조 메이였지만, 에른스트 루비치 또한 일련의 매우 성공적인 코미디와 드라마로 두각을 나타냈습니다.[81]

새로운 기법

다이 오스틴 프린세스에서 촬영된 복합 비네트 (오이스터 프린세스)

이때 스튜디오는 변화하는 햇빛에 영향을 받지 않는 촬영이 가능하도록 정전되었습니다. 이것은 투광등과 스포트라이트로 대체되었습니다. 이 시기에 포착된 시작과 끝 장면에 대한 아이라이징 인과 아웃의 광범위한 채택. 원형 마스크로 촬영한 필름의 폭로인데, 프레임 너머로 확대될 때까지 점차 커집니다. 수직 및 대각선 구멍을 포함하여 다른 모양의 슬릿이 사용되었습니다.[81]

정지 사진에서 이어받은 새로운 아이디어는 "소프트 포커스"였습니다. 이것은 1915년에 시작되었는데, 메리 픽포드 스타 팬슨 크리켓에서처럼 몇몇 슛들은 표현 효과를 위해 의도적으로 초점을 맞추지 못하고 던져졌습니다.[81]

영화 속 인물들의 주관적인 감정을 전달하기 위한 카메라 효과가 실제로 자리 잡기 시작한 것도 이 시기입니다. 이것들은 이제 시드니 드류의 글러브 이야기(1915)에서와 같이 POV(Point of View) 샷으로 수행될 수 있습니다. 여기서 문과 열쇠 구멍의 흔들리는 핸드헬드 샷이 취객의 POV를 나타냅니다. 아나모픽(일반적인 왜곡된 형태의 의미에서) 이미지의 사용은 아벨 갠스가 라 폴리독터 튜브(The Madness of Dr. 튜브). 이 영화에서는 페어그라운드 타입의 왜곡된 거울에 비친 장면을 촬영함으로써 한 무리의 사람들에게 투여된 약물의 효과를 제시했습니다.[81]

전통적인 문학과 예술의 전통에서 이어받은 상징적인 효과들이 이 몇 년 동안 영화에 계속해서 등장했습니다. D에서. W. 그리피스의 <양심복수>(1914), 제목 "악한 생각의 탄생"은 주인공이 거미를 바라보는 장면과 개미가 곤충을 먹는 장면의 세 번의 연속 앞에 나옵니다. 세기의 전환기의 상징주의 예술과 문학은 또한 이탈리아와 러시아에서 만들어진 소수의 영화에 더 일반적인 영향을 미쳤습니다. 열정과 금지된 갈망에서 비롯되는 죽음에 대한 진정한 수용은 이 예술의 주요 특징이었고, 길게 늘어뜨린 섬망의 상태 또한 중요했습니다.[81]

아내를 위한 올드 와이프(Cecil B)에 삽입 샷. 드밀(DeMille, 1918)

인서트 샷의 사용, 즉 얼굴 이외의 물체의 클로즈업은 이미 브라이튼 학교에 의해 확립되었지만 1914년 이전에는 거의 사용되지 않았습니다. 인서트 샷의 사용에 있어서 새로운 국면이 시작되는 것은 그리피스의 어벤징 컨시언스(The Avening Conscience)뿐입니다.[81] 이미 언급된 상징적인 삽입물뿐만 아니라, 이 영화는 또한 손을 잡고 발을 두드리는 많은 수의 빅 클로즈 업 샷을 심리적 긴장의 지표로 강조하는 수단으로 광범위하게 사용했습니다.[85]

대기 삽입물은 1910년대 후반 유럽에서 개발되었습니다.[citation needed] 이런 종류의 장면은 이야기 속 등장인물들 중 어떤 것도 포함하지 않는 장면이고, 그들 중 한 명이 보는 시점 촬영도 아닙니다. 초기의 예는 모리스 투르뇌르가 The Pride of the Clan (1917)을 감독했을 때인데, 이 영화에서 파도가 바위투성이의 해안을 두드리는 일련의 장면은 낚시꾼들의 가혹한 삶을 보여줍니다. 모리스 엘비넬슨, 영국의 불멸의 해군 영웅 이야기 (1919)는 카이저 빌헬름 2세의 그림에서 공작으로, 그리고 나서 전함으로 분해되는 상징적인 순서를 가지고 있습니다.[85]

1914년까지 연속 영화는 상업 영화의 확립된 방식이었습니다. 고급 연속 기술 중 하나는 한 샷에서 다른 샷으로 정확하고 부드러운 전환을 포함했습니다.[81] 장면 내에서 다른 각도로 절단하는 것은 또한 미국 영화에서 장면을 샷으로 해부하는 기술로서 잘 확립되었습니다.[85] 샷의 방향이 90도 이상 바뀌면 역각절단이라고 합니다.[86] 역각 절단의 완전한 발전에 있어서 선두적인 인물은 "올바른 소녀"와 "팬텀 스위트하트"와 같은 그의 영화에서 랄프 잉스였습니다.[85]

플래시백 구조의 사용은 이 시기에도 계속 발전하여 플래시백을 입력하고 남기는 일반적인 방법은 용해를 통해 이루어집니다.[citation needed] 바이토그래프 컴퍼니어쩌면 그렇게 되었을지도 모르는 남자(윌리엄 J. 험프리(Humphrey, 1914)는 주인공의 실제 삶의 통로와 아들이 죽지 않았다면 있었을 법한 것을 대비시키는 일련의 환상과 회상으로 훨씬 더 복잡합니다.

1914년 이후 평행 액션 사이의 교차 컷팅이 사용되기 시작했는데, 유럽 영화보다 미국 영화에서 더 많이 사용되었습니다. 교차 절단은 Cecil B의 교차 절단 순서와 같은 새로운 대조 효과를 얻기 위해 사용되었습니다. 죽은 것으로 추정되는 남편이 아편 소굴에서 중국인 매춘부와 연락을 취하는 동시에 그의 모르는 아내가 교회에서 재혼하는 드밀속삭이는 합창(1918).[85]

무성 영화 틴팅도 이 시기에 인기를 얻었습니다. 호박색은 낮이나 밤에 선명하게 빛나는 푸른색은 새벽이나 희미하게 빛나는 밤을 의미했고, 붉은 색은 화재 장면을 의미했고, 녹색은 신비한 분위기를 의미했고, 갈색 색은 보통 개별 장면 대신 장편 영화에 사용되었습니다. D.W. 그리피스의 획기적인 서사시, 국가탄생, 1920년의 유명한 영화 닥터. 지킬과 하이드씨, 같은 해 로버트 위너 서사시인 칼리가리 박사의 내각 등이 대표적인 색조 무성영화의 예입니다.[citation needed]

1914년 관객들에게 처음 공개된 창작포토드라마는 싱크로나이즈드 사운드, 무빙 필름, 컬러 슬라이드를 접목한 최초의 주요 각본이었습니다.[87] 1927년까지 대부분의 영화는 소리 없이 제작되었습니다. 이 시기는 흔히 영화의 침묵의 시대라고 불립니다.[88][89]

필름아트

미국을 필두로 한 영화 발전의 일반적인 추세는 영화 이야기의 서사적 내용을 표현하기 위해 새로 개발된 특정 영화 장치를 사용하고, 이를 상업 극장에서 이미 사용되고 있는 표준 드라마 구조와 결합하는 것이었습니다.[citation needed] D. W. 그리피스는 그의 영화를 통해 관객들에게 전달한 극적인 흥분 때문에 업계에서 미국 감독들 중 가장 높은 위치를 차지했습니다. 세실비. 드밀치트 (1915)는 그리피스보다 더 미묘한 방식으로 그들의 등장인물들이 직면한 도덕적 딜레마를 끌어냈습니다. 드밀은 또한 현대 미국인의 삶의 현실과 더 밀접하게 접촉했습니다. 모리스 투르뇌르는 또한 환상을 다루는 섬세함과 함께 그의 영화들의 화보 같은 아름다움으로 높은 순위에 올랐고, 동시에 그는 '소녀의 어리석음'(1917)에서처럼 적절한 순간에 배우들로부터 더 큰 자연주의를 얻을 수 있었습니다.[81]

시드니 드류(Sidney Drew)는 "폴리트 코미디(polite comedy)" 개발의 선두 주자였으며, 슬랩스틱은 모두세넷의 키스톤 회사에서 시작한 뚱보 아버클(Faty Arbuckle)과 찰스 채플린(Charles Chaplin)에 의해 세련되었습니다. 그들은 세넷 영화의 평소 광란의 속도를 줄여 관객들에게 그들의 움직임의 섬세함과 기교, 그리고 그들의 개그의 영리함을 감상할 수 있는 기회를 주었습니다. 1917년 채플린은 또한 그의 영화에 더 극적인 줄거리를 도입하고 코미디와 감정을 혼합시켰습니다.[81]

러시아에서, 예브게니 바우어는 상징주의적인 억양과 결합된 느린 연기의 강도를 독특한 방식으로 영화에 담았습니다.[81]

스웨덴에서, Victor Schöström은 사람들의 삶의 현실과 그들의 주변 환경을 눈에 띄게 결합한 일련의 영화들을 만들었고, Mauritz Styler는 세련된 코미디를 새로운 차원으로 발전시켰습니다.[81]

독일에서, 에른스트 루비치는 부르주아 코미디와 스펙터클 모두에서 막스 라인하르트의 무대 작품에서 영감을 얻었고, 이것을 그의 영화에 적용하여 그의 죽음의 인형, 죽음의 아우스터 프린세스, 그리고 마담 뒤바리로 끝을 맺었습니다.[81]

1920년대

독일 영화의 황금기, 할리우드의 승리

찰리 채플린
베를린 근처의 바벨스버그 스튜디오는 세계 최초의 대규모 영화 스튜디오(1912년 설립)이자 할리우드의 전신이었습니다. 여전히 매년 글로벌 블록버스터를 제작하고 있습니다.

제1차 세계 대전이 시작될 때, 프랑스이탈리아 영화가 세계적으로 가장 인기가 있었습니다. 그 전쟁은 유럽 영화 산업에 파괴적인 중단으로 다가왔습니다.

20세기 초반 내내 스크린 아티스트들은 카메라를 사용하여 작업하는 방법과 촬영에서 공간과 시간을 사용하여 환상을 만드는 방법을 계속 배웠습니다. 이 새롭게 도입된 창의성의 형태는 1915년 영화 "국가의 탄생"으로 유명해진 데이비드 W. 그리피스를 포함하여 완전히 새로운 그룹의 사람들이 스타덤에 소개되는 길을 열었습니다. 1920년 영화 산업에는 음향의 도입과 스튜디오 시스템의 창출이라는 두 가지 주요한 변화가 있었습니다. 1920년대에는 독립적으로 활동하던 인재들이 스튜디오에 합류하여 다른 배우, 감독들과 함께 일하기 시작했습니다. 1927년, The Jazz Singer가 개봉되어 영화 산업에 소리를 가져다 주었습니다.

그 시대를 대표하는 독일 영화는 독일 표현주의 영화 운동의 시대를 맞이했습니다. 베를린은 세계에서 가장 오래된 대규모 영화 스튜디오인 필름 스튜디오 바벨스버그가 있는 그 중심지였습니다.[91] 최초의 표현주의 영화들은 빛, 그림자, 그리고 물체를 나타내기 위해 벽과 바닥에 그려진 디자인들과 함께 엄청나게 사실적이지 않고 기하학적으로 터무니없는 각도를 가진 세트 디자인들을 사용함으로써 많은 예산의 부족을 메웠습니다. 표현주의 영화들의 줄거리들과 이야기들은 종종 광기, 광기, 배신 그리고 제 1차 세계대전의 경험들에 의해 촉발된 다른 "지적인" 주제들을 다루었습니다. 칼리가리 박사 내각 (1920), 노스페라투 (1922) 그리고 M (1931)과 같은 영화들은 그들이 속한 운동과 유사하게 영화 자체에 역사적인 영향을 미쳤습니다.[92]

메트로폴리스 (1927)와 여인 (1929)과 같은 영화들은 부분적으로 공상과학 영화라는[93] 장르를 창조했고 롯데 라이니거는 현존하는 가장 오래되고 가장 오래된 유럽에서 만들어진 애니메이션 영화인 The Adventures of Prince Achmed와 같은 애니메이션 장편 영화를 제작하면서 애니메이션의 선구자가 되었습니다.

나치가 집권하자 독일과 독일에 기반을 둔 많은 감독, 배우, 작가 등이 미국으로 이주해 할리우드와 미국 영화산업이 다른 영화 제작국과의 경쟁에서 최종 우위를 점했습니다.[94]

미국 산업, 즉 "할리우드"는 캘리포니아의 새로운 지리적 중심지 이후 알려지게 되면서, 그 이후로 세계를 위한 영화 공장과 지구상의 대부분의 국가에 그 제품을 수출하는 위치를 차지하게 되었습니다.

1920년대에 이르러 미국은 전 세계 영화의 82%에 [95]해당하는 연평균 800편의 장편 영화를 제작하며 여전히 사상 최대의 생산량 시대에 도달했습니다(Eyman, 1997). 찰리 채플린버스터 키튼의 코미디, 더글러스 페어뱅크스엄청난 모험, 클라라 보우의 로맨스는 모든 대륙에서 이 공연자들의 얼굴을 유명하게 만들었습니다. 고전적인 연속성 편집이 될 서양의 시각적 규범이 개발되고 수출되었습니다 – 비록 일본과 같은 예술과 드라마에서 강한 사실주의 전통이 없는 일부 비서구 국가에서는 채택이 더 느렸지만 말입니다.

이러한 발전은 스튜디오 시스템의 성장과 그것의 가장 큰 홍보 방법인 스타 시스템과 동시에 이루어졌습니다. 스타 시스템은 앞으로 수십 년 동안 미국 영화를 특징짓고 다른 영화 산업에 모델을 제공했습니다. 스튜디오는 제품의 모든 단계를 효율적으로 하향식으로 제어함으로써 새롭고 끊임없이 성장하는 수준의 풍부한 제작과 기술적 정교함을 가능하게 했습니다. 동시에, 이 시스템의 상업적 연대와 화려한 탈출주의에 대한 집중은 어느 정도 이상의 대담함과 야망을 좌절시켰는데, 그 대표적인 예는 10대 후반과 1920년대의 상징적인 화가 에리히 스트로하임의 짧지만 여전히 전설적인 연출 경력입니다.

1924년에 샘 골드윈, 루이 B. 메이어와 메트로 픽처스는 MGM을 만듭니다.[79]

1930년대

소리시대

후안(Don Juan)은 비타폰 사운드 온 디스크(Vitaphone sound-on-disc) 사운드 시스템을 사용한 최초의 장편 영화이지만 음성 대화는 없습니다.

1927년 말, 워너스는 대부분 침묵했지만 일반적으로 장편 영화에서 첫 번째 동기화된 대화(그리고 노래)로 간주되는 것을 포함한 재즈 싱어를 발표했습니다.[96] 그러나 이 과정은 사실 1914년 찰스 타즈 러셀에 의해 장황한 영화 "창작포토드라마"로 처음 이루어졌습니다. 이 드라마는 대화와 음악의 축음기 기록과 동기화된 그림 슬라이드와 움직이는 그림으로 구성되었습니다. 비타폰과 같은 초기 사운드 온 디스크 프로세스는 곧 폭스 무비에톤, 디포레스트 포노필름RCA 포토폰과 같은 사운드 온 필름 방식으로 대체되었습니다. 이러한 추세는 대체로 꺼리는 산업가들에게 "말하는 그림", 즉 "말하기"가 미래라고 확신시켰습니다. The Jazz Singer가 성공하기 전에 많은 시도가 이루어졌습니다. 영화 사운드 시스템 목록에서 볼 수 있습니다. 그리고 1926년 워너브라더스. 동기화된 효과음과 음악으로 영화 돈 후안을 데뷔시킵니다.[79]

변화는 놀라울 정도로 빨랐습니다. 1929년 말에 할리우드는 거의 모든 것을 이야기할 수 있게 되었고, 몇몇 경쟁적인 사운드 시스템(곧 표준화될 예정입니다)이 있습니다. 세계 나머지 지역에서는 주로 경제적인 이유로 총 전환이 약간 더 느렸습니다. 문화적인 이유는 또한 중국일본과 같은 나라에서 1930년대까지 소리 없이 성공적으로 존재했으며, 실제로 우용강여신 (중국, 1934)과 야스지로 오즈나는 태어났지만... (일본, 1932). 그러나 일본에서도 일본 무성영화의 주요한 부분이었던 라이브 내레이터 벤시와 같은 인물이 그의 연기 경력이 끝나가고 있다는 것을 발견했습니다.

사운드는 수많은 국가에서 주요 스튜디오의 장악력을 더욱 강화했습니다: 전환에 드는 막대한 비용이 더 작은 경쟁자들을 압도한 반면, 사운드의 새로움은 남아있는 프로듀서들을 위해 훨씬 더 많은 청중을 끌어들였습니다. 미국의 경우, 일부 역사학자들은 대공황에 직면하여 할리우드 스튜디오 시스템을 구한 것이 사운드 덕분이라고 생각합니다(Parkinson, 1995). 그래서 오늘날 종종 "할리우드의 황금기"라고 불리는 것이 시작되었는데, 이 시기는 대략 1940년대 후반까지 소리의 도입으로 시작된 시기를 가리킵니다. 미국 영화는 이 시기에 효율적으로 제작된 화려함과 세계적인 매력의 정점에 이르렀습니다. 이 시대의 최고 배우들은 이제 클라크 게이블, 캐서린 햅번, 험프리 보가트, 그레타 가보, 그리고 1930년대 최고의 흥행 영화인 셜리 템플과 같은 고전 영화 스타로 여겨집니다.

소리의 창조적 영향

A theatrical release poster for The Wizard of Oz (1939).
오즈의 마법사

하지만, 창의적으로, 그 빠른 전환은 어려운 것이었고, 어떤 면에서는, 영화는 잠시 초기의 상태로 돌아갔습니다. 20년대 후반은 카메라 앞과 뒤의 아티스트들이 초기 음향 장비의 엄격한 한계와 새로운 매체를 사용하는 방법에 대한 자신들의 불확실성으로 인해 고군분투하면서 정적이고 무대 같은 토크로 가득했습니다. 많은 무대연출가, 감독, 작가들은 제작자들이 대화를 기반으로 한 스토리텔링에 경험이 있는 인력을 찾으면서 영화계에 소개되었습니다. 많은 주요 무성 영화 제작자들과 배우들은 조정할 수 없었고, 그들의 경력이 심각하게 축소되거나 심지어 끝났다는 것을 발견했습니다.

이 어색한 시기는 꽤 짧았습니다. 1929년은 분수령이 되는 해였습니다: 차이나타운의 밤사랑하는 남자의 윌리엄 웰먼, 박수갈채루벤 마물리안, 공갈 협박의 알프레드 히치콕(영국 최초의 사운드 피쳐링)은 토크쇼에 더 많은 유동성을 가져오고 소리의 표현적인 사용을 실험하는 감독들 중 한 명이었습니다(아이먼, 1997). 여기서 그들은 마이크와 카메라의 기술적 발전, (촬영 당시 모든 소리를 직접 녹음하는 것이 아니라) 사운드 편집 및 사후 동기화 기능의 혜택을 누렸고 더 나아가 추진했습니다.

월트 디즈니(Walt Disney)는 1937년 백설공주 극장 예고편의 한 장면에서 일곱 난쟁이 각각을 소개합니다.

사운드 필름은 흑인 역사를 강조했고, 침묵보다 더 큰 폭으로 다른 장르에 혜택을 주었습니다. 가장 분명한 것은, 이 뮤지컬 영화가 탄생했다는 것입니다; 최초의 고전적인 스타일의 할리우드 뮤지컬은 브로드웨이 멜로디(The Broadway Melody, 1929)이고, 이 형식은 안무가/감독인 버스비 버클리(Busby Berkeley, 42번가, 1933, Dames, 1934)에서 최초의 주요 창작자를 찾을 것입니다. 프랑스에서 아방가르드 감독 르네 클레르파리지붕 아래 (1930)와 르 밀리언 (1931)과 같은 코미디에서 노래와 춤을 초현실적으로 사용했습니다. 유니버설 픽처스드라큘라프랑켄슈타인 (둘 다 1931년)과 같은 고딕 공포 영화를 개봉하기 시작했습니다. 1933년, RKO 픽처스메리언 C를 개봉했습니다. 쿠퍼의 고전적인 "거대한 괴물" 영화 킹콩. 이 유행은 인도에서 가장 잘 번졌는데, 인도의 전통적인 노래와 춤 드라마의 영향으로 뮤지컬이 대부분의 사운드 영화의 기본 형태가 되었습니다(Cook, 1990). 수십 년 동안 서방 세계에 의해 사실상 눈에 띄지 않았던 이 인도의 인기 있는 영화관은 그럼에도 불구하고 세계에서 가장 많이 제작되는 영화가 되었습니다. (발리우드 참조)

시기에, 리틀 시저와 웰먼의 공공의 적(The Public Enemy, 1931)과 같은 미국의 갱스터 영화들이 인기를 끌었습니다. 이제 할리우드 코미디에서 대화는 슬랩스틱보다 우선되었습니다: The Front Page (1931) 또는 It Happened One Night (1934)의 빠른 속도의 재치 있는 농담, 매 웨스트 (She Done Him Wrong, 1933)의 성적인 이중 관심사, 또는 마르크스 형제 (Duck Soup, 1933)의 종종 전복적인 무정부적인 헛소리. 이전에 단편 만화 사업을 했던 월트 디즈니는 1937년 RKO 픽처스에 의해 개봉된 최초의 영어권 애니메이션 백설공주와 일곱 난쟁이로 장편 영화에 진출했습니다. 미국 영화의 주요 해인 1939년은 오즈마법사바람함께 사라지다와 같은 영화들을 가져왔습니다.

영화 속의 색

1890년대부터 1920년대까지의 영화의 약 80%가 색상을 가지고 있었습니다.[97] 많은 사람들이 단색 필름 착색 염료 목욕을 사용했고, 일부는 손으로 여러 투명 색상으로 프레임을 칠했고, 1905년부터 기계화된 스텐실 공정(Pathécolor)이 있었습니다.

키네마컬러(Kinemacolor)는 1908년부터 1914년까지 두 가지 색상(적색과 청록색)으로 영화를 제작했습니다.

테크니컬러의 자연스러운 3줄 컬러 프로세스는 1932년 월트 디즈니의 애니메이션 아카데미 상을 수상한 버트 길렛 감독의 단편 《꽃과 나무》로 매우 성공적으로 소개되었습니다. 테크니컬러는 처음에는 《오즈의 마법사》(1939)와 같은 뮤지컬, 《로빈 후드의 모험》과 같은 의상 영화 및 애니메이션에 주로 사용되었습니다. 1950년대 초 텔레비전이 보급된 지 얼마 되지 않아, 색은 극장 영화의 표준이 되었습니다.

1940년대

제2차 세계대전과 그 여파

반대파에 대한 전시 선전에 대한 열망은 49선(1941), 잘 갔나요(1942), 앞으로 가는 길(1944), 그리고 1942년 특별 아카데미 상을 수상한 노 ë 카워드와 데이비드 린의 유명한 해군 영화 '우리가 섬기는 곳'과 같은 현실적인 전쟁 드라마로 영국 영화 산업에 르네상스를 일으켰습니다. 이것들은 셰익스피어의 역사 헨리 5세를 바탕으로 한 로렌스 올리비에1944년 영화 헨리 5세뿐만 아니라 마이클 파월에머릭 프레스버거의 "블림프 대령의 삶과 죽음" (1943), "캔터베리 이야기" (1944), "삶과 죽음문제" (1946)와 같은 더 화려한 영화들과 함께 존재했습니다. 백설공주와 일곱 난쟁이의 성공으로 디즈니는 피노키오 (1940), 판타지아 (1940), 덤보 (1941), 밤비 (1942)와 같은 더 많은 애니메이션 영화를 만들 수 있었습니다.

미국의 제2차 세계대전 참전은 애국심과 프로파간다로서의 영화의 확산을 가져왔습니다. 미국의 프로파간다 영화에는 '절망의 여행'(1942), '미세스 미니버'(1942), '영원하고 하루'(1943), '목표, 버마!'(1945)가 포함되었습니다. 전쟁 시대의 주목할 만한 미국 영화로는 대시엘 해밋이 대본을 쓴 라인강의 반나치 워치 (1943), 의심의 그림자 (1943), 히치콕 감독의 쏜튼 와일더 각본, 조지 M 등이 있습니다. 코한 전기 영화, James Cagney 주연의 Yankee Doodle Dandy (1942), 그리고 Humphrey Bogart와 함께 엄청나게 인기 있는 Casablanca. 보가트는 1934년과 1942년 사이에 존 휴스턴의 "말티즈 팰컨" (1941)을 포함한 36편의 영화에 출연했는데, 이 영화는 현재 고전 영화 느와르로 간주되는 첫 번째 영화 중 하나입니다. 1941년, RKO 픽처스오슨 웰즈가 만든 시티즌 케인을 공개했습니다. 이 영화는 종종 역사상 가장 위대한 영화로 여겨집니다. 그것은 영화 이야기에 혁명을 일으켰기 때문에 현대 영화를 위한 발판을 마련할 것입니다.

전시의 제약은 또한 더 환상적인 주제에 대한 관심을 가져왔습니다. 여기에는 영국의 게인즈버러 멜로드라마('더 맨 인 그레이'와 '위키드 레이디'를 포함)와 '왔다 조던', '천국은 기다릴 수 있다', '나는 마녀와 결혼했다', '영혼을 사랑합니다'와 같은 영화들이 포함되었습니다. 발 르튼은 또한 분위기 있고 영향력 있는 소규모 공포 영화 시리즈를 제작했는데, 그 중 일부는 캣 피플, 아일 오브 데드, 그리고 더 바디 스내처입니다. 10년은 또한 나우, 보이저, 랜덤 하베스트, 마일드레드 피어스와 같은 소위 "여성 사진"이 인기의 정점에 있는 것을 보았을 것입니다.

1946년 RKO 라디오는 이탈리아 태생의 영화제작자 프랭크 카프라가 감독한 It's a Wonderful Life를 발표했습니다. 전쟁에서 돌아오는 군인들은 "우리 생애 최고의 해"와 같은 영화에 영감을 제공할 것이고, 영화 산업에 종사하는 많은 사람들은 전쟁 동안 어느 정도의 자격으로 복무했습니다. 새뮤얼 풀러의 제2차 세계 대전에서의 경험은 빅 레드 원과 같은 그의 후기 수십 년 동안의 대부분의 자전적인 영화에 영향을 미쳤을 것입니다. 액터스 스튜디오는 1947년 10월 엘리아 카잔, 로버트 루이스, 셰릴 크로포드가 설립했으며, 같은 해 오스카 피싱거가 모션 페인팅 1호를 촬영했습니다.

이탈리아 신현실주의 영화 자전거 도둑들 (1948) 고전 영화의[98] 일부로 여겨지는 Vittorio De Sica

1943년 오세션은 이탈리아에서 상영되어 이탈리아 신현실주의의 시작을 알렸습니다. 1940년대에 이러한 유형의 주요 영화로는 자전거 도둑들, 로마, 오픈 시티, 라 테라 트레마 등이 있습니다. 1952년에 움베르토 D가 개봉되었는데, 보통 이러한 유형의 마지막 영화로 여겨집니다.

1940년대 후반, 영국에서, 일링 스튜디오위스키 갈로레!, 패스포트 핌리코, 친절한 하트와 코로넷, 그리고 하얀 옷입은 남자를 포함한 그들의 일련의 유명한 코미디를 시작했고, 캐롤 리드는 그의 영향력 있는 스릴러 영화인 오드아웃, 폴른 아이돌, 그리고 세 번째 남자를 감독했습니다. David Lean 또한 Brief Concept와 그의 Dickens 각색작품인 Great ExpectsOliver Twist로 세계 영화계에서 빠르게 영향력을 행사하고 있었고, Michael PowellEmeric PressburgerBlack NarcissusThe Red Shoes와 같은 영화들로 최고의 창조적인 협력관계를 경험할 것입니다.

1950년대

찰튼 헤스턴 주연의 1950년 할리우드 영화 줄리어스 시저의 제작 장면
살라 줄피카르샤디아가 출연한 1956년 이집트 영화 'Wakeful Eyes' 포스터

1950년대 초, 하원 비미국 활동 위원회는 할리우드를 조사했습니다. 위원회에 앞서 할리우드 텐의 항의를 받은 청문회는 차예프스키, 찰리 채플린, 돌턴 트럼보 등 많은 배우, 작가, 감독들의 블랙리스트 작성 결과를 낳았고, 이들 중 상당수는 유럽, 특히 영국으로 도피했습니다.

냉전시대 시대의 시대정신은 사악한 외계인들의 군대를 침략하는 것(몸을 훔치는 자들의 침략, 세계전쟁)과 공산주의 제5칼럼니스트(만주 후보)와 같은 주제로 나타나는 일종의 편집증으로 해석됩니다.

전후 바로 몇 년 동안 영화 산업 또한 텔레비전에 의해 위협을 받았고, 미디어의 인기가 높아짐에 따라 일부 영화관이 파산하고 문을 닫게 되었습니다. "스튜디오 시스템"의 붕괴는 선셋 대로(1950)와 과 미(1952)와 같은 영화들의 자기 해설을 촉발시켰습니다.

1950년, 레트리스주의자들은 이시도어 이소우의 슬라임과 영원에 관한 논문이 상영된 칸 영화제에서 폭동을 일으켰습니다. 찰리 채플린에 대한 비판과 운동과의 분열 이후, 울트라 레트리스트들은 그들의 새로운 하이퍼그래픽 기술을 보여줄 때 계속해서 혼란을 일으켰습니다. 가장 악명 높은 영화는 1952년 가이 데보드의 '세이드를 위한 울부짖음'입니다. 폐쇄된 극장의 수가 증가함에 따라 어려움을 겪고 있는 스튜디오와 회사들은 관객들을 되살릴 새롭고 혁신적인 방법을 찾을 것입니다. 여기에는 새로운 화면 형식으로 매력을 넓히려는 시도가 포함되었습니다. 1967년까지 20세기 폭스 영화로 남아있던 시네마스코프는 1953년 영화 로브로 발표되었습니다. VistaVision, Cinerama, Todd-AO는 점점 줄어드는 미국 관객들에게 영화를 마케팅하는 "큰 것이 더 낫다"는 접근법을 자랑했습니다. 이는 새로운 대형 스크린 포맷을 활용하기 위한 서사 영화의 부활이라는 결과를 낳았습니다. 이러한 성서와 역사적인 장관의 가장 성공적인 예로는 십계명 (1956), 바이킹 (1958), 벤허 (1959), 스파르타쿠스 (1960), 시드 (1961) 등이 있습니다. 또한 이 기간 동안, 마이크 토드가 죽기 직전에 개발한 오클라호마! (1955), 80일간세계일주 (1956), 남태평양 (1958), 클레오파트라 (1963) 등을 포함한 많은 다른 중요한 영화들이 토드-AO에서 제작되었습니다.

관객들을 끌어들이기 위해 기믹도 확산되었습니다. 3-D 영화의 유행은 1952년부터 1954년까지 단 2년 동안만 지속되었고, '하우스 오브 왁스'와 '블랙 라군'의 판매를 도왔습니다. 제작자 윌리엄 캐슬은 《Emergo》가 등장하는 영화들을 홍보했는데, 이 영화들은 1960년대 내내 캐슬과 다른 사람들에게 인기 있는 마케팅 도구로 남아있을 일련의 속임수들 중 첫 번째 작품입니다.

1954년, 도로시 댄드리지는 영화 카만 존스에서의 역할로 오스카에서 여우주연상 후보에 올랐습니다. 그녀는 이 상의 후보에 오른 최초의 흑인 여성이 되었습니다.[99]

미국에서는 블랙보드 정글(1955), 워터프론트(1954), 패디 차예프스키마티, 레지널드 로즈12인의 분노한 남자(1957) 등 할리우드 영화에서 2차 세계대전 이후의 정착과 사회적 규범에 의문을 제기하는 경향이 반영됐습니다. 디즈니는 특히 신데렐라(1950), 피터팬(1953), 레이디와 트램프(1955), 잠자는 숲속의 미녀(1959) 등 애니메이션 영화를 계속해서 만들었습니다. 그러나 그는 실사 영화에 더 많이 참여하기 시작했고, 해저 2만 리그 (1954)와 올드 옐러 (1957)와 같은 고전 영화를 제작했습니다. 텔레비전은 극장에서 상영되는 영화들과 심각하게 경쟁하기 시작했지만, 놀랍게도 그것은 영화를 축소하기 보다는 더 많은 영화 제작을 촉진했습니다.

조명은 아마도 적어도 한 가지 흥미로운 측면에서 독특한 영화일 것입니다. 찰리 채플린(Charlie Chaplin)과 클레어 블룸(Claire Bloom)이라는 두 회사는 자그마치 3세기 동안 업계에 있었습니다. 19세기에 채플린은 8살의 나이로 1897년 클로그 댄스 극단인 '에이트 랭커스터 래즈'에서 연극 무대에 데뷔했습니다. 21세기에도 블룸은 2022년까지 제작된 수십 편의 영화와 텔레비전 시리즈에 출연하며 여전히 풍부하고 생산적인 경력을 누리고 있습니다. 그녀는 킹스스피치(2010)에서의 역할로 특히 호평을 받았습니다.

아시아 영화의 황금기

일본 영화감독 구로사와 아키라

1940년대 제2차 세계 대전이 끝난 후, 그 다음 10년 동안, 1950년대는 비영어권 세계 영화,[100][101] 특히 아시아 영화의 '황금 시대'를 기념했습니다.[102][103] 오즈 야스지로 감독의 도쿄 스토리(1953), 사티아짓 레이 감독의 아푸 3부작(1955-1959), 잘사가르(1958), 미조구치 겐지 감독의 우게츠 감독과 보석상 산쇼 감독(1954), 라즈 카푸어 감독의 아와라 감독(1951), 나루세 미키오 감독의 뜬구름(1955), 구루 뒤트퓌아사(1957)와 카가즈 케 풀(1959), 구로사와 아키라의 영화 라쇼몬(1950), 이키루(1952), 일곱 사무라이(1954), 왕좌(1957).[102][103]

1950년대 일본 영화 '황금시대' 동안 성공적인 영화로는 라쇼몬(1950), 일곱 사무라이(1954), 구로사와 아키라(1958)의 히든 포트리스(1958), 오즈 야스지로(1953)의 도쿄 스토리(1953), 혼다 이시로(1954)의 고질라(1954) 등이 있습니다.[104] 이 영화들은 세계 영화에 지대한 영향을 끼쳤습니다. 특히 구로사와 감독의 '7인의 사무라이'는 '위대한 7인'(1960), '별들을 초월한 전투'(1980)와 같은 서구 영화로 여러 차례 리메이크되었으며, 숄레이(1975), 차이나 게이트(1998)와 같은 여러 발리우드 영화에도 영감을 주었습니다. 라쇼몬은 또한 "분노"(1964)로 리메이크되었고, "라쇼몬 효과"라는 스토리텔링 방식으로 영화에 영감을 주었습니다. 안다 날(1954), "평범한 용의자들(1995)", "히어로(2002)". 숨겨진 요새는 또한 조지 루카스스타워즈 (1977)의 배경에 영감을 주었습니다. 이 시기의 다른 유명한 일본 영화 제작자들은 미조구치 켄지, 나루세 미키오, 이나가키 히로시 그리고 오시마 나기사를 포함합니다.[102] 일본 영화는 후에 1960년대에서 1980년대의 뉴 할리우드 운동의 배경이 된 주요한 영감 중 하나가 되었습니다.

1950년대 인도 영화의 '황금시대' 동안 매년 200편의 영화를 제작하고 있었고, 인도 독립영화는 국제 영화제를 통해 더 큰 인지도를 얻었습니다. One of the most famous was The Apu Trilogy (1955–1959) from critically acclaimed Bengali film director Satyajit Ray, whose films had a profound influence on world cinema, with directors such as Akira Kurosawa,[105] Martin Scorsese,[106][107] James Ivory,[108] Abbas Kiarostami, Elia Kazan, François Truffaut,[109] Steven Spielberg,[110][111] Carlos Saura,[112] Jean-Luc Godard,[113] 다카하타 이사오,[114] 그레고리 나바, 아이라 삭스, 웨스 앤더슨[115], 대니 보일[116] 그의 영화 스타일에 영향을 받았습니다. 애틀랜틱 월간지의 마이클 스라고우(Michael Sragow)에 따르면, "50년대 중반부터 예술 하우스에 홍수가 난 청춘 드라마는 아푸 3부작에 엄청난 빚을 지고 있습니다."[117] 서브라타 미트라바운스 조명의 촬영 기법 또한 아푸 트릴로지에서 비롯되었습니다.[118] 이 시기의 다른 유명한 인도 영화 제작자들은 Guru Dutt,[102] Ritwik Ghatak,[103] Mrinal Sen, Raj Kapoor, Bimal Roy, K. Asif 그리고 Mehboob Khan을 포함합니다.[119]

한국의 영화 또한 1950년대에 이규환 감독의 춘향전(1955)의 엄청나게 성공적인 리메이크를 시작으로 '황금시대'를 경험했습니다.[120] 그 해에는 유명한 김기영 감독의 양산 출소도 있어 생산적인 경력의 시작을 알렸습니다. 영화 제작의 질과 양 모두 1950년대 말까지 빠르게 증가했습니다. 이병일 감독의 1956년 코미디 시집가누날과 같은 한국 영화들이 국제적인 상을 받기 시작했습니다. 1년에 5편의 영화만 제작되던 1950년대 초반과 대조적으로 1959년 한국에서는 111편의 영화가 제작되었습니다.[121]

1950년대는 또한 필리핀 영화의 '황금 시대'였고, 더 예술적이고 성숙한 영화들이 출현했고, 영화 제작자들 사이에서 영화 기술이 크게 향상되었습니다. 스튜디오 시스템은 매년 많은 영화가 만들어지고 여러 지역 인재들이 해외에서 인정을 받기 시작하면서 현지 영화 산업에서 광적인 활동을 했습니다. 그 시대의 최초의 필리핀 감독은 헤라르도 레온, 그레고리오 페르난데스, 에디 로메로, 람베르토 아벨라나, 그리고 시리오 산티아고를 포함했습니다.[122][123]

1960년대

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살라 줄피카르나디아 럿피 인 더 빅토리우스 (1963)

1960년대 동안 할리우드의 스튜디오 시스템은 쇠퇴했는데, 많은 영화들이 다른 나라에서 제작되거나 영국의 파인우드나 로마의 시네시타와 같은 해외 스튜디오 시설을 사용하고 있었기 때문입니다. 할리우드 영화들은 여전히 주로 가족 관객들을 대상으로 했고, 스튜디오의 가장 큰 성공을 거둔 것은 종종 구식 영화들이었습니다. 메리 포핀스 (1964), 마이 페어 레이디 (1964) 그리고 사운드 오브 뮤직 (1965)과 같은 작품들은 10년 동안 가장 큰 돈을 번 작품들 중 하나였습니다. 독립 제작사와 제작사의 성장, 개별 배우들의 힘의 증가도 전통적인 할리우드 스튜디오 제작의 쇠퇴의 한 원인이 되었습니다.

이 시기 미국에서도 외국어 영화에 대한 인식이 높아졌습니다. 1950년대 후반과 1960년대에 프랑수아 트뤼포와 장 뤽 고다르와 같은 프랑스 뉴웨이브 감독들은 할리우드 영화의 서사 구조의 규칙을 깬 레스콰르트르센트 쿠데타, 숨가쁜 그리고 쥘리제 짐과 같은 영화를 제작했습니다. 또한, 관객들은 페데리코 펠리니의 라 돌체 비타 (1960), 8 ½ (1963) 그리고 스웨덴의 잉마르 베르그만의 극명한 드라마와 같은 이탈리아 영화에 대해 알게 되었습니다.

영국에서는, 린제이 앤더슨, 토니 리차드슨 등의 영화 "프리 시네마"가 토요일 밤과 일요일 아침, "A Kind of Loving"과 "This Sporting Life"를 포함한 현실적이고 혁신적인 드라마 그룹으로 이어집니다. Repulse, Darling, Alfie, Blowup, Georgy Girl (모두 1965-1966년)과 같은 다른 영국 영화들은 스크린에서의 섹스와 나체에 대한 금지를 줄이는 데 도움을 준 반면, 1962년 닥터 노를 시작으로 한 제임스 본드 영화들의 캐주얼한 섹스와 폭력은 이 시리즈를 세계적으로 인기 있게 만들었습니다.

1960년대에 오스마네 셈벤은 여러 편의 프랑스어 영화와 월로프어 영화를 제작하여 아프리카 영화의 아버지가 되었습니다. 라틴 아메리카에서 "할리우드" 모델의 우위는 많은 영화 제작자들에 의해 도전을 받았습니다. 페르난도 솔라나스(Fernando Solanas)와 옥타비오 게티노(Octavio Getino)는 할리우드 및 유럽의 자동차 극장과 대조적으로 정치적으로 참여하는 제3의 극장을 요구했습니다.

이집트에서는 1960년대에도 많은 감독들의 손에 의해 이집트 영화의 황금기가 이어졌으며, 당시 이집트 영화는 소드 호스니와 같은 여성들을 크게 높이 평가했습니다. Ezz El-Dine Zulfikar, Salah Zulfikar 그리고 Mahmoud Zulfikar 형제는 Ez El Dine Zulfikar의 The River of Love (1960),[125] Mahmoud ZulfikarSoft Hands (1964), 그리고 Salah ZulfikarSalah Zulfikar Films 제작사가 출연한 Dearer Than My Life (1965)를 [124]포함한 많은 제작사들과 데이트를 했습니다. 사무총장(1966)[126]과 유세프 차히네의 살라딘(1963).[127][128]

게다가, 그 시대의 핵 편집증과 1962년 쿠바 미사일 위기 당시 소련과의 긴밀한 통화와 같은 종말론적인 핵 교환의 위협은 영화계 내에서도 반응을 촉발시켰습니다. 스탠리 큐브릭 닥터 스트레인지러브헨리 폰다와 함께한 페일 세이프 같은 영화들은 한때 노골적인 애국심과 전시 선전으로 유명했던 할리우드에서 제작되었습니다.

다큐멘터리 영화에서 60년대에는 영화 제작의 관찰 스타일인 다이렉트 시네마의 꽃이 피었고, 에밀안토니오베트남 전쟁에 관한 돼지의 해와 같은 더 명백하게 당파적인 영화들이 출현했습니다. 그러나 1960년대 후반까지 할리우드 영화 제작자들은 보니와 클라이드 (1967), 졸업생 (1967), 2001: 스페이스 오디세이 (1968), 로즈마리의 아기 (1968), 미드나잇 카우보이 (1969), 이지 라이더(1969)와 와일드 번치(1969). 보니와 클라이드는 종종 소위할리우드의 시작으로 여겨집니다.

일본 영화에서는 아카데미상을 수상한 구로사와 아키라 감독이 요짐보(1961)를 제작했는데, 이는 그의 전작들과 마찬가지로 전 세계적으로도 지대한 영향을 미쳤습니다. 이 영화의 영향은 Sergio Leon 감독의 "A Fistful of Dollars" (1964)와 Walter Hill 감독의 "Last Man Standing" (1996)에서 가장 잘 드러납니다. 요짐보는 "이름 없는 남자" 유행의 원조이기도 했습니다.

1970년대

뉴 할리우드는 1950년대와 1960년대 스튜디오 시스템의 쇠퇴와 1968년 MPA 영화 등급 시스템으로 대체된 제작 코드가 끝난 후의 시기입니다. 1970년대 동안, 영화 제작자들은 점점 더 노골적인 성적인 내용을 묘사했고, 피비린내 나는 죽음의 그래픽 이미지를 포함한 총격전과 전투 장면을 보여주었습니다. 이것의 주목할 만한 예는 Wes Craven의 "The Last House on the Left" (1972)입니다.

포스트 클래식 영화는 뉴 할리우드 제작자들의 변화하는 스토리텔링 방식입니다. 고전/황금 시대 동안 획득된 관객의 기대에 따라 연기되는 새로운 방식의 드라마와 캐릭터화: 스토리 연대기는 스크램블 될 수 있고, 스토리 라인은 불안한 "뒤틀림"을 특징으로 할 수 있으며, 주인공들은 도덕적으로 모호한 방식으로 행동할 수 있으며, 적대자와 주인공 사이의 선이 흐려질 수 있습니다. 고전 이후의 스토리텔링의 시작은 1940년대와 1950년대의 느와르 영화, 이유 없는 반항아 (1955)와 같은 영화, 그리고 히치콕의 사이코 (Psychock's Psycho)에서 볼 수 있습니다. 1971년은 빨대 도그 (Straw Dogs), 시계 바늘 오렌지 (A Clockwork Orange), 프렌치 커넥션 (The French Connection), 그리고 더티 해리 (Dirty Harry)와 같은 논란이 많은 영화의 개봉을 기념했습니다. 이것은 영화에서 폭력이 증가하는 것으로 인식되는 것에 대한 뜨거운 논란을 촉발시켰습니다.

1970년대에 마틴 스콜세지, 프란시스 포드 코폴라, 조지 루카스, 우디 앨런, 테런스 말릭, 로버트 알트먼 등과 같은 새로운 미국 영화 제작자 그룹이 나타났습니다. 이것은 영화 감독의 영화가 그들의 개인적인 비전과 창조적인 통찰력을 표현한다고 가정한 영화 문학과 미디어에서 작가 이론의 인기가 증가하고 있는 것과 일치했습니다. 영화 제작의 아우터 스타일의 발전은 이 감독들이 그들의 프로젝트를 이전 시대에 가능했던 것보다 훨씬 더 많이 통제할 수 있도록 도와주었습니다. 이것은 스코세이지의 택시 운전사, 코폴라의 대부 영화, 윌리엄 프리드킨의 엑소시스트, 알트만의 내슈빌, 앨런의 애니 과 맨해튼, 말릭의 배드랜드데이즈 오브 헤븐, 폴란드 이민자 로만 폴란스키의 차이나타운과 같은 몇몇 위대한 비평적이고 상업적인 성공으로 이어졌습니다. 그러나 그것은 또한 피터 보그다노비치의 "마지막 사랑에서"와 마이클 치미노의 엄청나게 비싼 서양 서사시 "천국의 문"을 포함하여, 그것의 후원자인 United Artists의 죽음을 가져오는데 도움을 준 일부 실패를 초래했습니다.

헤븐스 게이트의 재정적 재앙은 영화를 개발할 수 있는 자유로운 창조적이고 재정적인 자유를 가졌던 "뉴 할리우드"의 선견지명 있는 "오토우" 감독들의 마지막을 장식했습니다. 1970년대 스필버그죠스의 경이적인 성공은 현대의 "블록버스터"의 개념에서 비롯되었습니다. 하지만, 조지 루카스의 1977년 영화 스타워즈의 엄청난 성공은 블록버스터 영화 제작의 대중화 이상의 것을 가져왔습니다. 특수 효과, 음향 편집 및 음악의 혁명적인 사용은 1970년대의 가장 영향력 있는 영화일 뿐만 아니라 매체의 역사에서 가장 중요한 단일 영화 중 하나로 널리 알려지게 만들었습니다. 할리우드 스튜디오들은 점점 더 대규모 마케팅과 홍보 캠페인을 통해 적은 수의 매우 큰 예산의 영화를 제작하는 데 집중하고 있습니다. 이러한 경향은 이미 '포세이돈 어드벤처'와 '타워링 인페르노'와 같은 재난 영화들의 상업적인 성공에 의해 예견되었습니다.

1970년대 중반, 완곡한 표현으로 "어른 영화관"이라고 불리는 포르노 극장이 더 많이 설립되었고, 하드코어 포르노 영화의 합법적인 제작이 시작되었습니다. 딥 스로우트와 그 스타 린다 러브레이스와 같은 포르노 영화들은 대중 문화 현상이 되었고 많은 유사한 성 영화들을 만들어냈습니다. 1980년대에 가정용 VCR과 포르노 비디오 테이프의 대중화로 인해 관객들이 집에서 성 영화를 볼 수 있게 되면서 포르노 영화관은 마침내 사라졌습니다. 1970년대 초, 영어권 관객들은 베르너 헤르조그, 레이너 베르너 파스빈더, 윔 벤더스와 함께 새로운 서독 영화에 대해 더 많이 알게 되었습니다.

세계 영화계에서 1970년대 무술 영화의 인기는 극적으로 증가했는데, 이는 주로 중국 전통 무술 영화의 예술적 스타일에서 벗어나 지트쿤도 스타일로 훨씬 더 큰 사실감을 더한 이소룡에 의해 재창조되었기 때문입니다. 이것은 아시아 전역에서 큰 성공을 거둔 The Big Boss (1971)로부터 시작되었습니다. 하지만, 그는 1973년 그의 죽음 직후까지 서구 세계에서 명성을 얻지 못했고, 그 때 엔터 더 드래곤이 개봉했습니다. 이 영화는 영화 역사상 가장 성공적인 무술 영화가 되었고, 무술 영화 장르를 전 세계에 대중화 시켰으며, 문화 아이콘으로서의 이소룡의 지위를 굳혔습니다. 그러나 홍콩 액션 영화는 "Bruceplication" 영화의 물결로 인해 쇠퇴했습니다. 경향은 결국 1978년 위안우핑이 감독하고 성룡이 주연한 무술 코미디 영화 독수리 그림자만취한 주인이 1980년대 홍콩 액션 영화의 부상을 위한 기초를 닦으면서 끝이 났습니다.

이 시기에 할리우드에서 뮤지컬 영화 장르가 쇠퇴한 반면, 뮤지컬 영화는 빠르게 인기를 얻고 있었고, 그곳에서 "발리우드"라는 용어는 남아시아 영화를 지배하게 된 봄베이(현재 뭄바이)의 성장하는 힌디어 영화 산업을 위해 만들어졌습니다. 비평가들의 극찬을 받은 벵골 영화계의 인기를 추월했습니다. 힌디어 영화 제작자들은 할리우드 음악 공식과 고대 인도 연극의 관습을 결합하여 20세기 후반 내내 인도 영화를 지배했던 "마살라"라는 새로운 영화 장르를 만들었습니다.[129] 이 "마살라" 영화들은 액션, 코미디, 드라마, 로맨스, 멜로를 동시에 묘사했고, "filmi" 노래와 춤 루틴을 던졌습니다. 이 경향은 만모한 데사이가 감독하고 남아시아에서 가장 인기 있는 영화 스타 중 한 명으로 남아 있는 아미타브 바흐찬이 주연한 영화에서 시작되었습니다. 역사상 가장 인기 있는 인도 영화는 구로사와 감독의 '일곱 사무라이'와 '스파게티 웨스턴' 뿐만 아니라 실제 다코트에서 영감을 얻은 '마살라' 영화인 숄레이(1975)였습니다.

10년의 끝은 피터 위어의 영화 '피크닉 행잉 록'과 프레드 셰피시의 '지미 블랙스미스의 찬트'가 비평가들의 호평을 얻으면서 호주 영화의 첫 번째 주요 국제 마케팅이 이루어졌습니다. 1979년, 호주의 영화감독 조지 밀러도 폭력적이고 저예산 액션 영화 매드 맥스로 국제적인 주목을 받았습니다.

1980년대

1980년대 동안, 관객들은 점점 더 그들의 집 VCR로 영화를 보기 시작했습니다. 그 10년의 초기에 영화 스튜디오는 VCR의 주택 소유를 저작권 위반으로 금지하기 위해 법적 조치를 시도했지만 성공하지 못했습니다. 결국, 가정용 비디오에서 영화를 판매하고 대여하는 것은 영화 전시를 위한 중요한 "제2의 장소"가 되었고, 영화 산업의 추가적인 수익원이 되었습니다. 비디오에 직접 접속하는 시장은 일반적으로 텔레비전과 극장 개봉물의 일반 관객들에게 그다지 적합하지 않다고 생각되는 낮은 품질의 저렴한 제작물을 제공했습니다.

루카스-슈필버그 콤바인은 1980년대의 대부분 동안 할리우드 영화를 지배했고, 많은 모방을 이끌었습니다. 스타워즈의 두 편의 후속작, 세 편의 죠스, 세 편의 인디아나 존스 영화는 성공적인 영화들의 속편들을 그 어느 때보다 기대하게 만드는 데 도움을 주었습니다. 루카스는 1982년에 루카스 필름의 한 부서인 THX Ltd를 시작했고,[130] 스필버그는 같은 해 E.T.에서 10년 동안 가장 큰 성공들 중 하나를 누렸습니다. 1982년에는 컴퓨터 그래픽을 광범위하게 사용한 주요 스튜디오의 첫 번째 영화들 중 하나인 디즈니의 트론의 개봉도 보았습니다. 비록 마틴 스코세이지 감독의 분노의 황소 (1980), 애프터 아워 (1985), 코미디제왕 (1983)이 그를 이 시대 가장 비평가들에게 호평을 받은 미국 영화 제작자들 중 한 명으로 자리매김하는 데 도움을 주었지만, 미국 독립 영화는 10년 동안 더 어려움을 겪었습니다. 또한 1983년에 스카페이스가 출시되었는데, 이것은 매우 수익성이 높았고 주연 배우 알 파치노로 인해 더욱 큰 명성을 얻었습니다. 팀 버튼의 1989년 버전의 밥 케인의 창작물배트맨은 잭 니콜슨조커를 묘사한 것을 보았고, 그는 그의 총수입의 비율을 포함한 후 6천만 달러에서 9천만 달러를 벌었습니다.[131]

1980년대 초 데이비드 퍼트넘의 영화사 골드크레스트 필름의 등장으로 영국 영화가 활기를 띠게 되었습니다. 영화 '전차', '간디', '킬링필드', '전망보이는 방'은 할리우드 메이저 스튜디오들에 의해 점점 더 무시되고 있는 '중도층' 관객들에게 어필했습니다. 1970년대의 영화들이 현대 블록버스터 영화를 정의하는 데 도움을 주었지만, "할리우드"의 영화 개봉 방식은 이제 바뀔 것입니다. 영화는 대부분 더 많은 극장에서 초연되지만, 현재까지도 일부 영화는 제한/로드쇼 개봉 시스템의 경로를 사용하여 초연됩니다. 어떤 기대와는 달리, 멀티플렉스 영화관의 부상은 더 적은 주류 영화들을 상영하는 것을 허용하지 않았고, 단지 주요 블록버스터들에게 훨씬 더 많은 상영 횟수가 주어질 수 있도록 했습니다. 그러나 영화관에서 간과되었던 영화들은 점점 더 가정용 비디오에서 두 번째 기회를 얻고 있었습니다.

1980년대에 일본 영화는 애니메이션 영화의 성공으로 인해 부활을 경험했습니다. 1980년대 초, TV 시리즈로 성공하지 못했던 우주전함 야마토(1973)와 기동전사 건담(1979)이 영화로 리메이크되어 일본에서 큰 성공을 거두었습니다. 특히 모바일 슈트 건담리얼 로봇 메카 애니메이션의 건담 프랜차이즈를 촉발시켰습니다. Macross의 성공: 당신은 사랑을 기억하나요?는 또한 메카 애니메이션의 Macross 프랜차이즈를 촉발시켰습니다. 이것은 스튜디오 지브리가 설립된 10년이기도 했습니다. 미야자키 하야오 감독의 첫 번째 판타지 영화바람의 계곡의 나우시카애(1984)와 하늘의 성(1986), 다카하타 이사오 감독의 반딧불의 묘(1988)를 제작하였으며, 이 영화들은 모두 일본에서 큰 성공을 거두며 세계적인 호평을 받았습니다. OVA 영화들 또한 이 10년 동안 시작되었습니다. 이러한 초기 OVA 영화들 중 가장 영향력 있는 것은 이시구로 노보루 감독의 사이버 펑크 영화 메가존 23 (1985)입니다. 이 10년 동안 가장 유명한 애니메이션 영화는 오토모 카츠히로의 사이버펑크 영화 아키라(1988)로 처음에는 일본 극장에서 성공하지 못했지만 국제적인 성공을 거두었습니다.

이소룡의 죽음 이후 끝없는 브루스 포섭 영화들로 인해 쇠락 상태에 빠졌던 홍콩 액션 영화도 1980년대에 부활을 경험했는데, 이는 성룡의 액션 영화 장르의 재창조가 크게 작용한 것입니다. 그는 이전에 1978년 영화 독수리 그림자과 만취한 주인에서 코미디 영화무술 영화 장르를 성공적으로 결합시켰습니다. 그가 취한 다음 조치는 이 코미디 무술 장르와 무성 영화 시대를 연상시키는 정교하고 위험한 묘기에 대한 새로운 강조를 결합하는 것이었습니다. 이 새로운 스타일의 액션 영화의 첫 번째 영화는 프로젝트 A(1983)로, 성룡 스턴트 팀과 "삼형제"(찬, 삼모흥, 위안뱌오)가 결성되었습니다. 이 영화는 싸움과 슬랩스틱 유머에 정교하고 위험한 묘기를 더했고, 극동 전역에서 큰 성공을 거두었습니다. 그 결과, 성룡은 더 정교하고 위험한 묘기를 포함하는 무술 액션 영화들로 이러한 경향을 이어갔습니다. 식사 바퀴 (1984), 경찰 이야기 (1985), 갑옷 (1986), 프로젝트 A 파트 2 (1987), 경찰 이야기 2 (1988), 드래곤즈 포에버 (1988). 1980년대에 시작된 다른 새로운 트렌드는 미셸 여가 명성을 얻은 "을 든 소녀들"의 하위 장르였고, 특히 존 우가 개척하고 주윤발이 유명해진 트라이어드를 중심으로 한 "영웅적인 유혈" 장르였습니다. 이러한 홍콩 액션 트렌드는 이후 1990년대와 2000년대에 많은 할리우드 액션 영화들에 의해 채택되었습니다.

1990년대

1990년대 초 미국에서 상업적으로 성공적인 독립 영화의 발전이 있었습니다. 비록 영화가 점점 더 터미네이터 2: 심판의 날 (1991), 쥬라기 공원 (1993) 그리고 타이타닉 (1997)과 같은 특수효과 영화들에 의해 지배되었지만, 후자는 또한 제임스 카메론에 의해 감독된 아바타 (2009)까지, 스티븐 소더버그섹스, 거짓말과 같은 독립 영화들, 그리고 비디오테이프(1989)와 쿠엔틴 타란티노저수지 개(1992)는 영화와 가정용 비디오 모두에서 상당한 상업적 성공을 거두었습니다.

덴마크 영화 운동 도그메 95와 관련된 영화 제작자들은 영화 제작을 정화하는 것을 목표로 하는 선언문을 소개했습니다. 처음 몇 편의 영화는 세계적인 비평가들의 찬사를 받았고, 그 후 이 운동은 서서히 사라졌습니다.

스코세이지의 굿펠라스는 1990년에 출시되었습니다. 이 영화는 많은 사람들에게 특히 갱스터 장르에서 가장 위대한 영화 중 하나로 여겨집니다. 그것은 스콜세지의 경력 중 가장 높은 지점이라고 합니다.

1995년 영화 관람

미국의 주요 스튜디오들은 자금을 조달하고 비주류 요금을 생산하기 위해 그들만의 "독립적인" 제작 회사를 만들기 시작했습니다. 1990년대의 가장 성공적인 독립영화 중 하나인 미라맥스 필름은 1994년 타란티노의 폭주 히트작 펄프 픽션이 개봉되기 바로 전 해에 디즈니에 의해 인수되었습니다. 같은 해 온라인에서 영화 및 비디오 배포가 시작되었습니다. 디즈니의 미녀와 야수(1991), 알라딘(1992), 라이언 킹(1994) 등 가족 관객을 겨냥한 애니메이션 영화들도 인기를 되찾았습니다. 1995년, 픽사 애니메이션 스튜디오가 제작하고 디즈니가 출시한 최초의 장편 컴퓨터 애니메이션 영화 토이 스토리. 토이 스토리의 성공 이후, 컴퓨터 애니메이션은 장편 애니메이션의 지배적인 기술로 성장할 것이고, 이것은 드림웍스, 20세기 폭스, 워너 브라더스와 같은 경쟁 영화 회사들이 그들만의 성공적인 영화로 디즈니와 효과적으로 경쟁할 수 있게 할 것입니다. 1990년대 후반, 또 다른 영화적 전환이 시작되었는데, 이는 물리적 영화 주식에서 디지털 영화 기술로 이어졌습니다. 한편 DVD는 VHS 테이프를 대체하는 소비자 비디오의 새로운 표준이 되었습니다.

2000년대

2000년대 후반부터 YouTube와 같은 스트리밍 미디어 플랫폼은 인터넷과 카메라(스마트폰의 표준 기능)에 액세스할 수 있는 모든 사람이 전 세계에 비디오를 게시할 수 있는 수단을 제공했습니다. 또한 비디오 게임다른 형태의 홈 엔터테인먼트의 인기 증가와 경쟁하면서, 업계는 새로운 3D 기술과 대서사시(판타지와 슈퍼히어로) 영화가 영화관의 주류가 되면서 다시 한번 극장 개봉을 더 매력적으로 만들기 시작했습니다.

이 다큐멘터리 영화는 또한 아마도 처음으로 상업 장르로 부상했는데, 영화 'March of the Penguins'와 'Michael Moore's Bowling for Columbine and Fahrenth 9/11'과 같은 영화들이 성공을 거두었습니다. Martin Kunert와 Eric Manes's Voices of Iraq로 새로운 장르가 만들어 졌는데, 그 때 150대의 저렴한 DV 카메라가 이라크 전역에 배포되어 일반인들을 협동 영화 제작자로 변화시켰습니다. 글래디에이터의 성공은 서사시 영화에 대한 관심의 부활로 이어졌고, 물랭 루즈!뮤지컬 영화에 대한 관심을 다시 갖게 되었습니다. 홈시어터 시스템은 점점 더 정교해 졌으며, 일부 특수판 DVD도 그 위에 상영되도록 설계되었습니다. 반지의 제왕 3부작은 극장판과 홈 시네마 관객만을 위한 특별 확장판으로 DVD로 발매되었습니다.

2001년에는 해리포터 영화 시리즈가 시작되었고, 2011년 말에는 마블 시네마틱 유니버스가 2015년에 통과할 때까지 역대 최고 수익을 올린 영화 프랜차이즈가 되었습니다.

더 많은 영화들이 또한 IMAX 영화관에 동시에 개봉되었고, 첫 번째는 2002년 디즈니 애니메이션인 트레저 플래닛에 있었고, 첫 번째 라이브 액션은 2003년의 매트릭스 레볼루션과 매트릭스 리로디드의 재발매였습니다. 10년 후, 다크 나이트는 IMAX 기술에서 적어도 부분적으로 촬영된 첫 번째 주요 장편 영화였습니다.

이 10년 동안 영화의 세계화가 증가하고 있으며, 외국어 영화가 영어권 시장에서 인기를 얻고 있습니다. 이러한 영화의 예로는 크라우칭 타이거, 히든 드래곤, 아멜리 (프랑스어), 라간 (힌디), 스피릿 어웨이 (일본어), 도시 (브라질 포르투갈어), 그리스도열정(아라마어), 아포칼립토(마야어), 잉글로리우스 바스터즈(유럽의 여러 언어). 이탈리아는 아카데미 외국어영화상에서 가장 많은 상을 받은 나라로 14개의 상과 3개의 특별상 그리고 31개의 후보에 올랐습니다.

2003년, 리얼리티 카메라 시스템으로 촬영된 첫 번째 장편 3-D IMAX 기능으로 출시된 제임스 카메론의 아비스유령이 3D 영화의 인기를 회복했습니다. 이 카메라 시스템은 필름이 아닌 최신 HD 비디오 카메라를 사용했으며 에미상이 지명한 사진 감독 빈스 페이스가 캐머런의 사양에 맞게 제작했습니다. Spy Kids 3D: Game Over (2003), Alien of the Deep IMAX (2005), 그리고 The Adventures of Sharkboy and Lavagirl (2005)을 3-D로 촬영하는데 동일한 카메라 시스템이 사용되었습니다.

제임스 카메론의 3D 영화 아바타가 역대 최고 수익을 올린 영화가 된 후, 3D 영화들은 많은 다른 영화들이 3D로 개봉되면서 잠시 인기를 얻었습니다. 유니버설 픽처스/일루미네이션 엔터테인먼트의 '비열한 나'와 드림웍스 애니메이션의 '드래곤 길들이기', '슈렉 포에버 애프터', '메가마인드'와 같은 장편 영화 애니메이션 분야에서 최고의 비평적이고 재정적인 성공을 거두었습니다. 아바타는 모션 캡처 기술의 고도로 정교한 사용을 개척하고 유인원행성의 상승과 같은 다른 여러 영화에 영향을 준 것으로도 주목할 만합니다.[132]

2010년대

2011년 기준으로 제작된 장편영화 수 기준으로 가장 큰 영화 산업은 인도, 미국, 중국, 나이지리아, 일본입니다.[133]

2010년, 오스카 역사상 최초로 감독상을 수상한 여성이 등장했습니다. Katherine Bigelow의 The Hurt Locker는 6개의 상을 받았습니다.[134]

할리우드에서는 마블DC 코믹스를 소재로 한 영화들이 현재까지 매년 정기적으로 개봉되는 등 슈퍼히어로 영화들의 인기와 재정적인 성공이 크게 증가하고 있습니다.[135] 2019년 현재 미국 박스오피스 수입에 관한 한 슈퍼히어로 장르가 가장 우세했습니다. 2019년 슈퍼히어로 영화 어벤져스: 엔드게임은 박스오피스에서 역대 가장 성공적인 영화였습니다.

2020년, 기생충은 아카데미 작품상을 수상한 최초의 국제 영화가 되었습니다.

2020년대

코로나19 범유행

COVID-19 팬데믹은 지역 및 국가 봉쇄에 대응하여 전 세계 영화관의 폐쇄를 초래했습니다. 2020년대 초에 개봉할 예정인 많은 영화들이 개발, 제작 및 배급 지연에 직면했고, 다른 영화들은 극장 창이 거의 없거나 아예 없는 스트리밍 서비스로 출시되었습니다.

참고 항목

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외부 링크